Фотография и живопись: Чем отличается живопись от фотографии?

Содержание

Чем отличается живопись от фотографии?

    Живопись — вид изобразительного искусства, связанный с передачей зрительных образов нанесением красок на твёрдые или гибкие тканевые поверхности.

     Фотография — техника рисования светом, светопись: получение изображения на экране или светочувствительном материале (фотопленке или матрице) при помощи фотокамеры.

         Фотография фиксирует мгновение. Художник посредством живописи отображает в картине общее, самое характерное и выразительное, что он видит в натуре или мотиве. Он может добавить или удалить некоторые элементы, упорядочить их. Живопись — это всегда личный взгляд на происходящее, впечатление художника от увиденного, передача эмоций и ощущения.

    Фотография может выглядеть перенасыщенной деталями, с несколькими композиционными центрами, и почти одинаковыми тональными решениями переднего и заднего планов. В картине художник все выстраивает под восприятие зрителя – выделяет центр композиции, исключает случайные элементы, лишние подробности, осознанно выделяет главное и второстепенное. Для художника важно не только видеть предмет, но и понять его сущность, схватить самое существенное и характерное. «Задача искусства не в том, чтобы копировать природу, но чтобы ее выражать», — говорит художник в рассказе О. Бальзака «Неведомый шедевр».

         Фотография смягчает и игнорирует  яркие оттенки,  сближает тона. И  в целом краски на фото другие. Оттенки и  тона  создают связь между разными элементами в картине, для создания ощущения глубины необходимо менять цвета и/или тона.

   В живописи степень реалистичности лишь приближает нас к фотографичному изображению реальности или отдаляет, делая упор на воздействие на наши эмоции, ассоциативный ряд, умение читать символы.

        У фотоаппарата один глаз, фото отображает объекты более плоскими, чем видит их человек.  Если посмотреть на какой-либо объект сначала двумя глазами, а потом одним, то видно, что предмет стал менее объемным.

      Фотография искажает размеры предметов на дальнем плане. При фотографировании пейзажа, где есть глубина пространства, объекты среднего плана сильно сжимаются в высоту. Так высокие горы на фото выглядят лишь холмами, а тропинка в поле, которую видит глаз, на фотографии исчезает.

       Человек воспринимает мир не только глазами, но и всеми остальными чувствами, и может передать это посредством живописи в картине.

      Настоящая картина маслом ценна, главным образом тем, что она является результатом глубокой и осмысленной работы. Картина рождается в радости творчества, и на холст передается ощущение жизни.

Как фотография изменила живопись (и наоборот). Часть 1.

Мы уже не раз упоминали о мощном влиянии фотографии на искусство живописи, и сегодня решили остановиться на этом подробно. Что же было до, и как стало после?

Художник и шоумен Луи-Жак Манде Дагерр в 1839 году взорвал творческий бомонд со своим «дагерротипом» – одним из первым прототипов фотографии – и тут же породил волну «дагерротипомании». Мир искусства немедленно принял новинку – кто с радостью, а кто с протестами. Доминик де Фон-Рё в своей книге «Живопись и фотография» описывает, как с 1839 по 1914 год произошло непростое слияние в единое целое фотографии и живописи.

Де Фон-Рё не концентрируется на моментальном сходстве фотоснимка и произведения искусства, им вдохновленного, а скорее описывает совершенно новый пласт в творческой науке, порожденный знаковым изобретением. «Живопись и фотография» показывает, как то, что началось как противостояние, очень скоро слилось в единую визуальную среду, навсегда изменившую наше видение вещей.

Доминик Де Фон-Рё, являясь главным куратором парижского Лувра, сначала мастерски рисует ситуацию 1839-го, позволяя нам заглянуть в прошлое и с трепетом осознать, каким вызовом, каким революционным веянием поначалу была фотография. Фотография появилась в тот момент, когда влияние Парижского Салона начало угасать, и только начала зарождаться романтическая концепция «художника, как героя».

«Непреклонное требование к произведению искусства превозносить – служа Богу или королю – постепенно перекрывается желанием общаться посредством чувств и эффектов», – пишет она. Дагерр, благодаря помощи Франсуа Араго, провозгласившего его родоначальником фотографии (и оставившего за скобками других претендентов на эту роль), присвоил себе мантию художника-героя, «магическим» образом переносящего изображения при помощи света на фотокарточку.

С этих пор влияние фотографии лишь росло, причем не только в популярной культуре, но и непосредственно в самой живописи. Тесно связанная с живописью через выбор объекта, фотография дала толчок развитию новых отношений между реальностью и ее воспроизведением, что бумерангом вернулось к ее «старшей сестре».

Первый прорыв фотографии пришелся на две первые Всемирные выставки: в Лондоне и Париже.

По материалам сайта bigthink.com.

Продолжение следует.

от Брюллова и Шишкина до Булатова и Шорина

Представляем вашему вниманию видеозаписи лекций из цикла искусствоведа Алексея Григорьевича Бойко «Русское искусство: вопросы понимания», который проходил в РОСФОТО в 2015 году.

Изобретение фотографии оказало мощное воздействие на искусство живописи. Живопись и фотография начали борьбу за приоритетное право удваивать видимый мир и влиять на идеалы, чувства и экономику. Уже современники А. С. Пушкина предстают перед потомками и в живописных образах, и на фотографиях. Как изменились возможности и задачи живописцев после появления фотографии? Каким образом творчество Карла Брюллова испытало на себе воздействие фотографии и может быть понято как предчувствие любви и ненависти двух искусств — пластического (живописи) и технического (фотографии)? Почему выражение «техническое искусство» подчеркивает художественную природу фотографии?

Из лекций можно узнать, как соединялись разные импульсы в ранней русской фотографии: воздействие Академии художеств, изобретения и усовершенствования средств фотографирования, гендерные различия фотографов. И, главное, можно оценить творческую позицию знаменитых русских художников и критиков в актуальном споре искусств во второй половине XIX столетия (И. Е. Репин, И. И. Шишкин, И. Н. Крамской, В. В. Стасов). Позже страсть к фотографии проявили и те, кто искал входы и пути в иные миры: М. А. Врубель, Н. К. Рерих, В. Э. Борисов-Мусатов.

В третьей части А. Г. Бойко рассматривает фотографические «модусы» в живописи с берегов Невы (Г. Гурьянов, Е. Остров, О. Тобрелутс, Дм. Шорин), Москвы-реки и Сены («Вижу. Живу» Эрика Булатова). Из всего многообразия советского материала выбраны лишь два аспекта: какую роль в культуре тех лет играла репродукционная фотосъемка и почему в СССР фотореализм состоялся, не реализовав своих гиперреалистических свойств.

О русской живописи в свете фотографии. Лекция 1

О русской живописи в свете фотографии. Лекция 2

О русской живописи в свете фотографии. Лекция 3

Фотореализм в СССР. Фотографические модусы живописи нового русского классицизма (Г. Гурьянов, Е. Остров, О. Тобрелутс). «Вижу. Живу» Эрика Булатова: фотография и живопись в ягдташе художника. Крупноформатные стоп-картины Дмитрия Шорина.


Иллюстрации:
Обложка — Михаил Врубель. Сирень, 1901
Превью — Н. И. Забела-Врубель на фоне сирени. Фотография В. Замирайло. 1901

Об авторе

Алексей Бойко

Алексей Григорьевич Бойко — лауреат Государственной премии РФ в области литературы и искусства, кандидат искусствоведения, ведущий методист по музейно-образовательной деятельности Русского музея.

Вернуться

Последнее изменение 4.08.2020

Художественность как проблемное поле фотографии. Культурология ВНТг 1

УДОЖЕСТВЕННОСТЬ КАК ПРОБЛЕМНОЕ ПОЛЕ ФОТОГРАФИИ. ОТНОШЕНИЯ ФОТОГРАФИИ И ЖИВОПИСИ

УДК 7.038.53:77 А. А. Ермолова

Московский государственный институт культуры

В контексте визуального поворота, характеризующегося сменой вектора коммуникации, всё более возрастает роль фотографии. Обращаясь к истории становления фотографии как художественной практики, стоит обратить внимание на отношения с её ближайшим контекстом, а именно — живописью. Живопись для фотографии явилась ориентиром в развитии художественно-эстетического языка. Подобная близость двух искусств связана с тем, что, являясь визуальным изобразительным искусством, фотография занята решением сходных с живописью проблем: передачей пространства и объёма на плоскости, построением гармоничной композиции и поисками светотонального решения. В художественной фотографии можно проследить несколько направлений, каждое из которых обращается к той или иной живописной традиции.

Ключевые слова: визуальный поворот, эстетический опыт, художественная фотография, пикториальная фотография.

A. A. Ermolova

Moscow State Institute of Culture, Ministry of Culture of the Russian Federation (Minkultury), Bibliotechnaya str., 7, 141406, Khimki city, Moscow region, Russian Federation

THE ARTISTRY AS PROBLEM MARGIN OF PHOTOGRAPHY. RELATIONSHIP OF PHOTOGRAPHY AND PAINTING

In the context of the visual turn, characterized by a change in the vector of communication, the role of photography is increasingly increasing. Turning to the history of the formation of photography as an artistic practice, it is worth paying attention to the relationship with its immediate context, namely painting. Painting for photography was a guide to the artistic and aesthetic language. This similarity of the two arts is due to the fact that, as a visual art, the picture is occupied with the solution of problems similar to the painting: the transfer of space and volume on the plane, the construction of a harmonious composition and the search for a light-tonal solution. In this case, within the artistic direction of photography, you can trace several of its forms, in each of which there is a connection with the picturesque tradition.

ЕРМОЛОВА АННА АЛЕКСАНДРОВНА — аспирантка кафедры теории культуры, этики и эстетики социально-гуманитарного факультета Московского государственного института культуры

ERMOLOVA ANNA ALEKSANDROVNA — doctoral student of Department of the theory of culture, ethics and aesthetics, Faculty of Social Sciences and Humanities, Moscow State Institute of Culture

e-mail: [email protected] © Ермолова А. А., 2017

Keywords: visual turn, aesthetic experience, art photography, pictorial photography.

Для цитирования: Ермолова А. А. Художественность как проблемное поле фотографии. Отношения фотографии и живописи // Вестник Московского государственного университета культуры и искусств. 2017. № 3(77). С. 79-85.

В современном мире визуальная информация становится формообразующим принципом культуры. Визуальные образы формируют взгляды, принципы, влияют на мировосприятие людей, конструируют пространство культуры. Среди различных форм медийных искусств фотография занимает центральное положение, что определяет возрастающий к ней интерес. Целью данной публикации является выявление специфики художественной фотографии в контексте её взаимоотношений с европейской живописью. В определении границ художественной фотографии мы основываемся на позиции В. В. Бычкова, в соответствии с которой «художественность искусства, понимаемая как эстетическое качество произведения искусства, заключается в такой формально-содержательной организации произведения, которая инициирует у реципиента полноценный процесс эстетического восприятия, или, по-иному, событие эстетического опыта [4]».

XIX век, пропитанный духом позитивизма, индустриализации, подарил человечеству большое количество технических изобретений, среди которых была и фотография. Находясь на стыке науки и искусства, она смогла изменить отношение к изображению и всему визуальному контексту в целом. Взаимоотношения между фотографией и традиционными визуальными искусствами не были простыми. Появление фотографии многие художники восприняли как угрозу устоявшимся художественным ценностям.

Критика фотографии, претендовавшей на место в мире искусств, была жёсткой и категоричной, художники отводили новому изобретению место «служанки науки и искусств», оценивая лишь его прикладные технические возможности, такие как создание репродукций или возможность лучше изучить натуру. Мастера фотографии же рассматривали живопись как сосредоточение визуальной художественной традиции и никогда не подвергали сомнению её ценность. Живопись для фотографии явилась ориентиром в формировании художественно-эстетического языка.

Можно говорить о взаимовлиянии живописи и фотографии. Художники, проводя эксперименты со светом, предвосхитили появление искусства фотографии. Работа с камерой-обскурой, которую вели художники, начиная с эпохи Возрождения, уже явилась шагом на пути к появлению фотографии. Изучение натуры, использование светотени, единого источника света, линейной перспективы — всё это подводит к «фотографическому» восприятию действительности художниками, которое ярче всего проявилось в реалистическом искусстве. В диссертационном исследовании И. В. Клоповой фотография рассмотрена как «явление, которое изменило видение художника и расширило возможности его восприятия [11, с. 3]». Она сформулировала понятие «фотографического мышления как особого способа мышления живописца, основанного на специфической

природе фотографии и влияющего на ход развития живописи [11, с. 3]». Взяв на себя функцию работы с реальностью, фотография способствовала тем самым развитию живописи в поисках ею нового изобразительного языка и отношения с натурой, освободила живопись от копирования действительности, предоставив ей возможность обретения новых выразительных средств.

Конец XIX — начало ХХ века — время активного взаимодействия фотографии и живописи. Взаимовлияние двух искусств прослеживается в работах русских передвижников, стремившихся реалистично передать натуру, быт крестьян, жанровые сцены, в работах английских прерафаэлитов, уделявших повышенное внимание деталям, в работах французских импрессионистов, мечтавших поймать мгновение, запечатлеть мимолётное впечатление. «Век расцвета русской живописи совпал со становлением фотографии [6, с. 7]». Сохранилось немало свидетельств обращения художников к фотографии при написании картин. Среди них — ныне опубликованные фотографии Э. Дега, А. Мухи, П. Гогена, А. Тулуз-Лотрека и других известных художников, которые пользовались фотографиями при написании картин.

Возникновение художественной фотографии в конце XIX века было связано с появлением пикториализма — направления, которое противопоставило себя основному коммерческому направлению, интересам рынка и обратилось к классической живописной эстетике при работе с изображением. Пикториализм резко противопоставлял себя прикладной фотографии, взяв ориентир на создание художественного образа. Не отображение,

но выражение — вот ключевой пункт для понимания пикториализма [13, с. 311]. Затормозив на пару десятилетий стремительное техническое развитие фотографии и сосредоточив внимание на её художественном потенциале, пикториа-лизм создал точку отсчёта для развития всего фотоискусства. Пикториализм увёл фотографию от утилитарного пути развития, сосредоточив её взгляд на самой себе: как на источнике красоты, эстетического опыта, художественного осмысления действительности. Как отметил известный советский историк фотографии С. Морозов, говоря о творчестве пикто-риалистов: «Мастера светописи начала века показали, что и в фотографии объект изображения становится содержанием искусства, если он «пропущен» через сознание мастера и идейно осмысливается [12, с. 160]».

Фотография, таким образом, оказалась перед необходимостью решения тех же проблем, что стояли перед живописью: передача пространства и объёма на плоскости, построение гармоничной композиции, поиск светотонального решения. Основным признаком, который отличает художественную фотографию от утилитарной и роднит её с живописью и другими традиционными искусствами, является её отношение к форме. Как отмечал Р. Арнхейм, «только благодаря форме изображение становится доступным разуму [2, с. 258]». Для художественной фотографии выразительная передача формы изображаемого объекта является важнейшей составляющей, которая помогает передать содержание, но не зависит от него. Образная передача объекта на фотографии выходит на первый план. Выбор контекста напрямую влияет

на языковую специфику изображения, помогая фотохудожнику выразить его собственное отношение к изображаемой действительности и её интерпретации. Именно разным подходом к организации формы можно объяснить то, что, когда несколько фотографов работают над одной и той же темой (одним и тем же содержанием), они неизменно получают разный результат, поскольку, обладая уникальным опытом и восприятием, по-разному «видят» фотографируемый объект.

Полагаем, что в художественной фотографии можно выделить несколько направлений, в каждом из которых существует связь с тем или иным течением в живописи.

1. Классическая художественная фотография, взявшая за основу устоявшиеся в живописи композиционные приёмы, особенности работы с цветом и тоном, принципы расположения фигуры в пространстве с сохранением правильной передачи пропорций лица и тела. Принцип преемственности от учителя к ученику, характерный для классической школы и основанный не только на соблюдении основных правил передачи пространства и объекта в нём, но и на их развитии, способствовал глубокому осознанию всего предшествующего опыта. Интуитивное схватывание целого лежит в основе профессионализма художника, который вобрал в себя опыт предыдущих поколений. Фотограф, ставящий перед собой цель научиться передавать объект на плоскости, воспринимает основные принципы и правила, сформировавшиеся на протяжении веков в классической живописной традиции. В духе классического художественного портрета и пейзажа ра-

ботали многие отечественные фотографы XIX — начала XX века: С. Левицкий, А. Деньер, А. Карелин, Н. Андреев, С. Лобо-виков и т.д. Среди современных фотографов традицию, хотя и немного в разных направлениях, продолжают Г. Колосов, В. Плотников. В качестве примера можно также привести стилизации современного австралийского фотографа Кевина Беста, который в своём творчестве продолжает тему голландского натюрморта в стиле vanitas, работы французского фотографа Саши Гольдбергер, выполненные в духе фламандского портрета.

