Жанровый портрет в живописи: Жанровый портрет • Praguetakeaway

Содержание

Жанровый портрет • Praguetakeaway

Жанровый портрет напоминает кино. Тут человек гармонично вписывается в ситуацию или окружение, имеет свою историю. В жанровом портрете много внимания уделяется идее и сюжету, декорациям и обстановке, и это отличает жанровый портрет от портрета как такового.

Это съемка в обычной естественной обстановке. Главную роль играет настроение фотографа и то, что он хочет запечатлеть на снимке.

Окружающая обстановка помогает лучше передать не только индивидуальные черты, но и особенности характера, настроение и эмоции, социальную среду и быт (чаще всего это передается за счет декораций и антуража). Фотографируемый человек всегда гармонично вписан в какую-то ситуацию, и зрители видят фотографию с историей, оставшейся за пределами кадра.

Зачастую профессия оставляет в образе человека настолько явный отпечаток, что невозможно за ним рассмотреть бытовую или социальную среду, в которой этот человек живет. Люди на таких фотографиях обычно смотрятся честными и открытыми.

 Конечно, на фотографии будут как незамеченные детали, так и хорошо видимые. Это естественно, поскольку у фотографа не хватит времени и не будет возможности расставить все так, как удобно и нужно. Мы делаем упор не только и не столько на правильность обстановки и ее гармоничность, сколько на кульминационный момент в эмоциях и чувствах. Бывает и такое, что фотографу становится все равно, что попадет в кадр помимо человека.

Жанровый портрет интересен тем, что имеет не так много деталей, которые, однако, максимально раскрывают правдивость жизненных ситуаций. Самой большой тайной Вселенной во все времена остается человек. Поэты и художники, социологи и психологи, физики и эзотерики пытливо заглядывают в его суть, и чем больше узнают его, тем больше понимают, что мир непознанного безграничен.

Удачная фотография жанрового портрета завораживает и погружает зрителя в другой волшебный и неповторимый мир человека. Для того, чтобы схватить на секунду раскрывшуюся суть другого человека фотографу необходимо самому постоянно расти и совершенствоваться не только в технических познаниях этого увлекательнейшего стиля, но и развивать в себе образное мышление, интуицию, логику.

Фото повседневной жизни может рассказать о человеке не меньше, чем рассказ о нем или интервью. Неуловимый в реальной жизни взгляд или поворот головы, чуть заметная улыбка или трагическая складка у рта могут раскрыть гораздо больше, чем длительное личное общения.

Фотография для меня — своеобразный поиск самовыражения. Просматривая сегодня фотографии, которые я снимал в течение жизни, я вспоминаю детали. Если бы не они, однозначно я бы все забыл. Посредством фотографии мы пишем свою историю, биографию. Со временем человек начинает понимать, что чем больше его фотографии отслеживаются, тем большую силу они обретают благодаря своей историчности, так как сила фотографии в ее документальности».

Жанр портрет в искусстве. Портрет как жанр изобразительного искусства

Портрет — слово французского происхождения (portrait), означающее «изображать». Жанр портрета — это разновидность изобразительного искусства, посвященная передаче образа одного человека, а также группы из двух-трех людей на холсте или бумажном листе. Особое значение при этом имеет выбранный художником стиль. Рисунок лица человека на портрете — это одно из самых сложных направлений в живописи. Мастер кисти должен передать характерные признаки внешности, эмоциональное состояние, внутренний мир позирующего. Размеры портрета определяют его вид. Изображение может быть погрудным, поколенным, поясным или во весь рост. Поза предполагает три ракурса: лицом (анфас), поворот «три четверти» в ту или другую сторону и в профиль. Портрет как жанр изобразительного искусства, содержит в себе безграничные возможности реализации художественных замыслов. Сначала делается набросок, затем непосредственно рисунок.

История жанра портрет

Самая древняя попытка изображения лица человека насчитывает 27 тысяч лет. «Картина» была обнаружена в пещере, недалеко от французского города Ангулем. Портрет представляет собой обведенный мелом контур, отдаленно напоминающий черты человеческого лица. Древний художник обозначил основные линии глаз, носа, рта. Позже (тоже в пещерах) на Балканах и в Италии стали появляться более четкие и определенные изображения, среди которых преобладали лица, нарисованные в профиль. Человеку свойственно творить, талантливые люди не могут жить без того, чтобы не оставить после себя какой-то след. Это может быть выложенный из камешков узор посреди поля, вырезанный орнамент на коре дерева, чье-то лицо, нарисованное углем на скале. Возможностей для творчества сколько угодно.

Лепные изображения

Когда-то портретный жанр тяготел к воплощению в скульптуре, поскольку в глубокой древности не было художников, досконально владевших кистью и способных передать игру света и тени. Изображение лица в глине удавалось лучше, и поэтому в те далекие времена доминировали именно лепные портреты. Искусство живописи появилось намного позже, когда человечество осознало необходимость культурного общения.

Захоронения

Появление изображений, близких к рисунку, также относится к более позднему периоду, а первые портреты были найдены на древних восточных территориях. В египетском государстве происходило обожествление усопших. При захоронении создавался своего рода портрет, который условно считался двойником умершего. Появился принцип мумифицирования, а затем и портретирования. История жанра портрет содержит множество примеров культовых изображений как в рисунке, так и в скульптуре. Рисунки лиц усопших становились все более похожими на оригинал. А затем копирование лица ушедшего в мир иной заменили на маску. Египетских усопших стали хоронить в саркофагах, на крышке которых изображался умерший в полный рост с красивым стилизованным лицом. Такие похороны устраивались исключительно для знати. Египетские фараоны, например, помещались не только в саркофаг, но еще и в гробницу, которая представляла собой огромное сооружение.

Разнообразие решений

У художника при написании портрета есть выбор: изобразить лицо и одежду человека в соответствии с оригиналом или проявить творческий подход, создавая изысканную креативную картину. Главным условием при этом остается сходство, которое играет доминирующую роль. Самостоятельный жанр живописи — портретное искусство, открыт для экспериментов самого широкого спектра. Художник имеет возможность совершенствовать свое мастерство, применяя новейшие технические достижения.

И действительно, решающее значение для достижения оптимального результата имеет техника исполнения. Самым распространенным способом портретной живописи у профессиональных художников является картина маслом на холсте. Этот стиль уходит корнями в глубь веков. Его использовали художники древности. Их работы сохранились до наших дней. Портрет как жанр изобразительного искусства существует с незапамятных времен, а сегодня он является популярным средством художественного самовыражения.

«Сухая кисть»

В последнее время становится популярной методика «сухая кисть», когда изображение создается не мазками, а растиранием небольшого количества краски. Кисть при этом почти сухая, а сам способ позволяет получать красивые полутона. Поскольку самый тонкий жанр живописи — портрет, а изображение лица в красках требует именно нежных оттенков, то методика «сухой кисти» подходит для этой цели как нельзя лучше.

Типы

Жанр портрета подразделяется на несколько типов: парадный, камерный, интимный и сюжетный. Также существует особый тип под названием автопортрет, когда художник изображает самого себя. Как правило, это сугубо индивидуальный рисунок. В целом жанр портрета является вполне самостоятельным видом живописи, подчиняющимся определенным правилам. Эти правила никогда не нарушаются, хотя их рамки могут быть расширены при определенных обстоятельствах.

Помимо уже перечисленных, существует еще один жанр портрета, включающий в себя особые художественные признаки, специализированная разновидность, требующая системного подхода. Это костюмированный портрет, когда на полотне изображается современный человек в одежде прошедшего времени. Диапазон сюжетов не ограничен: от шкур, в которые облачался первобытный человек, до свадебного наряда эпохи Ренессанса. В этой портретной разновидности присутствуют элементы театральности. В Российской Федерации, особенно в Москве, костюмированный портрет получил широкое распространение, но произошло это не в угоду моде, а скорее, как дань искусству.

Жанр портрета в искусстве

Живописные полотна, написанные в разное время, объединяет одно обязательное условие – картины должны быть достоверными. Немаловажную роль при этом играет портретная составляющая, а иначе говоря — изображение лица персонажей. От того, насколько тщательно выписаны черты лица, зависит успех картины. Выражение глаз, улыбки или, наоборот, нахмуренные брови, все нюансы должны быть отражены на полотне. Задача непростая, но фактор достоверности свидетельствует о мастерстве художника. Именно поэтому жанр портрета в искусстве столь однозначен и требует от мастера полной отдачи. Опытным художникам лучше всего удаются картины, в сюжете которых присутствуют люди, их лица крупным планом и акцентированное движение.

Литературные портреты

Писатели, равно как и художники, довольно часто изображают лицо человека. Литературных приемов для этого значительно больше, богатый русский язык позволяет использовать многочисленные художественные формы, обороты и словосочетания. Цель, к которой стремится писатель, по смыслу идентична замыслу художника, литератор описывает выражение лица как следствие настроений человека, отражение его мыслей, эмоций и переживаний. Жанр литературного портрета достаточно сложен. Описывать нужно, избегая поверхностных формулировок. Для этого требуется мастерство истинного творца. Среди русских писателей, способных выразить в нескольких словах суть человеческого облика, на первом месте находится великий Максим Горький. Его американский последователь, Уильям Фолкнер, так же виртуозно владел искусством словесного портретного рисунка. Жанр литературного портрета многообразен, описание следует определенному стилю, оно может быть веселым или грустным, кратким или пространным, все зависит от каждого отдельного произведения.

Фотография

С появлением дагеротипии расширились возможности изобразительного искусства, и портреты не стали исключением. Фотопортрет стоил намного дешевле картины, написанной маслом, да и узнаваемость была стопроцентной. И хотя художники язвительно замечали, что фотография — это «живопись для бедных», широкая публика повернулась в сторону более точного изображения на пластине с серебряным покрытием. Жанр фотографии портрет быстро вошел в моду, от желающих запечатлеть себя и своих близких не было отбоя.

Однако у нового способа, дагеротипа, были свои недостатки. Фотография, в отличие от живописного портрета, не позволяла что-либо менять. Изображение застывало раз и навсегда, исправить что-то было невозможно. А если учесть, что человек фотографировался сидя или стоя (в напряженной позе), то выходил он на снимке не лучшим образом. Поэтому было много разочарований, претензий и недовольства. Тем не менее портретные снимки прижились, люди научились артистично позировать, и все встало на свои места.

ПОРТРЕТ В ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОМ ИСКУССТВЕ | Энциклопедия Кругосвет

ПОРТРЕТ В ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОМ ИСКУССТВЕ – это художественное высказывание, имеющее содержание и способ выражения (грамматику, стилистику). Какова тема любого портрета? На портрете изображается внешний облик (а через него и внутренний мир) конкретного, реального, существовавшего в прошлом или существующего в настоящем человека. Всеобщая (инвариантная) тема портрета – индивидуальная жизнь человека, индивидуальная форма его бытия. Независимо от того, сколько человек изображено на портрете – двое (парный портрет) или несколько (групповой), каждый из них на портрете обладает относительной автономией. На портрете могут звучать две, три темы и т.д., но каждая из них – тема индивидуальной жизни. Если темы теряют свою самостоятельность, портрет выходит за пределы своей жанровой специфики. Так, например, если темой выступает событие, перед нами не портрет, а картина, хотя ее герои могут быть изображены портретно.

Кроме темы, портрет имеет всеобщий (инвариантный) сюжет, такую форму бытия, как созерцание-мышление, интеллектуальное, внутреннее созерцание. В этом состоянии субъект вбирает в себя весь мир предметов и связей со стороны их значения, смысла, коренных вопросов человеческого существования. Сознание погружается в самого себя. Человек при этом освобождается от односторонности, от узости страсти или случайного настроения. Индивид внутри себя преисполнен поэзии и фантазии, глубокого погружения в размышления и мысли, в собственный замкнутый внутренний мир.

Такому состоянию противопоказано действие, речедвигательная активность (на портрете человек, как правило, не «говорит». На портрете человек молчит, но это красноречивое молчание. Портрету противопоказаны аффекты (гнев, ярость, бурное веселье и т.д.) – сильное кратковременное чувство, связанное с активной двигательной реакцией. Для портрета характерен одушевленный покой.

Человек созерцающий предполагает разнообразное сочетание иных характеристик – социальное положение, национальность, возраст, религиозные и нравственные признаки, характер и др.

Созерцающе-размышляющий индивид изображается на портрете во внешнем облике. Главное здесь – зеркало души, лицо, а в лице – выражение глаз. Взгляд устремлен вдаль или уходит вглубь души, он «проходит» сквозь зрителя.

В чем заключается эстетический инвариант жанра портрета? Замечено, что модель на портрете не смеется и не вызывает смеха. Категория комического противопоказана «архетипу» жанра портрета. Эстетическим инвариантом портрета является категория «серьезного». Портрет – серьезен. Модель на портрете изображена в серьезную минуту жизни. Портрет опускает то, что принадлежит простой случайности, мимолетной ситуации, присущей человеку в реальной жизни. В этом смысле портрет, по выражению Гегеля, «льстит» модели. Существует внутренняя связь между созерцанием-размышлением и эстетической серьезностью. Когда человек серьезен, он не смеется. Там, где на портрете модели смеются, жанр портрета находится на границе с другими жанрами – этюдом, эскизом, «жанром» и т.п. Духовный аспект – главное в портрете. Содержанием серьезного может быть и трагическое и возвышенное.

Портрет, как и каждое художественное высказывание, реализует себя через композиционную форму. Она специфична для искусства. Композиционным инвариантом портрета выступает такое построение, в результате которого в центре композиции, в фокусе зрительского восприятия оказывается лицо модели. Не случайно композиционным симптомом становления жанра европейского портрета в эпоху раннего Возрождения называют «Выход из профиля» в фас. Исторические каноны в сфере композиции портрета предписывают определенную трактовку центрального положения лица по отношению к позе, одежде, окружению, фону и т.п.

С точки зрения содержания (семантики) портрета жанра, несовместимыми с его архетипом принято считать «натюрмортные» и «декоративные» портреты. «Натюрмортные» портреты, изображая индивидуальность, трактуют ее как «вещь», «декоративные» – не с позиций категории «серьезного», а с точки зрения «декоративного ощущения».

Анализ «архетипа» жанра портрета с точки зрения способов выражения ведется на трех уровнях: коммуникативном, эстетическом и композиционном. Эстетическая форма выражения должна быть только совершенной, гармоничной, «прекрасной», композиционная – «технически» обеспечивать реализацию эстетической и коммуникативной формы. Коммуникативным инвариантом жанра портрета является изображение. Основная черта изображения – сходство с отображаемым объектом, с моделью. Сходство – это подобие, но не тождество. Отступление от тождества в границах подобия не только допустимо, но необходимо для целей портрета.

Портрет не только изображает индивидуальность человека, но и выражает индивидуальность художественной личности автора. Портрет –«автопортретен». Художник вживается в облик модели, благодаря чему постигает духовную сущность человеческой индивидуальности. Такое постижение происходит только в акте эмпатии (перевоплощения) в процессе слияния «Я» модели и «Я» автора. В результате возникает новое единство, подобное тому, которое возникает между актером и его ролью. Благодаря такому слиянию модель на портрете выглядит как если бы она в действительности была живая. Одушевленность модели на портрете также входит в число черт, составляющих инвариант портрета. Поскольку портрет всегда в чем-то похож на автора, одновременно он в чем-то не похож на модель. Похожесть и непохожесть одинаково важны для портрета.

Для чего создается портрет, каково его жизненное назначение?

Портрет, который не превращает лицо в «вещь» и не живет только по каким-то совершенно абстрактным формальным законам, заключает в себе истину об индивидуальности Человека созерцающего (и модели и автора). Вот почему познавательная функция портрета – существенный и необходимый признак жанра портрета, его «архетипа». Это не мешает иным способам использования портрета (мемориального, репрезентативного, декоративного и др.) в соответствии с бытующей в искусствознании типологией портретного искусства.

В отличие от инварианта («архетипа») каноническая структура портрета относится не ко всем эпохам, а лишь к некоторым: через каноны, их историческую смену совершается развитие портретного жанра. Канон не следует отождествлять со штампом, он является одной из форм развития искусства и его жанров. Требования канона распространяются на все уровни формы, которые в своей целостности характеризуют стиль портрета. Например, стиль авангардного портрета конца XIX–XX вв. характеризуют такие черты, как «натюрмортность», выражение родового начала (не «Я», а «МЫ»), самовыражение, конструктивное сходство с моделью, гротесковость как ведущая эстетическая категория. Все это говорит о кризисе классического канона портретного жанра в искусстве авангарда при сохранении «архетипа».

В итоге можно дать следующее определение жанра портрета в его классическом виде: портрет раскрывает с позиций эстетической категории «серьезного» и в рамках живописного стиля истину человеческой индивидуальности посредством одушевленного изображения внешнего облика человека (композиция изображения такова, что в центре оказывается лицо и глаза), выражающего рефлексивно-медитативное состояние модели и автора.

Евгений Басин

19. Портретный жанр: представители.

Портре́т (фр. portrait, от старофранц. portraire — «воспроизводить что-либо черта в черту»[1], устар. парсуна — отлат. persona — «личность; особа») — изображение или описание какого-либо человека либо группы людей, существующих или существовавших в реальной действительности[2], в том числе художественными средствами (живописи, графики,гравюры, скульптуры, фотографии, полиграфии), а также в литературе и криминалистике (словесный портрет)

[3].

Портрет в литературе — одно из средств художественной характеристики, состоящее в том, что писатель раскрывает типический характер своих героев и выражает своё идейное отношение к ним через изображение внешности героев: их фигуры, лица, одежды, движений, жестов и манер.[4]

В изобразительном искусстве портрет — это самостоятельный жанр, целью которого является отображение визуальных характеристик модели. «На портрете изображается внешний облик (а через него и внутренний мир) конкретного, реального, существовавшего в прошлом или существующего в настоящем человека».[5] Портрет — это повторение в пластических формах, линиях и красках живого лица, и одновременно при этом его идейно-художественная интерпретация[6].

