Апроприация в фотографии
- Е.Э.Р.
- Гора-замок-камень-год
- Голограмма
- Липа
- Вепсский лес
- Via Garibaldi
- Гербарий Земли
- Храм-200
- Second life фотоальбом
- От иронии к искренности
- Апроприация в фотографии
- Подборка книг по теории фотографии
- Рынок авторских фотокниг в России
Евгений МоЛОДЦОВ
О чём статья?
В данной статье рассматривается такое явление, как апроприация, которое в XXI веке стало распространённой постмодернистской стратегией не только в изобразительном искусстве, но и в фотографии. Ввиду полного отсутствия теоретических работ на русском языке и анализа проектов современных фотографов, работающих с апроприацией, я попытаюсь сделать обзор, касающийся не только теоретической основы данного явления, но и дать небольшой экскурс в историю и попытаться классифицировать проекты зарубежных и российских авторов, в которых используется метод апроприации.
Уже в конце девятнадцатого века некоторые теоретики фотографии предполагали, что фотографии забирают что-то у референта путем его фотографирования. Известный французский фотограф Феликс Надар, например, отметил, что его друг Оноре де Бальзак имел интенсивный страх быть сфотографированным. Согласно теории Бальзака, каждый раз, когда кто-то его фотографировал, один из спектральных слоев выводился из организма и передавался фотографии. Повторные воздействия влекут за собой неизбежные потери последующих призрачных слоев, то есть самой сути жизни. Более буквально объясняет этот процесс фраза Сьюзен Зонтаг из ее часто цитируемой работы «О фотографии» (1977): «Фотографировать – значит присвоить сфотографированную вещь. Это значит поставить себя в определенное отношение к миру, что значит обладать знанием и, следовательно, властью». Фред Ритчин добавил к этой цитате в своей книге 2009 года «После фотографии» — «в цифровом мире, где каждое изображение находится в гибкой мозаике, расстояние увеличивается.
Фотография с недавних пор является автоматическим механизмом записи, этот процесс в состоянии скорее не апроприировать фотографируемую вещь, сколько ее сымитировать. […] То, что сейчас часто присваивают чью-то чужую фотографию, является одной из нескольких постмодернистских стратегий, которым цифровая фотография поддается».
Но давайте сначала разберемся с терминами. Что же такое апроприация и чем она отличается от простого копирования? Онлайн-словарь галереи Tate определяет апроприацию как практику художника, в которой используются уже созданные/существующие произведения искусства и объекты с небольшим изменением в отличие от оригинала. Апроприировать – это значит не просто скопировать, но поместить новое произведение в другой контекст, наделить его новыми смыслами. Хотя первые произведения искусства, полученные с помощью метода апроприации, появились ещё в начале ХХ века (например, коллажи кубистов из газетных вырезок или первые редимейды – колесо от велосипеда Дюшана и пр.
), искусство апроприации было наиболее активным в течение 1980-х и 1990-х и явилось важным постмодернистским движением. Оно имеет философское прошлое в работах теоретиков культуры, как Ролан Барт, Мишель Фуко и Жак Деррида. Это движение имеет решающее значение для современного потребительского общества и средств массовой информации и среды, насыщенной рекламой, которая является основным компонентом этого общества. Постмодернизм ставит под сомнение оригинальность, романтическое представление автора, и связанные с ним социальные институты, такие как галереи и музеи.
Вернемся к фотографии. Апроприация в фотографии во весь голос заявила о себе на выставке 1981 года «Шерри Левин после Уокера Эванса», которая была показана в Нью-Йорке в галерее Metro Pictures. На выставке была серия фотографий известного фотографа Уокера Эванса, которую Шерри Левин перефотографировала непосредственно из каталога выставки Уокера Эванса. Жест Левин позволяет интерпретировать себя различными способами: он представляет собой жест присвоения и в то же время отвергает всякий творческий акт.
Присваивая эти изображения, Левин поднимает вопросы о классе, идентичности, политическом использовании образов, природе творчества, а также ситуациях, в которых контекст влияет на просмотр фотографий. Её постмодернистское утверждение, что можно переснять изображение и создать что-то новое в процессе, критикует модернистское понятие оригинальности (хотя это приводит к созданию альтернативной постмодернистской оригинальности в процессе). В диалоге с теоретиком Вальтером Беньямином, который изучает взаимосвязь воспроизводства с аутентичностью художника, воспроизводство становится подлинным опытом. Для Беньямина воспроизведение уничтожает физическую святость объекта, и делается полезным для тех, кто не мог владеть такими объектами. Левин, с другой стороны, сделало её объект еще более священным, так как её работы гораздо труднее обнаружить, что оригиналы Эванса — они почти никогда не воспроизводятся, и существуют только в музеях и частных коллекциях. Она избегает публичности и воспроизводства её собственного изображения якобы, чтобы избежать «мифотворчества», хотя это отсутствие информации создает точно то, что она пытается избежать — анонимность притягивает внимание.
Шерри Левин, из серии «Шерри Левин после Уокера Эванса».
