Цветовая композиция в фотографии: Цветовая композиция в фотографии. Основы композиции в фотографии — Главная

Содержание

Цветовая композиция в фотографии. Основы композиции в фотографии

Дата публикации: 30.12.2013

В этой статье мы познакомимся с азами композиции и построения кадра. Несколько простых приемов сделают наши фотографии красивее и понятнее. Все кадры приведенные тут сняты на камерофон Nokia Lumia 1020. 

Формат кадра

Форматом кадра называют соотношение его сторон, кроме того различают вертикальную или горизонтальную ориентацию кадра. Выбрать подходящий вам формат можно в настройках, прямо во время съемки, или после, во время кадрирования.

Некоторые из распространенных форматов кадра:

1:1 Квадрат или “один к одному”

3:2 Классический формат кадра 35мм пленки или “три к двум”

2:3 Вертикальная ориентация того же формата

4:5 Классический, более основательный формат “четыре к пяти” — в таком формате делали стеклянные фото-пластины, форматные и некоторые средне-форматные камеры

16:9 Молодой и динамичный широкоэкранный формат, известный нам по кино и видео, а теперь встречающийся и в фотографии

Это далеко не все существующие форматы, но основные из них. Кстати, зачастую разумно кадрировать работы не в произвольном формате, а в одном из выше описанных — людям привычны эти соотношения сторон, да и серии фотографий смотрятся гораздо лучше, если размеры кадров не скачут от фото к фото.

Какой формат выбрать для конкретного кадра или всей съемки?

Квадрат хорош для спокойных, завершенных, гармоничных сюжетов. В том числе для натюрмортов или портретов людей в соответствующем настроении:

А вот для сравнения исходный, полный кадр из которого квадрат был кадрирован:

Lumia 1020 УСТАНОВКИ: ISO 160, F2.2, 1/45 с

Вертикальные кадры хорошо передают неустойчивое равновесие, некое намеренье или возможность падения, движения, перемен:

Lumia 1020 УСТАНОВКИ: ISO 100, F2.2, 1/110 с

Если вам надо снять высокое здание или канатаходца, который балансирует на веревке — вертикальный кадр лучшее решение. А вот пример, когда опасная и истерическая личность образа так и просит вертикального, неустойчивого кадра.

Более традиционный и винтажный формат 4:5 отлично подходит для классического портрета, намекая на исторические аналоговые корни фотографии. Приведу в пример кадры с камерофона Nokia Lumia 1020, стилизованные под аналоговую съемку и печать в программе Snapseed:

Горизонтальные форматы хороши для пейзажей, сцен с большим числом героев. Когда есть что показать на фоне — будь то интерьер, виды города или природы.

Lumia 1020 УСТАНОВКИ: ISO 800, F2.2, 1/9 с

Отлично подходят они и для явного движения, динамики в портрете. Даже широкоэкранный формат 16:9 смотрится оправданно в такой ситуации.

Не бойтесь экспериментировать с форматами и ориентацией кадра — перемена окна может сделать мир за ним новее и интереснее:-)

Модель и фон

Отношения модели и фона — вопрос непростой и очень важный. Самое первое что нужно освоить — отделение модели от фона. На плоской поверхности картинки мир немного не такой как в реальности — торчащий из головы модели или “приклеенный” к ней сбоку заметный предмет (линия, горизонт, яркое пятно на фоне) может испортить верное ощущение пространства и отобрать удовольствие у зрителя.

Хорошо когда модель заметно светлее или темнее фона — это называется “тональное разделение”

Если быть кратким — внимательно следите за фоном — он должен обрамлять модель , крутиться вокруг нее, но не конфликтовать с ней.

Lumia 1020 УСТАНОВКИ: ISO 100, F2.2, 1/2100 с

Не оставляйте во время съемки без внимания заметных объектов и линий на фоне, которые уж точно бросятся в глаза вашим зрителям в результате, а используйте их в свою пользу — создавая композицию, баланс, концентрируя внимание на модели и ее состоянии.

Точка зрения

Пробуйте необычные ракурсы, положения камеры и точки зрения — они сделают ваши снимки интереснее и покажут зрителю привычные вещи с новой стороны.

В любой удачной фотографии есть три главных составляющих: композиция, освещение и, конечно же, уникальный момент, который удается выхватить автору из повседневности. Посмотрите на любой известный репортажный снимок — вы найдете все три компонента.

Дрю Хоппер (Drew Hopper), опытный фотограф-документалист из Австралии, путешественник, ценитель природы и разнообразия культур, полагает, что композиционная структура в фотоснимке определяет настроение и эмоциональность сцены. Хорошо скомпонованный кадр всегда эффектен, в нем обычная бытовая ситуация превращается в нечто экстраординарное. Именно поэтому композиция имеет первостепенное значение для передачи уникальности момента. Дрю Хоппер предлагает несколько своих наработок тем, кто хочет совершенствовать собственное мастерство. Если использовать советы мастера, можно значительно улучшить результаты своей работы. Итак, слово профессионалу.

Основы

«Давайте посмотрим правде в глаза: люди не станут рассматривать фотографию, на которой нет ничего такого, что могло бы заинтересовать и вызвать внимание. Чтобы понять, чем привлечь зрителя, нужно знать, как работает человеческий мозг. Композиционная работа, как правило, и относится к размещению элементов относительно друг друга для оптимального восприятия. Качественное фото сразу «наталкивает» взгляд зрителя на центральную точку изображения, или на несколько — в строго определенном порядке. Существует целый ряд факторов, влияющих на то, как люди воспринимают снимок. Обрамление, позиционирование, перспектива, фокусное расстояние — станут инструментами, которые помогут их учесть.

Можно физически переставлять предметы, изменять расположение элементов сцены, или визуализировать возможный результат, предвидя момент — такой подход подойдет для . Репортажники должны действовать, а главное, думать быстро, чтобы за долю секунды до нужного события быть готовым нажать на кнопку затвора. Умение поймать «миг» — навык, необходимый для работы в уличной среде.

Вспомнить о живописи

У фотографии и изобразительного искусства много общего. Снимки, как и картины, представляют реальность, преломленную через воображение и взгляд творца, который заранее представляет себе, как должен выглядеть результат. Разница заключается в том, что художник может начать с чистого холста и добавить или убрать что угодно.

Фотографы же действуют в обратном порядке, начиная с заполненной элементами сцены, и избирательно устраняют из нее ненужные элементы. Так же, как в картинах, плохо скомпонованный кадр нередко бывает неправдивым, вводит в заблуждение, хуже передавая смысл сцены. В любом случае требуется внимательный глаз, умение замечать детали и композиционная чувствительность.

Визуальное напряжение

Безусловно, «месседж» снимка зависит от того, что мы выбрали в качестве его точки силы, но есть базовые правила, которые нужно учитывать всегда. Устраните некоторые части сцены — пусть зритель попытается самостоятельно восполнить пробелы. Можно кадрировать внутри другого кадра, так будет проще привлечь внимание к основной части снимка.

На сильном фото, как правило, есть некие смысловые вехи, направляющие глаз зрителя, который следит за ними, естественно перемещаясь через сцену. Если в кадре есть только необходимое, зрителю будет проще проследить за фотоповествованием автора.

Относительное расстояние

Термин, если речь идет о композиции, относится к расстоянию между ключевым объектом и остальными деталями, и его действие схоже с добавлением напряжения. Основное правило то же — не усложнять послание. Например, если два человека идут в противоположных направлениях, это выглядит привлекательнее, чем их пересечение в одной точке. Следить за относительными расстояниями на переднем плане и фоне — важно для хорошей компоновки кадра. Нужно, чтобы темообразующие элементы не перекрывали друг друга, а присутствующие на заднем плане акценты не перетягивали взгляд с основного фокуса. Хороший прием — сделать «пристрелочный» кадр фона, а затем подождать, когда передний план будет подходящим. Это может занять много времени, но окупается результатом.

Грамотное заполнение кадра

Известный фотограф Роберт Капа как-то сказал: «Если ваша фотография недостаточно хороша, значит, вы не подошли достаточно близко». Однако, автор не должен вооружаться телевиком и масштабировать изо всех сил. Нужно физически перемещаться, стать ближе к объекту, погрузиться в обстановку сцены. Подобный подход поможет одновременно отсечь лишние детали, сфокусироваться на главном элементе и его обрамлении.

Правильное заполнение кадра поможет донести фотопослание до аудитории, усилить динамику кадра, сделать его драматичным. Например, портрет крупным планом гораздо интимнее и значимее, чем во весь рост, так как на нем модель сразу смотрит в глаза зрителю. В уличной съемке прием тоже работает.

Нужно подарить аудитории ощущение присутствия в кадре, найти верный контраст между объектом и фоном, чтобы изображение воздействовало на нее сильнее. Если перестараться и отрезать нужные элементы сцены, заполнить кадр не получится. Нужно постоянно двигаться, делать много снимков, смотреть, что в них работает на усиление эффекта. Избегайте использования зум-объективов, не ленитесь, полагайтесь лучше на свои ноги. Хороший, быстрый фикс и собственные ноги — лучшие друзья фотографа.

