Великие фотографы: 20 знаменитых фотографов, которых надо знать

Очень важный для нашего списка фотограф. Благодаря ему запечатлены ключевые события первой половины XX века. Будучи еще подростком, он выбрал стезю фотокорреспондента.

Уже в 22 года он сотрудник “Фотохроники ТАСС”. Делал репортажи о Стаханове, запечатлел строительство Днепрогэс. Проработал военным корреспондентом всю Великую отечественную войну. Пройдя от Мурманска до Берлина со своей верной камерой “Leica”, он сделал ряд фотографий, благодаря которым мы сегодня может хоть немного представить военные будни.

В око его объектива попала Потсдамская конференция, водружение красного знамени над Рейхстагом, акт капитуляции фашистской Германии и другие важнейшие события. В 1995-м, за два года до смерти Евгений Халдей получил титул Рыцаря ордена искусств и литературы.

Марк Рибу

Мастер репортажного жанра. Первая его знаменитый снимок, напечатанный в Life — “Маляр на Эйфелевой башне”. Признанный как гений фотографии, Рибу отличался скромным характером.

Он старался оставаться незаметным как для фотографируемых, так и для своих почитателей.

Наиболее известен снимок девушки-хиппи, протягивающая солдатам, стоящим с автоматами наперевес, цветок. Есть у него и цикл фотографий из повседневной жизни СССР 60-х и еще масса всего интересного.

Ричард Керн

И еще немного рок-н-ролла, тем более, что это основная тема данного фотографа, наряду с насилием и сексом. Считается одним из важнейших фотохудожников для нью-йоркского андеграунда.

Запечатлел многих известных, можно сказать — экстремально известных музыкантов. В их числе абсолютный монстр и трансгрессор панк-музыкант GG Allin. Керн также сотрудничает с мужскими журналами, куда поставляет свои эротические работы.

Но подход его далек от общепринятого глянцевого. В свободное от фотографии время занимается съемкой клипов. В числе групп, с которыми Керн сотрудничал — Sonic Youth и Marilyn Manson.

Хочется спокойствия, безмолвия, а может и безлюдья? Тогда это одна из самых подходящих кандидатур. Томас Моркес из Чехии — Фотограф-пейзажист, избравший своей темой обаяние осенней природы. В этих снимках есть все: романтика, грусть, торжество увядания.

Один из эффектов снимков Томаса — желание выбраться подальше от городского шума в какие-нибудь такие дебри и поразмышлять о Вечном.

Считается лучшим фотографом диких животных. Является научным сотрудником лаборатории орнитологии в Тихоокеанском институте географии РАН. Юрий страстно любит птиц.

Именно за фотографии пернатых он удостаивался (и не раз) самых различных наград не только в России, но в мире.

Хельмут Ньютон

Как насчет жанра “ню”? Отличный, очень тонкий и деликатный жанр, в котором есть свои мастера.

Своими работами прославился Хельмут весь мир. Его негласным девизом стало выражение “Sex sells”, что значит “секс помогает продавать”.

Лауреат престижнейших конкурсов, в их числе наград — французский “Орден искусств и литературы”.

Охватив различные направления фотографии, нельзя не сказать о пионере такого сомнительного и в то же время важного для понимания современного мира жанра, как папарацци.

Вы, наверное, знаете, что это словосочетание пошло от фильм Федерико Феллини “Сладкая жизнь”. Рон Гарелла относится к тем фотографам, которые не будут спрашивать разрешения на съемки, а напротив — будут подлавливать звезд, когда они к этому и не готовы в общем-то.

Джулия Робертс, Вуди Аллен, Аль Пачино, Софи Лорен — вот далеко не полный список тех, кого своевольно подловил Рон. Однажды Марлон Брандо настолько осерчал на Рона, что с ходу выбил ему несколько зубов.

Ги Бурден

Один из важнейших фотохудожников, которые нужны для правильного понимания мира моду, ее истоков и эстетики. Сочетает в своих работах эротизм и сюрреализм. Один из самых копируемых, имитируемых фотографов мира. Эротичен, сюрреалистичен. Сейчас — спустя четверть века после его смерти — всё более актуален и современен.

Первые снимки он опубликовал в середине 50-х годов. Фотография была, мягко говоря вызывающими.Девушка в изящной шляпке на фоне телячьих голов, выглядывающих из витрины мясной лавки. В течение последующих 32 лет Бурден регулярно поставлял занятные снимки в журнал Vogue. Что его отличало от многих коллег, так это то, что Бурдену была предоставлена полная творческая свобода.

Энни лейбовиц фотографии. Великие фотографы. Энни Лейбовиц – магия портрета. Съемки моды и звезд мировой величины

(англ. Annie Leibovitz, род. 2 октября 1949 г., Вестпорт, США) – всемирно известный фотограф американского происхождения. Является официальным фотографом US и US. Наиболее знаменитые работы Энни Лейбовиц – это портреты голливудских знаменитостей, музыкантов и политиков. Она выступает автором рекламного проекта Disney Dream Portraits, за 2000 год, календаря Lavazza за 2009-й.

По признанию Энни Лейбовиц, самым важным в работе для нее является – передать характер человека посредством снимка.

«Чтобы фотографии были на высшем уровне – нужно стать частью происходящего».

Биография и карьера

Детство и юные годы

Энни Лейбовиц (имя при рождении – Анна Лу) родилась 2 октября 1949 года в Вестпорте, штат Коннектикут. Она росла в семье Самюэля, полковника военно-воздушных сил, и Мэрилин, преподавателя современного танца. По происхождению отец был румыном, мать имела русско-еврейские корни. Энни Лейбовиц воспитывалась вместе с сестрами — Сьюзан, Барбарой, Полой и братьями – Говардом и Филипом. Семья часто переезжала из-за служебных обязанностей Самюэля.

«Мы переезжали с места на место. Семья в машине – было нечто постоянное. Мы практически жили в ней. Мы спали в автомобиле, по очереди садились за руль».

Мэрилин Лейбовиц

Мать Энни Лейбовиц всегда брала в дорогу камеру и делала семейные снимки. Ее любовь к фотографии перешла и к детям.

«Когда тебя практически вырастили в машине – легко стать художником. Ты видишь мир уже в готовой рамке, через окно автомобиля. На самом деле по-настоящему я никогда не интересовалась фотографией – это было для меня чем-то семейным. Мы часто делали снимки, они для меня очень дороги, как и для мамы, она их повсюду развешивала. Камера была для нас еще одним членом семьи».

В конце 60-х, во время войны во Вьетнаме, Энни Лейбовиц вместе с отцом, по долгу его службы, отправилась в Филиппины. Здесь она сделала свои первые фотографии.

Образование. Интерес к фотографии

В 1967 году Энни Лейбовиц поступила в Сан-Францисский художественный институт на факультет искусств. На первом курсе она хотела стать учителем рисования.

В 1968 году Энни Лейбовиц записалась на курсы фотографии. Днем студенты делали снимки в городе, затем проявляли и печатали свои работы, а вечером обсуждали результаты.

«Ты бродишь по улицам и снимаешь жизнь такой, какая она есть. Потом коллективный просмотр и обсуждение снимков. Когда твои фотографии рядом с чужими, хочется, чтобы они были не хуже. Институт искусств и курсы фотографии ориентировались на Роберта Фрэнка и Анри-Картье Брессона. Их стиль подвижный, расслабленный, легкий, текучий. Первая книга, которая помогла мне понять, что значит быть фотографом, называлась «Мир Картье Брессона». Помню, как сидя над ней, я осознала, что так можно путешествовать по всему свету. Камера дает тебе право находиться везде и быть самой по себе, но с определенной целью».

На третьем курсе Энни Лейбовиц поехала в Израиль. В течение 6 месяцев она работала в археологической экспедиции, участвовала в раскопках дворца царя Соломона. Позже Энни Лейбовиц вспоминала, что решение стать фотографом пришло к ней именно в Израиле. Ее друг регулярно присылал ей номера журнала Rolling Stone. Впоследствии Энни Лейбовиц поняла, что хочет делать снимки для этого издания.

Начало карьеры

В 1970 году Энни Лейбовиц показала свои работы основателю журнала Rolling Stone — Яну Веннеру.

В 1971-м Энни Лейбовиц получила должность фотокорреспондента в Rolling Stone.

В 1970-х годах она сделала множество снимков, ставших иконами музыкальной фотографии. Энни Лейбовиц позировали Боб Дилан, Мик Джаггер, Боб Марли, Патти Смит и др.

В начале 1970-х гг. Джон Леннон решил дать первое интервью журналу Rolling Stone о своей жизни в группе «Beatles». Энни Лейбовиц уговорила редактора взять ее с собой в качестве фотографа. Во время съемок она старалась уловить эмоции Джона Леннона и передать их посредством снимка.

«Я еще не умела тогда заставлять людей делать то, что мне нужно. Я замеряла экспозицию и сказала Джону: «Если можно, взгляните на меня на секунду». И в этот момент щелкнула».

В итоге Энни Лейбовиц удалось создать один из самых известных портретов Джона Леннона. Этот снимок поместили на обложку Rolling Stone.

«Энни сделала потрясающий портрет Джона. Это очевидно. По тому, как я вцепился в него, Энни поняла, что я в восторге и считаю этот снимок событием».

Ян Веннер, редактор Rolling Stone

Энни Лейбовиц была предоставлена полная свобода действий в журнале. Она посещала множество городов, знакомилась с известными музыкантами. По признанию Энни Лейбовиц, «самым важным было уловить детали событий и передать их с помощью фотографии». Иногда для того, чтобы достичь нужного уровня взаимопонимания она проводила несколько дней с теми, кого снимала, «живя с ними одной жизнью».

«Чтобы делать безупречные снимки, мне надо «быть в теме», оказаться внутри ситуации. Знаете, лучшие снимки — это всегда то, что окружает именно тебя, когда ты сама тоже часть окружающего».

В 1975 году Энни Лейбовиц сделала ряд снимков Арнольда Шварценеггера во время его участия в конкурсе «Мистер Олимпия».

«Энни умеет отлично приспосабливаться к людям и обстоятельствам. Она каким-то образом проникает в твой мир и становится частью твоей жизни. В определенный момент перестаешь замечать, что Энни все снимает и записывает на пленку».

Арнольд Шварценеггер

Признание творчества

«В моих фотографиях вы можете увидеть, что я не боюсь влюбиться в тех, кого фотографирую».

В 1975 году Энни Лейбовиц являлась официальным фотографом группы Rolling Stones во время их турне по США. Ян Веннер был против того, чтобы она их сопровождала. Он опасался, что Энни Лейбовиц начнет употреблять наркотики.

«Снимай сколько угодно, но не нужно с ними ехать. Многие мои друзья после такого турне возвращались наркоманами».

Ян Веннер

Позже Энни Лейбовиц призналась, что в течение нескольких лет употребляла запрещенные препараты. Съемки группы Rolling Stones принесли ей большую известность, сделали ее фотографом №1 в мире американского рок-н-ролла.

В 1976 году Энни Лейбовиц увлеклась съемкой танцев. Она фотографировала Михаила Барышникова, Марка Морриса.

«У меня была мечта показать, как делается танец. Было прекрасно осознавать, что ты всего лишь делаешь портрет момента. Это было искусство, парящее в воздухе».

В 1977 году в жизни журнала Rolling Stone произошло важное событие: редакция переехала в Нью-Йорк и заняла 48 комнат на Пятой авеню. По признанию Энни Лейбовиц, для нее «этот город ассоциировался, прежде всего, с ».

В 2009 году Энни Лейбовиц провела фотосессию для обложки и страниц мартовского Vogue US с участием Мишель Обамы.

Для страниц декабрьского Vogue US она провела съемку «Маленькая девочка и мальчик потерялись». На ее создание Энни Лейбовиц вдохновила опера «Гензель и Гретель», поставленная Ричардом Джонсом по одноименной сказке братьев Гримм. Роли детей, оставленных в лесу, сыграли и Эндрю Гарфилд, в образе ведьмы предстала Леди Гага.

В 2010 году Энни Лейбовиц провела фотосессию «Короткая встреча» с участием и Шона Комбса для страниц февральского Vogue US.

На страницах и обложке январского Vogue US 2011 года появились кадры из фотосессии с участием Мерил Стрип. Энни Лейбовиц подготовила съемку для обложки и страниц октябрьского Vogue US с участием Мишель Уильямс. Номер был посвящен выходу фильма «7 дней и ночей с Мэрилин», в котором актриса сыграла главную роль.

«Люди не привыкли видеть Анджелину в таком ракурсе. Мне нравится, что все получилось очень реалистично. Энни Лейбовиц удалось передать дух путешествия и идею кампании через личные ощущения и вкусы Анджелины».

Пьетро Беккари, исполнительный вице-президент Louis Vuitton.

В 2012 году Энни Лейбовиц провела съемку для страниц июньского Vogue US с участием Карли Клосс. Фотосессия была посвящена летней Олимпиаде 2012. Энни Лейбовиц запечатлела Карли Клосс вместе со спортсменами, представляющими США на играх в Лондоне. Фотограф подчеркнула гармонию контраста между подиумными нарядами и традиционной спортивной формой. Энни Лейбовиц провела съемку для декабрьского Vogue US с участием главных героев фильма «Отверженные»: Хью Джекмана, Рассела Кроу, Энн Хэтэуэй, Аманды Сайфред, Эдди Редмэйна, Хелены Бонем Картер, Саши Барон Коэна. На обложке издания был опубликован снимок с изображением Энн Хэтэуэй.

В 2013 году на страницах февральского Vogue US была опубликована фотосессия с участием , Каси Струсс, и . Энни Лейбовиц запечатлела моделей с полицейскими, пожарными, военными – людьми тех профессий, которые помогают во время стихийных бедствий, в том числе и во время урагана «Сэнди».

Проект Disney Dream Portraits

В 2011 году Энни Лейбовиц представила серию портретов известных людей в рамках рекламной кампании парков развлечений Disney. Фотограф запечатлела знаменитостей в образах сказочных героев диснеевских мультфильмов. Жизель Бюндхен предстала в роли Венди Дарлинг, Михаил Барышников примерил образ ее возлюбленного — Питера Пэна.

Марк Энтони выступил Алладином, Вупи Голдберг – Джином, Дженнифер Лопес стала персонажем Жасмин из сказки «Волшебная лампа Аладдина».

Джессика Бил примерила образ Покахонтас, Рэйчел Вайс сыграла роль Белоснежки, ее принцем был Дэвид Бекхэм, Скарлетт Йоханссон — Золушкой. Куин Латифа стала колдуньей Урсулой из мультфильма «Русалочка». Пенелопа Крус и Джефф Бриджес снялись в образах Красавицы и Чудовища из одноименной сказки.

Альбомы Энни Лейбовиц

«Энни стала поистине великим летописцем нашей страны. Она снимала то, что нас заботило, то, о чем мы думали».

Хиллари Клинтон

В 1999 году Энни Лейбовиц и Сьюзан Зонтаг выпустили книгу «Женщины». Альбом содержал около 200 снимков женщин разных профессий, вероисповеданий, национальностей, социальных принадлежностей.

В издании были опубликованы снимки из ее личного архива, а также портреты знаменитостей. В предисловии к альбому Энни Лейбовиц написала: «У меня только одна жизнь и все мои фотографии – личные снимки и снятые на заказ – часть этой жизни».

В 2011 году фотограф опубликовала альбом «Паломничество». В книге было собрано около 120 снимков домов, пейзажей, мест, связанных с известными людьми, которых уже нет в живых. Внимание Энни Лейбовиц было обращено к личным вещам, элементам повседневной жизни – к тому, что могло бы рассказать о человеке. В альбоме опубликованы фотографии рабочего стула Вирджинии Вулф, реки Оуз, в которой она утонула, размещены снимки библиотеки Зигмунда Фрейда, его кушетки для приема пациентов и пр.

«Это фотографии отсутствия людей, фотографии того, что остается, когда человек умирает. В большей степени меня интересовало ощущение места».

Портреты знаменитостей

«На каждом снимке Энни Лейбовиц словно стоит ее клеймо. Когда смотришь на фото ясно, что это могла сделать только она и никто другой».