В отличие от Шерри Левин, работы которой отражают механизм художественной системы, построенной вокруг таких постулатов, как авторство и оригинальность, Ричард Принс, переснимая рекламные изображения, отвлекает свой взор от повседневной визуальной культуры и переоценивает её. Я уверен, что все помнят знаменитое изображение ковбоя, которое Ричард сделал, пересняв рекламный плакат Мальборо и кадрировав фотографию. Изображение Ричарда Принса является копией (фотография) копии (реклама) мифа (ковбоя). Это повторение можно считать ещё более избыточным, если мы считаем, что фотографический эффект состоит из двух актов и двух темпоральностей — первое, когда сделан снимок, а второе, когда изображение видит зритель. Бесконечное повторение дуалистического фотографического эффекта, связанное с бесконечными повторами мифологического стереотипа (образ ковбоя, который создала индустрия кино и литературы), отражает чувство пустоты, безобразного, того, что Шерри Левин называет призраками.
«Изображения … — призраки призраков». Как укрепить, дать значение, реанимировать такие изображения? Фотографический эффект может быть проверен посредством итераций зрителя. Присвоение предлагает зрителям возможность увидеть то, как фотографический эффект воспринимается художником, и повод оживить фотографии, которые забыли, но уже видели.
Untitled (Cowboy), 1989. Ektacolor photograph. 50 x 75 inches. 127 x 190.5 cm.
Второе дыхание апроприации в фотографии дало развитие интернета и цифровых камер. Цифровые камеры позволили нам не задумываться о пленке и бесконечно нажимать на кнопку. Интернет помогает быстро распространять эту лавину изображений. Большинство из этой лавины – любительская фотография и профессиональная фотография для коммерческого использования. Только небольшой процент можно отнести к художественной, арт-фотографии или документальной фотографии. Здесь возникает разрыв между теорией и практикой. Ведь большинство работ по истории фотографии рассматривают именно ту фотографию, которой принадлежит лишь маленькая доля в огромном мире изображений.
Некоторые теоретики, например, Джеффри Батчен, высказали мысль о том, что мы должны пересмотреть историю фотографии, включив в анализ обычную, любительскую фотографию, которая формирует основной поток. Преобладание увеличивается в цифровую эпоху, серфинг по интернету позволяет нам убедиться в увеличивающейся диспропорции.
Это явление было исследовано авторами и кураторами и вылилось в выставку «From Here On», представленную в Арле (Франция) на фестивале фотографии в 2011 году. Согласно манифесту выставки «теперь мы все в какой-то степени редакторы. Мы все перерабатываем, кадрируем, делаем монтаж и загружаем. Всё, что нам нужно – это глаза, мозг, камера, телефон, ноутбук, сканер и своя точка зрения. А когда мы не редактируем, мы производим. Мы производим больше, чем некогда, потому что наши ресурсы и возможности безграничны. У нас есть интернет, полный вдохновения: глубокое, красивое, тревожное, смешное, тривиальное, повседневное и интимное – всё перед нашими глазами. У нас есть камеры, которые регистрируют самый яркий свет, самую глубокую темноту.
Этот технологический потенциал имеет творческие последствия. Это меняет наше понимание того, что значит сделать. Это приводит к работе, которая похожа на игру. Работе, которая превращает старое в новое, выводя на поверхность банальное. … Мы хотим придать этой работе новый статус. Всё будет по-другому с настоящего момента и далее…» (отсюда и название выставки From Here On — пер. с англ. — с настоящего момента и далее). На выставке были представлены работы 36 авторов, а среди кураторов были такие влиятельные фотографы, как Мартин Парр, Эрик Кесселс, Жоан Фонткуберта и пр.
Проекты, использующие апроприированные фотографии условно можно разделить на 2 категории:
1. работающие с аналоговой фотографией (фотоархивом) и
2. с изображениями из интернета и различных регистрирующих систем (систем наблюдения, авторегистраторов, Google Street View и пр. – в своем большинстве это так называемая «дрон»-фотография).
Примером работы с архивной фотографией является проект Максима Шера «Отдаленный, звучащий чуть слышно вечерний вальс».
Фотографии были найдены случайно в одной петербургской коммуналке осенью 2010 года. Их авторы — муж (инженер) и жена (археолог и этнограф) — умерли, коммунальная квартира была продана, а цветные слайды в числе других ненужных вещей предназначены на выброс. В брошенном архиве были тысячи слайдов с начала 60-х до середины 80-х. Проект — это не случайный набор фотокарточек определенного периода. «Аура» советского здесь удачно сочетается с качеством изображений, с удивительными композициями, с безупречным визуальным чутьем фотографа. Ощущение «идеальной картинки» отдельно взятого набора фотографий создает автор, отбирая определенные кадры, работая, как принято называть художников, занимающихся заимствованным и найденным материалом, «фильтром». Но бесспорно и то, что именно начальный набор изображений уже обладал потенциалом. То, что отличает подход Шера от подходов других авторов, работающих с архивами и найденными материалами, — это тема случайности, не проявленная в фотографиях, но обозначенная в тексте, а также обращение к материалам советского времени и пространства.
