Многофигурная композиция в живописи: Многофигурная композиция

Содержание

Многофигурная композиция

Композиции с большим количеством объединенных в группы фигур считаются самыми сложными в живописи. Каким же образом решали возникающие в связи с этим проблемы старые мастера и как справляются с ними современные художники?

Впечатляющим примером многофигурных композиций является роспись Сикстинской капеллы, созданная великим Микеланджело. В ней он обратился к известным библейским сюжетам, повествующим о сотворении мира, первых людях на земле и т. д.

Наделив главные фигуры большими размерами, художник добился особой выразительности отдельных сцен.

Фигура человека отличается ярко выраженной экспрессией, которая «описывается» жестами. Каждый жест легко распознается и читается. Так, например, сгорбленная фигура несет печать уныния или скорби, а фигура обхватившего голову руками человека выражает состояние задумчивости или отрешенности.

В многофигурной композиции жест и поза не только передают экспрессию сцены, но и помогают раскрыть ее смысл. Зачастую жест выполняет роль рассказчика. Так, вытянутая рука обращает внимание зрителя на особенно интересное лицо или событие, а иногда даже расширяет рамки сюжета, указывая на нечто, происходящее за границами картины. Взгляд в живописи не менее важен, чем жест. Направление взгляда может связывать между собой отдельные фигуры, объединять фигуры в группу или, напротив, изолировать какого-либо персонажа от группы.

Статичный групповой портрет
На протяжении столетий групповой портрет занимал важное место в живописи и для многих художников был постоянной и надежной статьей доходов. Подобно современным свадебным или выпускным фотографиям, групповой портрет был признан запечатлеть для вечности определенную — например, связанную родственными узами — труппу людей. При этом каждый из них, разумеется, стремился к тому, чтобы выглядеть как можно более привлекательным и богато одетым.

Свежие идеи
Но пришло время, и этою жанра живописи коснулся ветер перемен. Великий Рембрандт (1606—1669) не побоялся сломать традиции. Он создал революционный для своего времени и один из самых выдающихся в истории мировой живописи групповых портретов — «Ночной дозор». Художник пошел  наперекор традициям  и  написал  бойцов элитной роты не при параде, а в служебной обстановке. Благодаря этому жесты и выражения лиц изображенных на портрете офицеров выглядят очень живо и естественно.

В XVIII веке в моду вошел так называемый жанровый групповой портрет. Люди для     на нем изображались за каким-либо общимдля всех делом — к примеру, увлеченными беседой или игрой с детьми — на фоне домашнего интерьера или пейзажа.

ЗАИМСТВОВАННЫЕ СЮЖЕТЫ
В процессе выработки своей творческой манеры полезно изучить композиции, использованные другими художниками в своих работах. Изучать эти работы можно как в художественных галереях, так и по репродукциям. Больше того; если какая-либо композиция вызвала у вас интерес, сделайте с нее быстрый набросок. Не думайте при этом, что вы воруете чужие идеи. История живописи знает массу примеров, когда художники свободно заимствовали друг у друга композиционные приемы и находки.

Возвышенные сюжеты
Наиболее впечатляющие многофигурные композиции встречаются в религиозной, мифологической и исторической ЖИВОПИСИ. Достаточно вспомнить при этом о знаменитых фресках итальянских художников эпохи Возрождения.

Наиболее величественным в истории живописи циклом фресок являются росписи Миксланджело, выполненные им для украшения потолка и торцовой стены Сикстинской капеллы в Ватикане. Вначале он написал потолочную фреску, работа над которой заняла четыре года. К работе над настенной фреской «Страшный суд» Миксланджело приступил спустя 20 лет и закончил ее через 6 лет, в 15-41 году.

