Фотография это искусство: Фотография — это искусство? • Arzamas

Содержание

Фотография — это искусство? • Arzamas

Вопрос о том, может ли фотография быть искусством, возник вместе с появ­лением самой фотографии. В середине XIX века выражались серьезные сомнения в том, что «машина» может заменить художника, а искусство может быть технологичным. В начале XXI века вопрос «является ли фото­графия искус­ством?» разворачивается уже по-другому: есть ли смысл в исканиях фото­графа-худож­ника, когда фотографическая технология доступна каждому и мир переполнен изображениями?

Почему фотографию сложно назвать искусством, что означает термин «художественная фотография», можно ли считать произведением искусства фотографию из семейного альбома, а также чем отличается «фотография художников» от «искусства фотографов» — об этом и многом другом расскажет Мария Гурьева.

Мария Гурьева © Государственный Эрмитаж

Мария Гурьева — кандидат наук, исследователь истории и теории фотогра­фии, преподаватель Санкт-Петербургского государственного университета и Санкт-Петербургского государственного института культуры, соорганизатор международной конференции по визуальным исследованиям «После (пост)фотографии».

Выставка к лекции

К каждой лекции сотрудники Российской государственной библиотеки готовят специальную тематическую мини-выставку из своих фондов, которая проходит в том же зале, что и сама лекция.

8 апреля посетители лекции увидят образцы ранней фотографии — дагерротип середины XIX века, оригинальные отпечатки с видами Санкт-Петербурга и Москвы 1860–70-х годов, снимок Моисея Наппельбаума с портретом Сергея Есенина. Впечатление о старой фотографии дополнят вид монастыря в Венеции, раскрашенный акварелью, и альбом любительских фотографий.

1 / 10

Вид на остров Сан-Ладзаро-дельи-Армени в Венецианской лагуне. 1860-е годы

Российская государственная библиотека

2 / 10

Петропавловская крепость. Фотография Альберта Фелиша. Санкт-Петербург, 1870-е годыРоссийская государственная библиотека

3 / 10

Исаакиевский собор. Фотография Альберта Фелиша. Санкт-Петербург, 1870-е годыРоссийская государственная библиотека

4 / 10

Московский Кремль. 1870-е годыРоссийская государственная библиотека

5 / 10

Крестный ход 19 мая 1869 года. Воскресенские ворота и Иверская часовня в Москве. Фотография Михаила Настюкова. 1860-е годыРоссийская государственная библиотека

6 / 10

Интерьер фотографического павильона на Политехнической выставке Императорского общества любителей естествознания, антропологии и этнографии. Москва, 1872 годРоссийская государственная библиотека

7 / 10

Альбом любительских фотографий. Россия, конец XIX — начало ХХ века

Российская государственная библиотека

8 / 10

Федор Тютчев. Фотография Генриха Деньера. Санкт-Петербург, 1865 годРоссийская государственная библиотека

9 / 10

Сергей Есенин. Фотография Моисея Наппельбаума. Москва, 1924 годРоссийская государственная библиотека

10 / 10

Портрет графини В. А. Шереметевой. Предположительно, ателье Иосифа Венингера. Санкт-ПетербургРоссийская государственная библиотека

Как попасть?

8 апреля

16:00

Москва

Конференц-зал РГБ

ул. Воздвиженка, 3/5, главное здание РГБ, 3-й подъезд, 3-й этаж

Фотография как искусство

Фотография фотографии рознь.

Снимки часто делаются только для того, чтобы остановить какие-то мгновения, сохранить память о событиях или местах, где человек побывал — мы называем этот жанр «Я и пальма». Но иногда хочется снять нечто такое, что будет пробуждать эмоции независимо от воспоминаний, хочется сделать снимок, который будет висеть на стене так, как будто он открывает окно в какой-то другой мир, — туда, где мы еще не были и вряд ли уже будем. Окно в мир искусства.

Да-да, это будет именно искусство, которое вы создали сами – не Микеланджело, не Сарьян и не Малевич — именно вы. А почему нет? Это доступно каждому. Надо только захотеть.

Именно тем, кто стремится делать такую фотографию, и пригодится наша Азбука. Для фотосессий класса «Я и пальма» все эти знания абсолютно не нужны – современные цифровые камеры настолько просты в обращении и настолько сложны внутри, что позволяют снимать «хроники жизни» без малейших усилий, без духовной перегрузки — и с великолепными результатами, которыми можно под завязку набить толстенький альбомчик 10х15.

Как определить — искусство или нет?

Если при взгляде на чужую фотографию вам жаль, что не вы ее сделали – это искусство. Шутка. Но только почти.

Положим, свои шедевры мы всегда знаем — только не нужно пытаться убеждать себя в обратном. Некоторые фотографы так упорно стараются добиться абсолютного совершенства, что простыми рядовыми удачами пренебрегают. И тем самым обедняют и себя, и нас. Другие же, напротив, каждый свой снимок видят только в розовом фильтре и лишают себя роскоши критической оценки.

Если вам удастся избегнуть таких крайностей (а крайности всегда крайне вредны), то останется только прислушаться к внутреннему голосу. Своему. Он вас никогда не обманет. Ведь главное — чтобы снимок нравился вам самому. Создателю.

И если вам снимок нравится — это искусство. А настоящее искусство достойно выхода в массы — в печать и в свет.

 Печать как заветный результат

Ваш замечательный снимок станет настоящим шедевром лишь после того, как Вы его представите на суд зрителя. Хотя, уже на пороге времена, когда в галереях или на стенах квартир будут висеть плазменные панели для демонстрации картин (настольные электронные рамки уже вовсю продаются в магазинах), но  самым простым способом овеществления шедевра все-таки остается печать.

После появления более-менее дешевых струйных принтеров стало возможно печатать фотографии прямо на дому, а главное — стало возможно управлять качеством и процессом печати.

Управлять процессом — это очень важно. Наверное, каждый владелец камеры хотя бы раз оказывался в такой ситуации: приходите вы в лабораторию получать фотографии, а они…

  • слишком красные…
  • слишком синие…
  • слишком мутные!
  • …да это вообще не ваши фотографии!!!

Поэтому печатать снимки дома — надежнее. Придется потратиться на бумагу (которая чем лучше – тем дороже!) и на чернила (которые бывают оригинальные — т.е. от производителя вашего принтера, а бывают дешевле — т.е. не от производителя вашего принтера).

Сделать качественный отпечаток дома не так уж просто. Прежде всего, принтер и монитор нужно откалибровать, для чего придется воспользоваться специальным оборудованием. Понадобятся также навыки в управлении цветом (color management), изменении контраста, цвета, насыщенности и многих других характеристик изображения. Обо всем этом можно прочитать в нашей Азбуке.

Впрочем, можно и не заниматься всем этим самому — достаточно найти профессионалов, которые за разумные деньги сделают все за вас. В последнее время таких сервисов появляется все больше и больше. Здесь важно не ошибиться в выборе. И для этого вам опять-таки полезно будет дочитать до конца нашу Азбуку — ведь если даже вы будете обрабатывать и печатать свои шедевры не сами, то знакомство с этими технологиями позволит вам осознанно выбрать наиболее профессионального исполнителя ваших заказов.
 

Источник: photoscape.ru

 

«Фотография – это фундамент для развития искусства XX века»

Первая коллекция семьи Романовых, собственная фотостудия Ивана Шишкина и всемирно известный фотохудожник из Казани

Очередным мероприятием в рамках совместного проекта «БИЗНЕС Online» и ЦСК «Смена» под названием «Современное искусство в России: истоки, герои, контекст» стала лекция искусствоведа Ирины Чмыревой «Как фотография стала современным искусством?». По ее окончании мы поговорили с московской гостьей о том, как фотография превращалась в вид искусства, главных современных отечественных фотографах и причинах отсутствия специалистов-искусствоведов в этой сфере.

Ирина Чмырева Фото: Ирина Ерохина

КОГДА ЛЮДИ, СЧИТАЮЩИЕ СЕБЯ ФОТОГРАФАМИ, СТАЛИ СЕБЯ ОСОЗНАВАТЬ ТВОРЦАМИ?

— Ирина, исходя из названия вашей

лекции «Как фотография стала современным искусством?» можно ли говорить сейчас о том, что это разные специализации  фотография и другие виды изобразительного искусства, как считалось прежде? Сформулируйте, пожалуйста, чем художник отличается от фотографа, или это
некорректный
вопрос?

— По большому счету говорить о том, что это разные специализации, не совсем верно. Речь идет о творчестве художников, а дальше мы можем подразделять: этот художник занимается живописью, а этот — фотографией. Это не означает, что живописец не может заниматься фотографией, а фотограф в какой-то момент не может обратиться к печатной графике или к скульптуре, — таких примеров множество. Это, на самом деле, явление достаточно недавнего времени, и в международном масштабе этот процесс идет с начала 70-х годов. У нас в стране, если судить по тому, что происходило на выставках в годы перестройки, историю проникновения фотографии в современное искусство можно отсчитывать от неформальных, а потом от первых официальных выставок, на которых появились странные вещи, сделанные художниками, обратившимися к фотографии и фотографами, решившими расширить свой арсенал выразительных средств. Начинались эти поиски, естественно, до этих выставок, потому что иначе к моменту выставок было бы нечего показывать.

Но по-настоящему историю этого процесса можно разделить на несколько важных этапов. Первый этап — когда люди в принципе занимающиеся фотографией, и считающие себя фотографами, стали себя осознавать творцами. В нашей стране это совпадает со временем развития фотоклубов, когда человек, пришедший из инженерной профессии или рабочего класса, вдруг начинает понимать, что его в этой жизни волнует не количество положенного кирпича и не чертежи космических аппаратов, а другие проблемы — например, как он может передать полет голубя или ка́к то, что он сфотографировал, вырвал из контекста повседневности, будучи помещенным в рамку кадра, приобретает новый смысл. Такие примеры были и в Казани: фотоклуб «Тасма» открыл несколько очень ярких авторов — в первую очередь Лялю Кузнецову, всемирно известного фотографа, и, безусловно, художника. И абсолютно неважно, кем она была до того, как взяла в руки камеру и осознала себя творцом.

Второй важный этап — это 80-е и та богемная среда, в которой музыканты, художники, исполнители, модельеры, дизайнеры, люди без определенного занятия, но с очень хорошим чувством вкуса, не знавшие, что их влечет, брали в руки камеру и потом оказывалось, что это именно то, чем они должны были заниматься.

Похожий процесс происходил в начале XX века, когда в художественную фотографию (в отличие от профессиональной коммерческой фотографии) люди приходили от избытка комфорта. Был такой американский фотограф Энн Бригман, она по разводу от мужа получала достаточное содержание и не знала, чем себя занять, стала дружить с художниками и, чтобы не быть чужой в их среде, взяла в руки камеру. Опустим период ее становления, но она стала одним из классиков американской фотографии начала XX века. Это буквально история того, как человек, попав в художественный круг, испытывает чувство неловкости от того, что он сам ничего творческого не делает, но атмосфера, в которую человек попал, начинает его вдохновлять на эксперименты. И выяснилось — Бригман как раз таки может. Это не значит, безусловно, что любой взявший в руки камеру человек станет обязательно известным или что он сможет «говорить» с помощью фотографии, — это, безусловно, искусство; так же, как не любой человек, поющий за столом после принятия определенного количества чарок, сможет стать певцом.

— А как это развитие происходило уже в современной России?

— Cледующий этап становления фотографии на сцене современного искусства в нашей стране — это 90-е годы, когда развитие пространства современного искусства в России стало не только соприкасаться, но и пересекаться с мировым художественным процессом. Сейчас, когда мы оборачиваемся назад, понимаем, что это было время невероятной широты возможностей, все, кто об этом писал в то время, говорили: «Мы в самом начале пути; то, что у нас происходит, — этого недостаточно». Но сегодня кажется, что это был золотой век, который мы случайно пропустили, несмотря на то, что сами были участниками этого процесса.

В 90-е был пик экспериментальной активности людей, которые работали с фотографией. Как ни странно, приход цифровой техники и развитие интернета расширили аудиторию, но понизили градус эксперимента, и теперь должно пройти еще какое-то время, чтобы возгонка алхимического процесса творчества стала набирать силу.

«ВОПРОС НЕ В ТОМ, В КАКОМ СТИЛЕ РАБОТАЕТ ФОТОГРАФ ИЛИ ЧТО ОН ИСПОЛЬЗУЕТ…»

— Думаете, она будет?

— Обязательно. Это волновая ситуация, когда мы в какой-то момент находимся в состоянии спада, а потом снова начинается движение. Отнюдь не обязательно, что это будет волна по той же синусоиде, которую мы ожидали, что новые формы, которые появятся, будут коррелировать с тем, что нам известно. Они могут оказаться в другой форме и в первый момент для нас быть неочевидными. Но я уверена в том, что мы сейчас находимся в том состоянии, когда не совсем понятно, что именно происходит. Интернет нас своей массовостью очень сильно расхолаживает и снижает ценность информации, которую мы получаем. Когда мы просматриваем тысячи изображений, уловить в этом потоке одно-два важных бывает иногда очень трудно. Только со второго-третьего просмотра оказывается, что действительно в отвале интернет-руды есть частицы золота.

Наверное, профессиональные редакторы меня поймут, потому что, когда ты читаешь текст по третьему разу, видишь, что там есть важные мысли, вложенные автором, но ты читаешь сотни страниц за день и перестаешь фокусироваться на мысли, начинаешь рассматривать внешнюю форму. Интернет нас приучает скользить по поверхности, количество новой ежесекундно поступающей информации практически не дает возможности вернуться и пересмотреть заново. Но, я думаю, сейчас то время, когда происходят интересные вещи. Я уверена, что в ближайшие годы, оборачиваясь на то, что создается сейчас, мы по достоинству оценим и этот этап.

— А вы разделяете расхожее мнение, что интернет и новые технологии фотографию убили?

— Не думаю, что это так. На самом деле в последние лет десять как в нашей стране, так и во всем мире идет возврат интереса к старым и даже старинным техникам фотографии, которые оказываются иногда очень интересными способами для реализации художников. Бывает, что кто-то, обратившись к старой технике, становится профессионалом ее воспроизведения, замечательным мастером, владеющим редким ремеслом, а кто-то идет дальше, открывает новые пути, такой художник — мыслитель, а старая техника оказывается лишь точно подобранной формой для выражения его идеи. Вопрос не в том, в каком стиле работает фотограф или что он использует: камеру-деревянный ящик, сделанную мастером в XIX веке, и старинную оптику, купленную на аукционе за тысячи евро, или не менее дорогую современную технику. Безусловно, техника создания произведения интересна, но это второй вопрос, а первый заключается в том, насколько автор в состоянии точно сформулировать свое сообщение зрителю. Если художник в состоянии перевернуть мое представление о мире, оно сначала перевернется, а потом, успокоившись немножко, я буду смаковать, как это было сделано: с помощью техники дагерротипа или новейшим цифровым отпечатком.

Как говорил знаменитый графический дизайнер и редактор Алекс Бродович, обращаясь к фотографам: «Удивите меня». Этот принцип работает везде — в журнальной, репортажной, новостной или художественной фотографии. Это в любом случае потрясение, которое мы испытываем, соприкасаясь с неожиданным произведением искусства. То же самое происходит и в отношении живописи, только в области изобразительного искусства принимается как данность то, что существует очень много скучных художников, а на их фоне выделяются интересные художники, и это считается нормальным; в фотографии же до сих пор большое количество скучных авторов является доказательством того, что как будто бы совсем мало интересных. Увы, такое существует предубеждение.


«
В ПОСЛЕДНИЕ ГОДЫ ОЧЕНЬ МНОГО ФОТОГРАФИЙ С ВОЗВРАТОМ К ОЧЕНЬ СТАРЫМ ТЕХНИКАМ»

— Могли бы вы дать краткую характеристику современной фотографии? Какая она, какие у нее признаки?

— У меня к современной фотографии специфическое отношение. Дело в том, что я в каком-то смысле всеядна. Я понимаю, что кто-то из моих коллег может сказать, что определенная стилистика — современна, а другая стилистика, бывшая в употреблении, часто публиковавшаяся 5 — 10 лет назад, всем надоела и сейчас несовременна. Я стараюсь смотреть немного по-другому — если человек снимает, например, Сабантуй, то у самого этого события есть своя стилистика выражения. И вопрос в том, чтобы фотограф сумел это событие транслировать, показать его стилистику самовыражения. И если его фотография будет очень искусственна по отношению к той реальности, которую он снимает, то этот разрыв содержания и формы меня отвратит, нежели подскажет, что найдена новая современная идея. При этом я понимаю, что стилистика, которая сделает это событие понятным зрителю и даст возможность «войти» в него, скорее всего, будет соответствовать стилистике самого события, а оно очень традиционно. И это значит, что мы видим стилистически очень хорошую фотографию, подобно, возможно, той фотографии, которая была сделана 10 или 50 лет назад, и в этом и есть некий завершенный фотографический продукт.

Я могу сказать, что в последние годы очень много фотографий с возвратом к очень старым техникам и к тщательности исполнения отпечатка. Возможно, был период, когда кажущаяся легкость фотографии и игра в эту легкость профессиональных авторов привела к тому, что было очень много неряшливости в изображениях, и это казалось современным языком. Мне кажется, сейчас подобных изображений становится меньше и, наоборот, тщательность исполнения, композиционная, цветовая или тональная точность — формальная завершенность — все это становится знаком качества, и это возврат к тем категориям оценки, которые были 20 лет назад. Поэтому говорить о том, что есть совершенно новые категории оценки современной фотографии, я не могу.

И все-таки новые знаки есть. Существует такая новая тенденция, как авторская фотокнига, с которой экспериментируют множество совсем молодых людей. У некоторых из них это не просто первая фотокнига, которую они сделали из своих фотографий, а вообще первая законченная работа. Стремление к превращению своих фотографий в книжки наблюдается последние лет 5 — 10. Но когда это становится повальным увлечением, то из художественной тенденции уже имеет место переход в массовую моду.

Мне кажется, что сейчас время противостояния тщательности и рукодельности и, наоборот, возможности некоторых авторов дать фотографии работать самостоятельно, минимально вмешиваясь в этот процесс. По сути, это отношение к фотокамере — как к старой аналоговой, так и к цифровой — как к партнеру, который может высказываться самостоятельно, и художнику предстоит интерпретировать это высказывание, но не строить, не создавать его. Такое отношение к техническому объекту как к личности — это новая тенденция, которой раньше не было. Те эксперименты, которые проводились в 20-е годы, предполагали, что процесс фотосъемки неуправляем, но тем не менее в нем автор остается автором. А сейчас существует понимание того, что есть искусственный интеллект, с которым мы вступаем в диалог. Происходит перенос этих отношений и на фотографическую технологию.

