1906 год в цвете. Цветная фотография 110 лет назад
До сих пор в нашем проекте 20 век в цвете самым ранним был 1909 год. Однако цветная фотография, как известно, возникла ещё в 19 веке и ближе к его концу уже делались снимки неподвижных предметов современного цифрового качества — цветоделительный метод давал просто поразительные результаты. В первые годы 20 века этот метод освоили несколько специалистов и их работ вполне хватило бы, чтобы представить то время во всей яркости натуральных красок. Но, увы, из тех фотопластин, что сохранились лишь немногие пока оцифрованым и просочились в Интернет, да и то в самые недавние годы. Так, по не понятным причинам немцы скрывают от человечества уникальную коллекцию цветных фотографий Адольфа Мите, который запечатлел (в том же качестве, что и Прокудин-Горский) с 1902 по 1911 год множество городов и стран, от заполярного Шпицбергена до пирамид Египта. Лишь немногие из его работ выложены в Сеть, причём в виде каких-то превьюшек с низким разрешением.
В 1904 году братьями Люмьер был изобретён второй метод цветной фотографии — автохром, который давал гораздо более худшее качество цветопередачи и зернистую картинку, но в коммерческую продажу эти пластинки поступили только в 1907 году.
Из-за этого оказалось достаточно сложно набрать материал для обзора 1906 года, который мы собираемся сегодня представить.
Дадим то, что пока есть.
Начнём с интереснейших снимков разрушенного Сан-Франциско, которые были обнаружены и опубликованы в США всего пять лет назад, в 2011 году.
Их автором является американский изобретатель Фредерик Юджин Айвс, который на 18 лет раньше Прокудина-Горского начал применять для цветной фотосъемки метод цветоделения, придуманный Джеймсом Клерком Максвеллом в 1861 году, т. е., снимать через три цветных фильтра.
К сожалению, творческое наследие этого человека остается до сих пор почти неизвестным, несмотря на то, что его слайды были пущены в свободную продажу для домашнего просмотра ещё в конце 19 века, а в Москве они экспонировались с 1901 года!
Итак, на снимках Айвса оказались запечатлены руины города Сан-Франциско после землетрясения и пожара 18 апреля 1906 г.
Это была одна из самых страшных городских катастроф в истории Западного полушария. В результате землетрясения и последующих пожаров погибло до 3000 человек, 225 000-300 000 осталось без крова, 80 % зданий в Сан-Франциско было разрушено.
По фотографиям видно, что к началу 20 века центр Сан-Франциско был застроен огромными зданиями до 15 этажей, не уступавшими масштабам Нью-Йорка или Чикаго.
Конечно, размеры зданий можно оценить и по монохромным фотографиям, но только цветные снимки Айвса дают представление, насколько яркими были уличные рекламные билборды в США 110 лет назад:
ДОСТУПНОЕ РАЗРЕШЕНИЕ ПОЗВОЛЯЕТ ЧИТАТЬ ОБЪЯВЛЕНИЯ!
Реставрацию этого и некоторых других снимков в данном посте сделал Oldcolor.
В оригинале каждый снимок это стереопара:
Это место хорошо знакомо любому жителю Сан-Франциско — 12-этажная высотка Flood Building на углу Powell и Market street:
КРУПНО
Ещё закончили постройкой в 1904 году.
Если бы не эффект «шевелёнки» из-за растянутой тройной экспозиции, мы бы увидели на этом фото трамвай:
То же самое место в 2016 году:
КРУПНО
Всё-такие Сан-Франциско необычный американский мегаполис: древний небоскрёб не снесли, трамвай с центральной улицы никогда не убирали, а теперь ещё и озеленение появилось, в лучших традициях социалистического благоустройства!
Уж не знаю, какими мерами они распугали там всех автомобилистов, но в центре города, где по 2-3 автомобиля на семью, не видно пробок!
Тот же вид в 2015 году для «чистоты эксперимента»:
Вид с одного из городских холмов в октябре 1906 года:
КРУПНО
На четвертом снимке масштаб разрушений особенно впечатляющий:
К сожалению, за прошедшие 5 лет никто так и не взялся нормально свести каналы трёх частей кадра (у снимков коллекции Прокудина-Горского та же проблема).
В России единственным известным (но далеко не единственным!) представителем цветоделительного метода был С. М. Прокудин-Горский. К 1906 году он успел сделать уже около 500 цветных снимков, но, увы, как раз в 1906-м куда-то бесследно исчезло 80% отснятого им материала, включая 130 цветных фотографий Крыма и Севастополя, более 30 видов Киева, Петербург, Курск, Сочи, Новороссийск, Северный Кавказ. Лишь кое-что из пропавшего дошло до нас в виде открыточных репродукций, но эти работы относятся к периоду 1903-1905 гг.
А в 1906 году Прокудин-Горский предпочитал снимать этюды в Европе.
