Рисовальщик фотограф сразу делающий рисунок печатающий снимок: Рисовальщик, фотограф, который изготовляет изображение сразу, моментально, 11 букв, сканворд

Пользователи социальной сети воссоздают известные картины, позируя для фото (24 фото)Ни для кого не секрет, что современная живопись значительно отличается от картин былых лет. В наши дни, к сожалению, настоящие шедевры появляются все реже и реже. Но сегодня речь пойдет не об этом, а о том, что в одном из пабликов в социальных сетях начался настоящий флешмоб, связанный со старыми картинами. Люди делают пытаются сфотографироваться таким образом, чтобы повторить известные картины. Что из этого выходит?

А.Ф. Ризенер, «Портрет Жозефины Фридрихс»

Эгон Шиле, «Автопортрет»

Пабло Пикассо, «Любительница абсента»

Кузьма Петров-Водкин, «Купание красного коня»

Н. С. Гончарова, «Автопортрет с жёлтыми лилиями»

Фрида Кало, «Автопортрет»

Винсент Ван Гог, «Автопортрет с перевязанным ухом и трубкой»

В.Л. Боровиковский, «Портрет М.И. Лопухиной»

Франс Халс, «Лютнист»

Ян Вермеер, «Девушка с жемчужной серёжкой»

Амедео Модильяни, «Портрет Жанны Эбютерн в большой шляпе»

Рене Магритт, «Сын человеческий»

Борис Григорьев, «Автопортрет»

Аньоло Бронзино, «Элеонора Толедская»

Василий Суриков , «Меншиков в Берёзове»

Караваджо, «Лютнист»

Грант Вуд, «Американская готика»

Леонардо да Винчи, «Дама с горностаем»

Валентин Серов, «Девочка с персиками»

Караваджо, «Юноша с корзиной фруктов»

Пьеро делла Франческа, «Портрет Федериго да Монтефельтро»

Жан-Леон Жером, «The Bacchante»

Василий Пукирев, «Неравный брак»

Теофиль Стейнлен, «Пьеро и кот»

Отсюда

Про рисование с фотографий: varka — LiveJournal

Почему-то в эти дни в моей ленте и моими друзьями в личных беседах очень часто поднимается тема заимствования в рисовании. Про этику, плагиат и прочее. А незнакомые люди спрашивают: «можно ли рисовать с фотографий?» и, в частности, «можно ли рисовать с фотографий, найденных в интернете?».
Я же всё никак не могу приступить к ответу, поскольку же, да, можно. И вот тут вы радостно закрываете это окно и бежите обводить фотографии, а ведь за этим «да» идет довольно много «но».

Почему это может быть не только можно, но и нужно:
Как бы там ни хотелось некоторым авторам и критикам внушить, что «настоящий художник обязан всё рисовать из головы», иначе он не художник, это не так. Не обязан художник знать, как выглядел костюм придворных при конкретном правителе и чем отличался от костюмов тех, кто чуть выше или чуть ниже рангом. А это строго регламентировалось. Да ладно, можно так сложно не ходить — чтобы нарисовать статую свободы, автомобиль, да даже правильно стоящую стопу — нужно изучить то, как это выглядит. Понятно, что в случае со стопой мы всегда можем попросить соседа, встать перед зеркалом или сфотографировать свою конечность для изучения.
Но частенько нужной натуры у нас просто нет под рукой. Для этого мы и берем книжки и гугл и изучаем. Много фотографий, чтобы посмотреть со всех сторон — размеры, пропорции, пластику линий, фактуру и прочее.
Да, ок, можно включить воображение, но на достоверности можно поставить крест. В итоге получается что-то совершенно условное. Да, авторское, но у зрителя не возникнет нужного узнавания. Даже если мы говорим о фантазийный сценах. Если наш персонаж идет по траве, не какой-то условной траве, а похожей на осоку, например, надо пойти и посмотреть, как выглядит эта осока.
Какую бы тему вы ни рисовали, источники всегда будто ощутимым подспорьем. Вы можете стилизовать, играть с деталями, но не имея этих деталей, нам нечем играть.