Максим Шер, из серии «Отдаленный, звучащий чуть слышно вечерний вальс».
Исходным материалом для проектов могут быть и иконические хорошо всем известные фотографии. Так Павел Мария Смейкал (Pavel Maria Smejkal) в своем проекте использует знаковые изображения за последние пять десятилетий, на которых изображена трагедия. Автор убирает главное событие, оставляя только фон. Несмотря на это действие, образы действительно узнаваемы, в том числе благодаря той последовательности и позиционированию серии, но вспомнить детали мы все равно не в силах.
Знаковые изображения, используемые для этой серии, являются не только одними из самых воспроизводимых фотографий в исследованиях истории фотографии, но также уже ранее присвоенными другими художниками и не раз подвергшимися манипуляциям. В большинстве случаев основное внимание уделялось главным событиям на этих фотографиях. В серии Павел Мария Смейкал фокус смещается, напротив, от новостных событий в нейтральное, неинтересное место, которое стало значимым местом в результате того, что произошло там в прошлом.
Зритель испытывает «пересмотр» того места в настоящем. То, что произошло, не только вошло в историю, но и стало частью нашей коллективной визуальной памяти, хотя и не всегда в виде отчета о конкретном драматическом событии, но для многих людей, к сожалению, только в качестве «иконических изображений».
Pavel Maria Smejkal, Берлин, 1945, из серии «Fatescapes» 2009-2010.
Хотя Херманн Цшигнер (Hermann Zschiegner) также присваивает иконические изображения, но его стратегия и результаты совершенно другие. В серии «+walker evans +sherrie levine» он демонстрирует, как интернет распространяет иконические аналоговые изображения, которые присвоили и разместили интернет-пользователи. Херманн искал в интернете фотографию Уокера Эванса, которая не только стала иконой в истории фотографии, но и стала известна как одна из классических фотографий, присвоенных Шерри Левин. В результате Герман получил удивительное разнообразие версий фотографии. Херманн распечатал все 32 «портрета» Алли Mae Берроуз и добавил названия, состоящие из размера файла, соотношения сторон в пикселях и URL каждого изображения в качестве системы отсчета.
Только благодаря чтению имен файлов можно было определить, смотрим ли мы на работы Эванса или Левин: многообразие и различие между изображения не только не упростили их идентификацию, а, напротив, усложнили.
Hermann Zschiegner, из серии +walker evans +sherrie levine, 2008.
Еще в 1870-х годах несколько фотографов считались «коллекционерами неизвестных мест». Например, Карлтон Уоткинс и Тимоти О’Салливан имели задачу досконально изучить довольно недоступный запад США для американского правительства и его граждан путем визуального знания. Вместе с картографами фотографы фиксировали неизвестные ранее территории. Архивирование нашего жизненного пространства распространилось практически повсеместно с появлением камер наблюдения, различных видеорегистраторов и в особенности сервиса Google Street View. В 2007 году Google запустил Street View, намереваясь задокументировать каждую улицу в США. Специальные автомобили проехали по каждой улице и сфотографировали их с помощью девяти камер, установленных на их крышах.
Дуг Рикард (1968) идет по стопам фотографов-исследователей дикого запада и уличных фотографов девятнадцатого и двадцатого века. Вместо того чтобы ездить самому в различные точки страны, Рикард остается дома и использует Google Street View в качестве проводника и транспортного средства. Внимание автора привлекают так называемые «неблагополучные районы» США – Детройт, Даллас, Фресно и др. Дуг Рикард, используя отстраненность взгляда машины, высоту съемки, замазанные лица и надписи, технические неточности и совершая удивительно тонкий и точный выбор, показал обратную сторону американской мечты.
Дуг Рикард. # 82.948842, Детройт, Мичиган, из серии «A New American Picture», 2009, 2010.
В то время как Дуг Рикард стремится привлечь внимание среднего класса к малоизвестным местам США, Мишка Хеннер в проекте «Голландские пейзажи» представляет общественности те места, которые должны оставаться невидимыми. Эти пейзажные фотографии сделаны с помощью спутников и показывают территории Голландии, которые скрываются властями, включая военные базы.
В каждой стране есть свои методы по маскировке объектов – это обычно размытие изображения, выбеливание. Но голландцы подошли к этому нетрадиционно, закрывая такие объекты как королевский дворец, военные базы и нефтехранилища мозаичной структурой. Эта тактика выглядит довольно абсурдно, ведь вместо сокрытия информации, такой метод напротив привлекает внимание.
Мишка Хеннер, NATO Storage Annex, Coevorden, из серии «Голландские пейзажи».