Всего на потолочной фреске описано девять библейских сцен с участием более 300 фигур, Сложная судьба постигла фреску «Страшный суд». Против ее трактовки были настроены многие современники, прежде всего духовенство. Дело в том, что мастер изобразил своих героев обнаженными, а это по тем временам считалось вопиющей непристойностью. В Ватикан был приглашен художник Даниэле де Вольтерра, получивший задание «прикрыть» крамольную наготу этих фигур.

В наше время к сложным многофигурным композициям обращалось считанное число художников, среди которых можно выделить Стенли Спенсера (1891 —1959). Он написал серию холстов из жизни Христа, включая «Тайную вечерю» и «Воскресение», трактуя эти события в традициях новейшего времени.

В годы Второй мировой войны Спенсер был назначен официальным художником аталистом. Он создал серию из пяти картин, отражающих работу кораблестроителей па военной верфи в Глазго, Некоторые из ХОЛСТОВ этой серии обращали па себя внимание необычным, сильно растянутым в ширину, форматом. Так, например, для картины «Лекало» художник использовал холст размером 51×579 см.

Жанровые сцены
Сцены, описывающие события повседневной жизни, принято называть «жанровыми». Типичными образцами жанровой сценки можно назвать работающих на поле крестьян, праздники, сценки в кафе, танцы, катание на коньках, играющих детей. 11рпз-нанным мастером жанровой картины был фламандский художник Питер Брейгель Старший (ок. 1525—1569). На картине «Крестьянская свадьба» он располагает стол, за которым сидят пришедшие на свадьбу гости, по диагонали полотна. Картина Брейгеля кажется написанной спонтанно, однако на самом деле ее композиция тщательно продумана. Так, например, можно заметить, что головы сидящих за столом опущены на одну треть от верхнего края картины, а сильные диагонали помогают художнику вести взгляд зрителя в глубь пространства картины. По контрасту с сидящими фигурами, стоящие фигуры образуют энергичные вертикали, ритмично разбивающие диагонали и горизонтали. По всему полотну разбросаны яркие красные пятна, которые заставляют взгляд зрителя «танцевать» по всей поверхности картины, открывая для себя все новые и новые детали.

виды, техника выполнения — КакИнфо

Содержание статьи:

Многофигурная композиция – это вид композиции, которая состоит из большого количества фигур, объединенных в одну группу. Такая разновидность считается одной из самых сложных в живописи. Хотя силуэты имеют огромное значение в смысловом содержании картины, не менее важно и интерьерное пространство.

Многофигурная композиция в живописи

Интересно узнать, как же известные художники прошлого времени и мастера в настоящем справлялись с проблемами, связанными с этим художественным направлением.

Вам будет интересно:Картины из металла: описание, техника исполнения, фото

Сикстинская капелла – величайшее творение Микеланджело. Для ее росписи он использовал различные библейские сюжеты, которые повествуют о сотворении мира и появлении людей на земле и др. С помощью масштабности – большого размера главных фигур – живописец достиг эффекта особой выразительности ключевых сцен.

У Микеланджело фигуры людей отличаются яркой экспрессией, каждый жест имеет свой глубокий смысл. При этом его легко найти и прочитать. Например, человек, обхвативший голову руками, передает задумчивость, отрешенность. Изображение сгорбленной фигуры выражает уныние и скорбь.

Многофигурная композиция символизирует в позах и жестах не только выразительность действия, но и раскрывает его содержание.

Занимательно, что зачастую какой-либо жест передает замысел автора, играет его роль. Обращенное внимание зрителя на какое-то явление с помощью вытянутой руки помогает расширить границы сюжета, указывает на то, что происходит за его рамками.

Вам будет интересно:Алексей Меринов, художник и карикатурист

Не менее важен данном виде искусства взгляд, то, на что он обращен. Таким образом, можно связать отдельные фигуры или объединить их в группу, отсечь одного персонажа от всех других, тем самым выделив его.

В этом направлении искусства различают однофигурную, двухфигурную и многофигурную композиции.