Анна Винтур

Энни Лейбовиц является автором портретов Билла Клинтона, Хиллари Клинтон, королевы Елизаветы II, Барака и Мишель Обамы, Джорджа Буша, Элизабет Тейлор, Джона Леннона, Йоко Оно, Михаила Барышникова, Джейми Фокса, Умы Турман, Джулианны Мур, Джека Николсона, Джулии Робертс, Джорджа Клуни, Квентина Тарантино, Вупи Голберг, Тома Круза, Билла Гейтса, Дональда Трампа, Вуди Аллена, Анджелины Джоли, Леонардо Ди Каприо, Арнольда Шварценеггера, Кэмерон Диаз, Кейт Бланшетт, Джуда Лоу, Джонни Деппа, Стинга, Риз Уизерспун, Хоакина Феникса, Майкла Джексона, Кейт Уинслет, Михаила Горбачева, Барбары Стрейзанд, Роберта Дауни-младшего, Роберта Де Ниро, Мерил Стрип, Николь Кидман и др.

«Если бы у меня не было моей камеры, в конце концов, я потеряла бы смысл и цель жизни».

Личная жизнь

В настоящее время Энни Лейбовиц живет в Нью-Йорке. Она воспитывает троих детей – дочь Сару Энни родила в 2001 году, в 2005-м суррогатная мать выносила ей двойняшек, Сьюзан и Самюэля.

Более 15 лет Энни Лейбовиц связывали сексуальные отношения с писательницей Сьюзан Зонтаг. В 2004 году Зонтаг скончалась от лейкемии.

Интервью Энни Лейбовиц для FotoTapeta (Интервьюер — Анна Беата Бодзвикз, 19 января 1998)

F.T.: Можете ли вы назвать себя стеснительной?
А.Л.: О! Мы все стеснительны!Порой никто не знает, что сказать. Иногда мы сидим в моей студии и все молчат. Это сводит меня с ума. Наверное, должна быть какая-то причина того, что фотографам не очень хорошо дается вербальная коммуникация. Хотя мне не хочется в это верить, я просто думаю, что мы ленивы… Нам кажется, что раз мы фотографы, значит, нам и не нужно пытаться налаживать с кем-то контакт. Вообще же, я на личном опыте знаю, насколько бывает сложно следить за происходящим и в то же время говорить.

F.T.: Можете ли вы сказать, что прячете свою стеснительность за камерой? Прячетесь и начинаете снимать.
А.Л.: Я не думаю, что все на самом деле так сложно. Когда мы молоды, камера играет для нас роль друга. Ты берешь ее, идешь куда-то и чувствуешь, будто ты не один, а в компании. Это своего рода лицензия, позволяющая тебе гулять в одиночестве, но в то же время что-то делать. Мне кажется, что в эти моменты мы забываем, что находимся где-то. Не прячемся, а просто забываем. Мы так много видим, что забываем о своем существовании. Понимаете, о чем я? Но все меняется, мы становимся старше и у нас появляются другие инструменты и другие подходы ко всему. Мы начинаем использовать фотографию по-другому.

F.T.: Наличие фотоаппарата ставит нас в другую позицию…
А.Л.: Когда я была моложе, то при помощи камеры я делала такое, на что была не способна без нее. Помню, как я ехала к докам в Сан-Франциско и просила рыбака подвезти меня на его лодке. Я бы никогда не сделала этого, не будь у меня камеры с собой.

F.T.: Это своего рода защита.
А.Л.: Я думаю, что это лицензия. Когда-то она была защитой. Например, во время моего тура с Rolling Stones. Если бы тогда у меня не было с собой камеры, которая напоминала бы мне о том, что нужно делать что-то, я бы просто ускользнула от своих обязанностей. Я бы забыла о своем праве на существование. Камера — это тяжкий груз, знаете ли. Сейчас у нас есть компактные пластиковые фотоаппараты, а тогда, в 70-х, они были металлическими и очень тяжелыми.F.T.: Вчера я еще раз пошла посмотреть вашу выставку и увидела огромную толпу людей, которая ходила вдоль стен и разглядывала ваши работы. Но мне вдруг стало интересно, почему представленная экспозиция не очень большая? Или это специальная версия для Восточной Европы?
А.Л.: При всем уважении к Мареку Грайделу, я должна признать, что он развесил мои работы в галерее неправильно. Я дала ему план, легенду… Некоторые из фотографий не должны были быть повешены так разрозненно, они должны были висеть рядом и рассматриваться как группировка. Например, фото моей семьи всегда висят так, будто это стена у меня дома, они должны были висеть рядом. Порядок их расположения должен был скопировать стену в доме моей матери, они всегда висели именно так.
Эти фотографии нужны друг другу. На них нужно смотреть одним взглядом, поэтому они должны находиться рядом. Также я очень трепетно отношусь к расположению фотографий из Сараево. Эти работы всегда должны составлять один блок. На этой выставке они висят разрозненно. Я очень горжусь фотографиями, которые сделала в восьмидесятые, потому что они такие яркие и красочные. Но их я всегда сопоставляю с работами более позднего времени, темными и мрачными, и именно поэтому я хотела разбавить последние снимки вот таким ярким позитивным пятном. Портреты тоже должны были висеть все вместе, но их расположили неправильно. Меня смущает то, как они это сделали. Там должна была присутствовать хронология, но ее нет. Из-за этого усложнилось восприятие. Другими словами, на весь этот материал нужно смотреть по-другому.

F.T.: Меня удивило то, что фотографии так малы…
А.Л.: Это еще одна проблема. На оригинальной выставке, которая состоялась в 1991 году, масштаб фотографий в дюймах был 16х20. Фотографии в начале выставки малы, а потом они становятся больше и проще. Последние фото — с Олимпийских игр — были самыми большими.
Пока выставка путешествовала я выбрала около пяти работ и сделала их больше, чтобы они сразу обращали на себя внимание. Там было крупное фото Джона и Йоко, а также Кита Харинга. Но для выставки, которая сейчас путешествует по Европе, мы сделали их все в одинаковом размере. Мы не могли перевозить большие фотографии. Кроме того, во время переезда выставки я убедилась, что фотографии могут не всегда вливаться в различные предоставленные пространства.

F.T.: Вы сами отпечатываете снимки?
А.Л.: Нет, не сама. Я работаю с двумя людьми вот уже на протяжении двадцати лет. Есть еще и такая проблема, что в каждом новом месте фотографии выглядят по-разному. Эти фото рассчитаны на то, что они будут подсвечены, а без света они слишком мрачны.

F.T.: В целом мы понимаем портрет как лицо человека. Но в ваших портретах чаще можно увидеть и тело, а не только лицо.
А.Л.: Когда я была моложе, то не понимала, что делаю это. Это было естественно. Я всегда выбирала 35-миллиметровые объективы. Все получалось в таком стиле, будто объектив немного отстранен. Дело в том, что с таким объективом нельзя снимать близко. Потом у меня появился 105-миллиметровый объектив, но большинство моих работ сделано тем, 35-миллиметровым. Мне было скучно подходить к объекту близко, такие снимки казались неинтересными. К тому же я была молода и поэтому боялась подойти ближе. Я даже боялась снимать в студии, потому что испытывала клаустрофобию. Я всегда старалась снимать где-то, где герой съемки не будет смотреть на меня. Для меня было невыносимым чувствовать, что тот, кого ты фотографируешь, постоянно смотрит на тебя.

F.T.: Но ваши фотографии из 80-х такие же, как эти. Они больше ситуативные…
А.Л.: Там есть ситуации, потому что я этого хотела. Было проще сказать участникам фотосессии сделать что-нибудь, так они чувствовали себя комфортнее. Им легче сыграть какую-то роль, чем быть самими собой перед фотокамерой. Я уверена, что у тебя тоже так было, когда приезжаешь на съемки и первое, что ты слышишь от героя это: «А что мне надо делать?».

F.T.: Герой съемки, прежде всего, хочет выглядеть привлекательно.
А.Л.: Ха-ха-ха…

F.T.: Для меня одним из самых ярких фото на вашей выставке является портрет Иосифа Бродского. Расскажите о нем.
А.Л.: Единственная причина, почему это фото так выделяется, а я видела и более удачные портреты Бродского, так это то, что на моем снимке он не выглядит счастливым, он выглядит так, будто ему очень некомфортно. И я подумала, что это смотрится необычно и интересно. Когда я фотографировала группу нобелевских лауреатов, я сделала всего несколько снимков Бродского. Я спросила, могу ли сделать пять или шесть снимков, и он мило согласился.

F.T.: Я встретила его в Варшаве в 1992 году и тоже сделала несколько снимков. В нем было что-то трагичное…
А.Л.: Мне кажется. он всегда выглядел так, будто ему очень неуютно. Быть может, он испытывал физический дискомфорт из-за сердца… Я встречалась с ним пару раз и каждый раз он выглядел именно так. Этот снимок похож на фото с войны, он полон боли. Вот почему он писал то, что писал. Если вы посмотрите на мои последние портреты, то увидите, что теперь я подхожу ближе. Это потому, что я повзрослела. Теперь я не боюсь этого делать. Но осталось слишком мало людей, которым хочется смотреть в глаза. Ирвинг Пенн сказал, что не хочет фотографировать никого, кто младше шестидесяти лет, и мне кажется, в этом есть смысл. Лица всех пожилых людей, которых я фотографирую, просто невероятны.

F.T.: Самый маленький снимок на вашей выставке — это фото распятой женщины.
А.Л.: Сьюзан Зонтаг каждый раз ругает меня за то, что это фото так мало. Мне нравится, что оно такое, потому что оно напоминает мне маленькие фигурки распятого Иисуса, которые висят в домах людей. Диаманда Галас — великолепная актриса. В ее образе есть что-то демоническое.

F.T.: Мне интересно, заметит ли кто-нибудь это фото на выставке…
А.Л.: Ну вы же заметили.

F.T.: В Польше — католической стране — это фото может оскорбить чьи-то чувства…
А.Л.: Мне будет интересно увидеть реакцию… Но это фото имеет много общего с ее личным опытом. Она потеряла брата, который умер из-за СПИДа, и у нее есть несколько представлений, где она кричит на протяжении часа.

F.T.: Некоторые ваши работы, сделанные в 90-х, выглядят мрачно, они как будто сделаны с помощью нестандартной технологии. Вы использовали какие-то особые негативы?
А.Л.: Использовался негатив Polaroid 6×6,5, это можно понять по углам. Великолепные негативы, они мелкозернистые и выглядят старомодно. Знаете, черные люди на черном фоне, одетые в черно-белое, всегда выглядят привлекательно в моих глазах! Эту красоту можно увидеть в моей Олимпийской фотосессии, их кожа любит черно-белые снимки.

F.T.: Вы когда-нибудь встречали Диану Арбус?
А.Л.: Я с ней никогда не встречалась, но я знаю людей, которые были с ней знакомы. Я помню, как переехала жить в Нью-Йорк в 70-х. Помню, как шагала по улицам и повсюду были ее работы. На каждом углу Нью-Йорка! Диана Арбус знала всех людей, которых фотографировала и дружила с ними. Она была очень, очень ценным фотографом, потому что она фотографировала таких людей, на которых мы, как общество, не хотели смотреть. Даже не то, что бы не хотели, мы их не видели.

F.T.: в своей книге «The American West» пытался повторить работу Дианы Арбус?
А.Л.: Он хотел этого, он хотел… Он хотел быть Дианой Арбус, очень хотел. Его критиковали за то, что он хотел быть Дианой Арбус, но это абсолютно нормально. Я думаю, что он проделал великолепную работу. Он очень честен по отношению к своей работе, к тому, как и почему он делал. Он был совершенно поражен творчеством Дианы, уважал ее, восхищался ею. Сейчас его дочери — Эми и Доон — его лучшие друзья. Как можно не любить его работы, такие бесподобные! Он не мог стать Дианой, но он мог интегрировать в свои работы то, что видел в ее работах. И все мы делаем это! Вот что чудесно! В этом нет ничего плохого. Мы все живем в этом мире и питаем друг друга. Это прекрасно!

F.T.: Как вы себя чувствуете сейчас, во времена компьютеров и искусственного создания изображений. Не чувствуете ли вы, что фотография теряет доверие?
А.Л.: Она никогда не потеряет доверие…

F.T.: То есть вас это все не беспокоит?
А.Л.: Это все не касается настоящих фотографов. С этим работают люди, которые не понимают чего-то и не достаточно умны, но их работа будет интегрирована в фотографию в хорошем смысле, это станет инструментом. Когда появляется что-то новое, то этим часто злоупотребляют до тех пор, пока не научатся правильно использовать. Иногда в своей студии я использую компьютер, чтобы размещать фотографии, и это удобно. Компьютерная фотография не будет фотографией в полном смысле этого слова, но чем-то она все равно станет. Думаю, что процесс создании фотографий всегда будет основан на химии…

F.T.: Я счастлива, что вы думаете именно так.
А.Л.: Но вы ведь тоже все это знаете.

F.T.: Нет, нет!
А.Л.: Да, вы это знаете! Вы просто хотите услышать подтверждение, на самом деле вы все это знаете.

F.T.: На пресс-конференции вы сказали, что во время фотосессии делаете примерно 100-200 снимков. Почему фотографам нужно делать так много снимков?
А.Л.: Ну это не всегда нужно…

F.T.: Но они делают это.
А.Л.: На самом деле не нужно оправдываться, если делаешь большое количество снимков. Но меня научили тому, что в командировках пленка считается самым дешевым материалом в прямом смысле этого слова. Действительно ценным является время фотографа и того человека, которого он фотографирует. Меня всегда поражает, что даже если человек стоит на одном месте, а ты продолжаешь делать снимок за снимком, то все фотографии в итоге будут разными. Потому что даже очень мелкая деталь может сделать фото удачным или неудачным. На самом деле я не делаю много снимков. Процесс может остановить только ситуация. Я могу снимать человека в одной позе, использовать около двух небольших пленок, а потом увидеть, что эта позиция не работает и сменить ее. Но удивительно то, что во время съемки портрета каждый нюанс может сделать фотографии разными.

F.T.: Интересно, почему некоторые великие фотографы перестают снимать?
А.Л.: Я думаю, что когда ты молод, фотография является твоим другом, а когда ты становишься старше, она иногда теряет свою мощность в твоих глазах. Я использовала фотографию как способ найти новых друзей, быть дружелюбной, ведь без камеры я не всегда чувствовала себя комфортно. Сейчас я не нуждаюсь в камере так часто, но она нужна мне потому, что это почти единственная причина того, почему люди со мной разговаривают. Ха-ха… Ведь я фотограф. Раньше я постоянно фотографировала, сейчас я тоже делаю это, но не так много, по несколько снимков. Они как сувениры. Когда тебя постоянно просят фотографировать, это надоедает. Понимаете, о чем я? Когда идешь с фотоаппаратом на встречу к друзьям и потом они постоянно спрашивают «А когда мы увидим фотографии?», ты отвечаешь «Скоро, скоро…».

F.T.: Если этот вопрос вы посчитаете слишком личным, то можете не отвечать на него. Насколько я знаю, у вас нет собственной семьи: детей, мужа… Как вы считаете, семья помогает художнику или нет?
А.Л.: Я думаю, что это жертва. Это классическая история: время идет так быстро, что не замечаешь этого. Думаю, работа является единственным в этом в этом смысле, насчет чего я могу сожалеть, но никогда не подумаю, что мне слишком поздно что-то сделать. Работа — это большой ребенок, и ты не можешь делать ничего другого. К счастью, у меня есть много хороших друзей, но все, что делается для работы, порождает новую работу. Я родилась в огромной семье и она поддерживает меня. У меня пять братьев и сестер, у них у всех есть дети, да и мои родители до сих пор живы. Мне очень повезло в этом отношении. Но время идет очень быстро, в этом нет никаких сомнений.

F.T.: Когда я беру интервью, то этот вопрос всегда задаю первым. В данном случае он последний. Кого вы любите больше — кошек или собак?
А.Л.: О Боже… Если бы у меня были хоть какие-то животные, они были бы уже мертвы…

F.T.: Я имею ввиду эстетическую сторону вопроса…
А.Л.: Это были бы сгнившие кошки и собаки, потому что меня почти никогда не бывает дома… Недавно я загляделась на рассел-терьера. Они очень умные…

F.T.: Так значит, вы за собак! Какой стыд!

Julian Schnabel in his studio on West 11th Street, 1995
(Портрет американского художника и кинорежиссёра Джулиана Шнабеля.)

My parents, Peter»s Pond Beach, Wainscott, Long Island, 1992
(Беззаботная пара на снимке — родители Лейбовиц, мать — Мэрилин, в прошлом преподаватель современного танца, демонстрирует профессиональную гибкость.)

My brother Philip and my father, Silver Spring, Maryland, 1988
(С этого симметричного портрета зрителю улыбаются, стоя бок о бок, сразу два поколения семьи Лейбовиц: брат Энни Филип и отец Самуэль — отставной подполковник военно-воздушных сил США.)

Susan Sarandon
(Портрет известной американской киноактрисы Сьюзан Сарандон.)