Серии Хеннера и Рикарда показывают нам изображения обезличенного характера, полученные системами наблюдения. Йенс Сундхейм (Jens Sundheim) удалось сделать безличные изображения такого рода более личными. Он выступал в качестве путешественника, позируя на пяти континентах и сотнях мест, стоя перед веб-камерами. Впоследствии он скачал эти изображения из интернета в качестве документации своих путешествий. Кто здесь что присваивает? Камера наблюдения непрерывно записывает определенное место и «ловит» всех, кто появляется в её области. Теоретик Анри Ван Лир сравнивает фотографа с охотником, который захватывает своих жертв в ловушку.
Получается, что Йенс — странный вид – охотник и жертва одновременно, тот, кто вместо того, чтобы ловить свою добычу выглядит более заинтересованным в том, чтобы поймать следы жертвы – свои следы. Йенс путешествует из ловушки в ловушку: он загоняет туда себя сам, чтобы сделать автопортреты. Он присваивает образы, которые зафиксировал не он сам, но он сам поставил. Кроме того, Йенс не наблюдает и фиксирует мир, как фотографы обычно это делают, а исследует, как мир наблюдает за ним.
Jens Sundheim, Дортмунд, у входной двери подъезда дома, Германия, 2007, из серии «Путешественник».
Современные технологии и апроприирование не только позволяют фотографу стать автором тех фотографий, которые он сам никогда не смог бы сделать, но и предлагают новый инструмент для исследования, в том числе исследования прошлого.
Белорусский фотограф Андрей Ленкевич создал проект «Прощай, родина» в попытке найти собственное понимание смысла войны: «Война всегда была для меня историей о том, как „погибает каждый четвёртый белорус», но она никогда не имела для меня какого-то особого значения, не вызывала никаких чувств.
Мне всегда было интересно, почему войну так часто обсуждают. Я нашёл ответ на этот вопрос, когда спросил себя: „Кто я?»» и начал изучать войну через личные истории. Одна из историй – это минские улицы, некоторые из которых названы именем белорусских героев войны. Большинство жителей, конечно, даже не знают подвигов героев и конечно то, как они выглядели. Автор находит фотографии героев и с помощью сервиса Google Earth делает снимки улиц из космоса. Самое удивительное – то, как некоторые улицы становятся похожи на определенные образы войны.
Андрей Ленкевич, из проекта «Прощай, Родина», 2011.
Российский фотограф Александр Веревкин в проекте «Обратная сторона пейзажа» с помощью новых технологий и метода апроприации делает то, что обычными средствами сделать невозможно. Используя программу Google Earth, Александр нашел на поверхности Земли координаты, противоположные тем, в которых был снят пейзаж, и тем самым заглянул по ту сторону пейзажа.
Александр Веревкин, из серии «Обратная сторона пейзажа».
Новые технологии и виртуальная реальность порождают новый тип изображения. Пользователи, используя компьютерную программу и интернет, могут формировать и строить новую реальность, в том числе визуальную. Появляются художники, которые работают только с таким типом изображений. Например, LaTurbo Avedon делает свои проекты на основе изображений из компьютерной игры Second Life (трёхмерный виртуальный мир с элементами социальной сети, насчитывающий уже более 1 млн. пользователей), а некоторые объекты он делает даже внутри самой игры, тем самым перенося искусство в виртуальную среду.
LaTurbo Avedon, из серии «new sculpt», 2013.
Все работы серии Адама Брумберга и Оливера Чанарина (Adam Broomberg & Oliver Chanarin) «ShtikFleisch Mit Tzvei Eigen» были созданы с помощью машины, разработанной в Москве для обеспечения общественной безопасности и осуществления пограничного контроля, названной разработчиками системой опознания по лицу. Результат её работы представляют собой в большей мере цифровые прижизненные маски, чем фотографии.
Это трёхмерное факсимильное изображение лица, которое можно легко вращать в любом направлении и рассматривать в мельчайших подробностях. Сам фотоаппарат замечателен тем, что предназначен для портретной съёмки без участия портретируемого. Четыре совместно работающих объектива создают полномерное фронтальное изображение лица, обладатель которого, казалось бы, смотрит прямо в камеру, хотя на деле он даже не подозревает о том, что его фотографируют. Используя эту систему, авторы создали собственную галерею портретов современников, жителей современной России. Работая над ней, Брумберг и Чанарин многое позаимствовали у двух немецких фотомастеров XX века – Августа Сандерса и Хельмара Лерски. Взяв за основу их проекты, авторы создали серии портретных изображений лиц, отнесённых к разным категориям в соответствии с их профессией. Отличие состоит в том, что портреты Брумберга и Чанарина созданы машиной с минимальным участием человека или полностью без такого участия.
Adam Broomberg & Oliver Chanarin.
Shtik Fleisch Mit Tzvei Eigen, 2013.
