Композиция в рисунке: Что такое композиция и почему она так важна при рисовании?

Содержание

Что такое композиция и почему она так важна при рисовании?

Рисование — сложный навык. Вам нужно изучить такие вещи, как ручное умение, техника карандаша, точность, перспектива, жест, анатомия, свет и тень … Но даже если вы являетесь мастером всего этого, даже если ваша картина имеет все эти элементы на своем месте, все равно может быть что-то с ней не так. Этот неуловимый фактор называется композицией.

Плохая композиция может разрушить воздействие даже самых отполированных произведений искусства. Тем не менее эта тема часто замалчивается на уроках рисования, и представлено лишь несколько примеров хороших и плохих композиций, оставляя все это на вашу интуицию.

В этой статье я хотела бы остановиться на более практическом подходе к композиции. Что это, собственно? Из чего это сделано? И, прежде всего, как вы можете убедиться, что ваша композиция в порядке еще до того, как вы поместите свою первую линию, вместо того, чтобы заметить это уже только после того, как все будет сделано? Продолжайте читать, и я отвечу на эти вопросы для вас!

Что такое композиция и почему это так важно?

Чтобы выразить это как можно проще, композиция — это расположение элементов, которое заставляет нас рассматривать их как единое целое. Каждая работа имеет определенную композицию. Вы либо создаете ее сознательно либо случайно, но вы не можете создать рисунок без нее.

В более практическом смысле композиция — это отношение между элементами картины. И это отношение, а не сами элементы, это первое, что мы замечаем. В то же время, это на самом деле невидимо для нас. Это похоже на скелет живого существа — вы не можете видеть кости, но они заставляют тело выглядеть таким, как оно есть. Без скелета не было бы никакой формы.

Скелет создает форму, будучи невидимым для нас.

Тем не менее, это форма, которую мы видим, и если вы попытаетесь нарисовать только форму, вы можете получить что-то неестественное. Вы можете случайно создать форму, которая выглядит правильно, но осознание влияния скелета увеличивает ваши шансы сделать все верно.

То же самое и с композицией. Вы можете попытаться угадать, как расположить элементы изображения, но вы также можете узнать, что заставляет ваше произведение выглядеть хорошо и использовать это знание в ваших собственных интересах.

Хорошая композиция — это баланс. Слишком много так же плохо, как и слишком мало. Если ваш рисунок — блюдо, композиция — это приправа. Независимо от того, сколько времени вы провели на кухне, неправильно используемые приправы могут испортить вашу работу. Но что значит «правильно»? А каковы «приправы» композиции?

Каковы элементы композиции в рисунке?


Поскольку композиция — это отношение, для этого должно быть как минимум два элемента. Это отношение между ними может быть основано на многих факторах, что делает этот вопрос настолько сложным. Давайте решать их один за другим.

Обрамление и негативное пространство


Хотя для композиции требуется как минимум два элемента, вы не можете избежать создания композиции, рисуя один элемент. Между этим элементом и фреймом всегда будет связь.

Под «рамкой» я подразумеваю не только богато орнаментированные рамки традиционных картин. Рамка — это граница рисунка. Даже если вас это совсем не волнует, рамка создается краями вашего листа бумаги или, если вы сделаете снимок, обрезкой.

Другими словами, рамка является границей между тем, что является частью рисунка, а что нет. Эта граница становится частью композиции, как только вы рисуете что-то внутри нее — это мини-вселенная вашего искусства. Когда вы показываете свое искусство кому-то, их глаза смотрят на весь кадр в целом, независимо от того, где находится фактический рисунок.

1-произведение искусства; 2-не произведение искусства

Здесь мы подходим к вопросу о негативном пространстве. На картине мы видим не только то, что рисуется, но и то, что не изображено. Область между чертежом и рамкой не является «ничем». Мы это видим, хотя сознательно это не создавалось. И даже если мы проигнорируем эту часть, это еще добавит смысл картинки и повлияет на наше восприятие ее.

Положительное место в сравнении с отрицательным пространством — когда вы его создаете, другое создается автоматически
Примеры

Здесь рисунок является крошечным по сравнению с остальной частью области картины. Зритель увидит много пространства и персонажа. На самом деле пространство — звезда этой картины! Если это то, что вы хотели, нет ничего плохого в этой композиции — это показывает незначительность персонажа, который может быть полезен. Если это не ваша цель, и вы хотели, чтобы персонаж был звездой, это ошибка.

Здесь мы имеем обратную ситуацию. Персонаж занимает почти все пространство, и в результате он становится пространством. Персонаж здесь на самом деле является художественным произведением, а не персонаж художественного произведения. Его детали становятся символами.

Здесь персонаж выглядит так, как будто он пытается оставить произведение. Зритель добирается, чтобы видеть много пустого места и персонажа, не заинтересованного в его собственном показе. Это хорошо или плохо? Опять же, это вопрос намерения.

Упражнение

Как вы можете сделать эти композиции более интересными? Подсказка: не существует единого правильного решения для каждого.

Контраст

Композицию можно объяснить, главным образом, путем сопоставления элементов. Контраст — это мера различия между ними. Это очень важно, потому что мы видим по сравнению — мы сравниваем белое пространство с темными линиями, чтобы увидеть рисунок.

Контраст делает вещи интересными, потому что это привлекает наше внимание. Он разделяет две вещи, заставляя нас смотреть на них по отдельности. Изображения внизу имеют одинаковое количество элементов, а справа — более высокий контраст. Какая композиция для вас более интересна?

Высокая контрастность позволяет быстро находить элемент, что вызывает внезапный всплеск интереса. Низкий контраст показывает вам одно и то же медленнее, с большим усилием, что приводит к смягченной реакции.

Когда вы смотрите на картинку, вы сравниваете различные возможности элементов, чтобы визуально группировать их для более быстрой реакции. Чем выше контраст, тем легче сделать такую группировку, и тем больше она себя проявляет. Есть много характеристик, которые мы можем использовать для измерения контраста:

  1. Размер (большой или маленький)
  2. Форма (острая или тупая, продолговатая или округленная)
  3. Затенение (темное или яркое)
  4. Оттенок (красный против зеленого, синий против оранжевого)
  5. Материалы (блестящие и матовые)
  6. Тема (большой плохой волк против ребенка, натюрморт vs. Движение)

Мы можем использовать все эти характеристики для создания контраста в нашей композиции. Однако, здесь есть уловка. Контраст требует баланса для работы. Слишком много разных вещей становится одним-хаосом. Слишком мало станет просто одной вещью — порядком. Чтобы достичь естественного эффекта, вам необходимо сбалансировать хаос и порядок.

1-хаос; 2-баланс; 3-й порядок

Контраст настолько силен, что имеет эволюционный смысл — он заставляет нас видеть голову льва в траве или один красный плод среди зеленых листьев. Это привлекает наше внимание к тому, что важно. И именно так вы должны использовать его в своем составе: привлечь внимание к тому, что важно.

Конечно, это означает, что вам нужно решить, что важно, и что это всего лишь фон. После этого, это просто вопрос в том, чтобы дать им противоположные характеристики. Нет необходимости использовать их все или делать все наоборот. Это все зависит от стилистического выбора: реализм не любит преувеличения, но стиль мультфильма в этом преуспевает.

Стиль Chibi использует контраст между маленьким телом и огромной головой, чтобы сделать персонажа таким же симпатичным, как ребенок.
Примеры

Каждый из этих объектов будет тусклым, если его поместить отдельно. Вместе они создают отношение, и это то, что мы видим — не два объекта, а чувство масштаба.

Здесь теряется чувство масштаба. Слишком высокий контраст приводит к хаосу, создавая грязный узор, а не сцену.

Но хаос может стать отличным фоном для важного элемента, который мы хотим показать! Если только он достаточно отличается от хаоса, это будет рассматриваться как первое, что делает фон несущественным.

Упражнение

Какие из этих композиций интересны, а какие нет? Почему?

Ритм

Мы часто говорим, что композиция — это расположение элементов — их позиция по отношению друг к другу. Но есть ли правильные и неправильные расположения? Не совсем так, но точно одно: определенные расположения имеют для нас значение.

Ритм — это визуальный снимок, который делает наш мозг. Если некоторые элементы следуют ритму, нам не нужно смотреть на них все один за другим — ряд ограждающих рельсов — это забор, «облако» листьев — это крона дерева и т.д. Но мы также берем более тонкие намеки, отделяя естественные объекты («как они должны быть») от неестественных («как их сделали»).

Ритм создает различный контраст. На этой фотографии маленький цветок привлекает наше внимание не только потому, что он мал по сравнению с большими, но и потому, что он нарушает ритм. Это превращает «ряд цветов» в «маленький цветок между большими».

Но это не только вопрос контраста. Ритм заставляет нас увидеть то, что на самом деле не было нарисовано. Ряд камней означает, что кто-то поместил их таким образом. «Облако» листьев на дереве означает, что они принадлежат одному растению. Элементы, идущие в одном направлении, означают, что они управляются одной и той же силой (будь то ветер или страх).

Это дает дополнительную информацию к изображению. И эта информация не должна быть случайной, поскольку она добавляет влияние композиции. Просто посмотрите: простой рисунок «плавающую рыбу» можно превратить в «идущую против течения», просто нарушив ритм.

Ритм (или его нарушение) не должен быть случайным. Это что-то значит — не позволяйте этому значению стоять на пути вашего намеченного сообщения.
Примеры

Сломанный ритм сломанного забора моментально привлекает наше внимание. Что случилось? Было ли это стадо сумасшедших коров или просто пьяный фермер на тракторе? История разворачивается, просто нарушая ритм.

Эта композиция — вся заключена в порядок. Здесь есть контраст по размеру, так что это интересно, но мы также видим здесь нечто большее: это на 100% искусственное и контролируемое. Все дрейфует до хаоса, но здесь кто-то останавливает эту тенденцию.

Вот такая же ситуация, когда деревья сажают люди. Эта композиция проста, но в этом предсказуемом ритме есть красота.

Упражнение

Что вам говорят эти композиции?

Фокусные точки (точки интереса)


Ваш рисунок — это не просто набор случайных линий. Они должны что-то значить, но даже самое удивительное сообщение будет прервано, если вы прочитаете его неправильно — например, когда читаете с конца.

Композицию можно использовать, чтобы побудить зрителя увидеть именно то, что мы хотим, чтобы они увидели, именно в том порядке, который мы выбрали, чтобы быть наиболее эффективным для понимания сообщения. Если вы игнорируете это, зритель может получить совершенно неправильное первое впечатление, отказавшись от художественных работ до понимания его реального значения.

Когда мы смотрим на картину, сначала мы ищем вещи, на которые нужно смотреть. Порядок поиска важен, потому что, даже если миллионные секунды потребуются, чтобы увидеть все это, в природе одна миллисекунда может быть вопросом жизни и смерти. Мы хотим убедиться, что сначала мы увидим самые важные элементы.

При планировании композиции вам нужно решить, что это за «самые важные элементы». Затем вы можете использовать контраст, чтобы выделить их, и ритм, чтобы создать путь для просмотра в определенном порядке.

Примеры

Давайте еще раз посмотрим на предыдущий пример. Все линии ведут нас к центру. Вы смотрите туда, прежде чем вы заметите дорогу или деревья. Независимо от того, что вы туда посмотрели, это будет замечено первым.

Здесь это более тонко, потому что линии ритма находятся внутри тела животного. Ваши глаза скользят по нему без всякой остановки. Это добавляет чувство движения.

Здесь контраст заставляет вас сначала взглянуть на эту большую фигуру. Затем, ища полную информацию, вы смотрите, где они ищут.

Упражнение

Что вы замечаете в первую очередь при рассмотрении этих примеров? Как двигаются ваши глаза? Почему?

Как создать интересную композицию

Теперь вы знаете, что такое композиция и как найти в ней недостатки. Но это нам ни чем не поможет, если вы закончите рисование, и только тогда обнаружите, что вы оставили слишком много негативного пространства, или ритм заставил ваш пейзаж выглядеть искусственно. Вот почему вам нужно подумать о композиции перед тем, как вы нарисуете свою первую линию.

Но как вы можете это сделать, если не уверены, что рисуете? Планы, как правило, делают все жестким и скучным, а спонтанность вообще не может быть запланирована. Посмотрим, как ее решить.

Изображения эскизов

Вам не нужно создавать готовый рисунок, чтобы судить о его композиции. Заметьте, что я не упоминал подробностей в теоретической части. Это потому, что они не имеют значения в композиции. Они видны как последняя вещь на картине, спустя много времени после того, как мы понимаем, на что мы смотрим.

Вот почему вам не нужно заканчивать рисование, чтобы увидеть, какое воздействие оно создает. Вам просто нужно увидеть рамку, контраст, ритм и фокусные точки. И это то, что вы можете набросать довольно быстро, чтобы увидеть, как элементы взаимодействуют вместе!

Мы называем этот метод рисованием эскизов. Миниатюра — это миниатюрная версия обложки, которую вы часто видите перед открытием оригинальной версии. Вы не можете увидеть какие-либо детали в миниатюре, но вы видите все, что наиболее важно для изображения.

Графика уменьшенного изображения сообщает вам, что представляет собой изображение, фактически ничего не говоря. Изображение от Как создать смазливое манипулирование фотографиями с малышом-драконами в Adobe Photoshop

Чтобы создать миниатюры, сначала нарисуйте набор рамок, которые представляют собой миниатюрные версии вашего предполагаемого фрейма (например, небольшие прямоугольники с пропорциями вашего листа бумаги). Затем зарисуйте очень общую версию вашего рисунка. Простые формы, простые силуэты, простое затенение — вот все, что вам нужно, чтобы увидеть, работает ли композиция так, как вы хотели. Вы также можете свободно экспериментировать, не теряя времени.

Обложки эскизов не должны быть чистыми, поэтому не тратьте на них слишком много времени; Просто набросайте свою идею и обсудите их все позже.

Подробнее об эскизе можно узнать здесь:

«Призрак композиции»

Трудно сохранить правильные пропорции и расстояния при рисовании в большом формате. Чтобы убедиться, что вы создаете свою композицию верно, сначала нарисуйте только ее основные элементы.

Вот как вы это сделаете: посмотрите на лист бумаги и решите, где будет внешняя граница чертежа. Нарисуйте это очень, очень легко. Затем набросайте контуры элементов внутри него, все еще очень легко. Вы должны получить рисунок «призрак» — что-то настолько тонкое, что оно почти невидимо, но этого должно быть достаточно, чтобы посмотреть, правильно ли настроена ваша композиция.

Эти строки не должны иметь ничего общего с анатомией — все дело в общих формах, которые вы увидите как первое, когда картина закончится

Правило третей

Вы, вероятно, уже слышали об этом, но я не могу пропустить это правило в статье о композиции. Есть много правил, которые вы можете использовать в этой теме, но я думаю, что правило третей является самым простым и универсальным из них.

Чтобы использовать это правило, разделите (физически или умственно) ваше изображение на три горизонтальные части и три вертикальные части. Точки пересечения линий, согласно правилу, являются естественными фокальными точками для наших глаз. Разместите там самые важные элементы — элементы, на которые вы хотите, чтобы люди смотрели в первую очередь.

Еще лучше, если элементы действительно близки к этим точкам, а не точно в них. Повышение непредсказуемости делает рисунок еще более интересным.

Это правило также говорит нам, какие композиции следует избегать. Например, использование «правила половин» достаточно интуитивно, но его композиции в лучшем случае неинтересны и в худшем случае визуально сбивают с толку.

Та же композиция может быть легко улучшена, просто перемещая фокусные точки немного в сторону/вверх/вниз.