Сюжеты, к сожалению, не особенно интересные, но можно оценить качество 110-летней давности.
Курортный городок Марина-Гранде на итальянском острове Капри:
КРУПНО
Кстати, на самом верху у скал видна дачка великого пролетарского писателя Максима Горького.
Бернардинский монастырь во Фиезоле близ Флоренции:
КРУПНО
Вид с крыши собора в Милане:
КРУПНО
Прокудин-Горский и в Риме хотел поснимать, но ему не дала полиция: в то время в Италии действовала монополия на съёмку для местных фотографов, чтобы туристы покупали у них карточки с видами.
Собор Сан-Марко в Венеции:
КРУПНО
Венеция (этюд):
Это уже печатная репродукция из прокудинского журнала «Фотограф-любитель», опубликованная в декабре 1906 года.
Во Франции Прокудин-Горский почти не снимал, известно всего две работы, из которых лишь одна сохранилась в цвете.
Набережная в городке Вильфранш-сюр-Мер, ныне это окраина Ниццы:
КРУПНО
В 1906 году там вся набережная была покрыта рыбацкими сетями, спустя 100 лет — ресторанчиками и кафешками.
Фото 2007 года:
В последние дни 1906 года Прокудин-Горский отправился в горы Тянь-Шаня, снимать солнечное затмение, которое должно было наблюдаться 1 января.
Вот такое у него было там транспортное средство:
КРУПНО
Имущество экспедиции Русского географического общества в горы поднимали киргизы на своих верблюдах:
На вершине были сделаны очень интересные групповые портреты, на которых присутствует и сам Прокудин-Горский с телескопом, но об этом уже в серии про 1907 год.
При всей своей «элементарности» цветоделительный метод был в то время исключительно сложен: для получения правильной цветопередачи нужно было овладеть секретом особых растворов для сенсибилизации цветочувствительного эмульсионного слоя фотопластины. Для этого надо было быть таким гением как Айвс, Мите или наш Прокудин-Горский.
Успехи других экспериментаторов были не столь блестящи.
Например, у швейцарского фотографа Отто Пфенингера (1855-1929), который переселился в английский Брайтон и в 1906 году начал экспериментировать с камерой для трёхцветной съёмки.
Совсем недавно его работы были выложены в Сеть.
По ним можно примерно представить пляжную жизнь Брайтона 110 лет назад:
Море холодное, а народу как в Сочи:
КРУПНО
Чувствуется ветреная погода:
Скорее ножки мочат, чем купаются:
Мамаша у «викторианской» детской колясочки:
Эти английские дети успеют повзрослеть раньше, чем кончится Первая мировая (до которой оставалось ещё 8 лет):
КРУПНО
Одно слово – Belle Époque:
А что же автохром?
Самые ранние автохромные снимки были выполнены самими его изобретателями.
Вот Огюст и Луи Люмьеры шутливо позируют для цветной съёмки как раз около 1906 года:
На этом фото Луи Люмьера мы видим портрет Сюзанн Люмьер во время автогонок, 1906 год:
Кажется, мне не встречалось более раннее цветное фото автомобилей.
До поступления пластинок автохрома в открытую продажу в 1907 году очень немногие имели возможность с ними поэкспериментировать.
Англия. Леди Helen Vincent, снимок Лионеля Ротшильда, 1906 год:
Разумеется, новое изобретение сразу поспешили опробовать и весьма пикантном жанре.
Обнаженная с цветочной гирляндой, Arnold Genthe, 1906 год:
На этом пока всё.
Будем ждать новых открытий, которые позволят нам увидеть самое начало 21 века во всей яркости красок.
P.S. Сразу после написания поста нашлась цветная фотография казарм в городе Або (Турку) 1906 года:
КРУПНО
Жаль не видно обитателей этих казарм.
Все серии проекта «20 век в цвете»:
1901, 1902, 1903, 1904, 1905, 1906, 1907, 1908, 1909, 1910, 1911, 1912, 1913, 1914, 1915, 1916, 1917, 1918, 1919, 1920, 1921, 1922, 1923, 1924, 1925, 1926, 1927, 1928, 1929, 1930, 1931, 1932, 1933, 1934, 1935, 1936, 1937, 1938, 1939, 1940, 1941, 1942, 1943, 1944, 1945 война, 1945 мир, 1946, 1947/СССР-1947, 1948, 1949, 1950/СССР-1950, 1951, 1952/СССР-1952, 1953/СССР-1953/США-1953, 1954/СССР-1954, 1955/СССР-1955/1955-улицы, 1956/СССР-1956, 1957, 1958, 1959, 1960, 1961/СССР-1961, 1962, 1963/СССР-1963, 1964, 1965/СССР-1965, 1966/СССР-1966, 1967, 1968, 1969, 1970, 1971, 1972, 1973/СССР-1973, 1974, 1975, СССР-1975, 1976/СССР-1976, 1977, 1978, 1979, 1980, 1981/СССР-1981, 1982, 1983, 1984/СССР-1984, 1985, 1986/СССР-1986, 1987, 1988, 1989/СССР-1989, 1990/СССР-1990, 1991/СССР-1991, 1992, 1993, 1994/РФ-1994, 1995/РФ-1995, 1996/РФ-1996, 1997, 1998, 1999/РФ-1999.
