История появления фотографии
SERGEY SOLOVEV
+792190 33 800
Главная / База знаний / …
Камера обскура была первым открытием в истории фотографии. Аристотель заметил, что свет, который проникает через маленькое отверстие, мог проектировать изображение в перевернутом виде на противоположенной стене.
Арабский ученый Альхазен примерно в 10 веке создал первую камеру обскура затемненной комнаты и увидел связь между четкостью изображения на стене и диаметром отверстия.
В Европе обскуры впервые появились в 16 веке. Над этим изобретением работали известные художники, такие как Леонардо да Винчи и Альбрехт Дюрер. Итальянский физик Джованни Порта внес большой вклад в историю фотографии и в усовершенствование камеры обскура. Сначала он предложил вставлять в отверстие обскура стекло, что было похоже на современную линзу. Потом Джованни изобрел портативную камеру.
В 19 веке камеры обскуры вошли в обиход европейцев, их использовали путешественники, граверы, художники и архитекторы.
Изображение, которое они получали в камере, обрисовывали карандашом. Это изобретение помогало запечатлеть образы людям, у кого не было таланта рисовать прямо с натуры.
Будущие люди, с помощью истории фотографии, сделали еще одно изобретение. Длительное время считали, что серебро может менять свой цвет под воздействием тепла. Однажды в 1725 году немецкий физик Иоганн Генрих Шульце доказал, что серебро темнеет не от тепла, а от света. Это открытие было случайным, так как он хотел получить вещество которое светится. Для этого он смешивал мел с азотной кислотой. В этой смеси находилось немного серебра, и на солнце она потемнела. При этом часть, на которую не попадали лучи, осталась светлой. После это Иоганн провел несколько экспериментов: накладывал бумажные буквы и цифры на бутылку со смесью, и затем получал их изображения.
Но настоящая история развития фотографии началась лишь спустя столетие. Изобретатель Нисефор Ньепс впервые получил рисунок из камеры обскуры без помощи карандаша.
Делал он это следующим образом: для фиксации изображения Ньепс выбрал битум, растворенный в лавандовом масле. Этим составом он покрывал металлическую пластину с серебром или стекло, немного нагревал ее, чтобы битум равномерно растекся по поверхности. Затем помещал ее в камеру обскуру, экспозиция в которой длилась около восьми часов. Появившееся изображение сначала было нечетким и требовало окончательной проявки. Места в покрытии, куда попадал свет, становились твердыми и нерастворимыми. С помощью кислоты и смеси масла с нефтью Ньепс удалял остатки битума. Теперь на пластине появлялась картинка, в которой светлые места соответствовали неосвещенным частям объекта, а темные – освещенным. Так была получена первая фотография. Свои изображения Ньепс назвал гелиографиями. Они пользовались неплохим успехом и вскоре привлекли свое внимание другого, не менее важного человека в истории возникновения фотографии, по имени Дегерр.
Главный вклад в истории развитии фотографии является изобретение негатива.
Его внес Bильям Генри Фокс Тальбот. во время своих опытов он заметил, что даже слабое или невидимое изображение можно проявить с помощью галловой кислоты. При этом получается картинка, на которой светлые места фотографируемого объекта получаются темными, а темные – светлыми. С помощью воска Тельбот сделал бумажный негатив прозрачным. Теперь развитие фотографии получило новый толчок. Ведь дагерротипы изготавливались только в одном экземпляре, а с негативов Тельбота можно было получить неограниченное число копий. Поначалу качество бумажных фотографий уступало качеству изображений, полученных на серебряных пластинах и достижения Тельбота не получило достаточного признания. Но будущее все-таки было за ними.
Луи Жак Мандэ Дагерр внес вклад в историю возникновения фотографии. Луи Жак изобрел новый метод получения фотографии. Он концентрировал свое внимание на свойствах йодида серебра изменять цвет под воздействием солнечных лучей. Вначале у него ничего не получалось, так как изображение, на серебряных пластинах получалось слишком тусклым.
Существует версия, что решение к Даггеру пришло абсолютно случайно. Он оставил пластинку из серебра в шкафу с химикатами и на утро увидел, что картинка на ней стала более четкой. Он пришел к выводу, что проявить изображение помогли пары ртути. В качестве фиксирующего раствора Даггер использовал поваренную соль. После 11 лет исследований, он добился своей цели и получил первые фотографии.