Аспекты, которые могут всех тут смущать:

Юридический.

Интернет создает иллюзию того, что раз можно скачать, оно теперь моё, но ежу понятно, что у любой картинки есть автор. И этот автор может вполне законно возмутиться. И тогда вам настучат по голове. Не здорово. Поэтому не срисовывайте одну картинку один к одному. Работайте с несколькими, работайте с композицией, стилем, цветом, деталями. Фотография — вспомогательный источник. Основные — ваш мозг, воображение и мастерство.

Этический.

Достоевщина, как тут говорят. Ах, какой же я художник, если не могу изобразить все, что взбредет в голову? Всё — не можешь. Смирись. Что-то можешь — и это уже хорошо. Не хватает знаний? Получай! Это такой же образовательный момент.

Технический. Тот, что больше всего смущает меня.

Почему? Рисовать с использованием референсов — не значит обводить фотографии. И уж тем более, чужие рисунки.
Давайте, возьмем первую попавшуюся понравившуюся фотографию и обведем.
Что мы получим в итоге? Широкая грудная клетка, не понятно откуда растущие конечности. Без знания анатомии, без анализа и переработки увиденного не получится убедительно. Жанр «я красиво обрисовал фотку в векторе» оставим в двухтысячных, сейчас это никому не интересно. Как гиперреализм, созданный с помощью проектора.

Как это делать правильно?

— Думать головой
— Включать воображение. Идея вашей работы не в том, чтобы скопировать чужое. Задача — наполнить достоверными деталями своё.
— Изучать композицию, анатомию, перспективу, светотень, цветовые гармонии и прочее то, что маст.
— Качать мастерство с помощью живых зарисовок.
— Использовать нужную вам и вашей задумке степень условности. Не умеете рисовать анатомически верно? Стилизуйте! Упрощайте! Делайте плоским. Меняйте пропорции. Но опять же осознано, ваша цель — сделать убедительно.

Чего не надо делать?

— Не обводить фотографии. Оно по всем трем пунктам попадает — и юридически опасно, и этически сомнительно, и технически слабо выходит. Используйте фото как вспомогательный источник, а не основной.
— Не пользоваться только одним изображением в качестве источника. Знания это не даст, зато выдаст вас с потрохами.

Каждый рисунок, каждый проект может сделать нас лучше.
Тем более, что на стоках мы сами себе хозяева и можем сами ставить себе задачи.
Кто-то тут скажет, что у него цель сгрести побольше бабла, а не какое-то там мифическое развитие, а я отправлю таких подальше. В блоги тех, ко пишет, что стоки — это легко и для всех. Я же скажу, что именно качественно иной уровень сможет выделить ваши работы тиз океана прочих.

Хотела проиллюстрировать материал специальными картинками, но прямо сейчас хочется рисовать то, что рисуется, а не учебные материалы, простите.
Будет эскиз в цвете из рабочего проекта. С учетом того, что рисовала явно новогоднюю атмосферу, итог смогу показать не раньше ноября.  А опыт рисования сториборда сложный, но офигенный. Будто за неделю перепрыгнула на следующую ступеньку)

Снимаем камерный портрет

Приветствую читателей журнала PhotoCASA! Меня зовут Анатолий Карпов, я фотограф-портретист. Благодаря предложению редакции написать статью у меня появилась уникальная возможность поделиться некоторыми своими идеями и лайфхаками, которые могут быть полезны моим коллегам, так же, как и я, увлекающимся портретной фотографией или планирующим заняться этим жанром.

Фотография для меня — это не хобби, а дело, которому я посвящаю все свое время. Это и работа, которая кормит, и отдушина, позволяющая абстрагироваться от каких-то бытовых нюансов, и вдохновение, помогающее реализовать в жизни те фантазии, которыми обычно полны мысли художника. В данный момент у меня два основных направления деятельности: это клиентская классическая портретная фотография и обучение фотографии и ретуши.