Статичный групповой портрет

В течение многих веков этот вид живописи занимал главнейшее место. Многие художники зарабатывали написанием портретов. Ведь во времена, когда не было фотографии, написание портрета было единственной возможностью запечатлеть важный момент на долгую память, увековечить изображение себя и своих родственников. На позировании каждый из участников стремился выглядеть привлекательно и богато.

Новые веяния

С годами статичный портрет утратил свою актуальность, так как художники все время пытались создать что-то новое, выйти за рамки привычного.

Одним из таких творцов стал Х. Рембрандт – один из крупнейших представителей золотого века голландской живописи. Он не побоялся сломать традиции и совершил революцию в направлении рисунков многофигурной композиции, создав полотно «Ночной дозор». Персонажи на этой картине – бойцы элитной роты – были изображены не в парадной, а в обычной служебной обстановке. Портрет наполнен живыми жестами и естественными выражениями лиц.

19 век принес новое художественное направление многофигурной композиции – жанровый групповой портрет. На таких картинах люди были увлечены общей деятельностью – беседой, игрой с детьми. Фоном служили пейзажи или домашний интерьер.

Религия и мифология в живописи

В полотнах с возвышенными темами встречаются наиболее впечатляющие многофигурные силуэтные композиции. Прекрасным примером этому служат творения художников эпохи Возрождения: Микеланджело, Сандро Боттичелли, Тициана, Караваджо, Донателло, Рафаэля Санти.

Современные художники

Живописцы нашего времени далеко не так часто пользуются сложными многофигурными композициями. Применил в своем творчестве этот прием Стэнли Спенсер, написав серию полотен на тему Христа, в том числе «Тайную вечерю», «Воскресение». Британский художник трактовал данные религиозные события в обычаях новейшего времени.

Интерьерное пространство

Создание интерьера в картине имеет определенные трудности. Еще Джотто ди Бондоне, итальянский художник и основоположник Проторенессанса, писал многофигурную композицию в интерьере, который зачастую находился в открытом пространстве. Живописец добавлял в изображение наружные архитектурные формы: колонны, фронтоны и крыши. Иногда на одном полотне изображалось несколько интерьеров.

В то время этот прием в работе художника воспринимался не как замкнутое пространство, а как архитектурное оформление, которое разделяет события и делает их более глубокими по содержанию.

Эволюция трактовки многофигурной композиции в интерьере в живописи наиболее удачно изложена в трудах периода Проторенессанса. Это период в эпохе Возрождения, который длился со второй половины 13-го и в 14 веке. Внимание в них в основном сконцентрировано на выработке правил прямой перспективы, которую проще всего показать на примерах интерьера, в то время как проблема замкнутости оставалось открытой. Термин «интерьерность» всегда был равнозначен отступлению от строгих норм в прямой перспективе, имел особое образные пространственные задачи.

Замкнутость и величина интерьера стали наиболее глубоко пониматься, как только искусство достигло соответствующего этапа развития. Появились приемы, позволяющие создать впечатление, что зритель присутствует в интерьере.

Существенным компонентом образа является замкнутость обрамления, его размеры и ощущение присутствия самих зрителей в картине.

Виды построения пространства

Как следует из теории построения архитектурного пространства, возникновение прямой линейной перспективы связано с необходимостью использования изображения архитектуры.

Природные пейзажи менее зависят от нее, а в силуэтной живописи применение прямой перспективы и подавно затруднено. Ведь построение пространства напрямую зависит от пластики предметов и тел.

В таких полотнах, где фигуры людей занимают центральное место, пространство появляется только как итог синтеза, направления и передвижения форм.

Ярким примером такой картины служит произведения Эль Греко «Воскресение». Центральной осью являются изображения поверженного воина и Христа. Вокруг центрального действия можно наблюдать передвижение фигур. На третьем плане винтообразно изображены фигуры воинов.

Классическая картина включает в себя неразделимые линейные ритмы и пластическое построение группы.