Поджанры портрета

Темой портрета является индивидуальная жизнь человека, индивидуальная форма его бытия. «Если темы теряют свою самостоятельность, портрет выходит за пределы своей жанровой специфики. Так, например, если темой выступает событие, перед нами не портрет, а картина, хотя её герои могут быть изображены портретно».[5]

Борис Кустодиев. «Купчиха за чаем», 1918. Полотно представляет собой не портрет, а скорее портрет-картину, портрет-тип, причём социальный. Любопытно, что позировала представительница интеллектуальной среды — Галина Адеркас, актриса Большого театра.

Рембрандт. «Портрет жены Саскии в образе богини Флоры», 1634

Границы жанра портрета очень подвижны, и часто собственно портрет может сочетаться в одном произведении с элементами других жанров.[17]

  • Исторический портрет — изображает какого-либо деятеля прошлого и создаваемого по воспоминаниям или воображению мастера, на основе вспомогательного (литературно-художественного, документального и т. п.) материала. В сочетании портрета с бытовым или историческим жанром модель часто вступает во взаимодействие с вымышленными персонажами.

  • Посмертный (ретроспективный) портрет — сделан после смерти изображённых людей по их прижизненным изображениям или даже полностью сочинённый.

  • Портрет-картина — портретируемый представлен в смысловой и сюжетной взаимосвязи с окружающими его миром вещей, природой, архитектурными мотивами и другими людьми (последнее — групповой портрет-картина).

  • Портрет-тип — собирательный образ, структурно близкий портрету.

  • Костюмированный портрет — человек представлен в виде аллегорического, мифологического, исторического, театрального или литературного персонажа. (В наименования таких портретов обычно включаются слова «в виде» или «в образе», например, «Екатерина II в виде Минервы»). Различают:

  • Семейный портрет

  • Жанровый портрет

  • Автопортрет — принято выделять в отдельный поджанр.

  • Религиозный портрет (донаторский или ктиторский) — древняя форма портрета, когда человек, сделавший пожертвование, изображался на картине (например, рядом с Мадонной) или на одной из створок алтаря (часто коленопреклонённым).

  • Иногда при классификации используется сословный принцип: купеческий, крестьянский портрет, портрет духовного лица, шутовской портрет, поскольку социальное положение модели влияло на определённые методы репрезентации, используемые художником.

По характеру изображения[18][19]:

  • Парадный (репрезентативный) портрет — как правило, предполагает показ человека в полный рост (на коне, стоящим или сидящим). В парадном портрете фигура обычно даётся на архитектурном или пейзажном фоне; бо́льшая проработанность делает его близким к повествовательной картине, что подразумевает не только внушительные размеры, но и индивидуальный образный строй. В зависимости от атрибутов парадный портрет бывает:

    • Коронационный (реже встречается тронный)

    • Конный

    • В образе полководца (военный)

    • Охотничий портрет примыкает к парадному, но может быть и камерным.

      • Полупарадный — обладает той же концепцией, что и парадный портрет, но имеет обычно поясной или поколенный срез и достаточно развитые аксессуары

  • Камерный портрет — используется поясное, погрудное, оплечное изображение. Фигура зачастую даётся на нейтральном фоне.

    • Интимный портрет — является редкой разновидностью камерного с нейтральным фоном. Выражает доверительные отношения между художником и портретируемой особой.

    • Малоформатный и миниатюрный портреты, выполненные акварелью и тушью

Представители портретного жанра:

Выдающимися представителями портретного жанра являлись И. Олешкевич, Е. Рустэм, В. Ванькович и др.. И. Олешкевич написал портреты магнатов Л. Сапеги, М. Радзивилла, А. Ржевского, портрет А. Мицкевича, а также ‘Групповой портрет «,» Мадонна с ребенком «и др.. Он известен и как мастер исторических композиций. За картину «Благодетельное призрение и попечение императрицы Марии Фёдоровны о бедных «И. Олешкевич был избран членом Императорской академии художеств.

Кисти художника Я. Рустема, профессора Виленского университета принадлежат портреты его современников Томаша Зана, Антония Ваньковича и др. Художник Валентий Ванькович, воспитанник Полоцкой иезуитской академии, создал портреты А. Тавянскага и его жены Каролины, картину «А. Мицкевич на скале Аюдаг».

Романтические мотивы отчетливо проявились не только в портретной, но и в исторической и пейзажной живописи. Талантливый художник, этнограф и композитор Н. Орда обошел и объездил почти всю Беларусь, Польшу и Литву, сделал около 500 акварелей и рисунков с натуры, сохранив, таким образом, для потомков облик прекрасных памятников архитектуры, замков, дворцов, улиц городов, исторических мест. Его акварели и рисунки переводились в литографии, издавались альбомами, графическими сериями. Большое общественное признание получили картины Н. Орды «Логойск», «Крыжовка», «Руины замка в Лиде», «Мир», «Несвиж», «Белая вежа» и др..

Портрет в России. ХХ век живопись, графика, скульптура из фондов музея. Осталась последняя неделя работы выставки!

 

 

Выставка

Портрет в России. ХХ век

живопись, графика, скульптура

из фондов музея

Место проведения: Орловский музей изобразительных искусств (г. Орел, ул. Октябрьская, 29)

Открытие: 4 августа в 15:00

 

На выставке «Портрет в России. ХХ век» из фондов музея представлено 90 произведений живописи, графики и скульптуры известных и малоизвестных художников, которые рассказывают об особенностях развития портретного жанра в русском изобразительном искусстве ХХ века.

На ней представлены портреты, созданные в первое десятилетие ХХ века. Это время возникновения новых выставочных объединений и группировок. Портрет «Лиза в голубой шали».1909, Р. Р. Фалька дань увлечения художника символизмом. «Портрет Мака», 1910 написан художницей Н. С. Гончаровой в манере «неопримитивизма»  

Продолжают реалистические традиции в портрете, входившие в «Союз русских художников» А. Е. Архипов «Цветочница»,1917 и С. В. Малютин «Автопортрет»,1918, «Амазонка»,1920, ученик А. Е. Архипова Луппов С. В. «У колодца», 1918.

В объединение художников группа «13» входили  А. Д. Древин «Портрет Н. А.Удальцовой», 1935, А. Ф. Софронова «Автопортрет, 1920

В 1920-1930 годы формируются новые формы портрета-типа. Героический портрет представлен работами художника-земляка Н. И. Струнникова — это «Портрет партизана Вадима», 1927 и «Портрет Марии Поповой», 1930, Подвиги Марии Поповой во время Гражданской войны легли в основу создания образа героини популярного фильма «Чапаев» Анки-пулеметчицы.

Символом времени считалась тема «молодость страны Советов» и тип «новой женщины, передающий оптимизм общества. К собирательному общественно — социальному типажу можно отнести  жанровый портрет Ф. В. Сычкова «Подружки», 1930, «Девушка в красной косынке,1939, В.И. Леванидова, «У околицы», 1950 К. П. Фролова.

«Портрет профессора Саркизова — Серазини»,1935  Н. И. Струнникова представляет новый тип ученого Страны Советов.

«Портрет французского рабочего»,1928-1929 П. В. Сурикова написан во Франции, куда художника направили в командировку совершенствоваться после окончания ВХУТЕМАСа.

Особое место в экспозиции выставки занимают  работы нашей землячки — художницы А. Ф. Софроновой. В этом году ей исполняется 125 лет со дня рождения.

Эпоха 1960-х годов меняла мировосприятие, миропонимание и мировоззрение в искусстве. Это было связано с крахом идейно художественного движения 1930-1950-х годов. Многие художники стремятся отойти как можно дальше от помпезности, монументальности, блеска и света соцреалистических фасадов. В изобразительном искусстве преобладают гражданские мотивы, наполненные публицистичностью. Самое значительное течение 1960-х годов – «суровый стиль». В изображении появляются новые типажи рабочего, колхозника, интеллигента. Для художников этого стиля характерны гиперболизация и намеренная огрубление  формы, аскетичность колорита. На выставке представлены портреты художников, работавшие в этом стиле: П. П. Оссовский «Словацкая девушка», 1960-е годы, «Автопортрет», 1986, А. Ю. Никич-Криличевский «Автопортрет»,1969 , Э. Г. Броговский «Горновой Михаил Первов», 1972. Редкий образец «сурового стиля» — тема культа личности представлена произведениями В. Е. Попкова «Чекист». 1963 и «Мужчина в черной гимнастерке», 1969.

Парадные портреты Д. А. Налбандяна, В. П. Ефанова, А.И. Лактионова экспонирующиеся на выставке, продолжают идеологическую  линию официального искусства прежних десятилетий.

В 1970-1980-е годы в искусстве доминирует тяготение к камерности, глубокому и психологизму. На выставке широко представлены портреты деятелей культуры и искусства. Они выполнены  художниками А. Н. Яр-Кравченко, М. П. Труфановым, Ю. Д. Михайловым. Внутренний мир этих людей наиболее близок и понятен художникам.

Ю. А. Межирову наиболее близки в портрете темы балета и музыки.

Особое внимание на выставке привлекает монументальный «Портрет Е.А. Лебедева, народного артиста СССР в роли Холстомера», 1982 пермского художника Е.Н. Широкова.

Графический портрет в творчестве художников 1910-1920-х годов является естественным продолжением глубинных связей с реалистическими традициями русской  живописи. «Портрет Чугунова», 1915 написан художником-реалистом Ф. И. Рербергом, который играл заметную роль в художественном мире Москвы.

Работы А. Е. Архипова «Цветочница»,1917 и «Амазонка»,1920 С. В. Малютина выполненные в технике пастели, отличаются высокой культурой  реалистического видения, присущей русской  художественной школе.

Автопортрет В.А. Шестакова – нашего земляка был создан в Орле,  помимо автобиографических черт он несет в себе черты свойственные целому поколению. Это новый образ художника, рожденный революцией.

Пастельные портреты Зинаиды Серебряковой «Портрет крестьянина»,1926 и «Рабочий»,1930 из ее серии «люди из народа» написаны в Британии.

Художник А. И. Лактионов, мастер живописного и графического портрета,

до конца жизни был верен реалистической манере письма и не признавал экспериментов. Его графические работы «Портрет Н. Н. Литовцевой», 1940 и «Портрет архитектора Е. И. Катонина», 1943, созданы в классической традиции.

Достоверно передают образы людей своего времени рисунки Н.К. Соломина  «Тетя Дарья у нас в гостях», 1940, «Парень из нашего города»,1945, А.М. Наумова  «Колхозница».1939, «Старый учитель»,1950, Г.Б. Смирнова «Портрет академика В.А.Ватагина»,1954.

В акварельном  портрете И. Смоктуновского, 196 3 М.Х. Горшман передает образ актера загадочного, немного «не от мира сего».

В 1970-е годы большой популярностью пользуются цветные литографии, которые можно тиражировать.  В этой технике выполнены портреты: «Гагарин».1975 графика А. Б. Якушина,   «Портрет космонавта Ляхова»,1981, А. М. Гетманского, «Портрет Александра Абушахметова заслуженного мастера спорта СССР по фехтованию»,1982. В. А. Донского. И. В. Голицин в технике ксилографии запечатлел своего учителя В. А. Фаворского», 1986, замечательного мастера ксилографии и книжной иллюстрации.

Ярким пятном на фоне реалистической графики выделяются работы Элия Белютина «Автопортрет с женой», 1981 и «Приветливый» О. В. Немчиновой.

Скульптурный портрет на выставке представлен работами, созданными  начиная со второй половины 1950-х годов, заканчивая 1990-ми годами ХХ столетия. Это образы современников, деятелей культуры и искусства, созданные скульпторами: М. К. Аникушиным, С. А. Щербаковым, С. А. Горяиновым, И. Д. Савранской, Т. М. Соколовой и другими в различных материалах и техниках.

Портрет во все времена признавался особым, а в некотором смысле даже высшим родом искусства. Именно этот жанр во всех видах искусства дает обширные возможности для изображения человека во всей сложной совокупности его духовного и физического облика, его индивидуальной неповторимости и типичности, его личного и общественного «Я».

Выставка работает с 4 августа по 3 сентября 2017 года.

Часы работы с 10.00 до 17.00, в четверг – с 10.00 до 21.00.

Выходной — понедельник.

Адрес: г. Орел, ул. Октябрьская, 29. Тел.: 76-05-86, 76-27-41.

Жанры живописи

Живопись — один из наиболее распространенных видов искусства, с помощью которого художники — живописцы передают свое видение мира зрителям.

Таким образом, живопись представляет собой отдельный и весьма популярный вид изобразительного искусства, в котором зрительные образы передаются мастером посредством нанесения красок на поверхность картины.

 

И. И. Шишкин. Пейзаж » Корабельная роща» ( 1898 год).

 

Все существующие на сегодняшний день живописные произведения можно разделить на несколько отдельных жанров, которые имеют свои особенности в тематике и технике изображения. Рассмотрим основные из них, чтобы иметь правильное представление о структуре живописных полотен.

Итак, среди современных жанров живописи можно назвать следующие:

  • Портрет
  • Пейзаж
  • Марина
  • Историческая живопись
  • Батальная живопись
  • Натюрморт
  • Жанровая живопись
  • Архитектурная живопись
  • Религиозная живопись
  • Анималистическая живопись
  • Декоративная живопись

Схематически разделение жанров живописного искусства будет выглядеть следующим образом:

 

Схема жанров живописи

 

Портрет

Многим из нас знаком такой жанр живописи, как портрет. Это один из самых древнейших видов  изобразительного живописного творчества, и его можно встретить также в скульптуре и графике. Раньше не было фотографий, поэтому каждый богатый или знаменитый человек считал необходимым увековечить свое лицо и фигуру для потомков — и в этом на помощь ему приходили художники — портретисты.

Портретом принято считать изображение одного конкретного человека или целой группы людей. С помощью портретной живописи мастер показывает внутренний мир людей через особенности их внешнего облика.

Причем, на портрете могут изображаться как реальные люди, так и литературные или мифические герои. Кроме того, может быть создан как портрет человека, жившего в прошедшие времена, так и нашего современника, существующего на сегодняшний день.

Четких границ у портретного жанра нет, поэтому в одном произведении портрет может сочетаться с элементами других жанров живописи — пейзажем, натюрмортом и так далее.

 

Ксения Черномор. Портрет женщины на фоне пейзажа. Холст, масло.

 

Виды портретов

Среди наиболее распространенных видов портретной живописи можно выделить следующие:

  • Исторический портрет
  • Ретроспективный портрет
  • Портрет — картина
  • Типовой портрет
  • Костюмированный портрет
  • Автопортрет
  • Донаторский портрет
  • Парадный портрет
  • Полупарадный портрет
  • Камерный портрет
  • Интимный портрет
  • Малоформатный портрет
  • Портрет — миниатюра

Каждый из видов портретной живописи имеет свои характерные особенности и отличия в технике выполнения. Рассмотрим их более подробно.

  • Исторический портрет — содержит изображение какой — либо исторической личности, политического деятеля или творческого человека. Такой портрет может быть создан по воспоминаниям современников или родиться в воображении живописца.

 

А. М. Матвеев. Портрет Петра Великого ( 1724 — 1725 годы). Холст, масло.

 

  • Ретроспективный портрет — посмертное изображение жившего в прошлом человека, которое создано по описаниям очевидцев или по прижизненному изображению. Однако возможны также случаи полного сочинения портрета мастером.

 

Владислав Рожнев » Женский портрет» ( 1973 год). Холст, масло.

 

  • Картина — портрет — человек изображается в сюжетной взаимосвязи с окружающим миром, природой, на фоне архитектурных построек или деятельности других людей. В портретных картинах как раз наиболее ярко прослеживается расплывчатость границ и соединение различных жанров — пейзажа, исторической и батальной живописи и так далее.

 

Борис Кустодиев. Картина — портрет Ф. И. Шаляпина ( 1922 год). Холст, масло.

 

  • Типовой портрет — художник — живописец изображает собирательный образ, составленный из характерных особенностей внешности многих людей, объединенных общими идеями, видами деятельности, социальным положением или образом жизни.

 

Ф. В. Сычков » Портрет крестьянки».

 

  • Портрет костюмированный — изображенный человек представлен перед зрителем в виде литературного или театрального персонажа, исторического деятеля или мифологического героя. Подобные портреты представляют особый интерес для изучения костюмов других эпох.

 

Костюмированный портрет

 

  • Автопортрет — особый вид портретного живописного произведения, на котором художник изображает сам себя. То есть, он хочет передать и донести до зрителей свою внутреннюю сущность.

 

Автопортрет Рафаэля Санти

 

  • Донаторский портрет — одна из устаревших форм портретной живописи. На такой картине с религиозной тематикой изображался человек, сделавший крупные пожертвования церкви. Он представал перед зрителями в окружении святых, рядом с Мадонной или на одной из створок алтаря в коленопреклоненном виде. Состоятельные люди в те времена видели в создании донаторского портрета особый смысл, потому что такие картины всегда воспринимались позитивно и почитались наравне с иконами.

 

Пинтуриккьо. » Воскресение Христа» с коленопреклоненным папой Александром VI.

 

По характеру и способу изображения фигуры человека все портреты делятся на следующие типы:

  • Парадный портрет — показывает человек в положении стоя в полный рост. При этом все детали внешности и фигуры выписываются очень четко.

 

Эжен Делакруа. Портрет барона Швитера ( 1827 год).

 

  • Полупарадный портрет — человек изображается по пояс, до колен или в положении сидя, когда нижняя часть ног не видна. В подобном произведении портретной живописи огромную роль играет изображение окружающей обстановки или аксессуаров.

 

Рокотов Ф. С. » Коронационный портрет Екатерины II» ( 1763 год).

 

  • Камерный портрет — фигура человека выполняется на нейтральном фоне, причем используется сокращенный вариант изображения фигуры человека — до пояса, до груди или даже до уровня плеч. В этом случае мастер особенно четко и тщательно выписывает черты лица человека.

 

Камерный портрет Екатерины II в дорожном костюме. Конец XVIII века.