My parents with my sisters, Paula and Barbara, and Paula»s son Ross, Peter»s Pond Beach, Wainscott, Long Island, 1992
(Всего в семье Самуэля и Мэрилин Лейбовиц шестеро детей, Энни — третий ребенок.)

Patti Smith with her children, Jackson and Jesse, St. Clair Shores, Michigan, 1996
(Портрет американской певицы и поэтессы Патти Смит с сыном Джексоном и дочерью Джесси.)

Susan with Sarah, West 23rd Street, 2001
(Сара появилась на свет в результате кесарева сечения. Лежа на операционном столе, Лейбовиц попыталась запечатлеть процесс рождения дочери на камеру. Смеясь, она признается: «Всё выглядело ужасно и абсолютно не в фокусе.»)

My parents dancing with their grandson, Ross, Hedges Lane, Wainscott, Long Island, 1992.
(Энни описывает свою мать как человека творческого и восторженного. Тип матери, которая обязательно понравится твоим друзьям и одновременно заставит тебя смущаться перед ними.)

(«Сьюзан не особенно вдохновляла идея моего материнства. Думаю она просто не хотела делиться мной с ребенком. Однако я приняла решение и родила маленькую Сару. И она полюбила её. Да, она просто полюбила её,» — рассказывает Лейбовиц репортеру «The Guardian».)

William S. Burroughs in his garage, Lawrence, Kansas, 1995
(Портрет американского писателя и эссеиста Уильяма С. Берроуза.)

My parents with their grandson, Ross, Hedges Lane, Wainscott, Long Island, 1992
(Снимок родителей Энни с их внуком Россом.)

Philip Johnson, Glass House, New Canaan, Connecticut, 2000
(Портрет американского архитектора Филипа Джонсона.)

Susan Sontag, Petra, Jordan, 1994
(Эта фотография расположена в альбоме первой. Маленькая фигурка, луч света и кромешная темнота по краям. Лейбовиц шутит, говоря: «Я просто использовала Сьюзан, что бы вы смогли оценить масштаб всего этого.» Потом добавляет о том, что этот снимок несомненно о любви Сонтаг к путешествиям, природе, искусству и цивилизации.)

Susan»s Shell Collection, King Street sunporch, New York, 1990
(«Все прочие думают, что она была такой сильной, и она была, но так же она была очень чувствительной, уязвимой. Помню, впервые оказавшись в квартире Сьюзан, я заметила вот эти вот её небольшие коллекции камней и ракушек.» В своем альбоме, подчеркивая символичность кадра, Лейбовиц размещает еще один «коллекционный» снимок следом за фотографией мертвой Сонтаг. Между этими мгновениями пятнадцать неполных лет.)

Leonardo DiCaprio, Tejon Ranch, Lebec, California, 1997
(Портрет двадцатитрехлетнего американского актера Леонардо Ди Каприо. Одна из наиболее известных и тиражируемых работ Лейбовиц.)

Susan and Sarah, Harbor Island, Bahamas, 2002
(В своих интервью, вспоминая первые встречи с Сонтаг, Лейбовиц описывает другую, ранее неизвестную почитателям Сьюзан, эдакую противоположность её публичной картинке: «Она была душевной и открытой, очень-очень очаровательной, даже в какой-то степени по-детски наивной».)

Vandam Street studio, New York, 1999
(В 1998 году у Сонтаг случился рецидив ракового заболевания. Лейбовиц фотографирует её новый, отчасти продиктованный химиотерапией, непривычный образ.)

Nelson Mandela, Soweto, 1990
(Портрет Нельсона Манделы, восьмого президента Южно-Африканской Республики и одного из самых известных активистов в борьбе за права человека в период существования апартеида.)

Susan Sontag, New York, 1993
(«Когда-то у Сьюзан был велосипед и она даже ездила на нем, у меня есть эти фотографии. Потом я помогла ей получить водительские права. Правда тогда я подумала, «О, Боже, что я натворила!». Поскольку я понимала, что по-настоящему управляться с автомобилем Сьюзан не могла. Она была просто-напросто этим милым и очаровательным ребенком внутри,» — вспоминает Лейбовиц в интервью газете «The New York Times».)

Susan and Samuelle Leibovitz, Clifton Point, 2005
(На фотографии младшие дочери Энни: Сьюзан и Самуэлль, рожденные суррогатной матерью в мае 2005 года. Близнецов Лейбовиц назвала в честь своих близких людей, которых она почти одновременно потеряла годом ранее: отца и писательницы Сьюзан Сонтаг.)

Mick Jagger, Los Angeles, 1992
(В начале семидесятых, на заре своей фотографической карьеры, Лейбовиц отправилась в американский гастрольный тур вместе с музыкантами популярной рок-группы «The Rolling Stones». Ян Веннер, будучи основателем культового музыкального альманаха с похожим названием, признаётся в интервью: «Это было очень соблазнительным предложением, однако я никогда бы не посоветовал Энни ехать с ними. Просто я знал слишком многих, возвращавшихся оттуда законченными наркоманами.» Многим позже, она назовет этот опыт совместной гастроли — идиотской ошибкой. «В то время, работая в «Rolling Stone» ты моментально становился частью наркоманской культуры. В конце концов, моим наставником был Хантер Томпсон, настоящий маньяк, всегда под кайфом,» — вспоминает Лейбовиц.)

Sarah with Susan Leibovitz, on the plane back to New York, 2005
(«Эта фотография говорит сама за себя. Обнимая сестру, она так горда собой.» Лейбовиц родила свою старшую дочь Сару в 52 года, а всего через несколько лет на свет появились близнецы.)

Martina Navratilova, Dallas, 1994.
(Портрет чехословацкой и американской теннисистки, первой ракетки мира в 1978—1987 гг, Мартины Навратиловой.)

Susan in a bear costume, New Year»s Eve, Paris.
(Портрет Сьюзан Сонтаг в костюме медведя.)

Leigh Bowery, Vandam Street studio, New York, 1993
(«У меня нет двух жизний, но вот вам одна со всеми её составляющими,» — этими словами Лейбовиц объясняет равноправное существование личных и заказных фотографий в альбоме.)

Susan»s collection of stones, King Street Sunporch, New York, 1990
(Второй «коллекционный» снимок Лейбовиц.)

Photograph taken by Susan, London Terrace, West 23rd Street, October 15, 2001.
(За день до рождения первой дочери Лейбовиц.)

Susan, Paris, 2002
(«Все фотографии — это memento mori. Сделать чью-либо фотографию означает участвовать в его смертности, уязвимости, изменчивости,» — выжимка из сборника эссе Сьюзан Сонтаг «О фотографии», ставшая, по сути, лейтмотивом альбома Лейбовиц.)

Cindy Sherman
(Портрет популярной современной американской художницы, работающей в технике постановочных фотографий, Синди Шерман.)

Sarajevo; Fallen bicycle of teenage boy just killed by a sniper, 1994
(Этот знаменитый снимок велосипеда, принадлежавшего погибшему под минометным обстрелом подростку, был сделан во время боснийской войны. Лейбовиц, ехавшая в тот момент снимать мисс Сараево, стала очевидцем трагедии, однако спасти мальчишку ей так и не удалось, он умер по пути в больницу в арендованной ею машине.)

Mitsuko Uchida with Jesse Mills, Marlboro Music Festival, Marlboro, Vermont, 2002
(Про этот портрет Мицуко Утиды и её ученика Джесси Миллса, журналист Дэвид Герман в своей критической статье точно подметит следующее: «В книге, большая часть которой посвящена старению, болезни и смерти без сомнения можно отыскать множество мрачных иллюстраций. Одиночество, кажется вот она — реальная проблема людей на снимках. Как же беспощадно мало здесь счастливых лиц. Но есть одно приятное исключение — фотография Мицуко Утиды со своим студентом на музыкальном фестивале в Вермонте. Он играет на скрипке с оглядкой на ноты. Однако она полностью увлечена процессом, она растрогана и сосредоточена. Искусство, а не титулованное имя музыканта приводит её в чувства.»)

Mexico, 1989
(Портрет Сьюзан Сонтаг из совместного путешествия.)

Quai des Grands Augustins, Paris, 2002
(Последняя поездка в Париж. В конце 70-х, в своем очередном сборнике эссе, Сонтаг безапелляционно объявит читателю о том, что: «Фотография — реестр смертности. Достаточно движения пальца, чтобы вложить в момент посмертную иронию.»)

Cindy Crawford, Brookville, New York , 1993
(Портрет американской супермодели Синди Кроуфорд.)

Monument Valley, Arizona, 1993
(Долина монументов на северо-востоке Аризоны.)

Arnold Schwarzenegger, Malibu, California, 1988
(Портрет американского культуриста, политика-республиканца и актёра австрийского происхождения Арнольда Шварценеггера.)

Willie Nelson, Luck Ranch, Spicewood, Texas, 2001
(Портрет американского кантри-музыканта Вилли Нельсона.)

Johnny Cash and Roseanne Cash, Hiltons, Virginia, 2001
(Портрет американского кантри-музыканта Джонни Кэша и Розанны. Согласно легенде оставленной Лейбовиц — в своей студии, собирая по укромным углам негативы, которые уже через месяц станут общественным достоянием, она плакала неизменно под альбом «Black Cadillac» талантливой дочери человека легенды в темных одеждах.)

Leaving Seattle, November 15, 2004
(Свое отсутствие рядом, в момент смерти Сонтаг, Лейбовиц называет самым большим жизненным сожалением. В конце 2004 года, разрываясь между двумя американскими штатами, в каждом из которых в ней буквально смертельно нуждался близкий ей человек, Энни пыталась совершить невозможное. В день, когда Лейбовиц поехала навестить умирающего от рака отца во Флориду, Сьюзан выглядела плохо, но из-за неоднократно виденных ранее последствий химиотерапии, такое состояние можно было без лишних эмоций обозвать «обыкновенно плохим».
Но уже через несколько часов Дэвид, сын Сонтаг, попросит Лейбовиц вернуться назад. Он её успокоит и скажет, что время у них еще есть. Сьюзан Сонтаг умерла 28 декабря 2004 года. Похоронена в Париже на кладбище Монпарнас.)

(Повествование Лейбовиц не кончается со смертью Сонтаг, Энни потребуется всего лишь еще один год для того, что бы завершить некий цикл. В своём интервью она говорит: «Со Сьюзан у меня был роман. Отношения с родителями длинной в жизнь. А будущее — это мои дети. Работая над альбомом, я старалась оставаться предельно честной по поводу всех этих вещей.»)

Annie Leibovitz, Hotel Gritti Palace, Venice, December 1994 by Susan Sontag
(Описывая свои ощущения от работы над фотокнигой «A Photographer»s Life: 1990-2005», Лейбовиц скажет: «Когда альбом был готов, я почувствовала в себе какую-то неожиданную силу, что-то от Сьюзан. То, что дала мне её смерть. Да, она до сих пор со мной чем-нибудь делится.»)

Энни Лейбовиц на сегодняшний день заслуженно считается одной из самых востребованных среди многочисленных женщин-фотографов. Однако, несмотря на ее высокую популярность, в ее биографии есть несколько интересных фактов, о которых знает далеко не каждый.

Например, ее настоящим именем является Анна-Лу (в английском варианте Anna-Lou), однако все и всегда называли ее именно Энни.

Другим интересным моментов в жизни этого фотографа является то, что сделанная ей фотография Д. Леннона с его женой Й. Оно, стала последней в жизни певца: музыканта убили спустя примерно пять часов.

Столь популярная личность, как Энни, до недавнего времени могла похвастаться и тем фактом, что ее личная жизнь практически ни кого никогда не интересовала. И только когда в конце 2001 года в возрасте пятидесяти одного года Энни родила первого ребенка, многие задались вопросом о том, кто же приходится отцом только что родившейся девочки. Спустя три года Энни призналась журналистам в том, что отцом ее ребенка является писатель Д. Рифф, который при этом был единственным сыном ее лучшей подруги Сьюзен Зонтаг, скончавшейся в 2004 году. Только после смерти подруги Энни решилась озвучить имя отца ребенка. В 2005 году у Энни появилось еще двое детей, но на этот раз они были рождены суррогатной матерью. При этом хоть дети и отнимают у фотографа почти все свободное время, она продолжает заниматься своим любимым делом – фотографирует, организовывает выставки и издает свои книги.

Возвращаясь к смерти лучшей подруги Энни, стоит заметить, что она все же нашла в себе силы сделать фотографии умирающей. Хотя большинство фотографов, со слов самой Энни, не решаются сделать подобные снимки, так как их при этом сдерживает страх. Снимки умирающей Сьюзен стали для Энни одним из самых сложных решений за всю ее жизнь. Здесь также следует добавить, что Лейбовиц имела со своей подругой очень тесные романтические отношения, которые они никогда не афишировали и не жили вместе. Однако, их любовь, по словам самой Энни, являлась очень искренней.

Конечно, ни для кого не секрет и то, что Лейбовиц смогла поработать практически со всем Голливудом. Интересным, является тот факт, что многие избалованные звезды на съёмке пытались вести себя, как это свойственно людям их статуса. Однако все это достаточно быстро прекращалось с появлением на площадке Энни: состоявшиеся звезды, моментально забыв о своем типичном поведении, становились готовыми практически по первому слову фотографа простоять несколько часов в очень неудобной позе или даже рисковать жизнью, залезая на скалы. Примеров этому очень много. Чего только стоит певец Стинг, который обмазанный грязью несколько часов простоял в пустыни в различных прихотливых позах.

Фотограф в данном вопросе отличилась не только в Голливуде, даже Елизавета Вторая обращалась к Лейбовиц с просьбой сделать свой портрет, при этом Энни настояла на том, чтобы королева сняла корону и результате она послушалась.

Однако не стоит умалчивать и о достаточно неприятных моментах в жизни фотографа. Например, в 2009 году она чуть не лишилась практически всего своего имущества по причине многомиллионных долгов. Сумма задолженности Лейбовиц составляла 24 миллиона долларов, которые она получила годом ранее под залог прав на каталог своих фотоснимков и домов. В конечном итоге Энни смогла достичь соглашения с компанией заемщиком и вернула свои права на фотографии и имущество. Долг Энни был реструктурирован. Загадкой осталось лишь то, на каких условиях это было сделано. Точно известно лишь то, что если фотограф не сможет к новой дате погасить задолженность, то все же может потерять заложенные права и имущество.

Невероятно атмосферные и сильные снимки Энни Лейбовиц впервые появились в 1970-x годах в журнале Rolling Stone. Работы такого уровня не могли остаться незамеченными. Энни стала звездой издания и позднее начала снимать для Vanity Fair и Vogue. Сейчас ее работы можно увидеть не только в журналах или на рекламных плакатах, но и в национальных музеях и галереях по всему миру.

Из этой статьи вы узнаете о:

• семье и молодости Энни Лейбовиц;
• проектах в журналах Rolling Stone и Vanity Fair;
• работе с мировыми знаменитостями;
• отношениях со Сьюзен Зонтаг;
• о том, как работает Энни Лейбовиц.

Энни Лейбовиц. Жизнь с фотокамерой

Автопортрет Энни Лейбовиц, 1970

Мост «Золотые Ворота», Сан-Франциско, 1977

Энни родилась 2 октября 1949 года в семье офицера ВВС США. Из-за работы отца семья постоянно перемещалась по стране. В каком-то смысле Лейбовиц всю жизнь смотрела через рамку. В детстве — через окно автомобиля, а с 1968 — через объектив. «Когда тебя практически вырастили в машине, легко стать художником. Ты видишь мир уже в готовой рамке», — рассказывает о себе Энни.

Всемирная известность и огромное количество коммерческих заказов не уменьшили ее одержимость качеством работы. Лейбовиц профессионал, перфекционист. Порой кажется, что она забыла про свою жизнь и живет теми, кто попадает в объектив фотоаппарата.

Учеба и курсы фотографии

В 1968 году в Японии Лейбовиц купила камеру Minolta ST-R 101, с которой поднялась на гору Фудзияму, где сделала свои первые снимки. У нее не было запасной пленки, а на той, что была в фотоаппарате, оставалось всего несколько кадров. Это был первый урок для Энни как фотографа — думать о своей камере.

После возвращения в Сан-Франциско Лейбовиц поступила на вечерние курсы фотографии. В то время она училась уже на втором курсе факультета искусств. На рисовании преподавали в основном абстракцию и экспрессионизм, это было непонятно для Энни. Она хотела видеть результат своей работы, делать что-то действительно важное. Фотография давала такую возможность. С камерой у тебя есть миссия, повод для социальной активности.