К классическому портрету я пришел не сразу, сначала пробовал себя и в уличной фотографии, и в фэшн-съемке, но вскоре почувствовал,
что камерный портрет — это именно то, что дает возможность раскрыть характер, показать красоту, помочь клиенту перевоплотиться в другом образе, «примерить» на себя новую жизнь и эпоху.

Если говорить о коммерческих съемках, то в большинстве случаев заказчик приходит с пониманием, что ему очень нравится стиль, но он не может конкретизировать, как именно он видит себя в кадре. Тогда мы начинаем общаться. Иногда что-то приходится активно советовать, зачастую от чего-то отговаривать, поскольку я понимаю, что клиенту данный образ не подойдет, но компромисс всегда находится. Хотя при желании во время фотосессии мы можем снять и в том образе, который очень хотел клиент, а мне показался сомнительным. Затем вместе смотрим удачные кадры, из которых нужно выбрать от 6 до 12 для художественной обработки, и вот тогда, как правило, клиент понимает, что мои советы были не напрасны.

Порой слышу вопрос от своих коллег, почему я предлагаю пакеты по 6 или максимум 12 фотографий. Ответ очевиден: в камерном портрете при правильно спланированном съемочном процессе на 1–2 образа для одного человека при съемке в течение двух часов красивых неповторяющихся кадров в принципе больше и не получится. Да, красивых может быть намного больше (если модель раскрепощена, то за 2 часа съемки на выходе можно получить до 250 хороших качественных кадров). Но чтобы каждый кадр был неповторим, выглядел, как картина, которая имеет индивидуальную ценность, нужно тщательно и продуманно выбирать. Кроме того, обработка одной фотографии — это долгий и кропотливый процесс, который может занимать у меня от 8 до 15 часов. Каждый снимок в результате представляет собой произведение искусства, а это всегда штучный товар. Ускоряться в этом процессе — означает уходить в масс-маркет. Он имеет место быть, но я предпочитаю работать в другой нише. Абсолютно не критикую тех, кто делает быстро и качественно, но нужно понимать — это совершенно иной продукт для другой категории клиентов.

Периодически вижу рекламу коллег или их рассказы о быстрой ретуши, когда за 15 минут можно создать шедевр. Ну, что сказать… Это, наверное, дело вкуса и критичного отношения к своей работе. Я иногда сижу с фотографией сутки, и она мне кажется уже идеальной. Потом смотрю на нее на следующий день, вижу свои ошибки и радуюсь, что никому не успел ее показать, никуда не выставил, не поторопился. И
начинаю переделывать. Портрет — это ведь фактически живопись, ну или светопись, как вам больше нравится. Иногда, чтобы добиться нужного эффекта, я стираю тени и света и рисую их заново, и тогда портрет оживает. В результате получается та самая «деликатная» ретушь, которая незаметна заказчику, людям, которые лично знакомы с клиентом. Человек смотрит на фотографию и узнает на ней себя: да, именно
таким я вижу себя в зеркале! Нет, фотограф не изменил меня до неузнаваемости, не сделал моложе на 10 лет, я не выгляжу на фотографии нелепо, а выгляжу так, как я себя ощущаю. Другой момент, что художники-классики всегда немножко льстили своим заказчикам, убирали дефекты кожи и явную асимметрию, выбирали наиболее удачные ракурсы, светотеневой рисунок, сочетание цветов. В этом плане фотограф — тот же художник, просто у него другие инструменты.

Конечно, качество исходника играет первостепенную роль: если он не дотягивает, то никакая ретушь не поможет сделать из посредственной
фотографии шедевр. Поэтому, когда ко мне приходят на индивидуальное обучение и просят в течение курса опустить часть по фотографии (так как по мнению ученика он уже фотограф от Бога) и увеличить часть по ретуши, я стараюсь все равно дать максимально объемную информацию именно по съемке, выстраиванию света, расстояниям до модели, фона, источников света, по углам наклона источников света и т.д.