Старайтесь не обрезать кадр

Может быть, это мнение Дрю Хоппера субъективно, но он старается избегать кадрирования. Гораздо интереснее совершенствовать композицию, работая непосредственно камерой. Это не только экономит время на компьютерную постобработку, но и делает фотографа наблюдательнее. Конечно, все зависит от ситуации, но практиковать совершенствование композиции — полезное занятие в любом случае.

Ритмичные паттерны и повторы

Орнаменты, которые линии образуют в кадре, эстетичны, но лучше, если их бесконечность будет прервана, а рисунок — изломан. С точки зрения композиции, прием усилит воздействие изображения на зрителя. Когда орнамент на фото ритмично повторяется, это структурирует базу гармонии снимка. Если же мы начинаем экспериментировать с линиями, образы на фотоснимках оживают и становятся динамичными.

Есть два способа использования повторов — паттерны можно либо подчеркнуть, либо разбить. Заполнение рамки кадра ритмичными орнаментами привлекает внимание зрителя к изображению. Это позволяет сосредоточиться на главной детали, добавит изображению глубину, сложность. Повторение, например, хорошо воспроизводить с помощью кирпичной стены, как это делал Дрю Хоппер. Когда же паттерн начинает ломаться, в кадре усиливается напряжение.

Прекрасный прием, с помощью которого можно сконцентрировать внимание на основном объекте сцены. Например, прямая линия, которая резко меняет направление, приводит глаза зрителя к центру композиции. Соединение основного объекта и притягивающего внимание паттерна помогает усилить внимание аудитории и заставляет приглядываться к изображению тщательнее.

Здесь нет жестко регламентированных правил, а только общие, самые известные рекомендации — как построить эффективную и эффектную композицию в фото-кадре. Мануал написан ирландским фотографом Барри О»Керролом и проиллюстрирован его живописными работами.

1. ПРАВИЛО ТРЕТЕЙ
Это очень просто: вы разделяете кадр на 9 равных прямоугольников, 3 по горизонтали и 3 по вертикали, как показано на фото. Многие производители камер включили возможность отображения этой сетки в режиме просмотра в реальном времени. Проверьте руководство вашей камеры, чтобы включить эту функцию.
Идея заключается в том, чтобы поместить важный элемент кадра вдоль одной или нескольких линий, или там, где линии пересекаются. Наша естественная тенденция — поместить главный объект в центр. Размещение его в стороне от центра, используя правило третей, создаст более привлекательную композицию.

На этой фотографии Староместской площади в Праге, фотограф поместил горизонт вдоль верхней трети кадра. Большинство зданий находятся в средней трети, а сама площадь занимает нижнюю треть кадра. Шпили церкви расположены вблизи горизонтальной линии справа от центра кадра.

2. СИММЕТРИЯ
Сначала мы советовали вам не помещать главный объект в центр кадра, а сейчас скажем прямо противоположное! Есть моменты при размещении объекта в центре кадра, когда это оправдано и выглядит прекрасно. Симметричные сцены идеально подходят для центрированной композиции. Они идеально вписываются в квадрат.
Эта фотография моста в городе Дублин был идеальной для центрированной композиции.

Можно использовать симметрию, можно асимметрию. В любом случае это очень сильный инструмент для построения композиции. Важно помнить одну вещь – в вашем кадре должны быть изюминка, то, что привлечет внимание зрителя.

Кадры с отражением — отличная возможность использовать симметрию в вашей композиции. На этой фотографии, мы использовали оба правила — правило третей и симметрии. Дерево расположено справа от центра, а отражение в воде обеспечивает симметрию. Можно и нужно комбинировать несколько принципов композиции в одной фотографии!

3. РАСФОКУС И ГЛУБИНА РЕЗКОСТИ
Расфокус — использование глубины резкости, когда основной смысловой объект фотосюжета находится в резкости, а остальные предметы размыты. Это отличный способ добавления ощущения глубины кадра. Фотографии 2D по своей природе, а этот прием позволяет добиться 3D эффекта.
На этой фотографии водопада в Нидерландах, камни в реке видны очень четко, а задний план немного расфокусирован. Добавление резкости переднему плану особенно хорошо работает с широкоугольными объективами.

Эти кадры тоже сняты в Дублине. Передний план снят с очень большой резкостью, а задний план в расфокусе. И еще один совет — выходите на фото-охоту пораньше, хоть в 5 утра — и вы будете вознаграждены прекрасными видами.

4. РАМКА
Рамка внутри кадра (или «кадр к кадре», или фрейминг) является еще одним эффективным способом изображения глубины композиции. Обратите внимание на такие элементы, как окна, арки или нависающие ветви. «Рамка» не обязательно должна окружать весь кадр, чтобы сделать его эффектным.
На фотографиях, сделанных на площади Сан-Марко в Венеции, фотограф использовал арку как рамку для собора в дальнем конце площади. Использование арки в качестве декораций было присуще ренессансной живописи в качестве способа изображения глубины и перспективы.

Еще пример фрейминга. Обратите внимание: даже несмотря на то, что «рамка» не окружает весь кадр в этом случае, она по-прежнему добавляет ощущение глубины.
Использование «кадра в кадре» представляет собой прекрасную возможность быть творческими в ваших композициях.

5. ЛИНИИ
Линии лучше всего работают в качестве направляющих: глаз цепляется за линию и следует по ней, слева направо и снизу вверх. Таким образом вы “ведете” взгляд зрителя по кадру, акцентируя внимание на нужных вам моментах.

Направляющие линии не обязательно должны быть прямыми, как показано на рисунке выше. На самом деле, изогнутые линии могут быть очень привлекательной композиционной особенностью. В этом случае дорога ведет взгляд зрителя от нижнего края по направлению к дереву. Фотограф также использовал правило третей при создании снимка.

6. ДИАГОНАЛИ И ТРЕУГОЛЬНИКИ
Часто говорят, что треугольники и диагонали добавляют «динамическое напряжение» в кадр. Это один из самых эффективных композиционных приемов — диагональная композиция. Суть её очень проста: основные объекты кадра мы располагаем по диагонали кадра. Например, от верхнего левого угла кадра к правому нижнему. Этот приём хорош тем, что такая композиция непрерывно ведет взгляд зрителя через всю фотографию.

7. ПАТТЕРНЫ И ТЕКСТУРА
Что такое паттерн? Если говорить о фотографии – это повторяющиеся объекты, которые можно использовать при построении композиции кадра. Внимательно посмотрите по сторонам и вы увидите, что вокруг нас очень много паттернов – особенно в городском ландшафте. Вспомните об этом приеме, когда в следующий раз пойдете на прогулку с фотоаппаратом.

Текстура сама по себе не играет роли. Играет роль свет, который падает на текстуру и за счет теней создает объём. Если вы работаете с естественным светом, попробуйте поменять положение камеры – ищите интересные ракурсы и тогда текстура в кадре может сделать вашу фотографию оригинальной и запоминающейся.

На этой фотографии, нам очень понравилась текстура камня. Вы также можете заметить, что арка создает «кадр в кадре» вокруг человека и кафе на другой стороне арки.

8. ПРАВИЛО НЕЧЕТНЫХ ОБЪЕКТОВ
Правило гласит: изображение является более визуально привлекательным, если в кадре присутствует нечетное число предметов. По этой теории, четное количество элементов в сцене отвлекает внимание, так как зритель не уверен, на каком из них сосредоточить свое внимание. Нечетное число элементов рассматривается как более естественное и легкое для глаз. Честно говоря, есть много случаев, когда это не так, но это, безусловно, применимо в определенных ситуациях. Что делать, если у вас четверо детей? Как решить, кому из них выйти из кадра? Если серьезно, то конечно, это правило нужно нарушать!

На фото пример использования правила нечетных объектов. Тут три арки, и автор фото убежден, что две арки «не сработали бы» так хорошо. Кроме того, в кадре три человека. Эта композиция также использует правило «фрейминга».

На этой фотографии двух венецианских гондольеров полностью проигнорировано правило нечетности. Это правда, ваше внимание может перемещаться между гондольерами. Однако тут дело именно в разговоре, это и притягивает глаз, и количество объектов в данном случае неважно.

9. ЗАПОЛНЕНИЕ КАДРА
Заполнение кадра объектом съемки, оставляя мало или вообще не оставляя пространства вокруг него, может быть очень эффективным в определенных ситуациях. Этот прием помогает полностью сосредоточиться на главном объекте, центре композиции без каких-либо отвлекающих факторов. Он также позволяет зрителю изучить детали, что было бы невозможно, если бы вы сфотографировали с дальнего расстояния. Во многих случаях это может помочь получить оригинальную и интересную композицию.
На этой фотографии любимой кошки фотографа, вы заметите, что он полностью заполнил кадр «лицом», и кадрировал края головы и гриву. Это позволяет зрителю по-настоящему сосредоточиться на деталях, таких как глаза или текстура меха. Вы также можете заметить, что автор использовал правило третей в этой композиции.