Начало звездного пути

В 1970 друг Энни уговорил отнести снимки в журнал Rolling Stone. Она пришла с чемоданом фотографий: протесты, митинги против войны в Сан-франциско и Беркли, Израиль, где она снимала некоторое время. Молодому коллективу Rolling Stone понравилась Энни, и ее взяли. Она быстро стала звездой журнала и проработала в нем 13 лет.

Ее снимки всегда были откровением. Энни Лейбовиц проводила 3-4 дня с теми, кого снимала, чтобы добиться нужного уровня доверия. «Лучшие снимки — это всегда о том, что окружает тебя»

В начале 70-х годов профессиональные фотографы предпочитали снимать на Никон, и Энни тоже вскоре поменяла на него свой Минолта. В ранние годы работы в журнале она носила с собой три камеры, поскольку не хотела тратить время на установку линз. Техника с зумом в те годы не воспринимались всерьез — фотограф должен был сам строить экспозицию.

Джон Леннон и Йоко Оно

Джон Леннон, Нью-Йорк, 1970

Энни дважды фотографировала Джона Леннона для Rolling Stone. Первый раз — в 1970 году. Именно эта съемка положила начало ее работе со звездами мировой величины.

В то время она была очень юна, это было ее первое важное задание от журнала. Джон и Йоко были очень удивлены, что редакция направила на интервью именно Энни, но все равно общались с ней как с профессионалом. «Джон — настоящая легенда, тот, перед кем я благоговела — научил меня тому, что я могу быть собой».

Лейбовиц взяла на съемку три Никона, 105-миллиметровый объектив и экспонометр. Она использовала этот объектив, когда Джон внезапно посмотрел в камеру. Именно эту фотографию выбрали для обложки номера с его интервью.

В 1980 Энни сделала фотографию обнаженного Джона, обнимающего жену. Через несколько часов после съемки музыкант был убит. Обложка с этой фотографией была признана лучшей за несколько десятков лет.

Турне с группой The Rolling Stones

Фанаты Rolling Stones, 1975

The Rolling Stones, Филаделфия, 1975

Mick Jagger, Чикаго, 1975

Keith Richard, 1977

В 1975 Энни работала тур-фотографом группы The Rolling Stones. Мик Джаггер (вокалист группы) пригласил ее присоединиться к туру, и редакция журнала согласилась. Фотограф считала, что проект будет успешным, если она полностью сольется с группой и их образом жизни, будет хамелеоном. В этот период она подсела на наркотики. От зависимости Энни вылечилась только после переезда в Нью-Йорк.

Мик попросил меня быть их Картье-Брессоном. Не знаю точно, что он имел ввиду

За тур было отснято несколько сотен метров пленки, только некоторые кадры были опубликованы в журнале. На тот момент это был самый сильный и энергозатратный проект Энни.

Съемки моды и звезд мировой величины

Работа в Vogue и Vanity Fair

Demi Moore, 1991

Nicole Kidman, 2008

Andree Putman, Нью Йорк, 1989

Leonardo DiCaprio, 1997

В начале 1980 Энни поняла, что хочет двигаться дальше, и начала снимать для Vanity Fair. До этого девушку отождествляли только с рок-н-роллом. Эта работа открыла ей дверь в мир коммерческой и фэшн-фотографии. Лейбовиц начинает придавать большое значение ракурсам, стилю, образам тех, кто попадает в ее объектив. В это время ее наставником была Бея Файтлер, известный и влиятельный дизайнер, редактор Vanity Fair.

В 1983 Лейбовиц начала работать с Vogue, снимать рекламные кампании и проекты для Михаила Барышникова, Американского театра балета и Бруклинской музыкальной академии.

В работах Энни открывается целый мир, чем больше смотришь на ее снимки, тем больше понимаешь, какая огромная работа и команда за ними стоит. Самолеты, цирковые животные, на некоторые съемки были потрачены колоссальные бюджеты.

Фотография беременной Деми Мур произвела такое впечатление, что номер с этой обложкой поднял тираж Vanity Fair с 800 тысяч до одного миллиона. Энни снова своим творчеством затронула вопрос, который нашел бурный отклик в обществе. На этот раз через тему женского тела и беременности.

Николь Кидман, Кейт Бланшет, Джонни Деппа Энни относит к числу фотогиеничных людей, которым просто достаточно быть собой. Фотографу не нужно ничего делать, выстраивать картинку. Харизма и какая-то их внутренняя черта делает все сама. «Не важно, кто фотографирует Мерилин Монро. Она берет все на себя».

Работа со знаменитостями

Арнольд Шварценеггер

Энни нашла подход и к 28-летнему чемпиону Мистер Олимпия, и к Терминатору, а позднее и к бизнесмену и политику Арнольду Шварценеггеру. Знаменитая фотография Арнольда в Сан-Валли (США) была сделана в 1997 году. В горах была ужасная вьюга, и у Лейбовиц было крошечное окно, чтобы подняться на вертолете на нужную высоту и сделать снимки. Она фотографировала, лежа на животе в снегу. Получившиеся кадры оправдывают эти усилия, хотя условия были настолько экстремальными, что даже стилист отказался лететь на съемку.

Михаил Барышников

Мэрилин Лейбовиц была танцовщицей, и одно из самых живых воспоминаний о детстве Энни — танцующая на пляже мама. У Энни получается особенно чутко видеть этот вид искусства и движения вообще, хотя в книге «Annie Leibovitz at Work» она пишет, что танец невозможно сфотографировать, это искусство, «парящее в воздухе». «Все танцоры, по большому счету, — мечта фотографа. Они общаются при помощи тел и умеют очень чутко сотрудничать». Лейбовиц всегда была очень воодушевлена сотрудничеством с Михаилом и его командой.

Особенность фотографии в том, что либо ты делаешь момент ярким, либо просто его фиксируешь.

Карл Льюис

Не менее продуктивно получается у Энни работать со спортсменами. Их тело — это инструмент, над которым они работают всю жизнь, они знают, как позировать и вести себя перед камерой. Фотография легкоатлета Карла Льиса вошла в серию портретов участников Олимпийских игр 1996 года, которых Лейбовиц снимала во время тренировок. Почти все кадры были сделаны на Polaroid. Каждая фотография — это «портрет момента», как говорит сама фотограф.

Патти Смит

Погружаясь в творчество Энни Лейбовиц, начинаешь по-настоящему чувствовать силу ее работ. Фотографии как будто начинают говорить с тобой, рассказывать историю. Ей нет равных, когда речь идет о портрете. Патти Смит была поражена снимком, который сделала Энни. Уже спустя годы она говорила, что стала той личностью, которую удалось поймать Лейбовиц. Сама автор снимка не считает, что способна показать душу человека. Она снимает лишь верхний слой.

Творческий союз Энни и Сьюзен

В 1988 году в жизни Энни появилась Сьюзен Зонтаг. Cьюзен на тот момент была знаменитой писательницей, и ей нужны были рекламные снимки. Интересно, что одно из самых известных эссе Сьюзен посвящено фотографии (On Photography, 1977 ) .

«Я пошла на эти отношения, полагая, что стану ближе к этому величию и подниму свои работы на большую высоту». Сьюзен стала самым близким человеком для Энни. Она как никто другой могла наблюдать, обсуждать и критиковать ее снимки.

Сьюзан целиком принадлежала миру слова, а Энни — миру фотографии

Лейбовиц всегда хотела сделать что-то важное для Америки, и Сьюзан предложила совместный проект про американских Женщин. В 2000 году они выпустили книгу «Женщины» с фотографиями Энни и эссе Сьюзен. Это собирательный портрет американских женщин разных профессий, сословий, вероисповеданий. Фотограф поняла, что снимает нечто, чего не было на ее фотографиях раньше. «Я никогда не видела такого разнообразия, это было очень эмоционально».

Между женщинами была очень сильная эмоциональная и интеллектуальная связь. В 2001 году Энни родила дочь, которую они с Сьюзен назвали Сарой. К тому моменту Лейбовиц было уже 52 года, а Зонтаг 68. Через несколько лет женщины решились на еще одного ребенка, но уже с помощью суррогатной матери. Сьюзен умерла, не увидев новорожденных двойняшек Сьюзан и Сэмюэль Лейбовиц. Энни сделала посмертные фотографии подруги.

Жизнь сегодня

В 2016 году Энни выпустила продолжение проекта Женщины (WOMEN: New Portraits) . Новые фотографии были презентованы ей лично в 10 городах. В проект вошли как старые снимки, сделанные в 1999, так и новые: Глория Стайнем, Мишель Обама, Адель.

Сейчас, в 2018 году, Энни Лейбовиц 69 лет. Она больше времени уделяет детям, продолжает снимать, ведет онлайн-курсы по фотографии. Еще в молодости, поступая на факультет искусств, она хотела преподавать. Тогда ей сказали, что сперва нужно самой стать художницей. Так и получилось.

Другие известные работы

Leonardo DiCaprio

Cate Blanchett

Gwyneth Paltrow, Blythe Danner

Michael Jordan

Michael Jordan

Michael Johnson

Keira Knightley

Jennifer Lawrence

Как фотографирует Энни Лейбовиц

• Изучает работы других художников. Энни фанат фотографии, особенно работ Роберта Франка, Генри Картье-Брессона, Ричарда Аведона и Ирвина Пенна.
• Лейбовиц понимает: если работать в одиночку, можно упустить что-то важное, не увидеть своих ошибок. Она всегда говорит о своих фотографиях и съемках, принимает критику.
• Фотография, по мнению Энни, должна рассказывать историю. Поэтому она готовится, изучает личность и предыдущие проекты и фотосессии тех, с кем ей предстоит работать.
• Никого не просит улыбаться на камеру. Энни считает, что люди чувствуют облегчение, когда понимают, что им не нужно ничего изображать.
• Не боится влюбляться в того, чей портрет делает. «Это то, что вы видите на моих фотографиях».
• Выбирает 35мм камеру.

Однажды вокалист группы The Rolling Stones позвал Энни в тур и попросил быть их Картье-Брессоном. Если вы не знаете, кто это такой, или слышали, но не изучали его работы, то предлагаем почитать материал — . Также Losko писал биографии и других фотографов:

— : художник и пионер цветной фотографии

— : самый дорогой фотограф современности

Что такое кадр? Возможно, попытка остановить время, заглянуть в лицо миру, в котором живешь. Фотограф — летописец иллюзий. Власть кадра безоговорочна. Ее нельзя переизбрать, отправить в отставку, поднять восстание против нее. Она вечна.

Энни Лейбовиц — женщина, которая превратила глянец в искусство. Когда-то она сделала кадры, которые сегодня «цитируют» фотографы всего мира. Ее фото и ее жизнь — всегда на грани. О провокации от Leibovitz мечтает любой, лишь бы оставить в истории сделанный ею кадр. Вупи Голдберг лежала в ванне с молоком, Бэтт Мидлер — под восхитительными, но нестерпимо колючими розами, а Ее Величество Елизавету II Энни однажды попросила снять на время корону. Монаршая особа подумала, и…выполнила просьбу. Самый легендарный снимок Лейбовиц — фото Джонна Леннона и Йоко Оно. Джон, беззащитный, как младенец, обнимает музу. Это было 8 декабря 1980 года, за несколько часов до убийства Джона Леннона. Эта обложка журнала «Rolling Stone» в 2005 году получила первое место на конкурсе «Лучшая журнальная обложка за последние 40 лет».

Энни Лейбовиц родилась 2 октября 1949 года в США в семье подполковника воздушных сил и учителя танцев. Потом она скажет: «Я была частью поколения, которое выступало против войны, и в то же время я понимала, что должна примириться с тем — что мой отец выполняет военные миссии во Вьетнаме…» Порой детские впечатления определяют всю жизнь человека. Энни навсегда запомнит самый яркий кадр своего детства — маму, танцующую на пляже. Память старалась запечатлеть движения, резкие позы, движение самой жизни.

Свой первый фотоаппарат она купит в Японии — и возьмет его с собой в восхождение на Фуджи. Это был первый урок уважения к своей камере, усвоенный на всю жизнь. После поездки Энни поняла — если она собиралась жить с этой вещью, то должна понять, что эта вещь из себя представляет. Тогда она запишется на вечерние курсы фотографии в Институте Искусств Сан-Франциско, где училась. «Нас учили, что самая важная вещь, которую может сделать молодой фотограф — научиться видеть», — рассказывает фотограф. Днем они снимали, вечером проявляли снимки, у них были свои герои и свои идеи. «Фотоаппарат дает право выйти в мир с определенной целью», — уже тогда поняла Энни Лейбовиц.

Именно в тогда — в 70-е, во время расцвета рок-н-ролла и молодежных движений начнет формироваться уникальный, отрицающий трафареты, стиль Энни. 21 января 1970 года фото со Студенческой демонстрации против вторжения в Камбоджию станет обложкой музыкального журнала «Rolling Stone», с которым ее свяжет многолетняя работа. Настоящий успех обрушился на Лейбовиц, когда лидер «Rolling Stones» Мик Джаггер пригласил ее в качестве официального фотографа на гастрольный тур. Из целой плеяды уже знаменитых рок-фотографов выбрал почти неизвестную Энни. Как-то она признается: «Что касается музыки, то тут я пропустила самый важный момент. Джими Хендрикс и Дженис Джоплин оба умерли осенью 1970-го». С Миком они встретились несколькими годами раньше. У Энни тогда была «сумасбродная идея» сфотографировать рок-бэнд в золотом Кадиллаке. Ребята приехали, осмотрели машишу, взятую в прокат и Мик сказал: «Машины как вина. Есть удачные года выпуска, а есть плохие». И они развернулись — и ушли. Но потом он вернулся.

Энни Лейбовиц щелкала фотоаппаратом каждую секунду, так, что роллинги уже и не реагировали на ее камеру, в это время фиксировавшие легенду века. Уже тогда она воспримет всем существом главную заповедь каждого фотографа, но произнесет ее вслух лишь потом: «Мне понадобилось много лет, чтобы понять: просить человека улыбнуться перед камерой — то же, что попросить его сфальшивить…» В 1983 году Энни начала работу в известном журнале «Vanity Fair». В 90-х Энни Лейбовиц становится одним из самых высокооплачиваемых фотографов мира, открывает личную фотостудию в Нью-Йорке. Она теперь работает для «Harper´s Bazaar» и «Vogue».

Но всегда была и другая Эннни Лейбовиц. «Меня не покидало ноющее чувство, что я выбрала неверный путь. Но чувство вины — это не плохо», — говорит она. На одном из самых сильных снимков — только велосипед, лежащий на дороге, резкий след. Фото называется «Велосипед мальчика, убитого снайпером». «Я ехала фотографировать Мисс Сараево, вдруг раздался выстрел и прямо перед моей машиной упал мальчик на велосипеде. Мы повезли его в госпиталь, но он скончался по дороге», — рассказывает она. Власть кадра беспощадна. Нет политических идей, нет амбиций, нет ничего — есть только мальчик, которого больше нет ни на кадре, ни в жизни.

В мире глянца Энни давно воплощает свои невероятные, сумасшедшие идеи в жизнь, по привычке оставляя в кадре ироничную суть. Она как театральный режиссер, ставит пьесы. «Страна Оз», «Алиса в Стране Чудес», «Ромео и Джульетта», «Королева». В 51 год она родила первого ребенка от писателя Дэвида Риффа. В 55 лет Энни с помощью суррогатной матери родила еще двух малышей. Сейчас ей за 60, она занимается детьми, и остается самым востребованным фотографом планеты. И по-прежнему не изменяет себе. Она давно стала Annie Leibovitz и может позволить себе быть самой собою.

10 фотографов-самоучек, прославившиеся на весь мир

Что важней для фотографа – собственное видение или большой набор технических навыков? Есть ли шансы на внимание публики у мастера, который обладает весьма скромными техническими знаниями, но уникальным стилем, идейности и манере исполнения? Может ли самоучка стать известным и уважаемым фотографом?

Отвечая на эти вопросы, мы решили познакомить вас со знаменитыми, не иначе как фотохудожниками, не владеющими специальным образованием. Разумеется, многие имена на слуху, но мало кто знает, что все эти личности пришли к фотографии, не имея соответствующего образования.  К слову, часто настоящими революционерами становятся именно те, кто не ограничен рамками образовательных учреждений. Взяв в руки камеру, они стали настоящими профессионалами и иконами в мире фотоискусства.

 Самая знаменитая женщина-фотограф и один из самых известных портретных фотографов в мире.