2. Ситуационные (жанровые) фотографии, часто демонстрирующие бытовые сцены, в лучшем своём исполнении всегда стремятся к обобщению и художественному осмыслению изображаемого явления. В этом отношении подобные фотографии тесно взаимодействуют с реализмом в живописи, который, в свою очередь, характеризуется стремлением к объективности, с сохранением авторской позиции, а также к воспроизведению типичных особенностей конкретной эпохи. Жанровая фотография также характеризуется сохранением классических правил композиции при передаче объектов и общей организации кадрового пространства при отсутствии стремления к идеализация объекта съёмки. «Правда жизни» и психологизм ситуации, а также ценность пойманного фотографом момента становятся основными критериями при оценке фотоработы. Так, фотографии из серии «Цветение» Ромуальдаса Ракаускуса наполнены философскими размышлениями о юности, старости, цикличности жизни. Цветение здесь выступает мощным символом и, переплетаясь с изображениями людей и животных, кон-

струирует художественный образ. Документальная основа таких фотоснимков — всего лишь материал, из которого автор создаёт цельную картину своего понимания действительности.

3. «Авангардная» фотография, которая тесно взаимодействует с конструктивизмом, сюрреализмом, минимализмом и другими направлениями. При этом, обращаясь, например, к эстетике сюрреализма, фотограф может обойтись «чистой» фотографией, не применяя графический редактор. Сама реальность иногда предоставляет нам сюрреалистичные картинки. Так, современный испанский фотограф Чема Мадоз показывает зрителю знакомые вещи с непривычной стороны. Используя ассоциативность форм, автор создаёт лаконичные, парадоксальные, иногда абсурдные и не лишённые юмора фотографии. Фотографы также иногда опираются при создании работ на абстрактное искусство. Применение в творчестве принципов данного художественного направления характеризует стремление фотографа делать изображения, отличные от тех, что основаны на регистрации реальности, чистой «фотографичности». Применяя различные оптические насадки или приборы, которые искажают изображение, фотограф может добиться абстрактной картинки.

Диалог с изобразительным искусством, который начала вести пикториаль-ная фотография, продолжился и в последующих за ним авангардных фотографических течениях и в более современных направлениях. Можно сказать, что весь ХХ век художественная фотография и живопись шли в одном направлении, активно взаимодействуя и дополняя друг друга. Главное отличие двух искусств

состоит в том, что фотография работает исключительно с теми объектами и явлениями, которые предоставляет ей реальность. Реальность становится для фотографа и источником эстетического опыта, и тем «веществом», из которого автор конструирует новые образы и смыслы. Изображая объекты действительности напрямую с натуры, сложнее добиться обобщённого изображения. Именно этот поиск обобщённости во многом объясняет обращение фотографов к живописной эстетике и возникновение такого течения, как пикториализм.

Уход современного искусства от классического понимания художественности и «утрата вкуса к метафизике» [3, с. 16] проявляются в разных видах искусства, в том числе и в фотографии. Возрождение феномена пикториализма в фотографии в конце ХХ века свидетельствует о поиске новых художественно-эстетических форм репрезентации реальности и о стремлении к образному осмыслению действительности. Фотография, как техническое искусство нового времени, возникшее сравнительно недавно, нуждается в обращении к классическому художественному наследию. Процесс трансформации визуальных искусств и появление новых его форм можно рассматривать как цепь последовательно возникающих новых практик, которые не заменяют собой предыдущие, но становятся их гармоничным продолжением. В этом контексте фотография и живопись не являются соперниками и не подчиняются друг другу, а представляют собой два самостоятельных вида искусства, имеющих схожее изобразительное пространство, что продиктовано их общей визуальной основой.

Примечания

1. Акельева А. С. Дихотомия формы и содержания в фотографии // Всероссийский журнал научных публикаций. 2011. № 3 (4). С. 36-37.

2. Арнхейм Р. О природе фотографии // Психология художественного творчества : хрестоматия / сост. К. В. Сельченок. Москва : Харвест, 2003. С. 254-282.

3. Бычков В. В. Эстетическая аура бытия. Современная эстетика как наука и философия искусства. Москва : Центр гуманитарных инициатив, 2016. 784 с.

4. Бычков В. В. Художественность как сущностный принцип искусства // Вопросы философии. 2015. № 3. С. 3-13.

5. Воеводина Л. Н. Философия культуры в эпоху постсовременности // Вестник Московского государственного университета культуры и искусств. 2014. № 3 (59). С. 29-35.

6. Горленко Н. М. Живопись и фотография в России во второй половине XIX — начале XX века : автореферат дис. на соиск. учён. степ. кандидата искусствоведения : 17.00.04 / Горленко Наталья Михайловна ; Московский государственный университет им. М. В. Ломоносова. Москва, 2010. 22 с.

7. Гаврилина Л. М. Эстетический поворот конца ХХ века и проблема самоопределения эстетики: рецепция кантовских идей // Культура и образование : научно-информационный журнал вузов культуры и искусств. 2015. № 2 (17). С. 78-86.

8. Дубова О. Б. Становление академической школы в западно-европейской культуре / Российская академия художеств, Научно-исследовательский институт теории и истории изобразительных искусств. Москва, 2009. 238 с.

9. Руйе А. Фотография. Между документом и современным искусством / переводчик: М. Михайлова. Санкт-Петербург : Клаудберри, 2014. 712 с.

10. Колосов Г. Искусство изображать // Советское фото. 1990. № 4. С. 25.

11. Клопова И. В. Фотографическое мышление как эстетическая проблема живописи : диссертация на соиск. учён. кандидата философских наук : 09.00.04. / Клопова Ирина Владимировна : Московский государственный университет культуры и искусств. Москва, 2001. 146 с.

12. Морозов С. Творческая фотография : [фотоальбом]. 3-е изд. Москва : Планета, 1989. 414 с.

13. Новая история фотографии / [Стюарт Александер и др.] ; под ред. Мишеля Фризо ; [пер. с фр. В. Е. Лапицкий и др.]. Санкт-Петербург : Machina, 2008. 336с.

References

1. Akelyeva A. S. Dikhotomiya formy i soderzhaniya v fotografli [The dichotomy of form and content in photography]. Vserossiiskii zhurnal nauchnykh publikatsii [All-Russian Journal of Scientific Publications]. 2011, no. 3 (4), pp. 36-37.

2. Arnkheim R. O prirode fotografii [About nature of photography]. In: Selchenok K. V., ed. Psikhologiya khudozhestvennogo tvorchestva [Psychology of artistic creation]. Moscow, Publishing house «Harvest», 2003. Pp. 254-282.

3. Bychkov V. V. Ehsteticheskaya aura bytiya. Sovremennaya estetika kak nauka i filosofiya iskusstva [The aesthetic aura of being. Modern aesthetics as science and philosophy of art]. Moscow, Publishing house «Center for Humanitarian Initiatives», 2016. 784 p.

4. Bychkov V. V. Artisticity as an Essential Principle of Art. Voprosy Filosofii [Problems of philosophy]. 2015, no. 3, pp. 3-13. (In Russian)

5. Voevodina L. N. Philosophy of culture in post-modernity. Культурология ■ИТш 1

6. Gorlenko N. M. Zhivopis’ i fotografiya v Rossii vo vtoroy polovine XIX — nachale XX veka. Avtoreferat diss. kand. iskusstv. [Painting and photography in Russia in the second half of the XIX — early XX century. Synopsis Cand. history of arts sci. diss.]. Moscow, 2010. 22 p.

7. Gavrilina L. M. Esteticheskiy povorot kontsa XX veka i problema samoopredeleniya estetiki: retseptsiya kantovskikh idey [Aesthetic twist of the late twentieth century and the problem of self-determination of aesthetics: the reception of Kantian ideas]. Cultural and Education: Scientific Information Journal for Universities of Culture and Arts. 2015, no. 2 (17), pp. 78-86.

8. Dubova O. B. Stanovlenie akademicheskoi shkoly v zapadno-evropeiskoi kul’ture [The formation ofan academic school in Western European culture]. Moscow, 2009. 238 p.

9. Rouill A. La Photographie, Entre Document et Art Contemporain (In Rus. ed.: Ruie A. Fotografiya. Mezhdu dokumentom i sovremennym iskusstvom [The photography. Between document and contemporary art]. St. Petersburg, Klaudberri Publishing House, 2014. 712 p.

10. Kolosov G. Iskusstvo izobrazhat’ [The art portray]. Sovetskoe foto [Sovietphotography]. 1990, no. 4, p. 25.

11. Klopova I. V. Fotograficheskoye myshleniye kak esteticheskayaproblema zhivopisi. Diss. kand. filos. nauk [Photographic thinking as an aesthetic problem of painting. Cand. philos. sci. diss.]. Moscow, 2001. 146 p.

12. Morozov S. Tvorcheskaya fotografiya. Fotoal’bom [Creative photography. Photo album]. 3nd edition. Moscow, Publishing house «Planeta», 1989. 414 p.

13. Frizot Michel (ed.) Nouvelle histoire de la photographie (In Rus. ed.: Frizo M., ed. Novaya is-toriya fotografii [A new history of photography]. St. Petersburg, Machina Publishing House, 2008. 336 p.)

Фотографии в стиле традиционной китайской живописи » BigPicture.ru

Китайский художник и фотограф Дун Хун-Оай родился в 1929 году, а скончался в 2004 году в возрасте 75 лет. Он оставил после себя невероятные работы, созданные в стиле пикториализма, — удивительные фотографии, похожие на произведения традиционной китайской живописи. Ниже вы найдете небольшую коллекцию этих изумительных фотографий.

1. Дун Хун-Оай родился в 1929 году в городе Гуанчжоу, провинции Гуандун, Китай. Он уехал из страны в семь лет после неожиданной смерти своих родителей.2. Как самый младший из 24 детей, Дун отправился жить в китайское сообщество в Сайгоне, Вьетнам. Позже он несколько раз посещал Китай, но больше никогда не жил в этой стране.3. По прибытии в Сайгон Дун стал учеником студии фотографии китайских иммигрантов. Там он научился основам фотографии. Он также полюбил фотографировать природу, что и делал часто с помощью одного из фотоаппаратов из студии. В 1950 году в возрасте 21 года он поступил во Вьетнамский национальный художественный университет.4. В 1979 году между социалистической Республикой Вьетнама и Китайской народной республикой открылась кровавая граница. Вьетнамское правительство начало репрессивную политику в отношении этнических китайцев, проживающих на территории страны. В результате, Дун стал одним из миллионов «лодочников», которые бежали из Вьетнама в конце 70-ых – начале 80-ых.5. В возрасте 50 лет, не зная английского и не имея никого из родных и друзей в США, Дун прибыл в Сан-Франциско. Он даже смог приобрести небольшую комнату для проявления фотографий.6. Продавая свои фотографии на местных уличных ярмарках, Дун смог заработать достаточно денег, чтобы периодически возвращаться в Китай, чтобы пофотографировать.7. Более того, ему представилась возможность некоторое время обучаться под руководством Лун Чин-Саня в Тайване.8. Лун Чин-Сань, скончавшийся в 1995 году в возрасте 104 лет, разработал стиль фотографии на основе традиционного китайского изображения природы.9. Веками китайские художники создавали величественные монохроматические пейзажи, используя простые кисти и чернила.10. Эти картины не должны были изображать природу в точности, они должны были передать эмоциональную атмосферу природы. В последние годы империи Сун и в начале империи Юань художники начали сочетать три на одном холсте разных формы искусства… поэзию, каллиграфию и живопись.11. Считалось, что этот синтез форм позволял художнику полностью выразить себя.12. Лун Чин-Сань, родившийся в 1891 году, учился именно этой классической традиции в живописи. В какой-то момент своей долгой карьеры Лун начал экспериментировать с передачей импрессионистского стиля искусства на фотографию.13. Сохранив многоуровневый подход к масштабу, он развил метод расслоения негативов, которые соответствовали трем уровням отдаленности. Лун научил этому методу Дуна.

14. Пытаясь еще ближе имитировать традиционный китайский стиль, Дун добавил к фотографиям каллиграфию.15. Новые работы Дуна, созданные на основе древней китайской живописи, начали привлекать внимание критиков в 1990-ых.16. Ему больше не нужно было продавать свои фотографии на уличных ярмарках; теперь его представлял агент, а его работы начали продавать в галереях по всей территории США, в Европе и Азии.17. Ему больше не пришлось зависеть от отдельных клиентов; его работы теперь были востребованы не только частными коллекционерами произведений искусства, но и корпоративными покупателями и музеями. Ему было около 60, когда он впервые в жизни достиг какого-то уровня финансового успеха.18. Пикториализм – это движение в фотографии, появившееся около 1885 года после обширного представления процесса фотографии на неувлажненной печатной форме. Своего пика движение достигло в самом начале 20-го века, а период спада пришелся на 1914 год, после появления и распространения модернизма.19. Термины «пикториализм» и «пикториалист» стали широко применяться после 1900 года.20. Пикториализм соприкасается с идеей, что художественная фотография должна имитировать живопись и гравюру того века.21. Большинство таких фотографий были черно-белыми или в оттенках сепии. Среди использовавшихся способов были: неустойчивый фокус, особые фильтры и просветление линзы, а также экзотические процессы печатания.22. С 1898 года к репертуару добавилась печатная бумага с грубой поверхностью. Некоторые фотографы «гравировали» поверхность своих фото с помощью тонких иголок.23. Целью подобных техник было – достичь «личного выражения автора».24. Несмотря на эту цель самовыражения, лучшие из таких фотографий шли параллельно со стилем импрессиониста, а не в ногу с современной живописью.25. Оглядываясь назад, можно также увидеть близкую параллель между композицией и живописным объектом жанровых картин и фотографий в стиле пикториализма.

Смотрите также:
Объемная живопись

А вы знали, что у нас есть Яндекс Дзен и Telegram?

Подписывайтесь, если вы ценитель красивых фото и интересных историй!

Чем живопись отличается от фотографии?

Книга «История картин: от пещеры до компьютерного экрана», совместно изданная Музеем современного искусства «Гараж» и издательством Ad Marginem, представляет собой диалог между двумя увлечёнными людьми — художником Дэвидом Хокни и арт-критиком Мартином Гейфордом. Текст книги разбит на реплики, которые авторы отпускают поочерёдно, не споря друг с другом и не повторяясь, а раскрывая один предмет обсуждения с разных сторон. У читателя есть шанс стать наблюдателем в этой неспешной дружеской беседе, получая такое же удовольствие, которое всегда испытываешь, слушая, как говорят между собой два умных человека.

Здесь не рассматривается какой-то конкретный исторический период или школа живописи — «История картин» относится скорее не к искусствоведению, а к эстетической науке, поскольку рассказывает о теории визуального как таковой.

Художник Дэвид Хокни.

(источник: admarginem.ru)

Речь идёт именно о картинах, а не о любых произведениях искусства. Это сразу подводит нас к основополагающему вопросу: что именно считается картиной, каковы её специфические черты как эстетического явления? 

Под картиной авторы понимают не только живописное полотно, но любые плоскостные изображения трёхмерного мира, сделанные на холсте, стене, киноэкране или смартфоне. Создание картин в этом смысле представляет собой направленную деятельность по передаче взгляда на реальность, даже если речь идёт о снимках с камеры видеонаблюдения: ведь эти камеры кто-то установил именно таким образом, а не иным.

Изображение всегда реконструирует чей-то взгляд. Это знали и средневековые мастера, которые стремились передать взгляд бога (этим обусловлен глубокий символизм средневековых миниатюр, равнодушие к пропорциям и единству места и времени), и художники Возрождения, которые начали реконструировать точку зрения человека, добиваясь максимального реализма (построение перспективы, учение о пропорции, свет и тень). По той же причине на египетских фресках и барельефах огромные фараоны возвышаются над простыми смертными, а рабы выглядят совсем крошечными и лишёнными индивидуальных особенностей.

Даже карты мира создаются с определённой точки зрения. Например, европейцы  размещают Европу сверху и в центре, а карта мира для Австралии будет «перевёрнутой». На Newtonew об этом выходил отдельный материал.