 

  • Интимный портрет — используется крайне редко и представляет собой одну из разновидностей камерного портрета благодаря выполнению на нейтральном фоне. В основе создания интимного портрета лежат глубокие чувства художника к изображаемому человеку или доверительные отношения между ними.

 

Эдуард Мане » Девушка в испанском костюме» ( 1862 — 1863 годы).

 

  • Малоформатный портрет — живописное произведение небольшого размера. выполняемое, как правило, тушью, карандашом, пастелью или акварельными красками.

 

Современный малоформатный портрет, написанный акварелью.

 

  • Портрет — миниатюра — один из самых узнаваемых и сложных в отношении техники выполнения видов портретной живописи. Для миниатюры характерен небольшой формат изображения ( от 1,5 до 20 см), а также необычайная тонкость письма и тщательная, практически ювелирная прорисовка всех линий. Миниатюрные портреты вставляли в медальоны, украшали ими часы, браслеты, броши, перстни и табакерки.

 

Жак Августин » Вакханка» — миниатюрный портрет ( 1799 год). Кость, акварель, гуашь. Размер 8 см ( круг).

 

 Пейзаж

Пейзаж представляет собой отдельный жанр живописи, основным объектом изображения которого является природа в первозданном виде или несколько измененная в процессе деятельности человека.

 

Константин Крыжицкий » Дорога» ( 1899 год).

 

Жанр пейзажной живописи известен с древнейших времен. Однако в средние века он несколько теряет свою актуальность. Но уже в эпоху Ренессанса пейзаж возрождается и приобретает значение одного из важнейших жанров в живописном искусстве.

 

Жан — Франсуа Милле » Весна».

 

Марина

Марина ( от латинского слова » marinus» — » морской») — особый жанр живописи, в котором все изображаемые события, виды человеческой деятельности и картины природы посвящены морю. Зачастую на полотнах изображены морские пейзажи в разное время года и при различном освещении.

 

И. К. Айвазовский » Девятый вал» ( 1850 год).

 

Художников, рисующих морские просторы в различных их проявлениях, называют » маринистами». Одним из известнейших маринистов является Иван Айвазовский, создавший свыше 6 тысяч картин на морскую тематику.

 

Иван Айвазовский » Радуга» ( 1873 год).

 

Историческая живопись

Жанр исторической живописи зародился в эпоху Возрождения, когда художники стремились отразить в своих полотнах сцены из жизни общества в различные периоды истории.

Однако на исторических полотнах могли  изображаться не только картины из жизни реальных людей, но и мифологические сюжеты, а также иллюстрированное переосмысление библейских и евангелийских историй.

 

Доменико Беккафуми » Воздержание Сцилиона Африканского» ( около 1525 года).

 

Историческая живопись служит для отображения событий прошлого, наиболее важных для конкретного народа или всего человечества в целом.

 

Франциско Прадилья » Крещение принца Хуана, сына Фердинанда и Изабеллы» ( 1910 год).

 

Батальная живопись

Одной из разновидностей исторического жанра является батальная живопись, тематика изображений которой посвящена главным образом военным событиям, знаменитым сражениям на суше и на море, а также военным походам. Батальный жанр охватывает историю военных столкновений за всю историю существования человеческой цивилизации.

При этом батальные полотна отличаются большим количеством и многообразием изображенных фигур, а также достаточно точными картинами местности и особенностей архитектуры того или иного региона.

 

Франсуа Эдуар Пико » Осада Кале» ( 1838 год).

 

Перед художником — баталистом стоит несколько сложнейших задач:

  1. Показать героику войны и показать поведение наиболее отважных воинов.
  2. Запечатлеть особо важный или переломный момент сражения.
  3. Раскрыть в своем произведении полный исторический смысл военных событий.
  4. Точно и четко выразить поведение и переживания каждого из участников битвы — как знаменитых полководцев, так и рядовых солдат.

 

Жан — Батист Дебре » Наполеон выступает перед баварскими войсками в Абенсберге 20 апреля 1809 года.

 

Следует отметить, что жанр батальной живописи считается одним из самых сложных, поэтому подобные полотна создаются мастерами длительное время — порой по десятку лет. От художника требуется не только отличное знание подробной истории изображаемого сражения, но и умение создавать многофигурные полотна с большим количеством вспомогательных деталей. Это и картины природы, и элементы архитектуры, и изображение оружия или военных механизмов. Поэтому батальный жанр занимает особое место и стоит отдельно от исторической живописи.

 

Фрагмент Бородинской панорамы.

 

Натюрморт

Натюрмортом называется создание на полотнах композиций из  неодушевленных предметов в различных их сочетаниях. Наиболее популярными являются изображения посуды, вазонов с букетами цветов и фруктов на блюде.

 

Сезанн » Угол стола» ( 1895 — 1900 годы).

 

Изначально тематика изображений в жанре натюрморта возникла на рубеже XV — XVI столетий, но окончательное оформление жанра в отдельное направление живописи произошло в XVII веке. Первыми создателями натюрмортов были голландские и фламандские художники. Позднее натюрморт занял важное место и в творчестве русских художников.

 

Виллем Клас Хеда, Натюрморт ( 1637 год).

 

Тематика изображений в натюрмортах может быть весьма богатой и многообразной, и не ограничивается исключительно бытовыми предметами. Это могут быть книги, журналы и газеты, бутылки, статуэтки, глобус и многие другие объекты.

 

Давид Тенирс Младший. Натюрморт ( 1645 — 1650 годы).

 

Одним из ответвлений жанра можно считать с центральным изображением черепа. Этот подвид жанровой живописи условно называют » Суета сует»  или Vanitas ( в переводе с латинского звучит как » тщеславие, суета»).

Главной идеей композиций в жанре Vanitas является мысль о конечности земного бытия и смирении перед неизбежностью перехода в мир иной. Наибольшую популярность натюрморты с изображением черепа в центре композиции приобрели в XVI — XVII столетиях во Фландрии и Нидерландах. Чуть позже к нему стали обращаться французские и испанские художники.

 

Питер Клас » Натюрморт с черепом».

 

Жанровая живопись

В изобразительном искусстве жанровая живопись считается частью бытового жанра. С древнейших времен художники изображали сцены бытовой жизни простых людей — крестьян, ремесленников, торговцев, а также слуг знатных придворных в процессе трудовой деятельности или в повседневной жизни их семей.

 

Габриель Метсю » Продавец птиц» ( 1662 год).

 

Первые образцы жанровых картин в современном понимании появились в эпоху Средневековья, и впоследствии получили повсеместное распространение и популярность. Тематика жанровых полотен характеризуется завидным разнообразием, чем и вызывает интерес зрителей.

 

Бернардо Строцци » Кухарка» ( 1625 год).

 

Архитектурная живопись

Архитектурная живопись — особенный живописный жанр, тематика которого посвящена изображению зданий, сооружений и различных памятников архитектуры, а также наиболее интересных решений интерьера в историческом аспекте. Имеется в виду изображение внутреннего оформления дворцов, театральных и концертных залов и так далее.

 

Адольф Вегелин ( картина создана в 1845 году).

 

Благодаря подобным картинам зритель имеет возможность воочию увидеть памятники архитектуры в первозданном виде глазами самого художника. Произведения архитектурной живописи также помогают в изучении архитектурного ландшафта городов ушедших времен.

 

Луи Дагер » Туман и снег, видимые сквозь разрушенную готическую колоннаду» ( 1826 год).

 

Анималистическая живопись

Анималистический жанр — отдельный жанр живописного искусства, который специализируется главным образом на изображении животного мира нашей планеты. На картинах данного жанра мы можем видеть животных, птиц, рыб, а также представителей многих других видов в естественной среде их обитания.

 

Джордж Стаббс » Спящий леопард» ( 1777 год).

 

Однако это не значит, что темой изображения анималистического жанра являются только дикие животные. Напротив, художники очень часто пишут картины, посвященные домашним любимцам — кошкам, собакам, лошадям и так далее.

 

Паулюс Поттер ( 1649 год).

 

Декоративная живопись

Жанр декоративной живописи можно условно разделить на несколько видов, имеющих свои отличия:

  • Монументальная живопись
  • Театральная декорационная живопись
  • Декоративная роспись

Видовое разнообразие декоративного жанра объясняется тем, что художники во все времена старались украсить каждый объект окружающего мира.

 

Потолок ратуши в Тулузе

 

  • Монументальная живопись — жанр монументального искусства, произведения которого имеют достаточно масштабный характер и используются в качестве декоративного оформления зданий и сооружений светского и культового характера различного назначения ( храмов и церквей, офисных зданий и культурных сооружений, архитектурных памятников и жилых домов).

 

Фреска из оформления виллы в Боскореале.

 

  • Театральные декорации — это весьма востребованный вид декоративного жанра, который включает в себя создание декораций и эскизов костюмов для персонажей театральных постановок и героев кинофильмов, а также зарисовки отдельных мизансцен. Художники — декораторы в театре и на съемочной площадке порой создают настоящие шедевры, которые впоследствии входят в число лучших декораций театра и кино.

 

Театральная декорация

 

  • Декоративная роспись — представляет собой сюжетные композиции или орнаментальный декор, созданный на различных частях зданий и сооружений, а также на образцах декоративно — прикладного искусства, берущего свои истоки в народных художественных промыслах. Основными видами расписываемых изделий была посуда, предметы быта, мебель и так далее.

 

Декоративная роспись подносов

 

Жанровая живопись — HiSoUR История культуры

Жанровая живопись, также называемая жанровой сценой или мелким жанром, изображает аспекты повседневной жизни, изображая простых людей, занимающихся общими действиями. Одним из общих определений жанровой сцены является то, что в ней показаны фигуры, к которым ни одна личность не может быть привязана ни индивидуально, ни коллективно, — таким образом, отличая мелкий жанр от исторических картин (также называемых грандиозным жанром) и портретов. Работа часто рассматривалась как жанровая работа, даже если бы можно было показать, что художник использовал известного человека — члена его семьи, скажем, как модель. В этом случае это будет зависеть от того, может ли произведение, по-видимому, предназначалось художнику, восприниматься как портрет, иногда субъективный вопрос. Изображения могут быть реалистичными, воображаемыми или романтизированными художником. Из-за их знакомого и часто сентиментального сюжета жанровые картины часто оказались популярными у буржуазии или среднего класса.

Жанровые предметы появляются во многих традициях искусства. Окрашенные украшения в древних египетских гробницах часто изображают банкеты, рекреационные и аграрные сцены, а Пейникос упоминается Плинием Старшим как эллинистический художник-панно из «низких» предметов, таких как выживание в мозаичных версиях и провинциальные настенные росписи в Помпеях: парикмахерские, сапожники, ослы, съедобные вещи и тому подобные предметы ». Средневековые иллюминированные манускрипты часто иллюстрировали сцены повседневной крестьянской жизни, особенно в «Месяцах месяца» в календарном разделе книг часов, наиболее знаменитом «Très Riches Heures du Duc de Berry».

Четкое отличие от портрета или группового портрета не всегда возможно. В то время как это в основном идентифицируемые люди показывают, жанровые персонажи живописи являются анонимными и характеризуются их окружением; интерьер часто находится на переднем плане.

Иногда переход к пейзажной живописи является текучим, особенно в эпоху романтизма. В Испании и Латинской Америке жанровая живопись XIX века также упоминается как costumbrismo.

Многие предполагаемые повседневные сцены основаны больше на популярных комических пьесах или пословицах и поэтому часто — если не всегда — повествовании по своему характеру. Например, итальянский жанровый художник, неаполитанский Гаспаре Траверси, создал свои картины параллельно с развитием и расцветом оперного буффа наполитаны в середине 18 века, когда повседневная жизнь нижней социальной среды подвергалась насмешкам через разоблачение ситуации. Это послало моральное послание аудитории. Большинство жанровых образов также имеют дидактическую значимость, потому что они имеют сильное моральное содержание. Презентация негативного поведения должна препятствовать и поощрять лучшее поведение, а положительные примеры должны дать зрителю стимул подражать. Конечно, изображения не могут быть лишены визуально развлекательной ценности. Из-за поучительно-мотивирующих интерпретационных подходов, присущих изображениям, их владельцы смогли подчеркнуть свой культурный фон. Поэтому комиссары такого рода пришли исключительно из буржуазно-светской среды.

Содержание:
Его ранг в иерархии жанров довольно низок, но в семнадцатом веке он был доведен до совершенства Караваджо и его последователями. Это также очень популярный жанр в странах Северной Европы. Жанровая живопись была очень популярна со второй половины девятнадцатого века до 1930-х годов, свергнув историю живописи. Его преподавали отдельно в разных академиях европейского изобразительного искусства.

Ранние подходы к исследованиям часто интерпретировали представления так называемого Gouden Eeuw как снимки повседневной жизни, к которым они придают значение культурно-исторического свидетельства. Однако с 1970-х годов все чаще можно расшифровать иконографический контекст. Стало ясно, что, хотя жанровые образы являются образцом повседневной сцены, за которым почти всегда скрывается более глубокое утверждение. Соответственно, они в понимании популярного визуального языка барокко обычно напоминают аллегории, частично со сложными двусмысленными утверждениями.

Многие предполагаемые повседневные сцены основаны больше на популярных комических пьесах или пословицах и поэтому часто — если не всегда — повествовании по своему характеру. Например, итальянский жанровый художник, неаполитанский Гаспаре Траверси, создал свои картины параллельно с развитием и расцветом оперного буффа наполитаны в середине 18 века, когда повседневная жизнь нижней социальной среды подвергалась насмешкам через разоблачение ситуации. Это послало моральное послание аудитории. Большинство жанровых образов также имеют дидактическую значимость, потому что они имеют сильное моральное содержание. Презентация негативного поведения должна препятствовать и поощрять лучшее поведение, а положительные примеры должны дать зрителю стимул подражать. Конечно, изображения не могут быть лишены визуально развлекательной ценности. Из-за поучительно-мотивирующих интерпретационных подходов, присущих изображениям, их владельцы смогли подчеркнуть свой культурный фон. Поэтому комиссары такого рода пришли исключительно из буржуазно-светской среды.

Традиционно, это было названо мелким жанром в противоположность великому жанру, который был исторической живописью. Художественное представление повседневных проблем сейчас очень распространено, но это было необычно в эпоху Возрождения и Барокко, когда предполагалось, что искусство обладает интеллектуальным и творческим содержанием, которое должно превратиться в культы и хвалить персонажей категории, или благородные примеры исторического, религиозного или мифологического прошлого. По этой причине картина истории считалась высшим жанром, а с другой стороны, представление крестьян и других скромных людей без аргумента или морального предлога было непочтительным для интеллектуальных художников.

В классической Греции трагедия была более ценной, то есть представление благородного действия, совершенного богами или героями, чем комедия, которая понималась как ежедневные действия вульгарных людей. В этом смысле Аристотель в своей поэзии заканчивает тем, что отдает предпочтение поэтической фантастике, потому что в ней рассказывается, что может произойти, что возможно, заслуживает доверия или необходимо, больше, чем то, что на самом деле произошло, что было бы полем историка. С семнадцатого века стали больше ценить представление о том, какое классическое искусство считается «комедией»: повседневные, более мелкие истории простых людей. Не случайно представления Хогарта о его современниках были названы этой картиной комических историй («живопись комиксов»).

Цель этого вида живописи, в любом случае, может вызвать сомнения. Неизвестно с уверенностью, было ли это простое представление реальности с целью простого отвлечения внимания, иногда комического или морализаторской цели, на основе примеров, близких к зрителю. Барочные жанровые сцены, кажущиеся повседневными, часто скрывают аллегорические темы. Таким образом, сцены групп людей, веселящихся и пьяных музыкантов, позволяют иконографическому представлению «пяти чувств». Таким образом, скрытый смысл этих сцен повседневной жизни обучает внимательного наблюдателя. Таким образом, есть два способа интерпретации этих картин: либо они являются загадочной иконографией, которая скрывает дидактический аспект, либо просто анекдот жанра для развлечения буржуазной общественности. Нет никаких сомнений в том, что в жанровой живописи восемнадцатого века сатирическое или морализаторское намерение присутствовало в таких произведениях, как Хогарт или Грюз.

Хотя на юге Европы гендерная живопись была сделана из Караваджо, правда в том, что она выращивалась и ценилась в основном в скандинавских странах. Великие комиты (дворянство, духовенство) не интересовались такими произведениями, как правило, небольшого формата, которые, с другой стороны, имели большое состояние и распространение среди буржуазии, среднего класса и купцов из-за их знакомая тема и часто сентиментальная. Это были картины, которые не требовали особых усилий при их оценке, поскольку не было загадочных сообщений, чтобы разгадать символы, как это часто бывает в истории. Не случайно поэтому в Нидерландах появились первые великие художники жанровых сцен с сильным меркантильным компонентом.

Жанровая сцена — это вид художественной работы, в основном изобразительной, в которой нормальные люди представлены в повседневных сценах, на улице или в личной жизни, современных с автором. Что отличает жанровую сцену, так это то, что она представляет сцены повседневной жизни, такие как рынки, интерьеры, вечеринки, таверны и улицы. Такие представления могут быть реалистичными, воображаемыми или украшенными художником. Некоторые вариации термина «работа» или «гендерная работа» определяют среду или тип визуальной работы как «жанровая живопись», «жанровые листы» или «жанровые фотографии». Во всех этих выражениях термин «пол» используется в несколько принудительном переводе английского «жанра». На испанском языке также использовался термин painting costumbrista или обычная живопись.

История:
Иногда можно считать, что жанровая живопись существует с древности, даже если она носит религиозный характер. Некоторые историки искусства рассматривают египетские картины полевых работ, банкетов, праздников и т. Д. как жанровая живопись. Плиний Старший цитирует Пейрайкос как эллинистического живописца «низких» предметов, поскольку они выживают в мозаиках и фресках в Помпеях: «киоски сапожников, парикмахерские салоны, киоски, ослы, еда и тому подобное». в греческих или этрусских вазах иногда можно найти сцены рынка или охоты, похожие на жанровые сцены, как некоторые мозаики и римские картины.