Энни училась художественном институте Сан-Франциско на преподавателя искусств. Первые фото сделала на Филиппинах, отправившись туда с отцом в конце 60-х. Во время учёбы девушка записалась на курсы фотографии, посетив предварительно Японию, где купила свою первую камеру. На третьем курсе она поехала в Израиль на раскопки дворца царя Соломона и именно в этот момент решила стать фотографом, закончив преподавательскую деятельность. Очень застенчивой Энни, будучи незаметной, пришлось по душе снимать. Фотоаппарат стал её верным другом, помощником в познании окружающего мира и, прежде всего, себя.

 Французский фотограф, изменивший понимание рекламной фотографии, делая акцент на естественности.

 Фотографией Патрик увлекся в детстве. К большому счастью мальчика, отчим вскоре подарил ему свой старый Кодак. В 1960-х годах начинающий фотограф подрабатывал в фотомастерских, занимался печатью и ретушью, изготовлял комбинированные снимки для выпускных классов школ. Вскоре он решил фотографировать сам: около года работал для мелких агентств, некоторое время был ассистентом у известного фотографа Ханса Фойрера. В начале 1970-х годов его работы стали появляться в таких известных журналах как «Elle», «Marie Claire» и «20 Ans».

У Демаршелье не было никакого формального образования в области изящных искусств — впрочем, у него вообще не было образования. Всю его жизнь заняла фотография, а процесс обучения происходил во время практики.

Британский фотограф и один из самых востребованных специалистов в мире моды, человек, который превращает съемки в сказочное шоу, а свои работы – в настоящее искусство.

В детстве маленький Марио учился в американской католической школе и мечтал стать священником. Однако судьба в лице его отца, который вел успешный бизнес, связанный с торговлей нефтью, решила иначе. Родители хотели, чтобы Марио получил достойное образование. Именно поэтому он изучал экономику в Universidad del Pacifico, затем поступил на юридический факультет Католического университета, а еще позже изучал международные отношения в университете Сан-Диего.

Вскоре он, надумав подзаработать, уехал в Лондон и устроился ассистентом в студию известного театрального фотографа Джона Виккерса, увлекся работой, а после его смерти и сам начал снимать. В первые годы у него не было постоянной клиентуры; чтобы купить качественный фотоаппарат, ему приходилось подрабатывать официантом в ресторане. Там же он на досуге фотографировал своих коллег, неудачливых фотомоделей, но постоянно оттачивал свое мастерство.

Один из лучших фотографов мира, признанный репортер, мастер цвета и композиции.

Стив является обладателем многочисленных международных наград, в том числе, самых авторитетных в фотографической среде, таких как World Press Photo и Золотая медаль Роберта Капы. Ни одно крупное издание мира не обошлось без фотографий МакКарри, и сегодня его портретные и репортажные работы считаются лучшим повествованием о жизни в зонах конфликта (Афганистан, Ирак, Йемен и т.д.).

В юности МакКарри планировал поступить на факультет кинематографии, но в итоге окончил университет с дипломом в области театрального искусства. В 1974 году, после окончания университета, Стив стал работать фотографом в одной из местных газет. Активному молодому человеку жизнь в родном городе казалась скучноватой, так как он жаждал приносить хоть какую-то пользу людям. С такой целью в 1978 году будущая знаменитость уехал в Индию.

Там он жил в самых худших условиях местных гостиниц. Ему часто приходилось рисковать своим здоровьем и порой даже жизнью. Однако прекрасные и удачные снимки, по его мнению, компенсировали все пережитые лишения и мытарства.

Уже в 1979 году Стив отправился по северу Афганистана с целью фоторепортажа. Довольно сложное путешествие принесло хорошие плоды. Сделанный им в 1984 году в лагере для беженцев снимок девочки в платке с невероятно пронзительными зелеными глазами впоследствии был включен в список 100 самых лучших фотографий по версии издания National Geographic. Прославленная обложка с невероятно серьезным взрослым взглядом девочки в 2005 году вошла в ТОП десяти лучших за 40 лет.

Американская фотохудожница, работавшая в жанре уличной фотографии. При жизни была неизвестна, как фотограф, а её фотоархив был обнаружен случайно на распродаже.

Работы Вивиан Майер стали настоящим открытием для фотографического света. Работая гувернанткой и няней в американских семьях, Вивиан посвящала все свободное время увлечению фотографией. Своих работ она никогда не печатала, и большую часть пленок даже не проявляла, но отснятый материал бережно хранила. После смерти имущество автора было выставлено на аукцион – так многолетний труд Майер попал в руки к историку Джону Малуфу, который, осознав ценность попавшего к нему материала, посвятил свою жизнь популяризации имени Майер и ее творчества.

Турецкий фотограф Мустафа Дедеоглу начал свою творческую карьеру относительно недавно, в 2006 году, однако уже успел получить широкую известность в профессиональных кругах и даже провести несколько персональных выставок в России.

Творческий путь Дедеоглу резко отличается от большинства современных профессионалов, ведь он фактически является самоучкой, который занялся ремеслом независимого фотографа параллельно со своей основной профессией инженера. Он родился в стамбульской провинции в 1978 году в семье военного и после получения высшего технического образования стал работать инженером, переехав в город. По-настоящему увлекся фотографией Дедеоглу только семь-восемь лет назад. При этом никаких профессиональных курсов он не заканчивал и не обучался техническим основам фотографии. Изначально фотография для молодого инженера из Турции была всего лишь хобби, любимым увлечением, но постепенно она стала настоящим ремеслом, которому Мустафа отдает частичку своей души.

Дедеоглу фотографирует в своем родном Стамбуле и пытается создать своеобразную летопись мегаполиса через уличные зарисовки и портретные снимки.

Ева Арнольд (Eve Arnold)

Ева Арнольд фотографировала Мэрилин Монро и звезд мирового кино, но негласное звание королевы фоторепортажа она получила благодаря многочисленным поездкам в страны третьего мира.

Ева Коэн в 16 лет покинула родной дом и переехала в Нью-Йорк, где одно время работала в фотолаборатории. Она не задумывалась о профессии фотографа, так как в ее молодости эта специальность считалась преимущественно мужским занятием.

По-настоящему она занялась фотографией в 30 лет. Знакомый, увидев интерес, подарил ей фотоаппарат. Сначала она делала снимки для себя, потом к ее собственному удивлению, ей стали заказывать портреты.

В 1951 году Арнольд отважилась для визита в агентство Magnum. Она взяла фотографии чернокожих гарлемских моделей и репортаж о рабочих Лонг-Айленда и не ошиблась — она стала ассоциативным членом организации, а в 1957 году — постоянным корреспондентом Magnum, первой женщиной, принятой в знаменитое фотоагентство.

Работы этого фотографа знакомы каждому, портреты Джонни Деппа, Умы Турман, Кейт Мосс стали самыми известными изображениями звезд. Он автор легендарных постеров к фильмам «Мемуары гейши», «Убить Билла», «Код да Винчи». Альберта Уотсона называют величайшим незнакомцем, хотя его работы можно увидеть практически в любом модном журнале. Автор 250 обложек Vogue, 600 рекламных проектов, он входит в двадцатку величайших фотографов современности.

В юном возрасте мать отдала Альберта в Вальдорфскую школу, (где в первую очередь дети учатся рисованию, лепке и другим художественным ремеслам). После окончания школы Уотсон поступил в колледж искусств Данди, где осваивал графический дизайн, позже четыре года изучал кино и телевидение в Лондонском колледже.

До 30 лет он и не помышлял о карьере профессионального фотографа. Подрабатывал на шоколадной фабрике в Данди, затем недолго пробыл служащим в Министерстве авиации и убедился, что роль клерка не для него.

Первую камеру Алберту подарила жена. Уотсон пробовал себя в рекламной фотографии, перебиваясь случайными заработками. Его звездный час наступил, когда ему исполнился 31 год. Случайное знакомство с арт-директором Max Factor и тестовая фотосессия стали судьбоносными: руководство Max Factor выбрало две фотографии для своего рекламного проекта. Потом Уотсон получил заказ от автомобильной корпорации, затем последовали публикации в Harper’s Bazaar,  Mademoiselle и GQ. В 1973 году Уотсону предложили снять Альфреда Хичкока. Так появился легендарная работа: портрет режиссера, который держит ощипанного гуся, перевязанного лентой.

Брассай (Brassai)

Брассай стал первым, кто не побоялся показать ночной Париж –  город клошаров и борделей, гадалок и воров, Париж наполненный сумраком и любовью.

Пристрастие снимать в ночные часы сделало его знаменитым. Великим фотографом его стали называть гораздо позже. Современники Брассая вряд ли сознавали, что он снимает что-то особенное. В возрасте трех лет маленький Брассай с родителями впервые попал во Францию. Его отец год преподавал в Сорбонне, а потом вместе с семьей вернулся на родину. Примечательно, что ни в детстве, ни в юности Брассай не задумывался о профессии фотографа. Он хотел стать художником. Любящие родители сначала отправили его учиться живописи в Будапештскую академию художеств, а через год он уехал в Берлин. Здесь он пишет картины, в основном в жанре ню, увлекается графикой, интересуется скульптурой, которой тоже суждено стать его призванием.

Как и многие творческие люди, он мечтает о Париже, куда переезжает в 1924 году, бросает занятия живописью и пишет статьи для различных изданий. Но Брассай сталкивается с распространенной в газетах проблемой: статьи нечем иллюстрировать, фотографы неохотно идут на сотрудничество с внештатными журналистами. По совету Брассай сам начинает фотографировать. Для себя и для газет. Его фотографии все чаще публикуют престижные французские издания, а вскоре и международные. Конечно, он становится известен в творческих кругах. В 1933 году вышел фотоальбом «Ночной Париж», который принес ему оглушительную славу.

Эллен фон Унверт (Ellen von Unwerth)

Эллен фон Унверт снимала самых популярных женщин планеты и попасть в ее студию мечтает каждая знаменитость. Легенда в мире фэшн-фотографии в молодости работала моделью, именно эта профессия подтолкнула ее к фотографии.

Моделью Эллен проработала 10 лет. Благодаря интересным предложениям побывала в десятках стран и снималась у таких мэтров фотографии, как Хельмут Ньютон, Оливер Тосканини. Хотя у перспективной модели не было отбоя от интересных предложений, эта профессия не делала ее счастливой. По собственному признанию, Эллен чувствовала себя уверенно на съемочной площадке и ей категорически не нравились надуманные искусственные позы и эмоции, которые ей пытались навязать фотографы и стилисты. Будучи фотографом она откажется от подобного метода работы, на ее съемочной площадке будет царить вольная непринужденная атмосфера. «Меня ужасно раздражало, когда фотограф не разрешал двигаться. Мне всегда хотелось делать какие-то глупости в кадре, и я поощряю, когда мои модели стремятся фантазировать и делать неожиданные вещи», — вспоминала позже Эллен.

Популярная модель Эллен фон Унверт не задумывалась о карьере фотографа, пока у нее в руках не оказался первый фотоаппарат, который ей подарил бойфренд. Эллен стала фотографировать подруг-моделей в перерывах между съемками, на отдыхе и во время путешествий. Она настолько увлеклась фотографией, что сама научилась печатать снимки. Вскоре ее работы появились на странице модного журнала. Портреты Эллен – яркие, провокационные, открывающие личность с неожиданной стороны, оказали немалое влияние на современное фотоискусство.

Подавляющее большинство знаменитых фотографов не учились своему ремеслу в институтах и академиях. И для многих из них сама мысль, стать фотографом, пришла в довольно зрелом возрасте. Любовь к фотографии и выражение собственных эмоций через объектив фотоаппарата – вот что мотивировало этих людей в одиночку осваивать профессию. Это хороший пример и отличная мотивация для всех, кто хочет связать свою жизнь с фотоискусством.

20 восходящих фотографов, на которых стоит подписаться в Instagram в 2020 году

Если есть одна и только одна вещь, для которой Instagram хорош, так это поиск невероятных изображений. Итак, в 2020 году пришло время отписаться от @fuckjerry — все хорошие мемы в любом случае есть в Твиттере — и вместо этого наслаждаться своей первоначальной целью, находя блестящих фотографов, которые предлагают вашей ленте что-то действительно оригинальное.

Фуми Хомма
Фуми родом из Японии, но сейчас живет и работает в Лондоне. Работы Фуми характеризуются оптимистичным характером и ощущением официальной школьной фотографии.Ожидайте много характерных лиц.

Сируи Ма
Работая между Нью-Йорком и родным Пекином, Сируи Ма создает весомые модные образы и очаровательные портреты.

Евгений Шишкин
Евгений работает в Москве, и его работы так элегантно колеблются между реальным и сюрреалистичным, что никогда не знаешь, где ты находишься… но быть там приятно.

Стивен Веластеги
Студент нью-йоркского FIT, Стивен вдохновлен такими людьми, как Нэн Голдин и Джамиль Г.С. («Крестный отец гетто Невероятный взгляд»), чтобы задокументировать город во всей его туманной, анархической красоте.

Изабель Окоро
Родом из Лагоса, но сейчас живет в Торонто, Изабель стремится преодолеть разрыв между своим домом и жизнью за его пределами, создавая аутентичные, честные портреты жизни в диаспоре.

Shuwei Liu
Shuwei, живущая между Шанхаем и Берлином, создает невероятно пронзительные серии фотографий об идентичности, сексуальности и принадлежности.

Линдси Эллари
Если вам нравятся очаровательные портреты известных лиц и красивых незнакомцев, обратите внимание на поэтическую линзу Линдси Эллари из Лос-Анджелеса.

Клара Небелинг
Несмотря на свой юный возраст, у Клары уже есть внушительные клиенты. Просматривая ее Instagram, вы можете понять, почему образы, которые она создает, невероятно атмосферны.

Айжани Пейн
В работах Айжани Пейн из Нью-Йорка есть ностальгия, немного напоминающая пионеров моды 90-х, таких как Ник Найт.

Льюис Хан
Фотограф-документалист Льюис снимает части Британии, которые не всегда выглядят наиболее эстетично, но делают это изящно и красиво.

Мэнни Джефферсон
Используя драматические пейзажи Лагоса, туманные закаты и неповторимый уличный стиль, Мэнни с легкостью и очарованием запечатлел процветающую жизнь города.

Уилл Скарборо
Уилл превращает простой студийный портрет, часто снятый на простом черном фоне, в нечто гораздо более эксцентричное и увлекательное.

Генри Джей Камара
От съемки главного героя южного Лондона Стормзи до его фотографий в поездке по Сьерра-Леоне — снимки Генри полны энергии.

Эмбер Пинкертон
Предлагая романтические виды на Ямайку, Эмбер живет в Лондоне, но регулярно возвращается, чтобы сделать красивые снимки своего родного дома.

Хизер Глэззард
Родом из северной Англии, но сейчас она живет в Лондоне, Хизер использует свои фотографии, чтобы пролить свет на хитросплетения квир-историй.

Нора Норд
Точно так же норвежский фотограф Нора активно защищает ЛГБТК+ людей в своей работе.

Пабло Ди Прима
Выпускник CSM Пабло чувствует себя в студии как дома — снимает блестящие коллекции своих друзей и одноклассников — так же, как он снимает незнакомцев на пляжах Колумбии.

Генри Горс
Если вам кажется, что ваши фотографии немного более абсурдны и сюрреалистичны, чем обычно, вам нужно следовать за лондонцем Генри.

Калеб Штейн
Фотограф-документалист, работающий в основном в черно-белых тонах, Калеб, снятый в течение нескольких месяцев, а в некоторых случаях и лет, в разных местах по всему миру, имеет очень классический вид.

Джозайя Рандлс
В связи с тем, что в Атланте появляется так много ключевой музыки и культуры, необходимы документаторы, способные запечатлеть энергию сцены. Иосия, безусловно, один из лучших, кто это делает.

Энциклопедия Великих равнин

ПЫЛЕСОС ДЛЯ ФОТОГРАФОВ

На юге и в центре Великих равнин, Великая депрессия 1930-х усугубилась от Dust Bowl, комбинация что вызвало большой стресс у жителей региона а также федеральное правительство, которое стремился облегчить свои страдания.Работающий при Рое Страйкере, прежде всего под Фермой Администрация безопасности (FSA), небольшая группа талантливых фотографов, включая Уолкера Эванс, Доротея Лэнг, Марион Пост Уолкотт Джон Вашон, Рассел Ли и Артур Ротштейн, задокументировали человеческое, природное и экономическая разруха края в фотографиях печатается в федеральных изданиях, а также как в самых разных газетах и ​​журналах. Страйкер явно направил своих фотографов задокументировать трагедию, а также показать необходимость и эффективность дорогостоящих, сельскохозяйственная государственная помощь программы.