Картина Веласкеса «Менины».

(источник: upload.wikimedia.org)

Идея картины как точного подобия реальности пережила пересмотр после изобретения фотографии в 1839 году. 

Одна из глав книги так и называется, «Камера до и после 1839 года». С фотографией в теории искусства и на уровне бытовых представлений связана некоторая неопределённость. Кто-то считает, что фотография не является искусством, кто-то — что является, третьи и вовсе полагают, будто в свой «золотой» (аналоговый) век фотография была «большим искусством», которое гибнет в век повсеместного распространения цифровых камер в смартфонах.

Авторы книги придерживаются мнения, что фотография — это «дочь живописи». По предположению Хокни, «дух фотографии» возник задолго до изобретения фотоаппарата в XIX веке, поскольку европейские художники использовали в работе зеркала и линзы. Технические средства, позволяющие отражать солнечный свет или затенять его, а также копировать или увеличивать отдельные детали, помогали выстраивать изображение.

Камера-люцида, устройство, позволявшее переносить мотивы на бумагу.

(источник: i1.wp.com)

Хокни указывает на сходство картин, созданных между 1780 и 1850 годами, и первыми фотографиями — в освещении, композиции, интересе к скульптурным формам. Художник Дэвид Октавиус Хилл в 1840 годах выставлял калотипии (прото-фотографии, которые делались на пропитанной серебром бумаге) в качестве подготовительных этюдов или скетчей, что указывает на отсутствие в тот период четкого понимания разницы между фотографией и живописью. А в середине ХХ века американский иллюстратор Норман Роквелл использовал фотографии, чтобы создавать свои знаменитые характерные сценки из повседневной жизни. 

Кстати, сегодня среди иллюстраторов есть неразрешённая дискуссия о том, можно ли использовать референсы, копируя очертания стокового изображения или специально снятого кадра с моделью, которая после раскрашивания и добавления деталей может превратиться, скажем, в супергероиню или фэнтэзи-воительницу. Одни считают такой метод обманом и недостатком профессионализма, другие — вполне нормальным способом облегчить себе работу, не выстраивая позу с нуля.

Фотография и картина Нормана Роквелла.

(источник: d3dupjkkwlat3o.cloudfront.net)

Тут нужно отдельно оговорить, что Хокни — не только художник, который писал ультрареалистические изображения, но и фотограф-экспериментатор, придумавший оригинальную технику фотоколлажей, составленных из множества снимков, сделанных из одной точки. Хокни, которому уже больше 80 лет, по сей день продолжает экспериментировать с различными камерами.

«Большое место в истории картин занимают фотографии и фильмы; правда, к фотографии у меня есть вопросы. У многих вопросов нет: они считают, что мир выглядит так же, как на фотографиях. Я считаю, что он выглядит похоже, но не так же. По-моему, мир все-таки несколько более интересен. А кроме того, ничто не заставляет нас смотреть на мир так же, как это делает объектив; наши глаза и мозг видят мир иначе».
Дэвид Хокни

Хокни предполагает, что связь живописи и фотографии весьма крепка, и строго разделять их смысла не имеет. Добавим, что если смотреть на эту проблему с позиций когнитивных процессов, его теории можно найти подтверждения. Выстраивая кадр, мы создаём воображаемую раму и руководствуемся теми же когнитивными принципами, которое используем, рисуя. Исследователи считают, что механизмы, сформировавшиеся у наших предков для охоты, безопасности и ухаживания и заметные в поведении животных, непосредственно влияют на чувства, которые мы испытываем в музее. 

Тем не менее, направления в живописи, которые стали возникать после распространения фотографии, всё больше отходили от принципов мимесиса, то есть простого подражания природе. Ван Гог, закручивая ночное небо в сияющие воронки над шпилями, вряд ли имел в виду, что они в самом деле так выглядят. Гораздо интереснее, что они представали такими в его воображении.

Картина, как замечает Мартин Гейфорд — это всегда личный взгляд на происходящее, впечатление от увиденного, передача эмоций и ощущения. Даже искусно и реалистично изображённый предмет — всего лишь изображение предмета, как тот увиделся художнику, а не сама вещь. Именно эту идею выразил Рене Магритт в своей знаменитой работе «Вероломство образов».

Подпись: «Это не трубка».

(источник: ru.wikipedia.org)

Рассуждая об истории и особенностях всего, что можно назвать картинами, Хокни и Мартин Гейфорд рассматривают множество разных тем, от технических средств до особенностей восприятия человеком изображений. Книга иллюстрирована обильно и эклектично, в духе диалога двух специалистов — тут есть и девушки Матисса, и кадры из фильмов с Чарли Чаплиным, и множество других известных и не известных произведений искусства.

Глядя, как перед глазами проходит этот калейдоскоп способов изображения, жанров и форм, понимаешь, что в конечном счёте, «история картин» — это даже не история искусства, а рассказ о человеческом умении разглядывать окружающий мир.

Скопировать ссылку

Редакция Newtonew

Алиса Загрядская

Нашли опечатку? Выделите фрагмент и нажмите Ctrl+Enter.

Живопись, скульптура, фотография, кино, телевидение.

Живопись — изображение на плоскости картин реального мира, преобразованных творческим воображением художника; выделение элементарного и наиболее популярного эстетического чувства — чувства цвета в особую сферу и превращение его в одно из средств художественного освоения мира.

 Древнеегипетские художники ради смыслового выделения изображали фигуру военачальника в несколько раз большей, чем фигуры его воинов. Картина — цепь событий, рассказ, развернутый в ряде фигур. эпоха Возрождения дала таких великих художников, как Микеланджело, Леонардо да Винчи, Рубенс, Тициан.

Живопись запечатлевает соотношения красок мира, в цвете и через цвет она выражает существо предметов, их эстетическую ценность, выверяет их общественное назначение, их соответствие окружающему. Процесс размежевания живописи и графики завершают импрессионисты.  В ХХ в. Просто запечатлеть объект на память теперь может фотография.

Скульптура— пространственно-изобразительное искусство, осваивающее мир в пластических образах, которые запечатлеваются в материалах, способных передать жизненный облик явлений.Скульптурные произведения высекают из мрамора, гранита и другого камня, вырезают из дерева, лепят из глины. В наше время расширилось количество материалов, пригодных для скульптуры: возникли произведения из стали, бетона, пластмассы.

Ваяние всегда передает движение. Даже полный покой воспринимается в скульптуре как внутреннее движение, как состояние длящееся, протяженное не только в пространстве, но и во времени. Монументальность — одна из возможностей скульптуры, обеспечивающая ей синтез с архитектурой. Плоскости и поверхности изваянной фигуры, отражая свет и отбрасывая тени, создают пространственную игру форм, эстетически воздействующую на зрителей. В Др. Греции Герой непринужден и сохраняет внутреннее достоинство, даже страдание не искажает, не обезображивает его лица, не нарушает гармонию образа.

Фотография.  1839 г. изобретатель Л. Дагер впервые публично продемонстрировал перед французскими учеными и художниками изображения, полученные на серебряных пластинках.

Фотоискусство — создание химико-техническими и оптическими средствами зрительного образа документального значения, художественно выразительного и с достоверностью запечатляющего в застывшем изображении существенный момент действительности. Документальность — «золотое обеспечение» фото, запечатлевающего навечно факт жизни. Жизненные факты в фотографии почти без дополнительной обработки переносятся из сферы действительности в сферу художественную. Ныне фотография обрела цвет и стоит на пороге объемного, голографического изображения мира, что расширяет ее информативно-изобразительные и художественно-выразительные возможности.

Кино — дитя ХХ в. Его появление обусловлено достижениями науки и техники в области оптики, химии, электро- и фототехники, физиологии зрения. Его появление и развитие стимулировали социальные особенности новейшего времени: потребность художественно осмыслить общее нарастание динамики жизни, расширение и углубление взаимозависимости самых разных процессов, вовлечение в исторические действия огромных людских масс, потребность в раскрытии духовной жизни человека, потока его сознания и каскада действий. Кино передает динамику эпохи; оперируя временем как средством выразительности, оно способно передать стремительную смену событий в их внутренней логике. Вначале кино существовало как «великий немой». Изобретение фотоэлементов позволило записать синхронно звук и зрительный образ. Звук обогатил кинообраз словом и музыкой, которая стала не сопровождением, не дополнением зрительных впечатлений, а средством создания единого зрительно-слухового образа. Для кино характерно не столько словесное, сколько зрительное действие, киносценарий во многом ближе не к драме, а к эпосу (повести, роману). Сцена кинематографа — весь мир; действие может быстро перемещаться во времени и пространстве. Монтаж дает качество и характер видения объекта, помогает выделить главное в нем. Единица художественного высказывания в кино — монтажная фраза. Разнообразие форм движения камеры, ракурсов съемки, планов безгранично — в этом кроются богатые художественные возможности кино.  Кино — искусство зрительных подвижных образов, создаваемых на основе достижений современной химии и оптики, искусство, обретшее свой язык, широко охватывающее жизнь во всем ее эстетическом богатстве и синтетически вбирающее в себя опыт других видов искусства.

Телевидение— средство массовой видеоинформации, и новый вид искусства, способный передавать на расстояние эстетически переработанные впечатления бытия. Социальная ценность телевидения в его аудио- и видеоинформативности. Телеглаз видит и там, где глаз человека не видит. Ракурс восприятия предметов, телемонтаж, движение камеры и приближение предмета изображения дают телевидению большие возможности художественной выразительности. Телевидение таит в себе угрозу стандартизации мышления людей.  Важная эстетическая особенность телевидения — передача «сиюминутного происшествия», непосредственный репортаж с места события, включение зрителя в тот поток истории, который течет именно сейчас и о котором только завтра смогут заговорить газеты и кинохроника, послезавтра — литература, театр, живопись.  Телевидение может оказаться троянским конем, который въезжает в ум и в душу среднего человека, предает его, делает усредненным, стереотипно мыслящим. Порой телевидение становится наркотиком или манипулятором сознания зрителей, но оно способно быть и великим учителем человека. Телевидение — средство массовой видеоинформации, способный передавать на расстояние эстетически переработанные впечатления бытия; новый вид искусства, обеспечивающий интимность, домашность восприятия, эффект присутствия зрителя (эффект «сиюминутности»), хроникальность и документальность художественной информации.

Поможем написать любую работу на аналогичную тему

  • Реферат

    Виды искусства: Живопись, скульптура, фотография, кино, телевидение.

    От 250 руб

  • Контрольная работа

    Виды искусства: Живопись, скульптура, фотография, кино, телевидение.

    От 250 руб

  • Курсовая работа

    Виды искусства: Живопись, скульптура, фотография, кино, телевидение.

    От 700 руб

Получить выполненную работу или консультацию специалиста по вашему учебному проекту

Узнать стоимость

Живопись и фотография – В фокусе

Фотография была одним из ключевых изобретений девятнадцатого века; необыкновенная новая техника, имеющая первостепенное значение как для искусства, так и для науки, которая обещала изменить восприятие самой вселенной, от звезд на ее небе до раковин на ее берегах, а также ее флору и фауну во всем их разнообразии. Не в последнюю очередь то, что сходство с людьми и местами их обитания теперь можно было запечатлеть с беспрецедентной легкостью и скоростью. Всего за несколько недель до праздника в Рамсгейте, вдохновившего Дайса написать Пегвелл-Бэй, Кент — воспоминание о 5 октября 1858 года № 1858–60 (Тейт N01407), корреспондент Photographic News описал город как не что иное, как чем «рай для фотографов… По-видимому, у останавливающихся здесь дам так же принято фотографировать свои портреты, как и принимать ванну»; магазины фотографов «изобилуют».Хотя такое использование камеры было в основном коммерческим, дополняя поездки на осликах Рамсгейта и другие туристические удовольствия, безусловно, стоит отметить, что в сентябре 1860 года, всего через несколько месяцев после того, как Дайс выставил Pegwell Bay , фотограф Артур Генри Уолл написал в тот же журнал рекомендовал Пегвелл как место, где его коллеги могли бы искать «живописность»; то, что он называл «не только формой, но и самой душой природы, той духовной красотой, которая хотя и невидима для неотесанных и необразованных, но внятно говорит всем и всем» и тем самым заставляет зрителя «чувствовать настоящее Божество».

С этой точки зрения обвинение современных критиков в том, что Дайс нарисовал Пегвелл-Бей по фотографиям, ни в коем случае не исключает — и, возможно, даже предполагает — возможность духовного и даже христианского смысла в его образах. Тем не менее, в некотором смысле не имеет значения, действительно ли Дайс использовал фотографию или фотографии, чтобы нарисовать эту картину; скорее, мы должны рассмотреть, как и почему в 1850-х годах, даже когда фотографы стремились к «искусству», такой художник, как Дайс, стремился вызвать в памяти конкретное место в конкретный «момент времени», причем задача все больше ассоциировалась с этим. тесно с камерой.Пытаясь понять отношения между живописью и фотографией в 1850-х годах, мы должны, в конце концов, помнить, что это десятилетие считается, по словам историка фотографии Джона Ханнави, «самым важным… в становлении фотографии как в Европе, и Америка», когда были созданы «одни из лучших фотографий викторианской эпохи», запечатлевшие «момент» и «детали» с еще большим мастерством и изобретательностью.

После изобретения фотографии в 1839 году Луи-Жаком-Манде Дагером во Франции и Генри Фоксом Талботом в Великобритании – продолжение экспериментов Жозефа Нисефора Ньепса, Хамфри Дэви и других, проводившихся уже в 1800-х годах, по «фиксации» действия света — Процесс «калотипии» Тальбота вышел на первый план на Большой выставке 1851 года в Лондоне и, в свою очередь, затмил всех на первой в истории специализированной фотовыставке, проходившей в Королевском обществе искусств в Лондоне в 1852 году.В отличие от посеребренных пластин Дагера, которые давали уникальные изображения, калотипия использовала сенсибилизированную бумагу и позволяла делать множественные отпечатки. Таким образом, он был гораздо более универсальным, хотя волокна бумаги обычно создавали «рембрандтовские» эффекты вместо точности Дагера. Однако последовательные усовершенствования калотипа, в свою очередь, были превзойдены коллодионной фотографией, в которой в качестве негативной подложки использовалось стекло вместо бумаги, что позволяло не только более четкие детали, но и гораздо более короткое время экспозиции.«На приготовленной тарелке Дагера и на чувствительной бумаге Фокса Тальбота, — писала подруга Дайса леди Истлейк в 1857 году, — солнце «сосредотачивает свой взор на несколько серьезных минут», но

на тонкую пленку коллодия… он буквально лишь подмигивает, прослеживая в этот момент с подробностью и точностью, превосходящей всякую человеческую силу, славу небес, чудеса глубин, падение, а не лавина, а яблоко, самая мимолетная улыбка младенца и самое страстное действие мужчины.

Примеры новых коллодиевых процессов — как «мокрых», так и «сухих» — обсуждались в фотожурналах, которые теперь начали распространяться как в Британии, так и за границей (например, Photographic News ), и они также были заметны в выставки, организованные новыми фотографическими обществами, появившимися на международном уровне в этот период. В число последних входило Лондонское фотографическое общество (позже Королевское фотографическое общество), первым президентом которого был сэр Чарльз Истлейк и деятельность которого горячо поддерживали его покровители королева Виктория и принц Альберт.

Гюстав Ле Грей Бриг (или Море и небо) 1856 Альбуминная печать с коллодионно-стеклянного негатива

© Музей Виктории и Альберта, Лондон

John Dilwyn Llewellyn Caswell Bay – 1853 – Waves Breaking 1853Отпечаток на соленой бумаге с коллодиевого негатива на стекле

© Музей Виктории и Альберта, Лондон

Новая роль Истлейка явно ассоциировала камеру с искусством, поскольку он также был президентом Королевской академии, а также секретарем Королевской комиссии изящных искусств, органа, курирующего фрески Дайса и других художников нового Вестминстерского дворца.Тем временем сам Дайс поддерживал регулярные контакты с ключевыми членами Эдинбургского клуба калотипов, одного из ведущих фотографических кружков-первопроходцев. Среди них был Джон Кей, брат Роберта Дандаса Кея, зятя Дайса, и близкий друг Уильяма Генри Фокса Талбота, изобретателя калотипа. А в 1857 году, когда и статья леди Истлейк о фотографии, и первый визит Дайса в Пегвелл-Бей, связь искусства и фотографии сама по себе оказалась в центре внимания. Ибо именно в этом году французский фотограф Гюстав Ле Грей Бриг (также известный как Море и Небо ) 1856 (рис.1) был показан в контексте изобразительного искусства на выставке Art Treasures of Great Britain в Манчестере. Сделанный в прошлом году и признанный «самой лучшей фотографией из когда-либо созданных». это изображение было создано с использованием лунного света для экспозиции и с одного негатива. Кроме того, Ле Грей умел ловить облака, глядя на солнце, так что их силуэты, вырисовывающиеся на фоне света, становились достаточно плотными, чтобы их можно было различить на фотографии. И, подобно Джону Дилвину Ллевеллину в Британии, ему также удавалось фотографировать прибой; те символы быстротечности, действие которых сам Раскин отчаялся когда-либо «уловить».Все это теперь прочно ступило на почву, доселе предназначенную для искусства.