Что касается съемочного процесса, я считаю, что именно красивый свет является залогом успеха. Я предпочитаю работать с импульсным светом, поскольку мне он кажется более интимным, волшебным и таинственным. Я часто хожу в картинные галереи, учусь у старых мастеров. Учиться можно бесконечно: построению композиции, позам, свету, цвету. Все, что мне импонирует в живописи, наиболее полно можно воплотить именно с импульсным светом. Мне безумно нравится техника Низкий ключ, ведь такой портрет кажется более драматичным, энергетически наполненным. Световые схемы могут быть совершенно разными: от одного источника света (как на картинах Караваджо, Рембрандта) до пяти. Поверьте, выбор световой схемы обязательно должен отвечать замыслу, главной идее. Не всегда чем сложнее выстроен свет, тем лучше результат. Помним о классиках, они-то знали толк в красивом свете. Создавая камерный портрет, уделите максимум внимания позам и деталям: взгляду, положению кистей рук, пальцам, складкам одежды, локонам. Старайтесь избегать манерности и натянутости в позах — это будет заметно и подсознательно оттолкнет зрителя. Нужно создать иллюзию естественности, расслабленности модели. Некоторым, особенно взрослым, крайне сложно раскрепоститься перед камерой. Мои лучшие кадры обычно получаются во второй половине съемочного процесса, когда модель
привыкла к обстановке, ко мне, к процессу и… немножко устала. И вот тогда начинается настоящая съемка: когда человек готов не просто смотреть в камеру, но и говорить взглядом.

Главное отличие камерной портретной съемки от фэшн состоит в процессе работы с моделью. В фэшн модель двигается, и фотограф тоже
двигается и ловит удачный ракурс, делая серию снимков. При камерном портрете модель статична, соответственно и фотографу нет необходимости бегать по студии, его задача — оценить позу модели и светотеневой рисунок на ней и скорректировать его до нужного результата.

Для этого иногда необходимо несколько раз поправить наклон головы, увести направление взгляда на миллиметры в сторону, чуть изменить изгиб шеи, слегка поправить пальцы, чтобы они выглядели изящно и естественно. В данном случае модель — она же натурщица.
Замирать в нужной позе совершенно без движения даже на несколько секунд –— это сложно. Потому что клиенту кажется, что он и не двигался, подумаешь, немножко голову наклонил…
Но когда я показываю на мониторе кадр и объясняю нюанс этого «немножко», тогда модель уже осознает, что любое, даже мимолетное ее движение может либо испортить кадр безвозвратно, либо сделать его шедевром. А это уже сопричастие, сотворчество. Это мотивирует и фотографа, и модель.

Обычно во время съемки я работаю с ассистентом, который стоит за мной и корректирует позы модели, может подойти и поправить положение рук, прическу либо складочки на платье. Работать вдвоем крайне удобно, ведь при съемке я концентрируюсь на одних моментах, например, на свето-теневом рисунке, бликах в глазах и т.д., а ассистент на других: в порядке ли прическа, не видны ли лишние нюансы в костюме модели, нет ли дисторсии на лице при улыбке, падает ли нужный блик на жемчужную сережку…

О камерном портрете и процессе его создания я могу говорить бесконечно. Это творчество и обучение одновременно. Коллегам, которые уже
снимают в этом жанре или только собираются в него погрузиться, я желаю неиссякаемого запаса идей для новых образов, удачных поисков
световых решений и хороших наставников!

Текст и фото: Анатолий Карпов

как повторять снимки знаменитых фотографов

Изучать то, как был создан снимок с технической стороны, а не концепции и идеи, должен уметь каждый фотограф. Это должно помочь в понимании того, какие использовались настройки камеры, чтобы получить нужный эффект на снимке.

Открытая диафрагма и телезум объектив. Почему? Маленькая глубина резкости и очень сжатая перспектива достигается за счет работы этой пары.