С Средневековью, которая по существу производит искусство с религиозным призванием, жанровая сцена ограничивается полями и инициалами рукописей. Средневековые иллюминированные манускрипты часто иллюстрируют сцены повседневной крестьянской жизни, особенно в «Очень богатые часы герцога Берри». Он робко рождается только на некоторых фресках третено, как в Аллегориях хорошего и плохого правительства Лоренцетти, но они остаются привязанными к моральному или религиозному предмету.

Именно с Ван Эйком и фламандскими примитивами жанровая сцена действительно перерождается. Женатый Арнольфини, за пределами портрета, представляет персонажей в буржуазном интерьере, оторван от религиозного мира и может считаться первой жанровой сценой. Другие композиции Ван Эйка, теперь потерянные, как леди в ее туалете, подтверждают эту интерпретацию. Интересно отметить, что именно во Фландрии эта практика действительно начинается: особенно в школах Севера этот жанр будет в центре внимания.

Ренессанс:
С упадком участия религии в искусстве жанровая сцена начинает развиваться с эпохи Возрождения, особенно во Фландрии. Песьер д’Ор и его жена Квентин Мацис — прекрасный пример, хотя в большинстве случаев его следует читать символически. Иероним Босх и Брейгель Старейшина без колебаний будут использовать сцены жанра, чтобы проиллюстрировать пословицы и рассказы (которые часто теряются), которые дают «светский» оттенок религиозной работе.

В Италии, как и во Франции, эта тема гораздо менее хорошо встречена, несмотря на то, что частые женщины купаются в школе Фонтенбло, но чаще всего связаны с мифологической живописью или историей, больше, чем сама жанровая сцена.

18-ый век:
Низкие страны доминировали в этой области вплоть до 18-го века, а в 17-м веке и фламандская барокко, и живопись голландского золотого века производили многочисленные специалисты, которые в основном рисовали жанровые сцены. В предыдущем столетии, художник Фламандского ренессанса Ян Сандерс ван Хемессен нарисовал новаторские масштабные жанровые сцены, иногда включающие моральную тему или религиозную сцену на заднем плане в первой половине XVI века. Они были частью картины «инверсии маньеристов» в антверпенской живописи, дающей «низкие» элементы ранее в декоративном фоне изображений, выделяющихся акцентом. Йоахим Патинир расширил свои пейзажи, сделав фигуры небольшим элементом, а произведения Питера Аерцена, в которых преобладают распространенные натюрморты и жанровые фигуры поваров или продавцов на рынке, с небольшими религиозными сценами в местах на заднем плане. Питер Брейгель Старший ставил крестьяне и их деятельность, очень натуралистически обработанную, предметом многих его картин и жанровой живописи должно было процветать в Северной Европе в Брейгеле.

Адриан и Исаак ван Остаде, Ян Стин, Адриан Брауэр, Дэвид Тенирс, Аэльберт Куип, Йоханнес Вермеер и Питер де Хуч были среди многих живописцев, специализирующихся в жанровых предметах в Низких странах в 17 веке. В целом малые размеры картин этих художников были подходящими для их отображения в домах покупателей среднего класса. Часто предмет жанровой живописи основывался на популярной эмблеме из книги Эмблемы. Это может придать живописи двойной смысл, например, у продавца Габриеля Метсу «The Poultry», 1662 год, где изображен старик, предлагающий петуха в символической позе, основанной на непристойной гравюре Гиллиса ван Брина (1595-1622), с такой же сцена. Веселая компания показала группу фигур на вечеринке, будь то музыка в доме или просто выпивка в таверне. Другие распространенные типы сцен показывали рынки или ярмарки, деревенские праздники («kermesse») или солдаты в лагере.

В Италии «школа» жанровой живописи стимулировалась прибытием в Рим голландского живописца Питера ван Лаера в 1625 году. Он получил прозвище «Il Bamboccio», а его последователей называли Bamboccianti, чьи работы вдохновили Джакомо Серути, Антонио Сифронди и Джузеппе Марии Креспи среди многих других.

Луи Ле Нэйн был важным экспонентом жанровой живописи в Франции 17-го века, рисовал группы крестьян дома, где 18-й век принесет повышенный интерес к описанию повседневной жизни, будь то через романтизированные картины Ватто и Фрагонара, или осторожный реализм Шардена. Жан-Батист Грюз (1725-1805) и другие нарисовали подробные и довольно сентиментальные группы или отдельные портреты крестьян, которые должны были влиять на живопись 19-го века.

В Англии Уильям Хогарт (1697-1764) передал комедию, социальную критику и моральные уроки через полотна, в которых рассказывались истории о простых людях, полных описательных деталей (с помощью длинных подзаголовков), часто в серийной форме, как в его «Прогрессе» , сначала написанный в 1732-33, затем выгравированный и опубликованный в печатной форме в 1735 году.

Испания имела традицию, предшествующую Книге Доброй Любви о социальном наблюдении и комментариях, основанной на древнеримской латинской традиции, которую практикуют многие ее художники и иллюминаторы. В разгар Испанской империи и в начале ее медленного упадка многие пьяререзные жанровые сцены уличной жизни, а также кухонные сцены, известные как богогоны, были написаны художниками испанского золотого века, в частности Веласкеса (1599-1660 гг.) ) и Мурильо (1617-82). Более века спустя испанский художник Франсиско де Гойя (1746-1828) использовал жанровые сцены в живописи и печати как средство для темного комментария к человеческому состоянию. Его «Катастрофы войны», серия из 82 жанровых инцидентов из полуостровной войны, приобрела жанровое искусство до беспрецедентных высот выразительности.

19 век:
В девятнадцатом веке выражение «жанровая живопись» заменено аббревиатурой выражениями «вульгарная жанровая живопись», «низкий жанр», «второстепенный жанр», который обозначил произведения, представляющие сцены повседневной или интимной жизни, противостояние «историческим жанрам». Сцены из Библии можно взять за жанровые сцены по незнанию предмета. Бамбуки назывались вульгарными картинами крестьян или сценами гостиниц. В Италии девятнадцатого века наибольшими экспонентами жанровой живописи являются Антонио Ротта и Винченцо Петрочелли.

С упадком религиозной и исторической живописи в XIX веке художники все чаще находили свой предмет в жизни вокруг них. Реалисты, такие как Gustave Courbet (1819-77), расстраивают ожидания, изображая повседневные сцены в огромных картинах — в масштабе, традиционно предназначенном для «важных» предметов, — таким образом, размывание границы, которая обозначила жанровую окраску как «второстепенную» категорию. История сама картина перешла от исключительного описания событий большой общественной значимости к изображению жанровых сцен в исторические времена, как личные моменты великих фигур, так и повседневную жизнь простых людей. Во французском искусстве это было известно как стиль Трубадора. Эта тенденция, уже очевидная к 1817 году, когда Энгр написал Генриха IV «Игра со своими детьми», завершилась культурой французских академиков, таких как Жан-Леон Жером (1824-1904) и Жан-Луи-Эрнест Мейссонье (1815-91). Во второй половине века интерес к жанровым сценам, часто в исторических условиях или с острыми социальными или моральными комментариями, значительно увеличился по всей Европе.

Уильям Пауэлл Фрит (1819-1909) был, пожалуй, самым известным английским жанровым художником эпохи Виктории, рисуя большие и чрезвычайно переполненные сцены; расширение масштабов и амбиций в жанровой живописи 19-го века было общей тенденцией. Другие английские жанровые художники 19-го века включают Августа Леопольда Яйца, Джорджа Элгара Хикса, Уильяма Холмана Ханта и Джона Эверетта Миллеса. Шотландия произвела двух влиятельных жанровых живописцев, Дэвида Аллана (1744-96) и сэра Дэвида Вилки (1785-1841). В субботу вечером, в субботу вечером, в Вилькки «Вторник» (1837 г.) началась большая работа французского художника Густава Курбе после обеда в Орнане (1849 г.). Известные русские художники-реалисты, такие как Василий Перов и Илья Репин, также снимали жанровые картины.

В Германии Карл Шпицвег (1808-85) специализировался на нежно юмористических жанровых сценах, а в Италии Героламо Индуно (1825-90) рисовал сцены военной жизни. Впоследствии импрессионисты, а также такие художники XX века, как Пьер Боннард, Итшак Хольц, Эдвард Хоппер и Дэвид Парк, написали сцены повседневной жизни. Но в контексте современного искусства термин «жанровая живопись» ассоциируется в основном с живописью особенно анекдотического или сентиментального характера, окрашенного в традиционно реалистичную технику.

Первым настоящим жанровым художником в Соединенных Штатах был немецкий иммигрант Джон Льюис Криммель, который учился у Вилки и Хогарта, создавал мягкие юмористические сцены жизни в Филадельфии с 1812 по 21 год. Другие известные художники жанра 19-го века из Соединенных Штатов включают Джорджа Калеба Бингама, Уильяма Сидни-Маунта и Истмана Джонсона. Гарри Розеланд сосредоточился на сценах бедных афроамериканцев в послеамериканской гражданской войне на юге, а Джон Роджерс (1829-1904) был скульптором, чьи небольшие жанры, массово произведенные в гипсовой штукатурке, пользовались огромной популярностью в Америке. Работы американского художника Эрни Барнса (1938-2009) и иллюстратора Нормана Роквелла (1894-1978) могли служить примером более современного жанрового жанра.

Социальный реализм:
В первой половине XIX века (Biedermeier) жанровой образ снова возрождается как «картина социального тренда», особенно в Дюссельдорфской школе живописи, особенно в связи с более сильным поворотом к реализму, таким как Иоганн Петр Хасенклевер. После 1848 года в Германии были представлены художники, такие как Людвиг Кнаус, Бенджамин Вотье или Франц фон Дефрагер, жанровая живопись, которая была связана с литературным течением гражданского реализма. Жанровая живопись этих десятилетий может рассматриваться как пионер современных движений искусства, таких как импрессионизм. Быстро растущее число покупателей, заинтересованных в искусстве, особенно из домохозяйств среднего класса, удовлетворило стремление к собственным произведениям искусства на стене. В частности, крестьянская сельская жизнь, которая стала модной в ходе растущей туристической деятельности, была представлена ​​в средних форматах в США. В художественных метрополиях, таких как Берлин, Дюссельдорф и Мюнхен, большое количество художников со всей Европы собрались, чтобы зарабатывать себе на жизнь из жанровой живописи. Среди самых известных жанровых живописцев, чьи работы также попали в ежемесячные журналы, были представители Мюнхенской школы, такие как Франц Депрегер, Рудольф Эпп, Николаус Гисзис, Герман фон Каульбах.

20 век:
Впоследствии импрессионисты и художники двадцатого века, как Винченцо Петрочелли, Пьер Боннард, Эдвард Хоппер или Дэвид Парк, написали сцены повседневной жизни. Тем не менее, в контексте современного искусства термин «жанровая живопись» связан, в основном, с живописью природы, которая особенно сентиментальна или анекдотична, окрашена в традиционно реалистичную технику. Работы американского художника Эрни Барнса и иллюстратора Нормана Роквелла могут служить примером современного жанрового жанра.

Поделиться ссылкой:

  • Нажмите, чтобы поделиться на Twitter (Открывается в новом окне)
  • Нажмите здесь, чтобы поделиться контентом на Facebook. (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться записями на Pinterest (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться записями на Tumblr (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться на LinkedIn (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться в WhatsApp (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться в Skype (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться в Telegram (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться на Reddit (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться записями на Pocket (Открывается в новом окне)

Related

Какие бывают жанры искусства? — ARTDEX

Люди испытывали потребность визуально выражать себя с самого начала своего существования и на протяжении всей истории. Первые образцы сохранившихся произведений искусства людей каменного века представляли собой сцены охоты или собирательства у костра.

Похоже, что наши предки хотели оставить след своего существования в этом мире, вырезав сцены своей повседневной жизни на стенах пещер. Некоторые историки современного искусства могут считать этих доисторических художников первыми представителями «жанровой живописи» из-за выбранной ими тематики.Очевидно, искусство всегда происходило из горячего желания художников выражать свои идеи, видения мира или личные переживания и эмоции, оставляя следы своего существования для будущих поколений.

Мы попытаемся обобщить историю искусства, определив различные типы художественных жанров, которые оказали значительное влияние на мир искусства.

Классическое искусство Древнего Рима и Греции

Мы собираемся начать это короткое путешествие по различным жанрам искусства, вернувшись во времена древних цивилизаций Греции и Римской Империи, заложивших основу для развития западного искусства.

Вся эстетика классического искусства опирается на три основных идеала: красота, гармония и пропорции. Греки поклонялись человеческой красоте, и они реализовали эту идею в своих произведениях искусства, применяя золотое сечение, которое строго определяло пропорции частей тела. Классические художники также были мастерами замысловатого изображения анатомических деталей. Многие восприняли эти идеи во время итальянского Возрождения, которое считается одним из самых процветающих периодов в истории искусства.

Иерархия жанров

Итальянский Возрождение, возможно, был одним из самых значительных периодов в развитии искусства. После мрачного и крайне догматичного средневековья Возрождение было глотком свежего воздуха, долгожданным периодом освобождения от авторитарной гегемонии Римско-католической церкви. Тем не менее, по-прежнему существовали некоторые ограничительные правила и положения, относящиеся к ст.

Эта «иерархия жанров», восходящая к итальянскому ренессансу, была изобретена властями Римской церкви.Художественные учреждения вскоре провозгласили эту предвзятую систему ранжирования официальной системой определения стоимости картин. В иерархии жанров картины расположились в следующем порядке:

.
  • Картины, изображающие исторические сцены, библейские рассказы или аллегории и несущие сильный религиозный и моральный мотив.
  • Портретная живопись, включающая все одиночные портреты, групповые портреты и автопортреты.
  • Жанровая живопись, которая относится ко всем картинам, запечатлевшим сцены из повседневной жизни, (т.е., дом, улица, рынок), не показывая динамики между персонажами.
  • Пейзажная живопись — это все произведения искусства, изображающие «пустые» сцены природы.
  • Натюрморт с расположением предметов домашнего обихода.

По мнению создателей этой иерархии, исторические картины имели наибольшую ценность, потому что, по их мнению, эти произведения искусства выражали сильную мораль и вызывали глубокие человеческие эмоции. С другой стороны, они считали художественные жанры в конце этого списка, такие как пейзажи и натюрморты, даже бессмысленными и не имеющими существенной морали.

Картина Вермеера «Бокал для вина», VermeerPublic Domain / WikimediaCommons | Источник изображения: theculturetrip.com

Картина Золотого века Голландии

Этот период истории искусства важен, потому что он помнят как время огромного прогресса, когда талантливые художники, в основном из Нидерландов, решили сосредоточиться на создании великолепных пейзажей, морских картин, жанровых сцен и натюрмортов. Это отличало их от их коллег в Италии и Испании, создавших наиболее ценные исторические картины и заработавших за счет крупных церковных приобретений.

Голландский кальвинизм, реформатский протестантизм запрещали любые украшения, религиозные картины и предметы в своих церквях. Это навязанное правило вынудило голландских художников обращаться за приобретениями к покровителям из среднего класса, которые обычно хотели, чтобы небольшие произведения жанровой живописи или пейзажи украшали свои дома. Таким образом, можно сделать вывод, что рыночный спрос был главным «виновником» нового процветания европейской арт-сцены. Основными представителями этого художественного периода были Рембрандт, Иоганнес Вермеер, Франс Хальс, Ян Стин, Рахель Рюйш и многие другие.

Разнообразие современного и современного искусства

Эстетика менялась на протяжении всей истории, что позволяет художникам изобретать новые жанры, которые более точно выражали бы их уникальный художественный голос. Вот некоторые из наиболее значительных художественных движений, которые породили множество инновационных жанров для постоянно развивающегося арт-рынка, вступившего в период модерна и современного искусства.

● Импрессионизм

Это одно из самых значительных движений в искусстве, которое появилось в конце 19 века и провозгласило современную Артера.Импрессионисты стремились передать свои уникальные впечатления от внешнего мира, запечатлевая движение и изменение света на своих картинах. Они достигли этого необыкновенного эффекта с помощью тонких видимых мазков. Самыми узнаваемыми художниками этого движения были Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар и Эдуард Мане.

● Экспрессионизм

В отличие от импрессионистов, художники, принадлежащие к этому революционному движению начала 20 века, уделяли особое внимание своему внутреннему статусу.Их главная цель заключалась в том, чтобы выразить свои самые глубокие личные переживания и эмоции, нарисовав часто фантасмагорические мотивы, используя яркие цвета и сильные мазки. Некоторые другие жанры искусства произошли от экспрессионизма, такие как кубизм Пикассо с его геометрическими формами и дадаизм, движение против истеблишмента, созданное как сильная оппозиция обществу во время Первой мировой войны.

1960-е были неспокойными годами, принесшими освобождение во многие области, и эта новообретенная свобода отразилась на художественной сцене.Вот некоторые из наиболее влиятельных движений этого периода:

Картина Пабло Пикассо «Алжирские женщины» (версия «O») 1955 года | Источник изображения: qz.com

● Pop Art

Мы не можем говорить о 60-х, не упомянув об этом всемирно популярном художественном движении, которое успешно включило элементы поп-культуры в произведения искусства. Идея всего движения заключалась в том, чтобы высмеять элитарное искусство, показывая, что вы можете создавать подлинные произведения искусства, используя элементы китча и банальные предметы в качестве предмета.Один из самых узнаваемых исполнителей поп-музыки — Энди Уорхол, вероятно, самый влиятельный артист нашего времени.

● Earth Art или Land Art

Лэнд-арт был особым направлением в искусстве, которое уделяло внимание окружающей среде и природным ресурсам в творческом процессе. Это вид инсталляционного искусства, выполненного в естественном ландшафте, который служит «холстом» для зачастую крупномасштабных инсталляций из природных материалов и земляных сооружений, таких как камни, листья и подобные материалы.