Собор Нотр-Дам в Париже на этом снимке занимает весь кадр, оставляя очень мало места по краям. Это позволило продемонстрировать архитектурные детали фасада здания.

10. БОЛЬШЕ ВОЗДУХА или ОСТАВЛЯЙТЕ СВОБОДНОЕ ПРОСТРАНСТВО В КАДРЕ
Оставляя много пустого пространства (или воздуха) вокруг объекта съемки, вы получите очень привлекательные снимки, с ощущением простоты и минимализма. Как и заполнение кадра, это помогает сфокусировать зрителя на главном объекте, не отвлекаясь.
Фото гигантской статуи бога Шивы в Маврикие является хорошим примером использования пространства. Статуя, очевидно, центр композиции, но еще оставлено много пространства, заполненного только небом. Это акцентирует внимание на самой статуе, давая главному предмету «пространство для дыхания», так сказать. Композиция также создает ощущение простоты. Там нет ничего лишнего. Статуя окружена небом, вот и все. Фотограф также использовал правило третей, поместив статую справа от центра кадра.

11. ПРОСТОТА И МИНИМАЛИЗМ
Простота сама по себе может быть мощным инструментом композиции. Часто говорят, что «лучше меньше, да лучше». Простота часто означает получение снимков с использованием несложных фонов, которые не отвлекают от главного объекта. Вы также можете создать простую композицию путем увеличения масштаба части объекта съемки и фокусировки на конкретной детали.
На этой фотографии увеличены капли росы на листьях в саду. Это так просто и красиво. Хороший макрообъектив может быть очень полезным инструментом для создания таких фотографий.

Тут тоже все очень минималистично: дерево на рассвете, простой и лаконичный фон, чтобы сосредоточить внимание именно на дереве. Эта фотография использует правило «больше воздуха», чтобы создать ощущение простоты и минимализма, а также правило третей и направляющих линий в композиции.

12. «ИЗОЛИРУЕМ» ОБЪЕКТ СЪЕМКИ
Использовать малую глубину резкости, чтобы выделить («изолировать») ваш объект съемки — эффективный способ упрощения композиции. Размытием фона можно отвлечь внимание от вашего основного предмета. Это особенно полезный метод для съемки портретов. Вы можете узнать больше о том, как использовать различные настройки в учебниках по использованию диафрагмы, выдержки и ISO.
На этой фотографии размытый фон акцентирует внимание на портрете кота. Этот метод — отличный способ упростить композицию.
Выбор точки съемки прямым образом влияет на эмоциональное восприятие снимка. Для портрета лучшая точка — на уровне глаз. Держите камеру на уровне объекта съемки, иначе вы рискуете получить искажённые пропорции. Фотографируя детей или животных, опуститесь до уровня их глаз.

13. ИЗМЕНИТЕ ТОЧКУ СЪЕМКИ
Ракурс — основа всего. Фотоаппарат (соответственно, и точку съёмки) нужно перемещать не только по горизонтали, но и по вертикали. Одна из самых распространенных точек съемки — установка его на уровне глаз человека: именно с такой высоты мы обычно рассматриваем наблюдаемый объект, и потому форма предмета, его объемы, перспективный рисунок и соотношение с фоном здесь привычны для глаза.

Такие точки съемки мы называем нормальными по высоте. При этом изображение почти не искажается. Такой ракурс идеален, когда важно передать объект с его естественными пропорциями. Большинство фотографий в мире делается с «нормальной» точки съемки, это общее правило. Но не всегда «нормальный» ракурс может передать вашу творческую задумку. Нередко для реализации творческого замысла помогают использование верхних и нижних точек съемки.

Перспектива снимка может измениться, если выбрать иную точку съемки. При съемке с низкой точки изменяется привычное сопоставление предметов переднего и дальнего планов по высоте. Например, человек низкого роста может казаться выше и стройнее. В спортивных сюжетах низкая точка съема подчеркивает высоту прыжка и добавляет снимку динамики. Высокие точки съемки способствуют выразительному показу широкого пространства и выявлению расположения фигур и предметов на этом пространстве. Близкие к объекту высокие или низкие точки съемки дают особый перспективный рисунок кадра, необычную перспективу — ракурс.

14. ИЩИТЕ СОЧЕТАНИЕ ЦВЕТОВ
Об использовании цвета как о композиционном инструменте часто забывают. Теорию цвета отлично знают графические дизайнеры, модельеры и дизайнеры интерьеров. Определенные комбинации цветов дополняют друг друга, а могут визуально сильно резать глаз. Взаимное расположение цветов и оттенков реализовано на основе законов колористики (теории цвета), и с их помощью очень удобно подбирать гармоничные сочетания. Посмотрите на цветовой круг. Вы можете видеть, что цвета расположены в сегментах круга. Цвета, которые находятся напротив друг друга, называются комплиментарными. Фотограф должен искать кадры, где эти сочетания цвета создают привлекательные и яркие композиции.

Комплементарные цвета — контрастные цвета, которые расположены на противоположных концах цветового круга, напротив друг друга. Очень удачно использовать контрастные сочетания можно для выделения деталей, но не рекомендуется применять такую схему для текста или при составлении гардероба.

15. НАПРАВЛЕНИЕ И ПРОСТРАНСТВО
На этой фотографии кораблик находится на левой стороне кадра и движется слева направо. Обратите внимание на то, что нужно дать больше места впереди, для движения лодки вперед (справа), чем позади нее. Мы можем мысленно представить себе, как лодка движется в это пространство, как она плывет по реке. Если лодка была бы прямо на правой стороне кадра, это «увело» бы нас из фотографии! Правило сформулировано примерно так: нужно оставлять пространство для воображаемого движения.

Это правило также может быть использовано при фотографировании людей. Правило направления и пространства предполагает, что субъект должен смотреть в объектив или его взгляд должен падать на что-то в кадре. Взгляните на музыканта на фотографии выше. Кадр сделан с левой стороны. Если бы он смотрел в другую сторону, на что-то вне кадра, это выглядело бы странно.

16. СЛЕВА НАПРАВО
Наш мозг привык читать слева направо, так же мы оцениваем и снимок. Поэтому смысловой центр лучше располагать в правой части кадра. Таким образом взгляд и объект съёмки как бы движутся навстречу друг другу. При построении композиции всегда учитывайте этот момент.

17. БАЛАНС
Баланс или равновесие очень важны. Хитрость композиционного равновесия состоит в том, что нет единственно верных рекомендаций, которые расскажут вам все раз и навсегда. Придется руководствоваться не только правилами, но и врожденным чувством баланса.

Первым композиционным ориентиром было «правило третей». Это, конечно, означает, что мы часто размещаем основной предмет фотографии в стороне от центра кадра, вдоль одной из вертикальных линий сетки. Но иногда это может привести к дисбалаянсу, если оставить своего рода «пустоты» в остальном кадре.
Чтобы преодолеть это, вы можете сделать снимок, где предмет второстепенной или меньшей важности (или размера) будет на другой стороне кадра. Это уравновесит композицию, не забирая слишком много внимания от основного объекта съемки.

Посмотрите на фото фонарного столба на мосту Александра III в Париже. Сам фонарный столб заполняет левую сторону кадра. А Эйфелева башня на приличном расстоянии уравновешивает это с другой стороны.

Эта фотография была сделана в Венеции. Здесь тоже самое. Декоративный фонарный столб доминирует на одной стороне кадра. А башня церкви (на расстоянии) обеспечивает баланс с другой стороны.

18. ПРОТИВОПОСТАВЛЕНИЕ
Противопоставление — очень мощный инструмент в композиции фотографии. Противопоставление означает включение в кадр двух или более элементов, которые либо контрастируют, либо дополняют друг друга. Оба подхода могут работать очень хорошо, и играют важную роль в фотографии — они помогают рассказать историю.
Посмотрите на эту фотографию, сделанную в Париже. В нижней части кадра полный беспорядок — картинки висят как попало. Возвышаясь над всем этим, стоит величественный собор Нотр-Дам. Эта архитектурная жемчужина — воплощение порядка и структуры в отличие от растрепанных, но симпатичных уличных картинок. Они, как представляется, находятся в противоречии, но все же хорошо «работают» в кадре вместе. Они показывают такой разный Париж, рассказывают историю о двух различных элементах города.

Старый Citroen 2CV выглядит просто отлично на фоне типичного французского кафе. Два элемента прекрасно дополняют друг друга.

