Не раскрашенные арты: Не раскрашенные картинки (35 фото) 🔥 Прикольные картинки и юмор

Содержание

Аниме не Раскрашенные — 60 фото

Раскраска аниме красивые глаза




Раскраски для девочек аниме






Аниме лайнарт






Очень красивые раскраски аниме













Раскраски аниме девушек









Аниме раскраски красивые


Раскраски для девочек аниме




Аниме лицо девушки для срисовки


Раскраски для девочек сложные аниме


Раскраски аниме











Раскраски аниме девушек






Раскраски в стиле Чиби




Аниме для срисовывания карандашом



Подборка из 60 красивых картинок по теме — Аниме не Раскрашенные. Смотрите онлайн или можете скачать на телефон или компьютер в хорошем качестве совешенно бесплатно. Не забывайте оставить комментарий и посмотреть другие фотографии и изображения высокого качества, например Аниме зима арт, Голубоглазые аниме персонажи в разделе Аниме!

Лайн рисунок аниме (70 фото) » Рисунки для срисовки и не только

Смотрите и наслаждайтесь качественными рисунками аниме для срисования

Лайн аниме девушки


Арты для обводки


Аниме лайнарт


Аниме лайнарт


Lineart аниме лица


Аниме тян для рисования


Контур для рисования аниме


Лайнарт Чиби


Аниме девочки


Лайн арты


Лайн арты


Аниме лайнарт


Красивое аниме для раскрашивания


Лайн аниме девушки


Аниме лайнарт


Арты для обводки


Аниме лайн арт


Аниме не Раскрашенные девочки


Раскраски аниме мальчики


Раскраски в стиле аниме легкие


Раскраски аниме ТОРАДОРА


Аниме лайнарт


Стили рисования аниме артов


Аниме лайн арт


Аниме не Раскрашенные девочки


Лайн арты аниме


Лайн арты аниме


Лайн аниме парня


Лайн арт с прозрачным фоном


Набросок для обводки


Lineart аниме


Аниме лайн


Лайн арты аниме


Аниме лайнарт


Раскраски аниме мальчики


Лайн арты


Лайны аниме девушек


Раскраски контуры аниме


Аниме лайны хвост феи


Аниме лицо девушки


Фейт лайнарт


Лайн арты


Лайны людей девушек


Девушка лайнарт


Суккуб Lineart


Фейт лайнарт


Хвост феи раскраска Эльза


Лайн арты


Лайн аниме парня


Лайн фурри Чиби


Аниме девушки бесцветные


Lineart аниме


Раскраски аниме Мику


Манга лайнарт


Девушка лайнарт


Лайн арты аниме


Аниме контур


Лайн аниме девушки


Раскраски аниме Наброски


Лайн арты девушек


Контур для рисования аниме


Аниме лицо обводка


Аниме лайн арт


Аниме лайны


Аниме лайны детей


Розарио вампир раскраска


Аниме обводка


Аниме лайн


Лайны людей

Эксперт СПбГУ рассказал о том, что такое ЖКХ-арт и как он появился в российских дворах

ЖКХ-арт — это современное и довольно противоречивое направление в самодеятельном декоративно-прикладном творчестве, которое в последние годы все чаще высмеивается отечественными блогерами и интернет-пользователями. Лебеди и слоны из покрышек, инсталляции из мягких игрушек прямо во дворе, раскрашенные на новый лад деревянные крокодилы Гены и Чебурашки на детских площадках, казалось бы, должны украшать серые городские дворы, но нередко такие малые скульптурные формы, наоборот, превращают прогулку вокруг дома в лучшем случае в повод для смеха. Алексей Смирнов убежден, что истоки этого явления нужно искать в том числе и в советском прошлом нашей страны.

В СССР существовали детские городки, где местные художники устанавливали деревянные и, как правило, не раскрашенные фигурки персонажей из сказок Пушкина или популярных мультфильмов. Десятилетия спустя они пришли в негодность, и в начале 2000-х годов такие городки стали самостоятельно раскрашивать работники ЖКХ, а позже к этой деятельности подключились и жители близлежащих домов. «В итоге герои народных сказок, получив диковатую раскраску, приобрели совершенно фантасмагорический вид, что не могло не привлечь внимание эстетически продвинутой общественности», — рассказал эксперт.

мнение эксперта

Когда деревянная скульптура на детской площадке оказывается раскрашенной, то при этом меняется то, что искусствоведы могли бы назвать «художественным образом». Мы можем рассматривать такой артефакт уже в каком-то постмодернистском «меметическом» контексте, то есть скульптура превращается в мем, который достоин размещения в интернет-сообществах в теме «Смотрите, что у нас во дворе».

Доктор философских наук, доцент СПбГУ Алексей Смирнов

Во многих российских городах, прежде всего провинциальных, распространена и другая интересная тенденция — делать инсталляции из игрушек. Наш эксперт считает, что, скорее всего, это не собственно российское изобретение — подобные примеры есть и за рубежом. Так, например, на испанском острове Лансарот частные придомовые территории украшают именно игрушками. А в российских дворах нередко можно встретить и инсталляции из бытовых и промышленных отходов, а также подручных материалов: пластиковых бутылок, покрышек, кастрюль и шлангов, которые превращаются в оригинальных, но часто непрезентабельных слоников, дровосеков, змей и других персонажей.

С одной стороны, эти самодельные фигуры легко восстанавливать, если они станут жертвами вандалов, с другой — далеко не всем жильцам по душе такое искусство. Но и расходовать средства на привлечение профессиональных художников и дизайнеров для украшения двора не совсем правильно, если в окрестных домах крыша, трубы отопления или парадные нуждаются в ремонте. «Мне кажется, тут нужно стремиться к определенному соответствию между возможностями и вкусами людей, живущих во дворе, и теми объектами, которые там возводятся», — считает эксперт.

«Возникает вопрос: возможно, такое «искусство» — это проявление исключительно искреннего желания сделать двор уникальным, запоминающимся и не таким серым?» — отмечает Алексей Смирнов. Ведь среди произведений народного творчества редко, но все же встречаются объекты, сделанные со вкусом и достойные уважения. К примеру, настоящая деревянная избушка, стоящая в одном из московских дворов, или же оригинальные собаки в Испании, созданные из старых резиновых сапог. Словом, отмечает эксперт: «Главное — не из чего делается, а кто делает».

Мультимедиа Арт Музей, Москва | Выставки

XII Международный месяц фотографии в Москве «Фотобиеннале 2018»

Старинная японская фотография и гравюра
Кураторы: Игорь Волков, Анна Пушакова

В рамках «Фотобиеннале 2018» Мультимедиа Арт Музей, Москва и Государственный музей Востока представляют выставку «Старинная японская фотография и гравюра».

За более чем 20 лет своего существования МАММ собрал значительную коллекцию японской раскрашенной фотографии эпохи Мэйдзи (1868–1912). Начало этой коллекции было положено в 1998, а последнее поступление было осуществлено благодаря японскому партнеру музея. На сегодняшний день эта коллекция может быть по праву названной одной из крупнейших в Европе. Раскрашенная фотография — это особое явление, которое стоит на пересечении нескольких традиций: европейской фотографии и японских традиционных видов искусства. Полную и разнообразную картину позволяют увидеть большой комплекс фотографий (более ста) и вступающая с ним в диалог подборка из около 50 гравюр прославленных мастеров (Китагава Утамаро, Кацусика Хокусай, Утагава Хиросигэ и др.), а также элементы предметного мира — ширма и кимоно — из коллекции Государственного музея Востока.

После длительного периода самоизоляции эпоха Мэйдзи стала переломным периодом в японской истории и определила последующее стремительное развитие страны. Тесные контакты и обмен достижениями культуры и науки активизировались в середине XIX века, в эпоху позитивизма и промышленного переворота, богатую на важные политические события и научные открытия. С приходом новой эпохи фотография была одобрена и пропагандировалась на самом высоком уровне: в начале 1870-х годов создаются первые фотографии императора-реформатора Муцухито и его супруги, что становится своеобразной «отменой» существовавшего долгое время запрета на изображение императора. Вводится в обиход европейская одежда. Русские путешественники сравнивали процессы, происходившие в это время на островах с петровскими реформами в России.

Фотография — плод технической революции и идеологии реализма и рационализма пришла в Японию с Запада еще в 1840-е годы, но ранние опыты в светописи 1850-х годов, предпринятые приезжими и местными энтузиастами, были эпизодическими и непоследовательными.

Расцвет искусства фотографии в Японии пришелся на последнюю четверть XIX века. Его определили такие западные мастера, как англичанин итальянского происхождения Феличе Беато (1832–1909), австриец барон Раймунд фон Штилльфрид-Ратениц (1839–1911) и итальянец Адольфо Фарсари (1841–1898).