Первоцвет. Ранний цвет в российской фотографии. 1860–1970-е годы
Россия, Москва
Мультимедиа Арт Музей, Москва (МАММ) / Музей «Московский Дом фотографии»,
Адрес: ул. Остоженка, 16,
Проезд: Метро «Кропоткинская»,
http://mamm-mdf.ru/, email: [email protected]
Яков Халип. Юнги. 1951 (?) Авторский цветной отпечаток
ПРАВИТЕЛЬСТВО МОСКВЫ
ДЕПАРТАМЕНТ КУЛЬТУРЫ ГОРОДА МОСКВЫ
МУЛЬТИМЕДИА АРТ МУЗЕЙ, МОСКВА
В РАМКАХ XII Московской международной биеннале «Мода и стиль в фотографии — 2021»
ПРЕДСТАВЛЯЮТ ВЫСТАВКУ
Кураторы: Ольга Свиблова, Елена Мисаланди
Корпоративный попечитель музея: Норникель
Новый выставочный сезон в канун своего 25-летия МАММ открывает выставкой «Первоцвет. Ранний цвет в российской фотографии. 1860–1970-е годы». Более двадцати лет музей приобретает в специальную коллекцию нашего собрания фотографии, которые можно отнести к раннему цвету.
Дмитрий Бальтерманц. КуКрыНикСы (Художники-карикатуристы Михаил Куприянов, Порфирий Крылов, Николай Соколов). Конец 1940-х. Цветная печать
В новую выставку вошло 248 работ и слайд-шоу Бориса Михайлова. Научные сотрудники МАММ проделали большую работу, подготовив тексты об авторах фотографий, о событиях, отраженных на снимках, а также об истории фотографических техник, которые использовались на разных этапах развития цвета в фотографии.
Выставка «Первоцвет» показывает, как появляются и эволюционируют технологии, позволяющие наполнить снимки цветом. Выставка также является кратким конспектом истории русской фотографии на протяжении столетия (от Сергея Левицкого, Алексея Мазурина, Елены Мрозовской, Карла Бергамаско, Петра Веденисова до Василия Улитина, Петра Клепикова, Александра Гринберга, Александра Родченко, Якова Халипа, Георгия Петрусова, Всеволода Тарасевича, Дмитрия Бальтерманца, Бориса Михайлова, Александра Слюсарева и др.). В то же время экспозиция позволяет проследить, как менялась жизнь в стране, переживавшей исторические и социально-политические катастрофы, и то, какую разную роль в течение этого периода играла фотография.
Эксперименты по созданию цветной фотографии проводились практически с момента появления самой фотографии. Однако широкое применение цвета в фотографии начинается с 1860-х годов. В XIX веке доминирует раскрашивание черно-белых фотографий акварелью, гуашью и другими красками.
Дмитрий Бальтерманц. Из серии «Арбатская площадь». 1960. Цветная печать
В 1903 году изобретатели кинематографа братья Люмьер запатентовали новый процесс создания цветной фотографии — автохром. На стеклянную пластину наносились гранулы картофельного крахмала, окрашенные в красный, желтый и синий цвета. Гранулы работали как цветофильтры. Наложение второго слоя гранул давало оранжевый, фиолетовый и зеленый цвета. Затем наносилась цветочувствительная эмульсия. Автохромы позволяли достичь достаточно богатой цветопередачи, но не предполагали создания отпечатка. Их можно было просматривать на просвет либо проецировать с помощью специальных аппаратов, которые также изготавливались компанией братьев Люмьер. С 1907 года Люмьеры начали производить автохромы промышленным способом (до 6 000 в день). Они расходились по миру, в том числе, была налажена их регулярная поставка в Россию. Так, замечательный фотограф Петр Веденисов с 1910 по 1914 год еженедельно выписывал к себе в Ялту автохромы из Франции. Его очень частная и личная съемка членов семьи и близких друзей оказалась одним из лучших выражений типологического уклада жизни российских просвещенных дворян начала ХХ века.