19. ТРЕУГОЛЬНИКИ
Это похоже на правило третей, но вместо сетки прямоугольников, мы делим кадр диагональными линиями, идущими от одного угла к другому. Затем мы добавляем еще две линии из других углов. Две меньшие линии встречают большую линию под прямым углом, как это показано ниже. Это делит кадр на ряд треугольников. Как вы можете видеть, этот способ помогает внести «динамическое напряжение», о котором мы узнали из правила № 6. Как с правилом третей, мы используем линии (треугольники в данном случае), чтобы помочь расположить различные элементы в кадре. На фото ниже, диагонали иллюстрируют правило треугольников.

(Кстати, тут отличный материал о «треугольниках в построении фото-композиций» http://journal.foto.ua/likbez/theory/postroenie-kompozicii-treugolniki.html).

20. ЗОЛОТОЕ СЕЧЕНИЕ
Золотое сечение было известно ещё в древней Греции, его свойства изучали Евклид и Леонардо да Винчи. Самое простое описание золотого сечения применительно к фотосъемке такое: лучшая точка для расположения объекта съемки — примерно 1/3 от горизонтальной или вертикальной границы кадра. Расположение важных объектов в этих зрительных точках выглядит естественно и притягивает внимание зрителя.

Это одно из базовых понятий композиции, метод разделения отрезка в отношении а/с = Ь/а. Численно это выражается отношением 5 к 8, или более точно 8/13 или 13/21. Если отношение между сторонами прямоугольника именно таково, то такой прямоугольник называется «золотым». Более простой вариант золотого сечения — правило третей. Напомним еще раз: исходя из правила третей прямоугольник разбивается не в пропорциях золотого сечения, а его стороны делятся на три равные части. Согласно с правилом третей гармоничная композиция создается помещением главных сюжетных элементов в точки пересечения линий, разделяющих кадр на 9 прямоугольников. В большинстве живописных пейзажей эпохи Возрождения линия горизонта делит плоскость картины в соответствии с принципом золотого сечения.

Если говорить проще, золотое сечение — это две величины в золотой пропорции, их соотношение — такое же, как отношение их суммы к большей из двух величин.

Вместо обычной сетки (правило третей), кадр делится на ряд квадратов, как показано на фото. Затем вы можете использовать квадраты, чтобы мысленно нарисовать спираль, которая выглядит как панцирь улитки. Это Спираль Фибоначчи. Квадраты помогают позиционировать элементы в кадре, а спираль дает нам представление о том, как кадр должен выглядеть с точки зрения динамики. Это как бы невидимая направляющая линия.

Автор настоящего текста признает, что осознанно он никогда не применял правило золотого сечения, а только интуитивно. Когда он посмотрел на свои фотографии, то заметил, что невольно использовал его много раз.

Надеемся, что вы нашли этот текст полезным и он поможет вам перейти на следующий уровень фото-мастерства. Правила же можно запомнить и довести их использование до автоматизма. Но не забывайте главное правило хорошего фотографа — не следовать никаким правилам!

Создание интересной и цепляющей взгляд композиции – ключ к привлекательной иллюстрации . Картины с мощной композицией элементов будут привлекать внимание зрителей, и удерживать их до тех пор, пока каждая мелочь, над которой вы так кропотливо трудились, не будет оценена по достоинству.
В свою очередь, композиционно неудачно собранная картина может испортить вид даже самых прекрасно обрисованных объектов, создавая чувство, что что-то на ней не так. Многие даже не поймут почему, но картина будет менее привлекательной, и сложнее будет понять ее смысл. Далее в этом уроке я обозначил 20 пунктов, которые, на мой взгляд, являются одними из основных правил хорошей композиции, правил, на которые я всегда опираюсь, когда берусь за кисть.

1. Фокусная точка
Каждая картина с мощной композиционной нагрузкой имеет доминантный объект, или фокусную точку, которая является центром всей картины. Все остальные элементы картины должны дополнять или обрамлять этот объект. Фокусной точкой может быть что угодно: от небоскреба вдали до бумажного стаканчика, стоящего на подоконнике и обозревающего весь город. Очень важно, чтобы фокусная точка вписывалась в картину. Существует немало способов выделения фокусной точки – «Правило одной трети» или «Правило золотого сечения» — но я не буду углубляться в этот вопрос, т.к. для меня важнее – чувствовать картину, без каких-либо правил.

2. Размещение других объектов
Все другие объекты должны гармонировать с фокусной точкой и тем самым усиливать эффект всей композиции. Аккуратно расположенные элементы картины внесут свой вклад, добавив, в конечном счете, глубину, баланс и реалистичность. Обратите внимание на картине «Нимб» («Nimbus»), где изображен пейзаж, устремляющий взгляд зрителя вдаль; или на маленькие детали, например, автомобиль, возле причаленного корабля на картине «Прометей» («Prometheus»).

3. Единство объектов
Очень важно, чтобы все элементы картины смотрелись уместными, подчеркивая, что формы и структуры объектов, находящихся вдали, продиктованы внешними условиями между ними и зрителем; или, что все объекты и структуры правильно отражают свет и отбрасывают тени. При таком подходе, композиция будет в выигрыше. Вернемся к картине «Прометей» («Prometheus») — обратите внимание, как корабль отбрасывает тени на причал и окружающие его здания, заметно прибавляя реалистичности этому моменту.

4. Обрамление
В картинах со сложной композицией может пригодиться такой прием, как обрамление, который поможет направлять взгляд зрителя по картине и задержать его на ней. Этого можно добиться, просто добавив плавных линий, или четких силуэтов для проведения взгляда именно к тому месту, которое необходимо выделить, чаще это фокусная точка. Снова обратите внимание на картину «Прометей» («Prometheus») — т.к. на ней это очень отчетливо прослеживается — где я обрамил центр картины большим, выходящим вперед, причалом.

5. Избегайте касательных линий
Они могут отрицательно сказаться на всей картине, и их, несомненно, следует избегать. Касательные – это линии, идущие от отдельных элементов картины, которые в конце пересекаются. Например, линии электропередач, которые сходятся прямо на углу здания. Отодвинул эти линии электропередач от здания, уведя их чуть выше или ниже, можно избежать визуальной проблемы восприятия.

Нажмите на картинку, чтобы посмотреть изображение в полном размере и 100% качестве.

6. Температура цвета
Когда вы стоите перед выбором доминантных цветов для своей картины, всегда помните о том, что картина в итоге будет вызывать либо холодные, либо теплые ощущения, она не может быть и теплой и холодной одновременно (если только это не авторский прием). Конечно, вы можете использовать и теплые и холодные цвета в своей картине, но одни из них всегда должны быть доминантными, даже если совсем не намного (как, например, на картине «Подземелье» («Dungeon»)).

Нажмите на картинку, чтобы посмотреть изображение в полном размере и 100% качестве.

7. Насыщенность белого
Градиент контраста – очень важный инструмент при создании интересной композиции. В идеале, вы должны достичь баланса между светлым, средним и темным тоном, используя хотя бы некоторые из них. Чтобы добиться хорошего баланса, попробуйте применить максимум одного из оттенков, немного другого и совсем чуть-чуть третьего, например, как на моей картине «Комната» (The Room») — я взял 60% темного, 25% среднего и 15% светлого тона.

8. Глубина
Глубина и ракурс также очень важны. Изображения с определенным ракурсом требуют за собой правильно организованную и реалистичную глубину, используя ряд элементов, ведущих взгляд все глубже в картину. Этими элементами могут быть заборы, железные дороги, городской ландшафт, или даже просто линия цветов на поле. Самые лучшие композиционно выстроенные картины нарисованы так, будто вы смотрите на них изнутри.

9. Смыкание
В отличие от касательных линий, данный пункт относится к смыкающимся друг с другом элементам картины. Все элементы картины должны либо располагаться удаленно друг от друга, либо находиться в непосредственной близости. При смыкании, объекты создают объединенную форму, которая отводит взгляд зрителя и заставляет его остановиться, вглядываясь в картину.

Нажмите на картинку, чтобы посмотреть изображение в полном размере и 100% качестве.

10. Свет
После придания объекту формы, это самая важная для меня часть. Прежде чем закрашивать рисунок, я много внимания уделяю правильной постановке света. Я разделил эту тему на несколько логических частей, чтобы подробнее объяснить разные особенности создания света и реалистичного композиционного баланса.

Нажмите на картинку, чтобы посмотреть изображение в полном размере и 100% качестве.

11. Да будет свет!
Выберете положение для первичного (самого яркого) источника света – солнца, окна, или, например, уличного фонаря – в котором объект будет выглядеть объемным, и будет отбрасывать интересную тень. Первичный свет может быть основной частью композиции и даже ее фокусной точкой; он определяет, какого цвета будет все то, на что он падает. Без света мы не увидим ничего: поэтому он очень важен, и не менее важна его правильная постановка.

12. Тени
Тень может быть использована для выделения форм объекта, прикреплению их к рисунку и, при правильном использовании, для добавления дополнительного обрамления композиции (например, как на картине «Прометей» («Prometheus»), где верхняя часть причала отбрасывает тень на нижнюю часть – променад). Что важно, тень лучше проявляется при положении под прямыми лучами источника света.