Обложки книг часто используют правило третей в своих интересах. Вы можете узнать, как создать те, которые приведены ниже в наших уроках:

Присвоение весов элементам изображения


Есть много факторов, влияющих на состав. Как вы можете управлять ими всеми? Вы можете использовать метафорические весы, чтобы взвесить их.

В композиции есть три основных типа веса: отрицательное пространство, положительное пространство и координационные центры. Положительное пространство — это фактический рисунок. Отрицательное пространство — область вне рисунка (это не должно быть пустое пространство — это может быть просто небо). Фокальные точки — это те части, на которые вы хотите, чтобы люди смотрели.

Интересная композиция основана на балансе между этими весами. Этот баланс также имеет много оттенков, все основаны на элементах контраста. В «линейном» рисунке вы больше всего заботитесь о размере. Если вы используете оттенки, затенение будет еще более важным.

Посмотрим, как это сделать. Здесь у нас есть один элемент, помещенный в фокус, описываемый правилом третей. Композиция несбалансирована, потому что это всего лишь один маленький элемент в сравнении с огромным пустым пространством. Позитивное пространство и фокус здесь одинаковы.

Добавление другого подобного элемента в любой из других фокальных точек не решит ситуацию, поскольку она блокирует зрителя внутри центральной области, описанной координационными центрами. Поэтому создается скучная центральная композиция.

Чтобы сбалансировать негативное пространство, лучше сделать его чуть менее негативным. Отдельное отрицательное и положительное место где-то близко к фокусам правила третей.

Когда положительное пространство перевешивает отрицательное пространство, негативное пространство может стать фокусом.

Любой элемент контраста может использоваться для баланса композиции. Фактически, вся эта деловая сбалансированность заключается в достижении надлежащего уровня контраста. Чтобы сделать его более интуитивным, подумайте о низкой контрастности в качестве фона и добавьте что-то контрастное, чтобы сделать композицию законченной.

Здесь баланс создается путем нарушения ритма.

Перспектива

Композиция — это отношение элементов, но есть один элемент за рамкой — зритель. Если вы включите их в свой состав, вы достигнете другого, более глубокого уровня отношений.

Когда зрители смотрят на изображение, они могут увидеть себя там — им просто нужны некоторые намеки от вас, чтобы найти их положение. Перспектива может помочь вам здесь. Хитрость заключается в том, чтобы поставить что-то близко к «камере», чтобы подчеркнуть ее положение.

Чем ближе что-то к нам, тем оно больше. Так что если в вашем составе есть огромная версия чего-то обычного нормального размера, это означает, что она близка к зрителю. Все остальное далеко от них, что создает ощущение глубины.

Перспектива также может улучшить композицию, если вы включите какой-либо масштабный индикатор. Самый яркий из них — человеческий силуэт, но для этой цели вы также можете использовать животных или деревья. Если вы сделаете все правильно, масштаб станет еще одним элементом вашей композиции.

Использование зеркала

Даже когда вы все знаете о композиции, легко потерять ее смысл после нескольких часов работы над одним и тем же произведением. Вы только начинаете видеть это как «то, что я видел раньше», и вы не чувствуете, что кто-то видит его в первый раз.

Чтобы получить больше расстояния и новый взгляд, вам нужно время от времени менять свою точку зрения, чтобы заставить ваш мозг переналаживаться. В цифровом искусстве проще всего перевернуть изображение по горизонтали. В традиционном искусстве вы можете вращать лист бумаги или использовать зеркало. Делайте это часто, чтобы сохранить ваш взгляд свежим.

Перевернутое представление становится новой композицией для вашего мозга.

Обрезка изображения

После того, как вы закончите картину, если что-то не так, вы можете сделать еще одно последнее изменение. Изменив рамку — ее размер или пропорции — вы можете перестроить фокальные точки и значительно улучшить композицию.

В цифровом искусстве вы всегда можете использовать инструмент кадрирования. В традиционном искусстве вы можете использовать служебный нож, сделать правильную обрезку при фотографировании обложки или использовать рамку, которая добавит негативное пространство, покрывая части, которые вы не хотите видеть.

Одна и та же картина может иметь разные значения в зависимости от используемой вами обрезки.

Расширение вашей интуиции

Теория — это теория, но в конце концов все эти знания должны стать частью вашей интуиции — то, что вы можете использовать, не думая. Чтобы расширить свою интуицию, добавьте еще один шаг к вашей оценке художественных работ. Попытайтесь понять, почему это выглядит так хорошо, найдите элементы композиции и попытайтесь угадать, какое решение художник должен был сделать.

Интуиция также может быть расширена просто благодаря искусству. Таким образом, вы будете сравнивать ваши композиции со всем тем, что вы видели, даже не осознавая, что вы это делаете. Однако лучше всего сочетать интуицию со знанием.

Заключение

Объяснив все эти правила, я должна добавить самое важное: в искусстве нет правил. Нам нравятся определенные образы, определенные композиции, и мы не всегда знаем почему. Художники пытаются создать некоторые эмпирические правила, которые будут полезны большую часть времени, но в конце вы можете нарисовать фантастическое произведение искусства, просто разбив их все.

Вы можете использовать правила композиции, чтобы узнать, что не так с вашей картиной, но они не скажут вам точно, как сделать все правильно. Экспериментируйте, держите свои глаза открытыми и создавайте сердцем. Не бойтесь делать ошибки — вы тоже можете учиться у них!

Что Такое Композиция Рисунка

Продолжаем знакомить вас с основными терминами, которые необходимо знать каждому начинающему художнику.

У слова композиция есть несколько значений. Но нам нужно следующее.

Компози́ция (от лат. compositio «складывание, соединение, сочетание») — соотношение и взаимное расположение объектов на рисунке или картине.

Оптимально составленная композиция делает картину гармоничной и выделяет её на фоне других.Размещение объектов на рисунке сильно влияет на восприятие зрителем изображения в целом.

Следуйте этим советам, и ваша картина получится живописной, красивой и оригинальной.

Советы по построению композиции:

1. Избегайте деления картины ровно пополам. Старайтесь располагать высокие объекты сбоку.

2. Размещайте линию горизонта выше или ниже середины листа.

3. Рисуйте под углом одинаковые объекты по обе стороны центральной линии или вдоль горизонта, например уличные фонари. В противном случае картина получится неинтересной и посредственной.

4. Используйте правило Золотого сечения.

Фото с tehnika-risunka.ru

Когда длина линии равняется сумме двух эвклидовых чисел (предположим, 5 + 8 = 13), и линия разделена на аналогичные отрезки (в данном случае, на 5 и 8), то соотношение меньшего отрезка к большему (5:8) будет равняться соотношению большей части к целому (8:13).

На известной картине И. И. Шишкина «Корабельная роща» (1898 г.) явно видны мотивы золотого сечения. Сосна на переднем плане ярко освещена солнцем и делит картину по золотому сечению. Справа от сосны — освещенный солнцем пригорок. Он делит по золотому сечению правую часть картины по горизонтали.

Благодаря золотому сечению художнику удалось передать спокойствие и гармонию природу через картину.

Яркими примерами удачной композиции являются натюрморты выдающихся художников.

Натюрморт. Цветы. 1953 Холст, масло, 135 х 181. Автор: Петр Петрович Кончаловский (1876—1956). Картина выставлена в Симферопольском художественном музее.

“Яблоки и листья”, Илья Репин, 1879 г., Русский музей.

“Этюд с медалями Марии Исаковой”, Анатолий Никич-Криличевский, 1951 г.


Как нарисуем, так и будет!

Всегда ваши, Рисовашки.

Живопись, рисунок, композиция в новой экспозиции картин выпускников школы. — Детская школа искусств №16

Как мы уже писали, с начала ноября наша школа демонстрирует новую экспозицию картин будущих выпускников этого учебного года.

Цель выставки- показать работы ребят, те техники и навыки, с которыми они подходят к своему выпуску. На выставке представлена малая часть того, что они делали за годы своего обучения.

И сейчас мы хотим рассказать о живописи, рисунке и композиции, представленных на выставке.

Одна часть работ направлена на обеспечение технических навыков: глазомер, точность передачи форм, перспектива, передача цветовых отношений, работа на фактуры и пятна.

Другая часть- картины,где реализуется творческий потенциал, где самое главное выразительность, раскрепощение воображения ребенка. Примеры таких заданий — станковые композиции.


Композиции и рисунки выполнены разными техниками:

  • графика тушью, маркерами;
  • работы, где используется всего 3 цвета и их оттенки.

Эти работы сложны тем, что кроме сюжета, перед учеником стоит задача выбора стилистического решения, композиционного, цветового. 

На выставке можно увидеть работы, разные по времени исполнения: короткие и длительные, в которых отрабатываются работа с цветом и пространством (свет-тень), формой и плоскостью, и т.п.

Помимо натюрмортов, на которых отрабатываются технические навыки, преподаватели дают творческие темы для живописи: война, город, сцена из какого-либо произведения.

И с каждым разом, по работам ребят видно, как они набираются опыта и уверенности в своих силах.

В старших классах ученики рисуют портреты друг друга. Умение выстраивать форму лица, сохранять индивидуальность отрабатывается в портретах и набросках, без карандаша или без предварительного рисунка, сразу тоном (техника работы цветовым пятном).

Умению рисовать голову на занятиях уделяется достаточно много внимания для того, чтобы при поступлении в ВУЗ им было легче.

Приглашаем Вас посетить нашу выставку.

Композиция в живописи – правила построения | Ogivitel-ART

Создание любого художественного произведения начинается с композиции, которая строится по законам визуального восприятия и является основой изображения. Композиция (от латинского compositio – соединение, сочетание, связывание) – одна из главных категорий изобразительного искусства, определяющая художественную форму и задающая разработку картины, рисунка, иллюстрации в соответствии с тем, как человеческий глаз воспринимает действительность.

 

Композиция представляет собой костяк («скелет») произведения, отвечающий за грамотное размещение объектов в пространстве, правильное соотношение их размеров и конфигураций, а также гармоничное сочетание оттенков и светотеней. Соблюдение композиционных правил и законов является одним из главных секретов целостной и завершенной картины, в которой все элементы взаимосвязаны и подчинены единой идее. Но прежде, чем рассказать о правилах создания композиции, небольшой экскурс в историю.

История композиции

Понятие «композиция» вошло в терминологию изобразительного искусства в эпоху Возрождения (Ренессанса), когда художники при создании произведений начали использовать знания перспективы, геометрии и анатомии. Старые мастера вне зависимости от того, в каком жанре работали, старались выразить и донести до зрителя свою идею за счет целостности рисунка, единства сюжета и колорита.

 

Важно! Если вы строите композицию, базирующуюся на готовом произведении (делаете копию), важно вести работу «от пятна». Необходимо увидеть, где располагаются тени, света и полутона и уложить их на «свои места» в созданную на основе геометрических фигур конструкцию. Здесь мы именно учимся у великих и приспосабливаем наш глаз и мышление строить сложные композиции. Подробнее об этом рассказывается в видео (на примере рисунка)«В чем заключается проработка пятна, и как она помогает исправить ошибки в рисунке».

 

Для ренессанса характерны трехмерность, глубина пространства, трехъярусное расположение пейзажа, принципы ритмичности, чередования горизонталей и вертикалей. В работах художников периода раннего Возрождения можно увидеть приемы противопоставления персонажей на основе контраста (например, «Поцелуй Иуды» Джотто). Огромную роль в формирование композиционных законов внес Леонардо да Винчи, введя в практику понятия линейной и воздушной перспективы. В этот период художники впервые стали передавать статику и динамику, размещать ближние и дальние объекты так, как их воспринимает человеческий глаз.

 

В картинах художников, работавших в эпоху Барокко, появляется еще больше динамизма, для персонажей характерно сложное движение, из-за которого композиция теряет «устойчивость». Барочная живопись изобилует темными цветами, а освещенные предметы не имеют строгих очертаний, как в ренессансе. Для построения композиционных структур используются приемы восходящей и нисходящей диагонали, движение по спирали и усложненные ракурсы, в частности, перевернутые фигуры и нарочито большие по отношению к размеру холста фигуры.

Структурная основа художественных произведений классицизма характеризуется простотой и сдержанностью цветовой гаммы. На все виды искусства того времени, в том числе и на композиционные построения в живописи, большое влияние оказывает театр. Принцип организации художественного произведения в классицизме напоминает макет сцены, когда главные герои располагаются на втором плане, а первый и дальний виды служат для отображения второстепенных объектов. Распространенными композиционными построениями являются «треугольник», «квадрат» и «прямоугольник».

В эпоху Романтизма и Реализма по композиции создаются учебные пособия, она вводится в образовательную программу как отдельная дисциплина. Ориентируясь на суммарный опыт прошлых периодов, художники уделяют большое внимание принципам и приемам: обобщения, «осевых линий», уравновешивания тонов и пятен, характера формата. В эпоху романтизма и реализма при создании художественных произведений применяются законы начертательной геометрии и теории теней.

Приход импрессионизма, модернизма и авангардизма приводит к утрате композиционной целостности. Художники оставляют за собой право экспериментировать и писать картины на основе теории цвета, собственного видения мира и формальных композиционных решений. На смену классическо-академической композиции приходят абстрактные композиционные структуры.

Правила построения композиции

Существует 2 вида композиционных структур – статичная и динамичная. Первая передает ощущение равновесия, покоя и умиротворенности, вторая показывает движение, включая эмоции и стихии.

 

Принцип создания статики и динамики основывается на отклонении угла объекта от вертикали и горизонтали. Чем больше в предметах вертикальных и горизонталей линий, тем статичней композиция, и наоборот. Статика и динамика проявляется также в симметричном и ассиметричном расположении объектов по отношению друг к другу.

Что такое композиционный центр и как его выделять

Одной из основных задач художника является определение композиционного центра – главного объекта произведения, на который должен быть устремлен взор наблюдателя. Существует несколько способов, позволяющих строить композицию таким образом, чтобы зритель в первую очередь обратил внимание на ту или иную часть картины:

  • отличие габаритов главного и второстепенных объектов;
  • использование многоплановости;
  • задействование направляющих;
  • применение контраста.

Главный объект произведения чаще всего изображается самым большим, потому что крупные элементы привлекают внимание сразу, и только потом зритель переходит к рассмотрению мелких. Исключением являются изображения, где все предметы большие и лишь маленький. Он обычно расположен на переднем плане и играет роль своеобразного «крючка», заставляющего зрительно обращаться к нему снова и снова.

 

Используя многоплановость, художник может создать глубину пространства, выдвинув композиционный центр на передний план, а другие объекты разместить на заднем или наоборот. При этом следует учитывать, что главный элемент должен быть единственным в пространственной плоскости. Для обозначения композиционного центра также используют метод направляющих, в качестве которых выступают объекты картины. Достигается это различными способами, например указанием динамики движения вспомогательных предметов к основному или обращение взоров второстепенных персонажей к главному.

Контрастный композиционный центр в свою очередь базируется на разнице между темным и светлым тонами. Другими словами, главный объект композиции должен быть либо сильно темнее, либо значительно светлее второстепенных. При использовании этого приема следует учитывать, что темная заливка визуально уменьшает, а светлая – увеличивает предмет. А в этом видео на примере ведения работы по технологии оптических просветов показано, к чему может привести нарушение правил построения композиции. Что получается, когда композиционный центр «проваливается» и хаотически перемешивается с второстепенными объектами.

Правила построения композиции

Теперь, когда вы знаете, как создается статика и динамика, и какими способами можно привлечь внимание к главному объекту картины, можно поговорить о правилах гармоничной композиции.