Фотографии волн, сделанные Ллевеллином в начале 1850-х годов, такие как Caswell Bay – 1853 – Waves Breaking 1853 (рис.2), были сделаны с помощью специального затвора камеры, который фиксировал движение примерно на 1/25 секунды, и были провозглашен «огромно полезным для художника» – еще не само искусство, а заменитель художественного наброска. Но Ле Грей, который, как и многие ранние фотографы, получил художественное образование, утверждал: «Мое глубочайшее желание, чтобы фотография, вместо того, чтобы попасть в сферу промышленности, коммерции, была включена в число искусств».Это его единственное, истинное место». Его образы косвенно воспринимались как искусство, логическое развитие его живописного образования. Когда фотография была наконец признана изящным искусством на Французском салоне в 1859 году, отвращение поэта Шарля Бодлера могло быть почти прямым ответом Ле Грею: фотография, утверждал он, должна «вернуться к своему истинному долгу, который состоит в том, чтобы служить науки и искусства, а самые скромные слуги, как книгопечатание или стенография, которые не создали и не дополнили литературу».И Раскин, и леди Истлейк придерживались аналогичной позиции в Великобритании, утверждая, что фотография может служить эскизом художника и даже инструментом художника, но не искусством сама по себе.

Луи-Жак-Манде Дагер Раковины и окаменелости 1839Дагерротип

Музей искусств и ремесел, Париж

Однако по мере того, как новые коллодиевые методы сокращали экспозицию, мотивы, охватывающие море, побережье и небо, стали главной достопримечательностью фотографов, стремящихся продемонстрировать свое мастерство, и в 1858 году коллега-фотограф Томас Саттон сообщил, что шотландский фотограф Джордж Вашингтон Уилсон сделал « облака, корабли, прибой и мокрый пляж» на нетронутой, «законной» дневной фотографии.Иными словами, Дайс в « Пегвелл-Бэй » работал над тем самым мотивом, с которым фотографы пытались соперничать с искусством; отсюда, очевидно, вышеупомянутая статья Photographic News 1860 года, в которой обращалось внимание на залив Пегвелл как на «живописный». В равной степени тщательно детализированные морские ракушки Дайса в Пегвелл-Бей , в корзине, которую держит Изабелла Брэнд, и на берегу, его утес, усеянный окаменелостями, и его фигуры в грубой шерстяной одежде — все это мотивы, в которых фотография, по общему мнению, превосходит возможности искусства.Будь то бумага, металл или стекло в качестве основы, фотография превосходно передает «шероховатость» и текстуру поверхности. Дагер сфотографировал раковины и окаменелости уже в 1839 году (рис. 3) — отсюда, без сомнения, жалоба критика Тома Тейлора на то, что Дайс «превратил себя в дагерротипный аппарат». — в то время как леди Истлейк отметила, что «сильная сторона камеры заключается в имитации только одной поверхности, причем грубой и изломанной… лицо шероховатой скалы… текстура истертой морем раковины… жакет из бука». .Как если бы Дайс в « Пегвелл-Бэй » пытался продемонстрировать, что искусство может сравниться с фотографией и даже превзойти ее; выбранный им момент — вечер — определенно был тем, когда свет был наиболее подходящим для успешной фотографии, точно так же, как его запись кометы Донати в небе реализует то, к чему фотографическая пресса побуждала своих читателей.

Джордж Вашингтон Уилсон Некаталогизированная фотография Кинкрейг Пойнт, Эли 1853–1908 гг. С негатива на стеклянной пластине

Библиотека Абердинского университета, Абердин© Университет Абердина

Уильям Дайс Человек Скорби c.1860

Национальные галереи Шотландии, Эдинбург

Джордж Вашингтон УилсонБез названияНекаталогизированная фотография с негатива на стеклянной пластине

Библиотека Абердинского университета, Абердин© Университет Абердина

Не было обнаружено ни одной фотографии, полностью или частично соответствующей снимку Дайса, хотя эффект пальцев галечного пляжа, проникающих между полосами отражающей воды на переднем плане Pegwell Bay , очень похож на тот, что был запечатлен его друг фотограф Джордж Вашингтон Уилсон в Файфе (см.4), так же как усыпанный камнями пейзаж и очертания холмов в «Человеке печали » Дайса c.1860 (рис. 5) имеют много общего с фотографиями Уилсона из Гленко (см., например, безымянный, недатированный стереоскопический снимок Уилсона). фотографию, рис.6). Однако после смерти Дайса Уилсон записал, что его (Уилсона) фотография лодочника из Хайленда была переведена в краску в книге Дайса Highland Ferryman 1857 (Художественная галерея и музеи Абердина, Абердин), и топографически неточный фон этой картины с его светящимся , туманный эффект может отражать тип комбинированной фотографии, полученной путем соединения двух отдельных негативов, который использовался для преодоления разного времени экспозиции неба и земли.Однако то, что Дайс имел в виду более сложные мотивы в Pegwell Bay , чем просто «копировать» или соперничать с фотографией, несомненно, подтверждается его дружбой с фотографом-первопроходцем Дэвидом Октавиусом Хиллом. Последнему он сказал еще в 1846 году, что «поездка в Рим с вашим оборудованием Kulotype [sic] окажется для вас выгодной», но он также выразил Хиллу желание «получить от вас урок в вашей искусство. На крыше моего дома есть терраса, превосходно подходящая для этой цели, и я думаю, что гранки могли бы быть очень полезны при подготовке эскизов драпировок и т. д.».С ее полосатой шалью и корзиной фигура справа в Pegwell Bay — Изабелла Брэнд — определенно имеет сходство с коренастыми рыбаками в их полосатой одежде, которых Хилл сфотографировал с Робертом Адамсоном в Ньюхейвене (см. Flucker Of Newhaven, Shucking Oysters) 1845; рис.7). В этом контексте мы могли бы отметить, что портрет жены Дайса 1856 года в шелковом и атласном наряде (Художественная галерея Абердина, Абердин) явно прославлял занятие его тестя как богатого английского торговца роскошными тканями. а в Pegwell Bay художник, похоже, использовал одежду для символической ссылки, на этот раз для вызывающего воспоминания превращения жизни в искусство его шотландских друзей-фотографов в Ньюхейвене.И то, как Дайс описывает фотографию как «искусство», и то, как он лишь задним числом добавил комментарий о том, что калотипы могут служить «этюдами», безусловно, подразумевает, что он рассматривал живопись и фотографию как имеющие общие цели.

Дэвид Октавиус Хилл и Роберт Адамсон Абердинская рыбная жена (миссис Флакер из Ньюхейвена, Шакинг Устриц) 1845Калотип

Шотландская национальная портретная галерея, Эдинбург

Учитывая духовное мировоззрение и разносторонний характер Дайса, мы, возможно, можем рассматривать Пегвелл-Бэй как видение искусства и науки в символическом союзе; мгновение (5 октября 1858 г.) слилось с бесконечным (морем и небом), чтобы предложить божественную гармонию, которую Дайс также искал в публикации музыкальных песнопений и в фресках, таких как Религия: Видение сэра Галахада и его компании , создан в 1851 году в Вестминстерском дворце в Лондоне.Его инаугурационная лекция в качестве профессора изобразительного искусства в Королевском колледже в Лондоне была посвящена «науке изящного искусства», в которой утверждалось, что «научное» внимание к деталям является неотъемлемой частью видения художником красоты Божьего творения. Точно так же Дайс стремился в Вестминстере интерпретировать « Morte d’Arthur » (1485) Томаса Мэлори в «аллегорической» манере, где видимое означало моральное или метафизическое. Таким образом, мы могли бы рассматривать «фотографические» элементы в Pegwell Bay как на самом деле жизненно важные средства, с помощью которых он стремился уловить «душу», «дух» и даже «Божество» — то, что Photographic News побуждал фотографов искать в Pegwell. Бухта, как «живописное» место.Дайс, в конце концов, был убежденным трактарианцем и разделял мнение церковного деятеля и поэта Джона Кебла о том, что «Есть книга, которую может прочитать тот, кто бежит… Два мира принадлежат нам: это только Грех / Запрещает нам видеть / Мистические небо и земля». внутри / Простая, как море и небо… Дай мне сердце, чтобы узнать Тебя / И везде читать Тебя». Его «фотографические» детали в Pegwell Bay — будь то прибойная волна или текстурированная раковина — можно рассматривать как шифры божественного; способы, по его выражению, «отделить вечное от преходящего».

Живопись и фотография | Мэтью Биро

С момента появления первых дагерротипов и калотипов в конце 1830-х отношения между живописью и фотографией были сложными. С одной стороны, фотография была признана подспорьем живописи — она была средством укрепления ее натурализма и правдоподобия — в то время, когда живопись еще понималась как мощное средство нравственного и исторического воспитания. С другой стороны, фотография с самого начала считалась непримиримым врагом живописи: бездушной машиной, которой суждено уничтожить высокое искусство, узурпировав место живописи в глазах общественности.

Считалось, что, предоставляя информацию и развлечение в визуальной форме, фотография притупляет визуальную осмотрительность и продвигает клише: стандартные позы и костюмы, а также «стандартные персонажи», узнаваемые социальные или национальные стереотипы, часто определяемые с точки зрения пола, расы, класса, национальности, социальной или экономической функции. Оно могло обеспечить истину, ясность и объективность, но не «искусство» в смысле творческой трансформации визуального. В течение девятнадцатого века первоначальные опасения по поводу опасности фотографии для живописи, казалось, подтверждались ростом популярной фотоиллюстрированной культуры — книг и журналов — а позже, после 1895 года, киноиндустрии.Новости и развлечения, основанные на объективах, создали новую массовую аудиторию, которая затмила буржуазную аудиторию для «изящного» или «высокого» искусства, а первенство живописи — ее претензия на то, чтобы быть самым богатым и самым сложным средством визуальной коммуникации — все больше и больше отбрасывалось. сомневаться. В результате художники были вынуждены отличать свои изображения от фотографии, которая ассоциировалась с нехудожественными качествами, такими как беспристрастная документация и мелодраматическое повествование. Это одна из причин того, что академический реализм восемнадцатого и начала девятнадцатого веков утратил свое господство, а передовая живопись становилась все более абстрактной в течение конца девятнадцатого и начала двадцатого веков, развивая «модернистский» акцент на своих материальных свойствах для исключение его изобразительных функций.В ответ на фотографию современные художники сделали живопись более плоской и менее миметической, более самореференциальной и все больше сосредотачивающейся на своей собственной истории.

Хотя модернизм в живописи принимал множество различных форм за время своего долгого существования, начиная с XIX века, он обычно подчеркивает либо субъективность автора и зрителя, либо материальность и феноменальное присутствие произведения. Иногда это происходит одновременно. В более ранних модах, таких как импрессионизм и экспрессионизм, он прославлял связь или общую чувствительность между художником и аудиторией — альтернативная «точка зрения», часто понимаемая как антибуржуазная или богемная, которая была отрицанием общепринятого физического и социального мира.Другими словами, он был создан и оценен как революционный способ видения, более правдивый оптический опыт, обнаруженный за стереотипами и условностями, искажающими повседневные способы восприятия. В других более поздних формах, особенно после прорыва к полной абстракции примерно в 1912 году, модернистская живопись сосредоточилась на своих собственных формах, материалах и методах, исключая мир, — саморефлексия, которую можно увидеть в работах многих художников. по обе стороны Атлантики.Масло на холсте Маньера Доусона 1913 года, Essnzee , иллюстрирует эту раннюю абстрактную тенденцию в Соединенных Штатах. Как выразился Доусон в своем дневнике в то время, такие необъективные работы были предназначены для представления не внешнего мира, а внутренней реальности самой картины: «Его больше нигде нет». источником его оптической достоверности, стало его феноменальное присутствие, которое понималось как продукт его формальных взаимосвязей, его материальности и процессов создания, а также созданного им диалога между художником, зрителем, средой и исторической традицией.

Как вид передового искусства модернистская живопись впервые успешно бросила вызов фотографии в 1920-х годах, когда абстракцию начали критиковать за ее оторванность от повседневной жизни. Академическая иерархия изобразительного искусства, на вершине которой ставились живопись и скульптура, была нарушена, поскольку художники-авангардисты, такие как дадаисты, конструктивисты и сюрреалисты, стремились установить контакт не только с элитарными зрителями, но и с современной массовой аудиторией. Теперь все средства массовой информации были равными в служении радикальному искусству; правда работы была результатом ее критики мира; и значение концепции, лежащей в основе создания произведения, возросло.Многие художники дадаистского, конструктивистского и сюрреалистического направлений любили удваивать или накладывать друг на друга изображения, чтобы сделать их аллегорическими или сверхъестественными, тем самым бросая вызов статус-кво; а средства воспроизведения, такие как фотография и кино, особенно хорошо подходили для этой практики воспроизведения. Более того, как предполагает Сальвадор Дали « Двойное изображение », 1965 год, акварель и тушь на бумаге, даже когда художники-авангардисты использовали более традиционные средства массовой информации, фотографическая эстетика преобладала.Центральный набор форм читается как портретный бюст Вольтера, смотрящего вправо, а также группа из четырех или пяти женских фигур — глаза и лицо философа составляют две крайние левые женщины. Цифры напоминают о ранее существовавших исходных материалах, взятых из средств массовой информации, возможно, из журналов мод или книг по искусству, а также из печатных денег. Таким образом, акварель Дали выдвигает на передний план фундаментальные акты копирования и умножения, присущие фотографической практике, и массовое распространение визуального зрелища, которое фотография производит с девятнадцатого века.Его истина заключается не в руке художника или уникальности его видения, а, скорее, в социально-психологической критике произведения (то, что Дали называл своим «параноико-критическим методом»): то, как Двойное изображение разрушает наше повседневное понимание реальности , предполагая, что мы живем в мире, в котором нет ничего изначального и где — благодаря социальным, психологическим и технологическим структурам, в которых мы родились — все может быть преобразовано во что-то другое.

Хотя передовая живопись потеряла определенный приоритет в 1920-х и 1930-х годах, она не исчезла; скорее, он сохранил мощную привлекательность как для критиков, так и для широкой публики.Действительно, что поразительно в современном искусстве с середины двадцатого века, так это то, насколько развитие искусства вызывает циклическую борьбу между двумя медиа, а удачи живописи и фотографии в изобразительном искусстве растут или падают по отношению друг к другу. Более того, с тех пор каждый медиум стал все больше и больше исследовать себя по отношению к своему (фотографическому или живописному) «другому». В США и Европе, например, формы абстрактной живописи восторжествовали после окончания Второй мировой войны в явном противостоянии историческому авангарду 1920-х и 1930-х годов, а также сохранившейся в живописи реалистической традиции.Например, картина Джека Янгермана South , 1959, играющая между органическими и жесткими формами, показывает, насколько сложной и убедительной полная абстракция в живописи могла оставаться еще долго после расцвета абстрактного экспрессионизма. Истина картины здесь представляет собой уникальную смесь (объективного) феноменального присутствия и (субъективного) композиции и цветового выбора. Затем, в 1960-х годах, абстракционизм в живописи был частично брошен вызовом поп-арту, связанному с фотографией, по обе стороны Атлантики; и в разнообразных и плюралистических 1970-х использовались как репрезентативные, так и абстрактные направления.Картина Роджера Брауна Jacknife , 1975, квазикомическое изображение аварии грузовика, показывает, насколько многогранной репрезентативной живописью могла быть живопись 1970-х годов. Играя между живописью, скульптурой и кино (из-за последовательных образов), он смешивает несколько стилистических источников как способ критики состояния человека в современном мире. Что изменилось с 1960-х годов, так это не то, что живопись и фотография связаны друг с другом, а плотность и множественность их взаимосвязей.Точно так же, и несмотря на то, что критики говорят об обратном, с середины века ни одно средство массовой информации больше не было полностью доминирующим.