Нажмите на картинку, чтобы посмотреть изображение в полном размере и 100% качестве.

13. Дополнительные источники света
Важными факторами законченной композиции являются вторичный и третичный источники света. Вторичными источниками могут быть рассеивающиеся или прямые лучами света, отраженные от поверхности, на которую падал первичный свет, или слабое свечение от уличных фонарей и автомобильных фар, и даже сильные источники света, близкие к первичному. Добавленный вторичный свет дает возможность усилить детальность рисунка и расположение элементов рисунка.

14. Атмосфера
Атмосферная глубина и окклюзия (поглощение света) – важные составляющие единой композиции на картине. Это может быть просторная зона, где прозрачный воздух между зрителем и горизонтом обретает цветовой и тональный контраст; или это может быть небольшая площадь, где свет проходит сквозь пыльный воздух, обретая легкий цвет (например, как на рисунке «Комната» (The Room»). Мощный луч света также может придать особую атмосферу картине, отражаясь и рассеиваясь вокруг.

15. Структура поверхности
Для композиционного баланса также очень важны продуманные и правильно выстроенные структуры различных поверхностей. Нужно четко понимать, что применение отражающей или блестящей поверхностей может привлечь внимание зрителя. В картине «Прометей» («Prometheus») я использовал много отражающих поверхностей, которые однозначно привлекут внимание зрителей, но также не будут слишком отвлекать от главного элемента картины – корабля, а будут только усиливать его эффект. Или же наоборот, использование тусклых и грязных текстур может вызвать совсем другие чувства у зрителей (например, как на картине «Комната» (The Room»)).

16. Направление взгляда
Привлечь внимание к картине можно и путем использования элементов, направляющих взгляд зрителя в центр или вокруг кадра. Этого можно добиться разными способами. Например, старые добрые заборы или дороги, идущие вдаль, или, как на картине «Нимб» («Nimbus»), огромное строение, рассекающее небо и ведущее взгляд из верхнего левого угла в самый центр. Фишка в том, что зритель будет вести взглядом по арке, пока не придет к конечной точке – самой главной части рисунка.

17. Задерживание взгляда
Если зритель обратил внимание на картину, важный здесь момент – задержать этот взгляд подольше. Вернемся к старой доброй технике с забором, ведущим вдаль слева направо. С правой стороны обязательно надо будет добавить что-нибудь, например, пару деревьев или может маленький домик, чтобы потом плавно вернуть взгляд зрителя на всю композицию. Снова обратимся к картине «Нимб» («Nimbus»). Обратите внимание, как взгляд идет по линии вниз и задерживается на городе, рассматривая скалы слева и сам город справа.

18. Драматичность
Масштабные и эпические изображения обычно, обычно либо драматичны, либо очень спокойны. Для придания драматичности изображению, можно поиграть с глубиной, масштабностью, скоростью движения элементов или их спокойствия. На картине «Нимб» («Nimbus») большая арочная конструкция возникает из-за спины зрителя, тонет в облаках и опускается на точку вдали, показывая тем самым, как она огромна в отношении сравнительно маленьких небоскребов в точке ее касания с землей.

19. Баланс
Добиться баланса в композиции – дело практики, особенно, если ваша фокусная точка — крупная и драматическая деталь, захватывающая большую часть кадра. Снова обратимся к картине «Нимб» («Nimbus») – здесь я сбалансировал картину использованием нескольких более низких зданий, снижающиеся вдаль скалы слева, и добавлением облаков, которые сглаживают восприятие картины. Вместе эти элементы позволяют добиться гармонии между огромной фокусной точкой и остальным окружением.

20. Относительный масштаб
Сложные композиции, изображающие разные формы и размеры, должны быть правильно построены, чтобы зритель видел и понимал масштаб элементов картины. В картине «Прометей» («Prometheus») я нарисовал несколько человек — некоторых ближе, некоторых дальше от корабля, чтобы показать огромные размеры этого корабля и причала. Вы можете создавать огромные масштабы, насколько позволяет вам ваша фантазия и границы полотна. С мелкими предметами так же – будь то стакан с карандашами, или телефон на краю стола – все должно служить тому, чтобы зритель понял размер стола.

Понимание композиции — это вещь, на которую каждый фотограф должен потратить время. Без необходимости инвестирования в дорогое оборудование, понимание элементов хорошей композиции, несомненно, улучшит вашу фотографическую работу. Развитие фотографического видения к кому-то приходит само собой, но другим необходимо потратить время и приложить усилия для оттачивания своих визуальных навыков и способностей. Здесь представлена выборка подсказок и советов, которые помогут вам в оценке и построении композиции ваших работ.

Если у вас есть время, найдите повод сконцентрироваться и попрактиковаться в этих навыках, и, безусловно, постарайтесь помнить о них в следующий раз, когда вы делаете кадр, это может помочь вам почувствовать разницу между съемкой хорошего кадра и великолепного кадра.

Шаг 1 — Не пытайтесь быть совершенным

Важно понимать, что не существует такой вещи как «совершенная» композиция. Так как это субъективная форма искусства, вы никогда не достигнете точки, в которой вы получите идеальный кадр, но вполне возможно иметь кадры с плохой и хорошей композицией. Существует множество элементов композиции фотографии, которые я детально рассмотрю в этой статье. Каждый из разделов является лишь простой рекомендацией, которая поможет вам получить более сильные и привлекательные изображения.

Шаг 2 — Простота

Одна из основных вещей, на которую стоит обратить внимание, это расположение элементов в кадре относительно друг друга. Исходя из этого, вам нужно будет решить, что вы включите в кадр, а что уберете из него. Часто возникает искушение заполнить кадр как можно большим количеством интересных объектов, но когда речь идет о композиции, лучше быть избирательным относительно того, что вы включаете в кадр и подходить к выбору осознанно. Некоторые из наиболее ярких фотографий имеют очень простую, но эффективную композицию, взгляд без помех следует по изображению, и зритель оказывается вовлеченным в ясный и эффектный кадр.

Шаг 3 — Правило третей

Одно из простейших правил композиции — это правило третей, которое стало очень распространенным инструментом для любителей и профессиональных фотографов. Метод состоит в разделении кадра на трети, вертикально и горизонтально (так что фактически это девятые части), и в использовании этих линий для эффективного разделения вашего изображения и отделения областей изображения. Точки, в которых линии пересекаются, рассматриваются как ключевые области для главных объектов в кадре.

Это правило, хоть и очень простое, работает действительно хорошо при правильном применении. Например, в пейзажных фотографиях, горизонт может проходить через кадр по нижней горизонтальной линии, а вершина горного хребта пересекать верхнюю горизонтальную линию. Аналогично, с портретными кадрами, глаза могут быть размещены в точках, в которых верхняя горизонтальная линия пересекает две вертикальные линии.

Шаг 4 — Композиция в пейзаже

Чрезвычайно важно эффективно использовать композицию при работе с пейзажами. Драматическая составляющая великолепного пейзажного кадра базируется на композиции и структуре. Спросите себя, о чем будет ваш кадр. О воде, о горах в отдалении, о горизонте, закате или камнях на переднем плане? Какие элементы вы хотите выделить в кадре? Используя правило третей, постарайтесь убедиться, что в кадре есть разные уровни, убедитесь, что у вас есть интересный объект на переднем плане, чтобы добавить ощущение глубины и масштаба в изображение, и что главная точка фокуса в кадре четко расставляет приоритеты.

Шаг 5 — Линии

Линии в изображении — один из наиболее эффективных способов сделать ваш кадр более ярким. Горизонтальные и вертикальные линии делают изображение четко структурированным, в то время как изогнутые линии воспринимаются более спокойно. Рассмотрите, где каждая линия в кадре начинается и куда ведет. Это очень эффективно — иметь в кадре линию, ведущую взгляд, например, от нижнего угла через изображение к противоположному углу. Тропинки, реки, железнодорожные пути и дороги могут послужить этой цели при правильном использовании.

Когда вы работаете с горизонтальными и вертикальными линиями в кадре, убедитесь, что снимок выглядит четко, что линии прямые. Вы не поверите, как много фотографий, из тех, что я видел, были испорчены немного наклоненной линией, например, горизонта. Конечно, возможно впоследствии обработать кадр, чтобы исправить эти ошибки, но гораздо лучше хорошенько попрактиковаться и корректно выравнивать его уже во время съемки.

Шаг 6 — Формы

Когда вы поймете роль, которую играют линии в композиции изображения, вы сможете оценить влияние форм. Попробуйте дистанцироваться от того, что вы смотрите через видоискатель на конкретный предмет и обратитесь к форме каждого элемента в кадре. Важно понимать, как формы взаимодействуют друг с другом. Сильные формы, такие как треугольники и квадраты, гораздо проще разместить в кадре, чем более мягкие округлые формы, но при помощи оценки того, как каждый элемент сформирован, вы сможете оказывать очень сильное воздействие через представление форм и их взаимодействия как основной темы снимка.