Проект белорусского фотографа Александра Михалковича «Заставить интернет помнить Холокост» не поддается классификации в рамках данной статьи, но его нельзя не упомянуть. Если в предыдущих примерах художники использовали архивные изображения, интернет и дроны в качестве источников материала для своих проектов, то Александр внедряется в систему (интернет) с архивным материалом и пытается «обмануть» мировую паутину (или учебник истории). Основная цель проекта, связанная тематически со Второй мировой войной, кроется в самом названии. Она предполагала фиксацию попыток фотографа обойти интернет-модерирование и загрузить в ряд популярных ресурсов и социальных сетей «неудобные», травмирующие неподготовленного зрителя архивные фотографии массовых казней мирных жителей. Черно-белые, жестокие, но максимально правдивые документации убийств, проведенных нацистами в указанных «тэгами» локациях, «всплывают» среди пейзажей, котят, фотографий еды и пляжей, выдергивая пользователя из зоны комфорта и напоминая о тех людях, чьи останки покоятся под его ногами.
Александр использует интернет как канал, который позволяет ему напрямую разговаривать со зрителем. Это уже не просто апроприация изображений, а апроприация пространства сети для изменения коллективной памяти.
Александр Михалкович, из проекта «Заставить интернет помнить Холокост».
Выход из галерей, навстречу зрителю – одна из тенденций современной фотографии. Это происходит благодаря появлению новых технологий и изменению законов нашего восприятия. Апроприация отражает сущность современного общества, в котором доминируют медиа, массовое потребление и бесконечный поток визуальной информации.
В качестве подтверждения моих слов хочется завершить данный обзор двумя цитатами. «Художник наших дней — это не производитель, а апроприатор… со времен Дюшана мы знаем, что современный художник не производит, а отбирает, комбинирует, переносит и размещает на новом месте… Культурная инновация осуществляется сегодня как приспособление культурной традиции к новым жизненным обстоятельствам, новым технологиям презентации и дистрибуции, или новым стереотипам восприятия» (Б.
Гройс). «Цитирование, симуляция, ре-апроприация — все это не просто термины современного искусства, но его сущность» (Ж. Бодрийяр).
Список литературы:
1. Вальтер Беньямин, Произведение искусства в эпоху его технической воспроизводимости. (1934).
2. Розалинда Краусс, Подлинность авангарда и другие модернистские мифы (1985).
3. Сьюзан Сонтаг, О фотографии (1977).
4. Fred Ritchin, After Photography (2009).
5. Борис Гройс, Gesamtkunstwerk Сталин (2013).
6. Жан Бодрийяр, Симулякры и симуляция (1981).
Please enable JavaScript to view the comments powered by Disqus.
7 фотографов из России, о которых знает весь мир
На днях весь мир обсуждал съемку Брэда Питта для журнала GQ. Многим приглянулись яркие наряды актера, а еще его необычный взгляд – фото со странным взглядом пошло на обложку журнала. Автором провокационной съемки выступила Елизавета Породина – фотограф из России.
Девушка в разное время снимала для The Cut, Vogue, Time. В ее портфолио есть снимки с Натальей Водяновой для российского Vogue, а также с Симоном Портом Жакмюсом для французского GQ.
Успех пришел к Породиной относительно недавно – фотографией она занимается с 23 лет. Прежде чем взять в руки фотокамеру, она рисовала. И этот навык ей особенно пригодился, когда Елизавета стала заниматься фотографией – из снимков видно, как она играет с цветом и светом, и подмечает детали.
Кто еще из русских фотографов завоевал мир своим невероятными снимками и чувством прекрасного? Рассказываем ниже.
Альфред Федецкий
Известный фотограф XIX века. Он окончил фотографический институт при Академии художеств в Вене. Позже работал в Киеве и Харькове.
При жизни Альфред снял членов императорской семьи, Иоанна Кронштадтского, Петра Чайковского, Ивана Айвазовского. Он постоянно участвовал в международных выставках – и его знал весь мир. Особенно Федецкий запомнился после 1888 года – тогда на выставке в Брюсселе он получил золотую медаль за кадры с крушения императорского поезда около станции Борки.
Александр Родченко
«Я хочу научить людей видеть необыкновенно обыкновенные вещи» — говорил известный фотограф начала XX века журналистам, когда те спрашивали его о работах. Великий русский авангардист, плакатист, график, сульптор, художник театра и кино и, конечно же, фотограф. Талантливый человек – талантлив во всем. Это явно про Родченко.
В свое время он удивил мир снимками Владимира Маяковского, Лили Брик, Осипа Брика, а еще многочисленными кадрами советской действительности.
Георгий Пинхасов
Интерес Георгия Пинхасова к фотографии начался еще в школе. После ее окончания, он поступил во ВГИК, долгое время работал фотографом на Мосфильме, а затем стал снимать самостоятельно.
Его фотоработы были замечены Андреем Тарковским, который пригласил Пинхасова снять репортаж о фильме «Сталкер».
Кадр из фильма «Сталкер»В 1980-е Пинхасов женился на француженке – и переехал жить в Париже. Долгое время он работал на фотоагентство «Магнум» (и до сих пор является единственным российским фотографом в этом агентстве).
Затем стал сотрудничать с журналами Geo, Actuel и The New York Times.
Александр Земляниченко
Легендарный новостной фотограф, шеф-фотограф московского бюро «Ассошиэйтед пресс», дважды лауреат «Пулитцеровской премии», ауреат World Press Photo, фотограф Кремлевского пула. Земляниченко снимал в Армении, Афганистане, США и других странах.