Правило «золотого сечения»

«Золотое сечение» – это разновидность геометрической пропорции, когда отношение целого к большей части равняется отношению большей части к меньшей в соотношении 0,618 к 0,382 или 62% и 38%. Существует 2 способа построения структуры будущей композиции – спиралевидный (логарифмический) и диагональный.

 

Логарифмическое «золотое сечение» получило такое название из-за последовательности «вложенных» друг в друга прямоугольников, стороны которых относятся друг к другу как 0,618 к 0,382. Для создания композиции строить прямоугольники не обязательно, достаточно карандашом прорисовать спираль, на которой будут располагаться объекты по убыванию размеров – в начале спирали самые большие, в конце – самые маленькие.

 

Диагональное «золотое сечение» чаще всего используется для размещения разнотипных объектов. Для создания композиционной оболочки необходимо нарисовать прямоугольник и провести диагональ. Затем к диагонали из вершины геометрической фигуры прочертить перпендикуляр, разбивающий ее на отрезки в соотношении 62% и 38%. Получатся 3 треугольника разных размеров, в которых будут располагаться значимые объекты будущей композиции.

Конструкция может быть и произвольной – главное, чтобы она была удобной и позволяла грамотно распределить важные элементы изображения и соблюсти правильные пропорции. Как определить значимые объекты и создать тематический «каркас», и какие ошибки могут возникать, если пренебречь построением конструкции, рассказывается в видео, посвященном работе над рисунком по технологии оптических просветов.

Правило третей

Является упрощенной версией «золотого сечения» и заключается в разбиении плоскости на 9 равных прямоугольников. Если в композиционный центр входит один объект, то его (объект) следует расположить в центральном прямоугольнике ближе к одной из вертикальных сторон. Если значимых элементов несколько, они размещаются в вершинах прямоугольников, а линия горизонта обычно располагается на одной из горизонтальных линий. Правило третей подходит как для создания симметричной, так и ассиметричной композиции.

Как правильно строить композицию и вести работу «от пятна». Почему следует отказаться от штриховки в рисунке и каким образом создается воздушная перспектива. Как сделать изображение объемным и добиться тонкой игры полутонов. При каких условиях гармоничные оттенки рождались сами собой, и за счет чего в картине возникает внутреннее свечение. Эти и многие другие нюансы технологии оптических просветов, основанной на технике Старых мастеров, вы узнаете из книги, скачать которую можно по этой ссылке.

Вконтакте

Facebook

Twitter

Одноклассники

Основы композиции в живописи ♥ Рисунки карандашом поэтапно

Рубрика: Натюрморт

Композиция в рисунке – полезная штуковина, знаете ли. Поэтому сейчас мы поговорим именно об этом. Во многом восприятие картины «делает» именно композиция, то есть то, как и что вы располагаете на пространстве листа и насколько гармонично оно смотрится.

Само слово – композиция – переводится как «сочинять» или «составлять», понимаете, что имеется ввиду? Способность из кучки совершенно разных предметов создать некое целое – приятную глазу картинку.

А теперь немного про разновидности композиции – так, чисто для общего развития. Значит, их существует несколько:

  1. Станковая композиция (графика, скульптура и живопись)
  2. Декоративная (наброски росписей на тканях, по дереву и стеклу, а также керамика и резьба)
  3. Монументально-декоративная (мозаика, панно, витражи)
  4. Монументально-скульптурная
  5. Театрально-декорационная
  6. Объемно-пространственная (архитектурные строения, дизайн интерьера и экстерьера)

Далее о составляющих самого процесса композиции в рисунке – чтобы решить определенную композиционную задачку, нужно помнить о:

a)      Масштабе пропорций

b)      Соразмерности предметов, равновесии

c)      Теме композиции

d)     Сюжете и образе

e)      О тонах

f)       Форме и объемах

g)      О конструкции и перспективе

h)      Симметрии

i)        Контрасте

j)        Ритме

k)      Динамике и статике изображения

l)        Целостности предметов

m)    Выразительности и гармонии.

Компоновка композиции в рисунке

Вот ведь списочек вышел, правда? И обо всем этом надо помнить. Следующим этапом нашего изучения будет искусство компоновки композиции в рисунке (вот не надо пугаться, если вы уже преодолели предыдущие главы, то это не страшно).

Выразительными можно назвать такие композиции, на которые смотришь и понимаешь – перфекто. Все идеально: соединение различных цветов не корежит глаз, да и размеры изображенного соответствуют нужным. И здесь тоже нужно развитие определенного чувства, композиционного видения, чутья, так сказать.

Чтобы вытащить это чутье из недр ваших чувств (я знаю, она где-то там, между «что происходило 17 декабря  какого-то там года» и  «в чем смысл существования инфузории туфельки») можно заняться полезными упражнениями.

Марш на балкон (и не важно, тепло там или холодно) и гляньте вниз: там непременно должно быть нечто (вроде песочницы на детской площадке или собачки, задумавшейся о чем-то возле очередного кустика, или ее хозяина, сонно ошивающегося неподалеку… да даже не в меру  наглого воробья, тырящего семечки у бабушек!), что могло бы украсть ваше внимание.

Сосредоточьтесь на этом «нечто», но при этом постарайтесь сравнить его со всем, что его окружает – таким образом Вы определите его правильное и наиболее гармоничное окружение. Хотите, открою секрет? Нет?.. Ну, ладно, уговорили: подобные упражнения столь же эффективны на балконе, как и в любом другом месте (даже в особых местах для размышлений, вроде ванной, если, конечно, у вас там есть что компонировать).

А вот вам еще пара разновидностей одного и того же приемчика для развития вашей ленивой композиционной чуйки. Пятнышко самого разного происхождения всегда можно ограничить рамочкой – расстояние между рамкой и пятнышком на ваш вкус, но не забывайте учитывать его форму и размер.

Также есть «развивалка» с использованием воображения: представьте себе что-нибудь одно и вставьте его в такую же мысленно представленную рамку. Или наоборот: сначала рамку, а в нее уже предмет. После того, как вам эти задачки покажутся легче, чем вынимать конфетку из обертки, то можете переходить к усложненному варианту: например, вписывать в воображаемую рамку уже несколько воображаемых предметов.

После коротких разминок перейдем к более серьезному процессу, а именно — к приведению и разбору (не ждите алгоритмов-призраков, имелось в виду всего лишь перечень того, что есть в нем) алгоритма работы над композицией во время создания рисунка:

  1. Для начала, первым пунктом вытащим на свет божий основные цели (то есть сам смысл композиции)
  2. Вторым пунктом, нужно выбрать верную точку зрения, наиболее подходящую. Для этого стоит осмотреть ее (композицию) с разных сторон, под разными углами и разным освещением. Также лучше понять ее конфигурацию, вычислить наиболее выгодное расстояние между предметами в ней и соответствие их размеров друг другу. Безусловно, на это может уйти немало времени, но… Рим ведь тоже не сразу строился.
  3. Теперь более очевидное действие: нужно согласовать размеры выбранных предметов для композиции и уже соответственно к ним располагать листик: или горизонтально, или вертикально (или вообще диагонально – у кого как)
  4. Далее разместим предметы композиции и как-то сделаем их наиболее природно выглядящими на бумаге. Для этого можно сделать большую кучку набросков в разных расположениях выбранных предметов. Плюс, при создании эскиза нужно сразу намечать верхние, нижние, крайние боковые точки, ведь с пространством тоже могут быть проблемы: к примеру, нельзя чтобы композиция «вылазила» за пределы, но и нельзя, чтобы она терялась в пустом пространстве.
  5. Найдите основу, центр, на котором будет сосредоточено внимание в нашей композиции. И тут поговорим о главном: о различии между композиционным центром и зрительным. Значится, что касается композиционного – то это серединка группы предметов в ограниченном зрительном поле. А зрительный центр – это тот участок конкретного предмета, который больше всего бросается в глаза. Бывает так, что эти два центра вот ни капельки не совпадают.
  6. Давайте вспомним о пропорциях (тех самых занудно-математических), перспективном соотношении и, собственно, характере предметов и с помощью этого всего их построим – на бумаге разумеется.
  7. А теперь добавим объема, применяя светотень.
  8. И, наконец, финал (стоп, отплясывать рано – финал только в алгоритме, не в обучении): подправляем и тем самым завершаем работу над композицией.

Следующий раздел: Как рисовать портрет

Прошу тебя, проголосуй!

Загрузка…

Основы композиции в дизайне и рисунке

Время прочтения: 3 мин.

Если нет времени читать,
то отправь на свою почту Композиция важна не только в дизайне, но и во всех видах изобразительного искусства – живописи, скульптуре, графике. В веб-дизайне, например, правильная композиция – это оптимальное и целесообразное взаиморасположение всех компонентов сайта на мониторе, позволяющее наиболее полно отобразить их содержание. Композицию следует продумывать таким образом, чтобы из всех элементов дизайна складывалась единая картина, создающая впечатление целостности. Чтобы композиция была удачной, художник расставляет ключевые объекты в центр внимания зрителя. В этом дизайнеру помогают такие инструменты, как ракурс, контраст, цвет, форма, свет, ритм, симметрия и асимметрия, иные техники. Владея принципами композиции, разработчик проекта может выделить определенный блок на странице сайта, подтолкнуть посетителя выполнить целевое действие: нажать нужную кнопку, перейти на следующую страницу и прочее. То есть правильная композиция – это не только красивая картинка, но и функционально эффективный ресурс. Ребята, проходящие обучение по программе «Основы дизайна», знакомятся с самыми важными элементами и законами композиции.

Основы композиции и ее особенности

Центр композиции

Следует понимать отличие композиционного центра от геометрического. Если на экране или бумаге провести две диагонали, мы определим геометрический центр, который находится в месте их пересечения. Любое изображение, расположенное в данной точке, смотрится выигрышно. В композиционном центре помещают самый важный предмет, идею или событие, но он не обязательно будет находиться в точке геометрического центра, он может быть смещен. Автор привлекает внимание к центру композиции с помощью размера или формы главного объекта, более яркого цвета, контраста тени и света. Художник может также сместить центр композиции, чтобы придать динамичность сюжету.

Динамика и статика

В зависимости от задач, которые стоят перед автором, он выбирает динамичный либо статичный вид композиции. Предметы, стоящие на ровной плоскости, перпендикулярные полу оси симметрии создают ощущение стабильности, покоя. Смещенный центр композиции, наклон относительно горизонта придают изображению динамику, создают своего рода интригу.

Симметричная и асимметричная композиция

Симметрия – это равномерное распределение предметов относительно геометрического центра. Такая организация пространства «понятна» для человека, «удобна» для восприятия. Симметрия может быть осевой либо зеркальной, винтовой, зеркально-осевой и прочее. Асимметрия – отсутствие равномерности в расположении предметов. Такая композиция должна быть чем-то уравновешена, например, применением противоположных размеров, контрастных тонов, света и тени. Хотя мозг человека лучше воспринимает симметрично организованное пространство, иногда асимметрия бывает весьма эффектна и производит сильное впечатление на зрителя.

Ритм

Такое, казалось бы, чисто музыкальное понятие играет важную роль и в изобразительном искусстве. В композиции ритм – это повторяемость тождественных элементов и промежутков между ними. Данные повторы могут быть равномерными или меняющимися: нарастающими и убывающими.

Правило золотого сечения

Золотым сечением называют такое соотношение изображаемых элементов, при котором размер целого относится к большему элементу так же, как больший к меньшему. Эти пропорции используют как среднюю норму, характеризующую неодинаковость между предметами или их частями, контраст, заметный для взгляда человека.

Закон трехкомпонентности

Для убедительного выражения разнообразия признаков необходимо и достаточно предоставить три степени данного признака. Например, три размера – большой, маленький, средний; три положения – вертикальное, горизонтальное, наклонное. Три возраста: юный, старый, средних лет; три степени освещенности – тень, полутень, свет и так далее. Рисуя контрастные элементы, автор усиливает их противоположные характеристики, если рядом расположены похожие друг на друга предметы, их характеристики смягчаются, нивелируются. Так работает закон контраста в дизайне.

Приглашаем в Школу дизайна

Основы дизайна в графике Основы дизайн-проектирования
Дизайн-выбор профессии для школьников 8-9 классов

Плановость

Чтобы картина получила глубину пространства, художник делит изображение на ближний, средний и дальний планы. Особенно наглядна плановость в пейзажах с воздушной перспективой. Дальний план придает изображению общий тон и свет; объекты, здесь расположенные, выполняются в спокойных, приглушенных тонах, имеют низкую контрастность. На средний план обычно художник помещает основной объект, который рисует самыми чистыми красками, четкими формами. Ближний план служит картине естественным обрамлением, объединяя сюжет произведения. Предметы на ближнем плане более холодные, темные, отличаются высоким уровнем контрастности.

Силуэт

Результат художественного творчества будет особенно удачным, когда художник умело пользуется таким средством, как силуэт, то есть плоскостное однотонное изображение. Несмотря на очевидную двухмерность этого элемента, зритель может воспринимать его как трехмерный. Талант художника состоит в умении передавать не только форму, но и объем, настроение, нюансы движения. Владея всеми элементами, участвующими в создании композиции, художник выполняет самые сложные творческие работы, которые производят незабываемые художественные впечатления, радуют зрителя красотой и образностью.

Понравилось? Поделитесь с друзьями!

Большой базовый курс: рисунок, живопись, композиция

Вводное занятие: основные термины рисунка, их значение, что такое академический рисунок, что такое построение, с чего оно начинается, построение куба, шара, цилиндра, призмы. Формат работы А3 (2 шт).

Конструктивный рисунок постановки из геометрических фигур. Что такое конструктивный рисунок, его особенности и выразительные приёмы. Освоение упражнений, направленных на постановку руки и проведение ровных выразительных линий. Формат работы А3.

Конструктивный рисунок натюрморта. Особенности конструктивного изображения сложных предметов. Использование стирательной резинки в качестве активного инструмента рисования. Формат работы А3.

Тональный рисунок постановки из геометрических фигур. Особенности тонального рисунка, его отличие от конструктивного рисунка. Освоение упражнений, направленных на овладение академической штриховкой. Особенности штрихования различных поверхностей. Формат работы А3.

Тональный рисунок натюрморта. Изучения понятия «тон». Тональный разбор постановки. Особенности изображения различных материалов: стекла, дерева, ткани и т.д. Формат работы А3.

ПРОДОЛЖЕНИЕ: тональный рисунок натюрморта.

Конструктивный рисунок головы с элементами тона. Основы изображения гипсовой головы (на примере головы Дианы). Формат работы А3.

ПРОДОЛЖЕНИЕ: конструктивный рисунок головы с элементами тона.

Вводное занятие по живописи. Основные знания, умения и навыки при работе с цветом в живописи: смешение цветов, обмен цветовыми рефлексами, взаимосвязь цвета освещения и тени, передача пространства при помощи цвета, колорит картины. Формат работ А 4 (6 шт), акварель, гуашь.

Простой натюрморт в акварели. Основные приемы работы в акварели и технология написания картины. Рисование простой постановки из трех предметов (цилиндрической, кубической и круглой формы), наложение мазка на различную поверхность, передача объема, пространства и материальности объектов при помощи цвета. Формат работы А 4.

Натюрморт в акварели. Написание вертикальной постановки из 5 предметов с теплым боковым освещением. Передача объема, пространства, материальности (стекло, ткань, дерево, керамика и т.д.). Применение на практике знаний о взаимосвязи цвета освещения и тени, рефлексах, перспективе и общем колорите картины. Отработка приемов работы в акварельной технике акварель. Формат работы А2.