Фотографы наследовали фотоателье вместе с накопленным материалом, так что зачастую очень трудно отделить работы одного автора от другого, а японские ученики и последователи, такие как Кусакабэ Кимбэй (1841–1934), Тамамуро Кодзабуро (1856–1923?) и Огава Кадзумаса (1860–1929), активно продолжали начинания европейских учителей. Несмотря на то, что фотографии снимались как европейскими, так и местными мастерами, они образуют единое явление, принадлежащее одновременно и японской, и западной культуре — как, например, иностранные мастера, работавшие в России с петровского времени могут считаться частью истории и русского, и европейского искусства.

В работах 1880-х-1890-х годов можно увидеть, прежде всего, следование фотографическим схемам композиции и жанрам XIX века: виды, типы, постановочные сценки и портреты. Подобного рода фотографии можно сравнить с интересом к экзотике в культуре рококо первой половины XVIII века — интересом к необычному, но преломленному сквозь призму видения представителя европейской цивилизации. По подсчетам исследователей за вторую половину XIX века было создано более 200 000 снимков Японии, складывающихся в своего рода энциклопедию образов. Этот факт говорит о том, что спрос на раскрашенную фотографию был настолько высок, что он породил целую развитую индустрию и серьезный бизнес. Фотографии часто объединялись в альбомы и служили сувенирами, навевавшими воспоминания о совершенной поездке, или удовлетворявшими интерес к далекой загадочной стране.

В то же время и европейские мастера, и наследовавшие им японские фотографы не могли не считаться с местной традицией — японская визуальная культура явно или неявно проступала на снимках. Сюжеты, мотивы, реалии, традиционные символы — все это очевидно напоминает другие виды искусства, в особенности цветную гравюру на дереве (ксилографию) укиё-э, которая также переживала расцвет в XIX веке. Название жанра переводится с японского как «картины преходящего мира». Искусство гравюры конца периода Эдо и периода Мэйдзи поразительно созвучно фотографии — оба искусства тиражные, в них, так или иначе, присутствует цвет, они рассчитаны на широкую публику (в это время японскую гравюру начинают коллекционировать и за пределами Японии). Вдохновение для сюжетов авторы искали в многообразии городской жизни, пытаясь запечатлеть ускользающую действительность, и превращая ее в эфемерное изображение на хрупкой бумажной основе. Фотографии, представленные на выставке, сделаны в технике альбуминовой печати, которая неумолимо угасает от соприкосновения с солнечным светом. А раскрашены эти фотографии были часто не полностью, как это было зачастую принято на Западе, а частично — не ради острого натурализма, но для расстановки визуальных акцентов. Краски выгорают медленнее, чем сама фотографическая печать, так что раскрашенные части отпечатков могут сегодня показаться нам слишком яркими.

На выставке «Старинная японская фотография и гравюра» соседствуют снятые на улицах постановочные кадры со статистами и мизансцены, полностью сконструированные в безвоздушном пространстве фотоателье, где повседневность превращается в экзотический ритуал, а собирательные и типические образы гейш и самураев изображают переодетые актеры. Но при всей неестественности во многих композициях невольно проскальзывает неподвластное художнику дыхание жизни: смазанные фигуры-призраки на улицах, непосредственные проявления эмоций у второстепенных персонажей и «некрасивые» с точки зрения профессиональной европейской фотографии моменты, например, процесс вкушения пищи, где герои застыли с открытым ртом. Во многих сюжетах подспудно присутствует глубинный символизм (среди прочего, изображения растений — лотос, ирис, глициния, бамбук, сосна, сакура, клен), а также особая пластика реалий: садов, архитектуры, интерьеров, костюмов, аксессуаров и предметов обихода.

44 фото идеи и видео инструкция как нарисовать

Если представить, что лицо — это холст, а косметика — краски, то макияж может превратиться в фейс-арт. Готовы к бьюти-экспериментам? Тогда определяйтесь с жанром, а мы покажем вам референсы и подскажем, как добиться желаемого результата

Если вас не смущает смелый, акцентный макияж, то можно выходить на новый уровень — создавать на лице рисунки. Конечно, фейс-арт не является решением на каждый день, но повод для демонстрации подобных образов всегда можно найти.

© Icon Face

В этой статье мы подробно расскажем о том, какими средствами пользоваться для создания на лице самых разных рисунков, а также поделимся фотопримерами, которые можно повторить самостоятельно.

Легкие рисунки на лице

Не стоит воспринимать фейс-арт исключительно как создание «картин» на лице. Творчески можно подойти даже к созданию смоки-айз или рисованию стрелок.

© Icon Face

Например, сделайте линии необычно широкими. Откажитесь от привычных острых хвостиков. Перенесите акцент на внутренние уголки.

© Makeup.ru

© Makeup.ru

© Makeup.ru

© Makeup.ru

Или, скажем, вместо одной стрелки нарисуйте две или даже три — причем не одинаковые, а разные по форме, ширине и другим параметрам.

© nyxcosmetics

Можно и вовсе выйти за пределы устоявшихся представлений о макияже. Пусть веки украшают яркие кляксы, брызги, акварельные разводы, цветовые пятна, напоминающие работу художника-граффитиста, и другие эффекты, которые не назовешь традиционными для макияжа.

© Icon Face

© Icon Face

© Icon Face

© Icon Face

© Icon Face

© Icon Face

© Icon Face

© nyxcosmetics

© nyxcosmetics

© nyxcosmetics

© nyxcosmetics

© nyxcosmetics

© nyxcosmetics

По такому же принципу можно «поиграть» и с макияжем губ. Попробуйте с помощью карандаша как бы сдвинуть контур губ. Можно оригинальным образом украсить «арку Купидона». Еще одно экспериментальное решение — «стереть» губы с помощью консилера или плотного пигмента телесного оттенка, а поверх нарисовать что-то новое. Например, продолжение рисунка на щеках. Среди других вариантов — голографические разводы, подтеки краски, сверкающие звезды… Выбор ограничен лишь вашей фантазией.

© nyxcosmetics

© nyxcosmetics

© nyxcosmetics

Решившись на креативный макияж губ, посмотрите это видео — возможно, вы найдете вполне реальный источник вдохновения.

Примеры с модных показов — еще один ориентир для любителей бьюти-экспериментов. Обратите внимание на необычные стрелки, похожие, скорее, на перо райской птицы, с шоу Prada; неординарную двойную подводку от Sies Marjan; цветную графику в макияже Eudon Choi и «блочный» макияж глаз от Louis Vuitton. Художественный подход к оформлению губ был замечен и на показах Self Portrait и Maison Margiela, где визажисты использовали необычные оттенки помады.

© Icon Face

Вернуться к оглавлению

Красивые рисунки на лице

Художественные рисунки, особенно если они крупные, создают на лице эффект красивой карнавальной маски. В этом смысле такой макияж произведет фурор на тематической вечеринке, но вряд ли будет уместен в повседневной жизни.

© Icon Face

Как нельзя кстати масштабный фейс-арт будет там, где запланировано перевоплощение гостей.

© nyxcosmetics

Берите за основу образа романтические, сказочные мотивы. Судя по работам визажистов и бьюти-блогеров, удачно выглядят на лице цветочные рисунки — витиеватые узоры с бутонами, стеблями, листочками, каплями росы и другими нежными деталями.

© Makeup.ru

В рисунках на лице можно использовать и восточные мотивы. Один из вариантов — узоры мехенди, которыми обычно украшают руки. Если вы любите этнические орнаменты, примерьте варианты в духе африканских или латиноамериканских племен. Еще одна опция — древнеегипетский макияж, в котором используют символы и рисунки с барельефов и памятников времен фараонов.

© nyxcosmetics

Красивыми и необычными будут рисунки в духе одного из последних бьюти-трендов. Мы говорим о космическом макияже — с мерцающими созвездиями, загадочными туманностями, далекими планетами и другими красотами Вселенной.

© Makeup.ru

Еще одна тенденция — макияж русалки: внимание к #MermaidMakeup привлекают имитация рыбьей чешуи, перламутровые и голографические переливы, а также необычная цветовая гамма, включающая синий, фиолетовый, зеленый и многие другие оттенки.

© nyxcosmetics_russia

Среди модных направлений в макияже оказался стиль поп-арт, превращающий девушек в героинь картин Роя Лихтенштейна, вдохновением для которого служили комиксы. Для таких рисунков на лице характерна обводка контуров черным цветом.

© Makeup.ru

Вернуться к оглавлению

Страшные рисунки на лице на Хэллоуин

Хэллоуин — тот самый случай, когда рисунки на лице точно к месту. Это самый бюджетный способ примерить страшный образ, ведь с фейс-артом можно обойтись и без костюма.

© Makeup.ru

Выполняя тематический макияж на Хэллоуин, обычно ограничиваются палитрой из трех цветов — белого, черного и красного. Это может быть кровавый мейкап с порезами, рваными ранами, ссадинами и другими страшными повреждениями.

Можно выбрать образ скелета или его более женственную вариацию — макияж калавера (переводится как «сахарный череп»). В последнем детали рисунка с черепом украшают узорами и цветами.