Художественная коллекция Hallmark особенно богата, когда речь идет о документировании развивающегося диалога между живописью и фотографией в современном искусстве. С ростом популярности постмодернистской фотографии в Соединенных Штатах в 1980-х и 1990-х годах фотография, казалось, затмила живопись как выдающийся вид искусства. « Без названия» Барбары Крюгер (Картинка стоит больше, чем тысяча слов) , 1992 год, является знаковым примером.Фотографическая шелкография на виниле, увеличенная до размеров картины и обведенная красной рамкой, представляет собой крупное черно-белое изображение киномонтажера, вырезающего ножницами, держащего целлулоидная кинолента до самых глаз. Лицо монтажера почти касается целлулоидного предмета «фабрики грез», который он сжимает, подчеркивая эротический заряд, который несут технологии масс-медиа для современного зрителя. Он запечатлен во время разрезания, действия, которое напоминает зрителю, что фотографические изображения сформированы, абстрагированы и потенциально могут ввести в заблуждение.Наконец, заголовок в сочетании с визуальными элементами является саморефлексивным. Он предлагает зрителям задуматься о том, как радикально возросла сила коммуникации с появлением средств массовой информации, основанных на линзах.

В дискурсе постмодернистского искусства того времени фотография считалась по своей сути более критической, чем живопись или скульптура, которые, как утверждали критики, в значительной степени превратились в товар и истощились, а также оторвались от современного момента. Изолируя, обрезая, увеличивая, сопоставляя и реконтекстуируя рекламные изображения, а затем накладывая критические заголовки и эпиграммы, Крюгер выражала подозрения и опасения своего времени, его паранойю по поводу того, как средства массовой информации и индустрия развлечений служат как капиталу, так и государству.Делая средства массовой информации странными, постмодернистские фотографии Крюгера критикуют их современный мир, раскрывая его идеологии и способы, которыми его культурные индустрии конструируют различные типы социальной и «личной» идентичности. Выдвигая на первый план вопросы истории и массового воспроизводства, постмодернистские фотографы, такие как Крюгер, удовлетворили стремление современной публики к искусству с политической значимостью и критическим взглядом на современный момент. Эту критичность разделяли художники той эпохи, такие как Джулия Вахтель — еще одна художница поколения изображений, — которая использовала журналистскую фотографию в своих полотнах смешанной техники для аналогичного эффекта.

Помимо сосредоточения внимания на истории, идентичности, политике и средствах массовой информации, постмодернистская фотография считалась критической, поскольку она подрывала традиционные эстетические качества — имманентность, автономию, присутствие, оригинальность и авторство, — которые некоторые критики того времени связывали с современные традиции живописи и скульптуры. Фотография была механической; он сопротивлялся ручному и субъективному; и его можно бесконечно копировать. Кроме того, оно было индексальным, прямым следом чего-то объективного и, следовательно, «бессознательного» и «антисубъективного» в важных отношениях, произведенного миром в той же мере, что и фотографом.Благодаря этим качествам постмодернистская фотография отличалась от элитарного буржуазного искусства прошлого, а также от модернизма, который, как показала постмодернистская фотография, сохранил многие буржуазные ценности.

Книга Вика Муниса After Motherwell (Pictures of Ink) , 2002, особенно убедительно и сильно иллюстрирует эту постмодернистскую критику модернистской эстетики. Серия из восьми гравюр с изображением Ирис, покрытых лаком, изображает сделанные вручную увеличенные копии фрагментов абстрактных экспрессионистских картин Роберта Мазервелла.Созданные густыми чернилами и сфотографированные еще влажными, абстрактные формы кажутся странно искусственными. Раздутые, фрагментированные и воспроизведенные почти в трехмерном виде, они подрывают предполагаемую непосредственность исходного жеста — субъективного знака Мазервелла — путем копирования и установления сравнения между уникальностью живописи и воспроизводимостью фотографии. Таким образом, возникает множество вопросов о природе искусства, оригинальности, визуальном представлении и восприятии в целом.Кроме того, серия « After Motherwell » Муниса также напоминает зрителю о непосредственной истории ее руководящей идеи, а именно о критике абстрактного экспрессионизма поп-артистами. Знаменитый скрин-принт Роя Лихтенштейна « Brushstrokes » (1967) пародирует почтение, которое абстрактные экспрессионисты и их критики испытывали к абстрактному живописному жесту, придавая следу художника форму комикса. Преобразование экспрессионистского жеста с помощью фотомеханической репродукции (о чем свидетельствуют точки Бена Дэя, которые являются признаками процесса полутоновой печати, используемого в массовых журналах и комиксах), предполагает, что даже самые интимные выражения человеческой души могут быть превращены в стереотипы. путем их цитирования и воспроизведения.А также напоминая нам о поп-критике живописи, постмодернистские фотографии Муниса раскрывают всю глубину истории, с которой они связаны.

Художники-концептуалисты 1980-х и 1990-х годов продемонстрировали большое сходство с постмодернистскими фотографами, исследуя живопись и другие традиционные медиа фотографическими способами и как составные части более широких социальных и экономических систем. « Пять цветных суррогатов » Аллана МакКоллума, 1987 год, — хороший тому пример. Сборка из пяти схематических картин четырех разных размеров и пяти разных цветов, по своей сути фотографическая, поскольку все работы отлиты из форм, взятых с «оригиналов», изготовленных из дерева и картона.Подобно фотографиям, «картины» МакКоллума являются следами или показателями чего-то реального. Более того, хотя все они немного отличаются друг от друга, суррогаты больше похожи на изделия машинного производства, чем на уникальные и ауратические произведения искусства. Кроме того, как схематические изображения типичных картин, состоящие из рамы, паспарту (или подложки) и «картины», работы перенаправляют внимание зрителя на физический и социальный контекст, в котором картины существовали и функционировали. Макколлум использовал эту стратегию, чтобы спровоцировать свою аудиторию на размышления о роли живописи как признака статуса и принадлежности к элите, а также о системах ценностей, пропагандируемых галереями и музеями, демонстрирующими современное искусство.Для него истиной живописи стала ее способность раскрывать институциональные структуры и социальные функции.

Взяв средство высокого искусства и сделав его бесконечно воспроизводимым, МакКоллум, подобно Лихтенштейну в 1960-х и Мунису в 2000-х, атаковал предполагаемую субъективность, стоящую за модернистской живописью. В их работах нарушается важное модернистское различие между оригиналом и копией. Точно так же, как схематическое собрание картин, которые, тем не менее, не содержат изображений, Пять цветных суррогатов играет между репрезентацией и абстракцией, смешивая еще одно категориальное различие, которое стремился сохранить высокий модернизм.Рассмотренные выше работы Лихтенштейна и Муниса также участвуют в этом критическом разборе, предполагая, что реалистическое изображение и чистая необъективность не так различны, как казалось изначально. Таким образом, как показали все три художника, фотография и ссылки на фотографические процессы последовательно использовались на протяжении второй половины двадцатого века для противодействия притязаниям высокой модернистской живописи.

Даже в более традиционных формах постмодернистской живописи 1980-х и 1990-х годов фотография играла ключевую роль.Дэвид Войнарович был художником-активистом, который работал в самых разных медиа, включая рисунок, фотографию и скульптуру, а также текст и перформанс, инсталляции, уличное искусство (трафареты и фрески) и даже видео и кино. Многие из его картин включают настоящие фотографии или фотографические репродукции, вырезанные из книг и журналов. Например, в книге Войнаровича « Биография Питера Худжара (7 миль в секунду) , 1988–1989) используются черно-белые изображения, которые кажутся нарисованными, а не сфотографированными.В то же время из-за своего натуралистического иллюстративного стиля они указывают на массовую культуру, созданную с помощью фотографий, которая все больше определяла современный мир Войнаровича.

Картина посвящена любовнику и наставнику Войнаровича, фотографу Петеру Худжару, который умер от осложнений, вызванных СПИДом, в 1987 году. (Менее чем через год у Войнаровича был обнаружен ВИЧ; он умер в 1992 году.) На фоне нечеткой синевы фон, который может напоминать взволнованное облачное небо или какую-то органическую поверхность, рассматриваемую в микроскоп, Войнарович сопоставляет фрагментарное изображение лежащего человека, символизирующее его умирающую возлюбленную, с математическим уравнением, которое означает скорость, которую должна приобрести частица, чтобы избежать гравитационного притяжения Земли.Вызывая науку и медицину, которые подвели Худжара, уравнение также служит метафорой, взятой из астрофизики, для обозначения смертности и возможностей ее преодоления. Угловатая красная решетка окружает эти фрагменты и связывает их с серией круглых вставок, которые включают неполные иллюстрации мчащегося локомотива, архитектурных руин, тираннозавра Рекса, муравья, ползущего по овальным формам, сотовых изображений и действующего вулкана.

Четко осознавая свое положение на протяжении всей своей жизни вне основного американского общества — сначала как жертву жестокого обращения и детскую проститутку, а затем как гея и (совсем недавно) ВИЧ-позитивного человека — Войнарович использовал фотографии и иллюстрации из средств массовой информации, чтобы представить и прокомментировать « «предварительно изобретенный» мир и категории, в которых он был рожден, но считал, что никогда не вписывался по-настоящему.Используя круглую вставку, чтобы предложить технологическое посредничество — форма предполагает и телескоп, и микроскоп, и камеру наблюдения, — он окружает свою возлюбленную кластером шаблонных образов, которые благодаря своей фрагментарности и несоответствующим связям друг с другом наводят на мысль о поэтическом и ненормативное переосмысление истории жизни Худжара. «Питер, — вспоминал Войнарович, — имел привычку воссоздавать свою биографию каждый раз, когда его фотоработы включались в другую книгу или антологию». -настоящая, полуфиктивная личная мифология через неоднозначные фрагменты, заимствованные из общей культуры.Природа смешивается с технологиями, когда сталкиваются разные виды и периоды времени. Сочетая личные мотивы, характерные для Худжара, с историей, политикой и мифами, фотографическая картина Войнаровича вызывает в памяти кризис СПИДа с его бездействием правительства, религиозной нетерпимостью и гомофобией. Но благодаря своим сюрреалистическим сопоставлениям он также критически предполагает, что традиционные концептуальные структуры, лежащие в основе нашего массового существования, также могут быть преодолены и что на их месте могут возникнуть новые отношения между людьми и их обществами.

Как предположил Войнарович, а также другие художники из коллекции Hallmark, о которых говорилось выше, отношения между фотографией и живописью всегда были многогранными. И в последние годы творческий диалог между этими двумя способами визуальной репрезентации стал еще более тесно взаимосвязанным, что пошло на пользу обоим средствам массовой информации. Снова и снова последующие поколения художников находили новый смысл и вдохновение в каждом средстве, комбинируя процессы, реконтекстуализируя элементы или переосмысливая специфические свойства, присущие каждому способу.Однако во всех случаях конечным результатом была не абсолютная победа одного медиума над другим, а скорее их взаимное обогащение и дальнейшая взаимосвязь.

Диалог между живописью и фотографией часто сводился к поиску определенности, поиску «истины» визуального восприятия. Бросая вызов друг другу, каждая среда предлагала разные и развивающиеся концепции визуальной точности, по-разному понимаемые как смесь субъективных и объективных, а также индивидуальных и социальных элементов.Сегодня художники также должны бороться с цифровым фильтром, который еще больше запутывает различие между мимесисом и изобретением, которое, как когда-то считалось, отличает фотографию от живописи. И это взаимодействие с цифровыми технологиями, которое мы видим в недавней работе Джейсона Салавона и Бенджамина Эдвардса, среди прочих в этой коллекции, дает много поводов для волнения в современный момент.

Фотореализм и связь между фотографией и живописью

Чак Клоуз «Большой автопортрет» (273 х 212 см)., 1967-68 гг.

Посмотрите на это изображение выше. Кажется, это черно-белая фотография мужчины с растрепанными волосами, усами, в очках и с сигаретой. Большая часть из этого верна, за исключением одной ключевой детали — это картина, а не фотография. Однако это картина, основанная на фотографии и в некотором роде комментирующая как картину, так и фотографическое изображение.

Зачем художнику тратить бесчисленные часы на рисование подобного изображения, когда можно мгновенно создать фотографию, которая выглядит точно так же?

Почему большинство произведений искусства сегодня не выглядят так и, кажется, им не хватает навыков, которые потребуются для этого изображения?
Является ли фотография искусством?

Чтобы понять эти вопросы, мы должны взглянуть на самую первую фотографию и на то, как изобретение фотографии повлияло на саму природу искусства.


«С сегодняшнего дня живопись мертва»

Одним летним днем ​​1826 года Нисефор (Иосиф) Ньепс создал изображение выше. Это зернистое изображение считается первой перманентной фотографией, выдержкой более восьми часов. Слишком просто сказать, что Ньепс изобрел фотографию, потому что с тех пор фотографический процесс претерпел столько значительных изменений (наиболее известные из них  Фокса Талбота  и  Дагерра 1839).
Изобретение устройства, которое могло бы позволить любому записывать мир в мельчайших деталях, произвело бы революцию в том, как мы видим себя, как мы общаемся и как мы создаем искусство.Без фотографии не существовало бы современного искусства, кино и Интернета — по крайней мере, такими, какими мы их знаем. Еще одним из самых ранних изображений Ньепса был стол — традиционный натюрморт. Это проверенная временем тема в искусстве, к которой будущие художники еще будут возвращаться. В течение 18 го века Шарден создал прекрасные натюрморты с простой кухонной утварью. В способности Шардена придавать такое значение столь скромным вещам есть великая поэзия.Ньепс просто продолжал давнюю традицию — что еще вы могли бы делать с камерой, кроме как делать изображения в традициях живописи?

Изображение крыш за окном у Ньепса как бы порывает с традициями живописи и указывает на что-то другое. Изображение можно было бы сравнить с пейзажной картиной, но никогда не рисовали только крыши. Резкие ракурсы, сильный контраст и абстрактный характер изображения, который на мой взгляд кажется «современным». Это напоминает мне супремаистскую картину Малевича .

«Мы должны ожидать, что великие нововведения изменят всю технику искусства, тем самым повлияв на само художественное изобретение и, возможно, даже приведут к удивительным изменениям в самом нашем представлении об искусстве».

Поль Валери ‘Покорение вездесущности’ 1928

Изображение Линкольнского собора камерой-обскурой Почему фотографии квадратные? Когда мы распечатываем фотографию, смотрим на экран, смотрим фильм или смотрим на любое фотографическое изображение, оно квадратное. Это не естественный способ проецирования фотографического изображения.Посмотрите на изображение камеры с отверстием выше — оно было спроецировано на фотобумагу в форме круга, а не квадрата. Мы обрезаем все фотографии (в том числе пленочные) в квадраты. Почему? Поскольку картины квадратные, фотография просто скопировала традиционный способ создания изображения.

Уильям Генри Фокс Талбот ‘Вилла Мельци, 5 октября 1833 года’ Camera Lucida рисунок: карандаш на бумаге 1833

Клод Моне ‘Впечатление. Восход солнца’ 1872 Об изобретении фотографии было объявлено в 1839 году.Появление машины, способной запечатлеть мир в мельчайших деталях — пейзаж, портрет или здание, — стало прямой конкуренцией живописи. Художники начали задаваться вопросом, как они подошли к своей среде, и это можно увидеть в работах импрессионистов. На картине выше следы кисти Клода Моне становятся более рыхлыми и выразительными. Цвет предполагает качество света, но может быть не совсем тем, что видел Моне. Моне был импрессионистом — первым движением в современном искусстве (см. документальный фильм Мэтью Коллинга здесь).

Прошло 33 года после объявления о фотографии, и Моне рисует изображение, которое не может быть снято камерой.

Фотография восхода солнца создается светом от солнца, путешествующего и отражающегося от объекта. Затем этот свет проходит через объектив камеры на светочувствительный материал. Фотография имеет прямое отношение к предмету.

Картина создается путем нанесения вещества на поверхность и создания светлых и темных областей. Краска наносится вручную и является субъективной реакцией художника на то, что он видит.