Натюрморт в акварели. Написание горизонтальной постановки из 7 предметов с холодным боковым освещением. Передача объема, пространства, материальности (стекло, ткань, дерево, керамика и т.д.). Применение на практике знаний о взаимосвязи цвета освещения и тени, рефлексах, перспективе и общем колорите картины. Отработка приемов работы в технике акварель. Формат работы А2.

ПРОДОЛЖЕНИЕ: натюрморт акварелью.

Натюрморт гуашью. Написание горизонтальной постановки из 5 предметов с теплым боковым освещением в сдержанной гамме. Передача объема, пространства, материальности (стекло, ткань, дерево, керамика и т.д.). Применение на практике знаний о взаимосвязи цвета освещения и тени, рефлексах, перспективе и общем колорите картины. Отработка приемов работы гуашью. Формат работы А2.

ПРОДОЛЖЕНИЕ: натюрморт гуашью.

Натюрморт гуашью. Написание вертикальной постановки из 7 предметов с теплым фронтальным освещением. Передача объема, пространства, материальности (стекло, ткань, дерево, керамика и т.д.). Применение на практике знаний о взаимосвязи цвета освещения и тени, рефлексах, перспективе и общем колорите картины. Отработка приемов работы гуашью. Формат работы А2.

Композиция в технике рисования – Возрождение архитектуры

Композиционные приемы аранжировки и создания необходимы для рисования. Он начинается с фундаментального понимания линии, которая используется для различения объектов и представления визуального языка. Знаки расположены и составлены с использованием нескольких основных элементов.

Тональный контраст

 
 
Чертежи могут быть:
  • Преимущественно светлое
  • Абсолютно светлый и Абсолютно темный
  • Монояркий
  • Преобладающе темный

Художники делают резкость темных и светлых областей на рисунках, чтобы выделить их.Взгляд сразу же будет обращен на область самого сильного контраста и оживит искусство. Композиции обычно имеют преобладающий темный или светлый цвет и одну преобладающую область контраста. Небольшие участки с меньшей контрастностью добавляют рисунку интереса и разнообразия.

Уго да Карпи в начале 16 века разработал технику светотени для создания чередующихся узоров темноты и яркости. Линии теней могут установить очень четкую взаимосвязь объектов и предложить общую текстуру искусства.

Разнообразие затемненных линий расширяет среду в искусстве, будь то за счет затемнения самого знака или за счет различных штриховок. Градиент может придать более реалистичные отношения между объектами.

 

Четыре контрастных дизайна: Контраст фона для рисунка:

Повторение и разнообразие

 
 
Повторяющиеся линии штриховки указывают на тень и текстуру.Поскольку они так мало разнообразны, зритель видит все линии штриховки как единый объект — единую тень или текстуру. Повторяющиеся линии или объекты группируются зрителем в один объект, если они не имеют разнообразия.

Объекты, созданные из линий, также должны повторяться, но с большим разнообразием. Повторение объектов визуально интересно. Сгруппированные объекты предполагают сходство, но уникальность сцены.

Слишком большое разнообразие всего рисунка делает его хаотичным, а слишком малое разнообразие делает рисунок холодным и статичным.

Штриховка – повторяющийся, но мало разнообразный: Объекты — меньше повторений, чем штриховка объектов, но больше разнообразия: 


 

Симметрия

 
 
Симметрия НЕ является зеркальным отражением .

Ошибочное представление о том, что нечто является симметричным только в том случае, если оно имеет зеркальное отражение, сильно ограничивает эстетику дизайна.Витривий сказал:

Симметрия – это правильное согласование между элементами самого произведения и соотношение между отдельными частями и общей схемой в целом в соответствии с определенной частью, выбранной в качестве эталона

Стандартом для измерения является модуль , от которого измеряются все части конструкции. Все произведение искусства может быть основано на одном стандарте, или может быть несколько модулей, которые связаны друг с другом и создают другие объекты. Симметрия — это метод того, как эти модули соотносятся друг с другом и повторяются.

Симметрия делает дизайн автоспортивным. Он связывает все в категории полей и объектов. Автоморфизм всегда изоморфен, поэтому группировка объектов и штриховка текстур необходимы для установления симметрии. Должно быть четкое различие между линиями, дающими разнообразие, и линиями, дающими повторение.

Доля

 
 
Линии имеют 3 важных качества, которые отличают их от других линий:

Связь этих линий или объектов с этими 3-мя качествами есть пропорция.Человеческий глаз способен обнаруживать малейшие отклонения в пропорциях, особенно в знакомых объектах, таких как человеческое лицо. Поэтому важно быть очень точным в размещении линий и объектов.

Сложные размеры и формы объектов начинаются с модуля симметрии. Для определения дизайна можно применить 3 системы пропорций в архитектуре:

  • Естественные пропорции в музыке – Промежутки между музыкальными нотами в различных гаммах образуют гармоники и сложные звуковые волны.Это использовалось в ранние времена до стандартизации длины, чтобы соотнести длину, ширину и ширину линий.
  •  

  • Золотое сечение — Золотое сечение — это соотношение, определяющее соотношение размера объекта и расстояния. Объекты естественным образом становятся меньше по мере их удаления в проективном пространстве. Используя золотую середину, мы можем узнать воспринимаемый размер двух или более объектов, рассматриваемых с определенного расстояния.
  •  

  • Квадрат – Объекты с одинаковым расстоянием образуют квадрат.К этому могут относиться объекты различных размеров. Квадрат образует сетку как основу для нахождения длины, угла и ширины линий.

 

Центральный объект является модулем для размера и расстояния других объектов: Квадратная сетка определяет линии для формирования объектов:

 

Координаторы

 
 
Сначала взгляд зрителя притягивается к фокальной точке.Глаз движется к субфокальным точкам в искусстве и постоянно возвращается к фокальной точке. Важно спланировать, как движется взгляд зрителя, установив четкую фокусную точку, как правило, наиболее важную область искусства.

  • Светлый/Темный контраст – С подчиненными областями темного и светлого глаза будут обращены к доминирующим областям, где контраст между светлым и темным наибольший. Отношения между объектами самые большие, и линия разделения между объектами почти всегда является фокальной точкой.
  • Цветовой контраст — при использовании цвета область с наибольшим контрастом цветового оттенка и насыщенности будет фокусной точкой.
  • Пропорция – Зритель будет инстинктивно смотреть на точку фокусировки, основываясь на пропорциях объектов. Например, зритель будет смотреть на вершину пирамиды. Фокусные точки часто находятся рядом с центром рисунка.
  • Движение глаз – Линии и объекты указывают на фокальную точку, используя технику кадрирования.
  • Интенсивность – Чем больше времени и усилий художник тратит на определенную область, тем больше она становится фокусом. Люди, кажется, игнорируют области, которые имеют меньше художественного значения, несмотря на то, насколько контрастны эти области.

 
Фокус достигается с помощью цвета, интенсивности и контраста:

 

Гравитация

 
 

Всю жизнь мы испытываем гравитацию. Мы ожидаем, что дела пойдут вниз.

Движение воздуха вверх и тяжелых предметов вниз делает рисунок естественным. Мы ожидаем, что нижние объекты обычно будут большими, а верхние — маленькими, как ветки на дереве.

Способы передвижения, такие как лестницы и стремянки, усиливают гравитацию. Крупные висящие предметы и архитектура вызывают у зрителя некую гнетущую атмосферу.

 
Перекрытие
 

Перекрытие объектов важно для отношений между объектами.Разделительная линия позволяет нам узнать, как объекты перекрываются. Разнообразие или повторение линий может способствовать этим отношениям.

Объект может быть полупрозрачным и открывать объекты позади него или отражать и преломлять объекты. Можно предложить стопку объектов, образец какой-то логической последовательности.

Трудно определить, находятся ли объекты далеко или малы, если объекты не перекрываются, потому что у нас нет способа сослаться на них. Перспективная проекция может помочь нам определить расстояние вместе с атмосферной перспективой.

 
Визуальный баланс
 

Художник должен тщательно продумать, как масштаб, цвет и яркость объектов в искусстве соотносятся друг с другом. Рисуйте так, как будто объекты сидят на весах от центра произведения искусства. Большой объект, расположенный ближе к центру, будет уравновешивать маленький объект, находящийся далеко с другой стороны.

Каждый элемент искусства способствует визуальному балансу. Области с большим тональным контрастом преобладают над областями с меньшим контрастом.Ярко-красные объекты преобладают над серыми. Внимательно рассмотрите, как качество объектов уравновешивает друг друга.

Визуальный баланс можно использовать для пробуждения эмоций. Например, в «Плоте Медузы» зритель чувствует головокружение и некоторую морскую болезнь, потому что объекты настолько неуравновешены. Такое ощущение, что их качает и тащит в океан.

Линии создают баланс, направляя взгляд на объект. Именно по этой причине теневая линия выделяет что-то, она придает законченность композиции.Баланс вокруг точки фокусировки способствует осмысленному движению глаз.

На портрете Вермеера «Девушка с жемчужной сережкой» (показанном справа) серьга девушки усилена в качестве фокуса, поскольку другие объекты указывают на нее. Синий головной убор свисает к уху. Глаза наклоняются к уху. Основание носа, губы, нижняя часть челюсти, вырез платья… все указывает на серьгу. Желтая ткань справа от серьги защищает глаза и не дает им двигаться вправо; четкие вертикальные линии привлекают внимание к серьге.

Фокусная точка, таким образом, является точкой вращения, вокруг которой балансируют объекты, как гири на одноногом столе.
 

Кадрирование движений глаз

 
 

Направление и качество движения глаз обеспечивают визуальный баланс и в значительной степени определяют, как зритель будет относиться к произведению искусства. Жизненно важно предоставить зрителю дороги и магистрали для исследования композиции, чтобы все не смешалось в беспорядок. .

Используя предыдущий пример «Девушка с жемчужной сережкой» , рассмотрите, как направляющие линии, установленные тенью, разделением объектов, негативным пространством и сгруппированными объектами, ведут ваш взгляд по картине.Основные линии выделены красным. Зритель, вероятно, сначала смотрит в глаза. Затем он мог смотреть на нос и рот или на головной убор, и всегда линии направляли взгляд к уху. Сильные вертикальные линии тонального контраста на левой стороне картины не позволяют глазам отклоняться от картины. Точно так же вертикальные линии головного убора с правой стороны фокусируют взгляд на ухе. Таким образом рисуется как вращательное движение глаз вокруг фокальной точки уха.

Общие схемы направленного движения глаз включают:

Проход

 

Визуальный баланс и кадрирование движения глаз могут помочь установить проход через картину. Зрителю кажется, что он попал в произведение искусства и идет по улицам.Воображение может придумать, что находится за тем облаком вон там или за тем горным склоном.

Правило третей диктует, как пропорция помогает предложить переход. Если разделить рисунок на трети, ближайшая группа предметов должна занимать одну треть, а самая дальняя группа предметов — одну треть. Если объекты сгруппированы таким образом в трети, а золотая пропорция диктует расстояние между объектами, иллюзия прохода будет очень сильной.

Время также привлекает зрителя.Природные элементы, старящие пейзаж, движение солнца по небу, капли дождя, фигура, реагирующая на кого-то другого, свет, отражающийся от другого объекта… многие устройства предполагают время. Сколько времени проходит в самой картине? Это моментальный снимок бегуна на дистанции или продолжительное размышление о закате?

Чтобы добиться эффективного перехода, художнику необходимо полностью рассмотреть каждый объект, даже лица, которые мы не видим, историю объекта, то, как объект менялся с течением времени, и то, как все объекты объединяются, чтобы завершить композицию.
 
 
Единство объектов
 

Поскольку каждый элемент композиции тщательно продуман и приведен в соответствие друг с другом, рисунок приобретет четкое ощущение порядка и четкости. Тональный контраст, повторение, разнообразие, пропорция симметрии, точки фокусировки, гравитация, перекрытие, баланс, кадрирование и проход должны соответствовать друг другу, чтобы выразить атмосферу и мотивацию искусства.

Иерархия объектов может помочь создать единство. Повторяющиеся объекты могут постепенно становиться меньше, темнее или ярче или двигаться быстрее.Симметричные пропорции и осторожное движение глаз могут выделить узор на напольной плитке.

Предмет состоит из частей; иначе он кажется пустым. Два объекта предполагают простое повторение. Три объекта предполагают серию или группу.

Соотношение между размером и расстоянием объектов определяется золотой пропорцией. Золотую пропорцию можно использовать в качестве отправной точки для определения размера и расстояния между подобъектами объекта.

Витривиус определяет числа 10 и 6 как совершенные числа, так как они делят лучшие. Повторяющиеся объекты и группы объектов должны учитывать эти числа, чтобы предположить единство объектов.

Зеленовато-синий цвет, который вы видите, глядя на край куска стекла, — это цвет света, когда он преломляется сильнее всего. Думайте об этом, как о цвете света, когда он путешествовал дольше всего, очень далеком холме в пейзаже или далеком морском горизонте.Красный выделяется больше всего.
 

Использование касательных

 
 

Касательная — это то, что выглядит неправильно, потому что принцип проектирования не принес единства. Хорошим примером является Сикстинская капелла Микеланджело. Палец Адама почти касается пальца Бога. Но поскольку они не пересекаются и имеют одинаковый размер, мы не можем сказать, какой человек нам ближе. Почти соприкасающиеся пальцы являются фокусом, но куда глаз движется дальше?

Далеко не ошибка, это касание передает весть о близости Бога к Адаму, но в то же время о его отдалении, о его подобии и в то же время о его тайне.Другие элементы композиции усиливают это сообщение: красная ткань, окружающая Бога и его ангелов, похожа на синий пейзаж, окружающий Адама и его зеленый склон.

Отклонения от единого дизайна могут служить ярким сообщением о предмете искусства.
 

Гармония

 
 

Ритм помогает внести гармонию в произведение искусства. Только правильное количество повторений и разнообразие, правильное пространство для размера объектов и подразумеваемое движение создают приятный эффект.Сложная цветовая палитра использует больше, чем один или два цвета. Рассмотрены различные цвета, сгруппированные по движению глаз, пропорциям и другим принципам дизайна.

Группы объектов с разной гармонией могут перекрываться, иерархия гармоний, которые связаны друг с другом в сложной сети. Горизонтальные линии, например, могут соотноситься с определенными оттенками цвета, и все они могут быть широкими штрихами, в то время как диагональная штриховка получает темную и ограниченную обработку. Тем не менее, горизонтальные линии и диагональная штриховка связаны, потому что они являются противоположными цветами и все указывают на фокус.

То же самое сопоставление можно увидеть в мягкой округлости холмов и округлости облаков в небе, которая указывает на круглое солнце в середине. Композиция элементов дизайна должна учитывать, как объекты объединяются и отражаются в сложной гармонии, воздействуя на зрителя.
 
 
© Бенджамин Бланкенбелер, 2012 г.
 
 

Как компоновать и располагать элементы в вашей работе, чтобы рисовать красивые рисунки












Текст выше на самом деле состоит из изображений, поэтому, если вам нужно скопировать какой-либо текст, вы найдете его ниже.Спасибо.

ЖИВОПИСНАЯ КОМПОЗИЦИЯ

Обычный рисунок, сделанный для книги или периодического издания, обычно является либо простой описательной иллюстрацией к тексту, либо наброском персонажа, предназначенным исключительно для того, чтобы разбавить монотонную серую массу шрифта. При их создании не всегда используются принципы живописной композиции. Этого не должно быть. Было бы лучше, если бы иллюстраторы уделяли больше внимания идеям, лежащим в основе художественного изобразительного построения.Правила не установлены и не предписаны формулами, которым нужно следовать сиюминутно. На самом деле дело можно было бы поставить примерно так: художник выбирает определенный тип композиции, а затем пытается увидеть, как далеко он может уйти от этой конкретной композиции, не упуская ее из виду как основную черту своей картины. . Он придерживается, несмотря на вариации и модификации, общего структурного расположения в своем сознании вначале.