© nyxcosmetics

© nyxcosmetics

Не менее актуальными в День всех святых будут образы мертвой невесты, монашки, куклы, клоуна, зомби. Все они предполагают создание полноценного грима, над которым интересно работать и результат которого всегда впечатляет.

© nyxcosmetics

Вернуться к оглавлению

Маленькие рисунки на лице

Можно не превращать макияж в полноценный фейс-арт и ограничиться мелкими рисунками, которые интересно дополнят образ.

© Makeup.ru

Это могут быть звездочки, снежинки, сердечки, мелкие изображения сладостей, предметов одежды, косметики и любые другие вещи, способные создавать нужное настроение. Примеры — в этом видео.

Положительно воспринимаются и смешные рисунки на лице — ирония никогда не будет лишней в таком творческом деле, как фейс-арт.

Вернуться к оглавлению

Чем делать рисунки на лице?

Не обязательно пользоваться профессиональным гримом. Главное, чтобы средства были яркими и стойкими, как, например, SFX Créam Colour от NYX Professional Makeup. Это кремовые пигменты, представленные в широкой палитре цветов.

© nyxcosmetic.ru

К тому же их можно смешивать друг с другом и получать оттенки, которых не найти в готовых наборах косметических средств. Пригодиться могут и рассыпчатые пигменты с сияющим шиммером и более крупными частицами глиттера. У того же NYX Professional Makeup они тоже есть.

© nyxcosmetic.ru

Если же под рукой есть только ваша базовая косметичка, то и в ней найдутся средства для фейс-арта.

  1. 1

    Подводка

    Создавать рисунки на лице подводкой очень удобно. Это самое подходящее средство для работы с линиями, узорами, орнаментами и надписями. Выбирайте средства с водостойкой текстурой, чтобы рисунки не смазывались.

    © Makeup.ru

  2. 2

    Карандаш

    Если вы не сторонница графичных четких линий, то рисовать можно и карандашами. В большинстве случаев это позволяет выполнять растушевку, что расширяет простор для творчества.

    © Makeup.ru

  3. 3

    Тени

    И рассыпчатые, и прессованные, и кремовые — пригодятся любые. Это основной рабочий материал для получения ярких, цветных рисунков, создания эффекта градиента или выразительного колор-блокинга.

    © Makeup.ru

  4. 4

    Помада

    Современное разнообразие текстур делает помады универсальным материалом для применения в фейс-арте. Классические кремовые понадобятся тем, кто хочет получить слегка влажный «финиш», а модные жидкие помады с матовым эффектом, помимо красивого и насыщенного цвета, обеспечат рисункам еще и рекордную стойкость.

    © Makeup.ru

  5. 5

    Фиксатор

    Спрей, который наносится поверх макияжа с целью его закрепления, — это must have для мейкапа с любыми рисунками — легкими и посложнее, маленькими и крупными. Без него результат едва ли «проживет» дольше пары часов.

Чтобы набить руку в техниках рисования, смотрите обучающие видео и практикуйтесь, стараясь повторить понравившиеся фотопримеры.

Вернуться к оглавлению

Мои Арты КВ и не только 2) + Заказы 🖤 — Заказ 40)

                                    
                                          

  Ух ты! 😮 Сороковой заказ!0о0
  Ещё 10 и будет 50!
  И ещё это юбилейчиГ! А значит 🎉🎂🎊) Подарок 40 заказчику _dark_side_of_sun_: ✨🎁✨:🐈+🍫)))

  Заказ был сложный, но он дал мне много опыта)
  Нужно было нарисовать карту.. Моей паранойей сделано 13 дубликатов "на всякий случай". И вот итог:

К сожалению, это изображение не соответствует нашим правилам. Чтобы продолжить публикацию, пожалуйста, удалите изображение или загрузите другое.

:3

  Эта карта кстати для ролевой)


  Следующий заказ будет тоже не лёгким, будет мой первый опыт рисования чисто фона без котов.

  К сожалению, лафа заканчивается, с понедельника начинается школа и всё следующие заказы я буду делать медленнее, хотя кто знает 🤷

Ну уже вроде нечего рассказывать, поэтому на сегодня прощаюсь) Удачи ✨✨✨

Ваша Эрми ❤️

Следующий заказ от syua9320051

Раскраски для срисовки аниме

Лайнарт Чиби


Аниме лайны


Аниме не Раскрашенные


Аниме не Раскрашенные


Раскраски для девочек аниме


Аниме с ушками легкая срисовка


Раскраска аниме лицо


Срисовывать рисунки лёгкие для девочек


Аниме не Раскрашенные


Аниме волосы девушек для раскрашивания


Раскраски в стиле аниме для девочек


Рисунки карандашом Ане ме


Маленькие рисунки для срисовки аниме


Аниме карандашом


Раскраска Люси из Фейри Тейл


Срисовки для девочек


Раскраска девочка демон


Аниме карандашом


Раскраски аниме вампиры


Рисунки аниме девушек карандашом


Раскраски аниме хвост феи


Чиби для срисовки лёгкие


Рисование аниме


Аниме для срисовки на компьютере


Раскраска для девочеканимэ


Чёрно-белое кошечка из сакурасу


Раскраски для девочек аниме


Рисунки агимекарандашом


Аниме рисунки карандашом


Раскраска аниме легкие


Картинки для срисовки раскраски для девочек


Раскраски аниме


Раскраски для девочек аниме


Раскраски аниме девушек


Раскраски для девочек красивые милые


Аниме эскизы для рисования


Легкое рисование аниме


Лайн для рисования людей


Рисунки для срисовки девушки


Рисование аниме для новичков


Фейри Тейл раскраска Венди


Эскиз аниме девушки


Аниме девушки


Аниме для срисовки


Лайн арты


Раскраски аниме


Аниме для срисовки


Аниме чб


Раскраски гача лайф аниме


Раскраска аниме красивые


Аниме не Раскрашенные


Девушка кошка рисунок карандашом для срисовки


Ангелы для срисовки легкие


Раскраски крутые и милые


Раскраска аниме девочка в юбке


Аниме лайнарт


Аниме для срисовывания карандашом


Аниме для срисовывания карандашом

НЕОКРАШЕННЫЙ | Платформа Digitale Kunst

UNPAINTED – цифровая художественная галерея: Kunst im Wandel der Zeit

Unsere Welt hat sich in den letzten Jahren mehr und mehr verändert. Die Digitalisierung hat uns in allen Bereichen unseres Lebens erreicht. Grenzen schmelzen – Distanzen werden zur Nebensache – und auch in der Kunst bieten sich ungeahnte Möglichkeiten. Mit der Digital Art Gallery UNPAINTED erschließt sich einem kunstinteressierten Publikum mit intellektuellem Anspruch die einzigartige Vielfalt moderner Werke von renommierten Künstlern.Дополненная и виртуальная реальность, распечатки или видео-загрузки — на онлайн-платформе цифрового искусства, созданной для тех, кто хочет получить билет.

Die Kunst geht neue Wege – цифровая художественная галерея онлайн в Kontext der Zeit

Über Jahrhunderte wurde die Kunst von Skulpturen und bildnerischen Werken dominiert. Farbe, Gips, Stein, Pinsel, Hammer und Meißel – das künstlerische Schaffen war durch die zur Verfügung stehenden Werkzeuge eingeschränkt. Kunst war seit jeher physisch erlebbar.Nicht zuletzt, weil sich keine anderen Optionen boten. Im Zuge des technischen Fortschritts eröffneten sich nach und nach neue Wege, die sich heute in der zeitgemäßen Online digital Art spiegeln. Schon mit Beginn der 1960er-Jahresuchten Künstler nach anderen Ausdrucksformen. Lichtinstallationen, lebende Kompositionen und vieles mehr wurden genutzt, um Kunst neu zu definieren. Malerei und Bildhauerei wurden um Videokunst und Fotokunst erweitert. Mit dem Einzug digitaler Medien boten sich den Kunstschaffenden neue, ungeahnte Möglichkeiten, Kunstwerke auf Innovation Weise zu erschaffen und zu präsentieren.Mit der UNPAINTED Digital Art Gallery Online steht Liebhabern moderner Kunst seit 2019 eine Plattform zur Verfügung, die Ihnen den Zugang zu neuen Kunstformen erleichtert. Namhafte Künstler zeigen auf der Digital Art Gallery Ihre Werke und erlauben es einem aufgeschlossenen Publikum, Digital Art zu Moden Preisen zu erwerben.

Галерея цифрового искусства – Phänomen World Wide Web

Kunst heute – das ist ein breites Spektrum unterschiedlicher Varianten, wie wir Sie auch auf der Digital Artwork Gallery vorstellen.Von der klassischen Skulptur, einer mit Farbe und Pinsel bearbeiteten Leinwand, einer ausgeklügelten Installation bis hin zu vitalll erschaffenen Werken – der Kunstbegriff hat sich formvollendet in unsere digitalisierte Welt integriert. Ob teilweise oder complett digital erschaffene Meisterwerke – auf der Digital Artwork Gallery, die sich vom Potenzial eines noch erfrischend neuem Kunstbegriffs, der Digital Online Art, begeistern lassen möchten augmentierte Arbeiten und Unikate, die als Wegweiser in die Zukunft fungieren.Цифровое искусство dient der Erweiterung der Wahrnehmung. Es war schon immer der Fortschritt, der unser Leben bereicherte. Daher richtet die Digital Art Gallery Online Ihren Focus mit Aller Konsequenz auf Digital Online Art.