«Мы должны помнить, что картина, прежде чем стать боевым конем, обнаженной женщиной или рассказать какую-то другую историю, по существу представляет собой плоскую поверхность, покрытую красками, расположенными в определенном порядке»


Винсент Ван Гог «Звездная ночь», июнь 1889 г. Прошло 50 лет после объявления фотографии. Этот кружащийся психоделический образ — праздник краски и цвета. Весь образ вибрирует и состоит из маленьких резких ударов краски. Это нельзя было сфотографировать — картина обрела новую жизнь.Ван Гога часто вспоминают как художника-клише — сумасшедший гений, живущий в нищете, борющийся за свое искусство, в свое время его никто не понимал, сумасшедший и, в конце концов, покончивший жизнь самоубийством. Это был бы отличный фильм (как в «Жажде жизни» и здесь). Кое-что из этого имеет элементы правды, но это не важно и не поэтому мы его помним. Он был серьезным художником, развившим свой стиль благодаря практике и размышлениям (его идеи см. в его письмах).

«…это то преимущество, которым обладает импрессионизм перед всем прочим; он не банален, и ищут более глубокого сходства, чем сходство фотографа»


Дега ‘Розовые и зеленые танцовщицы’ 1890

Прошло 56 лет после анонса фотографии.Во Франции художник-постимпрессионист Поль Сезанн создавал свои последние картины. Что не так с этой картиной? У него нечеткие следы от кисти импрессионистов, а объекты обрезаны по краям. Однако происходит нечто другое. Все ракурсы кажутся неправильными, голова кружится — этот херувим вот-вот соскользнет со стола. На самом деле кажется, что Сезанн отказался от традиционной точки зрения, и стол кажется прогибающимся, как если бы он смотрел под разными углами. Сезанн на самом деле исследует, как мы выглядим, как мы на самом деле видим.Это революционно.

«Отец всех нас»

Пикассо и Матисс говорят о Сезанне Пикассо ‘Первое причастие’ 1895/96

Прошло еще 56 лет после анонса фотографии. В Мадриде четырнадцатилетний художник нарисовал изображение первого причастия своих сестер. У этого художника явно был талант, но в этой картине нет ни раскованности импрессионистов, ни азарта Сезанна. На самом деле это очень традиционный образ, к этому молодому художнику мы еще вернемся.

Анри Матисс ‘Открытое окно’ 1905

Прошло 66 лет с момента анонса фотографии, а на холсте красками уже намазывают — почти как в детстве. Анри Матисс был ключевым членом группы «Фовисты», что означает «Дикие звери», из-за их грубого энергичного использования цвета и грубого нанесения краски — даже оставляя участки необработанного холста (импрессионисты, фовисты и кубисты — все получили свои имена от Критики, которые на самом деле пытались их оскорбить). Картины фовистов (или импрессионистов) кажутся современному глазу ручными, но в свое время они были революционными — большинству людей ни одна из этих картин не понравилась бы.Сегодня импрессионизм – любимый период «народа». Матисс не был диким зверем — на самом деле он очень хорошо контролировал цвет и рисунок, которые были ключевыми в его работах. Матисс однажды сказал, что хочет, чтобы его искусство производило такое же впечатление, как удобное кресло на уставшего бизнесмена. Матисса и Пикассо часто считают двумя величайшими художниками 20-го века. Было ли у Пикассо намерение создать кресло для уставшего бизнесмена?

«Нет, живопись делается не для украшения квартир, это наступательное и оборонительное оружие против врага»

Пикассо 1945

Пабло Пикассо ‘Авиньонские девицы’ 1907

Это 1907 год и 68 лет с момента объявления фотографии, и я изо всех сил пытаюсь распознать изображение выше как картину.Вспомните четырнадцатилетнего мальчика, который 12 лет назад искусно нарисовал первое причастие своих сестер. Он был занят подражанием работам импрессионистов, изучением творчества Сезанна, разработкой собственного стиля, пытаясь найти новый облик для нового века. Вы можете увидеть элементы африканского искусства в том, что считается первой картиной кубизма — «Авиньонские девицы» Пикассо 1907 года. Его крах перспективы и сочетание геометрических форм и «примитивных» стилей (под влиянием иберийской скульптуры и африканского искусства) были новым изобретением возможностей искусства.На картине доминируют ломаные, зубчатые, пересекающиеся линии, заставляющие взгляд перескакивать с одной выступающей формы на другую. Слияние фигур и фона было вдохновлено картиной Сезанна «Купальщицы» (1894–1905). Пикассо смотрел в прошлое, но влиял на будущее. Чтобы понять эти разработки и глубже изучить кубизм, загляните сюда.

Пабло Пикассо ‘Гитара’ 1913

Прошло 74 года с момента появления фотографии, и старая традиция живописи изменилась до неузнаваемости.В изображении Пикассо абстрагировал изображение, как если бы оно рассматривалось с разных точек зрения, поэтому сама гитара кажется сломанной. Сегменты «Гитры» вырезаются из самых разных материалов — куска старой обоев, куска картона и вырезанного из газеты круга. Этот подход с использованием коллажа и сборки станет основным подходом к искусству в 20 веке. Группа Дада начала экспериментировать с фотомонтажом, смешивая средства фотографии и коллажа, чтобы создать современный подход к фотографии.

Революция началась.

Велосипедное колесо Марселя Дюшана 1913

1913 год — это тот самый год, когда Марсель Дюшан отказался от живописи и сделал свой первый реди-мейд. Дюшан — отец концептуального искусства, и существует связь между реди-мейдами Дюшана и кирпичами Карла Андре «Эквивалент VIII» (1966) или кроватью Трейси Эмин «Моя кровать» (1999), выставленными в Тейт. Хотя и кирпичи Андре, и Эмина — просто объекты, на мой взгляд, кирпичи Андре поэтичны, а работы Эмина — нет (а для некоторых и то, и другое — искусство, но это другой разговор).

74 года – относительно небольшой срок, но фотография, как ни странно, произвела революцию в старом медиа.

Фотография сама по себе все еще находилась в зачаточном состоянии и провела некоторые из первых лет, подражая живописи. Однако было несколько ключевых пионеров фотографии — Альфред Штеглиц (1864–1946), Эдвард Стейхен (1879–1973) и Юджин Атже, 1857–1927 (обнаруженный в последние годы своей жизни сюрреалистом Ман Рэем, который жил всего в нескольких шагах от от него).

Эти фотографы повлияют на фотографов будущего и создадут уникальную среду — не в тени друг друга.Например, уникальный взгляд и прямой подход Атже можно увидеть в объективном взгляде будущих поколений, таких как Уокер Эванс, Стивен Шор, Ли Фридлендер.

Александр Родченко нарисовал «Беспредметную композицию» — здесь нет абстрактной гитары, а есть две формы, парящие в пространстве. Прошел год после русской революции и почти в одночасье целое общество было разрушено и заменено одним из самых радикальных социальных экспериментов, когда-либо виденных. В воздухе витал оптимизм.
Новому обществу нужно новое видение. Дэвид Хокни сказал, что визуальный контроль равен силе. Люди, у которых есть власть, контролируют образы, а люди, которые контролируют образы, обладают властью. Появился новый визуальный образ нового мира, в котором графические формы представляют идеи. В середине 1920-х Александр Родченко объявил, что больше не будет рисовать, а вместо этого сосредоточится исключительно на фотографии как средстве поиска нового визуального языка. Он делал чистую фотографию, порвавшую с традициями живописи.Фотографии делались с необычных ракурсов – из-под объекта или взглядом вниз, превращая мир в формы. Его изображения имели графическое качество, которое казалось новым способом видения. Были сильные диагонали, вертикали и области графического рисунка. Картины никогда не были сделаны с этих ракурсов.

«улицы — наши кисти,

квадраты наши палитры»

Александр Родченко


Родченко считал, что эпоха живописи закончилась и вот-вот начнется новая визуальная эра.

Александр Родченко ‘Лиля Брик’ 1924

Как и Дюшан до него, Родченко отвернулся от традиции живописи и занялся фотографией и фотомонтажом.

Фотография и живопись одновременно шли в своих направлениях, но и соединялись вместе. Многие художники в то время прыгали между медиа — живописью, фотографией, фильмом, скульптурой — границы стирались. Ключевыми художниками были Ласло Махоли Надь и Ман Рэй. Джек Поллок рисует своим холстом на полу (смотреть здесь) Прошло 111 лет после анонса фотографии.Это Америка и джаз 1950-х, битники, «В дороге» Джека Керуака, Роберт Франк и его окончательные образы Америки. Мы переместили свой взор с Европы на Америку. Это связано с тем, что центр мира искусства переместился в Америку из-за того, что европейцы бежали из Европы из-за Второй мировой войны. Многое произошло после Пикассо, Дюшана и Родченко. Одним из ключевых движений был сюрреализм и его увлечение бессознательным. Джексон Поллок поставил свой холст на пол своей студии и капает краской сверху, позволяя каплям скапливаться, создавая чисто абстрактное изображение.Если это изображение чего-либо, то это следы движений и жестов Поллока — сам акт рисования. Создание любого искусства — это своего рода перформанс, а настоящий арт-объект — запись этого перформанса. Такой образ мышления мог возникнуть только из вопроса о том, что такое искусство — этот вопрос обострился 111 лет назад с объявлением о фотографии. Вы могли видеть, как Поллак перемещается по своей картине как своего рода перформанс.

Джексон Поллок ‘Осенний ритм’ 1950

«Живопись действия» Поллока подобна фотографическим экспериментам со светом Отто Штайнерта — выразительные знаки, документирующие движение человека во времени и пространстве.Образ Отто Штайнерта словно отражает творчество абстрактных экспрессионистов. Штайнерт был частью послевоенного движения, которое хотело возродить экспериментаторский и творческий дух 1920-х годов (см. Ман Рэй и Мохоли-Надь). Этот выразительный подход был остановлен с приходом к власти Гитлера в 1930-х годах, когда многие известные художники эмигрировали в Америку. В 1950-х годах он создал Fotoform для изучения этих тем (ключевые участники Тони Шнайдерс, Кристер Стромхольм (, веб-сайт ) и Питер Китман).Часто фотография рассматривается как объективное искусство, и многие великие фотографы создавали «чистые» изображения, основанные на этой философии. Штайнерт рассматривал фотографию как выразительное искусство, и его изображения имеют субъективное качество (Subjektive Fotografie).

Марк Ротко ‘Белый центр’ 1950

Марк Ротко был еще одним абстрактным экспрессионистом, создававшим крупномасштабные абстрактные изображения. Два богатых, теплых красных прямоугольника плавают и гудят под парящим земляным белым прямоугольником. Его ранние работы намного красочнее — цвета влияют на вас на внутреннем уровне.Картины имеют формальные элементы, такие как глубина, композиция, цвет и баланс. Когда вы стоите перед одной из этих работ, их размер и цвет поглощают вас. Нижнее изображение – это поздний период Ротко, созданный за год до того, как художник покончил жизнь самоубийством. Он отображает темную цветовую палитру, которую художник в основном использовал в последние годы своей жизни, период, который, как говорят, был для художника все более одиноким и изолирующим. Нет отсылки к внешнему миру, американская живопись середины ХХ века стала чем-то иным – абстрактным, масштабным и авторитетным.Это искусство можно охарактеризовать как вневременное — в изображении нет ни малейшего намека на то, что происходит в обществе. В то время абстракция была доминирующим стилем в живописи.
Jpeg-фотографии-слайда картины Марка Ротко (используется в качестве доказательства в суде)

Все это изменится. На этом этапе может показаться, что живопись победила, но если вы оглянетесь в Америку 1950-х годов, вас не окружат крутые абстрактные образы. В кинотеатрах и кинотеатрах мелькали пленки, гигантские рекламные щиты, цветные журналы и дешевые фотоаппараты «кодак», чтобы любители могли делать свои собственные снимки.Доминирующим способом создания изображений была и будет фотография.


«Через средства массовой информации и любителей фотография завладела повседневностью. Но, так глубоко проникнув в культуру, оно почти отказалось от своих притязаний на критическую дистанцию ​​искусства».
Художники отражают окружающий их мир — и вот что произошло дальше. Уорхол ‘Тройной Элвис’ 1963. Холст, акрил, тушь для шелкографии. В «Тройном Элвисе» рекламная фотография Элвиса трижды наложена методом шелкографии.Это создает визуальный прыжок, создавая движение в статичном изображении. Это также говорит о том, что знаменитость неглубока — звезды превращаются в продукты, которые зрители потребляют. Когда вы видите Уорхола во плоти, вы замечаете, что каждое изображение, напечатанное методом шелкографии, немного отличается от предыдущего. Мелкие несовершенства придают изначально механическому изображению живописность.

Энди Уорхол ‘Авария оранжевой машины’ Шелкография на холсте 1964

Очевидно, в свои последние годы Ротко будет переходить улицу, чтобы ему не пришлось видеть Энди Уорхола на улицах Нью-Йорка, где они оба жили.Ротко и Уорхол, как и Ван Гог, оба писали («Философия от А до Б» Энди Уорхола и «Философии искусства» Марка Ротко), и на их идеи стоит обратить внимание. Исчезла чистая абстракция абстрактного экспрессионизма. Вместо этого Уорхол воспевает все обыденное, повседневное, вульгарное и механическое. Бутылки из-под кока-колы, банки из-под супа, кинозвезды, реклама, газеты — все это было доступно Уорхолу. Это поп-арт — поп, потому что он популярен, или поп, потому что вы получаете его мгновенно — как рекламу.Он не рисовал эти изображения вручную — вместо этого он использовал процесс шелкографии, чтобы он мог воспроизводить изображения снова и снова. В своей серии «Автокатастрофа» он повторяет изображение, найденное в газете, снова и снова, пока оно не становится бессмысленным. Мы просто смотрим, как на экран телевизора, и позволяем реальным трагедиям стать обоями нашего мира.

«Покупать более по-американски, чем думать»


И фигурация вернулась. Не просто фигурация, а своего рода фигурация, находящаяся под влиянием господствующего ныне средства создания изображений — фотографии.

много разных способов, которыми акт рисования фотографии трансформирует ее значение и информацию, которую мы можем получить от нее.

Герхард Рихтер ‘Женщина с зонтиком’ 1964

Это картина, основанная на фотографии, не на самой жизни, а на воспроизведенном изображении. Мы многое познаем в мире через фотографии, опыт из вторых рук. Там, где когда-то художники изображали мир перед собой, потом реагировали на объявление фотографии, теперь они просто копировали с массовых изображений.Однако, если большая часть опыта приходит к нам из вторых рук, то художникам имеет смысл работать с ним.

Это не просто анонимная «Женщина с зонтиком», а переработка медийной фотографии скорбящей Джеки Кеннеди. Это почти реально, если не считать растушеванных мазков кисти Рихтера, которые могли быть дождем на объективе или изображением, увиденным плачущими горестными глазами.

Когда Уорхол и Рихтер начали использовать фотографии в качестве исходного материала, это казалось шокирующим и странным из-за предмета и их подхода к фотографии.

Вия Целминс ‘Time Magazine Cover’ 1965

Малкольм Морли ‘На палубе’ 1966 Magna холст

Ричард Эстес ‘Gordon’s Gin’ 1968, масло на доске

«Когда художник переводит изображение с одного носителя на другой, то, как оно нарисовано, так же важно, как и то, что нарисовано»

Телеграф, октябрь 2007 г.

Британский художник Фрэнсис Бэкон всю жизнь работал по чужим фотографиям. Бэкон вырос на ферме и утверждал, что редко видел изображения.Все картины, которые он видел, были репродукциями, найденными в книгах, и он ссылался на эти репродукции, а не на оригиналы, чтобы соответствовать своим картинам. Прочитайте серию интервью Дэвида Сильвестра с Бэконом здесь.

Мэрилин Минтер ‘Purple Haze’ Эмаль на металле 2005 г.

Мэрилин Минтер ‘Шагая вперед’ 2005

На эти картины явно повлияли фотографические изображения. Небольшая глубина резкости, приводящая к тому, что в фокусе находится только одна часть, является характеристикой фотографических изображений.Фигуративные картины традиционно можно рассматривать из угла в угол, потому что все находится в фокусе. Образы Мэрилин Минтер выглядят как выцветший гламурный пот поверх макияжа, веснушчатая плоть и грязные каблуки на гламурных ступнях.

Мэрилин Минтер ‘Шагая вперед’ 2005

На мой взгляд, анонс устройства, способного запечатлеть мир в мельчайших деталях, заставил художников задуматься о природе живописи, задаться вопросом, что такое образ и какова природа искусства. В результате картины изменились, создав образы, которые не могла создать камера.В конце концов художники поставили под сомнение процесс рисования, и многие перешли к другим способам работы, например к перформансу и концептуальному искусству.