Первое правило, которое следует помнить в художественной композиции, состоит в том, что в каждой картине должна быть какая-то точка интереса.Иногда эта достопримечательность представлена ​​световым пятном, цветовой нотой или фигурой или группой, выделяющейся жирным и четким силуэтом на фоне остальной части изображения, окрашенного в разные тона. Или, опять же, это может быть лицо с сильным характером или выражением, правильно освещенное и оттененное контрастными тонами или фоном. Но это не все; достопримечательность, какой бы она ни была, вместе с другими компонентами картины должна быть устроена так, чтобы они образовывали приятное целое.

Теперь, почему именно одно сочетание линий, масс оттенков или пятен и областей цветов нравится, а другое нет, — это сложный вопрос.Но функция теории живописной композиции состоит в том, чтобы ответить на него, сформулировав и установив правила и представив их в разъясняющей форме, чтобы они помогли создать приятные произведения искусства. Казалось бы, без особого стремления некоторые мастера создают эффектные и очаровательные вещи; но большинство из нас обязаны усердно работать над собой, пока не поймут и не усвоят правила создания хороших картин и принципы красоты при создании предметов искусства. При рассмотрении работы какого-либо талантливого художника бросаются в глаза следующие качества: искренность, уверенность, искусная техника, выявление на протяжении всей работы тщательного владения инструментами и материалом.Все эти качества, по существу, присутствуют в хорошей картине, но, как правило, не останавливаются на них в трактате о живописной композиции.

В общем понимании, хорошая композиция означает группировку различных частей картины в своего рода геометрическом расположении линий и пространств. Самый простой тип грамотно скомпонованного рисунка – диагональный или угловой. При этом косая линия разделяет пространство на две треугольные области, одну светлую, а другую темную или теневую.Вот если бы непохожесть между этими двумя контрастными участками была точно отмечена по диагонали, то в результате получилось бы нечто совсем не изображение. Чтобы приблизиться к изобразительному, темная часть должна быть разбита светом, а часть более темных оттенков должна перебежать или вломиться в светлое пространство.

ДИАГОНАЛЬНЫЕ КОМПОЗИЦИИ.

Две гравюры Рембрандта, на которых свет и тени упрощены. Знание того, что составляет хорошую композицию, лучше всего достигается путем наблюдения, изучения и размышления над работами мастеров.Ибо, внимательно рассматривая хорошие картины, вы заметите, как некоторые их компоненты расположены так, что образуют какую-то геометрическую фигуру; очевидно, но не навязчиво. Особенно заслуживают изучения в этом отношении произведения Рембрандта. Его картины и гравюры с их умелым обращением со светом и тенью — это наглядные уроки. Многое можно почерпнуть и из замечательных полотен Тернера. У Тернера был дар, ясно проявляющийся в его работах, создавать интересные картины, строя их на определенных излюбленных схемах линий.В его произведениях основная идея или замысел, хотя и явный, но возбуждает интерес, мистифицирует и удерживает внимание тонкой многогранностью и разнообразием композиции.

Некоторые из картин Тернера выдают любовь к расположению, которое, если его представить в виде диаграммы, будет представлять собой ряд концентрических эллипсов, центральный и наименьший из которых содержит интересующую точку. Этот внутренний эллипс никогда не находится в центре области изображения, а находится немного ниже и правее или левее центра.Другое схематическое изображение, опять же, используемого им типа композиции, показывает расходящиеся линии с точкой, из которой они начинаются немного в стороне от центра пространства картины.

Многие из композиций Тернера иллюстрируют важную часть характера и своего рода игру линий в воплощении идеи или в объяснении сюжета картины. Например, в пасторальной картине под названием «Замок Норхэм», где все мирно и спокойно, линии прямые и большинство из них вертикальные — качество компонентов, полностью адаптированных к этой тихой сцене.В качестве контраста — бурный водный пейзаж под названием «Кораблекрушение». В этой композиции линии короткие, прерывистые и расходятся в разные стороны, все как бы в беспорядочном беспорядке, но вместе с тем бросается в глаза определенная и решительная конструктивная аранжировка. Отличный способ познакомиться с композицией картин — делать миниатюрные зарисовки в блокноте при изучении полотен мастеров. Расположите светотени простыми широкими эффектами белого и черного и не беспокойтесь о деталях.

Сделайте их тушью, скажем, перьевой ручкой. Это будет хорошим тестом на простоту, этот миниатюрный набросок ручкой. Некоторые работы, например, представляющие собой замысловатые наборы костюмированных фигур, выполненных с высоким качеством, не получаются хорошо в такого рода испытаниях. Вы поймете, почему такие произведения, несмотря на всю кропотливую заботу о них, не могут считаться великими произведениями искусства, потому что в них отсутствует одна большая вещь — простота. Когда вы рисуете с натуры — карандашом, акварелью или маслом — носите с собой небольшой картонный видоискатель, который поможет вам в выборе хорошо скомпонованных фрагментов пейзажа.Его легко сделать, он состоит всего лишь из картонной рамки с открывающимся прямоугольником тех же пропорций, что и большая прямоугольная форма вашего холста или страницы альбома для рисования. Картон должен быть темного оттенка или зачерненный тушью.

Держите эту маленькую рамку между глазом и созерцаемым видом и перемещайте ее, пока она не охватит часть пейзажа по вашему вкусу. С помощью этого маленького приспособления можно обнаружить множество неожиданных живописных эффектов.Использование этого видоискателя также позволяет скетчеру определить место важного элемента в пейзаже, а именно горизонта. В пейзажном наброске горизонт должен быть либо выше, либо ниже середины картины. То есть та конкретная форма, которую вы выбрали для картины, не должна быть разделена горизонтом на две равные части. По мнению некоторых художников, каждый пейзаж, чтобы считаться художественно составленным, должен иметь эти три плана, не обязательно явно, но различимо при анализе, отмеченные: (I) передний план, (z) средний план, (3) расстояние.

Страница не найдена |

Политика в отношении файлов cookie

В этом заявлении объясняется, как мы используем файлы cookie на нашем веб-сайте. Для получения информации о том, какие типы личной информации будут собираться, когда вы посещаете веб-сайт, и как эта информация будет использоваться, ознакомьтесь с нашей политикой конфиденциальности.

Как мы используем файлы cookie

Все наши веб-страницы используют файлы cookie. Файл cookie — это небольшой файл из букв и цифр, который мы размещаем на вашем компьютере или мобильном устройстве, если вы согласны.Эти файлы cookie позволяют нам отличать вас от других пользователей нашего веб-сайта, что помогает нам обеспечить вам удобство при просмотре нашего веб-сайта и позволяет нам улучшать наш веб-сайт.

Типы файлов cookie, которые мы используем

Мы используем следующие типы файлов cookie:

  • Строго необходимые файлы cookie — они необходимы для того, чтобы вы могли перемещаться по веб-сайтам и использовать их функции. Без этих файлов cookie запрашиваемые вами услуги, такие как вход в вашу учетную запись, не могут быть предоставлены.
  • Файлы cookie производительности — эти файлы cookie собирают информацию о том, как посетители используют веб-сайт, например, какие страницы посетители посещают чаще всего. Мы используем эту информацию для улучшения наших веб-сайтов и помощи в расследовании проблем, поднятых посетителями. Эти файлы cookie не собирают информацию, которая идентифицирует посетителя.
  • Функциональные файлы cookie — эти файлы cookie позволяют веб-сайту запоминать сделанный вами выбор и предоставлять более персонализированные функции. Например, функциональный файл cookie можно использовать для запоминания товаров, которые вы положили в корзину.Информация, которую собирают эти файлы cookie, может быть анонимной, и они не могут отслеживать ваши действия в Интернете на других веб-сайтах.

Большинство веб-браузеров позволяют контролировать большинство файлов cookie через настройки браузера. Чтобы узнать больше о файлах cookie, в том числе о том, как узнать, какие файлы cookie были установлены, а также как управлять ими и удалять их, посетите веб-сайт http://www.allaboutcookies.org/.

Определенные файлы cookie, которые мы используем

В приведенном ниже списке указаны файлы cookie, которые мы используем, и поясняются цели, для которых они используются.Мы можем время от времени обновлять информацию, содержащуюся в этом разделе.

  • JSESSIONID: этот файл cookie используется сервером приложений для идентификации уникального сеанса пользователя.
  • registrarToken: этот файл cookie используется для запоминания товаров, которые вы добавили в корзину.
  • языковой стандарт: этот файл cookie используется для запоминания ваших региональных и языковых настроек.
  • cookieconsent_status: этот файл cookie используется для запоминания того, отклонили ли вы уже уведомление о согласии на использование файлов cookie.
  • _ga_UA-########: Эти файлы cookie используются для сбора информации о том, как посетители используют наш сайт. Мы используем эту информацию для составления отчетов и помощи в улучшении веб-сайта. Файлы cookie собирают информацию в анонимной форме, включая количество посетителей веб-сайта, откуда посетители пришли на сайт и страницы, которые они посетили. Эта анонимная информация о посетителях и просмотрах хранится в Google Analytics.

Изменения в нашем Положении о файлах cookie

Любые изменения, которые мы можем внести в нашу Политику в отношении файлов cookie в будущем, будут опубликованы на этой странице.

Рисунок от руки и композиция

Бесплатная книга для изучения искусства, для начинающих


ОБЗОР.

Чертежи могут быть отнесены к следующим классам:

1. Рисунки, изображающие внешний вид одного объекта, положение которого не имеет значения.
2. Рисунки, изображающие внешний вид и положение одного объекта.
3.Рисунки, представляющие более одного объекта и дающие представление об их внешнем виде и их отношениях.

В первый класс могут быть помещены рисунки кристаллов, насекомых, листвы и т.п., форма и строение которых или цвет должны быть представлены. Вопрос о картинной плоскости во всех таких случаях прост; ибо, поскольку объект может занимать любое положение, мы можем изобразить его действительный вид на плоскости, наклоненной в любом положении так, чтобы он находился под прямым углом к ​​направлению, в котором объект виден, и в результате получится удовлетворительная картина.Такие рисунки обычно делаются, чтобы показать факты об объекте, насколько это возможно, и носят скорее научный, чем художественный характер; и объект будет помещен так, чтобы представить эти факты, которые затем будут представлены на плоскости, которая часто будет параллельна главной грани или поверхности объекта.
Ко второму классу относятся все иллюстративные и художественные работы.
Было показано, что изображение, которое при естественном рассмотрении создает в глазу изображение, подобное тому, которое произвел бы объект, должно быть, если на плоскости, то на плоскости, перпендикулярной центральному зрительному лучу.Но мы видели, что картина на наклонной картинной плоскости неудовлетворительна и что рисунок, который делает художник, всегда представляет собой вертикальные линии вертикальными линиями и что в действительности это практически то, что дается рисунком на вертикальной картинной плоскости и придание зрительных пропорций вместо вытянутого рисунка, который дает вертикальная плоскость, когда предмет находится выше или ниже уровня глаз, так что зрительные лучи проходят через него наискось.
Так как работа художника обычно изображает предметы, расположенные на уровне глаз или простирающиеся примерно одинаково ниже и выше его и не образующие очень больших углов зрения, мы можем сказать, что практически он использует вертикальную плоскость изображения, перпендикулярную центральному зрительному лучу. .
Если нужно сделать точный рисунок на какой-либо плоскости, то это должен быть рисунок на вертикальной картинной плоскости; но нет необходимости, чтобы юный ученик рассматривал вопрос о картинной плоскости, потому что его следует учить рисовать то, что он видит, за исключением случаев, когда изображаются вертикальные линии, которые кажутся сходящимися, и предметы, расположенные так, чтобы они выглядели как на рис. 38. Если он использует грифельную доску, чтобы определить пропорции объекта, он должен держать ее под прямым углом к ​​направлению, в котором он видит объект, и должен изменить рисунок, когда он изображает вертикальные линии наклонными линиями, заменяя наклонные вертикальными. линии.Таким же образом он должен измерять пропорции карандашом, держа его под прямым углом к ​​тому направлению, в котором он видит предмет. На практике объекты обычно настолько мало выше или ниже уровня глаз, что вопрос о наклоне плоскости не имеет большого значения для рисовальщика и продвинутого ученика. Если учащиеся рисуют на доске с предметов, находящихся рядом с ними, и слишком малы, чтобы понять, как изменить рисунок, представляя вертикальные края вертикальными линиями, им будет лучше сделать точное изображение или начертание, пока они не станут достаточно взрослыми, чтобы изменить это, чем получить представление о том, что они видят то, что дано на вертикальной картинной плоскости; но ученикам не обязательно думать о картинной плоскости, даже когда используется грифельная доска, и учителя должны давать ученикам возможность сначала рисовать, а потом теоретизировать.
К третьему классу относятся все изображения, изображающие несколько объектов и большой угол обзора.
Для таких предметов следует использовать вертикальную плоскость изображения под прямым углом к ​​центральному зрительному лучу; но вместо того, чтобы делать точную перспективную прорисовку мелких предметов и деталей вдали от центра картины, так чтобы эти предметы искажались, если их не укоротить, если смотреть под углом, лучше изображать их такими, какими они кажутся, когда это не так. необходимо показать их взаимное расположение.Таким образом, окружности постамента B, рис. 24, кажутся горизонтальными эллипсами, и нет причин, по которым изображение постамента B не должно быть точно таким же, как у постамента A. Куб справа на рис. 41 искажен, так как глаз видит два внешних угла верхней грани на одном уровне, и они должны быть изображены таким образом, когда нет необходимости показывать, что края куба параллельны краям ящика, на котором он стоит. Конус справа от куба может быть представлен горизонтальным эллипсом, который видит глаз, если только он не касается квадрата (или другой фигуры), который расположен и представлен как вершина любого нижнего куба на рис.33; в этом случае может оказаться необходимым, чтобы показать, что окружность касается квадрата, изобразить его наклонным эллипсом. Точно так же объекты справа на рис. 43 могут быть представлены так, как они выглядят, и любой объект, расположенный как кувшин или постамент на рис. 46 и ограниченный горизонтальными кругами, всегда должен быть представлен таким, каким он кажется. Объекты в левой нижней части рис. 47 не так искажены, как на рис. 46, но всегда при любом перспективном изображении для художественных целей отдельные обособленные объекты следует изображать такими, какими они кажутся, за исключением случаев, когда необходимо показать их отношение к другим частям предмета.
Однако часто бывает необходимо изображать объекты с помощью одной точки схода на уровне глаз, а точная параллельная перспектива на вертикальной плоскости изображения является наиболее удовлетворительным представлением многих геометрических объектов. Ученик может получить, делая набросок с натуры, пропорции такого рисунка, измеряя карандаш, держа его параллельно передним сторонам предметов, а не под прямым углом к ​​направлениям, в которых они видны. Самым простым и надежным тестом было бы использование грифельной доски, удерживаемой вертикально и параллельно передним сторонам объектов.

ГЛАВА VIII.

СОСТАВ.