Чтобы понимать, как было сделано изображение, нужно идеально знать 3 кита настроек в фотографии – выдержка, ISO и диафрагма. Нужно знать, как изменить выдержку и диафрагму, чтобы получить смазанный фон, и другие секреты. На этом моменте стоит сделать вещь, которую не делал ни один фотограф – достать запылившуюся инструкцию к зеркалке и внимательно ее прочитать.

Как только увидите свет, вы начнете понимать, как он ложился на объект съемки, и повторять его, но в этой статье речь пойдет не об этом. Здесь рассмотрим лишь технику съемки некоторых снимков.

Какая скорость спуска затвора (выдержка) – быстрая или медленная?

Шаг первый – выдержка

Первое. на что стоит обратить внимание на снимке, это выдержка. Какой она была – длинной или короткой? Это определяется по смазу динамических объектов. Чем больше и длиннее смаз – тем длиннее была выдержка на снимке. Чем четче объект съемки во время динамических сцен, тем короче. В принципе, это логично. В настройках камеры короткая выдержка – это от 1/2000 и до 1/80 примерно, все что меньше 1/80 до 30 секунд, считается длинной выдержкой, и на таких медленных скоростях затвора уже может появится шевеленка от трясущихся рук.

Очевидно, чтобы добиться такого эффекта на воде, использовали длинные выдержки: 4-5 секунд. При этом, судя по глубине резкости была закрыта диафрагма. Такие снимки лучше всего делать с помощью штатива.

Один из велосипедистов двигался медленнее остальных, поэтому получился четче на снимке, но выдержка все равно была примерно 1/6 или 1/15.

Выдержка 1/2000, чтобы заморозить такой быстрый объект.

Шаг второй – диафрагма

Легко определить число f или то, насколько открыта или закрыта диафрагма – это рисунок боке. Чем больше боке, тем больше открыта диафрагма. Другими словами, чем меньше глубина резкости, тем больше открыта диафрагма. Если на число выдержки можно повлиять настройками фотоаппарата, то диафрагма зависит от объектива.

Все в фокусе, значит была закрытая диафрагма примерно 8-11.

Маленькая глубина резкости – диафрагма была открытой.

Шаг третий – фокусное расстояние

Фокусное расстояние, это то, что определяет картинку. Будет ли это широкий угол, как видит глаз человека, или более узкий, будет ли сжато расстояние между объектами или наоборот – будет чувствоваться пространство, определяет именно объектив. Универсального объектива нет, вам в любом случае нужен набор хотя бы из двух: широкий угол и нормальный. Лично у меня ушло 2 года, чтобы я выбрал в свой арсенал 2 объектива – это 50мм и 100мм макро.

А чтобы было проще выбирать, то вот хорошая картинка:

Вот три простых шага, как читать изображение с технической стороны. Этот материал важен новичкам, а более продвинутым, если будет интересно, то можем сделать подробную статью по тому, как разобрать световую схему фотографа. Пишите в комментариях, если хотите продолжения 😉

Больше советов по фотографии:

24 сильные фотографии с комплементарными цветами

Лучшие композиционные приемы в фотографии

3 новинки от Canon: 4K видео не появилось

Хочу печатать футболки с картинами художников

Помогите разобраться с законом об авторском праве. Я предприниматель, занимаюсь производством сувенирной продукции. Компания выпускает футболки и толстовки с принтами произведений искусства. Вопросов несколько.

Если автор картины умер более 70 лет назад, могу ли я использовать его картину для принта на футболке? А как зависит от местонахождения картины, например, какая-то в Третьяковке, какая-то в частной коллекции, в зарубежной галерее или вообще утеряна?

Если автор умер более 70 лет назад, нужно ли мне вообще смотреть, где хранится картина, и думать, можно ли ее использовать для производства продукции на продажу?

Если взята не вся картина, а только ее часть — не более 70% картины?

Вот конкретный пример. Рисунок Александра Дейнеки «Футбол». Автор умер менее 70 лет назад. Оригинал находится в Ивановском художественном музее. Рисунок «Футбол» сделан в 1928 году для журнала «Даешь!». Кому принадлежат права на воспроизведение — родственникам художника? Галерее? Журналу «Даешь!»?