Шаг 7 — Контраст

Когда речь идет о вашем основном объекте съемки, рассмотрите его в контексте и отношении к его окружению. Как цвета, формы, текстуры и оттенки основной точки фокуса соответствуют окружающему пространству? Если между ними существует сильная связь, вы сможете обыграть это и выделить в изображении при помощи композиции, объединив объект с окружением. Если объект и окружение сильно отличаются, постарайтесь использовать техники композиции для усиления этих различий.

Шаг 8 — Формирование кадра

Эффективное формирование кадра — основа сильной композиции. Естественное желание — поместить главную точку фокуса точно по центру, но это чаще всего выглядит странно и оторвано от окружения. Попробуйте расположить ее ближе к одной из сторон или к углу, чтобы посмотреть, сможете ли вы создать контекст и взаимосвязи. Стоит заметить, правда, что часто портреты выглядят наиболее ярко, когда объект расположен по центру. Так что вам стоит поэкспериментировать, не принимайте одно единственное решение о компоновке кадра и не останавливайтесь на нем, исследуйте все ваши возможности.

Шаг 9 — Негативное пространство

Важно принимать во внимание негативное пространство в изображении. Когда вы работаете с небольшими объектами, тенденция состоит в том, чтобы попытаться поместить всю точку фокуса в кадр. На самом деле, композиция при съемке макро объекта становится гораздо более яркой, если вы либо заполните кадр объектом, разместив его вплотную, либо используете негативное пространство вокруг, чтобы позволить объекту «дышать» и гармонично разместиться в окружении.

Попробуйте поэкспериментировать с чем-нибудь простым, как, например, морская ракушка, или посмотрите, как вы можете изменить композицию, если вы не просто сделаете кадр обычным способом, а попробуете приблизиться, или, напротив, отдалиться.

Шаг 10 — Угол

Когда вы работаете с вашим объектом, рассмотрите угол, с которого вы снимаете. Чаще всего самый простой способ — снять объект под углом, под которым вы его видите, но пока вы работаете над кадром, исследуйте различные углы и подходы. Вы можете найти более интересный способ для выражения главной темы снимка.

Шаг 11 — Слои

Так же, как в случае работы со слоями в пейзажных кадрах, не забудьте включить некоторые элементы глубины в ваши изображения. Помещение интересного объекта на передний план — самый простой способ это сделать, но даже использование зигзагообразно расположенного объекта добавит ощущение глубины и поведет взгляд вглубь изображения.

Шаг 12 — Симметрия и узоры

Эффективная эксплуатация симметрии и узоров может способствовать созданию действительно мощного кадра, особенно когда вы работаете с такими объектами как архитектура. Потратьте время на исследование объекта и распознавание узоров и закономерностей (обращая внимание на формы и линии). Найдите среднюю точку и расположите камеру точно перпендикулярно к объекту. Избегайте отвлекающих внимание деталей, которые нарушат симметрию или узор, постарайтесь максимизировать желаемый эффект.

Шаг 13 — Кадрирование

В наш век пост-обработки, если вы вдруг придете домой и обнаружите, что скомпоновали кадр не так, как вам того хочется, еще ничего не потеряно. Почти все утилиты для обработки изображений сейчас имеют инструмент кадрирования, при помощи которого вы можете обрезать лишние части фотографии. Вы можете сделать это с закрепленным соотношением сторон (большинство фотографий сегодня имеют соотношение 3:2), или же свободно обрезать кадр до формы, которую вы хотите получить, например, до квадрата, или создать панорамный пейзажный кадр, отсекая нижний и верхний уровни.

Шаг 14 — Практика, практика и еще раз практика

Итак, мы изучили ряд композиционных принципов, которые могут действительно помочь вам на вашем пути создания более сильных и увлекательных изображений. Как только у вас появится возможность, попрактикуйтесь в использовании этих предложений. Что бы вы ни снимали: пейзажи, портреты, макро, — всегда есть пространство для экспериментов по совершенствованию вашей композиции, шанс сделать ваш кадр хоть немного, но более ярким.

Только, пожалуйста, запомните, что не бывает простых и быстрых решений для создания великолепных кадров. Вышеперечисленные техники могут помочь вам, но переступать через них также не воспрещается. Когда вы решите, что поняли, как эффективно применять эти принципы на практике, не стесняйтесь начинать нарушать правила и снимать ваши объекты тем творческим способом, который вы считаете для себя оптимальным.

Использование цвета в композиции

Фотограф Альфонсо С. рассказал об использовании цвета в фотографии.

Цвет является одним из самых мощных инструментов фотографии для создания композиции. Кроме того, использование цвета — самое недооцененное средство в фотографии.

Наши глаза устроены так, чтобы автоматически приспосабливаться к самым тонким изменениями в оттенках. При этом сильные яркие цвета отвлекают на себя всё внимание, затмевая тонкое многообразие оттенков.

1. Улучшаем знания о цвете, и пользуемся ими

Все цвета имеют свое эмоциональное значение. Синий, как правило, означает тихие спокойные чувства, в то время как ярко-красный вызывает чувство стремительности и внимания.

Естественно, что мы реагируем на определенные цвета в зависимости от нашего опыта.

В этом и заключается сложность.

Цвет — это эмоции, а эмоции захватывают.

Если цвета, которые вы видите во время съемки, отвлекают вас, вы пропустите важные детали.

Чтобы правильно использовать цвет в композиции, нужно дистанцироваться от эмоций. Пользуйтесь аналитическими возможностями мозга, чтобы избежать эмоционального вовлечения.

Когда вы хотите что-то сфотографировать, заставьте свои глаза тщательно просканировать и проанализировать присутствующие цвета.

Любой ценой избегайте каких-либо обобщений и упрощений.

Если какая-то область имеет схожие оттенки, это не означает, что там одинаковые цвета. Есть похожие цветовые диапазоны и переходы, которые ваши глаза могут упрощать.

Обратите внимание на эти тонкости. Ибо внутри этих мелких деталей можно найти настоящее золото. Например:

2. Используйте цвет, чтобы создать визуальную глубину

Есть несколько элементов, которые влияют на визуальную глубину: текстура, форма, свет, и цвет.

Переход от яркого оттенка к темному естественным образом создает ощущение глубины. Это один из ключевых способов, которым графические дизайнеры создают иллюзию трехмерности в своих работах.

Проще говоря, чем сильнее оттенок изменяется от яркого к темному, тем больше будет визуальной глубины.

Незначительное изменение цвета дает более плоскую «одномерную» картинку, в то время как сильное изменение создает большую глубину. Именно по этой причине рассеянный свет дает более мягкие и менее выраженные детали, в противоположность прямому свету.

Итак, если вы решаете вопрос о композиции фотографии, убедитесь, что проанализировали цвета и переходы. Если вы столкнулись с ситуацией, когда оттенки очень близки и цветовой контраст минимален, вы можете закономерно ожидать уменьшения визуальной глубины изображения.

Можно либо усилить этот эффект, либо противостоять ему с помощью других способов работы с композицией.

3. Используйте цвет, чтобы направить взгляд зрителя

Зритель будет естественным образом тяготеть к цветам, которые являются визуально наиболее «тяжелыми». Чем ярче цвет, тем сильнее его воздействие на зрителя.

Самые яркие цвета привлекут внимание в первую очередь. Менее насыщенные, как правило, будут рассматриваться потом. Это не стопроцентно верное правило, и есть много вещей влияющих на композицию, однако это достаточно хорошая идея, чтобы использовать цвет для придания визуального веса в кадре. Об этом стоит помнить.

В идеале мы хотим составить композицию так, чтобы главный объект был самым ярким и «тяжелым» по цвету. Это позволит избежать так называемых «световых ловушек», только в данном случае это была бы «цветовая ловушка».

Дополнительно надо сказать, что хорошо бы следить за цветами, которые будут на заднем плане.

Любой цвет может быть усилен или ослаблен с помощью того, что его окружает. Благодаря выбору правильного цвета на заднем плане, может получится серьезная разница между двумя похожими снимками.

Просто присев на корточки или встав на стул, можно изменить фон с цвета голубого неба, на зеленый оттенок травы.

4. Используйте цвет, чтобы создать движение

Эффект визуального движения в кадре можно создать с помощью цвета.

Взгляд зрителя, который видит цвета схожего оттенка и яркости, будет скользить от одного элемента к другому. Зная это можно составить композицию так, чтобы позволить сходным цветам направлять взгляд к области фотографии имеющей важное значение.

Можно использовать этот эффект с сильно контрастными цветами. Например диапазон оттенков синего направит взгляд к желтому объекту. Или можно использовать более тонкий прием: использовать ряд похожих оттенков синего цвета, чтобы вывести к очередному синему объекту, но немного другого оттенка и яркости.

Этот эффект является наиболее мощным, конечно же, если объекты сходного цвета имеют похожие размеры, форму или какую-то другую общую основу.