Галерея цифровых произведений искусства – eine Chance für Künstler, Sammler & Kuratoren

Wie zahlreiche Ereignisse in der menschlichen Geschichte zeigen, sind Veränderungen auch immer von einer Form der Angst begleitet und stoßen zunächst auf Skepsis. Wirklicher Fortschritt erfordert Mut und die Bereitschaft umzudenken.Das galt auch schon immer für die Kunst. Die Digital Art Gallery UNPAINTED hat sich dazu entschlossen, neuen Kunstformen eine Plattform zu bieten. Последующие исследования, связанные с цифровым искусством в Интернете, представляют собой краткую международную публикацию, предназначенную для машин. Innovation entsteht im Kopf – lassen Sie uns die Möglichkeiten nutzen und uns auf eine Reise in die wundervolle Welt der Digital Art begeben.

Kunst neu entdecken – онлайн-галерея цифрового искусства

Kunst ist ein optischer Genuss – позолота для онлайн-цифрового искусства.Zugleich sind alle Genres – от классического малого до цифрового искусства – eine effiziente Kapitalanlage. Auf Digital Artwork Gallery включает в себя художественную галерею, представляющую все интересующие вас произведения искусства, связанные с новыми видами искусства.

Unsere Цифровая художественная галерея находится на платформе новой эпохи в мире искусства!

Неокрашенные картины – Бруклинская железная дорога

На просмотре
Люксембург и Даян
3 марта – 27 мая 2011 г.
Нью-Йорк

Т.Дж. Кларк отмечал, что «плоскостность истолковывалась как преграда, воздвигнутая против нормального желания зрителя войти в картину и помечтать». Этот запрет безвозвратно запутался в запутанной истории редуктивной живописи. Тем не менее, две открытые нити, за которые стоит потянуть, — это конкурирующие понятия термина «абстрактный», давно противоречащие друг другу. Глагол «абстрактный» подразумевает известную вселенную; как прилагательное, оно предполагает совершенно оторванное от него измерение. Многое из того, что мы называем «абстрактным», обращается к пространственному, даже если оно отклоняется от него, однако другие работы избегают иллюзий, даже если их содержание понимается как абстрактное.На поистине замечательной выставке под названием Неокрашенные картины куратор Элисон Джингерас обходит представления об абстракции, которые смотрят одним глазом в окно, а другим на холст, выбирая работу, которая разрывает эту связь посредством следов, оставленных мочеиспусканием, раздавливанием, плавлением. , сжигание, шитье, окрашивание или иное субподрядное создание контента для чего-то другого, кроме нежных и пространственно смещенных кончиков пальцев художника.

Потрясающе красивое и тщательно организованное шоу, Неокрашенные картины подразделяет свою работу на шесть подгрупп: «Запятнанные простыни», «Грязные картинки», «Материологии», «Вязание и шитье», «Метаживопись» и «(Не ) Нарисованные картины» — в комнатах Люксембурга и четырехэтажного таунхауса Даяна.Эти категории наполовину поэзия и наполовину таксономия, но Джингерас разрешена вся поэзия, которую она хочет, учитывая интеллектуальную точность шоу.

Контингент «Stained Sheets» начинает шоу в фойе с «Piss Painting» Энди Уорхола, удивительно нежного холста Дэна Колена и работы Дэвида Хэммонса на бумаге, испачканной Kool Aid, как Моррис Луи. «Вуаль», и только ее иронически элегантная позолоченная рамка отличает ее от порывов промачивателя «Цветовое поле».Окрашенный акрилом участок ковра в офисе намекает на грядущее наводнение, которое ко второму этажу превращается в каскад непредвиденных, но концептуально выровненных драгоценных камней. Сетка из покрытых лаком ногтей немецкого кинетического художника Гюнтера Юккера переключается на пониженную передачу от попсовой игривости работы этажом ниже и могла бы показаться сухой, если бы не была накачана энергией от восхитительно дрянного ковра Пола Маккарти внизу. это, а из-за кулис — покрытые плакатами доски Раймонда Хейнса и зажатая оргия ткани и аккордов венского акциониста Отто Мюэля.Столкновения между этими работами и произведениями на всей выставке происходят на перекрестках, обозначенных Джинджерасом, вызывая острые ощущения за счет эксцентричных комбинаций, а не за счет роста отдельных художников.

Под заголовком «Мета-живопись» (хотя можно утверждать, что , все — это мета-картины) находится красивый, проржавевший полистирол «Ахром» Пьеро Манцони, сдержанная строгость которого дополняется роскошным, но столь же монохромным панно из жемчужных нитей современной художницы Паолы Пиви.Буйная работа Петра Укланского с навесной разноцветной посудой разрушает возможность того, что эти работы встанут в формальный застой. Третий этаж представляет собой столь же живое столкновение между Розмари Трокель, Блинки Палермо и изделием из нержавеющей стали Шейлы Хикс.

Несмотря на то, что Гингерас тщательно собирал материалы со всего мира и послевоенного времени, чувствуется острое понимание европейского авангарда, который бурлил через Атлантику, в то время как нью-йоркская школа бушевала.Ее акцент на действиях и злоупотреблениях, связанных с работой, отражает травму послевоенной среды. Просмотр работ Гутаи (задокументированных на видео), Лучио Фонтана и Альберто Бурри после недавней выставки AbEx в Музее современного искусства подчеркивает психологические шрамы, оставшиеся в странах, на чьей земле велась война. Это оставляет едкое, но сложное послевкусие, которое не часто можно получить от американской абстракции.

Несмотря на эту тему, есть также замечательные образцы работ американских художников, такие как латексный пол Линды Бенглис на третьем этаже, Ричард Таттл на втором и золотой монохром Роберта Раушенберга, который в этом контексте (скалистый Жан Дюбюффе вырисовывается рядом), возможно, пришел прямиком из тахистской школы.

Если и есть критика шоу, так это недостаток молодых современных художников, хотя есть несколько на раздаче. Работы Анны Бетбезе и Алекса Хаббарда кажутся несколько небрежными, хотя это и понятно, поскольку многие современные художники, основанные на процессах, либо перестарались, либо вообще отказались от двухмерной работы. Как бы то ни было, в шоу борьбы (часто буквально в случае с Гутаем) прослеживается тесная связь с историей буквального, абстрактного и того фантома «плоскостности», описанного Кларком.

Есть что-то подрывное и жизненно важное в том, как картины из серии «Неокрашенные картины» учитывают часто описанный, но туманный «разрыв» между закатом модернизма и моментом, когда искусство продавалось на ярмарках рядом с пляжем. Еще более убедительным является то, насколько хорошо шоу позиционирует «абстрактное» в сравнении с более знакомыми способами пространственной абстракции. Элисон Джингерас засучила рукава и проделала тяжелую работу, доставая с полок монографии и книги по истории, вместо того, чтобы просто просматривать свой Rolodex, как многие современные кураторы, и это окупилось.Учитывая, что в экспозиции сорок с лишним работ, невозможно адекватно описать каждое данное ограниченное пространство; однако в этом нет необходимости, так как Gingeras превратил Unpainted Paintings в выставку отличной работы, а не в кучу отличной работы, втиснутой в выставку.

КАРТИНЫ НЕОКРАШЕННЫЕ — 3 марта — 27 мая 2011 г. — Работы

Галерея

Luxembourg & Dayan представит выставку Unpainted Paintings , международный обзор более двух десятков выдающихся произведений абстрактного искусства с 1950-х годов до наших дней, которые вместе раскрывают непрерывную, хотя и часто недооцененную, черту модернизма.На протяжении десятилетий художники колебались между верностью изобразительной традиции и желанием расширить границы, подорвать или даже атаковать плоскость картины. Продвигая выразительный потенциал нетрадиционного с помощью таких действий, как сжигание, разрывание, сшивание, удушение и загрязнение, художники, представленные в этом историческом шоу, варьируются от Линды Бенглис, Пьера Паоло Кальцолари, Жана Дюбюффе, Рэймонда Хейнса, Шейлы Хикс, Пьеро. Манцони, Отто Мюль, Блинки Палермо, Паола Пиви, Роберт Раушенберг.Каждый из них является пионером расплывчатых форм, агрессивных жестов, сшитых альтернатив и непостоянных материалов.