Со времени создания первой фотографии прошло много лет. Серебряные пластины сначала сменила бумага, затем пленка. А сейчас большинство фотографов перешли на «цифру». Хотя некоторые профессионалы продолжают работать с оборудованием для пленочной съемки.
База знаний
ИП Соловьев С. В.
Использование фотографий без письменного разрешения автора запрещено.
Все фотографии защищены законом об авторском праве.
© Сергей Соловьев 2010-2023
+7921 90 33 800
Как фотография повлияла на современное искусство и «убила» ли она живопись?
Материал опубликован в № 09 печатной версии газеты «Культура» от 30 сентября 2021 года в рамках темы номера «Что такое современное искусство?».
— Какое влияние фотоаппарат оказал на развитие искусства, и в частности на искусство современное? Можно ли, например, говорить о том, что появление фотографии поставило крест на той же реалистической живописи?
— Фотография, как и любое крупное явление, появившись на свет, повлияла чуть ли не на все сразу, причем очень решительно. Хотя и нельзя сказать, что она тут же «отменила» реалистическую живопись — это было бы серьезным упрощением. Дело в том, что сама живопись XIX века уже развивалась примерно в том же ключе, в каком начнет затем «работать» фотография.
— То есть на тот момент уже изнутри самого искусства назревала потребность в фотоаппарате?
— Именно. Любая технология всегда возникает как ответ на сформировавшийся в обществе запрос. В этом смысле показателен хрестоматийный сюжет из жизни Уильяма Генри Фокса Тальбота, британского изобретателя фотографии. В очередной раз отправившись путешествовать на континент, он оказался в Италии на озере Комо, где страстно возжелал запечатлеть всю ту красоту, что открылась его взору.
Рисовал он при этом не слишком ловко, отчего и пользовался «камерой люцидой» — довольно неудобным приспособлением, позволявшим с помощью заключенной в ней призмы поймать нужное изображение и спроецировать его на лист бумаги, чтобы затем на этом листе такое изображение воспроизвести.
И вот, устав от трудностей подобного рисования, он записал в своем дневнике, что неплохо было бы, если бы сама природа, без посредства руки художника, могла оставлять на листе бумаги собственный облик. А поскольку Тальбот был крайне разносторонним ученым, то по приезде домой сразу же приступил к созданию технологии, которая поможет осуществить его мечту. И в конце концов своего добился.
Что же касается изобразительного искусства, то, конечно, появление фотографии, как уже было сказано, изменило очень многое. Известнейший салонный художник того времени Поль Деларош, кстати, обучивший живописи не одного в будущем хорошего фотографа, узнав о появлении дагеротипии, вроде бы даже воскликнул: «Отныне живопись умерла!» Конечно, это было сильным преувеличением, но то, что мода на фотографию в кратчайшие сроки приняла характер эпидемии, — бесспорно.
И, безусловно, это не могло не повлиять не только на арт-рынок, но и на всю сферу существования искусства.
Во-первых, появление фотографии в принципе сильно облегчило, ускорило работу художника. Теперь во многих случаях вместо рукотворных этюдов можно было использовать фотоизображения собственного и чужого изготовления — как материал для тех же портретов.
Во-вторых, фотография повлияла на композицию, благодаря чему нас сегодня уже не удивляют разорванные, открытые по структуре изображения, эксцентричные, странные ракурсы, в которых мы видим людей или предметы, — мы совершенно привыкли к тому, что фотография фиксирует то, что не видит человеческий глаз, принимая ее оптику за свою собственную. Известно, что человеческий глаз отражает мир гораздо с меньшей скоростью, чем его «видит» фотообъектив, и по иным перспективным правилам. А до эпохи фотографии существовали иные, неоспоримые законы композиции — стандарты прекрасного, совершенного и полного. И именно эти стандарты фотография вскоре поставила под вопрос из своей склонности к фрагментации, о которой мы уже говорили.
С течением времени живопись впитала в себя все привнесенные ею новшества и стала изображение компоновать иначе. Например, Эдгар Дега писал уже картины, в которых центр мог оказаться пустым, а человеческие фигуры в фотографических ракурсах, смещенными к краю холста, а то и вовсе резко обрезанными: достаточно вспомнить хотя бы его «Площадь Согласия».