КОМПОЗИЦИЯ означает расположение частей для создания целого, и это хорошо, когда произведенный эффект гармоничен и приятен. Композиция — это предмет, который, по мнению большинства художников, нельзя преподавать. Несомненно, красота и удовольствие, которые связаны с аранжировками, созданными мастером, не могут быть получены из какого-либо формального применения принципов, выведенных из изучения работы мастера; а те, у кого нет гения, могут только надеяться создать работу, не нарушающую общепринятых правил хорошего вкуса.
Это предмет, с которым мало что можно сделать в государственных школах, но тем, кто интересуется им, будет полезно прочитать книгу Джона Бернета о живописи и «Элементы рисования» Рескина. Из последней книги взяты следующие выдержки:

«Композиция означает, буквально и просто, соединение нескольких вещей, чтобы сделать из них одну вещь, природа и качество которой все они имеют долю в создании. Таким образом, музыкант сочиняет арию, соединяя ноты в определенные отношения: поэт сочиняет стихотворение, приводя мысли и слова в приятный порядок, а художник — картину, приводя в приятный порядок мысли, формы и цвета.
Заметьте, во всех этих случаях предполагаемое единство должно быть результатом композиции. Нельзя сказать, что асфальтоукладчик составляет кучу камней, которую он высыпает из своей тележки, а сеятель — горсть семян, которую он разбрасывает из своей руки. Сущность композиции состоит в том, чтобы все было в определенном месте, выполняло намеченную роль и действовало в этой части выгодно для всего, что с нею связано…
«В хорошо составленном эфире нельзя обойтись без ноты, какой бы короткой или низкой она ни была.. . . В хорошем стихотворении каждое слово и мысль повышают ценность предшествующих и следующих за ними слов; и каждый слог обладает прелестью, которая зависит не столько от его абстрактного звучания, сколько от его положения». «Гораздо больше в большой картине; каждая линия и цвет расположены таким образом, чтобы получить преимущество перед остальными. Ни одна из них не является несущественной, какой бы незначительной она ни была, и ни одна не является независимой, какой бы сильной она ни была. помещаются в определенные места и собираются в известные гармонические группы, так что, например, красная труба коттеджа не просто ставится на свое место в качестве трубы, но может воздействовать определенным образом, приятным для глаз, на кусочки зеленого или синего в других частях картины, и мы должны видеть, что работа сделана мастерски, просто по расположению и количеству этих пятен зеленого, красного и синего, даже на расстоянии, которое делает это совершенно невозможным. чтобы определить, что представляют собой цвета, или увидеть, является ли красный дымоходом или плащом старухи, а синий — дымом, небом или водой.
«Кажется, для того, чтобы напомнить нам во всем, что мы делаем, о великих законах божественного правления и человеческого строя, было предначертано, чтобы композиция в искусстве сильно воздействовала на каждый склад ума, каким бы неученым или легкомысленным он ни был. наслаждение ритмом и размером и простыми музыкальными мелодиями. Но также установлено, что сила композиции в изящных искусствах должна быть исключительным атрибутом великого ума. Все люди могут более или менее копировать то, что они видят, и, более или менее , Запомни.. . . Но дар композиции дан вовсе не более чем одному человеку из тысячи; в своем наивысшем диапазоне оно не встречается более трех-четырех раз в столетие».
Из этих общих истин следует, что невозможно дать правила, которые помогут вам сочинять. Вы могли бы гораздо легче получить правила, позволяющие вам быть остроумными. Если бы можно было быть остроумным по правилам, остроумие прекратилось бы. быть либо восхитительным, либо забавным; если бы можно было сочинять мелодию по правилам, Моцарту и Чимарозе не нужно было бы рождаться; если бы можно было сочинять картины по правилам, Тициан и Веронезе были бы обычными людьми. в том факте, что оно необучаемо, в том, что оно является действием индивидуального разума, размаха и силы, возвышающегося над другими.
«Но хотя никто не может изобрести правила, существуют некоторые простые законы расположения, которые вам полезно знать, потому что, хотя они и не позволят вам создать хорошую картину, они часто помогут вам изобразить то, что хорошо. могут оказаться в вашем творчестве более красноречивым образом, чем вы могли бы сделать в противном случае; и, проследив их в творчестве хороших композиторов, вы сможете лучше понять власть их воображения и силу, которой оно обладает над их материалом».

г.Раскин утверждает, что главными законами, управляющими композицией, являются следующие:

Первый: «Закон княжества».
Второй: «Закон повторения».
Третье: «Закон неволи».
Четвертое: «Закон кривизны».
Пятое: «Закон излучения».
Шестое: «Закон контраста».
Седьмое: «Закон взаимообмена».
Восьмое: «Закон постоянства».
Девятое: «Закон Гармонии».

«Закон о принципах» имеет дело с единством композиции, «то есть делать из многих вещей одно целое; первый способ, которым это может быть осуществлено, состоит в том, чтобы определить, что одна особенность должна быть более важной, чем остальные, и что другие должны группироваться с ней.
«Закон повторения» касается выражения «симпатии между различными объектами, и, быть может, самым приятным, потому что наиболее удивительным, является вид симпатии, когда одна группа подражает или повторяет другую, но не путем равновесия или симметрии, а подчиненно. , как далекое и прерывистое его эхо…
«Симметрия, или равновесие частей или масс в почти равном противопоставлении, есть одно из условий обращения по закону повторения…
Однако симметрия в природе никогда не бывает ни формальной, ни точной.Она проявляет величайшую осторожность, чтобы обеспечить некоторое различие между соответствующими вещами или частями вещей; и приближение к точной симметрии допускается только у животных, потому что их движения обеспечивают вечную разницу между балансирующими частями. . . .
«Закон непрерывности» касается «приятного способа выражения единства путем придания некоторой упорядоченной последовательности ряду объектов, более или менее сходных. И эта последовательность наиболее интересна, когда она связана с некоторым постепенным изменением внешнего вида или характера объекта». объекты.. .. Если не происходит никаких изменений в форме или размере объектов, то нет и преемственности; есть только повторение — однообразие».
«Закон кривизны» — это закон красоты. «Все красивые предметы заканчиваются изящно изогнутыми линиями, за исключением тех случаев, когда прямая линия необходима для их использования или устойчивости…
«Поскольку кривые более красивы, чем прямые линии, для хорошей композиции необходимо, чтобы непрерывность объекта, массы или цвета была, по возможности, в кривых, а не в прямых или угловатых линиях.. . .
«Закон излучения» обеспечивает единство действий в возникновении или продвижении к какой-либо заданной точке. Он рассматривает гармоничное группирование линий, исходящих из одной точки или направленных к ней.
«Закон контраста». «Конечно, характер всего лучше всего проявляется в контрасте. Отдыхом можно наслаждаться только после труда; звук, чтобы быть ясно слышимым, должен подниматься из тишины; свет проявляется через тьму, тьма — через свет; и так далее во всем». вещи.Но в искусстве у каждого цвета есть цвет-противник, который, если его приблизить, смягчит его полнее, чем любой другой; точно так же каждая форма и линия могут быть сделаны более бросающимися в глаза благодаря противоположной форме или линии рядом с ними; изогнутая линия оттеняется прямой, массивная форма — тонкой и т. д.; и во всякой хорошей работе каждому по контрасту придается почти двойная ценность, которую любой данный цвет или форма имели бы в разобранном виде.
«Однако и в этом случае слишком явное использование уловки опошляет картину.Великие художники обычно не допускают резкого контраста. Они вводят его исподтишка и с промежуточными звеньями нежного изменения; позволяя, правда, оппозиции воздействовать на разум как неожиданность, но не как потрясение».
«Закон взаимообмена» касается чередования света, тьмы и цвета, с помощью которого осуществляется единство противоположных вещей, придавая каждому часть характера другого.
«Один из самых любопытных фактов, который бросится в вас, когда вы внимательно почерпнете некоторое время от природы в свете и тени, — это видимость преднамеренного искусства, с которым она создает контрасты этого альтернативного рода; мастерство, с которым она будет затемнять ствол дерева, лишь бы он шел на фоне светлого неба, и освещать его солнечным светом именно в том месте, где он падает на темный холм, и подобным же образом обращаться со всеми своими массами теней и красок, настолько велико, что если вы только следи за ней внимательно, всякий, кто внимательно посмотрит на твой рисунок, подумает, что ты выдумываешь самое искусственное и неестественно восхитительное чередование теней, какое только может быть выдумано человеческим умом.»[1]
«Закон постоянства» относится главным образом «к отдельным частям или частям картины: характер всей композиции может быть нарушен или разнообразен, если мы пожелаем, но непременно должна быть тенденция к последовательной сборке в ее частях. армия может действовать сразу в нескольких пунктах, но может действовать эффективно только при наличии где-то сформированных и регулярных масс, а не только за счет стрелков, так что картина может быть разнообразна по своим тенденциям, но должна быть где-то объединена и связна в своих массах.Хорошие композиторы всегда объединяют свои цвета в большие группы; связывая их формы вместе охватывающими линиями и закрепляя с помощью различных приемов то, что они сами называют широтой », то есть большое собрание каждого вида вещей в одном месте; свет сливается со светом, тьма с тьмой и цвет с цветом. Если, однако, это делается путем введения ложных огней или ложных цветов, то это абсурдно и чудовищно; мастерство живописца состоит в том, чтобы добиться широты путем рационального расположения своих предметов, а не путем насильственного или бессмысленного обращения с ними.. . . Вообще говоря, однако, широта будет в достаточной степени результатом верности изучения: природа всегда широка; и если вы нарисуете ее красками истинные отношения, вы нарисуете их величественными массами. Если вы находите, что ваша работа выглядит разбитой и разбросанной, то, по всей вероятности, она не только плохо составлена, но и не соответствует действительности».

* 1 Это предложение, вероятно, означает, что те, кто не изучает природу, сочтут настоящие исследования «искусственными и неестественными»,

«Закон Гармонии.«В картине есть все виды гармоний, в зависимости от способа ее создания. Есть даже гармония прикосновений. Если вы напишете одну часть ее очень быстро и сильно, а другую часть медленно и тонко, то каждая часть картины может быть правильной в отдельности, но они не будут согласовываться друг с другом: целое будет бездейственным и бесценным, негармоничным. Точно так же, если вы нарисуете одну его часть желтым светом в теплый день, а другую — серым светом в холодный день, хотя оба могут быть солнечным светом, и оба могут быть хорошо тонированы, и их относительные тени действительно отбрасываются. , ни один не будет похож на свет: они разрушат силу друг друга, будучи не в гармонии.Это лишь общие и поддающиеся определению примеры несоответствия; но во всех хороших работах есть доля гармонии, слишком тонкая для определения; в зависимости от того, насколько рисовальщик доводит все, что он рисует, до уравновешивающей и гармоничной точки, в отделке, и в цвете, и в глубине тона, и в силе нравственного чувства, и в стиле штриха, — все это рассматривается одновременно; и никогда не позволять себе чересчур решительно опираться на отдельные части, или превозносить одно за счет другого, или чувствовать остро в одном месте и холодно в другом.»

Наиболее интересна глава, из которой взяты эти заметки. Во всех работах Раскина есть самые ценные и современные идеи об искусстве, даже в его самой последней фазе импрессионизма. Трудно примирить «эти взгляды, которые так недавно стали более или менее общепонятными, с другими утверждениями Рёскина, которые имеют совершенно иную природу и которые, если их претворить в жизнь, не создадут более художественной работы, чем написанные картины». самим Раскиным.Глядя на эти картины, трудно поверить, что теории, лежащие в основе блестящих и ярких картин наших дней, принадлежат не столько Тернеру, которого считают одним из первых импрессионистов, сколько Раскину, который, как его друг, должно быть, получил от него вдохновение для многих хороших вещей в своих произведениях.
Следующие параграфы о композиции взяты из книги Джона Бернета о живописи:
«Композиция — это искусство расположения фигур или предметов таким образом, чтобы приспособить их к какому-либо конкретному предмету.В композиции необходимы четыре условия: чтобы история была хорошо рассказана; что он имеет хорошую общую форму; чтобы он был устроен так, чтобы он мог получать надлежащий эффект света и тени; и чтобы он был восприимчив к приятному расположению цвета. Форма композиции лучше всего определяется сюжетом или замыслом, поскольку пригодность адаптации должна казаться проистекающей из самих обстоятельств; отсюда и разнообразие композиций.
«Чтобы обеспечить хорошую общую форму композиции, необходимо, чтобы она была как можно более простой.Запутанная, сложная форма может скрыть искусство, но никогда не сможет привлечь внимание. Достигается ли это широтой света и тени, как это часто бывает у Рембрандта даже в самых сложных набросках, или простым расположением цвета, как мы часто встречаем в работах Тициана или Рафаэля, должно зависеть от состояние художника. Достаточно указать на это младшим школьникам, умы которых обычно увлекаются представлениями о разнообразии и контрасте.
«Поскольку я использовал термины «красивые и приятные композиции», уместно дать объяснение того смысла, в котором они применяются.Под прекрасным расположением я подразумеваю надлежащую адаптацию тех принципов, которые привлекают обычного наблюдателя и дают приятное ощущение, которое для образованного ума усиливается (а не ослабевает) исследованием вызывающей его причины. Например, красивая внешность в природе действует на дикаря и философа из их ощущений только как людей; но художник, чья жизнь проходит в постоянном соревновании с природой в создании одних и тех же эффектов, получает десятикратное удовольствие, следуя за ней через те собрания, которые для окружающего мира являются как бы запечатанным источником и запертой книгой.Следовательно, в искусстве красивая композиция должна быть подборкой тех форм, света и красок, которые производят сходный результат; и вкус художника проявляется в усилении их действия отсутствием тех обстоятельств, которые, как показывает опыт, производят противоположное. Если бы исследование средств, используемых великими мастерами, сокращало бы приятные ощущения художника, то вместо того, чтобы быть самым привилегированным, он сделался бы самым несчастным
. существ; но дело обстоит наоборот, так как таким образом его учат.
алфавит, который позволяет ему понимать язык природы. Можно предположить, что в поисках столь желанного объекта я просмотрел все сочинения, написанные для определения Красоты и Вкуса и пытающиеся обвести линией то бесконечное разнообразие и вездесущность, которые делают природу источником наслаждения для человека. все природы при всяком изменении ума; но так как я хочу избежать всяких споров по этому поводу, которые, как мы часто обнаруживаем, просто делают самые возвышенные истины еще более неясными, я лишь замечу, что что касается живописи, то авторы многих из этих произведений нанесли непоправимый вред. .Художники обычно предпочитают мнения необразованных детей замечаниям самых образованных философов, чьи успехи в других науках действительно, кажется, увеличивают их невежество в этом. Если я объяснил свое определение терминов достаточно для понимания художника, я удовлетворен. Объяснить их другим было бы столь же невозможно, как и то, чтобы эти другие определили их нам. Разум должен был получить образование через зрение, а не через ухо, чтобы обладать способностью воспринимать такие идеи или способностью проследить их до их первоначального источника в природе или в искусстве, как проверку их подлинности. правда.»

Следующие параграфы о композиции взяты из работы сэра Джошуа Рейнольдса:

РАЗГОВОР VIII.