В России пионером цветной фотографии стал Сергей Михайлович Прокудин-Горский. В 1905 году он разработал и запатентовал собственный сенсибилизатор (вещество, повышающее чувствительность фотопленок, фотографических пластинок к цветным лучам). Среди многочисленных достижений Прокудина-Горского в области цветной фотографии — уменьшение выдержки, а также разработка технологии тиражирования снимка. Наиболее известный проект Прокудина-Горского — «Коллекция достопримечательностей Российской империи». Фотограф начал работать над ним еще в 1904 году, однако наибольший размах проект приобрел после того, как в 1909 году Прокудин-Горский продемонстрировал свои работы императору Николаю II, большому любителю фотографии. Фотограф получил в распоряжение от императора специально оборудованный вагон с темной комнатой для проявки и печати снимков, а также разрешение, помогавшее фотографу добраться до самых дальних и труднодоступных окраин Российской империи. Так Николай II поддержал первую масштабную работу по созданию цветной фотолетописи России.
Дмитрий Бальтерманц. Витрина. Лондон, 1960-е. Цветная печать
В 1920-е годы интерес к цвету в фотографии проявляют фотографы двух крупнейших и конкурировавших друг с другом направлений в отечественной фотографии: пикториалисты и модернисты. С середины 1920-х до середины 1930-х они возрождают забытую технику ручной раскраски фотографии. Прежде всего, это Василий Улитин — пикториалист, участник крупнейших международных фотовыставок, награжденный медалями и дипломами в Париже, Лондоне, Берлине, Лос-Анджелесе, Торонто, Токио, Риме, а также Александр Родченко — модернист, основоположник советского фотоавангарда. МАММ — единственный музей, в коллекции которого есть раскрашенные фотографии Александра Родченко.
В 1936 году практически одновременно появились цветные фотопленки немецкой компании Agfa и американской компании Kodak. Их широкое распространение и выход на любительский рынок были отложены из-за начала Второй мировой войны.
Производство собственной цветной пленки в Советском Союзе было налажено с помощью немецкого трофейного оборудования в 1946 году. До этого цветные фотографии в СССР в единичных экземплярах снимались на немецкую или американскую пленку. До середины 1970-х годов негативная пленка в СССР, позволяющая печатать цветные фотографии, была роскошью, доступной лишь немногим официальным фотографам, работавшим для крупных советских изданий. Ее использовали такие классики советской фотографии, как Владислав Микоша, Георгий Петрусов, Дмитрий Бальтерманц, Всеволод Тарасевич и другие. Все они, так или иначе, были вынуждены следовать канонам социалистического реализма и заниматься постановочным репортажем. Даже натюрморты с фруктами Ивана Шагина в это время несли идеологическую нагрузку и снимались для кулинарных книг, в которых советский человек мог увидеть то, чего не было в голодной послевоенной стране, где еще не отменили карточную систему распределения продуктов.
С конца 1950-х годов после развенчания культа личности Сталина во время хрущевской оттепели каноны социалистического реализма стали более мягкими, допуская определенную свободу в эстетике, позволяющую приблизить фотографию к реальности (серия Дмитрия Бальтерманца «Арбатская площадь», 1960).
Сергей Прокудин-Горский. Портрет Льва Толстого. 23 мая 1908. Фотомеханическая печать
В 1960–1970-е годы в СССР на рынке появилась цветная диапозитивная пленка. В отличие от цветной негативной пленки, которая требовала сложного и дорогостоящего процесса проявления для последующей печати, цветная диапозитивная пленка могла быть проявлена и в домашних условиях. Ею широко пользовались фотолюбители. Фотография в это время становится одним их самых распространенных хобби советских людей. Почти в каждом доме был диапроектор. Домашние проекции с непременным обсуждением снимков были популярной формой досуга.
В это же время в СССР возникло неофициальное искусство, важной частью которого была и неофициальная фотография. В 1970-х годах на цветную диапозитивную пленку Борис Михайлов, один из самых известных в мире советских фотографов, снимает серию «Сюзи и другие». Слайд-проекции Бориса Михайлова, создававшиеся для узкого круга друзей и единомышленников, были определенным аналогом квартирных выставок. Цвет в работах Бориса Михайлова используется концептуально, проявляя унылую унифицированность и убогость окружающей жизни.
В послевоенные годы жизнь в СССР постепенно налаживалась. Людям снова захотелось заказывать раскрашенные фотопортреты на память. Как правило, их делали «нелегальные» фотографы, так как частные фотоателье, выполнявшие такие заказы со второй половины XIX века, к 1930-м годам были запрещены. Государство получило полную монополию на фотографию. В 1980-х годах Борис Михайлов в серии «Лурики» обращается к эстетике китчевых цветных фотографий «на память». Раскрашивая наивные фотографии, он проявлял и деконструировал природу советских мифов.
Алексей Мазурин. На прогулке. 1898. Соленая бумага, раскраска медовой акварелью, лак
Мы включили в экспозицию две серии фотографов-концептуалистов Бориса Михайлова и Александра Слюсарева, относящиеся к 1980-м годам, когда авторы снова, как Александр Родченко в 1920–1930-е годы, пятьдесят лет спустя вносят в фотографию цвет посредством ручной раскраски снимков. Художественные миры Бориса Михайлова и Александра Слюсарева были совершенно разными, но возникают они в одно время в неофициальном советском искусстве, когда эстетика московского концептуализма продолжает развиваться в эпоху постмодернизма.