 

Организованная Элисон Джингерас, главным куратором Палаццо Грасси, Неокрашенные картины  будет включать работы, взятые напрокат из поместий художников, значительных частных коллекций и, в случае молодых художников, непосредственно из студий. Некоторые из этих объектов никогда ранее не демонстрировались в Соединенных Штатах; некоторые из них никогда ранее не выставлялись публично. «Неокрашенные картины» будут доступны для обозрения до 27 мая 2011 года и станут предметом обширного иллюстрированного каталога, который выйдет летом 2011 года.Роберт Раушенберг,  Без названия (Золотая картина) , 1955, сусальное золото на ткани, газета и клей на холсте, в раме из дерева и стекла, 13,75 x 13,25 x 1,75 дюйма, авторские права на искусство: Estate of Robert Rauschenberg / Licensed by VAGA, New Йорк, Нью-Йорк


После Второй мировой войны ряд художников из разных городов, реагируя на различные и глубоко изменившиеся социальные, политические и интеллектуальные контексты, избегали общепринятых параметров в поисках нового определения того, что представляет собой «живопись».«В своих усилиях многие использовали новые типы материальности и использовали методы, ориентированные на процесс, для построения своего искусства. Они отстаивали агрессивно иконоборческие, экспериментальные и непочтительные подходы к двумерным опорам; отказываясь от краски, а иногда и от холста и доски, они прибегали к волокну, мусору, драгоценным металлам, пластику, грязи и внутренностям всех видов, придавая результатам благоухание как ощущения хрупкости послевоенного мира, так и их желания радикально изменить мир. переопределить этот мир.«В нашей живописи мы признаем материалы реальным объектом наших работ», — заявил Отто Мюль в начале 1960-х годов. «Это вопрос представления материала, самой материи. Для нас больше не существует искусственных красок, мы отвергаем их как нечто эстетическое и дегенеративное. Наш руководящий принцип: материя = краска». Мотивы, стоящие за экспериментальной практикой художников, включенных в Неокрашенные картины , столь же разнообразны, как и сами работы. Некоторые из этих художников возникли благодаря трансгрессивной эстетике и желанию разрушить станковую живопись из-за ее буржуазных коннотаций, в то время как другие исследовали перформативные и формальные направления в менее политизированной и более игровой манере.При совместном рассмотрении более ранние художники на выставке создали наследие смелости и бунта для последующих поколений благодаря тому, как они раздвигали границы установленных определений, материальных условий и концептуальных рамок для живописи. Достижения таких художников, как Альберто Бурри, Лучио Фонтана и Гюнтер Юкер, например, с их насильственными последствиями, обычно интерпретируются как ответ на социально-политические травмы войны. Но их исследования в такой же, если не в большей степени, касались развития эстетики.«Многие думали, что я пытаюсь разрушить; но это неправда», — писал Фонтана. «Я построил, а не разрушил, вот в чем ключевой вопрос». Этот тип подрывной практики «неокрашенной живописи» не заканчивается в 1960-х годах. С 1970-х по сегодняшний день художники продолжали раздвигать формальные, концептуальные и материальные границы плоскости изображения. Unpainted Paintings  объединяет важные и редкие объекты таких более поздних художников, как Мартин Киппенбергер и Розмари Трокель, которые создавали свои работы, очень сознательно отдавая дань социально-политическим кодам, окружающим их художественные исторические предшественники.Другие современные художники на выставке — среди них Дэн Колен, Алекс Хаббард, Майк Келли и Стивен Паррино — восстановили и расширили эти эстетические стратегии в более свободной форме. Среди предметов на выставке действительно есть некоторые, в которых использовалась краска; в этих случаях его присутствие либо преуменьшается как второстепенный элемент, либо представляется намеренно подрывным образом.

 

Объединяя такое большое количество людей и произведений, Неокрашенные картины попытаются проследить убедительный и провокационный импульс между поколениями, национальностями и художественными движениями.Независимо от того, насколько нетрадиционны их материалы и несмотря на относительное отсутствие красок, каждый из этих художников был страстно привержен изучению «живописного» в принципе и обновлял потенциал формы посредством экспериментов и непочтительности.

Искусство после искусства после искусства – Nonsite.org

Неокрашенная скульптура Чарльза Рэя представляет собой полномасштабную монохромную визуализацию из стекловолокна, воспроизведенную по частям с помощью механического процесса, полного Pontiac Grand Am.

Авария, в которой разбился оригинальный автомобиль, оказалась фатальной:

Если бы призраки существовали, преследовали бы они реальную субстанцию ​​места или предмета? Или будет достаточно топологии, геометрии или формы объекта, чтобы удержать призрак? Неокрашенная скульптура началась как исследование природы призраков. Я изучил множество автомобилей, которые участвовали в смертельных столкновениях. В конце концов я выбрал машину, которая, как мне казалось, хранила присутствие мертвого водителя.( Чарльз Рэй 106).

Изначально трудно представить себе небредовое значение этого абзаца, форма которого признает собственную бессмысленность. Нельзя проводить эксперимент с начальными условиями, которые сами по себе контрфактичны: поскольку призраков не существует, успех или неудача скульптуры не могут установить, как бы они вели себя, если бы существовали. Однако, когда начинаешь рассматривать скульптуру, трудно не поразиться некоему присутствию, физическому (или, лучше сказать, индексальному), а не призрачному, силы, с которой руль врезается в тело скульптуры. водителя, так и в огромном смятии передней части автомобиля со стороны водителя.Трудно не описать это наблюдение как своего рода шок: «Здесь что-то случилось, кто-то умер».

Но с этой мыслью игра, в которую играет Рэй, становится ясной: в этой машине, конечно же, никто не погиб, потому что это не машина, а ее изображение. Именно в этом свете мы должны понимать тот факт, что Рэй, который часто использует модификации масштаба, чтобы подчеркнуть скульптурность своей работы, использует скульптурный процесс, который не только включает индексальный элемент, но и создает масштаб 1:1, оставляя за собой очевидное. признаки конструирования — которых при ближайшем рассмотрении предостаточно — вплоть до таких деталей, как сломанные задние фонари, так как они обязательно подделывают лампочки, которые должны быть там, как неокрашенная скульптура обязательно подделывает зрачки.

Поскольку признано, что призраков не существует, «преследование» может быть не чем иным, как эффектом присутствия, который скульптуре удается производить посредством своей «топологии, геометрии или формы», а не фактического места события. Поскольку это представление создается посредством процесса, включающего в себя неизбежно безличный механический аспект — таким образом, протягивая причинно-следственную цепочку от первоначального удара до скульптуры в галерее, — в этом смысле оно ближе к фотографии, чем к скульптура в традиционном понимании.Но если фотография автокатастрофы может шокировать человека, то он ни на мгновение не испугается того, что «здесь что-то произошло», потому что, как прекрасно понимал Вальтер Беньямин, «здесь и сейчас» не существует. к фотографии, воспроизводимость которой лишает «здесь и сейчас [из] произведения искусства — его уникальное присутствие [ Dasein ] в том месте, где оно находится».

Когда Сабастиан Сальгадо сообщает нам об одном из своих изображений, что «человек был убит через эту дыру» в окне, через которое мы видим маленького ребенка, любой трепет, который вызывает это утверждение, связан с дырой, а не с фотографией, которая где бы то ни было это, нигде рядом с отверстием.Но, как мы видели, «здесь и сейчас» понятия «здесь что-то произошло, кто-то умер» точно так же отсутствует в  Неокрашенная скульптура . «Аура» или «призрак» — не имеет значения, поскольку и то, и другое — прокси «здесь и сейчас» вызывающего благоговейный трепет ритуального объекта, физического следа уникального момента, когда что-то произошло, — как бы лишены автомобиль смерти Неокрашенная скульптура  как на изображении с фотографии Бенджамина: « Неокрашенная скульптура никогда не существовала в Детройте» (106).

Но в отличие от фотографии Бенджамина, Неокрашенная скульптура действительно сохраняет определенное «здесь и сейчас», здесь и сейчас уникального произведения искусства в галерее. Но и не в этом «здесь и сейчас» дело: скорее, в скульптуре речь идет о двух видах «здесь и сейчас»; оно тематизирует — и тем самым разделяет — два вида присутствия, а не служит простым средством для предоставления нам любого из них. Еще раз нарративизируем: Рэй дает нам объект с привидениями, чтобы забрать его, но он может забрать его, только предварительно отдав его нам.«Вместо призрака я стал следить за геометрией формы в пространстве… как моя скульптура сидела на земле, какие детали были важны, какие области нужно оставлять незаполненными, где моя скульптура начинается и заканчивается» ( Чарльз Рэй  106). В конце концов скульптура настаивает на собственной автономии; он перестает быть автомобилем смерти и в конечном итоге становится автономным от автомобиля смерти. Напомним, что для Беньямина искусство, «отвергающее не только всякую социальную функцию, но и всякую содержательную детерминацию» (144, 224), — искусство, настаивающее на своей автономии, — есть лишь диалектическая инверсия своих докапиталистических основ в ритуале, как «орудие магии» (146, 225).Нет ничего явно неправдоподобного в этом тезисе, согласно которому онтологическая уникальность произведения искусства, на которой настаивал высокий модернизм, была как бы не более чем «негативной теологией» (144, 224). Но скульптура Рэя демонстрирует, что верно обратное: Неокрашенная скульптура  производит автономию произведения искусства не как (негативную) версию его ауры, а как автономию от ауры: искусство твердо противостоит волшебному «уникальному присутствию». [Dasein]» произведения искусства тем же жестом, которым оно настаивает на своей автономии, на своем онтологическом отличии от объекта, в котором «что-то произошло.Величие Неокрашенная Скульптура заключается в том, что она не сталкивается с проблемой скульптурного присутствия как с препятствием, а скорее производит ее как риск, за которым нужно ухаживать.