— Кстати, та же европейская творческая элита поначалу довольно холодно отнеслась к фотографии, считая ее несопоставимой с классической живописью. Дескать, художник своему ремеслу учится годами, а фотографу ничего для творчества не нужно — только сам аппарат. Как фотографии удалось «пробиться» в современное искусство?
— В этой точке зрения сошлось сразу несколько взаимосвязанных представлений. Прежде всего, убежденность в глубокой несправедливости нового положения дел. Ведь художник, в отличие от фотографа, для того чтобы создать произведение, сначала долго учится, а потом и работает, а за фотографа вроде бы все исполняет бездушная машина.
Затем, идущие от романтизма вера в божественное вдохновение художника и понятие гениальности. Все они связаны с человеком, его умом и сердцем, глазом и рукой, и не имеют никакого отношения к оскорбительным для них физике, химии и оптике.
Наконец, проходящий через весь ХIХ век разлом, нескончаемая борьба между идеальным и материальным, техникой и искусством, и фотография, конечно же, ассоциировалась с техникой и материей. И только уже в XX веке, и то не сразу, стало выясняться, что дело не в одном ремесле, затраченном времени и вдохновении, а еще и в навыке авторского контроля и последовательном выборе.
Можно сказать, что вся фотография строится на двух этих принципах — контроле и выборе. Ведь фотограф мало что делает непосредственно руками, хотя это, конечно же, огрубление, и, скажем, при печати очень многое именно руками и делается. Человек оказывается вытеснен из непосредственного процесса, отданного оптике, физике и химии, и вся его созидательная работа состоит в том, что, скажем, в архитектурной практике называется «авторским надзором».
Эта трансформация авторства отлично вписалась в практику авангардного искусства. Начиная с Марселя Дюшана с его «Фонтаном» и другими «готовыми изделиями». Он ясно показал, что главное заключено совсем не в ремесле или романтической гениальности, а в алхимии авторского выбора. И еще, согласно ему же, в участии зрителя, без внимания и толкования которого произведение художника просто не способно раскрыть себя, а значит, и стать искусством.
Более того, именно авангардисты впервые стали использовать фотокамеру как творческий инструмент, демонстративно отказываясь от ручных, устаревших и «буржуазных» средств репрезентации, в первую очередь от живописи.
— Почему?
— Давайте для ясности возьмем самую решительную, беззаветную версию авангарда — раннесоветскую. Большевистская программа полного переустройства мира нарисовала совершенно захватывающие перспективы для радикальных русских художников с их бескомпромиссно утопическим сознанием. И когда они отвергали целиком старое искусство, то руководствовались очень жесткой, но последовательной логикой.
Ведь трудно спорить с тем, что живопись создает для нас некий параллельный мир, предназначенный исключительно к созерцанию, — иначе что еще с ним делать? Созерцание — пассивно, пассивность же синоним потребительства, а потребительство — непременный атрибут старого, буржуазного общества. В то время как новому, пролетарскому и коммунистическому, обществу нужны не потребители, а производители, пролетарии — строители нового мира.
Поэтому и в отражении-изображении мира нужды больше нет, она есть единственно в его производстве. Устарелые средства репрезентации мы меняем на новые, производительные — отсюда предметный и полиграфический дизайн, архитектура, пресса, активная пропаганда вместо пассивной информации и, конечно же, фотография вместо рукотворного изображения. Согласитесь, железная, хоть и предельно узкая логика.
— В этом смысле, кстати, понятно, почему фотография так удачно вписалась в современное искусство, которое пронизано пафосом отказа от монументальности, ориентировано на движение, работу с мгновением.
— В целом согласен, но позвольте продолжить только что сказанное. Первые авангардисты использовали фотокамеру не только потому, что она была эффективнее и сподручнее для решения задач их практики, но еще и в силу ее природной демократичности. Она давала самое дешевое изображение из возможных и потому была незаменима для XX века с формирующимся в нем современным массовым обществом — что при капитализме, что при социализме. А массовому обществу нужны были столь же массовые инструменты производства информации, пропаганды и искусства.
В этой логике становятся понятны идеи, формулируемые Вальтером Беньямином в его знаменитом эссе «Произведение искусства в эпоху его технической воспроизводимости», в частности полное уравнивание в правах копии/технической репродукции с оригиналом. Беньямин прямым текстом пишет о том, что фотомеханическая репродукция готического собора, уплощая, уменьшая и размножая его вид, тем самым позволяет доставить этот объект любому человеку в любой точке планеты, оказывая на этого человека якобы тот же самый эффект, что и оригинальный готический собор.