5. Используйте цвет, чтобы оживить композицию

Несмотря на то, что цвет может быть очень мощным инструментом, он не действует в одиночку. Думайте о формах, линиях и границах как о структуре вашей фотографии, а цвет — это способ ее оживить.

Цвет показывает эмоции и энергию изображения. Понятно, что цвет не должен ставится на последнее место и рассматриваться как что-то дополнительное в изображении.

Использование цвета это способ диктовать композицию. Помните, цель композиции — держать внимание зрителя так долго, как это только возможно. Это не означает, что нужно всегда использовать самые «тяжелые» и яркие цвета.

Часто изображения с небольшим количеством цветов создают интригу и интерес.

Как говорит Джей Мейзел: «Изображение, в котором цвет настолько тонок, что почти невидим, может привлекать взгляд мельчайшей цветной деталью, как привлекает голодного цыпленка крошка хлеба».

20 прекрасных примеров фотографии с использованием ярких цветов

В настоящее время многие фотографы-хобби полагаются на Предустановки Lightroom, Действия Photoshop, или фильтры Instagram, чтобы усилить цвета в их фотографии. Даже профессиональные фотографы могут использовать эти быстрые исправления для регулировки цветов во время постобработки.

В идеале, однако, лучше всего захватывать яркие цвета с самого начала, поэтому редактирование фотографий не понадобится. Помимо экономии времени, получение ярких цветов «естественно» (без постобработки) сделает вас лучшим фотографом и улучшит качество ваших изображений в долгосрочной перспективе.

Это также довольно легко сделать. Вам не нужно покупать дорогостоящее оборудование или изучать сложные методы. Ниже приведены несколько простых способов повысить цвет в вашей фотографии без редактирования фотографий.

Томаш Барановский — Цвета

Многие из следующих стратегий вращаются вокруг того, как вы выбираете тему и составляете свои фотографии. Композиция может существенно повлиять на яркость ваших цветов. Хорошая композиция улучшит цвета; плохая композиция умалит их силу.

Поэкспериментируйте с контрастными цветами.

Яркие цвета часто хорошо работают парами, усиливая друг друга. Наиболее эффективные пары называются «контрастными цветами» и противоположны друг другу на цветовом круге. Примеры контрастных цветов включают красный / зеленый, желтый / фиолетовый и синий / оранжевый.

Эта идея контрастных цветов может быть полезна при планировании съемки, особенно в студийной обстановке, где у вас есть контроль по всему. В этой ситуации вы можете легко выбрать цветовую палитру для фона и предмета. Выбирая контрастные цвета, у вас будет больше шансов получить яркие цвета.

Ana GR — цвета лета

ФОТО ВАНОВА — АЛИСИЯ

Включить больше белого, черного или серого на вашем изображении.

Еще один способ подчеркнуть цвет — использовать простой белый, черный или серый фон. Таким образом, вам не нужно думать о том, дополняет ли фон цвета основного предмета. Разноцветные детали будут выделяться естественным образом. Аналогично, вы можете снимать в черном и белом с цветными акцентами. Поскольку вы можете снимать черно-белое изображение в любом месте, эта стратегия более гибкая, чем использование нейтрального цвета, и она может быть столь же эффективной.

Similarly, you can shoot in black and white with color accents. Since you can shoot in black and white anywhere, this strategy is more flexible than using a neutral-colored background, and it can be just as effective.

Майкл Буржуа — Цвета Туке

marie romantica — Ensemble

nicolas bello — Knokke -Belgique

Сохраняйте простоту композиции.

Многолюдная композиция с яркими цветами может ошеломить зрителей. Это потому, что яркие цвета привлекают внимание зрителей. Если ваша фотография имеет много разных цветов и элементов, зрители не будут знать, где искать в первую очередь. Слишком много будет бороться за их внимание.

Сохраняя свою композицию простой, вы дадите зрителям четкую тему для фокусировки. Они точно будут знать, где искать и не потеряются в дюжине красочных деталей.

Как правило, вы получите лучшие результаты, если также ограничите количество ярких цветов в вашей композиции, нацеливаясь для двух или трех ярких цветов. Однако, если ваша композиция достаточно проста, вы можете избежать включения большего количества цветов в одну картинку.

Например, следующая фотография цветных карандашей поражает своей простотой. Несмотря на несколько разных цветов, изображение четкое и мощное благодаря своей простой композиции. Зрители точно знают, где искать; нет ненужных элементов, отвлекающих их от основного предмета.

Ник Тейлор — Карандаши

Алекс Гриншпун — Увертюра к лету

Шери Элизабет (Sheri Baker) — Подумайте Розовый

Работа с узорами или симметрией.

Помимо простоты, вы можете использовать узоры или симметрию, чтобы помочь зрителям просматривать фотографии с большим количеством ярких цветов или элементов. Образцы и симметрия обеспечивают структуру, которая может сделать многолюдное, цветное фото легче для понимания. Они организуют цвета и элементы, предоставляя зрителям визуальный путь к фотографии.

Фотография Хенка Мейера — колода карт и собор Святого Колмана — Коб — Ирландия

Хемза Ахмед — Двери

Джим Смит — ушел в плавание

Использовать Боке для ограничения отвлекающих факторов.

Боке — еще один эффективный способ справиться со слишком большим количеством цветов на одном изображении. Смазывая и смешивая цвета, боке устраняет конкуренцию. Он превращает разные цвета и предметы в один фон, объединяя их вместо конкурирующих.

Боке также может помочь создать простую композицию, когда ваша рамка переполнена. Например, если вы фотографируете разноцветные осенние листья на дереве, у вас может быть много ветвей, заполняющих ваш кадр. С боке эти ненужные элементы могут стать красивым фоном для листьев, которые вы снимаете.

Эта техника может быть особенно эффективной, когда цвет, который вы снимаете, относительно тонкий. Например, рыжие волосы могут выглядеть яркими или тусклыми в зависимости от состава. Если в кадре слишком много других ярких цветов, рыжие волосы едва заметны. Но с размытым нейтральным фоном рыжие волосы могут действительно выделиться.

Берит Алитс — Ханна

けんたま / KENTAMA — Без названия

Алекс Гриншпун — Последнее дыхание осени

Настройте параметры камеры.

Помимо выбора хорошего объекта и композиции, вы можете внести в камеру несколько технических настроек, чтобы сделать ваши цвета ярче. Во-первых, вы можете вручную изменить настройки камеры, чтобы увеличить насыщенность цвета. Это небольшое изменение может мгновенно сделать ваши цвета более яркими. Помимо быстрой и простой настройки, эта настройка позволяет вам проверять цвета ваших изображений, пока вы находитесь на месте, что приводит к более «подлинным» цветам.

Чтобы выполнить эту настройку, найдите параметр под названием «Насыщенность». » на твоей камере. Каждый DSLR должен иметь это. Если вы не можете его найти, просмотрите руководство пользователя вашей камеры или выполните онлайн-поиск для параметра «Насыщенность» на вашей камере. Как только вы нашли его, увеличьте число насыщенности, затем проверьте результаты и настройте при необходимости. Вот и все!

Еще один способ повысить яркость ваших цветов — отрегулировать экспозицию. Если вы полагаетесь на встроенную систему замера в вашей камере, вы можете получить блеклые цвета, потому что ваша камера делает светлее. Попробуйте недоэкспонировать свои фотографии на 2/3 секунды от остановки. Эта небольшая корректировка может существенно повлиять на яркость ваших цветов.

Кен Лейн — Полевые цветы на Сигнальной горе

Стивен Скотт — Желтые центральные красные лепестки

Получить поляризационный фильтр.

Поляризационный фильтр может быть полезен для улучшения цвета и уменьшения бликов, особенно в пейзажной фотографии. Мы не будем углубляться в науку о поляризационных фильтрах, но, по сути, они отфильтровывают отраженный свет, делая изображение темнее и красочнее. (Для получения более подробной информации, ознакомьтесь с этим учебником о поляризационных фильтрах от Cambridge in Color.)

Поляризационные фильтры особенно популярны среди пейзажных фотографов, потому что они делают небо выглядит ярко синим. Они также могут выделять яркие цвета воды и листвы.

Основные поляризационные фильтры тоже довольно дешевы. Вы можете получить один за менее чем 20 $. Учитывая, насколько велика разница в вашей фотографии, вы можете задаться вопросом, почему вы не получили ее раньше!

Круглый объектив поляризатора AmazonBasics

Филипп Пессар — С поляризационным фильтром

Лука Ренольди — Мидуэйский бассейн Гейзера в Йеллоустоне

Попытка использовать другой тип пленки.

Наконец, если вы снимаете с пленочная камера и разочарованы цветами, ваш фильм может быть проблемой. Каждый тип пленки имеет различное качество цвета. Если вы хотите смелые цвета, выберите фильм, который известен своей насыщенностью цветов.