Сергей Пономарев
Окончил факультет журналистики МГУ и долгое время работал в различных изданиях – «АиФ», «Вечерняя Москва», «Россия», «Коммерсантъ», «Газета». С 2003 по 2012 год Сергей работал на крупнейшее международное агентство «Ассошиэйтед пресс». Побывал в горячих точках и снял массу фотографий, на которые невозможно смотреть без содрогания.
В 2016 году Пономарев стал лауреатом Пулитцеровской премии за новостную фотографию.
Сергей Горшков
Фотограф из Москвы, в основном специализирующийся на съемке дикой природы. Интерес к фотографии начался неожиданно: будучи на охоте Сергей понял, что не может выстрелить в животного, а вот запечатлеть его на камеру, вполне.
Все свое время Горшков проводит в путешествиях, по несколько часов наблюдая за животными и подлавливая нужный ракурс. На постоянной основе работает с журналом National Geographic.
Топ-10 знаменитых фотографов 21 века
Лучшие и самые известные фотографы /знаменитые фотографы всех времен талантливые и увлеченные люди, но больше всего у них есть дар и огромное желание делать потрясающие кадры. 21 st Фотографы Century используют камеру, чтобы расширить свое «я» и поделиться своим видением мира со всеми окружающими. Фотографов часто можно сравнить с кошками, так как им не нужна компания, они любят искать свой путь в жизни.
10. Слава Могутин. Когда ему было 14 лет, он переезжает из Сибири в Москву, чтобы работать репортером. Пока ему не исполнился 21 год, он обвинялся в злостном хулиганстве и стал фигурантом двух особо уголовных дел. Позже в России он попытался зарегистрировать первый однополый брак и через год был сослан, переехав в Нью-Йорк.
Его карьера в фотографии началась в Нью-Йорке, и его работы выставлялись по всему миру и были опубликованы в двух монографиях: «NYC Go-Go» и «Lost Boys».9. Дэйв Шуберт
Изображение предоставлено: ArtBusiness
21 Фотографы века имеют разный опыт и истории жизни. Например, Дэйв Шуберт получил свою первую камеру от отца в качестве подарка, чтобы помочь ему пережить травму переезда. Этот армейский сопляк — фотограф-самоучка, который начал снимать сцены со скейтбордом в 90-х, а затем сделал несколько культовых изображений той эпохи. Например, фотография Дэша Сноу, курящего сигарету в ванне с поляроидами в одной шляпе, сделала его знаменитым. Тем не менее, у него нет веб-сайта, он работает в Сан-Франциско и время от времени выставляет свои работы.
8. Ник Найт
Изображение предоставлено: PhotographerNickKnight’sBlog
Среди лучших и самых известных фотографов мы находим Ника Найта, одного из лучших фэшн-фотографов.
Он родился в Лондоне, и его первая книга была опубликована в 1982 году, «Скинхед», что стало хорошим началом для молодого фотографа. Вскоре после этого он начал сниматься для журнала I-D и начал 30-летнюю карьеру в коммерции, музыке и моде. Он основал SHOWstudio.com в 2000 году, специализируясь на новых и живых средствах массовой информации о моде.
7. JR
Изображение предоставлено: Phaidon
Другие фотографы 21 ст века революционеры, как и JR. Он начинал как уличный художник и захватывал воображение людей, прославляя обычных женщин и мужчин. JR также является мастером граффити и фотографом. В качестве холста он использует улицы мира, от разделительных стен между Палестиной и Израилем до фавел в Бразилии. Он хочет заставить людей так смотреть на его работу.
6. Эрик Джонсон
Изображение предоставлено: Twitter
Эрик Джонсон, один из лучших и самых известных фотографов, живет на чердаке в Манхэттене.
В его доме также есть дискотека, салон, фотостудия и галерея. Это место представляет собой воплощение энергии старой школы Нью-Йорка под названием Upstairs at Eric’s. Его работы основаны на портретах любимых фотографов, таких как Рози Перес и Максвелл, и новых художников, таких как Junglepussy и LE1F.
5. Нина Берман
Изображение предоставлено: APhotoEditor
Нина Берман — одна из бесстрашных фотографов 21 ст века. Она использует камеру, чтобы стать свидетелем жертв, войны, патриотизма и милитаризации американской жизни и СМИ. Она является автором книг «Родина» и «Пурпурные сердца — возвращение из Ирака». Нина хочет раскрыть трансформацию внутреннего и внешнего миров.
Изображение предоставлено: Glotels
Пер-Андерс Петтерссон — шведский фотограф, заслуживший место в нашей десятке лучших и самых известных фотографов. Он начал стрелять, когда был зачислен в армию. Отбыв там свой срок, он начал путешествовать со своей новой работой в шведской газете.
С 1994 года он работает в Южной Африке, документируя достопримечательности и земли и получая награды.