То есть репродукция у него, по крайней мере по своему эстетическому, психологическому воздействию, равна оригиналу.
Собственно говоря, под знаком стирания различий между копией и оригиналом разворачивается вообще вся история искусства XX века. И в этот тренд как нельзя лучше вписывается фотография. Хотя окончательно ее саму признают искусством лишь в 1970-е годы, во многом просто по причине разочарования в прежних способах изображения.
— Можно ли говорить, что фотография как вид современного искусства прошла какую-то эволюцию? Я говорю не столько о технической стороне дела, сколько о том, как фотографы работали с реальностью.
— Это довольно сложный вопрос, однозначного ответа на него, думаю, не существует. Возьмем, к примеру, типичный фотопортрет XIX века. Первое, что бросается в глаза, — это его торжественность, пафосность. В большинстве случаев мы видим на нем тщательно одетых людей с серьезным выражением лиц. Выглядят они так, словно смотрят не в объектив, а предстают пред ликом вечности, отправляют послание потомкам.
Однако уже с 1920-х годов и вплоть до сегодняшнего дня подобный пафос растворяется без остатка. Сменяясь своей противоположностью — кратким моментом времени вместо вечности, мгновенным снимком, нарочитой случайностью кадра. В этом, если совсем грубо и кратко, и состоит вся эволюция, проделанная фотографией.
Она преодолела дистанцию между тем, что похоже на картину, и тем, что очень похоже на снимок в смартфоне. И суть проделанного пути — в предельном упрощении процесса съемки. Скажем, теперь вы вместо клавесина и органа играете на двуструнной самодельной гитаре или используете сэмплы. Но именно упростившись таким образом, фотография и смогла идеально адаптироваться, встроиться в общий сложный поток цивилизационного развития. А это развитие привело к прогрессирующему ускорению и вместе с тем к еще большему упрощению.
При этом не стоит ставить знак равенства между «упрощением» и «примитивностью». Не говоря уже о том, что внешняя простота такого элемента цивилизации, как фотографии, обманчива, очевидно, что сама цивилизация как система стремительно наращивает собственную сложность.
И из нее невозможно безнаказанно вытащить ни одного «простого» кусочка. Да и он сам, будучи извлечен из контекста, сразу же «умирает». То есть и в искусстве, и в фотографии все оказалось бесконечно сложно переплетено с окружающим миром. А общая тенденция к упрощению парадоксальным образом запустила процессы усложнения.
Причем вариантов здесь много. Вот, например, пара противоположных. Известнейший немецкий фотограф Андреас Гурски делает огромные фотокартины, которые часто описываются с помощью метафоры «глаз Бога». Такое всевидение, оптика, присущая его произведениям, совмещают в себе и универсальную панорамность, и множественную-премножественную детальность. А есть другой, тоже немецкий и тоже известнейший фотограф Вольфганг Тильманс, который создает не тотальные, все в себя вмещающие картины, а снимает множественные фрагменты мира, делает как бы случайные кадры разного размера, чтобы потом сконструировать из них сложную, многосоставную инсталляцию, из простых элементов синтезировать целое.
— А что происходит с самим фотографирующим, с тем, кто устанавливает аппарат и располагает нами, выбирая нужный момент? Отличается ли он от художника, который нас запечатлевает на картине?
— Отличие между ними уже в стартовой позиции. У живописца, пишущего картину, в основе всегда прямоугольник, то есть холст на подрамнике. Это его поле, границы его мира, в оранжерее которого он, так сказать, взращивает всю мировую «флору и фауну». Фотограф все делает прямо противоположным образом. Ему нет нужды ничего взращивать, все, что ему необходимо, уже есть в мире. И ему лишь нужно найти, выбрать и с помощью объектива «вырезать» желаемый фрагмент из картины окружающего мира.
Но на самом деле поймать идеальный кадр очень непросто. В коротком и таком простом движении пальца, нажимающего на спуск камеры, концентрируется весь зрительный опыт фотографа, вся умственная работа, проделанная до этого момента, все его ремесленные навыки. Как присесть, обо что облокотиться, как не привлечь ненужного внимания, успеть передать одному ему заметный в этот момент визуальный эффект, установить нужные границы кадра и т.