В интернете есть разная продукция с шедеврами мировой живописи. Я сомневаюсь, что производители получили разрешение на эти принты. Какова ответственность за нарушение авторских прав?

Хотелось бы работать честно и популяризовать русскую и мировую живопись.

Благодарю за ответ. Иван.

Иван, в целом вы правы: использовать картины давно умерших художников можно без ограничений. Но есть несколько важных моментов. Во-первых, «давно» в каждой стране определяют по-разному. Во-вторых, некоторые страны предоставляют музеям особые права охраны разного культурного наследия.

Дмитрий Корнев

юрист

Для начала подробно остановимся на охране авторских прав в России.

Кому принадлежит право на рисунок или картину

Живопись, рисунки, наброски, графические рассказы, комиксы — это объекты авторского права.

Существуют исключительные авторские права — право на воспроизведение, копирование, переделку, публичный показ, трансляции в эфир и т. д. Эти права закон охраняет в течение определенного срока. Автор может передать их кому угодно еще. Для вас это значит, что договариваться об использовании произведения искусства не всегда нужно с его автором.

Еще есть неотчуждаемые права автора, которые никто, включая самого автора, не может никому передать. Например, нельзя продать право на имя автора. Никто не может заплатить наследникам Энди Уорхола, чтобы называть себя автором его картины.

После смерти исключительные права переходят по наследству или третьим лицам. Например, фондам или музеям, если у автора нет родственников или если так он написал в завещании.

ст. 1255 ГК РФ
ст. 1270 ГК РФ

Авторское право — сравнительно молодая отрасль права для России. Четвертую часть ГК РФ, которая регулирует эти вопросы, приняли только в 2006 году. В советское время авторские права упоминались в ГК РСФСР, но защитой их никто серьезно не занимался.

Сейчас охрану прав авторов времен СССР регулирует ч. 2 ст. 6 ФЗ «О введении в действие части четвертой ГК Российской Федерации». По этому закону, если между годом смерти автора и 1 января 1993 года прошло более 50 лет, то произведение считается общественным достоянием и закон его не защищает. А если меньше 50 лет, то права автора защищаются в течение 70 лет с момента его смерти.

Владельцем картины может быть музей, фонд, частный коллекционер или сам автор. Но это не всегда означает, что у владельца есть права на использование этой картины. Например, художник может продать оригинал картины в частную коллекцию, но право делать копии, печатать изображение на футболках и прочее останется у него. Многое еще зависит от законов страны, где находится произведение искусства.

Если автор или его наследники передали музею не только саму картину, но и исключительные права, то спрашивать разрешения на использование картины надо у музея.

Если же картина хранится в музее, а художник давно умер и картина стала общественным достоянием, то по российским законам исключительные права принадлежат музею. Правда, в других странах такие правила встречаются редко.

Когда произведение становится общественным достоянием

Гражданский кодекс устанавливает, что защита от использования произведения (копирования, распространения, публикации и т. д.) действует 70 лет после смерти автора или последнего из соавторов.

Срок в 70 лет отсчитывается с 1 января года, следующего за годом смерти автора. Если произведение опубликовано анонимно или под псевдонимом, то 70 лет считают с момента публикации. Если произведение опубликовали анонимно, но потом автора установили или он сам в этом признался, то снова отсчитывают 70 лет с момента его смерти.

Через эти 70 лет произведение искусства в России становится общественным достоянием. Это значит, что кто угодно может использовать его безвозмездно и ничего не платить.

За автором, разумеется, сохраняется право авторства и неприкосновенность произведения — и это бессрочно: никому и никогда нельзя выдавать себя за автора и нельзя вносить изменения в его произведения. Нельзя допечатать пару глав в «Войну и Мир» и издать книгу с этими поправками. Если перерисовать или дополнить чужую картину, это тоже могут посчитать переработкой. Без разрешения автора или правообладателя так делать нельзя.

Как использовать музейные экспонаты

В России существует путаница с законами. Для закона произведение существует сразу в двух вариантах: как объект авторского права и как экспонат музейной коллекции.