Дополнительное чтение —

http://www.mocp.org/exhibitions/2005/05/painting_on_pho.php

http://www.mocp.org/uploads/PaintingPhotographyPR.pdf

http://keiseronpainting.blogspot.com/2006/11/on-painting-and-photography.html

http://www.nga.gov/exhibitions/preraphaeliteinfo.shtm

Связь между живописью и фотографией замкнулась. Теперь современные фотографы вдохновляются историей живописи или стремятся к тому, чтобы фотография воспринималась как высокое искусство.Современная фотография Тома Крейга напоминает «Купальщиц в Аньере» Жоржа Сёра 1884 года.

Жорж Сёра «Купальщицы в Аньере» 1884

Крейг обсуждает, как он имел в виду картину Сера и фотографию Анри Картье-Брессона, когда делал фотографию (см. Статью здесь). Сам Картье-Брессон изначально хотел быть художником, и его живописное использование правила третей проходит через его изображения.

Лучшее сравнение фотографии и живописи! – Picky Pens

Наш контент может иметь партнерские ссылки, которые могут привести к комиссионным за соответствующие покупки, полная информация в нашей политике конфиденциальности.

Несмотря на то, что дебаты о фотографии и живописи продолжаются уже несколько десятилетий, мы замечаем, что все больше и больше людей обращаются и задают различные вопросы о преимуществах и недостатках фотографии и живописи, когда они сталкиваются лицом к лицу. Из-за того, что так много людей просят совета между ними, мы решили опубликовать эту статью, в которой будут рассмотрены основные вопросы, которые, как мы видим, задает сообщество.

Прежде чем мы двинемся дальше, мы просто хотим сказать, что всегда будет большое количество личных мнений с обеих сторон, и мы знаем, что большое количество людей на самом деле занимаются как фотографией, так и живописью.Главный аргумент, который мы видим, заключается в том, что фотография фиксирует точный момент времени, когда художник интерпретирует его как картину. В зависимости от того, что вам нужно, оба из них можно рассматривать как преимущество или недостаток для вас, но мы рассмотрим более подробно ниже.

Мы знаем, что некоторые из наших читателей захотят прочитать только ответы на определенные вопросы в статье, поэтому ниже приводится оглавление. Просто щелкните любой из вопросов, на который вы хотите получить ответ, и вы сразу же перейдете к этому вопросу, а не просматриваете всю статью.

Фотография против живописи как искусства

И фотография, и живопись являются прекрасными формами искусства, имеющими большое количество поклонников и ряд прямых и косвенных применений в мире искусства. Хотя живопись является более традиционной для искусства из двух, подавляющее большинство художественных галерей теперь будут демонстрировать как картины, так и фотографии на выставках из-за большого количества фотографий, на которых запечатлены красивые и захватывающие дух фотографии.

Основные моменты обеих форм искусства также играют роль в их применении в качестве видов искусства, поскольку огромное количество энтузиастов искусства предпочитают уровень интерпретации, который художник имеет, когда дело доходит до картины.Тем не менее, с современным компьютерным программным обеспечением, предлагающим фотографу большой творческий вклад в конечный результат своего изображения, у фотографа теперь также есть много интерпретаций в своей работе.

Небольшое количество энтузиастов искусства предпочитает, чтобы фотография была, по крайней мере, основана на реальном изображении, которое фотограф смог запечатлеть в режиме реального времени. Тот факт, что фотография основана на сцене из реальной жизни, имеет тенденцию доносить до широких масс больше, чем интерпретация художника, хотя делает фотографии более доступными для восприятия массами, чем большинство картин.

В связи с этим, личные предпочтения и вкус будут иметь решающее значение при рассмотрении фотографии и живописи как вида искусства. Вдобавок ко всему, внутри обоих есть подниши, которые еще больше разделяют фанатов: некоторые люди предпочитают одну поднишу фотографии или рисования другим, когда дело доходит до искусства для удовольствия от просмотра.

Фотография против живописи как карьеры

В наши дни мы обычно рекомендуем нашим читателям больше склоняться к фотографии, чем к традиционной живописи, как к карьере, но у обоих есть свои преимущества и недостатки друг перед другом.Входной барьер для фотографии, как правило, намного ниже, и в наши дни у фотографов значительно больше возможностей зарабатывать деньги на своем ремесле, чем у традиционных художников.

Тем не менее, как только вы зарекомендовали себя как художник, цены, которые вы можете взимать за свои комиссионные, имеют тенденцию взлетать до небес по сравнению с тем, что может взимать художник начального или среднего уровня. С другой стороны, то же самое касается фотографов и сайтов социальных сетей, таких как Instagram, которые позволяют так легко делиться своими работами, что в наши дни также легче развивать бизнес фотографии.

Если вы настроены на рисование или рисование, то мы настоятельно рекомендуем вам как можно скорее интерградировать цифровые изображения. Учитывая, что все больше и больше комиссионных хотят получить цифровое произведение искусства, это может стать отличным способом быстро наладить бизнес в сфере живописи или рисования. В наши дни на рынке также есть несколько планшетов для рисования отличного качества , которые максимально упрощают процесс цифрового искусства.

У нас есть специальная статья о , если цифровое искусство проще, чем традиционное искусство , а также статья о , если цифровое искусство классифицируется как мошенничество или нет .Хотя примерно десятилетие назад цифровое искусство было более спорным, достижения в области технологий и переход от традиционных картин и рисунков к цифровым картинам и рисункам изменили мнение о нем, и теперь большинство художников и художников также предлагают услуги цифрового искусства.

Фотография или рисование как хобби

И фотография, и рисование могут служить вам хорошим хобби, так как огромное количество людей используют их как способ заполнить свое время. Когда дело доходит до использования фотографии или рисования в качестве хобби, в игру вступают ваши личные предпочтения в отношении того, что вам нравится делать, а не факторы, описанные выше, поскольку многие люди предпочитают иметь и то, и другое в качестве хобби.

Есть люди, которые предпочитают проводить время за рисованием, а также люди, которые предпочитают проводить время за фотографиями, поэтому, если возможно, мы рекомендуем вам хотя бы попробовать и то, и другое. К счастью, в цифровую эпоху вы обычно можете использовать бесплатные или дешевые приложения на своем смартфоне, чтобы попробовать свои силы в фотографии начального уровня и цифровом искусстве, чтобы увидеть, предпочитаете ли вы одно другому или наслаждаетесь обоими в равной степени друг с другом.

Рисовать лучше, чем фотографировать?

Хотя некоторые люди считают, что живопись лучше, чем фотография, как форма искусства, как карьера и как хобби, личные предпочтения определенно играют роль.На самом деле, в наши дни можно, вероятно, утверждать, что все больше людей считают фотографию лучше, чем рисование, особенно когда речь идет о карьере, поскольку возможности трудоустройства для фотографа начального уровня вплоть до признанного фотографа. там, где художники склонны бороться, когда начинают.

Фотография убила живопись?

Хотя фотография определенно изменила то, как люди хотят запечатлеть свои портреты и пейзажи, живопись по-прежнему очень популярна, особенно в качестве хобби, поэтому мы не считаем справедливым утверждать, что фотография убила рисование.Однако, как мы уже несколько раз упоминали выше, когда дело доходит до выбора любого варианта карьеры, фотография определенно предлагает больше возможностей, чем рисование, и мы ожидаем, что этот разрыв будет только увеличиваться по мере нашего продвижения вперед.

Является ли фотография более правдивой, чем картина или скульптура?

Одним из главных преимуществ фотографии перед картиной или скульптурой является то, что она запечатлевает момент времени именно таким, какой он есть. И живопись, и скульптура предлагают художнику большее количество интерпретаций, что может привести к ложной передаче предмета.Возьмем фразу «бородавки и все такое», которую Кромвель использовал в отношении своего художника-портретиста еще в 1824 году, чтобы гарантировать, что его художник включил в качестве примера черты его лица, которые не считались привлекательными или привлекательными.

Мы знаем, что в наши дни существует большое количество цифровых инструментов, которые позволяют быстро и легко редактировать фотографии, но есть ряд хэштегов для социальных сетей, а также онлайн-сайтов, которые показывают необработанные фотографии без какого-либо редактирования. В связи с этим мы считаем, что утверждение о том, что фотография более правдива, чем картина или скульптура, в большинстве случаев справедливо.

Сходства между живописью и фотографией

Основное сходство между живописью и фотографией заключается в том, что они оба являются отличным способом поймать момент времени, чтобы сохранить его как можно дольше. Да, живопись имеет больше интерпретаций, чем фотография, о которой говорилось выше, но оба они по-прежнему очень популярны, чтобы запечатлеть достопримечательности, виды и предметы, чтобы сохранить их для будущего.

Еще одно сходство между живописью и фотографией заключается в том, что они являются прекрасной формой творческого самовыражения как для художественных работ, так и для хобби.Если вы более творческий человек, то любой вариант может стать отличным выходом для вашего творчества, поскольку многие люди предпочитают заниматься как живописью, так и фотографией.

Преимущества сочетания фотографии и живописи

Сочетание фотографии и живописи в качестве произведения искусства, карьеры и хобби дает ряд преимуществ. Главный из них заключается в том, что он открывает то, что вы можете предложить своим потенциальным клиентам, и помогает вам быстрее развивать свой бизнес в области рисования или фотографии, предлагая обе услуги при запуске.Это, как правило, бывает редко, поскольку для достижения профессионального стандарта в любом из них обычно требуются годы с большим количеством практики, поэтому большинство людей обычно просто выбирают один или другой.

Если вы хотите совмещать фотографию и живопись или рисование в качестве хобби, то многие люди начали делать фотографии, а затем редактировать их с помощью красок или маркеров, чтобы улучшить фотографию. Популярный вариант, который хорошо зарекомендовал себя в социальных сетях, — это фотографировать известные места, а затем рисовать там необычные вещи, чтобы связать реальность и фантазию.

Заключение

На этом наша статья о различиях между фотографией и живописью подходит к концу. Мы надеемся, что наша статья оказалась для вас полезной и что мы смогли помочь вам принять решение о том, в какой форме или искусстве вы хотите двигаться дальше. Как мы уже говорили, личные предпочтения определенно будут играть роль, особенно если рассматривать любой вариант как вид искусства или как хобби. Однако, если вы хотите сделать карьеру, фотография определенно дает вам больше возможностей, чем рисование, на момент написания статьи.

Потрясающие фотографии, вдохновленные картинами для вдохновения

Ни один вид искусства не существует изолированно. От кино до фотографии и моды, каждая область искусства переплетается и заимствует у любой другой.

Этот обмен вдохновением плодотворен и естественен. Вполне логично, что один тип артиста вдохновляет другого — и часто именно тогда, когда эти жанровые границы стираются, случаются по-настоящему прекрасные вещи.

В качестве идеального примера вам достаточно взглянуть на захватывающие образы, которые создаются, когда фотографы используют свои средства для переосмысления классических картин.

Перенося идеи художника с холста в камеру, они придают им новую жизнь и измерение.

В то же время воздать должное культовым произведениям искусства — это способ сразу же захватить зрителя чувством знакомства и отзвуком эмоций, которые он испытал, увидев эти произведения искусства в первый раз.

Так что, если вы фотограф, которому не хватает вдохновения, не бойтесь брать взаймы у великих. Поэкспериментируйте со своим фотографическим стилем — попробуйте что-то уникальное и оригинальное, например, глитч-арт, или даже используйте приложение, чтобы превратить фотографию в картину.

Ознакомьтесь с приведенным ниже списком восьми современных фотографов, которые черпали вдохновение в искусстве живописи и использовали его для создания своих потрясающих фоторабот.

1. Сэр Джон Эверетт Милле и Грегори Крюдсон

Офелия — одно из самых известных произведений искусства, созданных британским художником сэром Джоном Эвереттом Милле. На картине можно увидеть одну из главных героинь пьесы Уильяма Шекспира «Гамлет». Она грациозно плывет по реке в Дании прямо перед тем, как утонуть в воде.

Картина получила неоднозначные отзывы критиков, но до сих пор считается одним из самых значительных произведений искусства середины XIX века.

Десятилетия спустя именно Грегори Крюдсон вдохновился завораживающей Офелией и воссоздал картину с современной точки зрения.

В результате получилось захватывающее дух изображение, тщательно продуманное для поддержки захватывающего повествования. Если вы поклонник этого визуального стиля, я рекомендую посмотреть «Грегори Крюдсон: Краткие встречи», документальный фильм об авторе и его видении.

2.

Густав Климт и Инге Прадер

Имя Густава Климта хорошо известно в мире искусства. Он известен своими символическими картинами, которые после его смерти в 1918 году вдохновили не одно поколение художников. В этот пиковый момент он создал то, что, вероятно, является его самой выдающейся работой: «Поцелуй».

Искрящийся свет его «Золотой фазы» стал отличным источником вдохновения для Инге Прадер, которая создала потрясающую современную интерпретацию искусства Климта.

Австрийский фотограф оживил картины, используя реальных моделей, замысловатые костюмы и грамотно подобранный красивый свет.

3. Сандро Боттичелли и Джузеппе Граделла

«Рождение Венеры» — произведение искусства итальянского художника Сандро Боттичелли, один из символов эпохи Возрождения.

На нем изображена Венера, богиня любви в римской мифологии (на самом деле она была римским аналогом греческой богини Афродиты).На картине вы можете увидеть, как она прибывает на берег вскоре после того, как родилась в море.

Эта картина, безусловно, настолько известна, что имеет множество визуальных интерпретаций разными художниками, но та, которую выбрала я, заслуживает особого внимания. Кажется, что Венера буквально помещается в машину времени и переносится в наш современный век.

Автором этого современного видения Венеры является итальянский фотограф Джузеппе Граделла. Портрет является частью его фотосерии под названием «Итальянское Возрождение».Там вы можете увидеть еще много знаменитых портретов, которые доказывают, как один вид искусства может вдохновлять другой и как их можно красиво смешивать.

4. Эдвард Хоппер и Ричард Тачман

Эдвард Хоппер, получивший широкое признание как самый значительный художник-реалист США двадцатого века, занимает особое место в сердцах многих фотографов.

Картина называется «Отель у железной дороги» и является типичным образцом его стиля — тонкого и ненавязчивого, но мощного.

Очарованный атмосферой своих работ, Ричард Тушман создал свою трибьют-фотографию под названием Hopper Meditations.

Техника, которую использует здесь фотограф, мягко говоря, впечатляет (как и результаты!). Изображения сделаны путем цифрового комбинирования диорам размером с кукольный домик с реальными моделями. Он также делится:

Наборы, которые я построил, раскрасил и сфотографировал в своей студии. Большая часть мебели стандартная для кукольного домика, но некоторые я сделала сама.Затем я сфотографировал живые модели на простом фоне и, наконец, сделал цифровую композицию в Photoshop.

5. Рене Магритт и Логан Цильмер

Когда дело доходит до тиражирования и переосмысления, бельгийский художник Рене Магритт занимает одно из первых мест. Экзистенциальные вопросы, которые он ставит вместе с его характерным минималистичным стилем, являются вдохновляющей отправной точкой для многих творческих фотографов по всему миру.

Логан Зиллмер определенно один из таких фотографов.Хотя на его творчество сильно повлиял Магритт, оно имеет свой собственный характер. Его фотографии, как правило, выглядят более ярко, с оттенком юмора и оптимизма.

Это хорошо видно на его композиционной фотографии «В поисках солнца», которая очень напоминает популярную картину Магритта «Голконда» — только на этот раз главный герой не одет в черное и не в котелке. Главный герой Зиллмера больше похож на парня, с которым можно столкнуться утром по дороге на работу, но со своеобразным заданием: найти солнце.

6. Сэр Фредерик Лейтон и Энни Лейбовиц

Пылающий июнь — так называется картина-шедевр сэра Фредерика Лейтона, созданная в 1895 году. богатство его красок.

Считается, что ее фигура вызывает параллели со спящими нимфами, а также с наядами (в греческой мифологии наяды — форма женского духа, обитающего вокруг пресной воды).

Справа от нее цветок олеандра, который ядовит, и, скорее всего, он был помещен туда, чтобы подчеркнуть хрупкую связь между сном и смертью.

Знаменитый современный фотограф, вдохнувший новую жизнь в эту неземную картину своими фотографиями, — Энни Лейбовиц. Фотография была создана специально для Vogue, и на ней запечатлена талантливая актриса Джессика Честейн (дважды номинированная на премию Оскар за лучшую женскую роль).

7. Эгон Шиле и Питер Линдберг

В этом проекте задействовано поистине звездное трио: австрийский художник Эгон Шиле, успешная американская актриса Джулианна Мур и немецкий фэшн-фотограф Питер Линдберг.