д. — с учетом того, что у него бывает на все про все одно-единственное мгновение. Согласитесь, что в этом смысле у живописца или графика позиция гораздо более комфортная. Он может писать или рисовать долго, бесконечно что-то менять, удалять, переосмысливать.
— Как Instagram повлиял — если, конечно, повлиял — на фотографию? Лично у меня возникает такое ощущение: сегодня фотографий стало так много, что в них самих пропал какой бы то ни было смысл и что, в сущности, современные технологии, демократизировавшие фотографию до предела, вместе с тем привели и к ее девальвации. Так ли это?
— Для «высокой» фотографии — фотографии как искусства — Instagram не угроза. Для современного искусства, использующего фотографию по своему усмотрению, — тем более. А то, что сегодня все неустанно «щелкают», в этом тоже нет ничего нового, изменились только масштабы. Это же не значит, что не стало классных фотографов. Более того, фотография — такая странная вещь, что и любой дилетант может вдруг снять хорошую фотографию.
— Мне в этой связи вспоминается размышление Сьюзен Зонтаг из ее книги «О фотографии», где она пишет: «Острая потребность в красоте, нежелание исследовать то, что под поверхностью, упоение телесным миром — все эти составляющие эротического чувства проявляются в удовольствии, которое мы получаем от фотографии. Но у этого удовольствия есть оборотная сторона, чуждая свободе. Не будет преувеличением сказать, что у людей образуется фотозависимость: потребность превратить опыт в способ видения». С похожей, по сути, критикой фотографии выступал и философ Ролан Барт. Он говорил, что фотография — это все-таки про работу с внешней оболочкой явления, про уход от концентрации на внутренней, скрытой глубине. В этом смысле нельзя ли сказать, что фотография, особенно с появлением Instagram, привнесла в современное искусство этот акцент на внешнем, который был оплачен отказом от внутреннего, и что эта привычка — скользить по поверхности — «заразила» современного человека?
— Конечно, фотография — это по определению искусство внешнего, или медиум внешнего.
Но и живопись в каком-то смысле — тоже про внешнее. На самом деле подавляющая часть живописцев всегда всего лишь осваивала ремесло корректного перенесения того, что перед глазами, на прямоугольник холста, а любая глубина была исключительно уделом одиночек. Она и возникает в мастерстве акцентов, системе выборов. Я к тому, что визуальное, изображающее мир искусство всегда фиксирует поверхность, при этом пытаясь говорить о чем-то внутреннем. Посему проблемы, о которой пишет Сьюзен Зонтаг, по сути, и нет.
Что же касается Ролана Барта, то мне кажется, что об оппозиции видимое/невидимое, внутреннее/внешнее он высказывался гораздо убедительнее. Вспомнить хотя бы важнейшую историю из его последней книги Camera lucida. Он описывает, как сразу после смерти любимой матери бесконечно долго искал и не находил в семейных альбомах фотографию, соответствующую ее подлинному образу, который Барт хранил, что называется, в глубине сердца. Поиски продолжались до того момента, пока он не обнаружил неизвестное ему до той поры изображение маленькой девочки, сделанное в Зимнем саду.
Такой свою мать он, конечно же, никогда не знал и не видел, но при этом на снимке из Зимнего сада он увидел ее именно такой, какой знал в собственном сердце. Узнал образ самого близкого, любимого человека.
О чем эта история? О невидимом, внутреннем образе, нашедшем соответствие в изображении внешнем. Вот вам и еще одна из множества версий прочтения фотографии.
Фотографии: Рамиль Ситдиков/Риа Новости. На анонсе — Photoxpress.
Эстетическая фотография — композиция, освещение и цвет
Определение эстетической фотографии
Сначала давайте дадим определение эстетической фотографии
Эстетика может быть расплывчатым и субъективным термином. Первым шагом в понимании этого термина является рассмотрение определения эстетической фотографии.
ЭСТЕТИЧЕСКАЯ ФОТОГРАФИЯ ОПРЕДЕЛЕНИЕ
Что такое эстетическая фотография?
Эстетическая фотография — это фотографическая практика запечатления визуальной красоты в изображении.
Точно так же, как термин «красота» может быть субъективным, «эстетическое» можно отличить как нечто, что непосредственно визуально приятно зрителю.
Эстетические фотографии предназначены для использования визуальных характеристик, таких как цвет, композиция, освещение и предмет, для создания визуально приятной фотографии.