Самый важный фотограф Пыльного котла, как с точки зрения технических возможностей, так и время, проведенное в регионе, был Артур Ротштейн. Ротштейн присоединился к проекту в 1935 году, сразу же после окончания Колумбийского университета Университет. Он путешествовал по равнинам из 1936–1940. Ранняя роль Ротштейна и технические способности дали ему значительное влияние по художественному направлению федеральной программы. Он находился под сильным влиянием 1936 г. документальный фильм Плуг, который сломал равнины и принял его визуальную перспективу и убедительность намерение.Его работы были песчаными, принимая преимущество возможности черно-белого пленка для захвата контраста между светом и темно. Его реалистический стиль, кажущийся документальным, был выбран для повышения правдоподобности его работы.

При Страйкере и Ротштейне, правительство фотографы подчеркивали образы бедности и разрушения с 1935 по 1937 год. Рассел Ли работал в Техасе и Оклахоме, хотя он сосредоточены на Северных Великих равнинах. Его серия 1939 года «Часть лагеря на Мейс-авеню, Оклахома-Сити, штат Оклахома» показывает, что даже в конце Великой депрессии бедность продолжала поражают регион.

Работа государственных фотографов иногда вызывал споры, что вряд ли удивительно, учитывая убедительность намерения назначение. Работа Артура Ротштейна доказала быть самым спорным. Ротштейн был участвовал в политической полемике во время Президентские выборы 1936 года, когда консерваторы Fargo Forum критиковал его (и, соответственно, администрации Рузвельта) за его многократное использование коровьего черепа, чтобы драматизировать мрачность равнин.История распространилась. Позже многие газеты опровергли эту историю после Обоснование Страйкером художественности черепа использование, но репутация правительства пострадали фотографы. Ротштейна самое известное изображение, Фермер и сыновья на прогулке Перед лицом пыльной бури , округ Симаррон, Оклахома (1936 г.), изображающий фермера и его два юных сына склоняются к ветру, как пыль проглатывает их хозяйственные постройки, также доказал спорный. Другие изображения, сделанные на том же день, но с ясным небом и явным отсутствием пыли опровергают заявление Ротштейна о том, что он сделал фото без постановки.

В то время как большинство фотографов Пыльного котла работал на федеральное правительство, другие работал в частных изданиях. Доротея Ланге время от времени работал на федеральное правительство. но только малая часть ее работы охватывает регион. Среди них, произведенные самостоятельно федеральных усилий, был «Исход американцев» (1939), в котором есть мрачные сцены жизни на Южных равнинах, которые объясняют, почему люди путешествовали бы на большие расстояния в Калифорнию жить в лагерях и работать в таких жалких условия.Маргарет Бурк-Уайт, также считается крупным фотографом Dust Bowl, работал на Fortune , который поручил ее, чтобы сфотографировать Глубокий Юг. Ей самые известные фотографии, вошедшие в книгу « вы видели их лица » (1937), были сделаны в Юг Америки, но часто воспринимаются как установленный в Dust Bowl.

Вместе с Пыльным котлом прошло и необходимо обосновать государственные программы или документы сельские страдания в регионе.После 1937 г. акцент сместился на более положительные эффекты усилий правительства по оказанию помощи, с меньшим количеством сцен экономического и экологического бедствия.

См. также СЕЛЬСКОЕ ХОЗЯЙСТВО: Управление безопасности ферм / ФИЛЬМ: Плуг, который разорвал равнины / ФИЗИЧЕСКАЯ ОКРУЖАЮЩАЯ СРЕДА: Пыльный шар.

Чарльз Воллан Университет Небраски-Линкольн

Кертис, Джеймс. Mind’s Eye, Mind’s Truth: FSA Photography Пересмотрено . Филадельфия: издательство Temple University Press, 1989.

Флейшхауэр, Карл и Беверли В. Браннон, ред. Документирование Америки, 1935–1943 гг. . Беркли: Калифорнийский университет Пресс, 1988.

диалогов с великими фотографами — Стивен Уилкс —

Пизани – Из какой традиции фотографии вы себя видите? Фотографы Эдверд Мейбридж и Гьон Мили использовали движение как часть своей эстетики. Считаете ли вы их влияние?

Уилкс –  Меня всегда интересовало, как процесс фотографирования и эволюция фотографического материала постоянно меняются благодаря инновациям.Одна из вещей, которые я хотел бы сказать, заключается в том, что когда вы внедряете инновации, это происходит потому, что у вас есть действительно глубокое понимание истории и глубокое понимание новых технологий, и это то, что я делаю. Я считаю, что моя работа находится в этой средней области, где она глубоко охватывает историю медиума. Тем не менее, я всегда очарован и любопытен новыми вещами, которые развиваются с точки зрения технологий, которые помогают мне рассказывать истории.

За всю историю фотографии фотографами, которыми я больше всего восхищаюсь и которые меня вдохновляют, являются Дагер, Генри Фокс Талбот, Эдверд Мейбридж, Эгертон и, конечно же, Гьон Мили.Все, от Штайхена до Штиглица и Ансела Адамса, я думаю, что все эти фотографы были в своем роде новаторами. Они создали и использовали среду и инновации, используя технологии, чтобы усилить свое видение; это то, что мне интересно делать.

Я хочу создавать фотографии, которые дают людям интуитивное ощущение того, что я вижу.

На меня очень сильно повлияли художники; Меня тянет к истории живописи. Меня затягивает мир Питера Брейгеля Старшего.Он, безусловно, во многом определил мой масштаб и мое повествовательное повествование в «Дне к ночи». Иероним Босх. Это влияние ранней живописи. И по мере того, как я рос с годами, я глубоко погрузился в художников школы реки Гудзон и, в частности, в Альберта Бирштадта. И если мы собираемся перечислять источники вдохновения, безусловно, мой наставник Джей Мейзел был большим источником вдохновения.

Пизани – В вашей работе есть подход к искусству, который связывает ваши интересы с эстетикой и технологиями.Существует особый процесс создания фотографий, которые стремятся к инновациям с использованием технологий. Каковы ваши отношения с наукой и как это повлияло на вашу работу?

Уилкс –  Что ж, я всегда люблю повторять, что «День и ночь» – это слияние науки и искусства. Часть того, что я делаю, это размышления о концепции времени и наших отношениях со временем. И даже на научном уровне, размышляя о том, как Эйнштейн описывает пространственно-временной континуум. Когда я начал исследовать эту работу, я понял, что могу, используя эту новую технологию Photoshop, начать объединять не просто одно изображение, а сотни изображений вместе, и эти изображения рассказывают историю, которая не только связана с тем, что я были засвидетельствованы в определенном месте в определенный момент времени, но также зафиксировали разное количество времени в течение дня и ночи.

Так что это послужило толчком к созданию этой работы, основанной на увлечении тем, что у нас был этот огромный технический сдвиг, когда была изобретена цифровая фотография. Я всегда был готов засунуть ногу в пруд, когда выходило что-то новое.

Я всегда говорю, что мне посчастливилось научиться аналоговой фотографии и освоить фотографирование с помощью камеры обзора, широкоформатной прозрачной пленки. Когда я делал свою серию «Остров Эллис», я разработал эту систему зон прозрачности для создания этих фотографий.Думаю, я бы никогда не смог сделать Day to Night, если бы не обладал таким уровнем аналогового мастерства для этой серии.

Пизани – Как вы описываете, иногда вам приходится находиться в воздухе на высоте 40 футов на кране в течение 24–36 часов. Как вы справляетесь с физическими проблемами, необходимыми для создания ваших изображений?

Уилкс –  Одна из особенностей выполнения этой работы заключается в том, что у меня должна быть максимальная физическая энергия, чтобы стоять от 24 до 36 часов, а также умственная энергия, чтобы оставаться сосредоточенным в течение этого периода времени.Я описал это людям; это почти становится формой глубокой медитации. Когда вы сидите и смотрите в одно место от 24 до 36 часов, вы начинаете изолировать все вокруг себя. Ваш фокус становится таким узким в смысле того, на что вы смотрите.

Одной из особенностей этой работы является моя способность не только видеть то, что находится передо мной, реагировать на то, что происходит перед моим объективом, но и в то же время думать о загадке, которая происходит в моей голове. Итак, я работаю почти на двух разных уровнях.На одном уровне я наблюдаю, чтобы попытаться запечатлеть определенные моменты, которые происходят, когда время движется в кадре, и в то же время думаю о том, как здесь будет происходить переход времени? Есть ли у меня правильное облако в этой позиции? Что происходит, когда толпа людей расходится? Есть ли у меня тот момент, когда я не могу снова перейти во времени? Итак, это головоломка в реальном времени, которая происходит в моей голове.

Часть того, что я делаю, это то, что я живу с этим изображением, которое у меня в голове. Я движим желанием сделать реальностью то, что я вижу.Этот акт визуализации — результат десятилетий фотографирования. Ансель Адамс описал это лучше всего; вы достигаете точки, в которой изображение появляется перед вашим мысленным взором. Когда вы видите образ в своем воображении, а затем его: как мне перевести его в фотографический отпечаток? Если в конце концов вы фотографируете достаточно долго и смотрите на мир достаточно долго и глубоко, у вас возникает подобная связь, когда вы видите что-то в своем уме, и это становится переносом опыта.

Пизани – Ваш метод работы включает в себя отбор значительного количества различных изображений для создания одной составной фотографии; как вы выбираете и редактируете, какие моменты вы будете включать в свою серию из сотен отдельных моментов, которые вы снимаете?

Уилкс – Когда я фотографирую, мой глаз движется вместе со временем. Затем, когда я снимаю, я вижу очень конкретные моменты и отмечаю их. У нас есть очень четкая цветовая и числовая система, которая отмечает определенные кадры в зависимости от того, что я считаю их важностью в том, как я видел различные вещи в течение дня и ночи.Затем я возвращаюсь в свою студию и потрачу около месяца времени на редактирование этих фотографий. В среднем я снимаю от 1200 до 2200 одиночных кадров.

Мне нужно вернуться, потому что мой взгляд был сфокусирован на одной области, но я мог пропустить что-то из того, что произошло. Опять же, из-за того, что моя работа имеет такой размах и масштаб, часто происходит несколько вещей, и ваш взгляд может сосредоточиться только на очень многих вещах в один данный момент. Итак, часть моего процесса как фотографа состоит в том, чтобы заново открыть для себя свою работу во время редактирования, и поэтому на редактирование одной фотографии «День и ночь» уходит около месяца.

Пизани – Ваши фотографии, на которых запечатлены самые волнующие моменты дня, сжимают время в один кадр. Состав деталей может казаться случайным, например, образы, которые мы видим во сне во сне, вспоминая наши лучшие воспоминания и воспроизводя их, чтобы пережить заново. Вы чувствуете, что ваша работа связана со снами или, возможно, с альтернативной реальностью?

Уилкс –  Я не думаю, что моя работа связана со снами в большей степени, чем с памятью.Я думаю, что моя работа действительно связана с памятью, в некотором смысле, потому что я пытаюсь исследовать память на двух уровнях. Во-первых, меня всегда тянет к местам, которые я называю культовыми. Вещи, которые являются частью нашей коллективной памяти, так что есть интуитивное знакомство, когда вы смотрите на одну из моих фотографий. Это кажется знакомым, но совершенно другим, чем все, что вы когда-либо видели. Так что, если я сделаю это хорошо, тогда эта фамильярность даст мне доступ к вам.

Я исследую это почти бессознательное знакомство с местом.Затем я начинаю исследовать идею о том, что, когда мы смотрим на время, у всех нас есть связь с местом. Возможно, вы видели это; возможно, вы гуляли по Центральному парку во время снежной бури. Внезапно, именно тогда, когда вы видите мой Day to Night of Central Park Snow, он говорит с вами. Вы, может быть, помните, когда Всемирный торговый центр рухнул, и вы видели огни Мемориала 911, и вы гуляли по Нью-Йорку, и вы были там в тот день, когда зажгли мемориальные огни. Итак, когда вы видите мой фильм «День и ночь во Флэтайрон-билдинг», у вас возникает связь с этим моментом, вы знаете, каково это.Я выбираю места, которые выбираю, основываясь на воспоминаниях, и то, как я делаю фотографию, некоторым образом обращается к памяти.

Фотографы говорят: «О, я не хочу это снимать, потому что это застрелили». Я принимаю это. Для меня это делает его частью нашей коллективной памяти. Если все его видели, значит, он уже стал частью нашей коллективной памяти, с чего я и начинаю. В каком-то смысле это большой вызов. Кроме того, когда вы смотрите на представление о том, что такое художник, это соотношение риска и вознаграждения.

Мне нравится этот риск прыгнуть в это пространство и увидеть, могу ли я создать что-то, чего никто не видел? С которым все знакомы? Вот где это начинается.

Пизани – Вы упомянули в одном из своих интервью, что во время учебы в колледже у вас была возможность поехать в Китай и поработать над фотографией во время поездки. Как вы думаете, путешествия по миру, от Нью-Йорка до Китая в самом начале вашей карьеры, повлияли на ваше видение и что может быть возможно с увлечением фотографией?

Уилкс –  Работа в Китае помогла мне сосредоточиться на том, что я назвала работой.Итак, будучи молодым фотографом, я понял, что нужно определить свое видение, чтобы люди могли вас заметить. Это такая естественная вещь, как и любой художник. Вы хотите иметь возможность сказать: вот кто я; это то, что я делаю, и, в некотором смысле, люди смотрят на вашу работу и идут хорошо, это Стивен Уилкс или кто-то еще. Вы хотите, чтобы ваша работа говорила о том, кто вы есть как художник. Будучи молодым фотографом в колледже, я чувствовал, что уже снимал фотографии с 12 лет, поэтому к 19 годам я был довольно сосредоточен; Я знал, что делаю это уже давно.

Итак, я знал, что это был момент для моей карьеры, когда я почувствовал, что хочу создать набор работ, которые я мог бы начать показывать людям, потому что я хотел зарабатывать этим на жизнь. Появился китайский проект, и я думаю, что он в некотором роде определил мое видение.

Но для меня, как этого молодого фотографа, побывать там было просто визуальным праздником. Я просто нырнул с головой, никогда не оглядывался назад и помню, как вернулся с этими фотографиями и смотрел на них сейчас; Я все еще думаю, что они все еще имеют вес сегодня.Так что, даже будучи 19-летним фотографом, я до сих пор горжусь этими снимками. Я их регулярно показываю. Потому что я думаю, как фотограф, в те ранние годы, в те годы становления вы не меняетесь как фотографы; мы развиваемся как фотографы. Я думаю, что мои ранние работы демонстрируют это. Он очень многое показывает, все то, что меня интересует в фотографии, все темы, с которыми я в той или иной степени связан сейчас.

Пизани – Как вы думаете, как вы изменились как фотограф, когда во второй раз вернулись в Китай? И как бы вы описали разницу между этими двумя переживаниями?

Уилкс — Я вернулся, потому что слышал, что за 27 лет с тех пор, как я там был, в Китае произошли радикальные перемены.Я хотел вернуться и посмотреть, чем были мои воспоминания о Китае по сравнению с реальностью того, чем Китай стал. Это был уникальный момент, потому что я снимал 4 x 5; Я изменил свой стиль фотографии.

Когда я снимал Китай в 1979 году, я был уличным фотографом на 35 мм, вот чем я занимался. Я никогда не работал на штативе; Я ничего подобного не делал. Всякий раз, когда я видел момент, все, что я делал, было бах, бах, бах; Я двигался очень быстро, очень плавно. По мере того, как я начинал все больше и больше работать и развиваться в фотографии, а также начал осваивать и пробовать новые вещи, я продолжал хотеть делать снимки, в которых было бы больше информации, больше деталей.Я обнаружил, что эти детали для меня означают рассказы; чем больше деталей у меня было, тем глубже могла быть история.

Итак, когда я начал фотографировать в формате 4 x 5, моя методика начала меняться. Кадр стал еще более священным, чем был, даже когда я снимал на 35 мм. Я также понял, что мог бы быть более терпеливым, и я мог бы немного больше думать и замедлить свой процесс. Итак, когда я вернулся 27 лет спустя в Китай, я начал размышлять. Теперь мне захотелось посмотреть на это и углубиться. Я хотел сделать отдельные фотографии, которые привлекали бы зрителя гораздо более значимым образом.Кроме того, я мог бы расширить некоторые истории, которые я видел. Это был своего рода подарок. Чтобы иметь возможность вернуться в какое-то место, открыть его заново и знать, что ваше ремесло развивалось за время, прошедшее без вас, и это то, что произошло со мной.