Подготовка текстов: Лариса Зайцева, Мария Лаврова, Елена Мисаланди, Людмила Рогова, Ирина Родионова
Рабочая группа: Елена Багдасарова, Андрей Баранов, Сергей Бунин, Егор Васильев, Михаил Гуревич, Алексей Гуреев, Артур Дягилев, Александр Зайцев, Анна Зайцева, Татьяна Ильичева, Дарья Ильяшенко, Кирилл Косенко, Арам Косян, Максим Крекотнев, Мария Кузнецова, Алексей Кулаков, Петр Кулаков, Максим Макаров, Борис Мисаланди, Юрий Налбандян, Александр Немерад, Вячеслав Новик, Александр Павловский, Вадим Пеганов, Владимир Ростов, Анна Хайтул, Александр Ченцов
Василий Улитин. Красноармеец. 1932. Трехцветный бромойль
Владислав Микоша. Портрет Юрия Рыпалова. 1938–1939. Трехцветный бромойль
Неизвестный автор. Портрет Алексея Николаевича Тютчева с женой Анной Иосифовной и дочерьми Анной Алексеевной и Марией Алексеевной. Ок. 1864. Соленая бумага, раскраска
Неизвестный автор. Будка близ станции Инкерман. 1880-1890-е. Соленая бумага, раскраска
Сергей Шиманский. Автопортрет в восточном халате. Конец 1930-х. Трехцветный бромойль
Всеволод Тарасевич. Семья начальника инструментального цеха ЗИЛа Константина Ефимовича Малкова. 1954. Первая страница обложки журнала «Советский Союз», август 1954. Цветная печать
Борис Михайлов. Из серии «Лурики». Конец 1970 – начало 1980-х гг. Серебряно-желатиновый отпечаток, анилин
Иван Шагин. Студентка. Начало 1950-х. Цветная печать
Петр Веденисов. Таня, Наташа, Коля и Лиза Козаковы, Вера Николаевна Веденисова и Елена Францевна Базилева. Ялта, 1910 – 1911 Автохром
Юрий Левянт. Реклама автомобиля ЗАЗ-965 («Запорожец»). Начало 1960-х. Цветная печать
Краткая история цветной фотографии
При фотографировании окружающего мира свойство цвета, вероятно, воспринимается большинством людей как нечто само собой разумеющееся. Мы ожидаем, что наши камеры будут точно отображать спектр видимого света. Однако в мире, столь поглощенном цветом, мы иногда забываем, сколько времени потребовалось, чтобы добраться до этого момента времени, и сколько фотографов и ученых считали концепцию цветной фотографии несбыточной мечтой.
Как только мы поняли, что с помощью наших камер можно запечатлеть свет, мы захотели использовать все цвета, связанные с ним. Некоторые из первых экспериментов начались в середине 19 века. Первоначальный подход заключался в том, чтобы найти материал, который мог бы непосредственно разделять цветовые свойства падающего на него света.
Процесс «Хиллотипии» Леви Хилла c.1850
Способность улавливать цвет появилась в 1851 году у священника, жившего в северной части штата Нью-Йорк.
Фотография Леви Хилл Леви Хилл был баптистским священником, живущим в районе гор Катскилл в Нью-Йорке. Ранее он использовал процесс дагерротипии для создания фотографий, но был разочарован отсутствием возможности воспроизвести цвет. Многие отнеслись скептически, когда Хилл объявил, что нашел фотографический процесс «Хиллотип», который сделал это возможным.
Хилл отказывался публиковать свой секретный процесс до 1856 года, когда он был опубликован в виде книги, доступной только по предварительному заказу. Когда фотографы, наконец, получили книгу в свои руки, они обнаружили, что в ней действительно содержится рецепт процесса, но он был настолько сложен, что считался бесполезным.
Фотография наброска Леви ХиллаИнтересно, что более ста лет спустя, в 2007 году, исследователи из Национального музея американской истории смогли проанализировать работу Хилла и обнаружили, что он придумал способ воспроизведения цвета. Они обнаружили, что процесс был очень приглушенным, и для усиления некоторых цветов использовались пигменты. Хотя Леви Хилл не полностью лгал о своем открытии, он приукрасил результаты.
«Гиллотипная» фотография цветной гравюры около 1850 года. Когда-то это считалось подделкой, но современные ученые обнаружили, что процесс Леви Хилла действительно позволял фотографически воспроизвести определенную степень цвета (хотя многие из его работ были раскрашены вручную после факт).![](/800/600/http/i.pinimg.com/736x/8f/f4/ed/8ff4ed61f6d4ad49b737b7f7c6464e05.jpg)
Использование интерференции Габриэля Липпманна
Габриэль Липпманн в 1908 году.В 1886 году физик и изобретатель Габриэль Липпманн использовал свои знания в области физики для создания того, что мы можем считать первой цветной фотографией без помощи каких-либо пигментов или красителей. Липпман использовал явление, известное как интерференция, которое связано с распространением волн.