● Искусство перформанса

Как следует из названия, перформанс отошел от ограничений традиционных объектно-ориентированных форм визуального искусства, таких как живопись или скульптура, вместо этого сосредоточившись на теле и движении выражений. Художники являются основным средством коммуникации, и они передают свое художественное послание, выполняя множество символических действий. Искусство перформанса может включать в себя большое количество участников или множество различных объектов, каждый из которых играет важную роль в выражении уникального художественного видения.Художники-исполнители могут также использовать различные средства, такие как видео, световые или звуковые эффекты, а также поэзию, танец, актерское мастерство и живопись в своих мероприятиях. Одним из самых значительных перформансистов сегодня является сербская художница-концептуалистка и перформанс Марина Абрамович.

Инсуитей Гихицу ВЕСНА СЛИВЫ, XIX век © Miwa Websites — ArtJapanese.com | Источник изображения: artjapanese.com

Наиболее значительные художественные формы в восточном искусстве

Мы представили обширный список жанров, характерных пока для западного искусства.В наши намерения не входило отдавать предпочтение какой-либо части мира, но мы сосредоточились на культурном наследии, к которому мы можем легко относиться. С другой стороны, восточное искусство похоже на огромный сундук с сокровищами, полный богатства и разнообразия, и мы считаем, что азиатское художественное наследие заслуживает отдельной статьи. Азиатское искусство — это термин, такой же широкий, как и весь континент, и он включает, среди прочего, японское искусство, китайское искусство и индийское искусство.

Это все великие цивилизации, внесшие огромный вклад в мировое культурное наследие, но мы сосредоточимся на наиболее узнаваемых формах азиатского искусства.Самым известным видом искусства, происходящим на этом континенте, несомненно, является искусство каллиграфии. Это тонкое искусство изящного письма производит неизгладимое впечатление на зрителей. Мы также должны упомянуть великолепные произведения искусства из бронзы, керамики и нефрита, которые являются важными традиционными формами искусства.

Что касается современного искусства, азиатская художественная сцена переживает бум с 1990-х годов. В настоящее время многие азиатские художники представляют свое художественное видение во всем мире, поскольку их сильное художественное самовыражение получает широкое международное признание.

Заключение

Мы считаем, что дали исчерпывающий ответ и подробные пояснения на вопрос: Какие существуют жанры искусства? Однако искусство постоянно меняется, как и сама жизнь, и каждая эпоха порождает свежие и новаторские формы искусства, а это значит, что мы можем оставить этот список открытым для будущих изменений и включений.

Жанровая живопись | Карта сайта | Тутт’Арт @

Жанровая живопись, Картина, изображающая сцены из повседневной жизни обычных людей на работе или отдыхе, изображенные в целом реалистично. Жанровое искусство контрастирует с пейзажами, портретами, натюрмортами, религиозными темами, историческими событиями или любыми традиционно идеализированными предметами.
Интимные сцены из повседневной жизни почти всегда являются предметом жанровой живописи. Исключение образного содержания и идеализации привлекает внимание к проницательному наблюдению за типами, костюмами и декорациями.

Этот термин возник во Франции 18-го века для описания художников, специализирующихся на одном виде жанра картины, например, о цветах, животных или жизни среднего класса, и первоначально использовался уничижительно сторонниками идеального или великого стиля в искусстве.









Вильгельм Август Лебрехт Амберг 1822-1899


‣ Фламандский художник эпохи Возрождения Питер Брейгель Старший сделал крестьян и их деятельность предметом многих своих картин, а жанровая живопись стала процветать в Северной Европе вслед за Брейгелем.
Адриан и Исаак ван Остаде, Давид Тенирс, Эльберт Кейп, Йоханнес Вермееру и Питер де Хох были среди многих художников, специализирующихся на жанровых предметах в Нидерландах в 17 веке.
В целом небольшие размеры картин этих художников были подходящими для их демонстрации в домах покупателей среднего класса. Часто сюжет жанровой живописи был основан на популярной эмблеме из Эмблемной книги. Это может придать картине двоякий смысл, как, например, в картине Габриэля Метсу «Продавец птицы», 1662 г., где старик предлагает петуха в символической позе, основанной на непристойной гравюре Гиллиса ван Брина 1595-1622 гг., С той же сценой. .

‣ В Италии « школа » жанровой живописи стимулировала приезд в Рим голландского художника Питера ван Лаера в 1625 году.
Он получил прозвище « Il Bamboccio », а его последователей называли Бамбоччанти, чьи работы вдохновили Джакомо Черути, Антонио Чифронди и Джузеппе Мария Креспи среди многих других.

‣ Луи ле Нэн был важным представителем жанровой живописи во Франции 17 века, где 18 век принес повышенный интерес к изображению повседневной жизни, будь то романтизированные картины Ватто и Фрагонара или тщательный реализм Шардена.





‣ В Англии Уильям Хогарт передавал социальную критику и моральные уроки через холсты, в которых рассказывались истории обычных людей, часто в серийной форме.
Уильям Пауэлл Фрит, пожалуй, самый известный английский художник-жанрист, которым восхищались многие его современники.
Среди других английских художников жанра: Август Леопольд Эгг, Джордж Элгар Хикс, Уильям Холман Хант и Данте Габриэль Россетти. ‣ Шотландия произвела на свет двух влиятельных художников жанра, Дэвида Аллана 1744-96 гг. И сэра Дэвида Уилки 1785-1841 гг.
Гюстав Курбе 1819-77, один из самых известных жанровых художников Франции, основал свою знаменитую картину « После обеда в Орнане » 1849 года на основе картины Уилки « Субботняя ночь Коттара» 1837.
«Известные русские художники-реалисты, такие как Василий Перов» и Илья Репин 1844-1930 также попробовали себя в жанре живописи.

‣ Испания имела давнюю традицию, существовавшую еще до «Книги доброй любви» — социальных наблюдений и комментариев, основанных на древнеримской латинской традиции, и к этому многие ее художники и художники-миниатюры, работающие в иллюминаторе, следовали за работой.
Педро Берругете привнес свои социальные сцены и критику во многие свои работы.
То, что в период расцвета Испанской империи было продолжено, включая сцены пикантной уличной жизни, а при ее медленном падении в конечном итоге появилось множество работ художников Золотого века Испании, Веласкеса, Мурильо и других. Испанский художник Франсиско Де Гойя использовал жанровую живопись как средство для мрачных комментариев о состоянии человека.

‣ Первым настоящим жанровым художником в Соединенных Штатах был немецкий иммигрант Джон Льюис Криммел, который, обучаясь у Уилки и Хогарта, создавал нежно-юмористические сцены из жизни Филадельфии 1812–21.
Одним из наиболее заметных художников жанра из Соединенных Штатов был Гарри Розленд, который сосредоточился на сценах бедных афроамериканцев на юге после Гражданской войны в Америке.



С упадком религиозной и исторической живописи в 19 веке художники все чаще находили предмет своей деятельности в окружающей их жизни.
Реалисты, такие как Гюстав Курбе, опровергли ожидания, изображая повседневные сцены на огромных картинах — в масштабе, традиционно предназначенном для « важных » предметов — тем самым стирая границы, которые выделяли жанровую живопись в категорию « второстепенных, ».
Сама историческая живопись перешла от эксклюзивного изображения событий, имеющих большое общественное значение, к изображению жанровых сцен в исторические времена, как личных моментов великих деятелей, так и повседневной жизни простых людей.
Впоследствии импрессионисты *, а также такие художники 20-го века, как Пьер Боннарду, Эдвард Хопперу и Дэвид Парк, рисовали сцены повседневной жизни, но в контексте современного искусства термин « жанровая картина » стал ассоциироваться в основном с с живописью сугубо анекдотического или сентиментального характера, написанной в традиционно реалистической технике.Работы американского художника Эрни Барнса и иллюстратора Нормана Роквелла могут служить примером более современного типа жанровой живописи.

La pittura di genere , che si traduce nella pratica delle scene di genere, является представлением питторики, которое было создано для сцены ed eventi tratti dalla vita quotidiana: ad esempio mercati, faccende domestiche, interni o feste.

La pittura di genere, rappresentando aspetti della vita di tutti i giorni, fu a lungo considerata un genere « minore «, decisamente inferiore per valore alla pittura storico-Religiosa, ma nemmeno al pari della ritrattistica.I grandi committenti non erano interessati a questo tipo di opere, solitamente di piccolo formato, che ebbero, invece, una notevole fortuna e diffusione tra la borghesia e i mercanti.

Non a caso, infatti, i primi grandi pittori di scene di genere si affermarono nei Paesi Bassi, paese con una forte component mercantile: Pieter Brueghel il Vecchio, Adriaen e Isaac van Ostade, David Teniers il Giovaneer, Aelbert Cuyp, Johannester ee De Hooch звучит как самые лучшие питторы, специализирующиеся на различных жанрах.

In Italia tra i primi pittori ad aver dipinto scene di genre si segnalano il cremonese Vincenzo Campi e il bolognese Bartolomeo Passerotti. Entrambi, e il secondo in specie, furono d’esempio per Annibale Carracci, il cui Mangiafagioli — uno dei dipinti di genere più Знаменитости итальянской питтуры.

Он отличался от всех, кто был в честь Габриэле Беллы и Пьетро Лонги, а также оттоценто в стиле Антонио Ротта и Винченцо Петрочелли.



объяснение многоликости европейской портретной живописи

До изобретения фотографии портретная живопись была единственным способом запечатлеть и запечатлеть сходство своих собратьев.Со временем портретная живопись стала известна как один из, если не самый интимный жанр, устанавливающий связь между художником и предметом. Они также служат снимками своего времени, позволяя современным зрителям лучше понять не только принципы прошлых художественных движений, но и то, что натурщик — и общество, в котором они жили, — считал красивым, благородным и важным.

Античность и погребальные росписи Файюма

Портретная живопись почти такая же старая, как и сама живопись, и восходит к археологическим находкам на Плодородном полумесяце.Картины, обнаруженные на руинах древнего Египта, показывают, что первые в мире художники-портретисты не стремились к точности, а вместо этого создавали свои предметы в очень стилизованной манере. Правители были единственными людьми, которых считали достойными увековечения на холсте. Их изображали либо как самих себя, либо как перевоплощения богов, и всегда рисовали в профиль.

Большинство людей помнят Древнюю Грецию своими реалистичными мраморными статуями, но греки также были плодовитыми художниками.По словам римского историка Плиния Старшего, портретная живопись в греческом обществе была широко распространена и практиковалась как мужчинами, так и женщинами. К сожалению, все портретные картины, созданные в этот период, были утеряны временем — не потому, что они были уничтожены военными конфликтами или стихийными бедствиями, а потому, что использованные материалы были непрочными.

Погребальные портреты, обнаруженные в Файюме, имеют возраст более четырех тысяч лет. (Кредит: Янн Форгет / Википедия)

Подобно грекам, которые их вдохновляли, римские художники уделяли большое внимание запечатлению подобия своей натурщицы.Исследователям эпохи Возрождения посчастливилось обнаружить коллекцию великолепных, но запоминающихся погребальных портретов из римской провинции Файюм в Египте. Эти натуралистические портреты, единственные уцелевшие от их художественной традиции, были нарисованы на деревянных досках и использовались для покрытия лиц граждан высшего сословия во время их погребальных церемоний.

Открытия в Файюме дают историкам искусства представление о том, как выглядели натуралистические портреты до Возрождения, периода, который продолжает определять жанр по сей день.Погребальные портреты представляют собой столкновение римского, греческого и египетского стилей. Широкие мазки кисти в сочетании с яркими цветами придают портретам импрессионистический эффект. В то же время их фронтальная перспектива и подчеркнутые черты лица служат предшественниками византийской иконописи.

Средневековье и автопортрет Альбрехта Дюрера

Средневековье, начавшееся с падением Римской империи и исчезновением ее культурных влияний в центральной и северной Европе, претерпело полную перестройку в стиле портретной живописи.Если искусство древности было вдохновлено трудами таких важных мыслителей, как Платон и Сократ, то европейские портреты средневековья были основаны на учениях из Библии. До Реформации картины можно было найти только в церквях и приходах.

Долгое время портретная живопись перестала существовать как отдельный жанр. Картины изображали либо умерших святых, либо персонажей из Библии, которые были взяты из описания и воображения, а не ссылок. Если обычный человек был изображен на картине, он был изображен как участник узнаваемой религиозной сцены, такой как рождение или смерть Христа.Эти картины назывались портретами доноров, и их цель заключалась в том, чтобы вдохновить комиссара и их близких на молитву.

Изображая себя лицом вперед, Дюрер нарушил религиозные традиции того времени. (Кредит: Fooh3017 / Википедия)

Хотя портретная живопись на короткое время исчезла, этот жанр был возрожден и произведен революцией благодаря художникам из Германии и Нидерландов. Ранние нидерландские художники, преодолевая разрыв между средневековьем и эпохой Возрождения, представили ряд черт, которые мы сегодня воспринимаем как должное.Печально известный портрет Арнольфини Яна ван Эйка (1434) подчеркивает не только лица их сиделок, но и их имущество: церемониальный костюм, деревянные туфли и частично освещенная люстра указывают на семейный статус пары.

В портретной фотографии самые маленькие штрихи могут иметь огромное значение. Примером может служить автопортрет Альбрехта Дюрера 1500 года. Хотя картина сегодня может показаться нам нетрадиционной, ее натурализм резко контрастирует со стилизованными иконами, модными в то время.Еще более примечательна позиция Дюрера. Лицом к зрителю лицом к лицу художник изобразил себя в позе, которая до этого момента предназначалась исключительно для Христа.

Эпоха Возрождения и последующие

Разбойники, такие как Дюрер и Ван Эйк, несмотря на то, что портретная живопись не имела массового возвращения до начала Возрождения — периода, в течение которого жанр приобрел новые значения и цели. Еще в 1336 году итальянский поэт Петрарка поручил сиенскому художнику Симоне Мартини создать картину своей музы, графини Лауры де Новес.У Петрарки не было никакого символического использования картины; он просто хотел отметить красоту графини.

Этот переход от религиозной иконографии к индивидуальному изображению продолжился в Нидерландах, где золотой век межконтинентальной торговли привел к росту относительно богатого среднего класса, который использовал нанятых портретистов, чтобы запечатлеть не только их сходство, но и их социальное положение. . Особенно популярным стал поджанр групповых портретов. На этих картинах, таких как «Синдики Гильдии драпировщиков» Рембрандта , часто изображались представители бизнеса, окруженные предметами, намекающими на их богатство и нравственность.

голландских групповых портретов изображали не только людей, но и организации. (Кредит: Google Arts & Culture / Wikipedia)

В то время как представительство среднего класса считалось нормой в Голландии, в других, более политически консервативных европейских странах художники придерживались королевской семьи и знати. Гиацинт Риго, возможно, установил золотой стандарт своим напыщенным исполнением «Короля-Солнца» Людовика XIV, который изображен на пике своего могущества. От коронационной мантии до ракурса, который использовал Риго, каждый элемент картины работает вместе, создавая единый, мгновенно узнаваемый эффект: заставляя короля казаться больше, чем жизнь.

В течение следующих нескольких столетий портретная живопись претерпела множество других значительных изменений. Однако самое большое изменение формулы произошло не от самих художников, а от совершенно не связанного с этим изобретения: камеры. Теперь, когда люди могли запечатлеть изображения друг друга мгновенно и с большей точностью, чем когда-либо могла сделать любая человеческая рука, современные художники — как и древние — наконец вернулись к абстракции.

Обзор движения живописи Золотого века Голландии

Урок анатомии доктораНиколаес Тулп (ок. 1632)

Художник: Рембрандт ван Рейн

На этой культовой картине доктор Тулп проводит урок анатомии, когда щипцы в его правой руке поднимают сухожилие частично рассеченной руки казненного человека. за вооруженное ограбление этим утром. Тулп смотрит на семерых мужчин, собравшихся вокруг трупа, когда его левая рука жестикулирует, чтобы объяснить анатомический момент. Мужчины в белых воротничках и красивой одежде, свидетельствующие об их богатстве, смотрят в разные стороны.Трое, находящиеся ближе всего к центру, наклоняются вперед, словно наблюдая за руками Тулпа, а двое сзади смотрят на зрителя. Двое крайних слева, изображенные в профиль, обращены лицом к Тулпу, но, кажется, смотрят дальше него, за пределы рамки картины. В результате возникает ощущение динамичного движения и психологической сложности, поскольку никто не отвечает на взгляды Тулпа и не смотрит прямо на бледный труп. umbra mortis , или тень смерти, заполняет центр холста. Тело мужчины, его гениталии, покрытые куском белого полотна, вызывают в памяти иконографию смерти Христа, хотя здесь тело забыто, в то же время его рассеченная рука мрачно передает реальность смерти.

В этой работе Рембрандт новаторски преобразовал групповую портретную живопись, резко сосредоточив внимание на событии в середине действия, а не просто представив поставленную сцену. В результате работа становится мизансценой , своеобразным графическим документальным фильмом и мастерским портретом.

Амстердамская гильдия хирургов заказала групповой портрет, первый важный портрет Рембрандта в городе. Мужчины присутствовали на ежегодном публичном вскрытии Гильдии в 1632 году, на котором председательствовал доктор Тулп, городской анатом.В 17, и веках в Голландии уроки анатомии были отмечены как общественные мероприятия, сопровождаемые музыкой, разговорами, едой и вином, происходящие в лекционных залах театра и посещаемые теми, кто мог позволить себе входную плату. Хорошо одетый вид этих мужчин, их белые воротнички и прекрасные платья свидетельствуют об их социальной значимости, и тем не менее, они представлены как сенсационные и отвлеченные, их человечность затмевает их статус.

Мане написал копию этой картины в 1856 году после изучения ее во время поездки в Нидерланды, и американский реалист Томас Икинс также испытала влияние этого рисунка в своей картине « Клиника Гросса » (1875).Казненный Киндт также начал своеобразную более позднюю культурную жизнь, о которой говорится в книге У. Г. Себальда Кольца Сатурна (1999) и в книге Нины Сигал Урок анатомии (2014), в которой рассказывается его история.