«Приложить эти общие наблюдения, одинаково относящиеся ко всем искусствам, к нашему в частности. В композиции, когда предметы разбросаны и разделены на множество равных частей, глаз смущается и утомляется, не зная, где найти основное действие или то, что является главной фигурой, ибо там, где все одинаково претендуют на внимание, все находятся в одинаковой опасности пренебрежения.
«Выражение, которое очень часто употребляется в таких случаях, звучит так: пьеса нуждается в отдыхе; слово, которое в совершенстве выражает облегчение ума от того состояния спешки и беспокойства, которое он испытывает, глядя на произведение такого характера».
С другой стороны, абсолютное единство, то есть большое произведение, состоящее только из одной группы или массы света, было бы столь же неполноценным, как героическая поэма без эпизода или каких-либо сопутствующих происшествий, чтобы воссоздать ум с тем разнообразием, которое он всегда требует.
Френуа дает правило, что главная фигура предмета должна появляться посреди картины, под основным светом, чтобы отличить ее от остальных. Художник, считающий себя обязанным строго следовать этому правилу. , обременял бы себя ненужными трудностями, он был бы ограничен большим единообразием композиции и был бы лишен многих красот, которые несовместимы с его соблюдением. Смысл этого правила не простирается или не должен простираться дальше этого: главная фигура должна быть сразу различима с первого взгляда, но нет необходимости, чтобы основной свет падал на главную фигуру или чтобы главная фигура находилась в середине картины.Достаточно, чтобы он отличался своим местом или вниманием других фигур, указывающих на него зрителю. Это правило настолько далеко от того, чтобы быть обязательным, что оно очень редко применяется на практике, поскольку на его пути часто стоят другие более важные соображения. Примеры, противоречащие этому правилу, можно найти в «Карикатурах», в «Поручении Христа Петру», «Проповедях св. Павла» и в «Елиме-волхве», который, несомненно, является главным объектом этой картины. Ни в одной из этих композиций нет главной фигуры в центре картины.В замечательной композиции «Шатер Дария» Лебрена Александр находится не в центре картины, и на него не падает главный свет; но внимание всех других фигур сразу различает его, и различает точнее; наибольший свет падает на дочь Дария, находящуюся в середине картины, там, где надобнее поместить главный свет».

РАЗГОВОР III.

«Зайдя так далеко в нашем исследовании великого стиля в живописи, — если мы теперь предположим, что художник нашел истинную идею красоты, которая позволяет ему придать своим произведениям правильный и совершенный рисунок, — если мы должны также предположить, что он приобрел знание чистых привычек природы, что придает ему простоту, — остальная часть его задачи, возможно, меньше, чем обычно воображают.Красота и простота играют такую ​​большую роль в создании великого стиля, что тому, кто усвоил их, нечему больше учиться. В самом деле, не следует забывать, что есть благородство замысла, которое превосходит все простое проявление даже совершенной формы; есть искусство оживлять и возвеличивать фигуры интеллектуальным величием, производить впечатление философской мудрости или героической добродетели. Этого может достичь только тот, кто расширяет сферу своего понимания разнообразными знаниями и разнообразит свое воображение лучшими произведениями древней и современной поэзии.
«Рука, натренированная таким образом, и ум, обученный таким образом, доведут Искусство до более высокого уровня совершенства, чем, возможно, оно достигло до сих пор в этой стране. никогда не обеспечит ему постоянной репутации. Он предоставит более низкому Художнику раболепно полагать, что это лучшие картины, которые, скорее всего, обманут зрителя. художник, подобно флористу или коллекционеру ракушек, демонстрирует мельчайшие различия, которые отличают один предмет одного и того же вида от другого; в то время как он, подобно философу, будет рассматривать природу абстрактно и представлять в каждой своей фигуре характер своего вида.
«Если бы обман зрения был единственным занятием Искусства, несомненно, мелкий живописец был бы более склонен к успеху; но не глаз, а ум желает затронуть гениальный художник». Он не будет тратить ни минуты на те меньшие предметы, которые служат только для того, чтобы поймать смысл, разделить внимание и противодействовать его великому замыслу говорить к сердцу. «Вот честолюбие, которое я хочу пробудить в ваших умах; и цель, которую я преследовал на протяжении всей этой беседы, — это одна великая идея, которая придает живописи ее истинное достоинство, которая дает ей право называться свободным искусством. , и делает его сестрой поэзии.
На предыдущих страницах представлены принципы, лежащие в основе аранжировки произведения искусства. Тем, кто хочет изучить применение этих принципов, следует прочитать книгу Бернета, которая является одной из самых ценных и охватывает все вопросы, связанные с живописью.
Показана невозможность обучения сочинению, особенно в народных школах. Хотя мало что можно сделать, не следует полностью пренебрегать этой темой. Самое ценное образование в ней даст изучение произведений лучших мастеров, которые должны быть размещены в каждой классной комнате на видном месте для всех учеников.Эти работы окажут положительное влияние на всех.
Объясняемые принципы применимы не только к расположению картинок, но и к простым предметам, подходящим для изучения в государственных школах; и правильное расположение этих объектов настолько просто, что принципы легко будут применяться теми, кто не является художником или не обучен воспринимать тончайшие ощущения.
Результатом всего изучения этого предмета будет усиление необходимости простоты и широты формы, света и тени и цвета.Должен быть пункт главного интереса, пункт, которому подчинены все остальные, и рисунок или картина должны объясняться с первого взгляда.
В младших классах, когда ученики рисуют с одного предмета, они должны расположить рисунок на бумаге в приятной манере и сделать его такого размера, который будет производить наилучший эффект. Многие ученики сделают небольшой рисунок и поместят его в один угол листа; другие сделают рисунок, который простирается до краев бумаги и часто должен выходить за край в одном или двух направлениях.Но немногие сделают рисунок оптимального размера или правильно его разместят.
Распространенной ошибкой является размещение рисунка очень близко к нижнему краю бумаги. Эффект от этого очень неприятный, потому что под рисунком должно быть столько же места, сколько и вверху, а часто и больше. Без этого пространства эффект перспективы уничтожается. Учителя должны настаивать на том, чтобы линии блокировки были нарисованы так, чтобы получился рисунок наилучшего размера для бумаги, и чтобы он был хорошо расположен на ней.
Когда два или более объекта размещаются вместе, возникает вопрос об их выборе и расположении.Из того, что было сказано, видно, что объекты, которые совершенно не связаны между собой, не могут быть расположены так, чтобы передать идею. Предметы должны быть расположены так, чтобы не создавать эффекта разбросанности и пятнистости, и они не должны быть одинакового размера или формы; один объект должен быть важен своим размером, цветом и положением. Они должны быть расположены так, чтобы не было монотонности из-за длинных и абсолютно непрерывных строк, а главный объект не должен располагаться точно в центре страницы. Лучше иметь простой фон, сконцентрировать объекты и держать их по одну сторону от центра, чем равномерно закрывать фон объектами.Нечетное количество объектов лучше четного, и они должны быть расположены так, чтобы в группе был один главный основной источник света и не менее двух второстепенных источников света. Эффект света и тьмы должен быть простым и производиться массами света в контрасте с массами тьмы. Группы должны располагаться так, чтобы передний план казался светлее заднего.
Бернет делит композицию на два класса: угловатую и круговую. В угловых объекты расположены так, что важные линии образуют массу, общая форма которой треугольная.В круглом важные линии имеют круглую или эллиптическую форму. Субъект всегда должен быть составлен так, чтобы подпадать под тот или иной класс. Угловая форма наиболее проста для групп натюрморта и обычно применяется для этих предметов. На рисунках показана треугольная форма.


Следующие выдержки из «Рассуждений сэра Джошуа Рейнольдса» даны ввиду их особой ценности в связи с темой этой книги и главы:

РАЗГОВОР В.

«Есть еще одно предостережение, которое я хочу дать вам. Будьте столь же избирательны в тех, кому вы стараетесь угодить, как и в тех, кому вы стараетесь подражать. Без любви к славе вы никогда не сможете сделать ничего отличного; и не различая жажду его, ты придешь к вульгарным взглядам, ты деградируешь в своем стиле, и твой вкус будет совершенно испорчен, Несомненно, что самый низкий стиль будет самым популярным, так как он находится в пределах самого невежества. а простонародье всегда будет довольствоваться тем, что естественно в ограниченном и неправильно понятом смысле этого слова.»

РАЗГОВОР VII.

«Тот, кто станет реформировать нацию, предполагая, что в ней господствует дурной вкус, не достигнет своей цели, идя прямо против течения их предрассудков. Умы людей должны быть готовы воспринять то, что для них ново. Национальный вкус, каким бы неправильным он ни был, не может быть полностью изменен сразу, мы должны немного уступить предубеждению, которое овладело умом, и тогда мы можем заставить людей принять то, что оскорбило бы их, если бы мы попытались это сделать. внедряться насилием.»

РАЗГОВОР XII.

«Трактаты о воспитании и методах обучения всегда казались мне одним общим недостатком. Они основаны на ложном предположении
жизнь ; как будто мы обладаем не только властью над событиями и обстоятельствами, но и большей властью над самими собой, чем, я полагаю, будет обладать любой из нас. Вместо того, чтобы считать себя совершенным образцом мудрости и добродетели, мне кажется более разумным относиться к себе (как, я уверен, мы должны время от времени относиться к другим) как к забавным детям, чьим фантазиям часто следует потворствовать, чтобы сохранить они в хорошем настроении по отношению к себе и своим занятиям.»

РАЗГОВОР I.

«Я должен просить позволения представить на рассмотрение посетителей одну вещь, которая представляется мне очень важным вопросом, и упущение которого я считаю главным недостатком метода образования, проводимого во всех академиях, которые я Ошибка, которую я имею в виду, состоит в том, что ученики никогда не рисуют в точности с живых моделей, которые они имеют перед собой. В действительности это не входит в их намерения, и им не приказано делать это. Их рисунки напоминают модель только в отношение.Они изменяют форму в соответствии со своими смутными и сомнительными представлениями о красоте и рисуют скорее то, чем, по их мнению, должна быть фигура, чем то, чем она кажется. Я думал, что это препятствие, остановившее прогресс многих гениальных молодых людей; и я очень сомневаюсь, что привычка правильно рисовать то, что мы видим, не даст пропорциональной способности рисовать именно то, что мы воображаем. Тот, кто старается точно скопировать фигуру, стоящую перед ним, не только приобретает привычку к точности и аккуратности, но и постоянно совершенствуется в своем знании человеческой фигуры; и хотя поверхностным наблюдателям кажется, что он продвигается медленнее, в конце концов окажется, что он способен добавить (не впадая в капризную дикость) ту грацию и красоту, которые необходимо придать его более законченным произведениям и которые не могут быть получено современными людьми, поскольку оно не было приобретено древними, но путем внимательного и тщательного изучения человеческой формы.»

РАЗГОВОР XII.

«Однако не следует понимать, чтобы я распространял это учение на младших школьников. Первая часть жизни ученика, как и у других школьников, обязательно должна быть жизнью сдержанности. Грамматика, зачатки, однако неприятным, надо во всяком случае овладеть После того, как выработается привычка правильно рисовать — по образцу (каком бы он ни был), находящемуся перед ним, остальное, я думаю, можно смело оставить на волю случая, всегда предполагая, что студент работает, и что его исследования направлены на надлежащую цель.»

РАЗГОВОР XI.

«Свойства всех предметов, насколько художник имеет дело с ними, это очертание или рисунок, цвет, свет и тень. Рисунок дает формы, цвет, видимое качество, свет и тень. , его твердость
«Мастерство в любой из этих областей искусства никогда не будет достигнуто художником, если он не имеет привычки смотреть на предметы в целом и наблюдать за тем действием, которое они производят на глаз, когда он расширен, и на всецело. , не видя ни одной из частей отчетливо.Благодаря этому мы получаем господствующую характеристику и учимся подражать ей короткими и ловкими приемами. Я не разумею под ловкостью, уловкой или механической привычкой, созданной догадкой и установившейся привычкой; но та наука, которая благодаря глубокому знанию целей и средств находит кратчайший и вернейший путь к своей цели.
«Если мы критически рассмотрим манеру тех живописцев, которых мы считаем образцами, мы обнаружим, что их великая слава не проистекает из их произведений, более совершенных, чем у других художников, или из более пристального внимания к деталям. , но от того расширенного понимания, которое видит весь объект сразу, и от той энергии искусства, которая дает свой характерный эффект адекватным выражением.»

РАЗГОВОР XII.

«Нередко можно встретить художников, которые, из-за долгого пренебрежения культивированием этой близости с природой, даже не узнают ее, когда видят ее; она кажется им чужой, потому что они так привыкли к своему собственному изображению Я слышал, как художники признавали, хотя в этом признании не было намерения унижать себя, что им лучше обойтись без природы, чем с ней, или, как они сами выражались, что она только выводит их из себя.Художник с такими идеями и такими привычками действительно находится в самом безнадежном положении. Искусство видеть природу, или, другими словами, искусство пользоваться моделями, в действительности является великой целью, точкой, к которой направлены все наши исследования. Что же касается способности делать сносно хорошо только на практике, то пусть она оценивается в соответствии с ее ценностью. Но я не вижу, каким образом этого может быть достаточно для получения правильных, превосходных и законченных картин. Произведения, заслуживающие такого характера, никогда не создавались и никогда не возникнут только по памяти; и я осмелюсь сказать, что художник, который привносит в свою работу ум, сносно вооруженный общими принципами искусства, и вкус, сформированный на произведениях хороших художников, короче говоря, кто знает, в чем состоит превосходство, будет с помощь моделей, которыми, как мы также предположим, он научился искусству пользоваться, была бы превосходной партией для величайшего живописца, когда-либо жившего, который должен быть лишен таких преимуществ.»

РАЗГОВОР X.

«Что такое благодать, как она приобретается или мыслится, — это трудные вопросы в спекуляции; но causa latet, res est notissima: без какого-либо сбивающего с толку исследования; эффект ощущается ежечасно. Я только замечу, что ее естественным основанием является правильность замысел; и хотя изящество может иногда сочетаться с неправильностью, оно не может исходить из него».

РАЗГОВОР XI.

«Эти наблюдения могут привести к очень глубоким вопросам, которые я не собираюсь здесь обсуждать; между прочим, они могут привести к исследованию, почему мы не всегда удовлетворены как можно более полным сходством подражания с его первоначальным объектом.Могут существовать случаи, когда такое сходство может быть даже неприятным. Я только замечу, что действие восковых фигур, хотя, безусловно, и более точное представление, чем может дать живопись или скульптура, является достаточным доказательством того, что удовольствие, которое мы получаем от подражания, не увеличивается просто пропорционально тому, как оно приближается к к мельчайшей и детализированной реальности; мы же, напротив, радуемся, видя, как цели достигаются явно неадекватными средствами».

РАЗГОВОР III.

«Я был бы огорчен, если бы то, что здесь рекомендуется, было бы вообще понято как одобрение небрежной или нерешительной манеры живописи. Ибо, хотя живописец должен упускать из виду случайные различия Природы, он должен демонстрировать отчетливо и с точностью, общие формы великого стиля в живописи; и позвольте мне добавить, что тот, кто обладает знанием точной формы, которую должна иметь каждая часть природы, будет любить выражать это знание с точностью и точностью во всех своих работах.»

ПРЕДЫДУЩАЯ СТРАНИЦА

15 элементов композиции — рисунок с натуры

15 элементов композиции

Чтобы произведение искусства выглядело красиво, оно должно быть правильно скомпоновано. Теперь мы можем поговорить о том, что такое «правильный» путь.

Западные книги по искусству перечисляют восемь элементов композиции. Я не думаю, что этого достаточно, поэтому мы поговорим о 15 элементах, которые помогают создать красивую иллюстрацию с осмысленно представленной темой.