К 1906 году Липпманн представил свой процесс вместе с цветными изображениями попугая, миски с апельсинами, группы флажков и витража. Это открытие принесло ему Нобелевскую премию по физике.
Фотография цветов Липпманна, созданная в 1890-х годах Можно подумать, что история цветной фотографии заканчивается с использованием Липпманом сложного явления интерференции, но возникли проблемы, и мы только начинаем. Главным образом, как вы могли догадаться, сам процесс был слишком сложным; для этого требовались мелкозернистые эмульсии с высоким разрешением, для которых требовалось более длительное время экспозиции, у него были проблемы с более широкими полосами цветовых длин волн, создаваемых отражениями, и процесс требовал использования токсичной ртути.
Когда была изобретена цветная фотография?
Хотя в 1800-х годах несколько изобретателей работали над различными методами создания цветных фотографий, считается, что первая цветная фотография была открыта шотландским физиком Джеймсом Клерком Максвеллом в 1861 году. .
Более чем за два десятилетия до того, как Липпман разработал свою технику интерференции для цветных фотографий, Максвелл усердно работал и был готов определить новую теорию цвета, которая определяет основу того, как мы воспроизводим цвета по сей день. Максвелл предложил фотографировать сцену через красный, зеленый и синий фильтры. Когда изображения воспроизводились на проекторах с соответствующими фильтрами, они накладывались друг на друга, создавая полное цветное изображение. Максвелл представил, как этот принцип можно было бы затем применить к фотографии в 1861 году во время лекции в Королевском институте со своей знаменитой фотографией трехцветной ленты.
Фотография Максвелла была первым долговечным цветным фотографическим изображением.
Как ни странно, метод Максвелла был отодвинут на задний план, в то время как другие, такие как Липпманн, представили свои результаты. Однако к концу 1890-х годов его работа подверглась пересмотру.
Немецкий ученый по имени Герман Вильгельм Фогель обнаружил, что он может использовать теорию трех цветов и создавать эмульсии, чувствительные только к определенным цветам, путем добавления определенных красителей. Однако потребовалось время, чтобы этот процесс в конечном итоге наладился. Только в начале двадцатого века эмульсии стали достаточно точными и чувствительными для традиционной фотографии.
Фотографический отпечаток, вклеенный на фронтисписе книги Фогеля, Die chemischen Wirkungen des Lichts und die Photographie , 1873.Цветная фотография становится все проще
Необходимость сделать одну и ту же фотографию три раза с тремя разными фильтрами была хлопотной — камера могли быть случайно перемещены, или сама сцена могла измениться. В результате было выпущено два типа цветных камер, чтобы помочь фотографам в их усилиях по цветной фотографии.
В первой модели фотоаппарата использовалась линза, которая могла разделять входящий свет через три разных фильтра и, таким образом, делать три фотографии одновременно. Второй тип камеры представлял неподвижные экспонированные изображения по одному, но имел откат, который позволял фотографам быстро менять фильтры и типы эмульсии. Процесс по-прежнему был непростым, но к 1910-м годам фотографы уже могли снимать цвета в поле.
Луи Артур Дюко дю Орон фотография Луи Дюко дю Орон почувствовал, что у него есть лучшая идея для этого процесса: наложить три различных цветных записывающих эмульсии друг на друга, чтобы процесс можно было экспонировать одновременно в любой обычной системе камеры. Синий был помещен поверх трехэмульсионного «сэндвича» с фильтром, блокирующим синий, за ним, потому что синий свет влияет на все эмульсии галогенидов серебра. За блокировщиком синего фильтра располагались слои, чувствительные к зеленому и красному. Идея Хорона стала важным шагом вперед для отрасли. Одна неудача, однако, заключалась в том, что каждый слой имеет тенденцию смягчать свет, когда он проходит через эмульсию.
Несмотря на то, что это не идеальное решение, «трипаки» были проданы потребителям. В начале 1930-х годов американская компания Agfa-Ansco произвела то, что они назвали «Колорол»: рулонную пленку для фотокамер. Теперь средний потребитель мог покупать пленку для своих камер и отправлять негативы обратно в Agfa-Ansco для проявки. Изображения были не самыми четкими из-за рассеянного света в слоях, но для непрофессионала этого было достаточно.
Фотография ДналораKodak делает цветную фотографию мейнстримом
Конечно, героем, который произвел революцию в цветной фотографии, был Kodak. В 1935 году Kodak представила свою первую пленку «tripack» и обозначила ее как Kodachrome. Как ни странно, разработка произошла благодаря двум музыкантам, Леопольду Маннесу и Леопольду Годовски-младшему, которые начали экспериментировать с цветовым процессом. В конечном итоге дуэт был нанят Исследовательской лабораторией Kodak и в результате создал один из самых любимых фильмов по сей день.