Живопись восемнадцатого и девятнадцатого веков

американских художников восемнадцатого и девятнадцатого веков использовали и развили европейские образцы и традиции. Культурное значение искусства в первые годы существования нации росло по мере того, как страна начала созревать, развиваться и определять себя.Американские художники девятнадцатого века часто предпочитали натурализм и романтизм более старым неоклассическим стилям и предметам. Будь то художники из Джорджии, иммигранты, временные жители или туристы, многие художники в штате внесли важный вклад в историю американского искусства. История живописи в Грузии и в Грузии — с цивилизованным значением портретной живописи, ролью возвышенных пейзажных образов, значением научного натурализма и реализма, а также появлением поэтики и эмоций в центре искусства — отражает всю историю живописи. Соединенные Штаты в восемнадцатом и девятнадцатом веках.

Колониальная эра и ранняя республика

Один из наиболее примечательных фактов о ранней американской живописи, особенно колониальной эпохи в Джорджии, заключается в том, что ее существует очень мало. Акварели и наброски карандашом Филиппа Георга Фридриха фон Рекка 1730-х годов, которые сейчас хранятся в Королевской библиотеке в Копенгагене, Дания, являются одними из самых ранних произведений искусства о Грузии. Его работа описывает здания в поселении Нью-Эбенезер в колониальной Джорджии, а также близлежащую флору и фауну, а также индейцев Крик и Ючи.

Из-за плантационной экономики в колонии американского юга мигрировало меньше художников, чем в колонии северо-востока; просто на юге было меньше городов, и они были более удалены друг от друга. Однако в восемнадцатом веке некоторые художники нашли покровителей в общинах на южном побережье, особенно в Чарльстоне, Южной Каролине и Саванне. Некоторые из них поселились в одном городе ради своей карьеры, в то время как другие стали бродячими художниками, путешествуя в поисках новых покровителей.Иеремия Тейс, родившийся в Швейцарии, рисовал в Чарльстоне и в течение нескольких десятилетий был важным художником Юга. Его портрет Джеймса Хабершама-старшего (ок. 1772 г.), который был президентом Генеральной Ассамблеи Джорджии и исполняющим обязанности губернатора в колониальную эпоху, возможно, был написан в Саванне. Сегодня портрет находится в музеях Telfair в Саванне. В Джорджии родился англичанин Джон Эббот, который благодаря публикациям стал известен своими акварельными красками местных птиц и насекомых.

По мере того, как отдельные грузины вовлекались в национальную и международную политику, они также становились покровителями художников или сидели для портретов.Уильям Харрис Кроуфорд служил министром финансов США, когда он согласился сесть за свой собственный портрет, выполненный известным американским предпринимателем и художником Чарльзом Уилсоном Пилом, работавшим в Вашингтоне, округ Колумбия. Портрет Пила Кроуфорда (1818 г.), размещенный в Художественный музей Хай в Атланте был предназначен для музея Пила в Филадельфии, штат Пенсильвания. За свою карьеру Пил создал многочисленные портретные миниатюры других грузин, в том числе Джорджа Уолтона, подписавшего Декларацию независимости Джорджии.Сын Пила Рафаэль проводил время в Саванне, также писал портреты, часто в миниатюре.

Довоенный период

Обращение к американскому пейзажу в девятнадцатом веке и его популярность в середине века ознаменовали важный шаг к развитию в основном американского искусства. Английский художник-пейзажист Джошуа Шоу, иммигрировавший в Филадельфию в 1817 году, примерно в 1820 году путешествовал по Джорджии во время эскизного тура. Томас Аддисон Ричардс, художник, иллюстратор, учитель и писатель британского происхождения, был одним из ведущих художников Юг в середине девятнадцатого века.В 1842 году Ричардс и его брат Уильям Кэри Ричардс опубликовали Georgia Illustrated , серию из одиннадцати стальных гравюр и текста, и совместно работали над ежемесячным литературным изданием Orion . В начале 1840-х Ричардс путешествовал по Югу, наполняя свои альбомы живописными и возвышенными изображениями ландшафта; его иллюстрации и статьи о путешествиях, часто об американском Юге, появлялись в национальных изданиях. Ричардс также создал картины, основанные на его путешествиях по южному ландшафту, в том числе такие изображения Джорджии, как River Plantation (1855-60), которая находится в Художественном музее Морриса в Огасте.

River Plantation

Предоставлено Художественным музеем Морриса

Джордж Кук, наиболее известный своими портретами южан, родился в восточном Мэриленде в 1793 году. Он впервые посетил Джорджию в конце весны 1840 года, когда писал портреты в Августе. Затем он провел конец лета и осень того года, путешествуя по горам северной Джорджии, где он создал пейзажные картины с живописными и возвышенными элементами, типичными для школы реки Гудзон на северо-востоке.Один, Tallulah Falls (1841 г.), находится в Музее искусств Джорджии в Афинах и изображает L’Eau d’Or, Tempesta и Hurricane Falls у водопада Таллула в горах северо-востока Джорджии. Он также нарисовал сопутствующую картину, теперь утерянную, с изображением водопада Токкоа.

Поддержка меценатов в довоенные годы зарабатывалась не часто изображениями пейзажа, а портретами и сценами повседневной жизни. Помимо Джорджа Кука, в довоенные годы в Джорджии были и другие портретисты, в том числе Бенджамин Байнум; Джон О’Брайен Инман, чей портрет президента Университета Джорджии Алонзо Черча (1854 г.) висит в административном здании на территории кампуса; Джон Майер; и Уильям Харрисон Скарборо, среди других.Перед гражданской войной (1861–1865) портреты грузин были выполнены в мастерских крупных городов, таких как Саванна, или странствующими художниками, путешествующими в такие места, как Афины, Августа и Макон. Многие странствующие художники-портретисты, написанные маслом или акварелью, изображающие богатых и принадлежащих к среднему классу грузин, остаются неопознанными.

Гражданская война и период конца XIX века

Популярность жанровых картин или сцен повседневной жизни в США продолжалась во время Гражданской войны и сразу после нее.Уильям Эйкен Уокер, родившийся в Чарльстоне, Южная Каролина, был успешным странствующим художником, который провел большую часть своей карьеры, путешествуя по Джорджии, Флориде, Луизиане, Мэриленду, Северной Каролине и Южной Каролине. После службы в армии Конфедерации во время Гражданской войны, Уокер направил свою артистическую энергию на изображение ландшафта и повседневной жизни Юга во время Реконструкции. Многие из его картин были выполнены в небольшом масштабе, что делало их легко переносимыми и недорогими. Некоторые из его городских и речных сцен были опубликованы в виде литографий для Каррье и Айвза.Его портрет Plantation Portrait (1885), размещенный в Художественном музее Морриса, типичен своим горизонтальным форматом, использованием афроамериканских издольщиков и рабочих на переднем плане, средней частью хлопкового поля и фоном хозяйственных построек. пароходы и река. На других картинах Уокер изображает виды рынка и пристани с афроамериканскими докерами, газетчиками и продавцами.

Портрет плантации

Предоставлено Музеем искусств Морриса

В годы после Гражданской войны некоторые американские художники, в том числе Уильям Майкл Харнетт и Джон Пето, сделали карьеру, создав ультрареалистичные картины, или trompe l’oeil.Часто создавая натюрморты, эти художники создавали картины, чтобы обмануть глаз зрителя, уделяя особое внимание трехмерным качествам, особенно текстуре и теням, повседневным предметам и юмору. Работая в Джорджии на протяжении большей части своей артистической карьеры, Хэл Александр Кортни Моррисон был коренным канадцем, который учился в Гарвардской медицинской школе в Кембридже, штат Массачусетс. Живя в Атланте, Моррисон решил преподавать искусство, и он стал наиболее известен своими натюрмортами, особенно рыбными и игровыми композициями.Он также создал сцены хлопковых плантаций и нарисовал портрет Джозефа М. Террелла, губернатора Джорджии с 1902 по 1907 год, который сегодня является частью коллекции в здании суда в округе Мериуэзер. Его «Висячая игра : деревянная утка и кряква » (около 1890 г.), размещенная в галерее «Чарльстон Возрождения» в Чарлстоне, Южная Каролина, типична для Моррисона, увлекающегося натюрмортами.

В конце XIX века на американских художников большое влияние оказала эстетика как французского барбизонского искусства, так и французского импрессионизма.Некоторые американские художники, такие как Уильям де Леввич Додж, придавали сценам личное настроение, как и их французские коллеги из Барбизона, в то время как другие использовали яркие, импрессионистские цвета и заметные мазки кисти. Додж родился в Вирджинии и вырос в Европе, куда его мать переехала изучать живопись в 1879 году. Он изучал искусство в Париже, Франция, и поселился в Нью-Йорке как художник фресок и пейзажей. Додж провел несколько летних дней в Живерни во Франции, где он создавал искусство в городе французского мастера Клода Моне.В Соединенных Штатах Додж совершил несколько поездок в Джорджию, создав такие изображения, как « Summer Day под испанским мохом » (1910 г.), который находится в Художественном музее округа Гринвилл в Гринвилле, Южная Каролина.

Известный художник-пейзажист Джордж Иннесс первоначально работал в тщательном стиле школы реки Гудзон. Позже Иннесс стал известен своими духовными полотнами с приглушенной тональностью и неземным освещением. Он путешествовал по Европе, когда ему было еще двадцать, и познакомился со старыми мастерами, французскими барбизонскими пейзажистами и ясным свежим светом Италии.Под влиянием работ Эмануэля Сведенборга, шведского ученого-мистика, интерпретировавшего духовное царство в терминах материального мира, и американского поэта Ральфа Уолдо Эмерсона, Иннесс создал туманные сцены американского пейзажа. Он заметил, что ему было интересно запечатлеть духовное впечатление от природы, а не визуальные детали природных объектов. В рамках своих многочисленных поездок Иннесс совершал поездки по Джорджии для длительного пребывания во Флориде в 1880-х годах. Картины, такие как Сосны Джорджии, После полудня (1886), в коллекции Музея изящных искусств в Бостоне, Массачусетс, и Сосны Джорджии (1890), размещенные в Смитсоновском музее американского искусства в Вашингтоне, округ Колумбия.C., олицетворяет технический интерес Иннесса к цвету, композиции и манере письма. Его картины пейзажа Джорджии параллельны другим его изображениям американских мест в их символическом способе выражения, основанном на духовном понимании природы. Его сын Джордж Иннесс-младший путешествовал с отцом, а также исполнял поэтические пейзажи Джорджии.

Родившийся в Питтсбурге, штат Пенсильвания, Генри Оссава Таннер, возможно, главный афроамериканский художник Америки на рубеже веков, какое-то время жил в Джорджии.Таннер учился у известного американского художника Томаса Икинса в Пенсильванской академии изящных искусств в Филадельфии. В 1888 году Таннер переехал в Атланту, где открыл фотоателье. Хотя его предприятие в области фотографии провалилось, Таннер оставался в Атланте до 1890 года, преподавая рисование преподавателям и рисовал портреты в Университете Кларка (позже Университет Кларка в Атланте). Пейзаж Джорджии (ок. 1889 г.), находящийся в коллекции Художественного музея Морриса, вероятно, был написан во время пребывания Таннера в Атланте и ее окрестностях и отличается мутной палитрой и широкими мазками, типичными для французского барбизонского влияния на американское искусство.Таннер, Додж и другие американские художники рубежа веков создавали работы в стиле интимности и выразительности, используя тонкие световые эффекты для создания поэтических образов.

Пейзаж Джорджии

Предоставлено Музеем искусств Морриса

По мере приближения девятнадцатого века художники начала двадцатого века, переезжающие или посещающие Грузию, будут играть жизненно важную роль в истории американского импрессионизма, модернизма и американской живописи.

известных портретных картин — самые известные художественные портреты

Портретная живопись на протяжении многих веков остается невероятно популярным жанром живописи. Большинство художников экспериментировали с той или иной формой портретной живописи на протяжении всей своей карьеры, и несколько художников продолжали создавать самые известные портретные картины из когда-либо известных. Несмотря на то, что портретная живопись вызывает такое восхищение, она существует как один из самых сложных жанров в мире искусства.Ниже мы рассмотрим 15 самых известных художников-портретистов, которые когда-либо жили, а также их культовые и все еще почитаемые произведения искусства.

Что такое портреты?

Портретная живопись, считающаяся наиболее распространенным жанром в живописи, в какой-то момент была предпринята большинством художников. Термин «портретная живопись», описываемый как стиль рисования, предназначенный для представления определенного человеческого объекта, был разработан для точной классификации как изображенного человека, так и фактического рисунка.Поскольку этот старинный стиль определил себя через изображение других, за эти годы была собрана обширная и обширная коллекция известных художественных портретов, в которую добавились различные влиятельные художники.

Широко распространено мнение, что портретная живопись является наиболее сложной формой живописи из всех существующих, поскольку она требует высокой резкости для изображения человеческой формы с максимальной детализацией. Как правило, художники, создающие портретные картины, стараются передать точное изображение своего предмета, замечательно подчеркивая его физические, умственные и даже духовные характеристики.

Поскольку портреты вызывают сильные эмоции как у художника, так и у зрителей, большое значение имеет акцент на лице, выражении лица и личности человека.

Джейкоб Корнелис. ван Остсанен рисует портрет своей жены (1550) Дирка Якобса; Дирк Якобс., Общественное достояние, через Wikimedia Commons

Многие из лучших художников в истории обладали замечательным талантом, который позволял им выражать суть человеческих эмоций в одиноких портретах.Часто эти художники детально изучали анатомию человека, чтобы досконально понимать тонкости каждого небольшого изменения выражения, и затем отображали это в своих произведениях. Достаточно интересно, что при обзоре самых известных портретных картин, когда-либо созданных, художники, как правило, становятся общеизвестными, в то время как фактический предмет работы остается менее очевидным.

Помимо известных портретов, многие жившие художники писали портреты на протяжении всей своей карьеры.

Эти известные художники-портретисты, как правило, создавали произведения искусства по заказу как для государственных, так и для частных групп, причем картины действовали как память о богатых и влиятельных. При рассмотрении самых известных портретных картин, созданных на протяжении многих лет, включая как групповые, так и автопортреты, становится очевидным то огромное влияние, которое эта специализированная форма живописи оказала на мир искусства.

15 самых известных портретных картин всех времен

На протяжении всей истории известные художественные портреты и художники доминировали в мире искусства.Это связано с точным уровнем навыков, необходимых для создания портретов, а также с большим влиянием, которое некоторые художники оказали на публику. При сравнении конкретных портретов некоторые выделяются больше других исключительно из-за выбранной тематики, способа написания работы или даже из-за самого художника.

Хотя приведенный ниже список ни в коем случае не является исчерпывающим, мы собрали наши лучшие 15 подборок самых известных портретных картин всех времен.

Мона Лиза (1503 — 1506) Леонардо да Винчи
Художник Леонардо да Винчи
Дата 1503–1506
Средний Панно из тополя, масло
Размеры 77 см x 53 см
Где он сейчас находится Лувр, Париж

Пожалуй, самый известный портрет в истории искусства, когда-либо созданный, а также самое узнаваемое произведение искусства — это Мона Лиза , написанная Леонардо да Винчи в начале -х годов века.И технические аспекты картины, и сам сюжет веками восхищали зрителей и вызывали большой интерес.

Также известный как «Портрет Лизы Герардини», да Винчи использовал крайние детали, чтобы точно передать любопытное выражение ее лица и глаз, которые, как говорят, следят за вами, где бы вы ни стояли.

Портрет Моны Лизы дель Джокондо (1503–1506) работы Леонардо да Винчи; Леонардо да Винчи, общественное достояние, через Wikimedia Commons

При взгляде на композицию модели Мона Лиза , треугольник тонко образуется благодаря положению ее скрещенных рук, которое ведет к ее голове.Хотя в то время эта поза была популярна, тонкость нюансов, запечатленных да Винчи, помогла сосредоточить все внимание на ее интересном лице.

Уверенно глядя на зрителей с мягкой улыбкой на лице, ее блуждающие глаза и лукавая ухмылка были центральной темой дебатов с момента дебюта произведения. Это потому, что ее «озадачивающая улыбка», как говорят, говорит слишком много и недостаточно одновременно.

Несмотря на то, что ее называют величайшим произведением искусства, некоторые историки искусства назвали ее Мона Лиза «переоцененной».В основном это из-за ее небольшого размера, и некоторые полагают, что да Винчи оставил произведение незаконченным из-за отсутствия у нее бровей. Получив всемирную известность только в 1911 году после кражи, Мона Лиза в конечном итоге стала самым посещаемым, написанным и пародируемым произведением искусства в мире. В 2016 году он побил мировой рекорд Гиннеса по страховке в 100 миллионов долларов, а в 2021 году Mona Lisa будет стоить более 870 миллионов долларов.

Вертумн (1591) Джузеппе Арчимбольдо
Художник Джузеппе Арчимбольдо
Дата 1591
Средний Дерево, масло
Размеры 68 см x 56 см
Где он сейчас находится Замок Скоклостер, Швеция

Стиль живописи Джузеппе Арчимбольдо невозможно не признать, учитывая тот факт, что художник эпохи Возрождения был известен тем, что создавал свои портреты исключительно из фруктов, овощей и растений.Известный своими причудливыми портретами, Арчимбольдо мог довольно точно изобразить своих предметов, используя различные предметы. Vertumnus был создан для изображения императора Священной Римской империи Рудольфа II, который был римским богом метаморфоз в природе и жизни.

Каждый объект, использованный на картине, каким-то образом имел прямое отношение к Императору.

Вертумнус или Рудольф II Гамбургский (1590) Джузеппе Арчимбольдо; Джузеппе Арчимбольдо, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Несмотря на игривый подход Арчимбольдо к портретной живописи, Vertumnus невероятно точен в своем создании, поскольку каждая деталь выразительного лица Императора представлена ​​отдельным кусочком еды или растения.Хотя знаменитый портрет на первый взгляд может показаться глупым, вы можете увидеть, сколько усилий вложил Арчимбольдо в свою работу, поскольку видны даже отдельные зубы.