Эстетические принципы фотографии:
- Освещение
- Композиция
- Предмет
- Цветовые схемы
Фотография. различие между эстетикой и стилем. Оба обычно используются друг для друга, но есть ключевые различия, которые нам необходимо установить.
Стиль
Когда большинство фотографов говорит о стиле, они имеют в виду особый подход фотографа к съемке. Эстетика фотографа создает особый стиль. На стиль влияет выбранная вами камера или тип объектива, настройки вашей камеры и любые другие типы оборудования для камеры.
Стиль часто определяется тем, что фотограф находит и неоднократно использует инструменты, которые помогают ему создавать изображения, которые он представляет.
Например, уличный фотограф Дэниел Арнольд известен своим особым стилем уличной фотографии. Арнольд почти исключительно использует пленочные камеры с автофокусом, такие как Contax G2, с широкоугольным объективом и внешней вспышкой для своих фотографий.
Дэниел Арнольд • Эстетические изображения людей
Эстетика
С другой стороны, эстетика идет немного дальше технических аспектов. Эстетика в фотографии относится к моделям использования фотографом визуальных элементов для создания красивых изображений. Этими элементами могут быть композиции кадра, сюжеты, цветовые решения и приемы освещения.
Например, культовый фотограф Стив Маккарри разработал свою собственную уникальную эстетику. Постоянное использование МакКарри ярких цветов и международных сюжетов из его путешествий делает его работы узнаваемыми и красивыми.
Стив Маккарри • Эстетические изображения людей
В фотографии важны как стиль, так и эстетика.
Но важно понимать разницу между ними. У фотографа может быть сильный стиль, но не эстетика, и наоборот. Развитие обоих — отличный способ отточить свой голос как фотографа.
Как делать эстетические фотографии
Почему эстетика так важна?
Почему для фотографа важна именно эстетика? Это то, что фотограф должен осознавать при съемке? Правда в том, что определение эстетики может быть трудным и часто расплывчатым. Но это не должно отвлекать от его значения в фотографии и в искусстве.
Люди тянутся и пленяются красотой. Произведение, обладающее характеристиками, привлекающими зрителя, можно назвать эстетическим. Поэтому, если вы хотите, чтобы ваша работа была связана с другими, эстетика должна иметь значение. На самом деле, это должно иметь большое значение.
Понимание того, как делать эстетические снимки, становится немного яснее, если вы немного познакомитесь с эстетической философией. Этот ускоренный курс по эстетике рассказывает об эстетическом восприятии и его роли в искусстве и дизайне.
Это поможет вам лучше понять, как эстетика и фотография идут рука об руку.
Эстетика и фотография: Ускоренный курс
Будучи средством в мире искусства, фотография очень выигрывает от эстетики. Хотя это не единственное, что нужно учитывать при съемке изображения, важно знать, что ваша работа находит отклик у других, одновременно представляя ваш художественный голос. Давайте рассмотрим несколько техник, которые помогут вам включить эстетику в вашу фотографию.
Как делать эстетические снимки
Сосредоточьтесь на композиции
Композиция — это основной инструмент для создания красивых изображений. Композиция важна как для эстетики, так и для фотографии. То, как фотограф выбирает расположение сцены и предмета перед собой, является, пожалуй, одним из самых важных элементов эстетически приятных снимков. Вот несколько техник, которые можно использовать в своих композициях для создания красивых изображений.
Направляющие линии
Направляющие линии — это техника обрамления линий внутри изображения, привлекающая внимание зрителя к определенной точке.
Поскольку направляющие линии направляют внимание зрителя, они часто сразу же захватывают его внимание, привлекая к красоте фотографии.
Эстетическая черно-белая фотография
Правило третей
Правило третей — это процесс деления изображения на трети с помощью двух горизонтальных и двух вертикальных линий. Эта воображаемая сетка дает девять частей с четырьмя точками пересечения. Использование правила третей создает сбалансированные композиции, которые естественным образом радуют глаз. Эта фотография использует как направляющие линии, так и правило третей, чтобы создать эстетическую фотографию.
Составление фотографий эстетические фотографии
Конечно, правила созданы для того, чтобы их нарушать и даже нарушать. Однако понимание правила третей — отличный способ узнать, что естественно приятно для человеческого глаза.
Симметрия
Как правило третей, так и направляющие линии часто используются для создания более широкой концепции симметрии.