В усовершенствованном процессе окрашивания Kodak использовались три слоя эмульсии на единой основе, которые улавливали красные, зеленые и синие длины волн. Обработка пленки была довольно сложной, но Kodak придерживалась своего девиза «Вы нажимаете кнопку, мы делаем все остальное» и просто заставляла своих клиентов отправлять обратно готовые рулоны для отпечатков/слайдов. В конце концов, в 1936 году Agfa смогла усовершенствовать процесс разработки Kodak, разработав все три слоя одновременно.
Начиная с 1960-х годов компания Kodak Kodachrome вместе с другими брендами пленки начала завоевывать рынок, но они все еще были намного дороже, чем стандартная черно-белая пленка. К 1970-м годам цены смогли снизиться настолько, что цветная фотография стала доступной для широких масс. И, наконец, к 1980-м годам черно-белая пленка перестала быть доминирующим средством, используемым для ежедневных снимков жизни.
Сегодня, к разочарованию многих киноманов, Kodachrome больше не производится, так как последний рулон пленки сошел с конвейера в 2010 году. тихо закрыли дверь цветной пленочной фотографии и перешли к цифровым датчикам.
Просто помните, что в следующий раз, когда вы возьмете в руки цифровую камеру, вы должны поблагодарить Максвелла за его теорию цвета RGB и развитие цветной фотографии, которое последовало и по сей день.
Краткая история цветной фотографии
«Простой цвет, не испорченный смыслом и не связанный с определенной формой, может говорить с душой тысячей различных способов». – Оскар Уайльд
─── Джош Брайт, 20 декабря 2019 г.
С момента создания среды фотографы стремились раскрасить свои монохромные изображения, при этом ручная роспись печатных фотографий широко использовалась в 19 веке.
Тартановая лента, 1861 г. © Thomas Sutton/James Clerk Maxwell
. Изобретение цветной фотографии стало широко обсуждаемой темой. Леви Хилл, американский баптистский пастор, утверждал, что изобрел метод еще в 1851 году.0010
Другие считают прототипом изображение клетчатой ленты, сделанное десятью годами позже. Снятый Томасом Саттоном (изобретателем однообъективной зеркальной камеры), он использовал метод аддитивных цветов, изобретенный шотландским физиком-математиком Джеймсом Клерком Максвеллом, в то время как примерно в это же время изобретатель Луи Артур Дюко дю Орон формулировал аналогичную технику. , основанная на трехцветной теории, которая остается в основе полиграфии и сегодня.
Изола ди Понца, Paesaggio Italiano, 1986 © Luigi Ghirri
Его метод включал стеклянные фильтры, покрытые окрашенными зернами картофельного крахмала, и лег в основу последующих разработок, в том числе Autochrome , представленного в 1907 году французскими братьями Огюстом и Луи Люмьером, изобретателями синематографа. Процесс Autochrome позволил получать полноцветные изображения с реалистичностью, превосходящей реализм его предшественников, и быстро стал доминирующей формой цветной фотографии. Однако он был медленным и громоздким, требовал длительных выдержек, что делало невозможным захват движущихся изображений
Гавань Стейтес, 1915 г. (Автохромное изображение) © John Cimon Warburg/Getty Images.
В 1936 году Kodak произвела революцию в цветной фотографии, выпустив легендарный Kodachrome. Пленка с обращением цвета позволяла снимать высокодетализированные изображения с полной, выразительной цветностью, что сделало ее чрезвычайно популярной среди коммерческих фотографов во второй половине двадцатого века. Однако сторонники более «серьезных» стилей, таких как фотожурналистика, по большей части будут продолжать отвергать привлекательность цветных изображений, считая их показными, лишенными аутентичности и помехой в их продолжающейся борьбе за то, чтобы их средство массовой информации считалось подлинным. художественная форма.
Нью-Йорк, 1952 год © Поместье Эрнста Хааса
Единственным исключением был австриец Эрнст Хаас, который, хотя и не всегда признавался таковым, был в авангарде раннего цветного движения и помог заложить основу для тех, кто последовал за ним. Первоначально работая исключительно в черно-белом цвете, его набег на хроматические изображения начался с покупки его первой Leica вскоре после его инаугурации в агентство Magnum в 1919 году.49.
Фотограф с множеством талантов, его работа пересекалась как с коммерческой (он был первым, кто сфотографировал «Человека Мальборо»), так и с фотожурналистикой, хотя именно в уличной фотографии его использование цвета наиболее глубоко. Образы волшебного города, серия цветных фотографий Нью-Йорка, является прекрасным примером его виртуозности. Использование им необычных ракурсов, медленной выдержки и отражений дает частично абстрактный, размытый сепией портрет города, который позже станет его домом, и отражает свободолюбивую личность Хааса, а также демонстрирует художественные способности среды. .