Но тогда мысль о том, что «здесь что-то произошло», не совсем ложна. Как мы только что видели, Неокрашенная скульптура создает структуру, которую можно описать как опыт; в качестве альтернативы  Неокрашенная скульптура  производит опыт, который можно описать как структуру.Что-то происходит в скульптуре; что-то, как сказал бы Хайдеггер, действует в произведении. Это эстетическое событие, как эмпирический опыт, случайно; как форма, это не так. Это колебание не уникально для Чарльза Рэя или скульптуры; она конститутивна для произведения искусства как такового. Именно это и имел в виду Кант, когда описывал эстетическое суждение как одновременно субъективное и всеобщее.

10:04 Бена Лернера в основном касается своего рода опыта, в котором «все то же самое, но немного другое.Эпиграф книги, заимствованный у Беньямина, помещает этот опыт как принципиально опыт будущего: в «мире грядущем», говорят хасиды, «все будет так, как есть сейчас, только немного иначе» (нп). Центральным примером является справедливо прославленный эпизод, касающийся «Института тотального искусства». Основанный на фактическом Институте спасенного искусства, Институт тотального искусства собирает и выставляет поврежденные произведения искусства, которые были официально объявлены страховой индустрией имеющими нулевую стоимость и, следовательно, больше не могут обращаться в качестве товаров.Как для вымышленного, так и для реального Института интерес этих «суммированных» произведений состоит в том, что они, по выражению реального Института, «уже не искусство»: они были, по выражению 10:04 , «формально низведенный из искусства до простой предметности» (130). Как только товарный характер юридически устранен из товара-искусства, его бессвязное притязание на искусство рушится вместе с притязанием на ценность, и мы остаемся с тем объектом, которым уже был товар-искусство: то же самое, только немного отличается тем, что он не имеет ни экономической ценности, ни претензии на художественную ценность, для которой денежная стоимость должна была быть заместителем.Так понимают свои миссии и реальный, и вымышленный Институты: основатель вымышленного Института разбивает собаку-воздушный шарик Джеффа Кунса. «Это ничего не стоит», — шипит она, выглядя «как хтоническое божество мести» (132).

Но опыт тотального искусства раздваивается. Главный герой 10:04  притягивается к «отпечатку Картье-Брессона без рамы» (132), повреждения которого для главного героя неразличимы:

[Как и все остальные, я был знаком с материальными вещами, которые, казалось, обрели некую магическую силу в результате монетизируемой подписи… Но невероятно редко… сталкивался с объектом, освобожденным от этой логики.Каким словом обозначали это освобождение? Апокалипсис ? Утопия ? … Как будто… двадцать один грамм души рынка сбежал. … [Я] это было искусство до или после капитала. (133-4)

Если допустить возможность того, что некоторые суммированные произведения являются не только искусством-товаром, но и произведением искусства, то юридическое лишение их товарного характера оставляет их «такими же, только совершенно другими» (133). Тотально, а не мало, потому что решающим является не ущерб, который может быть большим, незначительным или незаметным, а освобождение произведения искусства от обязательства быть товаром вообще.Аура произведения, его «волшебная сила» — которая, по мнению главного героя, тождественна его товарному характеру, «результат монетизируемой подписи», еще один вариант беньяминовского «здесь и сейчас» — обнажается, оставляя после себя не банальное объект, а скорее произведение: «искусство до или после» капитализма. Только избавившись от своего товарного характера, приравниваемого здесь к ауратическому присутствию подписи, произведение искусства может утвердить свое бытие как искусство. Против Бенджамина, но с Неокрашенной Скульптурой, за главного героя 10:04 магия и искусство как онтологически обособленная категория не только разделимы, но и противоположны.Под знаком «монетизируемой подписи» отводится не только уникальное событие, но и связанная с ним денежная ценность: товарный характер произведения искусства стоит, в 10:04 , прочно с аурой, магия и событие — и против искусства.

Вернувшись в «приземленную экономику» (19), главный герой является членом продовольственного кооператива Park Slope, где ему «нравилось, что деньги, которые [он] тратит на еду и товары для дома, направлялись в учреждение, которое сделало труд разделенным, видимым и которым обычно можно доверять, чтобы продавать товары, которые не являются продуктом откровенно злых конгломератов» (96).Но в отличие от «фанатиков, которые… со смесью жалости и ярости смотрели вниз на тех, кто делает покупки на Юнион Маркет или в Ки Фуд», главный герой знает, что как нечто, что ему «нравится», его «морально» нетривиальное предпочтение рыночный выбор, а не политический акт: «Жалоба указывала на то, что вы не были настолько глупы, чтобы поверить, что принадлежность к кооперативу делает вас значительно меньшим узлом в капиталистической сети» (95). Но если его убеждения более изощренны, чем у «ревнителей», его действия неотличимы от их действий.Более того, если бы фанатиков не существовало, их пришлось бы выдумывать скептикам, чтобы они действовали так, как они действуют: «для большинства членов, которых я знал… оскорбление кооператива было способом участия в его культуре» ( 95).

В то время как материальная неотличимость искусства от товара тем не менее обнаруживает «тотальное» различие (гравюра Картье-Брессона), здесь небольшое отличие (более или менее изощренное понимание того, как работает капитализм) является не более чем алиби для существенное тождество.Позже, когда главный герой встречается со студентом, убеждения которого совпадают с его убеждениями, но немного отличаются тем, что студент воспринимает его всерьез, студент может показаться главному герою — и нам — только «пугающим» (217). . На самом деле отличительной чертой главного героя является то, что он не либеральный «фанатик» и не «устрашающий» радикал, он верит в то, во что верит радикал, и действует так, как действует либерал. В сущности, он стоик в плохом, гегельянском смысле человека, который заменяет своей свободой интерпретировать мир возможностью его изменить.В мире романа, мире потенциальных членов кооператива, трудно представить, что политические убеждения имеют большое значение. С другой стороны, мнимое содержание романа представляет собой более или менее набор политических убеждений, а именно убеждений главного героя и разнообразных способов, которыми он представляет грядущий мир «таким, какой он есть сейчас, только немного другим», слабым Мессианство, которое провозглашается в эпиграфе и разыгрывается в каждом эпизоде. Нельзя сразу отбрасывать возможность того, что 10:04  является в конце концов чистым товаром-искусством, продающим нам наш собственный отбор в кооператив тех, кто слишком умен, чтобы быть либералом, и слишком здравомыслящий, чтобы быть кем-то еще.

Таким образом, мы подошли к центру проблемы, которая оживляет 10:04  который в качестве романа является потенциальным товаром искусства, в отличие от стихотворения: «Никто не собирается давать мне шестизначную сумму. для стихотворения» (137), беспокоит главного героя, который как бы пишет книгу, которую мы читаем. Способ, в котором главный герой понимает логику «тотального» искусства, является, согласно эпиграфу, мессианским: произведение искусства не сопротивляется товарной форме, а скорее, будучи тотальным, освобождается от нее.Таким образом, инаковость тотального произведения временна, а не исторична: оно представляет собой произведение искусства «до или после» капитализма, искусство в примиренном «грядущем мире».

Но пока капитализму придет конец — так или иначе — примиренный мир никогда не наступит. Образ примирившегося мира есть тогда идеальная категория — вполне законная, даже не только литературная банальность, знакомая по крайней мере от ранних романтиков, но аллегория того, что на самом деле воплощает произведение искусства, начиная с ранних романтиков, — но его темпоральная проекция своеобразна, возможно, незаконна, безусловно, противоречива.Но как бы то ни было, роман не может позволить себе роскошь ждать будущего, которое никогда не наступит; она должна пробиться в настоящем. Таким образом, проблема внеисторического будущего принадлежит рассказчику, но не является проблемой романа. Иными словами, проблема рассказчика релятивизируется проблемой романа. Таким образом, как бы ни был близок Бен Лернер к Бену Лернеру, проблемы, с которыми сталкивается Бен Лернер-рассказчик и Бен Лернер-писатель, принципиально различаются — и это верно, даже если Бен Лернер-романист понимает мир точно так же, как Бен Лернер-рассказчик.