— Кого вы можете выделить, каких крупных мастеров последних двух десятилетий, зарубежных и отечественных, которых нельзя не знать человеку, маломальски интересующемуся фотографией?

— Тут вопрос в том, что фотография очень разнообразна. Это как музыковеда спросить — кого в музыке надо знать. Музыковед, может быть, скажет, что надо знать Шнитке, но, с другой стороны, надо ведь знать и Боба Дилана. Если говорить о фотографии, то и здесь такая же ситуация, как в музыке. Если говорить о классической фотографии и русских авторах, я бы сказала, что надо знать в фотожурналистике, с одной стороны, Владимира Вяткина, Юрия Козырева, Татьяну Плотникову. Если же говорить о классической фотографии как об идеально выстроенной композиции, то здесь нельзя обойтись без упоминания Александра Слюсарева и Николая Кулебякина, хотя в жизни они были явными антагонистами. Это замечательный композитор изображения Игорь Мухин, а также совершенно невероятный Стас Клевак, Александр Гронский — именно как люди, которые создают свои «магические кристаллы» абсолютно без привязки к нашим социальным реалиям.

В модной фотографии мне нравится, что делает Алексей Кузьмичев, хотя сам он считает, что работа в модной индустрии — это всего лишь хлеб. Но его знание истории искусства и ощущение себя художником дает ему невероятную свободу, которой у многих нет. Из молодых я назову Никиту Пирогова… у меня была презентация книги в Петербурге (Никита оттуда родом) и местные фотографы меня спрашивали: «Он правда наш? Мы никогда о нем не знали». Иногда так бывает: тот, кого потом назовут знаковой величиной нашего времени, может быть не известен широкой публике…

Но тут весь вопрос в том, что, с одной стороны, я как зритель сопереживаю, начинаю любить произведение и через него и самого автора, начинаю следить за его творчеством, а, с другой стороны, я как профессионал собираю мнение других профессионалов и зрителей, за которыми всегда наблюдаю с большим интересом. И когда я вижу, что люди очень далекие от фотографии и не понимают даже, на что конкретно они реагируют в этих изображениях, но все-таки реагируют, я понимаю, что такие фотографии сделаны тем самым «властителем дум» нашего времени, хотя внешне они могут быть сделаны чрезвычайно просто.

«ПЕРВЫЕ ЧАСТНЫЕ СОБРАНИЯ — ЭТО СОБРАНИЯ МОНАРХОВ»

— А как возникла, с чего началась ваша любовь к фотографии и ее изучению?

— У меня на этот вопрос есть заготовленные ответы для фотографов и для людей, которые далеки от фотографии, а правда — где-то посередине. С одной стороны, я из семьи, где оба дедушки — фотографы. Я росла с дедушкой-фотолюбителем и в окружении альбомов по искусству, которым увлекалась моя мама. Cо вторым дедушкой — профессиональным фотографом — я никогда лично не встречалась, и я узнала о том, что он известный фотожурналист, когда уже выросла.

С другой стороны, я профессиональный искусствовед, и когда в институте занималась русской средневековой иконографией, занималась философией искусства, мне казалось, что это будет навсегда. Потом я влюбилась во французский постимпрессионизм и в первую очередь в Пьера Боннара. Когда я изучала его биографию, обнаружила, что он очень недолго занимался фотографией. И во всех книгах, посвященных его творчеству, написано, что было недолгое увлечение, он потом несколько своих композиций перевел в гравюры. И все. Но будучи фантазером по натуре, я стала смотреть на его занятия фотографией чуть более пристально. Тогда же я стала сама учиться фотографировать и печатать — так же, как я брала уроки живописи: не для того, чтобы стать художником, но для того, чтобы понимать, как физически создается произведение, чтобы понимать, что в нем от техники, а что — от автора. И когда эти знания соединились в моем интересе к Боннару, я увидела, как его занятия фотографией изменили его представление о возможностях художника и насколько это повлияло на изменение его палитры, на его новую экспериментальную технику живописи.

Я поняла, что фотография — это фундамент для развития искусства XX века, неважно, в каком направлении мы это искусство рассматриваем. Для меня фотография — фундаментальная вещь современной культуры, поэтому я ей и занимаюсь. Но при этом я очень люблю архитектуру, по самому первому образованию я дизайнер промышленных интерьеров, и для меня возможность работать еще и в качестве художника с чужими произведениями, делая выставки, — это очень важно. Когда у меня есть возможность войти в пространство и начать его строить заново с помощью фотографии, сделанной другим автором, но в контакте с ним, стараясь его идеи высказать наиболее понятным способом для зрителя, — для меня это счастье.

— Вы на лекции упомянули, что у нас в стране совсем недавно стали собирать фотографические коллекции в музеях, даже в крупных. С чем связано это опоздание?

— Были периоды, когда их начинали собирать. Первая публичная коллекция в Российской империи начиналась благодаря известному художественному и музыкальному критику Владимиру Стасову в Императорской публичной исторической библиотеке. Насколько в 60-е годы XIX века понимали фотографию как важнейший визуальный документ эпохи — именно такие фотографические изображения тогда и стали собирать. До начала XX века в библиотеке была очень приличная коллекция — замечательная коллекция фотографий первого века ее истории хранится в Политехническом музее. И это не только некие артефакты работы техники, а произведения крупнейших авторов того времени, художников, работавших с фотографий… Позже, в cоветский период нашей истории, фотографию как отпечаток не собирали. В архив передавался только негатив, слайд — как некий исторический документ, который поступал в архивное хранение. А отпечаток, авторское законченное высказывание как форма игнорировался… За рубежом первые публичные коллекции — это тоже вторая половина XIX века.

Первые частные собрания — это собрания монархов, и у нас Романовы собирали фотографическую коллекцию, и она начиналась как коллекция портретов большой семьи. Позже они стали собирать фотографии мест, которые посетили, и лишь потом пришли к пониманию того, что есть изображения отвлеченные, не связанные непосредственно с историей их семьи. То же самое у британской королевской семьи: первая фотография — не семейная, а купленная как произведение искусства, это знаменитая фотография Оскара Густава Рейландера «Два пути жизни» 1857 года. Эта фотография, похожая на картину, была куплена за ту же цену, за которую можно было купить живописное произведение, написанное масляными красками на холсте.

Кроме того, позднее начало собирания фотографии можно связать и с тем, что фотография как новый вид искусства была признана достаточно поздно. Только модернизм после Первой мировой войны уравнял все виды медиа, которые использует художник: все — даже коллаж из газет — становится предметом коллекционирования в музее, потому что это акт творчества определенного художника. И точно так же фотография в конце 20-х годов начинает попадать в коллекции музеев в США. Но это не значит, что там все было гладко с коллекционированием фотографии на протяжении всего XX века. Например, когда в 1971 году Анна Такер пришла в музей изобразительных искусств Хьюстона, где был фотографический отдел, на тот момент в нем хранилось 200 фотографий. Когда два года назад Такер, будучи уже знаменитым куратором, покидала пост директора отдела фотографий и первого вице-директора музея, в нем уже было 200 000 фотографий, включая несколько крупнейших в мире частных коллекций, приобретенных музеем.

У нас музеи и библиотеки пытались собирать фотографию в начале XX века как искусство. Но революция изменила очень многое. Например, я в Краснодарском художественном музее обнаружила, что основатель музея Федор Коваленко покупал фотографии и таким образом в коллекции музея появились фотографии очень хороших авторов начала XX века. Но потом на них никто не обращал внимания, они были переданы в библиотеку музея и там пролежали до конца 90-х годов, когда я их в первый раз увидела. У нас в художественных музеях фотографию как искусство стали собирать только в 80-е годы, и это уже после того, как были основаны в СССР первые музеи фотографии. Если бы Виктор Мизиано не пришел работать в ГМИИ имени Пушкина, там не было бы фотографической коллекции.

— А в Эрмитаже есть коллекция фотографии?

— Есть, причем существует замечательная часть, собранная еще в XIX веке, — собственно, это часть коллекции Романовых, и есть та часть, которую стали пополнять в самом конце 80-90-х годов. В Русском музее была первая выставка русской фотографии в 1993 году, часть работ по окончании выставки авторы передали музею. В начале все это, как и в других местах, хранилось в отделе графики, а сам отдел фотографии был создан только в конце 90-х годов. Тогда же в Русском музее стали проводить музейные фотобиеннале. Последние лет 25 идет активное строительство музейных коллекций. Другое дело, что не хватает специалистов и люди, которые для музейных коллекций покупают или принимают в дар фотографии, не знают ее истории и не могут верно определить место материала, который им предлагается. Например, когда Пушкинский музей в честь своего 100-летия делал выставку фотографий современных авторов, несколько очень важных фотографов были отвергнуты, потому что показались выставочной комиссии слишком простыми, это была удивительно анекдотичная ситуация.


Фото: Ирина Ерохина

«Я ЗНАЮ КУРАТОРОВ, КОТОРЫЕ ДЕЛАЮТ ЗАМЕЧАТЕЛЬНЫЕ ВЫСТАВКИ, НО ПРИ ЭТОМ ОНИ СЧИТАЮТ, ЧТО ФОТОГРАФИИ — ЭТО ОТКРЫТКИ»

— А с чем связан явный дефицит специалистов?

— Их практически нет. Студенты, которые сейчас пишут дипломные работы по фотографии на факультетах искусствоведения, находятся в положении студентов, которые во времена СССР писали дипломные работы по современной критике: казалось, что это самое простое и может быть доверено самым слабым, кто потом не собирается строить научную карьеру. Сейчас интерес к фотографии есть, но нет учебников, специальных курсов, да и экономически молодым искусствоведам трудно выживать, а тут еще надо много времени посвящать самообразованию… Из авторов тех работ, которых я за последние годы рецензировала, я знаю всего лишь пару людей, которые остались работать с фотографией, но и они пока не ведут научной работы, не имеют отношения к музейным институциям.

— Почему? Это же парадокс, учитывая востребованность фотографии.

— Ситуация очень неустойчивая — как правило, заниматься историей фотографии приходят очень любознательные молодые люди, но потом они понимают, что это поле, не паханное до горизонта, и это не та маленькая деляночка, где можно цитировать предшественников и чувствовать себя уверенно. Территория фотографии — это тектонически подвижная платформа, на которой интересно, но очень тяжело удержаться, и в научных кругах это по-прежнему не выглядит респектабельно. Фотография для некоторых до сих пор кажется документом, а не произведением визуального искусства. Я знаю кураторов, которые делают замечательные выставки, но при этом они считают, что фотографии — это открытки.

Представьте себе: одно дело вырасти в окружении фотографии и осознавать, что это такое, и другое — вырасти в художественной среде, когда ты с детства окружен живописью, графикой, книгами. Для тебя фотография находится в двух шагах, она неблизко. Далеко не все люди думают о том, как они дышат, как происходит этот процесс. Есть те, кто задумывается об этом и затем становится физиком или биологом, а есть остальные — они просто дышат и не пытаются изучать это явление. Так же и с фотографией.

Кроме того, искусствоведам до сих пор не читают курс истории фотографии, они вообще не знают, что у фотографии есть история. Родченко, слава богу, сейчас известен как художник, известно также, что он занимался фотографией. А то, что за фотографией Родченко стоит философ искусства Александр Родченко, который некоторые свои идеи мог выразить только с помощью фотографии, — это уже закрыто для программы художественного вуза.

Для художников тоже историю фотографии не читают, потому что в академической среде очень долгое время считалось, что это вредное знание, что художники перестанут рисовать, и из-за этих заблуждений, отсутствия анализа, как на самом деле развивалось искусство в XIX–XX веках, все приходит к тому, что художники сами интуитивно начинают интересоваться фотографией, постепенно, теряя драгоценное время осознают то, что иногда фотография им нужна, — и не только для того, чтобы с нее рисовать, а потому, что она позволяет им по-другому взглянуть на их собственный процесс творчества.

Когда я сдавала экзамен в аспирантуру, приемная комиссия долго спорила о том, поставить мне 4 или 5, потому что гранд-дамы были оскорблены тем, что я упомянула занятия Ивана Шишкина фотографией и наличие у него собственной фотостудии. Это было воспринято как оскорбление великого русского художника-пейзажиста. Хотя такой поворот биографии любого большого европейского художника был бы безумно интересен исследователям, студенты бы писали дипломные работы, анализируя, как два совершенно разных подхода к изображению позволили этому человеку достичь невероятных результатов. Но это уже особенности консервативного хранения знания в нашей старой школе искусствоведения.

Фотография — это искусство?

Лекторий, организованный просветительским проектом «Арзамас» и Российской государственной библиотекой, продолжается. 8 апреля в конференц-зале РГБ прошла встреча с культурологом Марией Гурьевой, преподавателем Санкт-Петербургского государственного университета.

 

 

Вопрос о том, может ли фотография быть искусством, возник вместе с появ­лением самой фотографии. В середине XIX века выражались серьёзные сомнения в том, что «машина» может заменить художника, а искусство может быть технологичным. В начале XXI века вопрос «является ли фотография искусством?» разворачивается уже по-другому: есть ли смысл в исканиях фотографа-художника, когда фотографическая технология доступна каждому и мир переполнен изображениями?

Почему фотографию сложно назвать искусством, что означает термин «художественная фотография», можно ли считать произведением искусства фотографию из семейного альбома, а также чем отличается «фотография художников» от «искусства фотографов» — об этом и многом другом рассказала Мария Гурьева.

Мария Гурьева — кандидат наук, исследователь истории и теории фотографии, преподаватель Санкт-Петербургского государственного университета и Санкт-Петербургского государственного института культуры, соорганизатор международной конференции по визуальным исследованиям «После (пост)фотографии».

К каждой встрече сотрудники специализированных отделов Российской государственной библиотеки готовят мини-выставку по теме лекции. 8 апреля слушатели лектория увидели фотографии из фондов отдела изоизданий и отдела рукописей, созданные в разные годы: от дагерротипа 1840—50-х годов до снимка Моисея Соломоновича Наппельбаума с портретом Сергея Есенина 1924 года. Очень интересны образцы ранней фотографии — это оригинальные отпечатки с видами Санкт-Петербурга и Москвы 1860—70-х годов, особенно редкий снимок, показывающий интерьер фотографического павильона на знаменитой Политехнической выставке 1872 года. Впечатление о старой фотографии дополнят вид монастыря в Венеции, раскрашенный акварелью, и альбом любительских фотографий.

Начало лекций — в 16:00. Читательский билет и регистрация не нужны, но напоминаем, что в зале всего 400 мест, поэтому рекомендуем приходить заранее — когда все места заполнятся, вход будет закрыт.

Лекции транслируются в режиме реального времени в сети Интернет, а позже можно будет посмотреть запись.

 

 


СМОТРЕТЬ ПОЛНОЕ РАСПИСАНИЕ ЛЕКЦИЙ



К лекции «Фотография — это искусство?» сотрудники отдела изоизданий и отдела рукописей РГБ  подготовили мини-выставку из фондов библиотеки.

 

 

 

 

Ольга Свиблова: Фотография — это не вид искусства, а отражение времени

Вопрос о качестве фотографии, хорошая она или плохая, праздный. Такой же вопрос можно задать относительно любого вида искусства, а фотография — это всего лишь медиум. Хорошее и плохое можно различить только с помощью интуиции и знания, потому что у искусства, как и у науки, есть логика саморазвития. Оно движется вперед, и на этом поступательном пути его никто не может остановить. Когда мы пересматриваем историю искусства, а мы это делаем постоянно, нам все равно понятно, что историю напишет тот, кто родится последним. Это верно и применительно к фотографии: мы постоянно обращаемся к истории, вытягивая из нее то, что для нас становится актуальным. Фотография живет во времени и со временем.

Нынешняя Венецианская биеннале была полна работ аутсайдеров: непрофессиональных художников или художников, о которых забыли. В частности, там было творчество Штайнера, который изначально самоутверждался в философии, но при этом его хобби было рисование. Сейчас его работы, конечно, искусство. Мы переоткрываем историю искусства, но и оно не стоит на месте, оно прирастает огромным количеством художников.

В разные эпохи у нас было искусство передвижников, Ренессанс, импрессионизм. В эти особенные для искусства периоды творит большое количество художников. От каждой из этих эпох у нас остается множество мастеров, которые впоследствии становятся нарицательными, своеобразными брендами. Как, например, произошло с Караваджо. Он всегда был известным художником, но потом в какой-то момент возникает караваджомания, потому что в современности появляется необходимость что-то открыть заново.

Мы ценим фотографию из-за того, как она соотносится со временем, потому что она сделана сегодня. В каждом времени борются и сосуществуют разные эстетические системы, и время всегда выбирает то, что с ним созвучно. Люди физически живут в одном времени, а ментально существуют в разных временах. Сегодня есть и шестидесятники, и восьмидесятники: некоторые живут в этом времени, некоторые его опережают, а кто-то остался в том времени, когда сформировался. У них душа к разному лежит.

Люди, которые работают в профессиональном искусстве, как я, просматривая большое количество материала, выбирают, основываясь на опыте. Если сегодня кто-нибудь будет снимать, как Родченко, они премии не получат. Мы смотрим на художественный мир автора, на его message, на то, какую художественную форму он выбирает.

Фотография многолика, в ней есть документальная составляющая. Есть система Тома Вуда, Инди Шерман — и у каждого свой художественный мир. Если можно было бы все это объяснить, нам не нужен был бы художник как носитель индивидуального взгляда. Люди, идущие в нашу сферу деятельности, руководствуются прежде всего интуицией. Когда знания накапливаются и ты ими пользуешься, ты становишься экспертом. Но твои вкусы меняются, потому что искусство — неисчерпаемый фактор развития личности. Был момент, когда мне казалось, что работы Фонтана совершенно неинтересно смотреть, потому что есть «Черный квадрат», и я помню, что в 80-е годы я это говорила. Через полгода после этого у меня открылся «третий глаз» и я влюбилась в минимализм.

Не нужно бояться того, что твои вкусы меняются, нужно иметь «широко отрытые глаза». В советское время в наших музеях современное искусство заканчивалось работами Пабло Пикассо. В 1988 году начали выставлять русский авангард. Невозможно любить то, что тебе незнакомо, но у русских людей есть одна замечательная черта: они могут удивительно быстро учиться. Когда люди начали ездить по миру и встречаться с современным искусством, оказалось, что у нас чудесная публика, очень продвинутая. Наша система образования мертва, но сама ценность образования до сих пор не убита. Русские люди стремятся познать больше. Десятилетия назад Щукин и Морозов опередили своим вкусом европейских коллекционеров, то же самое делают и современные русские коллекционеры. Российская интеллектуальная публика очень быстро формируется. Пример этого — первая большая выставка Ребекки Хорн в Москве, на которую не пойти — почти совершить преступление. Это величайший, системообразующий мировой художник, и русская публика это осознает и ее ценит.