3. Команда Curiosity Rover. Они приземлились на Марсе в 2012 году и с тех пор фотографируют и берут образцы горных пород с поверхности планеты. Они заслужили уважение людей за то, что показали им внеземные аспекты такими, какие они есть.
2. Джо МакНалли
Изображение предоставлено: Joe McNally
Вторым из лучших и самых известных фотографов является Joe McNally, который имеет 30-летний опыт работы в этой области. Он снимался для обложек New York Times Magazine, Time и Newsweek. Он также участвовал в Face of Ground Zero и National Geographic.
1. Ай Вэйвэй
Изображение предоставлено: PLAID ZEBRA
Наш список 21 фотографов века заканчивается на Ай Вэйвэе или начинается с него, чтобы быть более точным. Он является международной звездой благодаря своему сложному искусству и его «Исследованию перспективы» 9-го года.
5 до 2003 года, которые уловили грань между перформансом и фотографией. Он взял великие памятники культуры из разных стран, такие как Белый дом или Эйфелева башня, и сломал стереотип о том, что простые туристы фотографируют их на фоне памятников.
Фотографы 21 ст века более склонны проявлять свою индивидуальность в своих работах, нарушать некоторые правила и становиться известными. Ведь знаменитые фотографии призваны помочь нам вспомнить важные моменты нашей жизни, праздники, каникулы или другие важные события. В то время как обычные люди просто хотят иметь альбом со всеми своими близкими, профессиональные фотографы хотят дать нам другой взгляд на то, как мы смотрим на мир, друг на друга и даже на свой кухонный стол.
Не забудьте прочитать больше статей здесь.
Южные фотографы нового поколения — ГОРЬКИЙ ЮГ
Уильям Эгглстон, Салли Манн и Уильям Кристенберри прославили южную фотографию.
Теперь, в этом новом столетии, факелы проходят через новую выставку, которую сейчас можно увидеть в Новом Орлеане. Words by Ричард Маккейб
Куратор отдела фотографии Огденского музея южного искусства
Когда в 1998 году я окончил факультет изящных искусств Университета штата Флорида, мои преподаватели сказали мне: «Поезжайте в Нью-Йорк. Вот где вы можете добиться успеха в искусстве!» Я последовал совету и начал свою карьеру художника, учителя и музейного работника в Нью-Йорке.
Всепоглощающая арт-среда, частью которой я стал в Нью-Йорке, была бесценным опытом. Так или иначе, в то время я покончил с Югом и поклялся никогда не возвращаться. Переезд в Нью-Йорк был вторым лучшим, что я когда-либо делал.
Лучшее, что я когда-либо сделал, это уехал из Нью-Йорка в 2005 году, чтобы вернуться на юг.
После семи лет в большом городе у меня началась клаустрофобия. Я скучал по Югу, поэтому собрал вещи и переехал в Новый Орлеан.
В конце 1990-х мои профессора были правы: Нью-Йорк — художественная столица планеты — это то место, куда можно отправиться, чтобы добиться успеха в искусстве. Но это уже не совсем так. Нью-Йорк, Сан-Франциско, Чикаго и Лос-Анджелес — традиционные центры искусства нашей страны — в наши дни не так гостеприимны для художников из-за высокой стоимости жизни и ограниченного доступа к студийным помещениям.
Для многих признанных и начинающих южных художников сегодня такие города, как Хьюстон, Новый Орлеан, Атланта, Майами и Ричмонд, гораздо более привлекательны, дешевле и предлагают больше возможностей на душу населения для создания и демонстрации работ. Поскольку все больше южных художников отвергают соблазн больших городов на севере и западе, они остаются дома, чтобы заниматься своим ремеслом. Другие, как и я, вернулись на Юг после того, как начали свою карьеру в другом месте.
Сьюзен Уоршам: Марина, отель рядом с аэропортом, Ричмонд, Вирджиния; 2009 г.
Примерно в то же время, когда я переехал в Новый Орлеан, в городе росла удивительно поддерживающая сеть галерей, коллекционеров и онлайн-платформ, которая с тех пор расширила и взрастила растущее фотографическое сообщество всего региона. В Новом Орлеане PhotoNOLA — месячный праздник фотографии с обзорами портфолио, выставками и лекциями — начался в 2006 году как ответ на разрушительные ураганы прошлого года. В 2010 году в Ричмонде, штат Вирджиния, открылась книжная галерея Candela Books and Gallery, которая начала издавать великолепные книги и выставлять передовые авангардные фотографии. В 2014 году «Глядя на Аппалачи» — краудсорсинговый проект, базирующийся в Западной Вирджинии, — начался как серия онлайн-выставок, посвященных фотографиям, сделанным разрозненным коллективом местных фотографов. В 2012 году в Колумбусе, штат Джорджия, была основана общественная благотворительная организация Do Good Fund Inc., которая за шесть лет собрала музейную коллекцию из более чем 500 южных фотографий.
Это захватывающее время для фотографии на юге. Идеальный шторм новых талантов, творчества и расширяющихся возможностей способствует возрождению южной фотографии.