Fuji Velvia 50 известен своими красивыми, насыщенными цветами, но он может быть довольно дорогим. Kodak Ektar 100 и Gold 200 дают отличные цвета и являются хорошими, доступными альтернативами.

Александр Самойлик — Калина

Многие из вышеперечисленных фотографий были выбраны из наших талантливых Сообщество Flickr. В следующий раз, когда вы получите фантастический снимок ярких цветов, поделитесь им с группой, чтобы мы могли оценить вашу работу!

Теория цвета. Цветовые сочетания в фото

Вдумчивое сочетание цветов в кадре может благотворно повлиять на композицию Ваших снимков. В этом уроке Вы узнаете о наиболее значимых для фотографии принципах цветовой гармонии – все они согласуются с теорией цвета – и как с помощью них вывести свои снимки на новый уровень.

Большинство из нас не задумываются о роли цвета в фотографиях. Как только Вы скажите себе «Стоп!» и по-настоящему уделите внимание этому вопросу, начнёте внимательнее относится к поиску цветовых решений в кадре, Вы увидите радикальные изменения в Ваших снимках.

В этом уроке мы коснёмся базовых идей теории цвета. Покажем, как пользоваться цветовым кругом, гармонично сочетать цвета и искать оттенки, соответствующие какому-либо заданному цвету. Затем сконцентрируемся на том, как создавать привлекательные красочные снимки, управляя цветом.

Вам понадобится яркая одежда и отрезы разноцветных материй. В секонд-хендах и магазинах тканей Вы без проблем подберёте подходящие элементы.

Сначала мы покажем, как добавить один-два пятна одного насыщенного цвета к существующему нейтральному цветовому решению, чтобы придать портретам искромётной выразительности. Затем мы поэкспериментируем с комплементарными цветами (они располагаются на цветовом круге противоположно друг другу), будем сочетать их в кадре. На третьем этапе мы смешаем разные тона одно и того же цвета, чтобы произвести глубокое впечатление на зрителя. Напоследок повеселимся: перемешаем цвета в кадре, чтобы придать фотографиям радужное настроение.

Ещё мы изучим влияние освещения на восприятие цветов. Вы сможете увидеть, насколько огромна роль света в жизни цветов на изображении.

Цвета мистическим образом оказывают воздействие на наше настроение. Управляя цветами на фотографии, Вы управляете настроением зрителя.

Совет 1. Прикоснитесь цветом

Начнём с самого простого пути: добавим цветовой акцент к нейтральной по цвету композиции. Красный цвет – беспроигрышный вариант. Однако любые тёплые оттенки, например оранжевый и розовый, тоже сделают большое дело. Своим присутствием в кадре они создадут центр внимания.

Красная помада на губах нашей модели и алый шарф, повязанный на шее, выделяются на нейтральном фоне чёрного пальто и сероватых стен. Цветовые пятна приковывают к себе взгляд и порхают словно весенние ласточки, норовя вылететь за пределы кадра, в пространство зрителя.

Совет 2. Сочетайте комплементарные цвета

Как только Вы освоили создание цветовых акцентов, переходите к сочетанию двух цветов. Комбинация комплементарных цветов придаст сочности и выразительности портрету.

Самый простой способ подобрать дополняющие друг друга оттенки – обратиться к цветовому кругу. Противоположные на круге цвета, такие как оранжевый и синий, красный и зелёный, являются комплементарными и образуют гармоничные цветовые сочетания.

Совет 3. Используйте тона одного цвета

Цвета способны пробудить сильные эмоции. Например, красный цвет стимулирует нервную систему, символизирует страсть и опасность; синий, напротив, вызывает мгновенный успокаивающий эффект.

Играйте чувствами зрителя, сочетая различные тона одного цвета. В нашем случае мы использовали оттенки зелёного цвета, чтобы создать расслабляющий эффект.

Позаботьтесь о корректном балансе белого

Вы можете видеть на двух верхних портретах, насколько сильно баланс белого влияет на цветовое решение снимка. Для первой фотографии мы использовали настройку «Лампа накаливания» (Tungsten), чтобы приглушить фиолетовый оттенок в платье модели и сделать изображение более холодным. Для второй фотографии мы выбрали «Дневной свет» (Daylight), чтобы, наоборот, придать теплоты.

Совет 4. Создавайте цветовой диссонанс

И в построении кадра, и в сочетании цветов Вам иногда следует нарушать правила. Смешивайте цвета и оценивайте визуальный эффект. Чем больше Вы экспериментируете, тем легче определяете, какое сочетание гармонично, а какое выглядит нелепо.

В этом портрете комбинация голубых стен, зелёного платья, фиолетовой шали и жёлтых тюльпанов нарушает правила. Однако, столкнув цвета вместе под мягким освещением, мы создали привлекательный своей радужностью диссонанс.

На заметку. Используйте Kuler для подбора двух комплементарных цветов. Это излюбленный инструмент дизайнеров: он помогает быстро составлять целые цветовые палитры.

Совет 5. Усильте цветовой эффект с помощью освещения

Поиск удачного цветового решения включает в себя работу со светом. Например, одни и те же цвета, сфотографированные под жёсткими прямыми лучами солнца, выглядят совершенно иначе, чем в мягком обволакивающем свете внутри помещения. Также, на восприятие цветов влияет положение источника света относительно модели. Покажем это.

Посмотрите на три снимка ниже. Цвета на шарфе выглядят по-разному, в зависимости от направления световых лучей. В то время как фронтальное освещение проявляет цвета точно, заднее освещение приглушает насыщенность, превращая сочные оттенки в пастельные тона. Наконец, боковое освещение создаёт контрастирующие цветовые области.

Мы фотографировали с естественным светом, но те же эффекты возникают при искусственном освещении.

Фронтальное освещение

Пока Вы держите свет перед моделью, цвета изображаются на фотографии такими, какими Вы видите их в жизни. Цветовые тона и насыщенности остаются неизменными для любого участка шарфа.

Заднее (контровое) освещение

Заднее освещение – солнце располагается позади модели – уменьшает насыщенность и светлоту цветов. На снимке выше мягкий отражённый на модель свет деликатно проявляет цвета шарфа, придавая снимку романтическое и равновесное настроение.

Боковое освещение

Оно резко подчёркивает текстуры и создаёт цветовые контрасты. Части шарфа, обращённые к солнцу, окрашены в сочные и светлые краски, в то время как, на противоположной стороне цвета выглядят тёмными.

Автор статьи: Jeff Meyer

21/05/2016 Просмотров : 31947 Источник: digitalcameraworld.com Перевод: Марк Лаптенок

Еще уроки из рубрики «Советы по фотографии»

Сортировать: Новые Комментируемые Просматриваемые

Призмы, которые обычно показывают на уроках физики в школе, могут стать отличным аксессуаром для творческой съемки. Они создают превосходные радужные блики и другие эффекты…

Читать дальше →

19/01/2020. Фотосъёмка — Советы по фотографии. Перевод: Алексей Шаповал

27 205

В первой части мы уже рассмотрели, как конвертировать обычную камеру и сделать её пригодной для ИК-съемки. Теперь давайте узнаем всё, что необходимо для получения превосходных…

Читать дальше →

24/12/2019. Фотосъёмка — Советы по фотографии. Перевод: Алексей Шаповал

9 542

Цветная инфракрасная (ИК) съемка – потрясающее и удивительно простое занятие, если иметь в своем распоряжении правильные инструменты и техники. В этом материале, разделенном…

Читать дальше →

03/12/2019. Фотосъёмка — Советы по фотографии. Перевод: Алексей Шаповал

12 166

Использование своих источников света при съемке уличных портретов дает возможность осветить объект под любым выбранным углом.

Читать дальше →

11/11/2019. Фотосъёмка — Советы по фотографии. Перевод: Алексей Шаповал

12 355

Всего несколько десятков лет назад термина «уличная фотография» даже не существовало, хотя на самой первой в мире фотографии, сделанной Жозефом Нисефором Ньепсом в 1826, изображен город.

Читать дальше →

04/11/2019. Фотосъёмка — Советы по фотографии. Перевод: Алексей Шаповал

15 489

Большинство современных камер, будь это DSLR или беззеркалки, имеют возможность вручную задать баланс белого в зависимости от условий съемки. Такая возможность есть даже у…

Читать дальше →

25/10/2019. Фотосъёмка — Советы по фотографии. Перевод: Алексей Шаповал

27 149

8 правил цветовой композиции – Wordshop

Кураторы факультета «Режиссура видео» Академии Коммуникаций Wordshop Алёна Кукушкина и Андрей Мусин раскрывают главные особенности работы с цветом.

В этом материале мы расскажем о цветовой композиции кадра: что нужно знать и учитывать, чтобы получить действительно цветное изображение, а не просто подкрашенную цветом картинку.
Рассмотрим основные принципы цветовой композиции на примере работы такого мастера, как Майкл Манн. Классический пример работы с цветом — его фильм «Соучастник».