Появились новые площадки: Гараж, Музей современного искусства, Манеж. Времена изменились, и если 20 лет назад на Венецианской биеннале было максимум трое русских, то сейчас в Венецию приезжаешь, а там русских больше всех. Как только открыли доступ к искусству, люди и потянулись.

Фотография как искусство

22 августа 2016г.

Современный мир невозможно себе представить без самого, пожалуй, распространённого на сегодняшний день вида искусств – фотографии. Однако не стоит отождествлять истинное творчество в этом жанре с бесчисленным количеством личных снимков. Настоящее искусство фотографирования – это нечто гораздо большее, чем пресловутые селфи.

Подлинное умение создать настоящее высокохудожественное произведение заключается не просто в фиксации кого-либо объекта, а в причудливой игре света и тени, в передаче (иногда в намеренно искажённом виде) некоей ауры, витающей над местом или субъектом съёмки.

Известно, что люди, всерьёз увлекающиеся фотографированием, смотрят на мир совершенно иначе, чем «простые смертные». Профессиональные фотографы рассматривают окружающий мир через чёрно-белый видоискатель, давая волю своей фантазии, мысленно раскрашивая будущую композицию. И нередко им удаётся создать произведение искусства, которое способно вызывать даже слуховые ассоциации – например, с шумом ветра или ударом грома.

Начинающим фотографам или далёким от этого искусства людям порой всё кажется достаточно простым – поймал в объектив, нажал кнопку… Но так ли это?

Во многом создание фотографий действительно упростилось – ещё пару десятков лет назад для изготовления шедевра нужно было чуть ли не купаться в химикатах, часами сидеть под красным фонарём в тёмной комнате, использовать громоздкие фотоувеличители, резаки и глянцеватели. Теперь это всё в прошлом: достаточно цифрового фотоаппарата и хорошего фотопринтера. Однако всё это – всего лишь инструменты. И искусство настоящего мастера состоит отнюдь не в механическом использовании современной техники. Посредством обычных физических и химических процессов фотограф, используя своё воображение, создаёт картину живого мира, который на некоторых работах кажется нереальным.

Некоторые основные аспекты технического процесса создания фотографий становятся понятными из перевода этого слова с греческого языка. Оно обозначает «светопись», то есть создание изображения с помощью света.

Собственно говоря, всё действо состоит из подбора нужной композиции, правильного и подходящего для художественного замысла освещения, и самого процесса фотографирования. Всё это определяется фотохудожником, исходя из его технических познаний, опыта и художественного замысла.

В наше время практически каждый человек периодически делает фотоснимки – неважно, камерой старенького телефона или профессиональной «зеркалкой». И каждый придаёт фотосъёмке свой смысл, свою необходимость. Для кого-то это просто фиксация людей и событий, а для кого-то – создание высокохудожественной картины. Для многих фотография – способ самовыражения и общения, возможность высказаться и заявить о себе: социальные сети просто завалены миллионами самых разномастных работ. 

Искусство фотографии сегодня стало не просто созданием высококачественных (во всех смыслах) снимков, но и приобрело новое наполнение – самопознание, самовыражение и общение. В современном мире выдающийся фотоснимок моментально становится достоянием огромного количества людей, вызывая дискуссии и широчайшее обсуждение.

Искусство фотографии имеет уникальное свойство (присущее ещё, пожалуй, разве что музыке) – вызывать ассоциации и воспоминания. Даже совершенно незнакомая местность или личность на фотоснимке зачастую напоминает нам о каких-то моментах собственной истории, а иногда даже вызывает нечто вроде дежавю. 

Подтверждением того, что фотографирование давно уже стало самым настоящим видом искусства, может служить вполне сформировавшееся направление в искусствоведении – фотокритика. Конечно же, профессионал и сам способен оценить свою работу, подметить все её черты – как положительные, так и отрицательные. Однако критика окружающих тоже важна, может быть, даже ещё важнее, чем самокритика. Взгляд со стороны позволяет сформировать минимальный стандарт профессионализма и высокой художественности. Именно объективная критика, возводя фотографию в ранг тонкого искусства, позволяет ей очиститься от шелухи дилетантизма и мещанского критиканства.

Конечно, фотография, как и любое другое искусство, прежде всего является не предметом потребления, а концентрированной формой самовыражения мастера. И как раз этим объясняется иной раз поразительное отличие простой фиксации окружающей действительности на фотографический носитель от создания по-настоящему шедевральных фотопортретов, пейзажей и стоп-кадров. 

Фотография как процесс получения и сохранения личных снимков давно уже вышла за пределы наших домов и частных фотоальбомов. Как вид искусства она стала достоянием человечества, и шедевры признанных мастеров по праву занимают свои места в частных коллекциях и крупнейших галереях.

Информационный портал «Новый Ракурс», 2016.
Фотограф: Геннадий Дьячук

это искусство. История развития фотографии как искусства

Художественная фотография, что же это такое? Фотолюбители часто задают мне этот вопрос. Обычно прежде, чем ответить на него я делал глубокий вдох и выжидал небольшую паузу, чтобы собраться с мыслями. А затем начинал объяснять всё максимально подробно. Но со временем я пришёл к выводу, что лучший ответ – самый простой и короткий. И многим достаточно просто объяснить очевидные особенности художественной фотографии, чтобы дать представление об этой области искусства.

Главной отличительным признаком художественной фотографии от других областей фотоискусства заключается в том, что художественная фотография – это не просто фиксирование объекта и сцены на фотоплёнку или цифровой носитель. Использование фотокамеры для фиксации тех или иных объектов в тот или иной момент времени – это скорее фотожурналистика, а не художественная фотосъёмка.

Художественная фотография, прежде всего, это выражение того, как фотохудожник видит окружающий мир. В художественной фотографии важно не то что видит и фиксирует фотокамера, а то, что видит и хочет показать фотохудожник. Для фотографа, занимающегося художественной фотографией, камера – это инструмент для создания произведения искусства. В этом случае фотоаппарат выступает средством раскрытия художественного замысла фотографа, а не инструментом документирования того, что попало в прицел объектива

К примеру, известные пустынные пейзажи на полотнах Джорджии О’Киф – ничто иное, как выражение её видения окрестностей Нью-Мексико. То есть если мы разместим с десяток фотографов с камерами рядом с мольбертом О’Киф, получим ли мы одиннадцать художественных пейзажей одной и той же местности? Вряд ли. Скорее всего, в результате мы будем иметь одно художественное полотно и десяток фотоснимков, которые бы, несомненно, запечатлели снимаемую сцену, но не передавали бы художественный замысел их творца.

Восход солнца зимой в Сьерра-Неваде или Вид на Сьерра-Неваду из Лон-Пайна. Калифорния, Ансель Адамс,1944

Другими словами, художественная фотография должна содержать элементы управления вниманием зрителя, акценты, которые художники вкладывают в свои произведения для того, чтобы раскрыть замысел, который они хотели бы передать своим произведением.

Пожалуй, никто лучше Анселя Адамса не выразил эту мысль:

Таким образом, художественная фотография должна выходить за рамки буквального представления снимаемой сцены или предмета. Она должна выражать чувства и восприятие фотографа так чётко, чтобы с первого взгляда было видно, что этот снимок был создан художником, а не просто фотокамерой. Каждый элемент в кадре, каждый приём при обработке фотографии и даже способ и формат печати – всё должно выражать индивидуальность мировосприятия фотохудожника.

Ансель Адамс. Парк Гранд-Титон и Снейк-Ривер (1942). Парк Гранд-Титон национальный парк, штат Вайоминг.

А что вы думаете о художественной фотографии? Поделитесь своими мыслями в комментариях ниже.

Многие начинающие фотографы хотят побыстрее научится фотографировать профессионально.
Сегодня, благодаря развитию цифровых технологий, зарабатывать фотосъёмкой может практически любой фотолюбитель обладающий…

Выбор формата снимка в искусстве фотосъёмки дело очень важное. Правильно выбранная ориентация кадра способна не только улучшить визуальное восприятие снимка, но и испортить его….

Чтобы создать настроение и атмосферу на фотоснимке, совсем не обязательно быть виртуозом композиции…

Советы пррофессиональных фотографов по портретной фотографии вы найдёте в книге по технике портретной фотосъёмки. Памятка начинающему фотографу по кадрированию портретов прилагается…

Удачной можно считать фотографию, по которой взгляд зрителя переходит от одного объекта к другому, по траектории заранее продуманной автором фотографии. На самом деле, это совсем не сложно если знать некоторые основные особенности восприятия фотографии зрителем…

Вы уже освоились с фотоаппаратом и знаете, как правильно использовать свет при фотосъёмке портрета, ищете подходящий фон, ракурс и используете нужную глубиной резкости? Однако, как вы ни стараетесь, результат фотосъёмки обычно не совпадает с тем, что вы хотели показать на своих фотографиях…

Многие начинающие фотографы мечтают, чтобы на их снимках было красивое размытие фона — боке. Именно для этого они и покупают зеркальный фотоаппарат… Но не всё так просто, как кажется на первый взгляд — для создания карсиво размытого фона (боке) на ваших фотографиях необходимо выполнить несколько условий…

Портретная фотосъёмка крупным планом может показаться более лёгкой, чем съёмка во весь рост. Здесь необязательна стройная фигура модели и её умение позировать перед камерой. Однако, для хорошего портрета недостаточно сфотографировать лицо фотомодели, сидящей перед камерой…

Что делать фотографу-любителю если он хочет снять хороший портрет? Не покупать же профессиональные фото-осветители? А может быть просто арендовать профессиональную фотостудию? Отличных результатов можно добиться и минимальными средствами. Вполне реально снять студийный портрет у себя дома…

При съёмке на улице при естественном освещении, часто достаточно просто увидеть и зафиксировать свето-теневой рисунок уже созданный Его Величеством Природой. А как правильно установить свет в фотостудии…

Много ли праздничных фотографий снятых вами остаются столь же восхитительными и волнующими через пару лет после знаменательного события? Наверное нет. Вы можете подумать, что всё дело в практике — нужно больше снимать праздники и у вас в конце концов получатся отличные снимки… Да, практика помогает добиться совершенства, но только не в этом случае…

Праздничная фотосъёмка всей семьи дело не лёгкое. Особенно если семья большая и праздник удался…

Пять простых правил, которые помогут легко получить отличный портрет вашего ребёнка…

В конструкцию качественных профессиональных объективов обычно входят так называемые асферические и низкодисперсные оптические элементы, позволяющие получить картинку более резкую и контрастную, чем с обычными линзами. Однако, даже самые дорогие профессиональные объективы имеют…

Часто один из любимых вопросов новичка в фотографии касается кратности зума. Многие считают, что чем больше увеличение зума тем лучше — сильнее можно приблизить отдалённый объект съёмки! Вы тоже пользуетесь зумом как подзорной трубой? А между тем, в исскустве фотосъёмки разные объективы используют в художественных целях…

Независимо от того, собираетесь ли вы стать фотомоделью или просто хотите, чтобы ваши портретные фотографии выглядели красиво, в любом случае вам придётся учиться позировать…

Из всех разновидностей фотосъёмки живой природы, фотосъёмка птиц, пожалуй самая захватывающая и интересная. Птицы одни из самых пугливых существ в этом мире и часто требуется не малое терпение, чтобы поймать нужный кадр…

Чтобы получить приличную макрофотграфию стрекозы, бабочки или даже просто цветка нужно приложить немало усилий. И дело здесь не в оборудовании для макросъёмки, и даже не в опытности фотографа. О некоторых секретах профессиональных макрофотографов вы узнаете изучив эту статью и посмотрев небольшой видеоролик…

Часто ли начинающий фотограф задумывается о том, что умелое использование нестандартной экспозиции может из банального сюжета сделать снимок достойный восхищения? Как получить эффект низкого и высокого ключа. Что такое выборочный фокус. Как придать снимку ретро-эффект…

Eсли вы хотите улучшить свои фотографии, придать им живость, динамизм или другие эффекты, вам придётся забыть об автоматических режимах и проявить творческий подход к выбору экспозиционных паремтров: выдержки, диафрагмы и ISO. Используйте нестандартные экспозиционные параметры креативно и добавьте вашим снимкам различные динамические эффекты…

Фотография — настощее искусство. Тонкостей в нем не меньше, чем в живописи или музыке. Подготавливая к публикации ряд статей, посвященных фотографии, я не мог не сказать о композиции.

Фотография — настощее искусство. Тонкостей в нем не меньше, чем в живописи или музыке. Подготавливая к публикации ряд статей, посвященных фотографии, я не мог не сказать о композиции. Чувство композиции сродни музыкальному слуху — он либо есть, либо его придется развивать, компенсируя недостаток трудолюбием и опытом. Одни фотографы утверждают, что научиться «эстетическому восприятию» невозможно, другие апеллируют к теории построения композиции. Но, как говорится, на «профи» надейся, а сам не плошай. Прежде всего, вам придется много думать и критически относиться к себе. Только так вы сможете добиться хорошего результата. В отличие от живописи, где для создания картины нужен талант, в нынешней фотографии каждый может почувствовать себя творцом, нажимая на единственную кнопку. Профессиональный фотограф отличается от новичка не только качеством камеры. Творить чудеса можно и с «мыльницей», и, если вы прислушаетесь к моим словам, возможно, вы сделаете небольшой шажок к профессионализму.

Название первой части статьи говорит о многом. Правил построения композиции не существует, их в принципе не может быть. В противном случае искусства бы не существовало. Отношение зрителя к фотографии всегда субъективно. Автор должен ориентироваться исключительно на свое собственное восприятие. Настоящее творчество подразумевает отсутствие границ, но на первых порах попробуйте довольствоваться нижеприведенными рекомендациями.

Выбор сюжета

Интересным и необычным сюжетом автор вправе гордиться. Охота за такими сюжетами занимает много времени и порой превращается в манию. Если вы один из тех, кто всегда держит камеру под рукой, беспокоиться не о чем. Главное — всегда смотреть по сторонам и видеть красоту в самых обыденных сценах.

Фото 1. Необычный сюжет позволяет пренебречь композицией. Во-первых, по-другому запечатлеть подобную сцену невозможно. Во-вторых, зритель заинтересован сюжетом, который сам по себе привлекает внимание.

Небывалый простор в выборе сюжета открывает макросъемка. Капля воды, насекомое или цветок восхищает зрителя, не привыкшего детально рассматривать мелкие предметы.

Статические сюжеты дают фотографу массу времени, чтобы оценить обстановку, подготовить камеру и выбрать подходящую точку съемки. Для изучения композиции стоит потренироваться именно на неподвижных объектах.

Динамические сюжеты вызывают куда больший интерес фотографов. Решающее значение при съемке играет выдержка. Длинные выдержки дают размытые снимки, подчеркивая скорость. Короткие выдержки позволяют получить четкие фотографии, выражающие силу, ловкость и грацию движущейся модели. При съемке динамических сюжетов необходимо быстро соображать — прекрасная сцена может больше никогда не повториться. Если полагаете, что подобная съемка производится навскидку, то вы сильно заблуждаетесь. Процесс выбора точки съемки еще более трудоемкий, нежели в случае со статическим сюжетом.

Выбор точки съемки

Выбрав сюжет, не поленитесь прикинуть, откуда выгоднее его снимать. Обойдите модель вокруг, отмечая особенности фона. Так вы избавитесь от «плохих» предметов, которые по-другому скрыть невозможно. Яркий пример — невзрачные фонарные столбы и линии электропередач, испортившие за историю фотографии не один кадр.

В большинстве случаев, съемка с близкого расстояния позволяет ярче передать основной объект, подчеркнуть его детали. Такая съемка дает эффект присутствия. Если приблизиться к модели невозможно, выручит оптический зум, но при больших увеличениях автоматика не всегда удачно фокусирует камеру на объекте. К тому же при использовании зума усиливается дрожание изображения. Штатив избавит вас от подобных проблем, благо стоит он гораздо меньше самого фотоаппарата. А вот цифровой зум, коим оснащено большинство камер, следует воспринимать исключительно как рекламный ход производителей фототехники. У него, конечно, есть свои достоинства, но — из-за реализации — чисто теоретические. Оптическое увеличение на недорогих объективах заметно усиливает аберрации. Цифровое увеличение, основанное на интерполяции, могло бы приблизить объект съемки без оптических искажений, если бы не одно «но». Цифровой зум всегда включается на максимальном значении оптического, и какие аберрации дало телеположение объектива, такие они и будут. Если бы камера имела не 10х оптических, а 40х, эти аберрации были бы на 40х просто ужасными, гораздо хуже, чем 10х оптики и 4х «цифры». Но выбора-то у фотографа нет. Потому на практике цифровой зум практически бесполезен.

Фото 2. Съемка с близкого расстояния позволила передать выразительность кошачьих глаз. Ненужные детали отброшены — взгляд зрителя не находит ничего, что было бы важнее глаз.

Съемка с далекого расстояния подчеркивает глубину пространства. Но следует помнить, что в кадр попадают второстепенные объекты, которые отвлекают внимание и перегружают композицию. В основном такой тип подходит для съемки пейзажей, в том числе урбанистических. Панорамная съемка, сделанная с большого расстояния, выглядит естественно, да и «склеивать» снимки становится гораздо легче.

Большая часть фотографий делается на уровне глаз. Именно с такой высоты мы смотрим на мир, следовательно, снимки будут выглядеть привычнее для зрителя. Высокая точка съемки дает возможность охватить большее пространство, передавая простор. Низкая точка, напротив, позволяет подчеркнуть динамичность и глубину сюжета. При низкой съемке нужно быть особенно осторожным — многие формы при таком ракурсе искажаются. Лицо и фигура человека может сильно измениться, причем далеко не в лучшую сторону.

Особенности зрительного восприятия

Человеческий глаз — точный и сложный инструмент. Чтобы сделать красивый, естественный снимок, необходимо иметь представление, как именно глаз зрителя будет впоследствии его анализировать. Несмотря на достаточно большой угол зрения, рассматривая окружающий мир, мы скользим по нему взглядом, постепенно изучая детали. В первую очередь глаз анализирует линии контура, а затем более подробно изучает наиболее изогнутые их части. С этим эффектом связано понятие фотогеничности человека. Люди с резкими чертами лица выглядят на снимках особенно эффектно, так как взгляд цепляется за каждый изгиб контура. Мягкие черты лица заставляют взгляд соскальзывать с линий, отчего интерес к модели сразу пропадает.

Размеры фотографии гораздо меньше оригинала, поэтому стандартные сцены на них непривычны для восприятия. Взгляд зрителя, направленный в одну точку, в состоянии охватить фотографию целиком — и это неестественно. Чтобы придать композиции масштабность, нужно управлять взглядом зрителя.