При просмотре его культовой картины зрителям становится очевидным то обширное воображение и внимание к деталям, которые Арчимбольдо пришлось проявить для создания безупречного портрета.

Хотя Vertumnus далек от реальности, чистый талант Арчимбольдо заслуживает похвалы.Хотя Арчимбольдо, возможно, выбрал зеленые бобы, красные фрукты и яблоки для обозначения характерных черт, он все же придерживался большинства принципов типичной портретной живописи того времени. Хотя приглушенный черный фон соответствовал стандартам для портретов, он также тщательно выбирал, какие объекты использовать.

Изображая цветы и фрукты всех времен года, Арчимбольдо тонко символизирует изобилие и гармонию правления императора Рудольфа. Поскольку он не был популярным правителем, мы можем только предположить, что Арчимбольдо решил нарисовать его странно лестную картину.Возможной причиной этого считалось то, что император Рудольф был большим сторонником искусства Арчимбольдо.

Доярка (ок. 1658) Иоганнеса Вермеера
Художник Йоханнес Вермеер
Дата ок. 1658
Средний Холст, масло
Размеры 45.5 см x 41 см
Где он сейчас находится Рейксмузеум, Амстердам

Иногда называют «Кухонная горничная», Доярка была написана голландским художником Йоханнесом Вермеером, одним из великих мастеров Золотого века Голландии. Картина «Доярка », изображающая обычную домашнюю сцену кухонной горничной, наливающей молоко из кувшина, сильно отличалась от других работ Вермеера. Это произошло потому, что он впервые решил использовать простую и крепкую пожилую женщину в качестве своего объекта вместо богатых и элегантных молодых леди, которых он обычно рисовал.

Эта картина, расположенная в Государственном музее, несомненно, считается одной из его лучших и самых популярных достопримечательностей.

Доярка (ок. 1660) Иоганнеса Вермеера; Йоханнес Вермеер , общественное достояние, через Wikimedia Commons

«Доярка » считается одной из самых заметных работ Вермеера, так как его способность с такой честностью запечатлеть мирские сцены из повседневной жизни вызвала большое восхищение.Что делает портрет The Milkmaid таким интересным, так это полная неподвижность, которой удалось добиться Вермееру. За исключением розлива молока, который захватывает все внимание женщины, в композиции больше ничего не движется.

Вермеера высоко ценили за его способность взять такое ничем не примечательное занятие и сделать его целым предметом невероятно впечатляющей картины.

Стоя, как статуя, в ярко освещенной комнате, доярка привлекает наше внимание к своей простой задаче.Когда Вермеер рисовал ее фигуру в слегка заниженном ракурсе, он предоставил зрителям очень монументальный образ, на который можно было смотреть и размышлять. Благодаря своему обращению с перспективой и светом Вермеер создал реалистично выглядящую кухню, которая казалась пустой, если не считать активности доярки.

Автопортрет (1660) Рембрандта ван Рейна
Художник Рембрандт
Дата 1660
Средний Холст, масло
Размеры 80.3 см x 67,3 см
Где он сейчас находится Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Еще одна из известных портретных картин в нашем списке, созданная известным художником, — это Автопортрет , который был написан легендарным Рембрандтом ван Рейном . Известный как художник света, Рембрандт объяснил, что его цветовая палитра состоит только из темных цветов, потому что он считал, что свет должен быть основным предметом в картине.За свою карьеру Рембрандт нарисовал более 40 различных автопортретов и создал Автопортрет , когда ему было 54 года. Эта картина особенно выделялась его морщинистым лбом и обеспокоенным выражением лица.

Когда смотришь на эту картину, центром внимания становится невероятно взволнованное выражение лица Рембрандта, которое, как говорят, выражало душевное страдание.

Автопортрет (1660) Рембрандта; Рембрандт, общественное достояние, через Wikimedia Commons

На этом портрете Рембрандт был безжалостен в своем изображении самого себя, поскольку он ясно осознавал признаки своего старения в том, как он рисовал свое морщинистое лицо.Помимо складок на лбу, у Рембрандта были тяжелые мешочки под глазами, свидетельствовавшие о крайней усталости, а также двойной подбородок.

В то время, когда был написан Автопортрет , портретная живопись еще не приобрела оттенок великого личного открытия. Это произошло позже, в эпоху романтизма, а это означало, что автопортрет Рембрандта «Автопортрет » существовал просто как способ задокументировать, кем он был в 17 -х годах века.Когда Рембрандт создал Автопортрет , он потерял жену, одного из своих детей, и едва избежал банкротства, продав большую часть своих картин.

Все это объясняет крайнее истощение и безнадежность на его лице.

Девушка с жемчужной сережкой (ок. 1665) Иоганнеса Вермеера
Художник Йоханнес Вермеер
Дата г.1665
Средний Холст, масло
Размеры 44,5 см x 39 см
Где он сейчас находится Маурицхейс, Гаага

Самым важным произведением искусства, когда-либо созданным Иоганном Вермеером и, возможно, одним из его самых известных портретных полотен, является «Девушка с жемчужной сережкой». Первоначально названный «Девушка в тюрбане», Девушка с жемчужной серьгой широко считается значительным произведением западного искусства и часто называют «Мона Лиза с севера».Возникло много предположений относительно личности молодой женщины на портрете, при этом наиболее распространенная теория предполагает, что это была картина Марии Вермеер, старшей дочери художника.

Спорный факт о Девушка с жемчужной серьгой заключается в том, что, хотя он широко считается одним из самых значительных портретов, когда-либо созданных, с технической точки зрения это не настоящий портрет. Вместо этого он был назван «трони», который был популярным типом живописи во время Золотого века Голландии.Трони, как правило, представлял собой исследование неопознанного человека, который стал предметом художественного произведения.

Эти люди также носили роскошные предметы одежды и находились на простом и ясном фоне, что еще больше подчеркивало их анонимный характер.

Девушка с жемчужной сережкой (ок. 1665) Иоганнеса Вермеера; Йоханнес Вермеер, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Девушка, пристально смотрящая на зрителя, изображена с очаровательным выражением лица, которое вызывало любопытство у зрителей, когда они смотрели на работу.Вермеера хвалили за его невероятный уровень реализма, а также за его способность улавливать незаметные изменения между светом и тьмой. В голубом тюрбане цвета электрик, который красиво контрастирует с ее желтым платьем и куском ткани за плечом, создается драматический образ. Это помогло привлечь внимание к главному элементу работы — ее сияющей жемчужной серьге.

Композиция в сером и черном цвете No. 1 (1871) Джеймса Макнила Уистлера
Художник Джеймс Эббот Макнил Уистлер
Дата 1871
Средний Холст, масло
Размеры 144.3 см x 162,4 см
Где он сейчас находится Музей Орсе, Париж

Американский художник Джеймс Эббот Макнил Уистлер также создал один из самых известных портретов в истории, создав его «Аранжировку в серых и черных тонах № 1 ». Более известный как «Мать Уистлера », Уистлер создал этот хорошо известный портрет своей матери, Анны Макнил Уистлер, после того, как его модель не смогла записаться на прием и попросил свою мать заменить его объект.Первоначально изобразив свою модель стоящей для этого портрета, матери Уистлера было слишком неудобно стоять в течение длительного времени, поэтому он изменил свою первоначальную идею.

Хотя этот портрет существует как известное американское произведение искусства, Уистлер не собирался создавать портрет.

Композиция в сером и черном цветах № 1 или «Мать Уистлера» (1871 г.) Джеймса Макнила Уистлера; Джеймс Макнил Уистлер, общественное достояние, через Wikimedia Commons

В то время он обнаружил много общего между музыкой и живописью, что привело к тому, что он назвал многие свои работы именем «гармония» и другими музыкальными словами.Называя эту работу «Аранжировка в сером и черном» № 1 , вся цель Уистлера заключалась в том, чтобы поставить тональную ценность в своей работе над всеми другими интерпретациями.

Однако его мать быстро стала центром работы, в результате чего картина стала рассматриваться как портрет.

Уистлеру удалось поймать свою мать, которой в то время было 67 лет, в состоянии траура. Она была изображена в только черной одежде с очень мрачным выражением на пожилом лице, что принесло Уистлеру много похвалы за его способность изображать такие глубокие эмоции, используя только боковой профиль своего объекта.Помимо того, что его мать сидит перед серой стеной, на картине можно увидеть различные оттенки темных и светлых тонов. Это прибавляло повышенного уровня реализма, который редко можно было увидеть в столь мрачных и грустных произведениях.

Портрет мадам X (1884) — Джон Сингер Сарджент
Художник Джон Сингер Сарджент
Дата 1884
Средний Холст, масло
Размеры 234.9 см x 109,8 см
Где он сейчас находится Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Другой американский художник, вошедший в наш список известных художников-портретистов, — это Джон Сингер Сарджент, создавший Портрет мадам X . Портрет Сарджента покорил сердца любителей искусства во всем мире, когда его работа была впервые представлена, и зрители сосредоточились на изящной красоте, которую ему удалось изобразить. Однако многие критики и официальные лица по-разному относились к этому произведению искусства и заявляли, что оно было слишком провокационным, чтобы его уважали так, как это было во Франции в то время.

На картине изображена Виржини Амели Авеньо Готро, молодая светская львица, жена успешного французского банкира Пьера Готро.

Портрет мадам X (Мадам Пьер Готро) (1883–1884) работы Джона Сингера Сарджента; Метрополитен-музей, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Портрет мадам X не входил в число заказанных Сарджентом работ, поскольку он специально просил нарисовать своего товарища-эмигранта, пока они оба были в Париже.Сарджент изобразил своего объекта в черном атласном платье с украшенными драгоценными камнями бретельками, которые одновременно открывали и скрывали аспекты ее тела. Бледный тон ее тела создавал красивый контраст с темным цветом ее платья и фона.

Когда Сарджент представил свои работы на Парижском салоне в 1884 году, он вызвал огромный резонанс со стороны консервативных членов французского общества. Эта реакция вынудила его в конце концов покинуть страну и переехать в Лондон. Хотя Сарджент пытался скрыть имя мадам Готро с помощью анонимного названия произведения, его попытка оказалась бесполезной.

Газеты публиковали бесчисленные карикатуры и сатирические стихи, высмеивающие и ее, и Сарджента, причем эти критики не замечали невероятного уровня реализма в его картинах.

Портрет молодой женщины (ок. 1885) Эдгара Дега
Художник Эдгар Дега
Дата г. 1885
Средний Холст, масло
Размеры 27.3 см x 22,2 см
Где он сейчас находится Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Знаменитый художник Эдгар Дега во время своей карьеры немного экспериментировал с портретной живописью и в результате создал Портрет молодой женщины . Как хорошо известный художник-импрессионист, Дега был наиболее известен своим изображением балерин и влиянием фотографии на его картины.

В своем портрете, который, кажется, был быстро завершен, Дега изобразил молодую женщину с нечетким выражением лица, что еще больше подчеркивалось тем, что ее взгляд не встречается с глазами зрителей.

Портрет молодой женщины (ок. 1885) Эдгара Дега; Эдгар Дега, CC0, через Wikimedia Commons

Поскольку грубые следы кисти видны как на заднем плане работы, так и на одежде женщины, картина выглядит очень поспешно. Дега, который был хорошо приспособлен к распознаванию тонкостей жестов и выражений лица, сосредоточил все свое внимание на том, чтобы уловить выражение лица и задумчивый взгляд женщины. Использование жестов кистью добавляет движения к неподвижной картине и демонстрирует, что фон и одежда имеют второстепенное значение по сравнению с любопытным выражением лица женщины.

Автопортрет с соломенной шляпой (1887) Винсента Ван Гога
Художник Винсент Ван Гог
Дата 1887
Средний Холст, масло
Размеры 40,6 см x 31,8 см
Где он сейчас находится Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Художником, который не уклонялся от экспериментов с портретной живописью, был всемирно известный Винсент Ван Гог, который, как известно, написал более 35 портретов самого себя.Несмотря на то, что он так увлечен стилем живописи, только один портрет был написан с ним другим художником. Один из его знаменитых портретов — «Автопортрет в соломенной шляпе », который он написал в пяти различных версиях в течение 1887 года.

Ван Гог любил быть собственной моделью, чтобы практиковать свои портретные техники, и купил достаточно хорошее зеркало специально для этой цели.

Автопортрет с соломенной шляпой (1887/1888) Винсента Ван Гога; Винсент Ван Гог, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Ван Гог проявлял большой интерес к человеческому лицу, что можно было увидеть в многочисленных автопортретах, которые он создал.Он начал свой автопортрет с серии «Соломенная шляпа » между 1886 и 1888 годами, когда он жил со своим братом в Париже, пытаясь точно передать эмоции, которые он испытывал в то время.

На этой конкретной картине Ван Гог показал свое разрушающееся психическое и физическое здоровье через плотный рот, который он рисовал, и глубокие цвета и тени, которые он выбрал, с диким фоном, еще больше подчеркивающим его упадок.

На своем портрете Ван Гог изобразил себя одетым в желтую соломенную шляпу и синий рабочий халат, который обычно носят крестьянские рабочие.Все это было выбрано целенаправленно, что побудило Ван Гога носить этот особый наряд несколько раз, продолжая рисовать разные версии Автопортрета с соломенной шляпой . Утверждается, что одежда соответствовала представлению Ван Гога о себе как о работающем художнике, причем одежда выражала образ, который он пытался изобразить.

Женщина в шляпе (1905) Анри Матисс
Художник Анри Матисс
Дата 1905
Средний Холст, масло
Размеры 80.6 см x 59,6 см
Где он сейчас находится Музей современного искусства Сан-Франциско, Сан-Франциско

В начале -х годов века Анри Матисс стал еще одним художником, который добавил в наш список известных художников-портретистов, когда он создал Женщина в шляпе . Он создал этот разноцветный портрет своей жены Амели, который в том году выделялся в Парижском салоне яркостью красок. Матисс использовал совершенно другой подход к портретной живописи, потому что вместо того, чтобы пытаться сделать свое изображение максимально реалистичным, он добавил как можно больше цвета, чтобы адекватно выразить эмоции, которые он испытывал в своих работах.

Игривый тон, использованный Матиссом при просмотре «Женщины в шляпе», был сделан, чтобы продемонстрировать зрителям, насколько сильно он любит свою жену, а также весело указать на то, что она на самом деле работает владельцем шляпного магазина.

Матисс и его жена были женаты более 40 лет, в конце концов расстались, потому что он, как известно, сказал ей, что «всегда будет любить рисовать больше». Женщина в шляпе существует как память об их долгом браке.

Смелое и беспрецедентное сочетание цветов в картине «Женщина в шляпе» сильно разозлило публику, когда она была выставлена ​​в Салоне 1905 года, когда общественность сообщала в основном негативные отзывы о работе. Отчасти это произошло потому, что стиль фовизм , который Матисс только что представил в своих более ранних работах, сильно отличался от стиля, к которому уже привыкла публика.

Эта картина еще больше укрепила стиль фовизма, поскольку она продемонстрировала быстрые изменения, происходящие в искусстве, которые значительно взбесили публику.

Портрет Адели Блох Бауэр I (1907) работы Густава Климта
Художник Густав Климт
Дата 1907
Средний Холст, масло, серебро, золото
Размеры 138 см x 138 см
Где он сейчас находится Neue Galerie, Нью-Йорк

Одна из самых узнаваемых и известных портретных картин — Портрет Адели Блох Бауэр I , написанная австрийским художником Густавом Климтом в 1907 году.На портрете Климта, также называемого «Дама в золоте» и «Женщина в золоте», была изображена Адель Блох-Бауэр, богатая еврейка из Вены. Портрет был заказан Климту ее мужем, еврейским банкиром и производителем сахара Фердинандом Блох-Бауэром. В то время Климт закрепил свою идентичность как живописец привлекательных женщин в еврейском венском обществе.

Этот портрет существует как самая представительная работа Климта, которую он создал в период своего золотого периода.

Портрет Адели Блох-Бауэр I (1907) работы Густава Климта; Густав Климт, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Используя серебро и золото в дополнение к краскам на холсте, Климт смог создать поистине неземное изображение Адели Блох Бауэр, что еще больше подчеркнуло сильное внимание, которое он уделил женственности в этой работе.Золото, окружавшее миссис Блох Бауэр, освещало ее фигуру и четко очерченные черты лица.

Поскольку она восхищалась поклонницей искусства, это озарение еще раз свидетельствовало о том, как ее любили в мире искусства.

Портрет Адели Блох Бауэр I предположительно был написан в качестве подарка к годовщине родственников Фердинанда, причем картина осталась в семье и передана в музеи и галереи для выставок. Однако, когда миссис С.Блох Бауэр умерла в 1925 году, она попросила передать работу Австрийской государственной галерее в Вене. Ее семья не согласилась, и картина в конечном итоге была захвачена нацистами в 1941 году. После войны картина была возвращена семье Блох-Бауэр только в 2006 году, которая через несколько месяцев продала ее за 135 миллионов долларов.

Американская готика (1930) Гранта Вуда
Художник Грант Вуд
Дата 1930
Средний Боберт, масло
Размеры 78 см x 65.3 см
Где он сейчас находится Чикагский институт искусств, Чикаго

Еще одна американская картина, которая входит в список самых известных художественных портретов, — это American Gothic , написанная Грантом Вудом в 1930 году. Вуд создал этот портрет после того, как увидел Дом Диббл в Элдоне, штат Айова, и был вдохновлен архитектурой фермы XIX века. Чтобы создать неоготическую сцену, которую он хотел; Вуд включил портреты людей, которые, по его мнению, должны жить в этом доме.

Сначала он набросал дом на обратной стороне конверта и, получив разрешение от его владельцев, начал рисовать.

Американская готика (1930) Гранта Вуда; Грант Вуд, общественное достояние, через Wikimedia Commons

В то время как многие думали, что эта меланхоличная пара была основана на настоящей фермерской паре, Вуд решил нарисовать свою младшую сестру Нэн Вуд Грэм и дантиста доктора Брайона МакКиби. Он намеревался изобразить людей как отца и дочь, но он был открыт для интерпретаций зрителей, поскольку стало ясно, что другие рассматривают их как супружескую пару.