15 Элементы композиции:

  1. Юнити
  2. Фокус
  3. Баланс
  4. Симметрия
  5. Пропорции (включая золотое сечение)
  6. Контраст
  7. Статика
  8. Динамика
  9. Механизм
  10. Ритм
  11. Образец
  12. Подчиненность
  13. Влияние
  14. Ссылки
  15. Руководство

Чтобы научиться хорошим приемам рисования, запишитесь на курс Академии рисования:

Онлайн-курс

Самостоятельный курс для самостоятельного изучения основных методов классического рисования и совершенствования навыков рисования с помощью просмотра видеоуроков и выполнения заданий

  • Неограниченный доступ к 52 видео урокам рисования с натуры
  • Пожизненное членство без дедлайнов
  • Неограниченная поддержка от наставников Академии
  • Конструктивная критика ваших работ
  • Доступ члена к Художественному сообществу Академии
  • Место в студенческой галерее Академии
  • Эксклюзивный информационный бюллетень и бонусы только для членов
  • Диплом Академии художественного рисования на ваше имя

Единовременный платеж — пожизненное членство
297 долларов США

долларов США ЗАПИСАТЬСЯ СЕЙЧАС
Персональные онлайн-репетиторы + Онлайн-курс

Идеальный выбор, если вы хотите получить индивидуальное индивидуальное обучение от преподавателей Академии, адаптированное к вашим навыкам и потребностям

  • Все в онлайн-курсе плюс:
  • Специализированная команда преподавателей рисования
  • Оценка вашего текущего уровня навыков рисования
  • Индивидуальный учебный план с учетом ваших навыков и целей
  • До 100 задач рисования с оценкой по задачам
  • Неограниченное индивидуальное обучение с подробными инструкциями по задачам и обратной связью
  • Критика художественных работ и руководство, ориентированное на результат

Единовременный платеж — пожизненное членство
997 долларов США

долларов США ЗАПИСАТЬСЯ СЕЙЧАС

Advanced Composition Techniques — Essays on Art

Мы говорили о некоторых распространенных методах создания приятных композиций, таких как правило третей и правило пространства, но на протяжении всей истории художники разрабатывали и следовали многим системам и правилам создания композиций. .При исследовании композиции исторических произведений важно отметить, что не существует «секретной формулы», которой следует все великое искусство. Золотой прямоугольник спрятан не в каждом шедевре. Вместо этого каждое культурное и художественное движение использовало свои собственные методы композиции. «Хорошая» композиция субъективна и связана с уникальными культурными ценностями времени и места. Со временем многие восхитительные и эзотерические системы были изобретены, расширены и, в конце концов, отвергнуты последующими поколениями.Композиционные приемы — это мода, они приходят и уходят, но все они интересны.

Ниже мы рассмотрим несколько композиционных систем за последние 500 лет в западном искусстве. Большинство этих примеров взято из блестящей книги художника и историка Шарля Було «Секретная геометрия художника». Мы подробнее остановимся на композициях, встречающихся в незападном искусстве, в другом эссе, так как нам еще предстоит провести много исследований.

Рабатация квадрата

Каждый прямоугольник содержит два подразумеваемых квадрата, высоту и ширину короткой стороны прямоугольника.Поворачивая короткие стороны прямоугольника, вы можете найти две линии плетения в прямоугольнике — и размещение фокусных точек вдоль этих линий создает сильную композицию.

Рабатмент квадрата похож на правило третей — относительно простой способ найти приятное место для фокуса внутри прямоугольника. Теоретически прямоугольник — это первоначальная геометрическая форма, и именно при просмотре прямоугольника мозг подсознательно создает линию рабатмента, находя квадрат внутри прямоугольника.Если это так, то размещение фокуса на одной из двух линий рабатмента соответствует ожиданиям зрителя и вознаграждает его подсознательное поведение. Художники использовали рабатмент, по крайней мере, с раннего Возрождения, и «Святой Франциск перед султаном» Джотто является чрезвычайно буквальным примером.

Каркас прямоугольника

Каждый прямоугольник содержит внутреннюю геометрию. Линии из угла в угол, две линии плетения, диагонали от этих линий к углам, линии, проведенные от пересечения этих линий, и так далее.Это называется Арматурой Прямоугольника.

Арматура прямоугольника выглядит как теория заговора — сеть линий и пересечений настолько густая, что вы, вероятно, могли бы наложить ее поверх любого произведения искусства и найти какой-нибудь элемент, который выровняется. И это именно то, что нужно. Арматура — это не рецепт создания приятной композиции, это инструмент, помогающий художнику осознать геометрию своего холста. Арматура использовалась по-разному на протяжении веков. Художники размещают фокусы на критических пересечениях, выравнивают фигуры по диагоналям или блокируют пространство с помощью вертикальных и горизонтальных делений.Красота Арматуры в том, что она не выбрана, она врожденная. Независимо от того, сознательно ли художник занимается этим, сознательно мешает ему или творит в блаженном неведении, каркас всегда присутствует.

Золотой треугольник

Разделение прямоугольного пространства по его диагонали и проведение линий вниз от углов, пересекающих перпендикулярно этой диагонали, образует агрессивно-динамическую композицию.

Золотой треугольник может быть менее известной и, возможно, менее используемой композиционной формой, поскольку он редко появляется в обсуждениях композиции, а примеров его использования немного.Тем не менее, мы хотели включить его сюда, поскольку он прост в изготовлении и создает драматический поток в пространстве. Кроме того, название «Золотой треугольник» звучит заманчиво эзотерически. Если вы найдете или создадите произведение искусства, в котором используется эта необычная композиция, сообщите нам об этом.

Симметричный баланс

Идеальная вертикальная или горизонтальная симметрия может раздражать глаз (см. базовую композицию), но уравновешивание равного веса форм по обе стороны от центральной фокусной точки может создать приятную композицию.

Строго симметричные композиции входили в моду и выходили из нее на протяжении истории, от формальной религиозной симметрии средневековых алтарей до сложной радиальной симметрии исламских узоров и геометрической симметрии современного минимализма, но одну форму симметрии можно найти почти в каждая эпоха и культура — симметричный баланс. Если в композиции есть центральный фокус, а визуальный вес фигур или фокусов по обе стороны от этого центра кажется равным, то композиция симметрично сбалансирована, даже если центральный фокус не находится точно в центре общей картины. сочинение.

Медальон

Разделите круг пополам через центр, затем снова и снова разделите его на восемь «частей» — из каждой точки, где разделительные линии пересекаются с краем круга, проведите линии, пересекающиеся с другими точками пересечения . Эта арматура круга обеспечивает полезную структуру при создании композиций в круглом пространстве.

Композиция из медальона использовалась в декоративно-прикладном искусстве на протяжении тысячелетий, появляясь во многих вариациях в виде исламских узоров, романских изразцов и витражей.В западном искусстве медальон начинает появляться в фигуративных произведениях искусства в 13 веке, когда окна-розетки готической архитектуры начали влиять на иллюминаторов средневековых рукописей. Возможно, самый буквальный пример композиции с использованием медальонов появляется в Псалтири Бланш Кастильской. Со времен средневековья медальон использовался в круглых композициях, известных как тондо, и вставлялся в прямоугольные композиции, хотя редко с формальностью, характерной для готических иллюминаций. Чаще композиции будут подразумевать круговое движение, но без жесткости каркаса медальона.

Альбертизм

В теории музыки разница между двумя нотами в гамме называется интервалом, и, по словам итальянского художника, архитектора и писателя Леона Баттиста Альберти, интервалы между гармоничными нотами также могут быть визуально гармоничными, если их использовать как соотношения в составе.

Если каркас прямоугольника выглядит как теория заговора, то альбертизм выглядит как настоящая черная магия. Даже если вы хорошо разбираетесь в теории музыки, вам трудно понять, как Альберти и художники эпохи Возрождения использовали музыкальные пропорции для построения и разделения своих полотен.Альберти вывел свои пропорции из длины струн, необходимых для воспроизведения комплементарных нот, выбирая из широкого спектра музыкальных гамм, ориентируясь на следующие пропорции:

  • Диапазон или Октава: 1/2
  • Диапенте: 2 /3
  • Диатессарон: 3/4
  • Диапазон-Диапенте: 1/3
  • Тонус, или Полуторная октава: (1/8)

Теории Альберти были тупыми, даже когда он их писал, и художники адаптировали его идеи самыми разнообразными эзотерическими и несвязными способами.Так почему же мы говорим о таком, казалось бы, произвольном методе композиции? Потому что это помогает нам понять, почему в одной из самых известных картин всех времен были приняты очень странные решения.

В 1484 году Сандро Боттичелли написал одно из самых известных произведений итальянского Возрождения – «Рождение Венеры». И эта конкретная картина совершенно сбивает с толку по своей композиции. В том, что традиционно было бы идеально сбалансированной композицией, вероятно, с предполагаемой Венерой, выровненной по центру холста, Боттичелли помещает ее немного не в центр, наклоняясь к правой стороне холста.Тонкая асимметрия картины приводит в бешенство, и, не зная, что художники этого этапа итальянского Возрождения были одержимы альбертизмом, это кажется необъяснимым.

Вот как загадочные музыкальные пропорции Альберти можно применить к холсту. По словам Шарля Було, одним из любимых соотношений Боттичелли был двойной диатессарон, или 9/12/16. Чтобы увидеть, как Боттичелли мог составить «Рождение Венеры», мы разделим каждую сторону на 16 частей. Затем создадим каркас из пересекающихся линий — не из центра или решеток, а из точек, соответствующих двойному соотношению диатессарона, то есть: 9 /16-е и 12/16-е.Чтобы создать наклонную асимметрию «Рождения», Боттичелли отсчитывал от верхнего левого и нижнего правого углов холста, создавая диагональное фокальное разделение через центр холста и серию динамически перекошенных фокальных линий, на которые он сопоставил свою композицию с религиозной точностью. .

Ритмические пропорции Альберти, наложенные на шедевры Боттичелли, выявляют основную композицию Венеры. И это только один пример — чтобы увидеть больше, возьмите экземпляр «Секретной геометрии художника» и узнайте, как Було отслеживает пропорции Альберти во многих великих работах Боттичелли и в других картинах эпохи Возрождения.


Художники на протяжении всей истории углублялись в математику, философию, музыку и науку своего времени, чтобы открыть новые методы создания приятных и сбалансированных композиций. Понимание этих методов меняет то, как мы видим произведение искусства, позволяя нам взглянуть на строгость, планирование и заботу, которые скрываются за готовым произведением искусства. И лично мы надеемся, что изучение этих старых методов вдохновит художников нового поколения на применение некоторых формальных композиций прошлого.Креативность не обязательно означает нарушение правил — иногда креативность заключается в создании собственных правил или поиске нового способа применения старых.

А дальше мы, наконец, займемся оригинальной секретной геометрией: Золотым сечением.

Вопрос: Что такое композиция в терминах искусства

Композиция — это термин, обозначающий завершенное произведение искусства и, более конкретно, способ, которым все его элементы работают вместе, чтобы произвести общий эффект.

Каковы 5 элементов композиции в искусстве?

Традиционный взгляд на искусство, а именно на изобразительное искусство, предполагает, что существует пять основных элементов художественного произведения – линия, форма, цвет, текстура и пространство.

Какие бывают виды композиции в искусстве?

Элементами композиции в западном искусстве обычно считаются: Баланс, Контраст, Фокус, Движение, Узор, Пропорция, Ритм и Единство.

Почему композиция используется в искусстве?

Композиция придает планировку и структуру каждому произведению искусства, а также влияет на то, как предмет воспринимается и понимается. Он ведет взгляд наблюдателя по изображению и подчеркивает фокус.Unity связывает все элементы композиции вместе, но иногда части могут выглядеть неуместно.

Что такое композиция в рисунке?

Композиция определяется как то, как объекты и предметы, которые вы собираетесь рисовать, расположены, организованы и объединены. Вы можете расположить вещи, которые собираетесь рисовать. Композиция — это расположение предметов и объектов на вашем рисунке.

Как вы описываете композицию?

Термин «композиция» означает «сборка».Его можно рассматривать как организацию элементов искусства в соответствии с принципами искусства. Композиция может применяться к любому произведению искусства, от музыки до письма и фотографии, которое организовано с использованием сознательного мышления.

Как вы описываете композицию в искусстве?

Композиция — это способ, которым различные элементы произведения искусства комбинируются или располагаются. Художник имеет полную свободу в выборе композиции своего произведения. Все элементы могут быть сгруппированы по направлению к центру холста или фотографии или разбросаны по углам произведения.

Какой пример композиции?

Определение композиции — это действие по соединению чего-либо или сочетание элементов или качеств. Примером композиции является цветочная композиция. Примером композиции является рукопись. Примером композиции является расположение цветов и вазы на картине Ван Гога «Подсолнухи».

Какие три основные части композиции?

Большинство писателей думают, что эссе состоит из трех основных частей: Введение.Тело. Заключение.

Как бы вы описали композицию скульптуры?

Итак, когда дело доходит до искусства, композиция — это расположение элементов в живописном пространстве (или трехмерном пространстве со скульптурой). Расположение и расположение элементов в произведении влияет на то, как зритель взаимодействует с тем, что мы создаем.

Почему композиция так важна?

Композиция — это то, что направляет наш взгляд по фотографии и придает важность объекту по отношению к остальной части фотографии.Композиция через поток, направление и визуальный баланс помогает вести историю вашего изображения и привлекает внимание вашего зрителя.

Как художники используют композицию?

Элементы композиции в искусстве используются для расположения или организации визуальных компонентов таким образом, чтобы это было приятно художнику и, как можно надеяться, зрителю. Они помогают придать структуру макету картины и способу представления предмета. Неуравновешенная картина создает ощущение беспокойства.

Что такое состав и его значение?

Композиция — это способ направить взгляд зрителя на наиболее важные элементы вашей работы, иногда — в очень определенном порядке. Хорошая композиция может помочь сделать шедевр даже из самых унылых объектов и сюжетов в самом простом окружении.

Какие бывают типы композиции?

Какие существуют виды композиций? Описательные: описательные композиции представляют подробную картину событий, информативные: повествовательные: повествовательные композиции рассказывают историю, которая достигает кульминации.Пояснение: Пояснительные сочинения — это те, в которых писатель пытается объяснить вещи] Убедительно: Отчет:.

Как составить композицию?

вступительное предложение = тема + подход. идеи, связанные с вводным предложением. подробности об этих идеях. заключительное предложение. написать заголовок. сгруппируйте мысли в абзацы. написать состав. исправьте состав.

Что такое введение в композицию?

В эссе, статье или книге введение (также известное как пролегомен) представляет собой начальный раздел, в котором излагаются цель и задачи последующего письма.Обычно за этим следует основная часть и заключение.

Что такое динамическая композиция в искусстве?

Динамические композиции полны энергии или движения. Углы используются для создания движения. Пока плоская линия горизонта покоится, треугольник движется.

Как вы описываете композицию картины?

Проще говоря, композиция — это расположение элементов фотографии. Именно то, как художник помещает эти вещи в кадр, помогает фотографии стать более или менее интересной для зрителя.Хорошая фотография состоит из множества разных частей и объединяет их в эстетически приятное целое.

Что такое хорошая композиция в живописи?

Хорошая композиция — это та, в которой художник управляет движением взгляда зрителя для получения полезного результата. Мы можем сделать это с помощью ряда средств, таких как усиление фокуса с помощью правила третей, подразумеваемых линий, контраста значения и выборочной насыщенности цвета.

Какова композиция изображения?

Композиция изображения — это просто то, как все отдельные объекты в нашем кадре объединяются, чтобы сформировать финальное изображение.Мы можем изменить нашу композицию, двигаясь, увеличивая или уменьшая масштаб, меняя линзы или даже просто приседая.

Какие есть 7 типов композиции?

7 наиболее распространенных типов написания эссе Повествование. Повествовательные эссе традиционно предназначены для рассказа истории, основанной на реальном жизненном опыте писателя. Описательный. Описательные эссе, по сути, рисуют картину чего-либо. Пояснение. Убедительный. Сравнивать и противопоставлять. Светоотражающий. Личный.

Каковы качества хорошей композиции?

Ниже приводится краткое описание пяти качеств хорошего письма: направленность, развитие, единство, связность и правильность.

Композиция в рисунке: Что такое композиция и почему она так важна при рисовании?

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.

Пролистать наверх