Мы привыкли читать слева направо и сверху вниз, а гравитация подчеркивает, что движение вниз — естественно. Это сильно отражается на восприятии. Если на снимке присутствуют одинаковые или похожие предметы, то доминировать будет тот, который расположен слева. Предмет, расположенный в верхней части снимка, кажется тяжелее того, что находится ниже. Вертикальная линия кажется длиннее, чем точно такая же горизонтальная.

Психология линий

«Фотография» по-гречески означает «светопись». Это отражает технические особенности процесса. С точки зрения композиции основа фотографии — линии. Они, вместе с тональностью, передают эмоциональность и динамику сюжета, заставляют зрителя думать и чувствовать.

Линии силы — это контуры объектов, расположенных на снимке. На черно-белых снимках они выражены сильнее, так как наш взгляд не отвлекается на большое количество цветов. Такой эффект часто используется в художественной фотографии. Неспроста профессионалы любят делать именно черно-белые снимки.

С помощью линий опытный фотограф способен управлять взглядом зрителя, направляя его на важные детали снимка.

Фото 3. Композиция этого снимка очень необычна. На нем присутствуют четыре ярко выраженные области: пляж, вода, небо и часть города. Пляж отделен от воды резкой линией берега. Вода от неба — мягкой линией горизонта. Эти стихии существуют на снимке независимо. Постройки и деревья объединяют их, становясь основой композиции.

Каждый тип линий вносит свою эмоциональную окраску. Чаще всего это проявляется на подсознательном уровне, но вы убедитесь, что влияние линий достаточно велико. Прямая линия выражает активность и быстроту, но если она расположена горизонтально, то создает впечатление покоя и умиротворенности. Очевидным примером является линия горизонта — трудно придумать что-то более статичное. Слегка изогнутые линии передают вялость, расслабленность. Так выглядят берега большинства водоемов. Сильно изогнутая линия заставляет взгляд остановиться и придает композиции эффект замедления. Спираль выражает напряженность и жизненную силу. «Скрученное» тело модели выглядит гораздо эффектнее как раз за счет спиралеобразных линий. Волнистые линии задают ритм снимка. Если они параллельны, эффект усиливается, добавляя композиции неустойчивость и текучесть. Попробуйте проанализировать свои снимки, чтобы убедиться в справедливости моих слов.

Фото 4. Линии силы позволяют управлять взглядом зрителя. Продуманное их использование помогает передать объем на плоской фотографии. Параллельные линии, сходящиеся вдали, прекрасно подчеркивают перспективу. Дорога на снимке уводит зрителя в глубину кадра, придавая композиции ощущение бесконечности.

Фото 5. При неумелом использовании линии могут оказать медвежью услугу, отвлекая зрителя от объекта съемки. Главной целью фотографа являлся Московский Кремль, но линии берегов настойчиво уводят взгляд вправо.

Фото 6. В жизни чаще всего встречаются горизонтальные линии, о чем фотографу забывать не следует. Линия берега делит снимок на две схожие по размеру части. Каждая из них воспринимается независимо — композиция разрушена.

Использование диагоналей позволяет сделать снимок необычным и привлекательным. У фотографии, как и у любого прямоугольника, их две: восходящая и нисходящая.

Восходящая диагональ (ее также называют мажорной) идет от левого нижнего угла к правому верхнему. Основанная на ней композиция вызывает положительные эмоции. Движение вверх по восходящей диагонали получается очень легким и быстрым.

В случае с нисходящей (или минорной) диагональю все наоборот. Движение вверх по ней выражает напряженность, а движение вниз — легкость.

Фото 7. В композиции доминирует минорная диагональ. Сам сюжет довольно невзрачен, но вызывает у зрителя устойчивые ассоциации. Во мне этот снимок будит чувство одиночества, ощущение утраты.

Создается впечатление, что близкий человек ушел навсегда, по дорожке, уводящей за границу кадра.

Равновесие в композиции

Фотография — как весы. Если объект съемки расположен по центру снимка, композиция будет уравновешенной, но это слишком стандартный подход. Мы пойдем другим путем. Уравновесить композицию можно несколькими способами.

Если вы фотографируете динамичную сцену, используйте прием развивающегося движения. Для этого необходимо оставить свободное пространство перед движущимся объектом. Чем больше скорость, тем большее пространство требуется.

Фото 8. Снимок получился недостаточно динамичным, поэтому перед машиной оставлено не очень большое пространство. Разделительные полосы на дороге прямые, параллельные и уходят за пределы кадра. Воображение достраивает их, помогая уравновесить композицию.

В портретной съемке для достижения равновесия часто используют направление взгляда модели. Спокойный, равнодушный взгляд требует мало места, экспрессивный — значительно больше.

Фото 9. Тело модели расположено в левой части снимка, но ее взгляд делает композицию уравновешенной.

Отдельный разговор — постановочная фотография. Здесь есть время поэкспериментировать, добавляя в кадр различные предметы. В фотографии вес заменяется объемом или ассоциациями, которые вызывают некоторые визуальные формы. Велосипед или мяч, находящийся в кадре, заставляют зрителя вспомнить о детстве, с теплотой воспринимать композицию снимка. Подобных ассоциаций может быть бесконечно много. Продумайте, какие предметы напомнят зрителю о родителях, первой любви, радостных и счастливых моментах жизни. С их помощью вы сможете не только уравновесить композицию, но и передать различные эмоции.

«Золотое сечение» (правило третей)

Математики всегда утверждают, что их предмет — основа мироздания. Большинство скептически относится к подобным утверждениям, но, как ни странно, математики во многом правы. Издавна художники и фотографы пользуются правилом третей, порой даже неосознанно. Если провести на фотографии горизонтально и вертикально по две линии, каждая из которых отделяет треть снимка, получатся четыре линии «золотого сечения» и четыре точки их пересечения. Зона, расположенная между этими линиями, воспринимается как самая спокойная, а взгляд в первую очередь фиксирует предметы, расположенные на самих линиях и на точках пересечения.

Еще в древней Греции ученые заметили, что взгляд человека, рассматривающего изображение, описывает траекторию, похожую на латинскую букву «Z». Взгляд, анализирующий фотографию, как раз проходит через точки пересечения. Метод «золотого сечения» полезен, но это не единственный способ расположения предметов в композиции.

Геометрическое позиционирование

Как и «золотое сечение», это правило имеет исключительно рекомендательный характер. Давно замечено, что треугольник, присутствующий в композиции, усиливает впечатление, производимое фотографией. Поставив его на одну из вершин, можно придать композиции неустойчивость. Напротив, треугольник, стоящий на основании, создает ощущение незыблемости.

Фото 10. Тело модели образует треугольник, опирающийся основанием на поверхность стола. Необычный ракурс и экспрессивное выражение лица подчеркивает непоколебимость, как физическую, так и психологическую.

Круг или овал добавляют композиции динамичности. Прямоугольник или квадрат, наоборот, делают ее абсолютно статичной. Поэкспериментируйте с геометрическими формами, результат может быть довольно интересным.

Отсекаем лишнее

Выбрав объект съемки, не забывайте, что нас окружает масса предметов, часть которых неизбежно попадет в кадр. Передний план чаще всего отсутствует на снимках начинающих фотографов. Они фиксируют свое внимание непосредственно на модели. Тем не менее незначительные элементы переднего плана помогают передать глубину пространства.

Фото 11. Перила моста, попавшие в кадр, оказались совсем не лишними. Они подчеркивают глубину пространства. К тому же перила, выходящие за границы кадра, уравновешивают композицию.

Снимок получается достаточно интересным, если объект съемки заключен в некую рамку, образуемую передним планом. Подобными рамками могут служить окна, арки, деревья.

Фото 12. В приведенном примере рамкой являются качели, подчеркивающие «трехмерность» сцены. Прямые цепи качелей, стремящиеся сойтись в перспективе, направляют взгляд к девочке.

Порой неудачные снимки получаются из-за того, что у нас два глаза, а у фотоаппарата — один. Наше «трехмерное» зрение легко отделяет модель от фона, тогда как на плоской фотографии они сливаются. Самый распространенный пример — это предметы, «растущие из головы модели». Скульпторы говорят, что их задача — взять камень и отсечь все лишнее. А чем фотографы хуже? На снимке тоже не должно быть посторонних предметов. Съемка крупным планом поможет избавиться от них. Если подобный метод недопустим, попытайтесь спрятать лишнее за объектом съемки или, используя мягкий фокус, размойте мешающие предметы, акцентируя внимание на нужных деталях снимка. В этом случае приоритет имеет диафрагма. На камерах без ручных режимов есть некое подобие — режим «портрет», тот же самый приоритет диафрагмы при единственном максимально открытом ее значении. К сожалению, у незеркалок увидеть этот эффект во время съемки практически невозможно — из-за малого количества пикселов на дисплее или у EVF (есть камеры, которые умеют делать «цифровой зум видоискателя», обычно в режиме ручной наводки резкости, — чуть-чуть помогает), а также из-за того, что на дисплее не всегда показывается картинка, снимаемая с реальными значениями выдержки/диафрагмы. При съемке со вспышкой на незеркалках вы практически всегда видите на дисплее или в видоискателе не то, что получится в результате, поскольку, чтобы обеспечить видимость при недостатке освещенности, камера открывает диафрагму полностью, а при съемке закрывает до нужного значения.

По возможности обойдите модель вокруг и постарайтесь выбрать более удачный фон. Если вы снимаете на открытом воздухе, то можете воспользоваться самым красивым и доступным фоном — небом, которое добавит снимку колорит. Камеру следует расположить низко и внимательно следить, чтобы такой ракурс не искажал фигуру модели.

Фото 13. Яркий фон, заполняющий большую часть снимка, отвлекает внимание от главного объекта. Гораздо разумнее было бы воспользоваться макросъемкой, установив камеру ближе к земле.

Фото 14. В качестве фона выступает «безголовый» человек и непонятные металлические конструкции. Композиция перегружена формами, не несущими никакого смысла.

Фото 15. На снимке та же птичка, но автор воспользовался оптическим увеличением и мягким фокусом, тем самым избавившись от лишних деталей. Правая часть фона размыта, а в левой человек уже практически не угадывается. Теперь, когда наше внимание приковано к птице, мы легко различаем все детали фотографии. Здесь, в отличие от предыдущего снимка, отчетливо видно, что птица окольцована.

И напоследок я скажу…

Советов по выбору композиции можно давать бесконечно много. Я ограничился малым, так сказать, основами. При подготовке материала я сделал небольшой эксперимент. Около пяти гигабайт фотографий, сделанных еще во времена бесшабашной молодости, подверглись моей жесткой критике и «условному удалению». В результате осталось 386 мегабайт снимков, имеющих хоть какую-то художественную ценность. Итак, мой фотографический КПД составил около 8%. Именно по этой причине все снимки, приведенные в качестве примеров, сделаны непрофессионалами. Вы узнали основы построения композиции. Попробуйте теперь посмотреть на свои старые фотографии по-другому и вычислить свой КПД.

Я планирую продолжить подготовку статей, посвященных искусству фотографии. Ваши пожелания и критику можете прислать на [email protected]

Министерство науки и образования

Пензенский Государственный Университет

Реферат по эстетике на тему:

«Фотография как искусство»

Выполнила:

Студентка гр. 07вэ2

Алексеева Ольга

Александровна

Пенза 2007 г.

Как начиналась фотография. 3

Фотография – это искусство?. 6

Заключение. 17

Желание сохранить красоту быстротечной жизни создало удивительный вид искусства – фотографию.История фотографии — это захватывающая история зарождения и воплощения в жизнь мечты о фиксации и длительном сохранении изображений окружающих нас явлений и предметов, один из самых ярких и бурных этапов развития современной информационной технологии. Только оглядываясь на прошлое фотографии, можно оценить то огромное влияние, которое оно оказало на развитие современной культуры, науки и техники.

В фотографии выкристаллизовалось несколько достаточно чётко очерченных направлений: этнографическо-социологическое, репортажное, плакатно-рекламное, художественно-конструктивное, декоративное, символическо-концептуальное, импрессионистское. Каждое из этих направлений выполняет свою специфическую, чётко определённую культурно-коммуникативную функцию. Данные направления взаимно не исключают друг друга. Один и тот же фотохудожник, как правило, работает в нескольких из них. Очень важно иметь в виду полуфункциональность художественной фотографии, чтобы, например, художественно-конструктивная её функция не отстраняла этнографическо-социологическую и наоборот, чтобы концептуальность фотовидения шла рука об руку с национальной традицией. Как любой вид искусства, фотография подчинена общим закономерностям развития художеств, сознания и художественного миросозерцания. Художественный образ исторически вырастает на основе эмпирически воспринятой действительности и отражает становление и развитие культурно-смыслового опосредования между художником и внешним миром.

В заключении хотелось бы отметить, что на вопрос о том является ли фотография искусством или нет, пожалуй, столь же сложно найти ответ, как и на вопрос о смысле нашего существования. Некоторые считают, что если фотография нравится, и вам жаль, что её сделали не вы, то это искусство. Но, на мой взгляд, не всё то, что нравится – искусство, и напротив не всегда искусство должно нравится. Ведь красота и уродство, добро и зло — эти вещи неразрывны, поэтому они одинаково должны наполнять искусство. Если будем видеть только красоту, мы не будем её воспринимать. Зло и уродство также необходимы, как и кислород нашим легким. Люди мечтающие об абсолютном счастье скорее неправы, они не понимают что если бы не было войны, не было бы и мира, что они не знали бы о счастье не грамма, если бы не испытали горя. Сама жизнь была бы скучна, теряла бы всякий смысл. Гораздо интересней жить в мире, наполненном противоположностями, которые делают жизнь человека наиболее насыщенной и разнообразной.

Первое закреплённое изображение было сделано в году французом Жозефом Нисефором Ньепсом (Nicéphore Niepce), но оно не сохранилось до наших дней. Поэтому первой в истории фотографией считается снимок «вид из окна», полученный Ньепсом в 1826 году с помощью на оловянной пластинке, покрытой тонким слоем асфальта. длилась восемь часов при ярком солнечном свете. Достоинством метода Ньепса было то, что изображение получалось рельефным (после протравливания асфальта), и его легко можно было размножить в любом числе экземпляров.

На изобретение фотографии художники отреагировали по-разному. Главным камнем преткновения в спорах о художественной природе фотографии и роли фотографа как художника, творца произведения искусства, стала необыкновенная точность в передаче деталей, точность, с которой не мог бы соперничать самый искусный живописец. Одни восторженно приветствовали светопись, другие, напротив, видели в фотоаппарате предмет, бесстрастно фиксирующий действительность без всякого приложения рук человеческих. Но на заре своего существования фотография не претендовала на то, чтобы быть произведением искусства, и до конца 1840-х годов нельзя говорить о намеренном фототворчестве.

3. Съёмка архитектурных сооружений


Это такой жанр фотографии, изображающих здания и их комплексы, мосты и т. п. Как правило, ставит целью получение документального снимка, создающее необходимое представление о внешнем виде снимаемого объекта или его деталей.При наибольшее значение имеет выбор точки съёмки по высоте, отдалённости и углу съёмки. Именно это определяет общую композицию кадра, перспективу, соотношение планов. В городских условиях, при отсутствии достаточного пространства, выбор а значительно облегчается применением широкоугольного или сверхширокоугольного объектива.

5. Съёмки спорта и движущихся объектов

Особенностью таких фотографий является быстрота движений. Важно показать динамику движений. Спорт фотографируют только с короткими выдержками — не более, чем 1/100 сек, а зачастую и 1/500 — 1/1000 с. Для такой съемки необходимы фотоаппараты, снабженные быстродействующими затворами и светосильными объективами.

6. Съёмка детей


Есть небольшое сходство в фотографировании детей и спорта. Это стремительность. Дети не сидят на месте, поэтому самым легким способом является съемка занятых чем-то детей (просмотр спектакля, слушание сказки, игра). В эти моменты дети не акцентируют свое внимание на непонятной интересной «штуке» возле вашего лица, они поглощены. Это просто кладезь интересных выражений! 🙂

7. Ну и наконец — репортажная съёмка


Это так называемый метод съемки события без вмешательства в его естественное течение. — это серия снимков, сделанных в ходе какого-либо события, когда фотограф ограничен временем и сценарием происходящего. Таким образом, репортаж ставит фотографа в некие временные и сценарные рамки. Репортажный метод съемки исключает режиссирование, хотя в некоторых ситуациях фотограф может немного провоцировать людей или ситуацию. Но это бывает нечасто — искусство репортажа состоит в том, чтобы, не режиссируя кадр, снять его экспромтом, по ходу действия, точно находя точку, план, момент.
На мой взгляд, идеальная фотография такого жанра та, которая смогла бы проиллюстрировать какую-либо тему в новостях в рубрике «no comments». Снимок должен все говорить сам за себя.

Фотохудожники

Людей, которые занимаются постановкой художественных фотографий называют фотохудожниками.
Он, в отличии от просто фотографа, уделяет особое внимание специальным средствамЛюдей, которые занимаются постановкой художественных фотографий называют фотохудожниками.
Он, в отличии от просто фотографа, уделяет особое внимание специальным средствам производства, применяет те или иные технические приемы (выбор освещения, приёмы композиции, эффекторная оптика, послесъемочная обработка и т.д.).

Итак — освещение

Фотографы знают, что если источник света находится сзади него, то кадр получается плоским. Идеальное , скажем, для пейзажей — свет сбоку (задне-боковой или передне-боковой).
Если затронуть время съёмок — то идеально, конечно, вечер и утро. В это время свет более мягкий и рассеянный. Когда солнце в зените цветовая температура заметно выше и в его спектре преобладают синие и голубые тона; в утреннем и вечернем свете, как уже было сказано выше — желтые и оранжевые, а в тенях — от голубого к синему.

5 причин, по которым фотография является видом искусства

До того, как в 18 веке была сделана первая фотография, реалистичные изображения того, что видят глаза, могли создавать только талантливые художники. В наше время и в эпоху фотографии картины были действительно особенными, потому что большинство из нас могли только представить себе работу и усилия, потраченные художником, чтобы создать такое реалистичное изображение. Это учитывая, что этим опытным художникам приходилось конкурировать с эпохой, когда инструменты для фотографии больше не роскошь, а необходимость.услуги по ретуши фотографий

Съемка красоты природы доставляет огромное удовольствие. Вы также можете начать фотографировать с помощью мобильного телефона. Все, что вам нужно, это мобильный телефон и лучший штатив для телефона.

Художественный взгляд
Прежде чем мы перейдем к атрибутивным факторам, которые делают фотографию искусством, нам нужно рассмотреть отношения визуального восприятия между двумя людьми, художником и не-художником. Большинство людей на самом деле не считают себя творческими и считают художественный взгляд талантом, унаследованным от рождения.Для большинства из нас это либо есть, либо нет, конец истории.