Пизани – Возвращаясь к истокам вашего сериала «День и ночь», вы упомянули ранее, что журнал LIFE отправил вас на съемку актерского состава фильма 1996 года «Ромео и Джульетта». Именно здесь вы столкнулись со своим ага! момент начала сериала «День и ночь».Можете ли вы рассказать больше об этом периоде вашей карьеры?

Уилкс –  Ну, я думаю, что эта концепция зародилась в 1996 году. Когда журнал LIFE поручил мне отдать дань уважения серии фотографий, сделанной в 1940-х годах, она называлась «Большая картина». Это когда они посылали фотографа журнала LIFE снимать какой-нибудь большой голливудский фильм, и они фотографировали не только звезд, но и весь актерский состав и съемочную группу на одной фотографии. И вот, LIFE связались со мной, и они сказали: «Не могли бы вы отдать дань уважения этому? Мы хотели бы, чтобы вы создали панорамный разворот, многостраничный разворот.«Итак, изображение должно было быть очень горизонтальным, чтобы занять три страницы. Они сказали: «Мы хотим, чтобы вы сняли фильм База Лурмана «Ромео и Джульетта». Итак, я добрался до Мехико, и как только я вышел на съемочную площадку, я понял, Хьюстон, у нас проблемы.

Набор был квадратным, и я думаю, как мне превратить квадрат в трехстраничный панорамный снимок. Знаете, у меня никогда не было мыслей о том, что у меня есть весь актерский состав и съемочная группа, но заснять всю съемочную площадку стало очень сложно.В тот исторический момент Дэвид Хокни делал фантастическую серию фотоколлажей. Здесь он исследовал идею делать сотни изображений, просто поворачивая камеру и перемещая ее последовательно так, как ваши глаза как бы моргают, когда вы поворачиваете голову, а затем склеивая их все вместе и создавая этот фотоколлаж. Я мог бы взять квадрат, который я видел своим глазом, и развернуть его в эту большую горизонтальную панорамную форму. И вот что я сделал.

В центре моей фотографии были Клэр Дейнс и Леонардо ДиКаприо, и они обнимались, так что они буквально держали друг друга за руки.Актеры и съемочная группа позади них. Когда я поворачиваю камеру, я сделал более 250 отдельных изображений этой картины. Когда я подошёл к правой стороне съёмочной площадки, а все стоят на месте, я вижу это огромное зеркало, на съёмочной площадке в зеркале отражаются Клэр Дейнс и Леонардо ДиКаприо. И я сказал: только на один момент, ребята, не могли бы вы просто поцеловаться? Не знаю, почему у меня возникла эта идея, но она была, и я заставил их поцеловаться в отражении.

Итак, когда я вернулся в Нью-Йорк и собрал все это воедино, я посмотрел на него и сказал: «О боже мой, потому что, как единый образ, когда все было склеено вместе, я понял, что меняю время и фотография.

Эта концепция оставалась со мной в течение 16 лет, пока Photoshop не воплотил мои мечты в реальность. Я очень уважаю Хокни, но никогда не хотел делать это вручную. Для меня все слишком спонтанно. Я хочу работать быстро, для меня это слишком много ручного труда. Тем не менее, меня привлекла идея сделать это без проблем 16 лет спустя. Я думаю, что эта концепция внезапно изменила мое представление о том, какой может быть фотография.

Я думаю, что я развил работу, создав векторы времени и работая над тем, что Эйнштейн описывает как идею сетки и то, как время искажается.Это ткань, которая деформируется гравитационными полями. Я смотрю на время как на ткань. Я беру эту ткань и сплющиваю ее в двухмерную плоскую фотографию, а векторы времени по осям X, Y или Z — это те вещи, которые позволяют мне изменять время таким образом на всей моей фотографии. . Итак, это был захватывающий и очень приятный опыт изучения этой концепции в течение последних десяти лет.

Пизани – В начале сериала вы начали снимать Нью-Йорк, но затем распространили его по всему миру, снимая городские пейзажи и национальные парки.Из всех, что вы снимали, был ли один день за ночью, который подтолкнул вас в том направлении, в котором вы находитесь сейчас, в отношении сохранения дикой природы?

Уилкс –  Да, это точно была фотография Серенгети, которую я сделал. Это было то, что изменило правила игры. Это было то, что позволило мне увидеть, что более 26 часов я фотографировал водопой посреди Серенгети. Это место не было заповедником; откровенно говоря, это был эпицентр дикой природы посреди Серонеры, где я фотографировал.Я смотрел более 26 часов; все эти животные делят водопой во время пятинедельной засухи. Они даже ни разу не хмыкнули друг на друга. Они просто, казалось, понимали что-то почти так, как будто это была скрытая форма общения, к которой мы, человеческие существа, не подключены и к которой каким-либо образом не причастны. Я наблюдал, как они делили этот единственный источник воды, воду, из-за которой у нас предположительно будут войны в течение следующих, ну вы знаете, от 20 до 50 лет.

Кажется, животные поняли, что когда дело доходит до воды, все получают питье, все имеют возможность искупаться, все могут делиться этим одним ресурсом.Вы выходите из воды, выходите на поле, вы честная добыча, но когда дело доходит до воды, всем приходится делиться этим. Это произвело на меня сильное впечатление; Я не думаю, что когда-либо испытывал что-то подобное, и я, конечно, никогда не думал, что если бы ты рассказал мне эту историю, что я стал бы свидетелем чего-то подобного, я бы сказал, что да, ты спишь, но я был свидетелем этого. Когда ты становишься свидетелем чего-то подобного, это меняет тебя. Я понял, что рассказывание этой истории в фотографии и тот эффект, который произвела эта фотография в целом, когда люди начали видеть это изображение.

Пизани – Вы кратко коснулись этого, но видите ли вы конец серии «День и ночь»? Видите ли вы, что у него есть точка вывода? Эта серия была вашей основной работой в течение последних десяти лет. Видите ли вы, что он достигает точки, когда вы можете остановиться и увидеть его как завершенную работу, и можете ли вы подумать о том, что может быть дальше?

Уилкс –  Я точно сворачиваю. Я думаю, это справедливо сказать, не потому что я не люблю то, что я делаю, я действительно люблю это делать, но я чувствую, что есть другие вещи, которые я хочу исследовать и как артист.Поэтому я чувствую, что эта текущая серия, над которой я работаю, об исчезающих видах и средах обитания, проведет меня через следующие несколько лет, чтобы завершить этот объем работы. Как только я это сделаю, я никогда не говорю никогда, но я думаю, что собираюсь двигаться в некоторые другие области, которые мне интересно исследовать.

Фотография для меня — это эволюция. Хотя я, возможно, не буду специально снимать «День за ночью», в некоторых областях, которые я изучаю, потенциально будет какой-то новый компонент, работающий с новыми медиа и новыми платформами, чтобы рассказать историю исчезающих видов и мест обитания.

Пизани – Учитывая историческую роль фотографии как журналистского инструмента, способного фиксировать самые влиятельные мировые события, связана ли ваша работа с современным акцентом на экологических или социальных проблемах? Это основной акцент для вас?

Уилкс –  Я думаю, что через 50 или 100 лет люди будут смотреть на эти фотографии, в частности на фотографии «День и ночь», и у нас будет окно в то, как мы жили, как это выглядело и как это чувствовалось. .Это приятно как художнику; вы можете создать то, что, как мы надеемся, станет уникальной записью о том, как мы жили и что чувствовала земля, как выглядела дикая природа и как выглядела эпическая миграция.

Потому что одна из вещей, которую я усвоил, работая над этой серией, заключается в том, что я сделал ту фотографию на мосту Турнель с Нотр-Дам на заднем плане, и когда я сделал эту фотографию в своих самых смелых мечтах, я никогда не думал, что Нотр-Дам чуть не сгорел дотла.Вы не знаете, когда вещи становятся историей, пока они не станут историей. Я имею в виду, что даже в моем нью-йоркском сериале люди смотрят на мои ранние нью-йоркские работы и говорят: «Ух ты, тогда в Нью-Йорке так много такси?» и я иду да, были вещи, называемые желтыми такси, и они были очень популярны. Это было еще до появления Uber, поэтому происходят кардинальные изменения.

Я чувствую, что здесь есть историческая роль, и я думаю, что моя работа усилит мои глубокие социальные и экологические проблемы.Это действительно то, на чем я сейчас сосредоточен, и я думаю, что это история, которую мы должны рассказать. Мы должны каким-то образом сообщать о том, что происходит, и вдохновлять людей на реальные изменения в своей жизни и действия.

Пизани – Ваша карьера в фотоиндустрии насчитывает десятилетия; в чем вы видите ограничения или недостатки в работе с фотографией? И как это изменилось с течением времени с точки зрения изменений в технологиях и вашего роста как артиста?

Уилкс –  Что ж, я всегда чувствовал, что фотография – это то, что врезается в память.Я имею в виду, вы можете смотреть на важные события в мировой истории, где у них может быть видеозапись чего-то, а затем есть фотография, и то, что вы помните, всегда остается неподвижной фотографией. Я всегда чувствовал, что из-за этого среда занимает уникальное место в нашем общественном сознании, и я всегда чувствовал, что это подарок как рассказчику, когда вы можете рассказать историю в одной фотографии. Это просто очень мощный инструмент.

Я думаю, если есть недостатки, одна из вещей, которые я испытал в прошлом году, когда создавал свой первый документальный фильм под названием «Сам Джей».При создании фильма, что мне нравилось в создании фильма, который отличался от неподвижной фотографии, так это то, что у меня была эта способность почти разбрызгивать определенные темы на протяжении всего фильма. Затем, после того, как вы уйдете, день или два спустя, вы, может быть, что-то увидите, и вдруг вы проведете связь с тем, что вы видели в фильме, и с тем, что послание дошло до вас. В этом и заключается сила кинопроизводства. У него есть эти прекрасные и многочисленные способы, которыми вы можете получить доступ к чьему-то подсознанию. Фотография должна делать все сразу; как будто смотришь на картинку и бац, вот и все.

Одна из вещей, которую я пытаюсь сделать в своих фотографиях, заключается в том, что в «Дне к ночи» не существует ограничения одного момента, потому что я могу показать вам несколько моментов. В результате я получаю множество историй, множество переживаний, которые я пережил, и которыми хочу поделиться с вами. Когда вы смотрите на мои фотографии, каждый раз, когда вы видите их и смотрите на них, вы можете открывать для себя что-то новое. Не на каждой фотографии так. Не каждое произведение искусства делает это.

Я всегда чувствовал, что искусство, которое я люблю больше всего, это искусство, которое дает вам что-то свежее и новое каждый раз, когда вы смотрите на него.

Пизани – Как вы видите связь между вашими различными проектами? Ваши разные сериалы, путешествующие по миру и Эллис-Айленд, California One и Bethlehem Steel. Вы видите, что они все дополняют друг друга? Как эти проекты повлияли на Day to Night?

Уилкс –  Я думаю, что вся моя работа за последние несколько десятилетий, по сути, была удобрением, которое позволяет мне работать день за вечером.Я начинал как уличный фотограф; Когда вы оглядываетесь назад на мою работу в Китае и на все, что я делал в те дни, очевидно, что я работал коммерческим фотографом. Мне нужно было научиться мастерству, доставить в определенный день, сделать картину и запечатлеть великий момент. Мне нравится говорить, что есть акт фотографирования; это то, что вы видите, на что вы можете отреагировать и захватить, и на самом деле это просто фотографирование, но затем, как коммерческий фотограф, вы должны научиться делать снимок. Это две разные шляпы, которые нужно носить, но я думаю, что способность делать обе эти вещи помогла мне как художнику.

Для меня как художника это стало эталоном. Каждая из вещей, которые я сделал, будь то Ellis Island или Bethlehem Steel, или моя серия о Китае, Америке в деталях, California One, все эти работы сыграли определенные элементы в моем развитии как фотографа и как рассказчика.

Day to Night стал этим синтезом всего, что я делал за последние десятилетия фотографирования, где я понял это замечательно; Я описываю это как свой изначальный суп, это все, что я люблю в фотографии.В основе этого лежит радость, которую я получаю от акта видения и акта созерцания. Когда вы почувствуете то же, что и я, когда смотрел на эту сцену, как художник, это не может быть лучше, чем то, где вы можете почувствовать тот эмоциональный восторг, или заряд, или чувство благоговения, которое я испытываю, когда нахожусь в некоторые из этих мест я и фотографирую.

Пизани – На ваших фотографиях есть невероятные пейзажные изображения, которые были воспроизведены в качестве обложек для таких журналов, как TIME, National Geographic, и других работ, используемых в рекламных целях, включая чрезвычайно популярную серию Stranger Things Netflix.Можете ли вы рассказать о вашем спонсорстве или сотрудничестве с организациями?

Уилкс – Я был благословлен за эти годы; В моей жизни появилось несколько замечательных редакторов, которые работали со мной и доверяли мне. Я думаю, что доверие — это большое слово, когда вы сотрудничаете. По мере того, как вы становитесь фотографом и художником, вы создаете отношения. Мне нравится приносить идеи во многие из этих журналов, TIME и National Geographic, которые всегда были поклонниками моей работы. Мне посчастливилось сделать несколько захватывающих сериалов и проектов с ними обоими.

Когда вы начинаете работать на коммерческой основе, то, что происходит, является одним из интересных аспектов среды. По мере того, как я развивался как более прекрасный художник и делал больше своей работы, меня нанимали, чтобы я делал свою собственную работу. Кампания «Очень странные дела» была основана на моей работе «День и ночь», и эта чувствительность острова Эллис, вид духовных фотографий, заключается в том, что в некоторых моих работах есть эмоциональный заряд, и я думаю, что это говорило с командой там. Все это стало для меня большим опытом и в некотором смысле обогатило меня.

Дело в том, что ваша работа настолько глубока, насколько глубоки вы сами. Я всегда стараюсь обогатить свою жизнь разными способами. Это включает в себя то, что я благословлен двумя замечательными детьми и пытаюсь поделиться опытом со множеством разных друзей в моей жизни, у которых у всех разные карьеры.

Я бы подумал в конце концов, если бы кто-нибудь сказал мне, зачем ты смотришь? Вы смотрите из-за всех тех связей, которые произошли в вашем жизненном опыте; Я думаю, именно это заставляет вас смотреть на определенные вещи или почему вы останавливаетесь, чтобы посмотреть.Это гораздо глубже, чем просто пассивный опыт. Но когда вы видите, вы видите, потому что знаете, что есть момент пересечения между вашим жизненным опытом и тем, что прямо перед вами.

С момента открытия своей студии в Нью-Йорке в 1983 году фотограф Стивен Уилкс создал беспрецедентный объем работ и заслужил репутацию одного из самых знаковых фотографов Америки.Уилкс широко известен своим изобразительным искусством, редакционной и коммерческой работой.

Ранние интерпретации Уилкса материкового Китая, калифорнийского шоссе номер один и импрессионистских «Сожженных предметов» задали тон серии определяющих карьеру проектов, которые катапультировали его на вершину фотографического ландшафта.

Day to Night, самый определяющий проект Уилкса, начался в 2009 году. Эти эпические городские пейзажи, изображаемые с фиксированного угла камеры в течение 30 часов, запечатлевают мимолетные моменты человечества, когда свет проходит перед его объективом в течение всего времени. день.Смешивание этих изображений в одну фотографию занимает месяцы.

Day to Night был показан на канале CBS Sunday Morning, а также в десятках других известных СМИ. Благодаря гранту Национального географического общества серия недавно была расширена за счет включения в нее национальных парков Америки в честь их столетнего юбилея и миграции птиц в 2018 году, посвященном Году птиц.

фотографии Уилкса принадлежат коллекциям Музея Джорджа Истмана, Джеймса А.Художественный музей Миченера, Хьюстонский музей изящных искусств, Коллекция Доу Джонса, Художественный фонд Карла и Мэрилин Тома, Еврейский музей Нью-Йорка, Библиотека Конгресса, Художественный музей Снайт, Историческая коллекция Нового Орлеана, Музей города Нью-Йорка, 9 /11 Мемориальный музей и многочисленные частные коллекции. Его редакционная работа появлялась на обложках ведущих изданий. К ним относятся New York Times Magazine, Vanity Fair, Time, Fortune, National Geographic, Sports Illustrated и многие другие.

Обширные награды и награды Уилкса включают Премию Альфреда Эйзенштадта за журнальную фотографию, Фотограф года от журнала Adweek, Премию Люси за лучший фотохудожник 2004 года, 10 лучших фотографий журнала TIME 2012 года, Премия Sony World Photography Professional Award 2012, Adobe Награда за прорыв в фотографии 2012 г. и приз Pictet, Consumer 2014. Его членство в совете директоров включает Консультативный совет Школы коммуникаций SI Newhouse; Совет директоров Save Ellis Island, в котором он проработал 5 лет; и Совет по журналистике Goldring Arts.