Он заявил, что их отношения не имеют большого значения, поскольку наиболее важным элементом работы является то, соответствуют ли их лица аспектам американской жизни и раскрывают их.

Две могилы, стоящие перед их скромным фермерским домом, явным образом свидетельствуют о трудностях, с которыми столкнулись американские граждане во время Великой депрессии 1920-х годов. Картина Вуда отражала трудолюбивый американский дух, которым горожане гордились, и стала классическим и часто пародируемым произведением американской культуры.Вуд представил American Gothic на ежегодной выставке в Институте искусств Чикаго в 1930 году, где получил бронзовую медаль. Картина попала в музей, где она хранится до сих пор.

Le Réve (1932) Пабло Пикассо
Художник Пабло Пикассо
Дата 1932
Средний Холст, масло
Размеры 130 см x 97 см
Где он сейчас находится Частное собрание

Пабло Пикассо, возможно, один из величайших художников всех времен, а Le Réve считается его самым известным портретом.Сюжетом этого портрета была Мария-Тереза ​​Вальтер, 22-летняя любовница Пикассо в то время. В отличие от другой любовницы Пикассо, Доры Маар, которую он регулярно изображал страдающей или угрожающей, он предпочел изобразить Мари-Терезу веселой и яркой фигурой с прекрасными светлыми волосами, которая казалась очень гостеприимной и теплой.

Использование чрезмерно упрощенных линий и контрастных цветов добавило акцента портрету Пикассо, так как он напоминал ранний кубистский и фовистский стиль 1910-х годов.

Le Réve принадлежал к периоду искаженных изображений Пикассо, поскольку его искаженное изображение Мари-Терезы чрезвычайно затрудняло автоматическое определение фигуры зрителями. Пикассо создал множество работ с явными элементами эротизма, из которых Le Réve разозлили критиков и зрителей, когда впервые представили его невероятно чувственными и непристойными частями, которые можно было увидеть.

Это произошло потому, что Пикассо нарисовал на одной стороне наклоненного лица своей любовницы нечто, похожее на эрегированный пенис, предположительно символизирующий его собственный.Цвет, использованный в этом разделе работы, также добавил к идее, что пенис действительно был изображен, поскольку Пикассо выбрал очень нейтральный оттенок телесного цвета для этой конкретной половины ее лица.

В 2013 году «Ле Рев» вошла в историю как пятая по размеру картина, проданная на тот момент за 155 миллионов долларов. В 2017 году эта цена оставалась второй по величине ценой, которую когда-либо платили за картину Пикассо.

Две Фриды (1939) Фриды Кало
Художник Фрида Кало
Дата 1939
Средний Холст, масло
Размеры 173.5 см x 173 см
Где он сейчас находится Museo de Arte Moderno, Мехико

Художницей, считавшейся одним из самых известных портретистов в истории, была Фрида Кало, написавшая множество знаковых автопортретов на протяжении всей своей карьеры. Две Фриды существует как очень странное, но заставляющее задуматься изображение двойной природы жизни художника того времени, поскольку Кало написала этот портрет во время развода с другим художником Диего Риверой.Было известно, что у них были очень взрывоопасные и непредсказуемые отношения, часто заключающиеся в браке, разводе, а затем повторном браке.

В Две Фриды, нарисованы две версии Кало. Оба изображения Кало сидят изящно, но загадочно, поскольку они пристально смотрят на зрителей. Версия слева носит элегантное платье европейского дизайна, которое было популярно среди более состоятельных мексиканцев, поскольку оно символизировало достаток. Версия справа изображена в более традиционном мексиканском платье, состоящем из многих цветов.

Эти две женщины ясно продемонстрировали то сильное влияние, которое Европа оказывала на саму суть мексиканского наследия в то время.

Возможно, самый большой фокус в Две Фриды — это два реалистичных и ужасных сердца, которые нарисовала Кало. Поскольку более европейская версия себя показана с разорванным сердцем, зрители могут ясно видеть, где на самом деле находится собственное сердце Кало, поскольку у традиционной Фриды справа сердце живое и здоровое.

Эта картина, как и большинство других автопортретов Кало, существует как глубокое символическое изображение физических и психологических травм, с которыми она столкнулась в тот момент, с этим портретом, представляющим глубокую утрату, которую она пережила.

Мэрилин Диптих (1967) Энди Уорхола
Художник Энди Уорхол
Дата 1962
Средний Холст, шелкография, акриловая краска
Размеры 205.4 см x 289,5 см
Где он сейчас находится Тейт, Лондон

Последним художником и произведением искусства в нашем списке известных портретных картин является картина Энди Уорхола Мэрилин Диптих , которую он создал в 1962 году. Эта монументальная картина шелкографии Поп-арт изображала культовую американскую актрису Мэрилин Монро и была известна своей красотой. самая известная работа Уорхола с участием актрисы. Уорхол считал Монро бесконечным источником вдохновения и намеревался приумножить ее портрет в серии красочных гравюр.Этот портрет был сделан вскоре после того, как актриса умерла от передозировки наркотиков в 1962 году.

Диптих содержит одну фотографию Монро, многократно размноженную как в цвете, так и в черно-белом.

Уорхол использовал рекламную фотографию из своего фильма 1953 года под названием Niagara в качестве исходного материала. Оригинальная фотография была сделана в монохромном режиме и запечатлела Монро с застывшей на месте культовой улыбкой. В цветных портретах, созданных Уорхолом, он использовал яркие цвета для ее лица, чтобы в значительной степени усилить макияж.

Из-за чрезмерного количества цветов, которые использовал Уорхол, Мэрилин Диптих в определенные моменты может выглядеть как реальное изображение Монро. В других случаях этот диптих может полностью принимать другие изображения, поскольку невероятно яркие цвета множественных лиц Монро чрезвычайно резки для глаз зрителей. Использование контрастных полотен намекало на противоречие между публичным и частным «я» Монро, и было странным способом Уорхола похвалить ее блестящее присутствие в Голливуде в 1950-х и 1960-х годах, поскольку она была одной из самых известных женщин в то время.

В развивающемся мире искусства портретная живопись существует как один из немногих древних жанров искусства, которые все еще используются сегодня. Хотя мы рассмотрели только 15 из самых известных художественных портретов, когда-либо созданных, многие другие важные и не менее известные портретные картины могут быть добавлены в наш список. Известные художники, специализирующиеся на портретной живописи, часто создавали более одного хорошо известного портрета, а это означает, что есть много других произведений искусства, которые еще предстоит изучить. Если вам понравилась эта статья, мы настоятельно рекомендуем вам узнать об этих других работах.

Часто задаваемые вопросы

Должен ли портрет включать только одного человека?

Несколько известных художников-портретистов создали культовые портреты более чем одного человека. Их обычно называют «групповыми портретами», когда каждый человек принимает позу и дает лучшее выражение. Групповые портреты были и остаются невероятно популярными для семейных портретов, причем самые известные образцы заказывались для королевских семей.Сегодня семейные портреты все еще можно запечатлеть с помощью живописи, но современное изобретение фотографии позволило людям создавать свои собственные портреты, не прибегая к помощи художника.

Какой самый известный портрет существовал?

Если бы нам пришлось еще больше сузить список известных портретов до одной картины, самым культовым портретом определенно была бы Мона Лиза Леонардо да Винчи. Мона Лиза, самых дорогих картин в мире , широко считается лучшим произведением искусства из когда-либо созданных, независимо от жанра.Расположенный в Лувре в Париже, Мона Лиза привлекает более 10 миллионов посетителей в год. Произведение искусства вмещало от 30 000 до 50 000 человек в день, причем 80% посетителей музея приходили исключительно для того, чтобы посмотреть на картину да Винчи.

Почему автопортреты должны быть важной частью вашего творческого пути

Откройте для себя больше классов портретной живописи

Изучите тысячи классов фотографии, иллюстрации и многого другого.

Лица некоторых художников так же узнаваемы, как и их работы. Возьмем, к примеру, Винсента Ван Гога. Почти любой узнал бы его Starry Night — но вы, вероятно, также узнали бы его автопортрет с серьезным взглядом и огненно-красными волосами на лице. А цветочные короны и безошибочные брови Фриды Кало делают ее узнаваемой на многих автопортретах.

С 15 века художники обычно использовали автопортреты как форму самовыражения.Но что такое автопортрет? Ниже мы рассмотрим определение автопортрета, а также известные примеры автопортретов.

Винсент Ван Гог, один из многих известных художников-автопортретов, создал этот автопортрет в 1889 году, с его безошибочно торжественным взглядом и рыжими волосами на лице.

Простое определение автопортрета — это портрет художника, созданный им самим. (И если вам интересно, определение «портрет» в искусстве — это картина, рисунок, фотография или гравюра человека.)

Но если спросить художника: «Что такое автопортрет?» вы, вероятно, получите более сложный ответ. Для художников автопортрет представляет художника в целом — другими словами, как он видит себя, что он чувствует и как он хочет, чтобы его видели другие. Дело не обязательно в создании реалистичного образа самого себя; вместо этого это часто упражнение на самоисследование.

История искусства автопортрета

До 15 века автопортрет был распространен повсюду, но он не стал устоявшимся жанром до Раннего Возрождения, когда дешевые хорошие зеркала стали более широко доступны.

Художники экспериментировали с рисованием с самого первого всплеска автопортрета, переходя от рисования к камерам, а позже и к другим технологиям, поскольку они стремились создать новые и более инновационные представления о себе.

Еще один образец автопортрета, картина Фриды Кало « Две Фриды » демонстрирует две разные личности Фриды.

Разница между селфи и автопортретом

Ежедневно делается более 93 миллионов селфи, но разве селфи — это то же самое, что и автопортреты? Большинство художников сказали бы, что между ними есть разница, хотя они могут частично совпадать.

Селфи, которые обычно делаются на расстоянии вытянутой руки или в зеркале, по своей сути можно заменить. Если вам не нравится сделанное вами изображение, вы можете сразу сделать еще один. Для многих художников настоящие автопортреты являются более осознанными и интроспективными, и, как правило, для их создания требуется больше времени и усилий.

Однако это не означает, что художники не могут использовать селфи в качестве автопортрета. Художник, безусловно, может выбрать изобразить себя через селфи, но в целом они считаются двумя разными видами искусства.

Назначение автопортрета во многом зависит от художника. Для некоторых важна доступность. Когда ее спросили, почему она сфотографировала себя, покойная Франческа Вудман сказала: «Это вопрос удобства. Я всегда на связи ». Другие известные художники-автопортреты начали, по крайней мере частично, по тем же причинам.

«Я был самой простой и дешевой моделью, с которой приходилось иметь дело — сначала глядя на свое отражение в зеркале, а затем фотографируя себя», — объясняет афинский художник Никос Гифтакис.

Для других художников это может быть больше о возможности поиграть и поэкспериментировать с новыми техниками. Когда вы один, у вас есть все время в мире и вы можете работать без дедлайнов. Третьи используют искусство автопортрета, чтобы изменить свое самоощущение или способствовать принятию себя. Они хотят эмоционально подтолкнуть себя, чтобы увидеть себя в новом свете.

Автопортреты могут принимать самые разные формы, от традиционной фотографии до абстрактного искусства. Ниже мы рассмотрим примеры автопортретной фотографии и искусства автопортрета от четырех известных художников-автопортретов, специализирующихся в этом жанре: художника Никоса Гифтакиса и фотографов Мариэль Амели, Патрисии Лей-Дорси и Джоселин Аллен.

Фотография автопортрета
Мариэль Амели На этом автопортрете Мариэль Амели она изображена на лоне природы в окружении цветов. | Изображение © Mariell Améli

Мариэль Амели родилась и выросла на небольшом норвежском острове Андёя. Впервые она начала делать автопортреты в возрасте четырнадцати лет на «очень пиксельную веб-камеру» на компьютере, созданном ее отцом. По мере того, как она росла, она перемещалась в естественные пейзажи, окружавшие ее дом, часто в сопровождении своего отца, который действовал как помощник.

В то время ее автопортреты давали ей возможность обитать в воображаемом ландшафте — таком, где все было возможно. «Я хотела создать мир, в котором не жила, но о котором могла бы мечтать», — говорит она. «Я строил мир, в котором я мог быть именно тем, кем хотел быть. Я бы забыл о времени и месте на семь часов и даже не заметил бы, как мир проходит, пока я фотографировал ».

В наши дни Мариэль Амели работает во всех жанрах, от пейзажей до моды и интерьеров.Но автопортретам всегда будет место в ее сердце, особенно теперь, когда она переехала из Андёйи в Лондон. «Когда бы я ни был дома, я сразу же возвращаюсь в режим автопортрета; Я провожу дни, играя с идеями », — говорит она.

«Мои автопортреты определенно были моим подсознанием, говорящим мне, что я глубоко привязан к Андёе, поскольку все мои снимки созданы на пейзажах и в пустых домах, которые вы можете найти там. В каком-то смысле, может быть, именно это и поддерживало меня в течение десяти лет, которые я провел в Лондоне.”

Патрисия Лэй-Дорси В автопортрете Патрисии Лэй-Дорси она лицом к лицу столкнулась со своим диагнозом «рассеянный склероз» | Из книги «Падая на место» © Патрисия Лэй-Дорси

Патрисии Лэй-Дорси в 1988 году был поставлен диагноз «хронический прогрессирующий рассеянный склероз». Двадцать лет спустя она начала делать автопортреты, и продолжает эту практику по сей день. «Физический акт фотографирования — это самая легкая часть автопортрета», — говорит она нам.«Что может быть труднее всего, так это смотреть фотографии на свой компьютер после того, как вы их загрузили. То, что вы видите там, — это то, что видят другие люди, а мы обычно этого не замечаем.

«Когда я делал автопортреты для своей книги« Falling Into Place », осмотр своего тела и вспомогательных устройств, которые мне нужно было использовать, было самой сложной частью процесса. Вскоре я понял, что с тех пор, как получил диагноз, я жил в отрицании, потому что теперь мне пришлось столкнуться лицом к лицу с тем, как я выгляжу для других.Это означало заявить о моей личности инвалида. Каким бы трудным это ни было, это изменило меня. Я не был бы тем, кем являюсь сегодня, если бы не взялся за этот проект ».

В своем искусстве автопортрета Патисия Лэй Дорси стремилась увидеть каждый момент своей жизни как достойный внимания. | Из книги «Падая на место» © Патрисия Лэй-Дорси

«Во время работы над своим книжным проектом« Falling Into Place »сознательный акт видеть каждый момент своей жизни как достойный внимания заставлял меня каждое утро просыпаться с чувством волнения и задавать себе вопрос:« Что мне фотографировать? сегодня? »- говорит Лэй-Дорси.«Вместо того, чтобы рассматривать симптомы хронического прогрессирующего рассеянного склероза, с которыми я жил, как негатив, они стали позитивными, потому что они могли дать мне уникальные объекты для съемки моей камерой. Восприятие моей жизни как искусства не только изменило мою точку зрения как художника, но и мое отношение к моей жизни ».

Джоселин Аллен Благодаря искусству автопортрета Джоселин Аллен научилась принимать себя и свое тело. | Держите друзей ближе, а полотенца — еще ближе © Джоселин Аллен

Автопортрет может быть пугающим, но может и воодушевляющим.Когда фотограф Джоселин Аллен впервые начала фотографировать себя, она думала, что это краткосрочный проект, но она поняла, что чем больше она этим занимается, тем дальше продвигается творчески и эмоционально.

«В первый раз, когда у меня были фотографии в обнаженном виде / фотографии меня в нижнем белье в рамках проекта, мне было так неловко размещать проект там, особенно размещая его на моем Facebook, поскольку я знал, что люди с подросткового возраста это увидят, »Она вспоминает.

«Затем я сделал следующую серию, в которую я включил дневниковые записи 10-летней давности, и я чувствовал себя еще более неловко из-за того, что люди видят их, чем изображения обнаженной натуры.Но поскольку эти проекты были посвящены тому, чтобы научиться любить себя и свое тело, они казались мне шагами, которые я должен был предпринять ».

Работа

Аллен рассматривает тревогу как центральную концепцию, и она говорит, что этот процесс был терапевтическим. Погрузившись в свои страхи с головой, она узнала, что у нее есть силы преодолеть их. «Мои автопортреты помогли мне лучше принять себя и свое тело, хотя я думаю, что навсегда останется незавершенной работой, чтобы почувствовать себя полностью в мире с собой», — говорит она нам.

Запечатлейте себя

Фотография изобразительного искусства: как создать уникальный автопортрет с Морин Эгглтон

Автопортрет Art
Никос Гифтакис В автопортретах Никоса Гифтакиса используются уникальные формы и цвета, играющие с элементом времени.| Автопортрет V, холст, масляная пастель © Nikos Gyftakis

Автопортреты редко бывают застойными — они меняются и развиваются по мере того, как художник переходит от одного этапа к другому. «Я пришел к выводу, что автопортрет — неиссякаемый предмет», — говорит нам Гифтакис. «Чем больше я анализирую формы, цвета и линии лица, тем легче находить новые эстетические решения. И по мере того, как я копаюсь дальше, возникают новые вопросы.

«Мои автопортреты были моей первой успешной попыткой передать мою философию и понять, как я вижу мир как художник.Они также помогли мне поиграть со временем.

Постоянный поток цветов и энергии на этом автопортрете представляет психику Никоса Гифтакиса. | « Автопортрет I», холст, масляная пастель © Никос Гифтакис

«С одной стороны, я создал так много автопортретов в разное время и в разное время своей жизни, что каталогизировал ход времени и зрелость моих навыков рисования. С другой стороны, я формирую свои автопортреты таким образом, что мой опыт — мое прошлое, настоящее и будущее — все сливаются воедино.Этот постоянный поток цветов и энергии представляет пейзаж моей психики ».

Он говорит нам: «Самая трудная часть создания автопортрета — быть объективным и раскрыть те стороны себя, которые могут быть хорошо скрыты.

Жанровый портрет в живописи: Жанровый портрет • Praguetakeaway

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *

Пролистать наверх