Однако художественный взгляд может быть у каждого, и вам не обязательно им быть, чтобы оценить искусство собственными глазами. С практикой и некоторыми приемами вы можете развить художественный взгляд, и да, это очень достижимо.

Тренировка глаз
При достаточной практике и обучении вы сможете смотреть на искусство более широко. Конечно, отчасти это связано с тем, что у нас есть пара здоровых глаз.И если вы сейчас носите корректирующие очки, всегда есть лучший способ сделать это. Используйте эти контактные линзы для лучшего зрения без помех, вызванных очками.

Один из способов натренировать свое художественное зрение — научиться смотреть и видеть. Эти двое часто воспринимаются как одно и то же, но смотреть — это не то же самое, что видеть. Каждый день мы поглощаем визуальную информацию, но никогда не удосуживаемся увидеть ее значение. Мы просто смотрим на них, не пытаясь осознать их значение.фон автомобиля удалить

Фотография пробуждает в нас художника
Опять же, вам не нужно быть профессиональным художником, чтобы изучать и ценить искусство. Один из способов художественного самовыражения — через объектив камеры. Мы видим величественный горизонт, фотографируем его. Мы видим, как наш отец проводит время с нашим сыном, мы фиксируем его одним щелчком мыши. Используйте эти контакты, чтобы четко найти лучшие ракурсы и создать лучший образ каждой истории.

Возможно, у нас разные причины, когда мы фотографируем, но общей темой здесь является желание создать момент, запечатлеть его на другом холсте.Это творение в своей необработанной форме явно делает нас художниками.

Фотография как искусство
Википедия определяет искусство как «разнообразный спектр человеческой деятельности по созданию визуальных, слуховых или исполнительских артефактов, выражающих творческие или технические навыки автора, предназначенные для того, чтобы их ценили за их красоту или эмоциональную силу».

Уже по одному приведенному выше определению можно сказать, что фотография — это форма искусства. Это может не требовать навыков, таких как живопись или скульптура, но ключевым элементом здесь является намерение ценить красоту и выражать эмоции.Вот еще несколько веских причин, по которым фотография — это больше, чем просто ремесло:

● Фотография требует воображения и творчества
Для получения идеального снимка требуется разный уровень творчества и много воображения, и это общепризнанное знание. Фотографы знают, что они должны снимать обычные вещи и находить множество способов представить их миру с помощью необычных кадров.

● Фотография передает эмоции
Что отличает художественные фотографии от обычных снимков, так это выбор времени и предвидение мелких деталей больших моментов.В этих маленьких деталях кроются сильные эмоции, и опытные фотографы это знают. Именно спокойные моменты в шумном мире — вот что действительно имеет значение.

Идеальные улыбки, затишье перед бурей, капельки воды и сверкающие глаза перед тем, как жених поцелует невесту; это одни из кратковременных эмоциональных моментов, о которых мечтает запечатлеть каждый фотограф.

● Фотография требует аналитических навыков
Чтобы заморозить идеальный момент и сохранить его навсегда, требуются технические навыки, которые каждый фотограф развивает годами практики.Подобно художникам-художникам, которые используют разные наборы кистей или материалов, у фотографов есть выдержка затвора, диафрагма и другие числовые аспекты, которые следует учитывать при съемке.

Тип объектива, фильтры и глубина резкости также являются некоторыми проблемами, которые фотографы должны решать немедленно. В противном случае возможность сделать снимок будет утеряна и может больше никогда не повториться.

● Фотографы разбираются в физике
Опытные фотографы знают, что они также должны понимать, как работают оптика, камеры, ракурсы и освещение.Использование науки, лежащей в основе фотографии, будет огромным преимуществом для каждого фотографа.

Это похоже на художников, скульпторов и визуальных художников, которые хорошо понимают элементы, которые могут повлиять на сообщение, которое они хотят передать через свои произведения искусства.

● Фотографы понимают абстракцию
В общих чертах, абстракция — это процесс, в котором информация тщательно, но преднамеренно упускается, в результате чего получается кадр, открытый для различных интерпретаций.Абстракция также требует понимания геометрических форм, текстуры, линий, цвета и некоторых других связанных элементов.

Как упоминалось ранее, любой может развить художественный взгляд, и великие фотографы со временем развили свое понимание изоляции и видения за пределами оригинала Перспектива снимков.

● Могу ли я превратить фотографию в индивидуальный набор для рисования по номерам?

Теперь вы можете превратить свою любимую фотографию в персонализированную краску под номером и создать свою собственную картину.Вы можете себе это представить? Раскраска по номерам на заказ — это самый удивительный подарок, который вы можете сделать близкому человеку.

Если вы получите свою персонализированную раскраску по номерам из Персонализируйте все , вы получите полный набор со всем необходимым для рисования шедевра. Включает в себя 3 кисти, 24-36 цветов и холст.

Чего вы ждете, идите и настройте свой холст прямо сейчас, потому что спрос высок, и они очень часто заканчиваются на складе.

Вот несколько советов и приемов раскраски по номерам , которые помогут вам сделать вашу раскраску по номерам лучше. Честно говоря, это лучший способ рисовать по номерам в настоящее время.

Заключение
Мы обсудили причины, по которым фотография считается формой искусства, но также важно помнить, что все изображения по своей природе являются художественными. Правильная фотография сама по себе является искусством по причинам, рассмотренным выше.

Фотография: это искусство? | Фотография

Вот уже 180 лет люди задаются вопросом: является ли фотография искусством? На первом собрании Лондонского фотографического общества, основанного в 1853 году, один из членов пожаловался, что новая техника «слишком буквальна, чтобы конкурировать с произведениями искусства», потому что она не может «возвышать воображение».Эта концепция фотографии как механического носителя записи так и не исчезла полностью. Даже к 1960-м и 70-м годам художественная фотография — идея о том, что фотографии могут запечатлеть нечто большее, чем просто внешний вид — была, по словам фотографа Джеффа Уолла, «фотогетто» нишевых галерей, поклонников и публикаций.

Но за последние несколько десятилетий этот вопрос звучит все реже. Когда фотография серой реки Рейн под таким же бесцветным небом, сделанная Андреасом Гурски, была продана за рекордную для мира цену в 2 фунта стерлингов.7 миллионов в прошлом году, дебаты фактически закончились. Словно в знак своего патрицианского одобрения, Национальная галерея сейчас проводит свою первую крупную фотовыставку «Соблазненные искусством: фотография прошлого и настоящего ».

Выставка представляет собой не обзор, а скорее исследование того, как первые практикующие фотографы относились к картинам, когда они впервые исследовали потенциал своей технологии, и как их современные потомки смотрят как на этих старых мастеров фотографии, так и на картины старых мастеров.

Картины предлагались в виде каталога переносимых сюжетов, от портретов до обнаженных тел, от натюрмортов до пейзажей, которые фотографы могли имитировать и адаптировать. Из-за длительной выдержки, необходимой для первых камер, движущиеся объекты было невозможно запечатлеть. Самая ранняя известная фотография человека была случайно сделана Луи Дагером вместе с Генри Фоксом Талботом, одним из двух великих пионеров фотографии, когда он установил свою камеру высоко над бульваром Тампль в Париже в 1838 году.Его 10-минутное время экспозиции означало, что проезжающие транспортные средства и пешеходы двигались слишком быстро, чтобы регистрироваться на пластине, но бульвар стоял на месте достаточно долго, чтобы и он, и чистильщик сапог, полировавший его ботинки, были захвачены навсегда.

Когда Дагер направил свою камеру на людей, а не на места, результаты оказались откровенными. Элизабет Барретт Браунинг была настолько поражена дагерротипами, что восхваляла «саму тень лежащего там человека, фиксированную навсегда». Точность запечатленных черт означала, что она «предпочла бы такой памятник тому, кого я очень любил, чем самое благородное произведение Художника, когда-либо созданное» не «в уважении (или неуважении) к Искусству, а ради Любви».Однако если бы ее фотограф последовал совету Эжена Дисдери, который писал в 1863 году: «Именно в работах великих мастеров мы должны изучать простой, но величественный метод создания портрета», она могла бы удовлетворить любовь. как с физиогномикой, так и с искусством.

Мой внук Джулии Маргарет Кэмерон. Фотография: Hulton/Getty

Некоторые фотографы-первопроходцы сразу поняли, что фотографии, как и картины, представляют собой искусственно созданные образы: их тоже нужно тщательно скомпоновать, осветить и произвести.Джулия Маргарет Кэмерон ясно выразила это в своем переосмыслении картин эпохи Возрождения. Например, на ее картине «Свет и любовь » 1865 года изображена женщина в головном уборе Марии, склонившаяся над своим младенцем, спящим на соломенной кровати. Это часть серии вертепов, которая такая же длинная, как христианское искусство, и была провозглашена одним критиком фотографическим эквивалентом «метода рисования, используемого великими итальянскими мастерами». I Wait , 1872, изображает ребенка с ангельскими крыльями, опирающегося подбородком на сложенные руки, со скучающим выражением лица, которое напоминает подавленных херувимов в Сикстинской Мадонне Рафаэля .Такие фотографии не были прямыми цитатами из картин, но вызывали в сознании зрителя ряд ассоциаций, придававших фотографии историческую глубинку.

Если Кэмерон и его современники, такие как Оскар Рейландер и Роджер Фентон (сделавший множество фотографий натюрмортов из фруктов и цветов, а также свои наиболее известные картины Крымской войны) стремились к тому, чтобы их фотографии отражали их собственные знания art, ссылки шли в обе стороны. В 1873 году Леонида Кальдеси опубликовала книгу своих фотографий из 320 картин в Национальной галерее, и ее целевой аудиторией была не только публика, но и сами художники, для которых фотографии были более точными и более доступными, чем гравированные репродукции.К 1856 году благодаря фотографиям Фентона художники могли изучать классические статуи в своих собственных студиях.

Ричард Лиройд Человек с татуировкой осьминога II (2011) Ричарда Лиройда. Фотография: любезно предоставлена ​​галереей McKee, Нью-Йорк,

. Возможно, именно изображением обнаженной натуры — например, бестселлером Фентона с изображением дискобола Дискобола — фотография могла возместить свой долг перед искусством. Нанимать живую модель было дорого, а гравюры были плохой заменой. Делакруа был одним из художников, который «испытывал чувство отвращения, почти отвращения к их неправильности, манерности и неестественности».Вместо этого он хвалил живописную помощь, оказанную академиями (книгами фотографий обнаженной натуры), поскольку они показали ему реальность: «эти фотографии обнаженных мужчин — это человеческое тело, это замечательное стихотворение, по которому я учусь читать». Он даже помогал фотографу Эжену Дюрье позировать и освещать его модели. А в Британии и Франции XIX века, когда порнография была запрещена, фотографии обнаженной натуры пользовались спросом у покупателей, не имевших художественных интересов.

Когда дело дошло до пейзажной фотографии, новая среда появилась как раз тогда, когда импрессионисты начали работать на пленэре.Некоторые комментаторы видели реальную проблему фотографии перед живописью в ее способности улавливать то, что фотограф и журналист Уильям Стиллман назвал в 1872 году «свидетельствами природы о фактах, на которых основано искусство» — случайные «естественные комбинации пейзажей, изысканные градации , и эффекты солнца и тени». Другой практик, Линдон Смит, пошел еще дальше, объявив пейзажную фотографию ответом на «изнеженные и взрывоопасные системы «высокого искусства» и «классики» сэра Джошуа Рейнольдса» и «холодные, бессердечные, неверные работы языческой Греции и Рима». .

Однако быть новым было трудоемким делом. Эдверд Мейбридж, фотограф британского происхождения, который первым запечатлел животных в движении и в результате положил конец старой живописной традиции изображать лошадей, бегущих на всех четырех ногах от земли, в первую очередь был фотографом-пейзажистом. Его фотографии дикой природы Йосемити, например, включали перенос увесистых камер, коробок со стеклянными негативами, а также палаток и химикатов для импровизированной фотолаборатории, в горы и через леса.Напротив, живописные экспедиции Моне требовали только краски и холста.

Ричард Биллингем. Хеджероу (Нью-Форест) , 2003. Фотография предоставлена ​​галереей Энтони Рейнольдса, Лондон. . Выставка делает это, сочетая старое и новое. Поэтому, когда современный фотограф, такой как Ричард Биллингем, фотографирует пустынное пространство моря и неба в голубовато-серых тонах Ротко ( Storm at Sea ), он имеет в виду наследие, которое включает в себя как монохромную тональность атмосферных фотографий Гюстава Ле Грея, морские пейзажи 1850-х годов и такие картины, как Пароход на Женевском озере, Вечерний эффект , 1863 год, швейцарского художника Франсуа Босиона.

Изображение супружеской пары в загородном доме из альбома Мартина Парра Признаки времени, Англия, 1991 год Фотография: Мартин Парр/Magnum

Об этом говорится в различных средствах массовой информации. Хрупкий портрет супружеской пары из альбома Мартина Парра 1991 года « Signs of the Times », например, контрастирует с « мистера и миссис Эндрюс » Гейнсборо 1750 года. их поля и леса, довольные как собой, так и своим положением, бывшая пара напряженно позирует в своей гостиной.

Ори Гершта Blow-Up- Untitled 5 , (2007) Фотография: Bigbang Ii/Courtesy of the Artist and Mummery + Schnelle, London

Тем временем цветочная картина 19-го века Анри Фантен-Латура является отправной точкой для фрагментарных цветов Ори Гершта, Взорвать . Гершт заморозил свои цветы жидким азотом, прежде чем взорвать их небольшим зарядом и сфотографировать лепестки, превратившиеся в летящие осколки. Среди обнаженных тел картина Ричарда Лиройда «Человек с татуировкой осьминога» , 2011, помещена рядом с картиной галереи 1819–1839 годов « Анжелика, спасенная Руджеро » знатока телесных изгибов Энгра.Привлекательность плоти и ее извилистость вне времени.

Кураторы выставки в Национальной галерее избегают использования многих самых громких имен современной фотографии (например, нет Андреаса Гурски и Синди Шерман), а также художников-фотореалистов, таких как Герхард Рихтер или Энди Уорхол. Их выбор — в основном менее известные фигуры, как будто для того, чтобы показать, насколько глубоки швы фотографов, все еще работающих с долгим визуальным прошлым. Когда в 1844–1846 годах Фокс Талбот опубликовал свои мысли о фотографии, он дал книге (первому изданию, содержащему фотоиллюстрации) название «Карандаш природы ».Эта выставка раскрывает то, чего отец-основатель фотографии никогда не мог знать: камера всегда была карандашом искусства.

Искусство фотографии


Дорогой друг,

Я хочу поделиться с вами практическими советами, идеями и советами о том, как стать более «артистичным» фотографом.

1. Является ли фотография искусством?

Да.

Для меня искусство — это создание вещей из вашего воображения и души. Тот, кто говорит, что фотография — это не искусство, — претенциозный мудак.

2. Почему вы снимаете фотографии?

Прежде всего, один из вопросов, который вы хотите задать себе, заключается в следующем:

«Зачем я фотографирую?»

Задавая себе этот вопрос, вы глубже понимаете, почему щелкаете затвором. Ответив на этот вопрос, вы найдете смысл, цель и направление в своей фотографии.

Например, Я фотографирую, потому что это помогает мне по-настоящему соединиться с миром на более глубоком уровне.Без фотоаппарата в руках я очередной зомби на их смартфоне. Я не замечаю и не ценю красоту повседневной жизни вокруг меня.

Однако, когда я держу фотоаппарат в руке и чувствую вес фотоаппарата в руке, я оглядываюсь и активно ищу возможность сфотографироваться. Активно ища возможность сфотографироваться, я чувствую, как повышается чувствительность моих глаз. Я могу воспринимать цвета, формы, формы и жесты на более глубоком уровне.

Когда я действительно «в зоне» уличной фотографии, я могу заметить каждый жест, выражение лица людей на улицах.Я чувствую связь с улицами. Я теряю ощущение себя и чувствую, что нахожусь на другом уровне.

Не только это, но я фотографирую, потому что пытаюсь выразить свою любовь к тем, кого фотографирую.

Если меня будут помнить только за один фотопроект после моей смерти, то это будет «Проект Синди» — фотографирование любви всей моей жизни всем сердцем и душой. Я надеюсь не только сфотографировать Синди, но и сфотографировать чувство, которое я испытываю к ней. И я надеюсь, что этот проект вдохновит других фотографировать своих близких с такой же нежностью и состраданием.Потому что мы не знаем, когда умрут наши близкие. Фотографировать своих близких – думать о смерти.

3. Чем фотография отличается от живописи или других видов искусства?

Прежде всего, в фотографии — вам приходится иметь дело с физическими атомами, фигурами и формами в реальном мире.

Художник может сесть и просто представить свое окружение или окончательную картину. Художник может выбрать любые цвета, инструменты или материалы, чтобы создать то, что у него на уме.

В фотографии мы немного больше порабощены окружающей средой.Без правильного объекта, правильного фона, света или цвета мы не можем создавать изображения.

Некоторые фотографы перед съемкой предварительно визуализируют свои фотографии. Ричард Аведон однажды мечтал сфотографировать мужчину-альбиноса, окруженного пчелами. Когда он проснулся, он сделал набросок, а затем разместил объявление о поиске мужчины-альбиноса. Потом сфотографировал.

Другие фотографы (включая меня) — мы не знаем, что ищем, пока не увидим это. Я, например, часто брожу по улицам с фотоаппаратом в руках, просто открываясь любым возможностям.

Я особенно чувствую искусство уличной фотографии — секрет в том, чтобы сделать себя податливым, гибким и текучим, как вода. Если вы закроете любой из своих вариантов, вы не будете столь реактивны и упустите много возможностей для уличной фотографии.

4. Какой у тебя стиль?

Возвращаясь к сути дела, у каждого фотографа есть своя тема. Кому-то из нас нравится фотографировать пейзажи, кому-то нравится фотографировать свою семью, кому-то нравится фотографировать незнакомцев, кому-то нравится фотографировать здания, а кому-то нравится фотографировать самих себя.

Что касается меня, я не думаю, что вы должны ограничивать свою тематику как фотограф. Я думаю, что чрезмерно специализироваться на фотографии опасно. Потому что вы теряете творческую энергию и пар.

Например, когда я был слишком сосредоточен на уличной фотографии, я расстраивался. Когда я не был в оживленном городе с захватывающим центром, я чувствовал, что не могу делать фотографии. Разочарованный, я вскоре нашел лучший объект для фотографии — Синди, любовь всей моей жизни. Затем я начал заниматься «личной фотографией» с полным рвением и энтузиазмом.