Посмотреть другие работы Wilkes >

Фотографы FSA документируют Великую депрессию

Фотографы FSA

Такие фотографии, как «Бегство от пыльной бури» Артура Ротштейна (справа) и «Мать-переселенка» Доротеи Ланж, стали символами, благодаря которым последующие поколения смогли ощутить, что Депрессия, должно быть, ощущала, переживая ее.

FSA собрало замечательную коллекцию из более чем 80 000 фотографий Америки во время Великой депрессии, потому что они наняли великих фотографов и отличного администратора, чтобы они руководили ими. Рой Страйкер был экономистом Колумбийского университета до того, как его наняли главой «Исторического отдела» FSA.Его работа, по словам его босса Rexford Tugwell, было «показать городским людям, что это нравится жить на ферме».

Страйкер не был фотографом, но отлично разбирался в фотографиях. Он работал над документальными проектами фотографии до и знал силу фотографий. Он нанял таких фотографов, как Доротея Ланж, Уокер Эванс, Артур Ротштейн, Бен Шан, Джон Вашон, Марион Пост Уолкотт, Рассел Ли, Джек Делано, Джон Коллиер-младший, Карл Майданс и Гордон Паркс. За девять лет он послал их по всему У.С. создать то, что он считал «визуальной энциклопедией американской жизни».

Когда фотографии начали приходить с поля боя, Страйкер работал над их публикацией. Они были. Газеты по всей стране публиковали фотографии FSA вместе со статьями, в которых рассказывалось о причинах пыльных бурь и бедственном положении сельскохозяйственных рабочих-мигрантов. Влиятельные журналы того времени, такие как Life, Look, и Survey Graphic , публиковали фотографии. Такие галереи, как Photo League в Нью-Йорке, устраивали выставки работ FSA.

Хотя Страйкер намеревался задокументировать всю американскую жизнь, его фотографы уделили особое внимание сельской Америке. Он разделял понимание «Новым курсом» важности сельского хозяйства для экономики в целом.

На протяжении многих лет каждое новое поколение знакомилось с фотографиями FSA. Отчасти это связано с качеством работы, но также и с тем, что вся коллекция доступна издателям без авторских прав. Поскольку работа была выполнена для правительства, любой отпечаток можно приобрести в Библиотеке Конгресса за номинальную плату за печать.

В конце 70-х и 80-х годах фотограф и писатель Билл Ганзел выследил некоторых из тех же людей, которых впервые сфотографировало FSA. Результатом этой работы стала книга «Спуск в Пыльном котле, », и вы можете найти больше информации о ней здесь. Вот некоторые из фотографов, которые работали в FSA и сделали блестящую карьеру.

Автор Билл Ганзел из Ganzel Group. Впервые написано и опубликовано в 2003 году.

Мгновенные суждения: семь великих фотографов рассказывают о своем ремесле | The Independent

Снимок может сделать любой, но что делает снимок действительно необычным? Величайшие из ныне живущих фотографов мира рассказывают Анне-Селин Джагер, как они создают определяющие жанр изображения…

Ринеке Дейкстра

Дейкстра, голландский фотограф, предпочитает работать сериями, концентрируясь на отдельных портретах. Она фокусируется на людях на переходном этапе своей жизни, таких как женщины после родов и новобранцы в «Израильских солдатах», частью которых является изображение здесь.

С какой целью вы фотографируете?

Я хочу показать вам то, что вы можете не увидеть в обычной жизни. Я заставляю обычные вещи казаться особенными, но это должно быть основано на реальности.

Какое оборудование вы используете?

Я использую полевую камеру 4×5 дюймов со стандартным объективом и штативом. Негативы имеют размер открытки, что дает вам действительно замечательную резкую детализацию и контраст. Конечным результатом является то, что ваша фотография почти более реальна, чем реальность.

Как вы редактируете свои фотографии?

Я могу оставить их на две недели, потому что вам нужно расстояние, чтобы хорошо видеть. Со мной случается, что я делаю снимок и думаю, что он вообще не работает, а потом смотрю на него три года спустя и думаю, что это отличный снимок.Вероятно, это связано с тем, что вы что-то задумали и были разочарованы тем, что ваши ожидания не оправдались, а затем осознали, что это был счастливый момент.

К какому виду искусства ближе всего фотография?

Возможно скульптура. Я думаю, важно, чтобы люди понимали и смотрели на фотографию более абстрактно. Речь идет о способности представить, что вы смотрите за изображение, как если бы оно было трехмерным.

Уильям Эгглстон

Часто называемый «отцом цветной фотографии», Эгглстон уже экспериментировал с цветом в начале 1960-х, когда черно-белая фотография была нормой.Он прославился монументализацией повседневных предметов.

Как вы решаете, стоит ли что-то захватить?

Я никогда не знаю заранее. Пока не увижу. Это просто происходит одновременно. Даже самые неинтересные, некрасивые или скучные места могут на мгновение стать для меня волшебными.

О чем вы думаете, когда делаете кадр?

Я сочиняю очень быстро и не задумываясь, но осознанно. Я делаю снимок мгновенно и никогда больше одного.Давным-давно я бы сделал несколько, но я тратил много времени, глядя на эти чертовски почти одинаковые фотографии.

Что отличает одно изображение от другого?

У меня нет любимых. Я смотрю на картины демократично. Для меня они все равны. Есть еще так много фотографий, которые я хотел бы увидеть.

Когда вы впервые заинтересовались фотографией?

Друг заставил меня купить мою первую камеру — Canon — когда я учился в Университете Вандербильта в Нэшвилле в 1957 году.Я был очарован немедленно. Как вы думаете, важно ли быть технически опытным? Вы становитесь технически опытным, хотите вы того или нет, чем больше вы фотографируете.

Наоми Харрис

В 2000 году Харрис сфотографировала Хэддон Холл, последний отель в Майами, предназначенный для пожилых людей. Благодаря этому проекту она получила свое первое задание в The New York Times Magazine и с тех пор работает фотографом-документалистом.

Когда вы начали фотографировать?

У меня никогда не было особого интереса, пока я не изучал гравюру в университете.Я подумал, что стоит пойти на курсы фотографии. Когда я увидел контактные листы, я подумал: «О боже, я думаю, это то, чем я хочу заниматься».

Как вы извлекаете максимальную пользу из своих предметов?

Я всегда очень честен с людьми, которых фотографирую. Я много открываюсь и рассказываю людям о своем собственном опыте и честно отвечаю на их вопросы. Я прошу своих подданных о чем-то, поэтому я хочу дать что-то взамен.

Важно ли быть технически грамотным?

Да.Независимо от того, используете вы свет или нет, вы должны знать, какой будет эффект.

Как вы думаете, нужна ли философия фотографу, чтобы хорошо работать?

Большинство хороших художников немного сумасшедшие. Большинство моих друзей-фотографов либо принимают лекарства, либо проходят терапию, либо должны. Это необычная причудливость, которая позволяет вам видеть людей по-другому.

Какой совет вы бы дали начинающему фотографу?

Только вы можете это сделать.Работайте над своим собственным проектом, когда вы не снимаете задание. Мало быть талантливым фотографом, нужно еще быть и хорошим бизнесменом.

Борис Михайлов

Михайлов родился на Украине в 1938 году. Фотографии Михайлова демонстрируют сатирическую критику советского режима 1970-х и 1980-х годов. После распада Советского Союза его внимание переключилось на запечатление социальной дезинтеграции.

Чем вас привлекла фотография?

Фотография женщины с сигаретой в руках.Это был радикальный отход от норм: советских женщин нужно было показывать только как идеал. Фотография была тем местом, где я мог выразить себя как гражданин и человек.

Был ли у вас доступ к работам международных фотографов?

Не совсем так. Но через какое-то время я понял, что мне не важно было смотреть. У них действительно сильная эстетика, которая соответствовала западной среде. В моей жизни грязь, вещи сломаны. Мне нужно было сосредоточиться на том, что было реальным.

О чем вы думаете, когда делаете кадр?

В кадр не смотрю. Я смотрю позже. Сначала смотрю в жизни.

Дэвид ЛаШапель

Фэшн-фотограф Лашапель известен созданием сюрреалистичных, бескомпромиссно оригинальных визуальных миров, насыщенных цветом.

В какой степени ваша мать, которая тоже была художницей, вдохновила вас стать художницей?

Моя мама была первым человеком, который приобщил меня к творчеству.У моих родителей было немного, но она самым удивительным образом украшала дом на Пасху и Рождество. Она часто превращала наш дом в страну чудес.

Считаете ли вы, что формальное образование важно?

Я думаю, что история искусства имеет решающее значение для всех, кто занимается изобразительным искусством. Вы должны понимать, как развиваются идеи.

Что отличает одно изображение от другого?

Выделяются те изображения, которые были сняты не только для того, чтобы вас шокировать или произвести впечатление.

Что бы вы посоветовали?

Сделайте нужные снимки. Не думайте о том, что продается, или о том, что может сказать редактор. Ключ в том, чтобы сфотографировать свои навязчивые идеи, будь то руки стариков или небоскребы.

Нужна ли вам философия для отличной работы?

Не знаю. Я думаю, что вы, безусловно, должны думать не только о последней модели.

Алек Сот

Заядлый путешественник, кандидат от Magnum Сот провел три года, фотографируя реку Миссисипи на камеру 8×10.Он продолжает создавать образы, пронизанные лиризмом и меланхолией.

Как вы пришли в фотографию?

Я изучал живопись в старшей школе, но больше всего меня увлекла фотография, когда я пошел на лекцию Джоэла Штернфельда в колледже. Я никогда не забуду, как он показал изображение своей маленькой машины на фоне огромного пейзажа, и это было так волнующе для меня. Я подумал: «Боже, я мог бы объехать Америку».

О чем вы думаете, когда стреляете?

Все мысли покидают мою голову.Это девять часов езды заранее [когда я думаю]. И сразу после того, как я сделал снимок, я думаю, как он впишется в сериал.

Какова ваша теория фотографии?

Фотография тесно связана с поэзией. Это наводит на размышления, фрагментарно и неудовлетворительно во многих отношениях. Это искусство ограничения: обрамление мира.

Нужна ли фотографу философия для хорошей работы?

Вам нужно найти свой собственный голос, как бы банально это ни звучало.Вам нужно знать традицию [фотографии] и найти свой голос в этой традиции, чтобы привнести в нее проблеск новизны.

Мэри Эллен Марк

Фотограф The New Yorker, Марк добилась всемирного признания благодаря своей книге 1981 года «Фолклендская дорога: проститутки Бомбея». На ее изображениях часто изображены люди, находящиеся на краю общества.

Как вы развили свое собственное видение?

Я не думаю, что вы можете развить или научиться «способу видеть».Это то, кто вы есть, как вы думаете и как вы создаете образы.

Знаете ли вы, что вы хотите сказать, прежде чем сделать снимок?

Я предпочитаю не думать заранее о том, что я собираюсь сказать; Я скорее удивлюсь и увижу, что мои объекты привносят в фотографию.

Насколько важно терпение в вашей работе?

Вы должны дождаться подходящего момента. Сегодня мы видим так много всего, что связано не с предметом, а с умными идеями, которые может иметь фотограф.Чаще всего идеи испытуемых в тысячу раз лучше. Я фотографировал дрессировщика животных, у которого было огромное эго. Он взял хобот своего любимого слона Шьямы и обернул его вокруг шеи, как ожерелье. Я бы никогда не придумал что-то настолько умное.

Как вы думаете, может ли документальная фотография быть объективной?

Все документальные фотографии субъективны. Но великие фотографы особенные из-за того, как они видят мир.У них есть личное видение.

Извлечено из «Image Makers, Image Takers», Анн-Селин Джагер, мягкая обложка, 17,95 фунтов стерлингов (Thames & Hudson)

Фотографы Smoky Mountain | Национальный парк Грейт-Смоки-Маунтинс

Мы — группа фотографов, которым разрешено фотографировать свадьбы, тайные побеги, помолвки, семейную фотографию и портреты в Национальном парке Грейт-Смоки-Маунтинс. Как профессиональные фотографы, мы поддерживаем принципы и правила, установленные национальным парком, чтобы сохранить и защитить как землю, так и наших клиентов.

Фотографы, лицензированные Национальным парком Грейт-Смоки-Маунтинс, являются страстными творческими людьми, которые проводят много времени в парке, запечатлевая красоту природы, а также документируя праздники и семейные воспоминания. Наши обширные знания популярных мест, таких как Cades Cove, Elkmont, Foothills Parkway, Spence Cabin и Greenbrier, а также проселочные тропы и живописные виды помогут сделать ваш отдых в Smokies незабываемым!

Мы также понимаем, что планирование вашей свадьбы в горах или тайного побега в Национальном парке Грейт-Смоки-Маунтинс может быть сложной задачей, но мы считаем своей задачей максимально упростить процесс, чтобы даже планирование стало приятной частью вашей свадьбы.

Независимо от того, находитесь ли вы в Восточном Теннесси или посещаете Гатлинбург, Севьервилль, Пиджен-Фордж, Чероки или Таунсенд, на нашем сайте вы найдете список фотографов, которые помогут запечатлеть ваше время наилучшим образом. провел в Аппалачах. А для невест и женихов, которые хотят пожениться в Национальном парке Грейт-Смоки-Маунтинс , мы также предлагаем советы и информацию о том, как обеспечить место для церемонии и приема, необходимые разрешения и свадебных специалистов, имеющих лицензию и одобрение парк, чтобы помочь сделать день вашей свадьбы самым запоминающимся днем ​​в Smokies!

Национальный парк Грейт-Смоки-Маунтинс — самый посещаемый парк в США.С живописными видами, реками, пешеходными тропами, историческими хижинами и церквями, он предлагает множество потрясающих фонов для предприимчивых пар, женихов и невест в горах и семей.

5 фантастических советов по фотографии от известных фотографов со всего мира

Если ваша конечная цель — делать более качественные фотографии, вы, вероятно, всегда ищете советы и идеи по улучшению своих навыков.

Искусство фотографии — это бесконечный процесс обучения, и всегда можно открыть для себя что-то новое.К счастью, в сети есть много экспертов по фотографии, которые щедро делятся своим опытом и дают советы.

Вот несколько отличных советов от известных фотографов со всего мира, которые помогут вам вывести свои фотографии на новый уровень.

1. При съемке уличной фотографии скомпонуйте кадр и дождитесь подходящего момента 

Эксперт по уличной фотографии Томас Лойтхард объясняет, что для создания идеального снимка иногда нужно настроиться в нужном месте, а затем терпеливо ждать.

Вы можете кадрировать улицу, площадь, фонтан или другую сцену, которую хотите сфотографировать, а затем ждать, пока нужный человек или группа людей войдут в кадр. Не нужно бегать в поисках идеального фото, приложив немного терпения, оно часто будет приходить к вам.

2. Не бойтесь экспериментировать и быть странным 

Если у вас есть странная идея для фотографии, но вы боитесь, что люди сочтут вас сумасшедшим, все равно действуйте.Это нормально делать что-то другое.

Ваша фотография может перешагнуть черту и перейти к тому, что считается «Изобразительной художественной фотографией», – которая посвящена идеям, концепциям и бросает вызов общепринятому представлению о том, что такое фотография.

Например, посмотрите на причудливые семейные портреты, созданные британским художником Найджелом Гриммером, «Семейный альбом Roadkill», на котором члены его семьи лежат на дороге с масками животных на лицах. Необычно, но, безусловно, увлекательно.

3.При ночной съемке помните, что все ночные условия не одинаковы Как объясняет Алистер Бенн, существует множество различных уровней «темноты», и важно подобрать правильную диафрагму, выдержку и ISO для конкретной ночи.

Каждую ночь луна немного разного размера, и в кадре может быть вода, песок или снег, от которых отражается свет.Вместо того, чтобы использовать одну настройку для ночной съемки, важно оценивать освещение и выбирать индивидуальные настройки для каждого вечера.

4. Что-то «уродливое» все еще может сделать интересную фотографию 

Вы фотографируете только те объекты, которые традиционно считаются «красивыми», такие как цветок или закат? Возьмите урок у Эйрика Джонсона, фотографа, который сознательно находит грязные, разрушенные, ветхие места для своих фотографий, а затем работает над тем, чтобы запечатлеть в них красоту.

На его работах изображены рушащиеся и разваливающиеся ландшафты, такие как импровизированные хижины, сделанные из транспортных поддонов и фанеры на краю аляскинской тундры.