Гражданский кодекс определяет срок защиты авторских прав в 70 лет с момента смерти автора.

Закон о Музейном фонде говорит, что выпускать какую-либо печатную, сувенирную и тому подобную продукцию с изображением музейных предметов можно только с разрешения дирекции музеев.

Получается противоречие. В музеях хранятся картины художников, умерших двести, триста, а то и тысячу лет назад — намного больше, чем 70. Получается, что раз они выставлены в музее, то по закону о Музейном фонде охраняются бессрочно. А по ч. 4 ГК РФ вроде бы уже должны были стать общественным достоянием.

Суды в России до сих пор не имеют однозначной позиции по этому вопросу. Вот, например, результаты крупного судебного дела между Эрмитажем и бизнесменом, который без разрешения музея использовал картину Томаса Гейнсборо «Дама в голубом». Художник умер в 1788 году. Предприниматель использовал изображение с картины даже не для продажи, а для дизайна сайта. После трех лет судебных споров Эрмитаж выиграл дело и запретил бизнесмену использовать изображение.

Закон в основном защищает право на использование произведений в коммерческих целях. Кроме того, если музейный экспонат — это основной объект использования, его нельзя использовать без согласия и в некоммерческих целях.

По поводу рисунка Александра Дейнеки

Александр Дейнека опубликовал рисунок «Футбол» в 1928 году, а умер в 1969 году. С 1 января 1970 года по 1 января 1993 года прошло только 23 года — то есть меньше 50 лет. Значит, исключительные права на рисунок защищены с 1970 по 2040 год.

Публикация в журнале 1928 года вряд ли будет иметь значение: во времена раннего СССР автор и журнал вряд ли заключали какой-либо договор на отчуждение прав, после которого срок защиты считался бы с момента публикации.

Так как вы хотите использовать его картину для продажи сувениров, лучше попробовать получить согласие музея. Судебное дело в отношении рисунков Александра Дейнеки уже было: Курская картинная галерея имени А. А. Дейнеки взыскала с предпринимателя убытки за использование картин без ее согласия.

Что касается использования фрагмента картины или ее измененного варианта, например стилизации или коллажа, то это сложный вопрос, на который нет точного ответа.

Если картина изменена настолько, что почти не похожа на оригинал, то запретить ее использовать нельзя, но сначала это придется доказать. Но право на неприкосновенность произведения, в том числе и на сокращение, бессрочно — теоретически наследники могут иметь претензии, особенно если вы извлекаете выгоду из таких изменений.

Если автор картины иностранец или она хранится за границей

Все вышеописанное работает, только если художник или его наследники жили и живут в нашей стране, либо картина хранится в российском музее, либо автор картины гражданин России. В других странах свои законы. А еще есть и международные нормы.

Если вы захотите легально использовать картины иностранных художников, живших в 19—20 веке, то придется разбираться, как работает система авторских прав в каждой отдельной стране.

Общее правило — должно пройти минимум 25 лет с момента смерти автора. Это установлено целым рядом международных договоров, например Всемирной конвенцией об авторском праве и Бернской конвенцией об охране литературных и художественных произведений. Эти документы только дают рекомендации и устанавливают минимальные сроки охраны. Страны — участники соглашений вправе эти сроки повышать.

Если произведение уже стало общественным достоянием, то мировые музеи прямо это указывают. Иногда пишут прямо на сайтах: In public domain. Это значит, что на произведение не распространяется авторское право (copyright) и его можно спокойно воспроизводить, в том числе и печатать на футболках.

Вот, например, картина «В лодке» Эдуарда Мане. Она написана в 1874 году и хранится в нью-йоркском музее Метрополитен. Эта картина признана общественным достоянием. Ее можно свободно печатать на футболках, кружках и других местах

Если у вас есть вопрос о личных финансах, дорогих покупках или семейном бюджете, пишите: ask@tinkoff.ru. На самые интересные вопросы ответим в журнале.