Теперь мой стиль — это сочетание съемки моих близких (личная фотография), незнакомцев на улице (уличная фотография), и я действительно стал больше снимать пейзажи и природу. Я больше не хочу определять себя. Если человек на улице спрашивает меня, что я люблю снимать, я обычно говорю «Уличная фотография» (потому что это проще). Но лично я больше даже не определяю себя как фотографа. Потому что я не хочу ограничивать себя только одним средством — я хочу черпать вдохновение в джазе и хип-хопе, у художников-импрессионистов, у древнегреческих и римских поэтов, а также у скульптуры, танца и театра.

5. Не специализируйтесь на фотографии

Что касается искусства фотографии, то мое предложение таково: не специализируйтесь на фотографии . Будьте открыты для любых фотографических возможностей. Сфотографируйте все, что привлекает ваше внимание.

Я по-прежнему считаю, что если вы хотите зарабатывать на жизнь коммерческой фотографией, хорошо быть специалистом. Затем, как только вы овладеете одной областью специализации, вы сможете расшириться. Что касается меня, я начинал как фотограф-универсал, а затем начал специализироваться на уличной фотографии.Потом люди начали узнавать, кто я такой. Я построил себе карьеру, проводя мастер-классы по уличной фотографии. Но теперь я начинаю отходить от уличной фотографии и сосредотачиваюсь на других видах фотографии. Теперь я вижу всю фотографию как фотографию — хотел бы я знать это раньше.

6. Какой камерой мне снимать?

Мое предложение по выбору камеры: используйте самую простую, самую маленькую, самую компактную и «бесшумную» камеру.

Это может быть камера типа «наведи и снимай» или смартфон.Это может быть даже камера большего размера — все, что вам подходит и подходит.

«Не каждая обувь подходит к каждой ноге».

Когда вы начинаете заниматься фотографией, вам нужно будет поэкспериментировать с разными камерами, чтобы понять, что вам подходит.

Но по моему личному опыту, чем больше ваша камера, тем меньше вероятность того, что вы возьмете ее с собой куда угодно, тем меньше фотографий вы собираетесь снимать и тем больше разочарований вы будете получать от своих фотографий.

Так что мой практический совет таков: оптимизируйте камеру меньшего размера, более легкую и более универсальную, когда это возможно.

Этот совет можно дать артисту любой другой формы. Художники часто чрезмерно зацикливаются на своем оборудовании. То же самое происходит с писателями (какой ручкой или бумагой писать?), с художниками (акриловыми или масляными красками?), с музыкантами (играть на электро или акустике?). Но в любом виде искусства чем проще инструмент, тем лучше.

Я знаю, как писатель, я стараюсь использовать самый простой инструмент для письма. Для моего письменного приложения я использую приложение, которое является полноэкранным, не имеет других отвлекающих факторов и просто фокусируется на наборе текста.

7. Что делает мою фотографию уникальной?

Для начала, поскольку вы сняли фотографию, она уникальна.

Однако то, что ваша фотография уникальна, не означает, что она хорошая.

Так что в некотором смысле быть «уникальным» фотографом переоценено. Вы можете взять обычно фотографируемый объект (скажем, метро), но вы можете сделать его великолепным.Неважно, насколько оригинальна или нова ваша идея — важнее всего исполнение ваших изображений.

8. Как улучшить фотографии

Чтобы фотографии были лучше, нужно снимать с душой.

Вот чего не хватает современной фотографии. Слишком много внимания уделяется техническим настройкам; а не фотографировать с эмоциями и душой.

В фотографию вложите все свое тело, разум и душу, когда снимаете. Не усложняйте.Не пытайтесь быть слишком умным во время съемки.

К чему вы должны стремиться, так это к созданию более аутентичных, личных и прозрачных фотографий. Ваши фотографии должны отражать, кто вы как человек.

И, конечно же, если вы хотите делать хорошие фотографии — вам нужно научиться делать хорошие композиции.

Чтобы создать хорошую композицию, нужно иметь меньше отвлекающих факторов, меньше шума и больше «сигнала». Это означает, что при съемке старайтесь делать фотографии максимально простыми.Чем проще ваши композиции, тем больший акцент вы можете сделать на эмоциях и душе на своих фотографиях.

9. Ограничьте свою палитру

Если вы хотите, чтобы ваши фотографии были проще, ограничьте палитру. Начните с черно-белого изображения, потому что это самая простая форма фотографии. Вы можете сосредоточиться только на черных, белых и серых тонах между ними. Сосредоточившись на черно-белой фотографии, вы сможете больше сосредоточиться на композиции, жестах рук, языке тела, свете, тенях, отражениях и формах.

Тогда, когда вы начнете продвигаться в своей фотографии, я рекомендую заняться цветной фотографией. Потому что цвет — это еще одна переменная, которая усложняет вашу фотографию. С цветом у вас есть разные оттенки, оттенки, интенсивность, яркость и контраст. Это совершенно новый мешок червей.

Даже когда вы снимаете цветную фотографию, ваша палитра и цвета должны быть достаточно простыми. Природа предпочитает простые цвета. Вы видите зеленые деревья с красными плодами (поэтому животным легко увидеть плоды).Вы видите голубую воду с оранжевыми цветами, прорастающими из воды.

Вы видите животных, которые красочны, но ограничены в цвете. Павлины в основном зеленые и голубые. Тигры в основном оранжевые, черные и белые.

Даже когда мы видим восходы и закаты — оттенки довольно гармоничны. Либо преобладают теплые цвета (красный, оранжевый и желтый), либо преобладают холодные цвета (синий, фиолетовый, зеленый).

10. Динамичность в фотографии

Чтобы сделать более качественные фотографии, вы также хотите сделать более динамичные композиции.

Если посмотреть на природу, прямых линий не бывает. Деревья растут по фрактальной схеме, что означает, что они распадаются на более мелкие подформы в виде буквы «V».

Попробуйте создать композицию на фотографии с изогнутыми линиями. Или, если вы не можете найти изогнутые линии, попробуйте включить в свои фотографии больше диагоналей.

Если положить мяч на горизонтальную поверхность, он не будет двигаться. Если положить мяч на диагональную поверхность, он будет катиться и набирать скорость. Диагональную линию легко опрокинуть и толкнуть.Если мы учимся у физики, это может помочь нашей композиции.

11. Глаза – зеркало души

В фотографии — если вы фотографируете людей, помните: глаза — зеркало души.

Если вы посмотрите на последние несколько тысяч лет, большинство портретов людей сосредоточено на глазах. Либо глаза смотрят прямо на зрителя, либо куда-то вдаль.

В реальной жизни, когда мы устанавливаем зрительный контакт с кем-то еще, это интимно и часто пугает.Если вы устанавливаете зрительный контакт с незнакомцем, это может быть провокацией или угрозой. Если вы установите зрительный контакт с любимым человеком, иногда это может заставить кого-то (вас или другого человека) расплакаться.

Как человеческие существа, мы запрограммированы на зрительный контакт. Это то, что поддерживало нас в течение тысяч лет.

Даже если мы сидим в общественном месте, мы буквально чувствуем чей-то взгляд на нас. Я лично знаю, если я сижу в кафе, занимаюсь своими делами, может быть, читаю книгу — я могу чувствовать, что кто-то смотрит на меня (боковым зрением).Мои плечи напрягаются, а уголки глаз дергаются. Я чувствую себя некомфортно, и мне приходится обернуться и посмотреть на человека.

Таким образом, если вы хотите сделать более интенсивные изображения в своей фотографии, убедитесь, что ваш объект смотрит прямо в ваш объектив. Когда я снимаю портреты, я часто прошу своих моделей: «Смотрите в объектив и не улыбайтесь». Чтобы получить более аутентичные портреты, не заставляйте их улыбаться. Если вы хотите искреннюю улыбку, лучше расскажите им анекдот или попросите подумать о приятном воспоминании — тогда начните делать больше фотографий.

12. Делайте много фотографий

«Иногда нужно много подоить корову, чтобы получить немного сыра». – Анри Картье-Брессон

Одним из самых больших заблуждений в фотографии является то, что вы должны сделать только одну фотографию сцены. Хотя некоторые фотографы, такие как Уильям Эгглстон, используют эту технику, я думаю, что почти для всех остальных она непрактична.

Чем больше фотографий мы сделаем, тем больше шансов, что мы добьемся успеха. Очень редко первый выстрел оказывается лучшим.

Даже если вы посмотрите на работы Анри Картье-Брессона (мастера фотографии) — он сделал много разных фотографий сцены. Затем он выбирал «решающий момент» после того, как он сделал серию фотографий.

Никто не может предсказать будущее. Поэтому, когда я снимаю сцену, я часто обнаруживаю композицию и «решающий момент» , в то время как я в процессе съемки. Поговорка: «Я не знаю, чего хочу, пока не увижу это» звучит правдоподобно.

13.Подтолкните себя на 25% больше

Когда вы фотографируете сцену, еще один практический совет: старайтесь снимать на 25% больше, чем вы думаете .

У меня есть для себя практическое правило:

Когда я думаю, что «получил» фотографию; Я не. Тогда мне нужно снимать на 25% больше, чем я думаю.

Многие из моих лучших фотографий получаются после того, как я заставляю себя. Многие из моих лучших фотографий получаются на последнем кадре.

Ошибка, которую все мы совершаем в фотографии, заключается в том, что мы слишком рано бросаем.Это относится не только к фотографии; это применимо к жизни. Мы уходим из бизнеса слишком рано, прежде чем получим прибыль. Как бегуны, мы уходим слишком рано — как раз тогда, когда видим финишную черту. Когда мы взбираемся на гору, мы часто останавливаемся, не дойдя до вершины.

Итак, друг, не бросай слишком рано свою фотографию. Не поддавайтесь легкому разочарованию. Продолжайте двигаться вперед. Если вы хотите подняться на крутую гору, вам нужно учиться вперед.

Также, когда вы фотографируете сцену, я рекомендую снимать как по горизонтали (пейзаж), так и по вертикали (портрет).Вы часто не знаете, что сработает лучше, пока не пойдете домой и не просмотрите свои фотографии после этого.

14. Фокус по краям

Лучший совет по композиции, который я могу дать, таков: фокусируйтесь на краях во время съемки. Держите края максимально чистыми. И убедитесь, что вы находитесь достаточно близко к объекту, чтобы заполнить кадр.

15. Подойдите ближе

Часто в фотографии мы находимся слишком далеко от наших объектов. Либо слишком далеко физически, либо слишком далеко эмоционально.

Вы можете стать ближе на своих фотографиях, используя ноги.Я большой поклонник «футзума».

Вы можете стать ближе к своим объектам эмоционально, взаимодействуя с ними. Если вы фотографируете свой объект, поговорите с ним. Поговорите с ними. Спросите их об истории их жизни, их надеждах, мечтах или амбициях. Начните с того, что откройте себя — поделитесь своими секретами и разденьтесь. Тогда они откроются вам глубже, а затем раскроют частички своей души, которые вы сможете запечатлеть на своих фотографиях.

16. Творческие ограничения

Я знаю, что самым большим сдерживающим фактором в моей фотографии является то, что я придумывал слишком много оправданий.Моя экипировка была недостаточно хороша. Мой город был недостаточно интересен. Мне не хватило свободного времени.

На самом деле наши ограничения помогают нам быть более творческими.

Если мы ограничены в плане свободного времени; мы не тратим впустую наше свободное время.

Если мы ограничены в плане снаряжения; мы учимся максимально эффективно использовать нашу камеру, что подталкивает нас к инновациям.

Если мы ограничены в плане нашего города; учимся делать самые интересные фотографии в скучном месте.

Чем больше я об этом думаю — инновации рождаются из необходимости. Голод — это то, что заставляет нас двигаться. Необходимость — это то, что заставляет нас становиться более изобретательными. Часто лучшие предприниматели рождаются из семей беженцев, иммигрантов или бедняков. Почему? Потому что они родились голодными, и им пришлось научиться быть находчивыми.

Подумайте, кто более креативен: ребенок, родившийся с iPad, или ребенок, который должен делать свои игрушки из картонных коробок?

17. Консистенция и разнообразие

В искусстве фотографии; две вещи, которые вы пытаетесь сбалансировать, — это постоянство и разнообразие.

Чтобы создать определенный стиль, ваши фотографии должны выглядеть последовательно. Это означает, что все ваши фотографии должны быть черно-белыми или цветными. Или снимать только в одном городе или районе. Или снимать только на один предмет.

Но если бы вы делали одно и то же каждый день до конца своей жизни, вы бы захотели умереть. Поэтому нам нужно разнообразие.

Как мы можем объединить разнообразие с последовательностью? Мы можем интегрировать разнообразие, смешивая его с последовательностью.

Например, у вас может быть разнообразие различных фотопроектов.Когда вы начинаете новый фотопроект, решите, как вы будете последовательны в этом проекте. Так что для одного фотопроекта можно все это снять на черно-белую пленку. Следующий фотопроект, вы снимаете все это в цвете на цифровую камеру.

Или, допустим, вы хотите снять фотопроект о мужчинах в костюмах. Вы можете быть последовательным, фотографируя только мужчин в костюмах, но вы можете внести разнообразие, фотографируя их в разных местах, ситуациях и с разными композициями.

Или, возможно, вы можете быть последовательны в отношении того, где вы фотографируете (скажем, один квадратный квартал в вашем городе).Разнообразие может заключаться в том, что вы снимаете любой тип объекта, который вам интересен (здания, деревья, люди, вещи, которые вы найдете на земле и т. д.).

Или вы можете быть последовательно непоследовательным . Это означает, что если вы работаете над фотопроектом, вы можете намеренно чередовать цветные и черно-белые фотографии. Вы показываете закономерность своей непоследовательностью.

18. Распознавание образов

Мы, люди, машины распознавания образов. Это ментальный ярлык для нас, чтобы понять мир вокруг нас.

Поэтому, если ваш стиль слишком случайный и вездесущий; никто не обратит на тебя внимание. Потому что у тебя нет постоянства.

Как сказал Сенека: стремись оставаться одним и тем же человеком с начала пьесы и до конца пьесы. Но, возможно, если вы начнете новую пьесу в своей жизни, вы сможете взять на себя другую роль.

Практический совет: используйте одну камеру, один объектив и весь год только черно-белые. И, возможно, вы сможете сосредоточиться на съемке только уличных портретов в течение года.Я верю в конкретные, целенаправленные цели для достижения прогресса.

Затем в следующем году вы можете поэкспериментировать с цветной фотографией и заняться другим проектом.

19. Когда нужно проявлять гибкость

В фотографии вы также должны быть гибкими. Мое предложение: думайте о себе как о капитане корабля. Вы знаете свой общий пункт назначения, но вам нужно скорректировать направление вашего корабля в зависимости от погоды. Ваша цель как капитана — добраться до определенной точки на карте, но вам придется менять курс в зависимости от того, будет ли шторм, есть ли течь в вашей лодке или возникнут какие-то другие помехи.

Точно так же деревья рождаются гибкими, гибкими и мягкими, когда они маленькие и рождаются впервые. Когда деревья умирают, они становятся хрупкими и твердыми.

Мне также нравится аналогия с бамбуком — бамбук крепкий, но гибкий.

Поэтому будьте сильными в своем видении, но гибкими в деталях в своих фотографиях и фотопроектах.

20. Как тренировать зрение

Если вы хотите стать великим фотографом, вам нужно тренировать свое зрение. Вам нужно тренировать глаза, как вы тренируете мышцы.

Фотограф Джей Мейзел называет это «визуальными отжиманиями». Вы можете делать визуальные отжимания, глядя на произведения искусства. Глядя на отличные фотографии от мастеров фотографии или глядя на других художников. Я знаю по себе, что больше всего меня вдохновляет изучение мастеров-фотографов прошлого, художников эпохи Возрождения, древних скульпторов, декораторов интерьеров, модельеров и самой матери-природы.

Вы также то, что вы едите. Если вы будете постоянно потреблять McDonalds и Coca Cola, вы станете тучными, заболеете диабетом и, возможно, умрете.Если вы хотите стать сильным и подтянутым, вы должны воздерживаться от сахара, простых углеводов и обработанных пищевых продуктов.

То же самое и с вашим зрением. Вы разрушите свое визуальное здоровье, если будете проводить слишком много времени, просматривая вещи в социальных сетях, рекламу и всякую ерунду.

Поскольку обильное физическое здоровье зависит от различных источников пищи, сильное визуальное здоровье зависит от различных источников визуального вдохновения.

Потребляйте только лучшее.

21.Время либо улучшает, либо гасит

В фотографии время — ваш лучший советчик.

Например, есть определенные фотографии, которые мне нравятся больше с течением времени. Есть также некоторые фотографии, которые я начинаю ненавидеть больше с течением времени.

Фотографии, которые со временем улучшаются, — это ваши хорошие фотографии, и их следует сохранить. Фотографии, которые со временем распадаются, — это ваши плохие фотографии, и их следует удалить.

Мне нравится называть этот процесс «маринованием».Идея состоит в том, что чем дольше вы оставляете мясо мариноваться, тем лучше оно будет на вкус. Конечно, в аналогии с едой этому есть предел.

Еще одна аналогия — позволить вещам бродить. Чем дольше вы будете мариновать кимчи (до определенного момента), тем вкуснее он будет. То же самое с пивом, вином и другими ферментированными продуктами.

Так что, если вы не уверены, хороша ваша фотография или нет, просто посидите над своими фотографиями. Не стремитесь слишком быстро загрузить фотографию в социальные сети.Это все равно, что подать гостю недожаренный стейк. Или это похоже на сбор фруктов до того, как они созреют.

22. Все убийцы, без наполнителя

Чем меньше, тем лучше. Больше меньше.

Чем меньше фотографий вы поделитесь с другими, тем лучше. Вы хотите поделиться только «сливками урожая» — лучшим из лучших.

Вы настолько хороши, насколько хороша ваша самая слабая фотография. Точно так же, как цепь настолько прочна, насколько прочно самое слабое звено.

Я часто просматривал фотопроекты, в которых 19 невероятных изображений, но 1 очень плохое фото.Одна неудачная фотография портит весь проект. Это как одно тухлое яйцо может испортить целую кучу.

Когда вы работаете над серией фотографий, сосредоточьтесь на том, какие фотографии вычесть из , а не на том, что добавить. Начните с 50 изображений или около того, а затем отредактируйте их до 40 изображений, затем 30 изображений, затем 20 изображений и, возможно, только 10 изображений.

Если представить всю нашу жизнь как фотографов, нам повезет, если нас запомнят всего за 1 фотографию или 1 фотопроект. Но если вы достигли этой цели — вы сделали свою работу фотографа.

Леонардо да Винчи запомнился только Моной Лизой. Фотографа Ника Ута помнят по «Напалмовой девушке». Анри Картье-Брессона помнят по парню, перепрыгивающему через лужу. У каждого великого художника в истории есть свой «Magnum Opus» (великая работа), которым его помнят. Но редко вспоминается только 1 (кроме, пожалуй, Гомера, которого помнят за и Иллиаду, и Одиссею).