Понимание произведения искусства у романа, другими словами, такое же, как и у его главного героя, только немного другое. Если понятие произведения искусства как онтологически обособленной категории возникает только сразу после кантианского отделения эстетического суждения от суждения о добре или приятном, разделения, которое, в свою очередь, обусловлено принудительной силой государства и власти. рынке — двойной тезис, для обоснования которого потребовалось бы больше, чем отступление, — то искусство в этом смысле не существует до капитализма и уж точно не переживет его, а, скорее, представляет собой неэмоциональное отличие от него: искусство не есть ни до, ни после капитализма. капитализм, но его определяют другие.Верен этот аргумент или нет, но как для 10:04 , так и для его собственного самопонимания бесспорно, что оно не публикуется ни до, ни после капитализма и, следовательно, не только неизбежно сталкивается с проблемой художественного товара, но и , как мы видели, производит его как искушение ухаживания.

В отчете Дженнифер Эштон  10:04  представляется как «сумма заранее». 10:04  не только роман, это роман, который в романе должен соответствовать определенным рыночным условиям.Прежде всего, он должен включать в себя историю New Yorker , которая легла в основу «сильного шестизначного» аванса главного героя — историю, которая сама в романе была сильно переработана, чтобы удовлетворить редакторов New Yorker. Yorker — действительно, «раздел, который я считал ядром истории», нужно вырезать. Сама история более или менее соответствует ожиданиям — прекрасно написанная виньетка с аккуратным эпифаническим слезоточивым рывком в конце — лишь с некоторыми метафизическими штрихами, которые читаются либо в основном как декоративные, либо как подготовка к 10:04 сам.Но поскольку к тому времени, когда мы читаем интерполированный рассказ, многие из его беллетризованных элементов, эмоций и оборотов речи, беллетризованных из уже беллетризованных, но более хаотично и, следовательно, правдоподобно представленных версий в романе, уже были введены, мы, по сути, обучены видеть легендарную версию как арочную и театральную, а кульминацию, в частности, как полностью искусственный удар. Но эта постановка-в-постановке не направлена, как можно было бы ожидать, на создание эффекта реальности в материале вне внутреннего каркаса — классическое и как бы естественное использование приема.Скорее, зрелищность истории служит для того, чтобы нанести вред иллюзионистскому повествовательному материалу книги. 10:04  заранее отменяет свой статус арт-товара, которым он является. Эмоциональный удар кульминационного поцелуя, например, не только преднамеренно театральный (он включает в себя бег к платформе поезда, чтобы ответить на прощальный жест), но и «этого никогда не было» (210) — та же самая фраза, которая сопровождает переутомленный финал новеллы (81). Рынок платил «сильные шестизначные суммы» за роман, и рынок получил роман: главный герой скептически относится к «литературным романистам», которые на самом деле продали тонну книг» (154), но автор, конечно, литературный романист, который продает тонны книг.Но интерполированная история учит нас видеть рынок и вычитать его из работы. В произведении, суммированном заранее, повреждается не произведение, а товарный характер: как только вы поймете, как внутри произведения работает поцелуй в метро, ​​— непосредственное («самый сексуальный поцелуй в истории независимого кино» [208]. ]) и архитектурные подсказки, которые предупреждают нас о том, что эта сцена в каком-то смысле «никогда не происходила» — вы понимаете, что основной смысл, в котором она «никогда не происходила», заключается в том, что она не имеет ничего общего с тем, что 10:04  есть пытается сделать и все, что связано с тем, что он должен сделать, чтобы утвердить свою автономию от «литературного романа», точно так же, как автомобиль, который «никогда не существовал в Детройте», не имеет ничего общего с тем, что Неокрашенная Скульптура  пытается сделать и все, что связано с тем, что он должен делать, чтобы утвердить свою автономию от скульптурного присутствия.

Купить книгу Раскрашенная или неокрашенная


Если вы находитесь на западном побережье, в галерее Hauser & Wirth открылась выставка книг Ричарда Джексона. https://www.hauserwirth.com/hauser-wirth-exhibitions/31718-richard-jacksonworks-with-books?modal=media-player&mediaType=film&mediaId=31739. В тексте галереи отмечается: «Начиная с начала 1970-х, пожизненные настенные росписи Ричарда Джексона, стеллажи и тематические инсталляции калифорнийца Ричарда Джексона привели к ряду знаковых инноваций в живописи, скульптуре, перформансе, инсталляции и отношениях между ними.Интерес Джексона к более широким возможностям искусства и тому, как это можно сделать, распространяется и на книги».

В 2020 году издательством Hauser & Wirth была опубликована монография о жизни и творчестве Джексона, написанная Джоном К. Уэлчманом и Дагни Янс Коркоран, которую можно приобрести в различных книжных магазинах по искусству. Или вы можете приобрести раскрашенную копию, подобную той, что представлена ​​в этом фильме «Раскрашенная монография». Библиотеке Принстонского университета принадлежит неокрашенная копия.

Продюсер Дагни Коркоран.Режиссер Дерек Кинзел. Под редакцией Зака ​​Кэмпбелла.

«По случаю «Ричард Джексон: работает с книгами» Дагни Коркоран сняла фильм о Ричарде Джексоне, создающем новую иллюстрацию для презентации. В «Нарисованной монографии» Джексон нарисовал все 480 страниц «Ричарда Джексона», монографии, автором которой является Джон К. Уэлчман, с хронологией Коркорана, выпущенной издательством Hauser & Wirth Publishers в 2020 году. сам по себе связан с идеей, первоначально задуманной Джексоном в 1977 году: «Раскрасьте каждую страницу каждой книги, / пока еще мокрые, сложите книги, заполняющие комнату, / от стены к стене, от пола до потолка» — Джексон обсуждает с Коркораном свою философию об искусстве, жизни, и книгопечатание, поскольку они относятся к книгам и печатным материалам, выставленным на обозрение.

 

 

Джон К. Велчман, Ричард Джексон ([Цюрих]: Hauser & Wirth Publishers, [2020]). Библиотека Marquand использует только N6537.J313 W45 2020. Неокрашенная копия.

 

Родственные

Неокрашенный до последнего

Бесконечно преследуемый, но всегда неуловимый, Моби Дик свободно бродит по американскому воображению.Бездонный источник литературных изысканий, шедевр Мелвилла также вдохновил на создание потрясающего множества книжных иллюстраций, гравюр, комиксов, картин, скульптур, смешанной техники и даже архитектурных проектов. Инновационный и щедро иллюстрированный, Unpainted to the Last освещает эту впечатляющую работу и показывает, как она открывает наше понимание как Moby-Dick , так и американского искусства двадцатого века.

Ловко переплетая слова с образами, Элизабет Шульц радикально переосмысливает наш самый известный литературный символ и предлагает совершенно новый способ «прочтения» одного из ключевых текстов американской литературы.От реалистов до абстрактных экспрессионистов, от знаменитых до малоизвестных, Шульц показывает, как эти художники пытались уловить суть многочисленных значений Моби Дика и использовать ее как плацдарм для своих собственных провокационных фантазий.

«Роскошный альбом большого формата, посвященный тому, как художники иллюстрируют Моби Дика. »

—Washington Post Book World

«Замечательный — действительно, ошеломляющий — по своей полноте. »

—Chicago Tribune
Просмотреть все обзоры…

«Архивное достижение, дающее существенный и привлекательный ресурс для любых будущих исследований на тему отношений между Моби-Диком и изобразительным искусством. »

— Американская литература

«Увлекательная и энергичная книга Шульца останется поучительным ресурсом для будущих исследований Мелвилла и изобразительного искусства — одна для обсуждения, другая для отправных точек. »

—Американские исследования

«Это богатая и читабельная книга, блестяще задуманная, чудесно иллюстрированная (а как иначе?) и безупречно исполненная. »

—American Neptune

«Основная работа. »

—New England Quarterly

«Богато иллюстрированная и тщательно задокументированная книга Шульца представляет собой одновременно мощную научную работу и провокационную интерпретацию, призванную стимулировать широкую читательскую аудиторию, а также преподавателей и исследователей. »

—Choice

«Моби Дик — главная «большая книга» Америки: физически пугает количество страниц; космический и бесконечно загадочный в своей иконографии; эпична по размаху истории и по всем этим причинам неотразима для визуальных художников.В этом захватывающем исследовании Шульц следует за своим китом через неизведанные воды, осмеливаясь обсуждать версии Моби Дика из комиксов и коллекционных стеклянных китов наряду с картинами Джексона Поллока. Результатом является богатое и блестящее исследование текстов — визуальных и вербальных — и контекстов, сосредоточенное на проблеме абстракции в искусстве нашего века».

—Карал Энн Марлинг, автор книги
Как видно по телевизору: визуальная культура повседневной жизни 1950-х годов подробная и богато иллюстрированная книга.Он займет свое место в шорт-листе крупных исследований Мелвилла и предложит новый привлекательный подход к интерпретации «Моби Дика».

— Харрисон Хейфорд, главный редактор журнала
The Writings of Herman Melville

«Сочетая высокую оценку литературы с равной любовью к искусству, Шульц по-новому освещает американский шедевр, буквально иллюстрируя его непреходящее величие».