Симметрия — это формальный баланс веса в изображении. Это также естественно приятно для человеческого глаза, потому что симметрия упорядочивает сцену в сбалансированном порядке.
Симметричные композиции уравновешивают вес фотографии
Сопоставление
Использование сопоставления в эстетических фотографиях — отличный способ придать объекту визуальное значение. Сопоставление двух предметов для создания смысла может быть достигнуто путем постановки ваших предметов или точного их обрамления.
Сопоставление двух объектов
Конечная цель композиции — расположить визуальные элементы таким образом, чтобы они сразу привлекли внимание зрителя. Эти советы по композиции — лишь несколько способов сделать это. Развитие вашего глаза и доверие к вашей интуиции является ключом к созданию эстетически приятных изображений.
Как делать эстетичные снимки
Экспериментируйте с освещением
Независимо от того, снимаете ли вы в контролируемой студии или на природе, освещение является важным аспектом создания эстетичных фотографий.
Использование света означает не только правильную экспозицию изображения. Это означает использование света и экспериментирование со светом для создания красивых эффектов.
Используйте тот свет, который у вас есть
Эксперименты со светом не всегда означают использование искусственных источников света и постановку их для создания красивых стилей освещения. Это означает использование любого доступного света, естественного или искусственного, но захватывать его таким образом, чтобы он становился текстурной частью изображения.
Не позволяйте отсутствию оборудования ограничивать вас в использовании света для создания эстетичных фотографий. Даже простой ключевой свет может создать драматические образы. Проявите творческий подход к настройке трехточечного освещения с использованием отражателей и отражателей от естественного света.
Естественный свет • Эстетические изображения людей
Творческое использование теней
Отличный способ использовать свет для создания интересных композиций, о которых мы говорили выше, — это создавать тени.
Тени могут создавать интересные текстуры и предметы, которые при творческом использовании становятся частью композиции вашей фотографии.
Эстетика фотографа с тенями
Мягкий или резкий свет
Определение того, какое качество света вам больше нравится, также поможет вам развить собственную эстетику. Мягкий свет, полученный искусственно с помощью диффузоров или естественным путем в Golden Hour, может внести тональный вклад в ваши изображения. Если теплые, естественные изображения — это не то, что вы хотите запечатлеть, резкий свет может помочь создать более драматичные изображения.
Жесткий свет в фотографии эстетические фотографии
Свет в фотографии можно использовать просто как средство правильной экспозиции изображения. Однако при создании эстетических фотографий свет предназначен для кадрирования, манипулирования и экспериментов, чтобы создать слой красоты.
То, как вы используете свет, мягкий он или резкий, естественный или искусственный, обильный или скудный, будет зависеть от того, что вы себе представляете.
Эстетика и фотография
Используйте цвета с намерением
И черно-белая, и цветная фотография имеют свои плюсы и минусы. Если вы решили снимать в последнем, важно быть преднамеренным в использовании цвета. Преднамеренное использование определенных цветовых схем — отличный способ сделать фотографию эстетически приятной.
Красочная эстетика фотографа
Различные цвета и цветовые сочетания по-разному воздействуют на зрителя. Это так называемая теория цвета. Понимание теории цвета необходимо любому фотографу, который хочет снимать эстетические фотографии.
Приведенный ниже анализ видео разбирает теорию цвета применительно к пленке, но следует тем же принципам, что и теория цвета для фотосъемки.
Теория цвета в кино • Подпишитесь на YouTube
Adobe Color Wheel — отличный инструмент для создания различных цветовых схем для фотографов. Инструмент позволяет вам выбирать из различных правил цветовой гармонии, таких как аналоговые, монохроматические, дополнительные и другие, чтобы увидеть, как различные цвета падают на колесо в соответствии с выбранным вами правилом.
Цветовой круг для эстетически привлекательных изображений
Умышленное использование цвета на фотографиях — это вопрос понимания цветов, присутствующих в снимаемой сцене, а также того, как вы редактируете фотографию.
Как делать эстетические фотографии
Принципы гештальт-теории
Основополагающий набор принципов дизайна — это принципы гештальт-теории. Принципы гештальт-теории представляют собой набор из шести отдельных принципов, определяющих различные способы восприятия элементов дизайна человеческим мозгом.
Шесть принципов гештальт-теории: сходство, продолжение, завершение, близость, фигура/фон, симметрия и порядок. Вот видео-разбор шести принципов гештальт-теории, которые помогут вашей эстетической фотографии.