23. Стреляй, если сегодня был твой последний

В искусстве фотографии смерть — наш лучший мотиватор.Если вы будете снимать каждый день так, как если бы он был последним, вы никогда не пожалеете о своих фотографиях.

Нет лучшего времени для того, чтобы стать фотографом, чем сейчас.

Так зачем медлить и медлить? Какие у вас есть гарантии, что вы доживете до завтра? Кто знает, собьет ли вас пьяный водитель, заболеете ли вы какой-нибудь редкой формой рака, случится ли у вас во сне сердечный приступ или вы поскользнетесь на улице и раскроите себе череп?

Не откладывай стать фотографом.Не ждите, пока вы отправитесь в путешествие в следующем году. Не ждите, пока вы выйдете на пенсию. Не ждите, пока вы переедете в другой город.

Сфотографируйте свое окружение. Сфотографируйте свою жизнь. Сфотографируйте себя.

Простой фотопроект, который вы можете сделать, — это «день из жизни» (вашей жизни). Сфотографируйте свой утренний распорядок. Начните с того, что ложитесь спать с камерой на прикроватной тумбочке. Проснитесь, возьмите камеру и сфотографируйте свой потолок или любимого человека на вашей стороне. Затем сфотографируйте вид из своего окна.Сфотографируйте свой утренний кофе, сфотографируйте по дороге на работу, сфотографируйте на работе, сфотографируйте обеденный перерыв, сфотографируйте по дороге домой и сфотографируйте свой вечер с любимым человеком. А если вам больше некого фотографировать, сфотографируйте себя — в зеркале, своей тени или просто сделайте селфи.

Единственный способ стать лучшим фотографом — повысить чувствительность своих глаз. Осознать, что каждое мгновение потенциально прекрасно и драгоценно.Чтобы ничего не принимать на веру.

Величайший фотограф может сделать обычную сцену необычной. Плохие фотографы делают обычные фотографии необычных вещей.

24. Как набраться смелости в фотографии

Одна из самых важных вещей в фотографии — построить стальной стержень.

Мужество — ваша опора в фотографии. Смелость — это то, что поможет вам обрести мужество, чтобы сделать снимок. Смелость — это то, что придаст вам уверенности в себе, чтобы поделиться своей работой с другими.Смелость — это то, что поможет вам пойти на риск в вашей фотографии, в вашем путешествии к величию.

Чтобы закалить свой позвоночник в фотографии, знайте, что вам нечего бояться, кроме самой смерти. Все наши иррациональные человеческие страхи проистекают из смерти и страха боли. Например, мы боимся снимать уличную фотографию, потому что боимся разозлить людей, заставить их физически напасть на нас или чтобы незнакомцы (возможно) убили нас.

Мы боимся «выставлять себя напоказ», делясь своими фотографиями, потому что боимся, что нас начнут осуждать.Мы боимся негативного осуждения, потому что боимся подвергнуться остракизму со стороны сверстников, боимся быть уволенными с работы, стать бездомными и умереть на улице.

Но лучшее противоядие — представить себе худшее и не бояться смерти. Не бойтесь стать бездомным, не бойтесь боли и не бойтесь смерти. Если вы сфотографируете незнакомца, вас не убьют. Если вы поделитесь фотографией в Интернете, самое худшее, что может случиться, это то, что никто не ответит или не поставит лайк вашей фотографии. Если вы хотите продолжать работать фотографом на полную ставку, самое худшее, что может случиться, это то, что вам придется устроиться на работу бариста, чтобы оплачивать счета (что на самом деле не является ужасным запасным планом).

Еще один совет — ждите критики и негативных оценок. Во всяком случае, это единственный способ измерить свой личный «успех». Чем больше людей ненавидят вашу работу, тем успешнее вы становитесь. Например, если вы никто — никто не будет критиковать вашу работу. Уильям Эгглстон впервые получил известность, когда выставил свои цветные фотографии в NY MOMA, и все ненавидели его работы. Дайдо Морияма сделал себе имя, когда люди начали критиковать его высококонтрастные, грубые, расфокусированные фотографии.Миллионы назвали The Beatles «переоцененными».

Также, чтобы быть более уверенным в своих фотографиях, знайте, что фотография — это ваша обязанность. Вы рождены, чтобы создавать красивые и вдохновляющие образы. Вы снимаете не только для себя — вы фотографируете для других.

Если бы не ты, у кого был бы документ твоего города? Если бы не вы, у кого был бы документ о вашей семье и близких? Если бы не ты — кто бы ценил красоту повседневности?

Зная, что фотография — это ваша обязанность, вы возвышаетесь.Ваша фотография — это не эгоистичный поступок — это во благо.

25. Разум новичка / Разум ребенка

Один из лучших способов сохранить творческий потенциал на всю жизнь — принять «разум новичка» или «разум ребенка».

Ребенок рождается новичком. У новичка нет концепций, теорий и представлений об искусстве. И все же каждый ребенок рождается художником.

В детстве мы берем бумагу и раскрашиваем ее. Мы создаем искусство с душой, без всякой самоцензуры.Мы делаем это не ради денег, славы или известности. Мы создаем искусство, потому что это весело.

Раньше я слишком серьезно относился к своей фотографии; что было серьезным препятствием для моего прогресса. Когда я начинал как новичок, я просто фотографировал для удовольствия. Именно тогда я был самым креативным, и именно тогда у меня было больше всего мотивации. Я фотографировал для себя, и чтобы поделиться своими фотографиями с несколькими друзьями.

26. Создай для себя

Не стреляйте на публику; снимать для себя.

Невозможно знать, какие фотографы нравятся другим. Но легко узнать, какие фотографии вам нравятся.

Раньше я была зависима от социальных сетей — беспокоилась о том, наберут ли мои фотографии много лайков. Я бы «вычислил свою самооценку», подсчитывая успех моих фотографий на основе того, сколько лайков я получил. Но я начал понимать, что стал рабом чужого мнения. Я больше не стрелял для себя; Я стрелял для других.

Поэтому я сделал перерыв в социальных сетях.Я перестал выкладывать свои фотографии в сеть и стал сосредотачиваться только на себе. Я бы сделал фотографии, а потом посмотрел на них и спросил себя:

«Нравится ли мне это фото?»

Не беспокоясь о том, что могут подумать другие.

В конце концов, вам труднее всего угодить человеку. И вы самый важный человек, которому нужно угодить.

Что делать, если у вас есть фотография, которая набрала миллион лайков, но вы ее ненавидите? Это того стоило? Или рассмотрите фото, которое вам нравится, но не нравится больше никому.Я все же считаю, что собственное мнение важнее мнения масс.

Я по-прежнему считаю, что полезно получать честные отзывы и критику от других, просто чтобы понять, как другие видят ваши фотографии. Но в то же время принимайте во внимание их мнение — но не слушайте их мнение слепо. Слушай свою совесть перед мнением других .

Практический совет, как оценить свои собственные фотографии. Если вы увидели свою фотографию в чьей-то ленте в социальных сетях, вы бы поставили ей лайк или поделились ею с кем-то еще?

27.Вы не ваши фото

Многие из нас не справляются с фотографией, потому что слишком посвящают себя фотографии. Мы принимаем наши фотографии и лично. Мы думаем, что мы наши фотографии.

Поэтому, когда люди критикуют наши фотографии, нам кажется, что они критикуют нас как людей. Если кому-то не нравятся ваши фотографии, это не значит, что им не нравитесь вы.

Например, если кто-то назовет ваше фото «дерьмом» — он не назовет вас дерьмовым человеком.Вы отделены от своих фотографий.

Поэтому, сделав снимок, помните: он вам больше не принадлежит.

Не только это, но и не называйте свои фотографии « вашими ». Скорее называйте их фотографиями « ». Это поможет дистанцироваться от собственной работы и оценивать ее более объективно.

Когда вы оцениваете свои собственные фотографии; представьте, что вы оцениваете чужие фотографии. Будьте своим лучшим самокритиком.

28. Избегайте скуки

Ребенок прекращает играть, если ему скучно.Так же должно быть и в нашей фотографии — не снимай, если тебе скучно. Вы хотите получать удовольствие, иначе это становится работой.

Как избежать скуки на фотографии? Займитесь другим фотопроектом. Выберите другой носитель для создания изображений (переключитесь на съемку на пленку, на свой смартфон или переключитесь на черно-белое изображение). Возможно, снимите другую часть города или начните снимать другой сюжет.

Волнение и любопытство должны способствовать вашему прогрессу в фотографии.Вы никогда не должны «заставлять» свою фотографию — она должна быть легкой. Снимайте только тогда, когда вам хочется, иначе в ваших фотографиях не будет ни энтузиазма, ни души.

29. Нужно ли снимать каждый день?

Это зависит.

Некоторые люди мотивированы, когда делают что-то каждый день. Некоторые из нас не чувствуют то же самое.

Например, я не пишу каждый день. Но я был в состоянии оставаться довольно плодовитым в течение последнего десятилетия. То же самое и с моей фотографией — обычно я снимаю каждый день, но были времена, когда я не снимал каждый день.И я все еще сделал несколько фотографий, которыми я горжусь.

Постоянный тяжелый труд убьет нас. Нам всем нужен отдых, чтобы восстановиться.

Если дать растению слишком много воды, оно погибнет. Если в почве слишком много питательных веществ, ваш урожай не будет расти. Если вы тренируете одни и те же мышцы каждый день, ваши мышцы никогда не смогут восстановиться и стать сильнее.

Иногда нам нужны творческие перерывы в фотографии, чтобы снова вдохновить нас. Если вам не хватает вдохновения в фотографии, не заставляйте себя выходить и снова снимать.Возьмите другой арт. Займитесь поэзией, займитесь живописью, пением, танцами или скульптурой.

Я знаю, что больше всего меня вдохновляет фотография извне. Меня вдохновляет хип-хоп, древняя стоическая философия, дзен-буддизм и пауэрлифтинг. Как пчела, я перескакиваю с цветка на цветок, собирая разную пыльцу — и в конце концов создаю свой собственный мед, состоящий из разных источников.

Вы знаете себя лучше, чем кто-либо другой.Так что снимайте каждый день, если это соответствует вашей индивидуальности; и не снимайте каждый день, если это не соответствует вашему характеру.

30. Как выработать хорошие привычки в фотографии

Если вы действительно хотите делать больше фотографий, возможно, ежедневно, — знайте, что вы — это ваши привычки.

Что вы делаете первым делом, когда просыпаетесь? Проверьте свой мобильный телефон, электронную почту или социальные сети?

Что вы делаете, когда едите? Вы проверяете свой телефон или действительно едите свою еду?

Какие веб-сайты вы проверяете ежедневно? Какие продукты вы привыкли есть? Какие альбомы ты регулярно слушаешь?

Привычки, вероятно, составляют более 80% нашего дня.Мы как канавки в проигрывателе. Время создает канавки, и как только мы создаем эти канавки, становится трудно вырезать новые канавки.

Или другая аналогия — когда дерево начинает расти в определенном направлении, его трудно изменить. Но хорошо то, что вы можете изменить направление роста дерева (создав опору, связав ветки или изменив источник света).

То же самое и на нашей фотографии. Мы должны стремиться выработать хорошие привычки в нашей фотографии, основываясь на наших целях.

Например, если ваша цель действительно состоит в том, чтобы делать больше фотографий, выясните, как сделать привычкой держать камеру наготове как можно чаще. Возможно, ваша привычка всегда носить камеру в переднем кармане или, что еще лучше, в руке.

Или, скажем, вы хотите сделать привычкой изучать больше хороших фотографий. Возможно, держите фотокнигу на столе для завтрака, и вы всегда будете рассматривать несколько фотографий, когда пьете утренний кофе. Или держите рядом с кроватью альбом с фотографиями, чтобы перед сном вы могли заснуть, просматривая отличные фотографии.

Если вы хотите сделать привычкой , а не , всегда проверяйте социальные сети, удаляйте приложения социальных сетей со своего телефона и проверяйте их только на своем ноутбуке.

Все мы знаем, какие у нас вредные привычки. Поэтому нам нужно научиться изменять окружающую среду, чтобы изменить свои привычки.

Что касается меня, то я легко отвлекаюсь на блоги и веб-сайты, которые мешают мне писать. Поэтому я «привязываю себя к мачте», как Улисс, через предварительное обязательство. Я знаю, что меня завлекают отвлекающие веб-сайты (например, сирены), поэтому я устанавливаю плагины для блокировки веб-сайтов в своем браузере и блокирую отвлекающие веб-сайты.Я могу сосредоточиться, только избавившись от отвлекающих факторов.

Если вам трудно успевать фотографировать, придумайте, как можно изменить свой распорядок дня. Возможно, вы можете уйти на работу на 15 минут раньше и использовать это время, чтобы сделать несколько фотографий. Возможно, вы можете перестать обедать за компьютерным столом в офисе и использовать эти 30 минут, чтобы прогуляться и сделать несколько фотографий. Возможно, вы можете каждый день идти домой с работы другим маршрутом, и вы можете использовать это, чтобы вдохновить себя на фотосъемку.Возможно, вы сможете фотографировать в метро или автобусе по дороге на работу или обратно домой. Или, если вы застряли в машине, сфотографируйте (осторожно), когда вы застряли в пробке.

Если вам трудно оставаться вдохновленным фотографией, возможно, вы можете начать слушать подкасты о фотографии, когда собираетесь на работу. Когда вам скучно на работе, не тратьте время на просмотр социальных сетей или отвлекающих веб-сайтов, используйте это время для изучения работ мастеров-фотографов.

Станьте фотографом, которого вы хотите, изменив свои привычки.И в вашей фотографии нет «хороших» или «плохих» привычек. Просто измените свое окружение, чтобы стать фотографом, которым вы хотите стать.

31. Свет в фотографии

Фотография означает «рисование светом». Без света фотография была бы невозможна.

Начнем с того, что в фотографии нет «хорошего» или «плохого» света. Свет бывает разного качества — резкий, мягкий или направленный. Существует также естественный свет и искусственный свет. Можно снимать без вспышки или со вспышкой.

Неважно, какой свет вы используете. Важно то, какие эмоции и настроение вы пытаетесь вызвать своими фотографиями.

Если вы хотите получить более темные и загадочные фотографии, недоэкспонируйте свои фотографии и подчеркните темные участки и тени на фотографиях. Если вам нужны более мягкие, интимные фотографии, фотографируйте объекты у окна, чтобы дать им более мягкий естественный свет.

Если вам нужны более резкие фотографии, фотографируйте объекты со вспышкой (накамерной или внешней).

Тот, кто говорит, что естественный свет — лучший свет, говорит глупости. Мне нравится контролировать свой свет, а не быть рабом света.

Самое большое освобождение я получил в своей фотографии, когда начал снимать со вспышкой. Потому что это позволяло мне снимать, когда я хотел. Раньше я мог снимать только при «хорошем» освещении (золотой час, когда солнце встает и когда солнце садится).

Опять же, нет «хорошего» или «плохого» света — есть просто разные типы света.

Но ты все равно хочешь осознавать свет. Вы хотите знать, откуда исходит свет. Или, если вы используете вспышку, вам нужно знать правильные технические настройки для создания изображений нужного типа.

Самый большой совет, который я мог бы дать вам в отношении света, — это просто экспериментировать. Научитесь видеть свет, фотографируя в разное время дня. Изучите температуру света, фотографируя на восходе, фотографируя при флуоресцентном освещении, фотографируя объекты у окна, фотографируя на закате и после захода солнца.

32. Перспектива

В фотографии вы хотите контролировать свою перспективу, чтобы создать на фотографиях другое настроение.

Например, вы можете фотографировать объекты с низкой точки зрения, присев на корточки, лежа на спине или удерживая камеру на земле. Это заставит ваши объекты выглядеть «больше, чем в жизни» — или, как они это называют, «эффект супермена». Фотографируя людей с более низкого ракурса, вы заставляете их казаться больше, сильнее и величественнее.

Если вы фотографируете объекты с высокой точки зрения, вы делаете их меньше. Представьте себе идеальную перспективу — фотографирование с высокого здания, взгляд вниз, в котором ваши объекты выглядят как крошечные муравьи.

Мы часто не знаем, какой ракурс лучше, когда снимаем, поэтому практический совет таков: поменяйте ракурс.

Например, если вы фотографируете объект, сделайте много снимков с разных ракурсов. Стреляйте пригнувшись. Стреляйте, делая шаг влево или вправо.Попросите объект двигаться. Или встаньте на стул и сфотографируйте их смотрящими вниз.

33. Фокусное расстояние

Фокусное расстояние, которое вы используете в фотографии, изменит внешний вид ваших фотографий.

Например, если вы фотографируете широкоугольным объективом (обычно 28-35 мм), все, что находится по краям кадра, будет растянуто, искажено и будет казаться длиннее, чем в реальной жизни.

Чем длиннее ваш объектив (50–200 мм), тем больше вы «сжимаете» сцену.Вы теряете глубину своих фотографий. Все элементы на вашей фотографии выглядят так, как будто они находятся в одной визуальной плоскости.

Как правило, чем шире объектив, тем интимнее кажутся ваши фотографии. Это дает более широкое поле зрения, что заставляет вашего зрителя чувствовать, что он является частью сцены. Вот почему в уличной фотографии я обычно рекомендую использовать объектив 35 мм или объектив шире 35 мм. Это ставит зрителя на ваше место.

Однако традиционно в модельной или портретной фотографии они используют более длинные объективы (85 мм-200 мм+), потому что это делает их лица меньше и не вытягивает их черты.Многие считают, что это выглядит более «лестно».

Но в конечном итоге не существует «лучшего» объектива для фотографии. Вам просто нужно подумать о том, какой эффект или настроение вы пытаетесь создать на своих фотографиях.

Например, большую часть своих портретов я снимаю в режиме 28 мм, иногда с расстояния 20 см. Это преувеличивает их черты лица; но я пытаюсь создать сюрреалистично выглядящее лицо. Поэтому объектив 28 мм мне подходит.

Если вы хотите снять пейзаж и сделать так, чтобы солнце, горы и передний план были частью одной фокальной плоскости, вам может понадобиться объектив с фокусным расстоянием 200–300 мм.

Но главный совет, который я вам дам, чтобы стать великим фотографом, таков: придерживайтесь одного фокусного расстояния в течение длительного времени. Это позволит вам по-настоящему усвоить и понять объектив.

Например, с 18 до 28 лет я снимал только объективом 35 мм. Это позволило мне узнать, как выглядит фотография, еще до того, как я поднес камеру к глазам. Я мог быстро сочинять на ходу.