—Чарльз К. Элдридж, бывший директор Национального музея американского искусства и автор книги
Джорджия О’Киф: Америка и современность

«Это потрясающая и блестяще реализованная работа, которая делает что-то настолько творческое, но настолько очевидное, что читатели будут удивляться, почему это не было сделано раньше.Круг художников, к которым обращается Шульц, ошеломляет, и ее понимание Моби Дика превосходно».

— Роберт К. Уоллес, автор книги
Мелвилл и Тернер: сферы любви и страха Смотреть меньше отзывов…

Наиболее непрерывно, часто и разнообразно иллюстрируемый из всех американских романов, «Моби Дик» привлек некоторых замечательных книжных иллюстраторов в Рокуэлле Кенте, Бордмане Робинсоне, Гаррике Палмере, Барри Мозере и Билле Сенкевиче, среди других, представленных здесь.Он также вдохновил таких выдающихся художников, как Джексон Поллок, Фрэнк Стелла, Сэм Фрэнсис, Бентон Спруанс, Леонард Баскин, Теодорос Стамос, Ричард Эллис, Ральф Гоингс, Сеймур Липтон, Уолтер Мартин, Тони Розенталь, Ричард Серра и Теодор Росзак, на создание выдающихся творений. .

Художники в равной мере отражают реалистический (сюжет, характер, естествознание) и философский смыслы романа, его визуальное и визионерское измерения. Некоторые, как одержимый и преследуемый Гилберт Уилсон, называют Моби Дик своей «Библией».Третьи рассматривают роман как пробный камень для феминистских, мультикультурных и экологических тем или высмеивают его статус культурной иконы. и искусство могут усиливать значения и достижения друг друга. Тем не менее, в конечном итоге она, как и Мелвилл, приходит к выводу, что большой белый кит остается ненарисованным и непрочитанным в любом абсолютном или окончательном смысле

новая выставка прослеживает путь Фахда Бурки к абстракции

творчества можно распознать медленное подчинение пустоте.За последнее десятилетие художник демонтировал фигуры и главных героев в своих ранних фигуративных работах, которые содержат сюрреалистические сцены, вдохновленные комиксами, чтобы прийти к минималистским и абстрактным творениям, которые бросают вызов формальным представлениям о живописи.

Этот постепенный и четкий сдвиг можно увидеть в более чем 50 работах, собранных в Центре искусств Джамиля для первого исследования Берки в середине карьеры. Выставка под названием «Грёзы» собирает картины, работы на бумаге и скульптуры, созданные за последние 15 лет, и проходит с субботы по 9 октября.На выставке также представлены заказанные произведения, в том числе четыре рельефа, форма, которую Бурки изучает с 2020 года, и картина.

Разбросанные по трем галереям работы расположены не в хронологическом порядке, а спланированы таким образом, чтобы проследить, как художник на протяжении многих лет колебался между фигурацией и абстракцией.

Фильм Фахда Бурки «В поисках Эдема» (2014). Бумага, угольные и пастельные карандаши. 54 х 101,3 см. Фото: Grey Noise, Дубай

«С таким шоу вы начинаете выбирать работы, которые имеют ключевое значение для практики, которые фундаментально оказали большое влияние на последующие работы.Поэтому задача заключалась в том, чтобы точно их определить», — говорит Бурки. «Я всегда слежу за тем, что делал в прошлом. Я прекрасно понимаю, как он развивается».

Его ранние картины, написанные им в бытность молодым художником в Национальном колледже искусств в Лахоре, который он окончил в 2003 году, наполнены странными механизмами и необычными фигурами, которые указывают на продолжающееся повествование. На безымянной картине 2004 года изображена кошмарная сцена — пейзаж пустыни, где получеловек-полубаран делает жест в сторону пары, а одноглазая женщина в парандже сжимает сладкую вату.

Бурки, который живет и работает в Лахоре, объясняет эти творения своим детским увлечением комиксами и графическими романами. В детстве его интерес к книгам был больше связан с визуальными эффектами, чем с текстом. «У моих бабушки и дедушки было много книг, и я просто пролистывал их, чтобы посмотреть на картинки, но никогда не интересовался чтением того, что лежало рядом с ними», — вспоминает он.

Помимо Marvel и DC, он читал франко-бельгийские комиксы, такие как Астерикс и произведения Мебиуса, псевдонима французского карикатуриста Жана Анри Гастона Жиро.

Он привнес этот интерес в свою практику, когда учился в университете, обучаясь в одном из самых авторитетных учебных заведений Пакистана. На тот момент он считал архитектуру более простой карьерой, но решил, что не может видеть себя «работающим на клиентов», хотя элементы архитектуры со временем появились в его работах. Он объясняет: «Я хотел сделать что-то, где у меня было больше контроля, где я был автором».

«Святое затмение» (2012) Фахда Бурки. Бумага, акрил, 56 х 38 см.Фото: Grey Noise, Дубай,

Его обучение включало фигурирование как подход по умолчанию. «Первым импульсом было сделать что-то реалистичное, — говорит он. «Исходя из графических медиа и комиксов, акцент делался на фигуре, телосложении, мышцах, анатомии, что автоматически привело меня к рисованию фигур».

Однако с 2006 года Берки начал удалять своих персонажей из их настроек, сглаживая их на пустом фоне с небольшим затенением.

Эти гибридные звери часто обладают узнаваемыми характеристиками животных — рогами, ртом, конечностями и клювами — хотя некоторые из них безликие или превращаются в объекты.Иногда его персонажи могут выглядеть так, как будто они были повторно адаптированы из культур коренных народов Азии и Америки. В Vessel (2007 г.) грозное существо с заостренными ушами появляется как нечто из фольклора, а Totem (2007 г.) изображает более игривую версию фигуры тотемного столба.

Бурки продолжал работать над формами и чертами с 2009 по 2012 год. Его объекты стали более угловатыми, менее узнаваемыми с точки зрения частей тела. Это стирание убирает другие вещи — обозначения времени и места, подсказки о культурных контекстах.Нарративы в этих работах начинают расшатываться, и художник позволяет нам представить их самостоятельно.

«Речь идет о построении мира с помощью фигур, — объясняет он. «Я хотел создать серию персонажей, которые помогли бы людям представить, из какого мира они родом». Его главные герои легко могут быть выходцами из подземелья или из космоса, и хотя этот набор персонажей, в конечном счете, является личной мифологией Бурки, они поддаются множеству интерпретаций.

Хотя разница в стилях очевидна, некоторые символы можно интерпретировать как трансформацию прошлых версий.Синяя механическая лошадь-качалка, похожая на сфинкса, на картине 2003 года Vespa становится гладкой черной выпуклой вещью в Fixed (2007), в то время как более ранний Totem (2007) расширяется в деревянную скульптуру, Optimist, by 2012.

С 2013 года внимание Берки переключилось на архитектурные и геометрические элементы, создавая похожие на чертежи работы, такие как Night Walk (2014), и играя с перспективой и цветом в Seeking Eden (2014), последний намекает на более живописный подход, который станет более заметным в более поздних творениях.Серия работ на бумаге 2016 года включает его самые тонкие работы, созерцательные видения, нанесенные на сетку. В «Конец зимы » Берки улавливает рассеяние света в линиях пастельно-зеленого и коричневого цветов, оттенки которых, кажется, отступают, чем дольше вы смотрите на них.

Его серия Interval 2017 года представляет собой картины, имитирующие внешний вид бетонных плит, украшенных небольшими, но горизонтальными или диагональными линиями, пересекающими раму. Бурки также отказывается от цвета, приглушая свою палитру до коричневого и серого.

Возможно, именно в этот период своей практики Бурки выковал свой уникальный подход к живописи, где вычитание становится постоянно активным в процессе, обратном творчеству. «Когда вы проводите десятилетие или больше за рисованием, вы в конечном итоге понимаете живопись как предмет. Это больше не создание имиджа», — объясняет он. По его словам, эти недавние работы были основаны на вопросах, касающихся среды, формы и материала.

Фахд Бурки, «За несколько минут до того, как я засну» (2019). Дерево, холст, акриловые краски, 100.2 х 77 х 4,2 см. Фото: Grey Noise, Дубай

В своем шоу 2020 года в Grey Noise в Дубае под названием Минуты до того, как я засну , рука Бурки стала еще более сдержанной. Работы, построенные из серий 2017 и 2018 годов, превратили картины в более скульптурные произведения. Размеры передавались не через краску, а через края поверхностей материала. В «Племя собственного » (2019) цвет едва ли присутствует на холсте. Вместо этого Бурки перенес цвета на деревянные рамы сбоку, добавив синие, коричневые и белые насечки.

Его умение рисовать также становится искусством маскировки. Его модульный предмет Жилище , сделанный из дерева, можно было принять за резину или даже за камень с его матово-серым покрытием.

Не раскрашенные арты: Не раскрашенные картинки (35 фото) 🔥 Прикольные картинки и юмор

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.

Пролистать наверх