Принципы гештальта • Как делать эстетические фотографии
Поиск возможностей для использования концепций в ваших композициях и фотографиях поможет вам делать более эстетичные фотографии.
По крайней мере, понимание принципов гештальт-теории даст вам представление о том, как человеческий мозг воспринимает красоту в дизайне.
Правила композиции кадра в фильме
Кинематографисты часто черпают вдохновение в фотосъемке. То же самое можно сказать и о фотографах, черпающих вдохновение из фильмов. Чтобы узнать больше о композиции и эстетике, ознакомьтесь с нашей следующей статьей, посвященной правилам композиции в кинопроизводстве.
Наверх Далее: Композиция кадра →
Как улучшить свою внешность на фотографиях: 9 причин
Хотите подчеркнуть красоту своих портретов? Вот девять наиболее распространенных объяснений того, почему люди кажутся непривлекательными на фотографиях. И, конечно же, предложения по исправлению.
1. Низкий угол съемки В общем, объектив должен быть выше уровня глаз, чтобы человек выглядел красиво на снимке.
Вот хорошая иллюстрация:
Если это селфи, держите камеру немного выше, попросите фотографа поднять ее, попросите друга, который выше, сделать снимок, или слегка присядьте. Дополнительно немного (но не слишком сильно) опустите подбородок; никто не хочет видеть, что у тебя в носу.
2. Неверное фокусное расстояниеВ зависимости от фокусного расстояния объектива лица кажутся разными (18 мм, 35 мм, 200 мм и т. д.).
Отличный диапазон фокусных расстояний для фотографий, которые выглядят естественно, составляет от 35 мм до 85 мм. Однако у каждого человека уникальное лицо. В результате иногда люди думают, что они фантастически выглядят в зеркале, но пугают на фотографиях.
Попросите друга принести зум-камеру и сделать несколько снимков с вами, каждый раз заполняя кадр лицом, чтобы определить ваше идеальное фокусное расстояние. Затем вы просматриваете их и решаете, что вам больше нравится.
Попробуйте фокусное расстояние между средним и большим.
Помните, что глаза так же важны, как и рот, когда дело доходит до улыбки в камеру. Попробуйте немного опустить верхнее веко, прищурив нижнее веко, чтобы «улыбнуться глазами».
Используйте зеркало, чтобы отточить свои навыки. Проверьте свою привлекательность!
4. Неправильное выравнивание телаМожет показаться немного угловатым, если голова и плечи сфотографированы спиной к камере. Слегка поверните одно плечо в сторону объектива. Ваши плечи должны быть повернуты к камере под углом примерно 30 градусов. Вот иллюстрация портрета, сделанного профессиональным фотографом доктором Энтони Ромео:
Вы будете выглядеть стройнее, если примете эту позу. Поднимите, откиньте назад, затем также опустите плечи.
Это сделает верхнюю часть туловища лучше и несколько удлинит шею. Мы же не хотим, чтобы наши плечи поникли, не так ли?
Уделите фотографу все свое внимание, когда вас фотографируют, чтобы избежать нелепо открытого рта или странных глаз на снимке. Всегда держите фокус на камере. Если к вам сейчас обращаются, молчите. Не моргай, пожалуйста. Сосредоточьте свое внимание, потому что осталось всего несколько секунд.
7. Вы корчили рожи Вы кажетесь глупым, если выпячиваете язык, лицо, щеки и другие черты лица.
Если вы не хотите сделать забавный портрет и спрятать его, не поддавайтесь импульсу корчить рожи в камеру.Попросите фотографа сделать несколько ваших снимков как в серьезной, так и в обычной позе. Какой из них вы предпочитаете? Сравнивать.
8. Вы произвели только один выстрел, не проверив его.Если вы считаете, что ошиблись в предыдущем выстреле, моргнув, зевнув и т. д., не стесняйтесь запросить еще один. Если вам не нравится фотография, которую они сделали, попросите их посмотреть, как вы на ней выглядите, и позвольте им сделать еще одну. Проявите энтузиазм в создании прекрасного образа.
9. Вам просто «не нравится» Некоторым людям не нравится, когда их фотографируют. Однако, если вы не можете этого избежать, стоит приложить усилия, чтобы выглядеть как можно лучше. Многие люди не любят фотографироваться, потому что считают, что всегда выглядят плохо, или потому что у них низкая самооценка.