Использование одной камеры, одного объектива — хороший пример «творческого ограничения».Вы заставляете себя стать находчивым и изобретательным, исходя из ограничений вашего оборудования. Зум-объективы, как правило, делают нас ленивыми.

Для 90% фотографов я рекомендую фокусное расстояние 35 мм, «эквивалентное полному кадру». Потому что это универсальный объектив. Если вы находитесь слишком далеко, подойдите на шаг ближе и используйте «футальный зум». Если ваш объект находится слишком близко, просто сделайте несколько шагов назад. очевидно, человеческий глаз имеет фокусное расстояние около 40 мм. Таким образом, 35 ​​мм (дает вам немного больше места), как правило, идеально подходит для большей гибкости.

Но опять же, это только мое мнение. Поэкспериментируйте с разными линзами и выясните, что лучше всего подходит вашему глазу.

34. Никогда не прекращайте рисовать

Последнее, что я хочу вам сказать, это то, что искусство фотографии обнажает вашу душу перед вашей аудиторией. Это значит вдохновить себя самой сутью жизни.

Это значит никогда ничего не принимать как должное. Это значит никогда не переставать творить и никогда не переставать запечатлевать красоту окружающего мира.

Никогда не прекращайте рисовать с помощью камеры. Относитесь к себе как к ребенку с фотоаппаратом, и у вас никогда не будет недостатка во вдохновении.

Всегда,
Эрик

Ханой, 2017

Рецензия на книгу Энди Грундберга «Как фотография стала современным искусством: внутри художественной революции от поп-музыки до цифровой эпохи»

Конечно, фотографы и художники признавали эстетические достоинства фотографии до 1970-х годов. Альфред Стиглиц начал выставлять фотографии в Нью-Йорке в начале 1900-х годов в рамках своего проекта по внедрению модернизма в Америку.На Западе Ансель Адамс инвестировал в чистоту фотографического изображения, используя свою камеру, чтобы запечатлеть пейзажи способами, уникальными для этой среды. Однако после Второй мировой войны живопись и скульптура имели первостепенное значение, и усилия художников по выражению внутреннего мира, а не изображения внешнего, оставляли мало места для механической работы камер. Когда Грундберг прибыл в Нью-Йорк в 1971 году, ситуация начала меняться. Энди Уорхол к тому времени уже был известен; такие художники, как Роберт Раушенберг, уже некоторое время используют фототехнику в смешанной технике; Посмертная ретроспектива Дайанны Арбус в Музее современного искусства 1972 года стала знаковым событием.

И что-то новое происходило с фотографией и авангардом. Земля и исполнительское искусство требовали документации, чтобы зрители знали, скажем, о «Спиральной пристани» Роберта Смитсона или о последнем провокационном выступлении Адриана Пайпера в роли Мифического Существа. Однако Грундберг показывает, что такие художники, как его друг Гордон Матта-Кларк, все больше интересовались изображением своих перформансов или вмешательств в пейзаж. Фотография больше не была просто инструментом, позволяющим другим узнать о творчестве художника; оно имело свои свойства, неотделимые от творчества художника.Грундберг умело показывает это развитие через личные реакции: в частности, его осознание того, что это «ощущение пребывания в море с моим собственным опытом» было «безошибочным индикатором того, что можно соприкоснуться с настоящим искусством».

История продолжается под рекламой

70-е годы стали известны как десятилетие художественного плюрализма, и Грундберг проницательно передает пьянящую атмосферу Нью-Йорка, достаточно доступного, чтобы стать домом для художников-экспериментаторов и галеристов. Он также отмечает, что это было время бедности и преступности, вспоминая тезис Джейкоба Буркхардта о том, что искусство расцвело в итальянском Возрождении, потому что политика была таким жестоким беспорядком.Грундберг ездит в Буффало и Рочестер, чтобы посмотреть шоу, встретиться с фотографами и поплавать в счастливых неизведанных водах того, что стало называться постмодернизмом — водах, разъяренных концептуальным/аффективным влиянием калифорнийских трикстеров Уильяма Вегмана и особенно Джона Балдессари.

Концептуальное искусство было ключом к изменению художественного статуса фотографии, и дискурс об искусстве часто казался неотделимым от восприятия изображений. Сьюзен Зонтаг и Роллан Барт серьезно относились к фотографии как к искусству, артефакту и культурному симптому, в то время как другие утверждали, что в современной культуре невозможно избежать реальности, уже пронизанной изображениями.Действительно, благодаря проницательному критику Дугласу Кримпу слово «картинки» — также название организованной им выставки 1977 года — стало наполняться смыслом, указывая на то, как художники пренебрегают изобразительной чистотой в пользу деконструктивного переформулирования и цитирования.

К 1980-м переменчивая практика Синди Шерман сделала ее образцом постмодерна. Эта художница рисовала себя в таком множестве условных (а потом шокирующих) ипостасей, что казалось невозможным сказать, где кончается реальное и начинается образ.Шерман всегда была на шаг впереди своих критиков и публики, «исчезая в множестве доступных ей личностей, — пишет Грундберг, — в типично постмодернистской манере».

История продолжается под рекламой

В 80-е годы появились «новые документалисты», и книга знакомит читателей с немецкими художниками, которые стремились к холодной объективности, а также с афроамериканскими художниками, которые использовали повествование для передачи политического смысла. Грундберга особенно интересует «Баллада о сексуальной зависимости» Нан Голдин, которая, по его словам, для 1980-х годов является тем же, чем «Американцы» Роберта Франка для 1950-х.Голдин задокументировала свою жизнь художника в центре города с «навязчивым вниманием» к «почти всем изменениям человеческого взаимодействия». Печальный посыл, который он находит в ее работах, заключается в том, что личная близость не является лекарством от социальной изоляции, но радостные «показы» этих картинок посредством слайд-шоу в клубах, по крайней мере, смягчали задокументированное одиночество.

Grundberg проводит читателей через культурные войны 1990-х годов — от присвоения порнографии в работах Роберта Мэпплторпа до дебатов об оригинальности и коммерциализации, которые наполнили фотографическую практику за последние 20 лет.Он отмечает, что мы пришли к пониманию того, что камеры изменяют мир, а не просто представляют его нам на рассмотрение, хотя я думаю, что он может недооценивать, насколько сильно стремление к правде изображения — насколько глубоко простирается стремление к изображению. . Мы знаем, что образы меняются, но это не значит, что нас удовлетворяет простое изменение.

Становление Грундберга как известного критика совпадает с созреванием фотографии как вида искусства и завоеванием ею рынка искусства.В этой прекрасной книге он дал нам личный, но сбалансированный отчет о том, как изображения определяют некоторых из нас и как мы определяем некоторых из них.

Как фотография стала современным искусством

Внутри художественной революции От поп-музыки к цифровой эпохе

Фотография — это не искусство. Или это?

Изображение Штепана Карасека

Старый спор…

Это извечный вопрос, один из первых, который задает любой студент, изучающий фотографию в художественной школе, можно ли считать фотографию искусством? Некоторые скажут: «Фотография — это не искусство », а другие будут защищать это до посинения! Итак, где он находится с точки зрения мира искусства ?

Во-первых, вы должны взглянуть на историю фотографии, где все началось: первая задокументированная фотография Вид из окна в Ле Гра сделана Нисефором Ньепсом в 1826/27; хотя технически это может быть не первая, это самая старая из сохранившихся фотографий .

Так что же это говорит с точки зрения искусства, ну во-первых, это был настоящий хит для реалистов, пытавшихся воплотить на холсте буквально то, что они видели, как это было перед ними. Конечно, с изобретением фотографии необходимость документирования с помощью красок стала трудоемкой, задача, которая занимала часы, дни, может быть, даже недели, теперь занимала всего несколько минут (конечно, более ранние формы фотографии занимали гораздо больше времени, чем у современной цифровой зеркальной камеры. ).

Так что же осталось художникам и художникам?

Что ж, если взглянуть на историю искусства после 1826 года, то можно обнаружить сдвиг в художественном поведении, абстракция реального начала воплощаться в жизнь, начиная с таких романтиков, как Джон Констебл и Уильям Тернер, чьи произведения искусства представляли собой взгляд на мир через своими глазами, в отличие от якобы беспристрастных реалистов.

Это означает, что использование искусства в качестве документации после изобретения фотографии проложило путь к абстрактному сдвигу, произведения искусства были видением мира, перспективами духа времени, а не реалистичными снимками событий, людей и событий.

Это приводит нас к месту фотографии в Искусстве, где она находилась среди многовековой истории, созданной художниками и скульпторами, восходящей к истокам человечества.

Фотография, однако, имеет чрезвычайно полезный инструмент, которого не было ни в одном другом средстве до нее, способность мгновенно запечатлеть момент , сцена в вашем поле зрения, мгновенно полученная, или, как выразился покойный фотограф-гуманист Анри Картье-Брессон, такова. изысканно:

«Для меня фотография — это одновременное осознание за долю секунды значимости события.“

Изображение Джорджа

И это конкретно , где фотография всегда будет превосходить «старые» художественные методы, такие как живопись или скульптура, художник может провести несколько дней перед озером, пытаясь вспомнить, где была утка, как вода упал с его пера.

Скульптору нужна модель, которая часами, если не днями, стоит в одной и той же позе. В то время как фотограф, имея в руках только камеру, может мгновенно запечатлеть изображение таким, каким он его увидел, без беспокойства или усталости.

Изображение Мартина Винклера

Чтобы убедиться, что ваша фотография является отражением вашего внутреннего художника, вам нужно усвоить основную концепцию «Композиции». Этот курс от наших друзей по адресу Photzy обязательно отточит ваши навыки!

Фотография — это искусство

Сказать, что фотография не является искусством, значит игнорировать историю , игнорировать большую часть работ Уорхола или притворяться, что не знаком с книгами Эда Руши по фотографии. Картины дают художникам огромную свободу выражения, можно анализировать мазки кисти Ван Гога или восхищаться деликатностью Бетти Рихтера.

Однако можно также восхититься моментом фотографа, обретшим , неподвижностью изображения, фрагментом истории, давшим возможность дышать во всей ее точности.

Фотография не свободна от композиции, освещения, цвета, баланса и т. д. и поэтому требует мастерства. Отличить мастера от любителя можно очень быстро, как и в покраске.

Изображение от FreakShowAT

Фотография — это не искусство

Аргументом против того, чтобы фотография считалась искусством, могут быть свадебные фотографии, снимки друзей и т. д.Это характерно не только для фотографии, каракули не считаются искусством, равно как и рисунки пальцами, в каждой среде есть работы, которые никогда не войдут в сферу того, что считается «искусством», и, конечно же, то, что часто считается искусством, — это . полностью субъективен для зрителя .

Свадебная фотография, конечно же, вызывает много критики. Однако те, чья это была свадьба, я думаю, фотографии будут висеть на стенах с гордостью, как картина.

Одной из современных трудностей при отнесении фотографии к искусству, особенно в 21 веке, является ее доступность .С изобретением одноразовых камер, телефонов с камерами, дешевых цифровых зеркальных камер и всеобщего стремления к стимуляции изображения во все времена возникла определенная насыщенность с точки зрения изображений, это только вредит утверждению, что фотография — это искусство.

Тем не менее, нужно помнить, что это не только уникально для фотографии, хороший, оригинальный дизайн — редкость в наши дни, когда каждый второй человек разрабатывает логотипы или владеет стартапом, кафе полны акварелей озер, рек и пляжей. сцены.

Youtube изобилует видеороликами с трясущимися камерами, на которых люди болтают о своем дне, мы не сомневаемся, что это искусство, поскольку их намерения иные.

С каждым средством приходит воскресенье, Воскресный художник или фотограф , те, кто берется за искусство, не беспокоясь о том, будет ли их работа считаться искусством, их цели только для чистого удовольствия от того, чем они увлечены , и поэтому их следует оставить в покое, чтобы они могли наслаждаться своими увлечениями.

Резюме

Итак, вопрос «Является ли фотография искусством?» это немного не просто. Конечно, фотография — это искусство, ее применение имеет те же ограничения, заботы и трудности, что и любая другая среда.

Способность создать оригинальную и интересную картину столь же уникальна, как и способность сочинить и сделать интересную осмысленную фотографию. Иллюзия того, что фотография не является искусством, проистекает из идеи, что, поскольку фотографировать «так легко», то конечно, это не может быть искусством, это неправда.

Я видел сотни плохих картин и сотни плохих фотографий. Чтобы сделать художественную фотографию, нужны самоотверженность, умение и личная точка зрения на то, чего они хотят достичь.

Для тех из вас, кто беспокоится о том, что ваша фотографическая работа может не быть искусством, не бойтесь, если вы приложите все усилия к ремеслу, поработаете над своими слабостями и позволите своей перспективе правильно пройти через камеру, тогда ваша работа всегда будет вашей, и если вы хотите, чтобы это было искусством, то так оно и есть.

Чтобы убедиться, что ваша фотография является отражением вашего внутреннего художника, вам нужно усвоить основную концепцию «Композиции». Этот курс от наших друзей по адресу Photzy обязательно отточит ваши навыки!

Дополнительные ресурсы

Инвестиции в художественную фотографию: что нужно помнить | Новости

Фотография больше, чем когда-либо — теперь вы найдете постоянно растущее количество ярмарок, выставок, аукционных продаж и вариантов обучения, включая наши факультативные модули по фотографии для получения степени магистра, посвященные этой среде.Однако, если вы коллекционер, новичок в фотографии, решить, что купить, может быть непросто. От издания до происхождения, вот пять вещей, о которых следует подумать, покупая фотографию в качестве инвестиции…
Репутация фотографа

Как и в случае с любым произведением искусства, приобретенным в надежде на будущие доходы, а не просто для собственного удовольствия, вы прежде всего обращаетесь к художнику. Тщательно изучите их. У известного фотографа будут аукционные записи, которые вы можете отследить на таких сайтах, как Artnet или Artprice.Покупая работу под новым именем, вы делаете ставку, но она может окупиться. Работа недавнего выпускника, возможно, еще не продавалась на вторичном рынке, но есть множество других способов определить, находятся ли они на пороге успеха. Узнайте, были ли они представлены на выставках и в журналах или получили награды. Есть ли шумиха вокруг них? Анонимные винтажные фотографии сейчас популярны, и их интересно покупать на уличных рынках, дворовых распродажах или в Интернете, но — если вам не посчастливилось наткнуться на следующую Вивиан Майер — рискованное вложение.

Само изображение

Во-первых, выясните, из какой серии, проекта или периода взято изображение. Является ли это особенно значимым в карьере фотографа, исторически или в развитии фотографии? И в этом ключевой образ? Ответы на эти вопросы, обнаруженные в ходе старых добрых исследований, вполне могут увеличить (или уменьшить) его ценность. Затем спросите: это визуально мощно? Чтобы определить это, вам понадобится отличный глаз.Если вы серьезно относитесь к коллекционированию фотографий, найдите время, чтобы погрузиться в них — в музеях, галереях, книгах, в Интернете. Поступая таким образом, вы настроите свое инстинктивное понимание того, что создает сильный образ.

Тираж

Произведение искусства ценно, потому что оно уникально. Фотопечать — это копия, и при условии, что исходный негатив или цифровой файл все еще существует, в будущем можно сделать гораздо больше копий. Это отчасти объясняет, почему в прошлом мир искусства с осторожностью относился к фотографии.Редакция обходит это, устанавливая ограничение на количество отпечатков конкретной фотографии. Издания предназначены для культивирования редкости, поэтому, как правило, избегайте крупных. С двумя сотнями версий вашего отпечатка в мире вы вряд ли увидите, что его стоимость увеличится астрономически. Номер места отпечатка в издании — скажем, от 1/10 до 10/10 — обычно указывается вместе с подписью художника. Чем выше выпуск, тем меньше отпечатков доступно, что может привести к увеличению цены.


Чем больше доказательств истории печати вы сможете получить, тем лучше. Когда это было сделано? Где печатали?
Печать как объект

Фотография — это больше, чем изображение. Отпечаток — это объект сам по себе, иногда невероятной красоты. Помимо очевидного — какой это размер? — узнать, какие типы бумаги и процессы печати использовались. Являются ли они высокого качества? Являются ли они особенно необычными или редкими? Задайте аукционному специалисту или дилеру все возможные вопросы.Попробуйте лично увидеть отпечаток, чтобы убедиться, что за ним хорошо ухаживают. Большинство современных цифровых отпечатков имеют тип c (лазерный) или жикле (струйный), но исторические фотографии, возможно, были сделаны с помощью ряда интересных методов. Аналоговая фотография снова в моде, поэтому даже совсем недавняя работа могла быть сделана вручную в фотолаборатории. Иногда фотографы изменяют поверхность отпечатка — например, Джули Кокберн вышивает старинные фотографии, делая каждую из них уникальной.

Происхождение

Чем больше свидетельств об истории печати вы сможете получить, тем лучше.Когда это было сделано? Где печатали? Кто покупал и продавал его в последующие годы? Имейте в виду, что чем раньше был сделан отпечаток после первоначальной съемки фотографии, тем выше ее ценность. Оттиск сделан посмертно, он не будет подписан художником, и это окажет негативное влияние. Кроме того, тиражирование широко практикуется только с 70-х годов, поэтому более ранние отпечатки не будут пронумерованы, но информация о том, сколько других существует, должна быть включена в документы вместе с другими подробностями о прошлом оттиска, когда вы покупаете его в аукционном доме или у дилера. .

Ограниченный выпуск Галерея фотографий природы

Галерея фотографий изобразительного искусства

В прошлом году по понятным причинам мир переместился в онлайн и внутрь себя. Это означает, что слишком много любителей искусства были вынуждены заниматься своими увлечениями удаленно. Во многих сообществах больше нет ночей в галереях, но, к счастью, те, кто работает с фотографией Аарона Рида, имеют возможность посетить галерею, не выходя из дома.

Как вы увидите здесь, мы предлагаем произведения изобразительного искусства для фотографий природы только для самых взыскательных клиентов.Художественность фотографий не имеет себе равных, качество отпечатков не имеет себе равных. Когда вы выбираете фотографии Аарона Рида, вы добавляете больше, чем цвет — вы добавляете жизни, глубины и неземного качества пространству, в котором демонстрируется это искусство. Как видите, вам не нужно выходить из дома, чтобы посетить галерею художественных фотографий.

Каждая галерея, разделенная на 12 различных типов, предлагает уникальный взгляд на лучшие работы Аарона Рида, что говорит само за себя.От новейших изображений до классики, которые вдохновляют и побуждают к размышлению, каждый момент времени — это маленький мир сам по себе, и самое приятное то, что вы можете владеть отпечатком архивного или музейного качества, чтобы наслаждаться им дома или в офисе.

Фотография это искусство: Фотография — это искусство? • Arzamas

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.

Пролистать наверх