Навахо, Аризона, 1970 г. © Estate of Ernst Haas
Нью-Йорк, 1952 год © Поместье Эрнста Хааса
Нью-Йорк, 1956 год © Поместье Эрнста Хааса
Сол Лейтер, современник Хааса, был еще одним важным ранним колористом. Его изображения улиц, окружающих его дом на Манхэттене в 50-х и 60-х годах, поистине экстраординарны и иллюстрируют художественный подход, которым он позже стал известен.
Он обладал колоритным чутьем художника и, подобно Хаасу, заигрывал с абстракцией, используя ракурсы, компрессию и часто снимая сквозь окна, поверхности которых неизменно были застеклены паром, дождем или отражениями. Однако, в отличие от динамизма, присущего Нью-Йорку Хааса, Лейтер искал редкие моменты безмятежности, подход, который отражал его собственную сдержанность, хотя прошли десятилетия, прежде чем он получил признание, которого он так полностью заслуживал.
Такси, Нью-Йорк, 1957 год © Фонд Сола Лейтера
Сноу, Нью-Йорк, 1960 г. © Фонд Сола Лейтера
Окно – Нью-Йорк, 1957 год © Фонд Сола Лейтера
Это Уильям Эгглстон, которого многие считают самой важной фигурой в цветной фотографии. Считается отцом того, что сейчас известно как Американское цветное движение , его вклад в признание стиля невозможно переоценить, хотя без его менее известного друга и современника Уильяма Кристенберри история могла бы быть совсем другой.
С середины 1950-х годов Кристенберри использовал свою бокс-камеру Kodak Brownie, чтобы снимать народные и часто запоминающиеся изображения пейзажей и ветхих построек своего родного штата Алабама, принимая во внимание форму и цвет, обусловленные его многопрофильным образованием.
Красное здание в лесу, округ Хейл, Алабама, 1974 г. © Уильям Кристенберри
Магазин Т. Б. Хикса (фрагмент), Ньюберн, Алабама, 1991 г. © William Christenberry
В начале 1960-х он познакомился с южанином Эгглстоном, и они быстро стали близкими друзьями. В то время Эгглстон работал исключительно в черно-белом цвете, вдохновленный великими гуманистами Робертом Франком и Анри Картье-Брессоном, а также народными изображениями эпохи депрессии Уокера Эванса. Но к середине 1960-х, и во многом благодаря влиянию Кристенберри, он начал экспериментировать с цветом, решение, которое навсегда изменило среду.
Его родной штат Теннесси (где он остается по сей день) был почти исключительно его центром внимания, хотя, несмотря на его очевидную связь с этим районом, его подход намеренно избегал повествования.
Без названия, 1971 © Eggleston Artistic Trust
Без названия, c. 1983-1986 © Eggleston Artistic Trust
Без названия, из «Демократического леса», 1983–1986 гг. © Eggleston Artistic Trust
Уильям Эгглстон обладал необычайной способностью преображать, казалось бы, обыденное: пустой стол в закусочной; выброшенный на тротуар ржавый велосипед; в очаровательные и временами сюрреалистичные окрашенные снимки быстро модернизирующейся пригородной жизни на глубоком юге.
В начале 70-х он начал экспериментировать с печатью с переносом красителя, процессом, который позволял пользователю контролировать яркость цвета. Это позволило Эгглстону усилить и без того насыщенные тона, пронизывающие его изображения, сделав их еще более яркими; его изображение 1973 года одинокой лампочки на фоне кроваво-красного потолка было его первым творением с использованием этого процесса и, несомненно, одним из его самых знаковых, пронизывающих ощутимое предчувствие, которое олицетворяет его аномальный талант.
Без названия, 1973 © Eggleston Artistic Trust
В то же время группа свободомыслящих фотографов сама исследовала цвет, и хотя, возможно, Эгглстон вдохновил и вдохновил их, они сами по себе были ключевыми фигурами в цветном движении.
Ярким примером является Стивен Шор, его изображения обычной жизни в Америке 70-х передают дух времени того периода. Точно так же Джоэл Мейровиз, запечатлевший изысканный и постоянно меняющийся цвет лица Кейп-Кода, штат Массачусетс, в серии портретов, которые были опубликованы в фотокниге 9.0070 Cape Light в 1979 году, который сейчас считается одним из самых влиятельных в двадцатом веке.
Национальный парк Йосемити, Калифорния, США 1979 © Стивен Шор
Кейп-Лайт, Кейп-Код, США, 1979 г. © Joel Meyrowtiz
Еще одной ключевой фигурой американского цветного движения была Хелен Левитт: ее откровенные изображения 19Нью-Йорк 70-х, захватите тонкости повседневной жизни и продемонстрируйте понимание цвета, чтобы конкурировать с ее более известными современниками-мужчинами.