Вот почему Музей южного искусства Огдена в Новом Орлеане, где я работаю куратором фотографии, на прошлой неделе открыл «Новую южную фотографию». Эта выставка, на которой представлены изображения 25 художников, представляет собой крупнейшую фотовыставку, когда-либо организованную музеем. Цель выставки — представить передовой обзор глубины и широты фотографии, кино и видеоискусства, которые сегодня практикуются на юге Америки.
Сьюзан Уоршем: Девушка с кошкой, Вирджиния; 2012
Фотография, пожалуй, самый большой вклад американского Юга во всемирную дискуссию об искусстве 20-го века. Начиная с 1960-х годов, южные фотографы, такие как Уильям Кристенберри, Салли Манн и Уильям Эгглстон, стали мировыми суперзвездами искусства и стали пионерами «южной аранжировки» современной глобальной фотографической эстетики. Их фотографии странного, сложного, экзотического и часто неправильно понимаемого места отразились за пределами региона и попали в глаза международного мира искусства. «Новая южная фотография» обращается к новому поколению начинающих и менее известных современных фотографов, которые делают важные и интересные работы в регионе и о нем. Изображения, которые создают эти фотографы, меняют визуальное восприятие американского Юга и тем самым определяют будущее региона перед национальной и международной аудиторией.
«Новая южная фотография» была задумана в 2012 году для примирения и продвижения фотографии мирового уровня, практикуемой на юге Америки в 21 веке. Эта выставка стремится обеспечить этап, на котором всесторонний обзор инновационной работы, проводимой в регионе и о регионе, может быть получен из первых рук в одном месте. «Новая южная фотография» стремится изобразить «реальность на земле» на современном, глобально связанном Юге. Юг быстро меняется, фотографические технологии постоянно развиваются, как и истории, которые южане рассказывают с помощью фотографии. Масштабы выставки позволяют достаточно места на стене, чтобы продемонстрировать 25 фотографов и кинематографистов с монографической инсталляцией, посвященной единой «работе» в контексте большой групповой выставки.
Рэмелл Росс: желтый; 2012
Все фотографии, фильмы и видео, включенные в «Новую южную фотографию», были сделаны в течение последних 10 лет. Эстетически работа варьируется от объективной до абстрактной.
Все изображения обращаются к памяти, восприятию места, культурной мифологии и реальности, расовой и сексуальной идентичности, глубоким связям с землей, длительному влиянию прошлого на настоящее и преходящему характеру изменений в физическом и культурном ландшафте. современный Юг.
Доминантой является переосмысление традиционных жанров, таких как пейзаж, портрет и натюрморт. Многие фотографы практикуют очень постмодернистскую идею синтеза формальных концепций и эстетики из истории фотографии, живописи и скульптуры для создания нового фото-прототипа или изображения, превосходящего идею фотографической чистоты. Универсальная концепция, которую разделяют все художники, заключается в том, что они используют камеру как инструмент для поиска смысла, осмысления и понимания места, которое мы называем американским Югом.
В начале 21 века идентичность американского Юга и определение регионализма находятся в постоянном движении. В этот момент в истории южного искусства и фотографии Юг так же вовлечен в глобальный разговор, как и в региональный.
Это двусторонний разговор — мир резонирует с Югом, а искусство Юга резонирует с миром.
Кель Алфорд: Эдисон Дардар-младший на кастинге креветок, остров Жан-Шарль, Луизиана; 2010
Кель Алфорд: Джозеф и Джасмон Джексон играют в заливе, остров Жан-Шарль, Луизиана; 2010Хотя технологии фотографии изменились, в южном искусстве и литературе неизменной остается традиция рассказывания историй. Сегодня южане могут рассказать новые истории, истории столь же разные, как и жители региона. И хотя нынешние истории могут отличаться от тех, что были в прошлом, южная традиция повествования — переплетение сказок, некоторые из которых правдивы, а некоторые — нет, о памяти, месте, земле, семье и истории — остается центральной в повествовании о регионе. .
Зная, что опрос 25 фотографов не может представить полную историю современной южной фотографии или сложностей американского Юга, «Новая южная фотография» планируется и организуется как трехлетняя выставка, созданная Музеем Огдена.
Второе воплощение выставки — «Новая южная фотография II» — дебютирует в Огденском музее в 2021 году и снова представит работы 25 фотографов, режиссеров и видеохудожников.
“ New Southern Photography » будет выставлен в Музее южного искусства Огдена в Новом Орлеане до 10 марта 2019 года.
Скотт Далтон: Сахарная вата, Сьюдад-Хуарес, Мексика; 2010
Скотт Далтон: Гостиная Луча Либре, Эль-Пасо, Техас; 2011
Эндрю Мур: Zydeco Zinger, тематический парк Abandoned Six Flags, Новый Орлеан; 2012
Джаред Соарес: Studio Baby; 2009
Джаред Соарес: Окси-нейтрон и звезда; 2009
Карл Мартин: Без названия; около 1995 г.