Эгон Шиле был одним из великих художников начала 20 го века. Скрученные формы тела, которые он создавал, отмеченные грубой интенсивностью и магнетизмом, сформировали его характерный художественный стиль — стиль, который оставит след в истории и привлечет внимание.

Почти через сто лет после смерти Шиле известный современный фотограф Питер Линдберг воссоздал одну из его самых почитаемых картин «Сидящая женщина с согнутым коленом».

Питер Линдберг недавно покинул наш мир, но его всегда будут помнить как одного из самых влиятельных фэшн-фотографов, вдохновившего других принять недостатки модели вместо того, чтобы стирать их кистью на этапе постобработки.

8. Фрида Кало и Фредрик Ваннерштедт

Фрида Кало — мексиканская художница, известная своими портретными работами и в основном автопортретами. На нее повлияла местная мексиканская культура, и ее картины были глубоко символичны.

Кало часто включала в свои работы повторяющиеся элементы, такие как цветы, птицы и обезьяны, которые изображались яркими яркими цветами.

Этот магический реализм оказался чистым источником вдохновения для стокгольмского фотографа Фредрика Ваннерстедта.В своей модной фотосессии он воссоздал один из самых известных автопортретов Фриды Кало.

Яркие цвета, которые он использует вместе с мистическим светом, действительно создают замечательную личную интерпретацию, которая одновременно является данью уважения, но в то же время сама по себе очень креативна.

ЖИВОПИСЬ ПРОТИВ ФОТОГРАФИИ * 10 лучших сравнений

Категория: Фотография

Вот 10 лучших сравнений Живопись и Фотография на основе нашего исследования.

1. Фотография против живописи: почему нестандартная картина… — Artupia

7 февраля 2020 г. — Фотографии призваны запечатлеть то, что «реально», тогда как картины призваны имитировать и интерпретировать. Несомненно, чтобы стать опытным фотографом, нужно (1)

.

29 июля 2013 г. — Фотография может запечатлеть реальные вещи, такие как актеры, объекты или даже фон. Картины не могут иметь точно такую ​​же функцию  (2)

12 апреля 2017 г. — Обычно фотография вытесняет живопись.Живопись сопротивляется и полна решимости не капитулировать. Вот как надо интерпретировать битву (3)

2. В чем разница между рисованием и съемкой… – Quora

15 апреля 2015 г. — Живопись — это воображение художника реальных или виртуальных вещей, в то время как фотография — это умение запечатлеть красивые реальные вещи, абстрактные или естественные вещи. 217 просмотров ·. Просмотреть 19 ответов  ·  Важнейший ответ: Как художник и фотограф, я не думаю, что есть большая разница. Что легче: фотография или живопись? – ответы Quora14, 7 октября 2014 г. Что делает картину или фотографию хорошей? – Ответы Quora19 25 сентября 2017 г. В чем разница между картинкой и ответами 17 7 мая 2015 г. Какой смысл рисовать портрет, когда ответы 17 22 октября 2016 г. Больше результатов на сайте www.quora.com (4)

Фотография может быть сделана в одно мгновение, на создание картины могут уйти годы. Удачный откровенный снимок может рассказать о внутреннем мире человека больше, чем они даже (5)

Фотография или живопись? Статья. Работа великого ямайского художника, очерк-каталог и давно покинувший группу (6)

3. Рисование против фотографии – Советы по фотографии @ Earthbound Light

22 марта 2015 г. — Наиболее часто упоминаемая разница заключается в том, что художники начинают с чистого холста, а фотографам приходится работать с тем, что они находят.Но это различие (7)

15 сентября 2017 г. — Техники создания фотографий или картин очень разные. В то время как оба требуют от художника понимания принципов композиции и (8)

4. Живопись и фотография – catherinemeyersartist

20 марта 2011 г. — Фотография запечатлевает всю сцену сразу, а затем проявляется в течение определенного периода времени в темноте. Картина начинается «невидимо», на свету  (9)

Наклейка

шокирует — и мнения — это настенное искусство — фотография против живописи.кристинекр. 10 лет назад. Мне просто было интересно узнать ваше мнение о настенном искусстве и сумме (10)

19 мая 2019 г. — Искусство само по себе должно подражать жизни. Однако художественная фотография заключается в том, чтобы видеть дальше жизни. Камера уже является совершенством средства рисования, как (11)

14 ноября 2012 г. — Камера, безусловно, является художественным инструментом, а фотографии, безусловно, могут быть произведениями искусства. Но могут ли они быть произведениями искусства того же порядка, что и картины? (12)

8 августа 2017 г. — Живопись и фотография часто считаются похожими видами художественного самовыражения.великий Картье-Брессон о противопоставлении искусства фотографии. (13)

5. Живопись по фотографиям: как преимущества перевешивают…

В этой большой статье Нэнси Тэнкерсли объясняет плюсы и минусы рисования по фотографиям. Бонус: включает справочные фотографии и (14)

30 ноября 2014 г. — Я думаю, что самая большая проблема, с которой сталкиваются фотографии, заключается в том, что творение просто кажется непрофессионалу «слишком простым» по сравнению с картиной (или (15)

).

11 октября 2010 г. — Художник берет чистый холст и заполняет его интересными вещами, хорошим светом и красивой композицией.Фотограф снимает холст уже 19 постов  ·  Мне интересно обсудить идеи, связанные с фотографией и живописью. Имеет фото (16)

6. Живопись и фотография – в фокусе | Тейт

Исследовательский проект Tate In Focus, посвященный изучению залива Пегвелл, Кент — воспоминания Уильяма Дайса о 5 октября 1858 г. ?1858–1860 гг. (17)

2004, Нью-Йорк.] Художник конструирует, фотограф раскрывает. Дрезден, живет в Дюссельдорфе.] Все фотографии гораздо важнее любой картины. (18)

11 июня 2020 г. Основное различие между картиной и картиной заключается в том, что картина — это артефакт, который изображает или записывает визуальное восприятие, а картина — это практика  (19)

Вы, конечно, можете сделать пейзаж в мастерской по фотографии. Однако это совсем другой опыт по сравнению с рисованием на улице и просмотром ваших (20)

7. Является ли фотография формой искусства? | В отличие от

Это позитивный взгляд на одно из различий между традиционным искусством и фотографией.Фотография фиксирует момент времени в его действительности, тогда как (21)

17 августа 2013 г. — Что вы предпочитаете? Живопись против. Фотография. 17 августа 2013 г. Автор: Saatchi Art. Откройте для себя нашу коллекцию картин · Откройте для себя наши  (22)

Фотореализм и связь между фотографией и живописью Изображение можно было бы сравнить с пейзажем, но с картиной никогда не было (23)

8. Картина из реальной жизни vs.Картина с фотографии …

15 апреля 2011 г. — В то время как многие художники теперь используют референсные фотографии в качестве вспомогательного средства для создания картин, другие по-прежнему предпочитают работать в стиле старых мастеров. (24)

Новые перспективы. Как я могу быть уверен?: Диалог между живописью и фотографией в современном искусстве. Мэтью Биро. (25)

28 июня 2016 г. — живопись лучше фотографии, потому что она показывает вашу душу. а не какая-то цифровая штука, которая только что-то показывает, а позволяет увидеть и пощупать (26)

9. История фотографии как изобразительного искусства — Викиверситет

7 января 2021 г. — В настоящее время фотография считается такой же формой искусства, как и любая другая, и существует множество музеев и галерей, где выставлены фотографии  (27)

28 марта 2019 г. — Фотография и живопись — два довольно популярных вида искусства. Они предоставляют художникам возможность самовыражения и дарят любителям искусства (28)

10. Художественная фотография – Википедия

Художественная фотография — это фотография, созданная в соответствии с видением фотографа как художника, использующая фотографию как средство творческого самовыражения. (29)

10 октября 2020 г. — Среди более широкого фотографического сообщества, которое охватывает десятки жанров и независимо от того, является ли что-то фотографией или ближе к царствам цифрового искусства. Это настоящие критерии, а не удаление или добавление. (30)

Любые художники могут стать коммерческими фотографами. Изобразительное искусство против. Коммерческая фотография. Установка света в фотостудии в помещении. Фотохудожники (31)

13 декабря 2019 г. — Я также прокомментировал, как можно отличить, когда что-то нарисовано по фотографии, а не с овсервации, и некоторым людям было любопытно, как это сделать.Я читал (32)

До фотографии: живопись и картины и рисунки, выполненные в полусравнении с великими формулами публичных композиций Клода. (рис. (33)

11 марта 2020 г. — Набор данных для обучения модели классификации картин и фотографий. (34)

Вам почти наверняка понадобится штатив, чтобы попрактиковаться в хороших световых фотографиях, хотя есть несколько абстрактных световых рисунков, которые вы можете делать с рук. (35)

В качестве глаголов разница между живописью и картиной заключается в том, что картина — это (краска), а картина — бумага или другая поверхность, путем рисования, рисования, печати, фотографии и т. д. Другие сравнения: в чем разница? Живопись против живописи (36)

Нацюк С.М. · 2015 — 5-2015. ЖИВОПИСЬ ПРОТИВ ФОТОГРАФИИ В. РОМАНТИКА МАГАЗИНА И. ЗАХВАТ НОВОЙ ЖЕНЩИНЫ. ЧЕРЕЗ МЕХАНИЧЕСКУЮ ЛИНЗУ. (37)

31 октября 2019 г. — Грант Фейнт / Выбор фотографа / Getty Images.Картина, сделанная по фотографии, известна как производная работа. Но это не значит, что вам (38)

Ссылки на выдержки

(1). Фотография против живописи: почему нестандартная картина… – Artupia
(2). Эпистемологический реализм: основное различие между …
(3). Живопись против фотографии | Галерея Моав – Блог
(4). В чем разница между покраской и съемкой… – Quora
(5). Живопись представляет человечество лучше, чем Фотография…
(6). Фотография противРисование? – Лондонская группа
(7). Живопись против фотографии – Советы по фотографии @ Earthbound Light
(8). Фотография против живописи – наши развлечения
(9). Живопись и фотография – catherinemeyersartist
(10). стикер шок–и мнения стены арт–фотография против …
(11). Фотограф против Художника Фотограф · Ломография
(12). «Фотографии не хватает глубины и веса […] Эта живопись…
(13). Я бросил живопись, чтобы заняться фотографией, и это видно по моему …
(14).Живопись по фотографиям: как достоинства перевешивают…
(15). Отличие фотографии от большинства других видов искусства…
(16). Живопись против фотографии | Photo.net Форумы фотографии
(17). Живопись и фотография – в фокусе | Тейт
(18). photoquotations.com ⁄ фотография против живописи
(19). Картинка против живописи — в чем разница? | Спросите разницу
(20). Пейзажная живопись против картины с фотографии
(21). Является ли фотография формой искусства? | Напротив
(22).Какой ты предпочитаешь? Живопись против. Фотография – Холст: А … ​​
(23). Фотореализм и взаимосвязь… – Радость видеть
(24). Картина из реальной жизни против картины с фотографии…
(25). Живопись и фотография | Мэтью Биро | Художественная коллекция Hallmark
(26). Дебаты: живопись лучше фотографии | Debate.org
(27). История фотографии как изобразительного искусства — Викиверситет
(28). Запечатлеть вашу сущность – фотография против живописи…
(29). Художественная фотография — Википедия
(30).Когда это перестанет быть фотографией и станет…
(31). Изобразительное искусство против. Коммерческая фотография | В чем разница
(32). Визуальное отличие живописи/рисунка по фото…
(33). живопись и изобретение фотографии – MoMA
(34). Набор данных классификации живописи и фотографии | Каггл
(35). Кинетическая светопись против световой живописи — цифровая фотография…
(36). В чем разница между картиной и картиной? | WikiDiff
(37). ЖИВОПИСЬ ПРОТИВ ФОТОГРАФИИ В… – TigerPrints
(38).Часто задаваемые вопросы об авторском праве: Могу ли я нарисовать фотографию?

Вы когда-нибудь задумывались о создании смешанной техники с вашими фотографиями?

6 сентября 2017 г.

В мире, где кажется, что все идеи уже были реализованы раньше, художники и фотографы ищут еще больше способов создания уникальных, концептуальных и привлекающих внимание работ.

В результате возросла популярность искусства смешанной техники, и творческие люди обращаются к другим формам искусства, чтобы вывести свою работу на совершенно новый уровень.Независимо от того, являетесь ли вы художником по керамике, рисовальщиком, художником или кем-то еще, вы, безусловно, можете принять тенденцию смешанной техники. Однако сегодня мы сосредоточимся на том, как фотографы могут создавать смешанные медиа-арты со своими собственными фотографиями.

Звучит интересно, правда? Продолжайте читать, чтобы узнать, как вы тоже можете начать!

Что такое искусство смешанной техники?

Чтобы полностью изучить эту тему, сначала мы должны поговорить о том, что такое искусство смешанной техники. Проще говоря, это когда произведение искусства создается с использованием различных художественных методов, поэтому художник может комбинировать свою фотографию с рисунками тушью, карандашными набросками и акварелью, чтобы создать совершенно новый и уникальный вид.Это экспериментальная форма искусства, которая создает привлекательные и многомерные работы.

Методы смешанной техники

В этом разделе мы рассмотрим множество различных художественных форм, которые вы можете комбинировать с вашей фотографией, чтобы создать желаемый вид смешанной техники. Не рекомендуется использовать их все для улучшения ваших фотографий, так как иногда простота лучше. Хорошее эмпирическое правило — сочетать 1–3 из этих техник с вашей фотографией для более сплоченной работы.

Акварель

Вы когда-нибудь видели черно-белую фотографию, украшенную цветной акварельной краской, чтобы сделать ее по-настоящему эффектной? Эта форма смешанной техники выглядит совершенно потрясающе, а мягкие, разбавленные оттенки придают вашей работе причудливый и очаровательный вид. Если вы только начинаете экспериментировать с формой искусства и немного колеблетесь, почему бы не напечатать выбранную вами фотографию на листе бумаги, убедившись, что вокруг нее достаточно свободного места? Затем возьмите кисть и начните наносить акварель вокруг изображения, чтобы сформировать сказочную рамку.

Чернила

Нанесение рисунков тушью поверх фотографии — еще одна форма смешанной техники, ставшая довольно популярной в последнее время. Вы можете легко поэкспериментировать с цветными или черными чернилами, рисуя фигуры, узоры или добавляя текст поверх фрагментов изображения. Отличный совет — распечатать несколько копий выбранной фотографии, прежде чем накладывать на нее чернила. Таким образом, если вы случайно совершите ошибку, вы сможете начать все сначала без каких-либо проблем!

Краска

Краска

отлично подходит для тех, кто хочет придать художественный вид и выделить определенные части фотографии.Вы также можете использовать его для улучшения отдельных частей фотографии или даже для полного изменения цветов. Помните, когда дело доходит до работ в смешанной технике, предела нет!

Коллаж

Если вы не чувствуете себя так уверенно с краской или тушью, как насчет того, чтобы попробовать вместо этого ножницы и клей? Художники смешанной техники также любят использовать эффект коллажа в своей работе, включая наслоение материала, бумаги или даже других фотографий. Это может придать вашей фотографии действительно интересный и многомерный стиль, превратив ее в произведение с совершенно новой концепцией.

Другие материалы

К счастью, магия смешанной техники не ограничивается этим. В конце концов, когда дело доходит до создания искусства, вряд ли есть какие-либо правила. Другим художникам нравится накладывать на свои фотографии такие элементы, как блестки, золотые звезды, наклейки, конфетти, карты, газеты и даже засушенные цветы. На самом деле, чем уникальнее материал, тем лучше! Почему бы не сесть и не провести мозговой штурм всех различных материалов, которые вы можете использовать, которые можно найти в вашем доме? Вы удивитесь, сколько разных пар вы сможете придумать!

Наши любимые художники смешанной техники

Нет ничего плохого в том, чтобы искать вдохновение у других художников смешанной техники и проводить собственное исследование, чтобы получить дополнительные идеи.Просто не забудьте придать идеям уникальность, чтобы сделать их своими, потому что никто не хочет быть обвиненным в плагиате!

Чтобы помочь вам, мы перечислили некоторых из наших любимых исполнителей смешанной техники ниже:

Вот и все — знакомство с искусством смешанной техники с вашими фотографиями! Будете ли вы экспериментировать с фотографией и смешанной техникой в ​​ближайшее время? Если это так, мы надеемся, что этот обзор пролил дополнительный свет на эту тему.

Фотография и живопись: Чем отличается живопись от фотографии?

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.

Пролистать наверх