В современной живописи практически полностью исчезло такое направление, как скульптурно построенный натюрморт. Использование группы фигур, связанных пластикой, также встречается крайне редко.

Гораздо чаще на картинах изображается разброс фигур, широкая расстановка предметов.

Пространственный строй

Его каждому виду соответствуют свои образные задачи и решения.

При этом классическая перспектива занимает подчиненное положение, а прямая (линейная перспектива) помогает построить открытое широкое архитектурное пространство или интерьерную сцену действия.

Предмет и пространство, характер подачи предмета и пространства и связь между ними очень важна.

Тип композиции также зависит от такого рода связи.

Заключение

Предметное пространство и система размещения (удаления) предметов создаются с помощью цветовой, тональной, линейной перспективы. В таком направлении пространство подчиняется предмету. При этом возможна и другая ситуация, когда пространство доминирует как среда, поглощающая предметы.

Например, на полотнах Рембрандта темные краски растворяют контуры предметов, а полумрак его поздних работ - это уже не просто цвет предмета, измененный окружением, а материализованное пространство.

Источник

Многофигурная композиция - Новоуренгойский Музей Изобразительных Искусств

В городском музее продолжаются занятия по курсу «Человек». Студенты осваивали многофигурную композицию и делали быстрые наброски.

Композиции с большим количеством объединенных в группы фигур считаются самыми сложными в живописи.

Впечатляющим примером многофигурных композиций является роспись Сикстинской капеллы, созданная великим Микеланджело. В ней он обратился к известным библейским сюжетам, повествующим о сотворении мира, первых людях на земле и т. д.

Фигура человека отличается ярко выраженной экспрессией, которая «описывается» жестами. Каждый жест легко распознается и читается. Так, например, сгорбленная фигура несет печать уныния или скорби, а фигура обхватившего голову руками человека выражает состояние задумчивости или отрешенности.

В многофигурной композиции жест и поза не только передают экспрессию сцены, но и помогают раскрыть ее смысл. Зачастую жест выполняет роль рассказчика. Так, вытянутая рука обращает внимание зрителя на особенно интересное лицо или событие, а иногда даже расширяет рамки сюжета, указывая на нечто, происходящее за границами картины. Взгляд в живописи не менее важен, чем жест. Направление взгляда может связывать между собой отдельные фигуры, объединять фигуры в группу или, напротив, изолировать какого-либо персонажа от группы.

Наброском называют быстрый, спонтанный рисунок с натуры, выполненный в сжатые сроки несколькими информативными линиями. Рисовать людей в естественной обстановке, которые не позируют специально и наверняка не догадываются, что их рассматривают и изображают, поначалу покажется сложным. Но реальной причины бояться или теряться нет — вряд ли кто-то будет обращать внимание на то, чем вы заняты.

Умение изображать незнакомых людей в любой позе и при любых обстоятельствах важно для развития технических навыков и оценочного суждения. И, конечно же, регулярная практика набросков отточит дар наблюдательности и интерпретации, научит смотреть глубже и принимать быстрые, уверенные, понятные и точные решения.

Несколько коротких советов о том, как делать наброски с натуры:

  • Заведите привычку всегда носить с собой карандаш и маленький скетчбук — такой, который легко поместится в сумку или карман, — на случай если что-то привлечет ваше внимание или покажется интересным.
  • Стоит стремиться повысить наблюдательность и умение вычленять главное и одновременно координировать зрительное восприятие, оценочное суждение и движения руки во время выполнения рисунка.
  • Не старайтесь отразить на бумаге все, что видите на натуре. Учитывая ограниченное количество времени и риск изменения позы модели в любую секунду, сосредоточьтесь на главном.
  • Чтобы научиться использовать свою память для воспроизведения последовательности базовых фаз движения, понадобится максимальная концентрация в наблюдении за людьми.

Поделиться ссылкой:

Презентация "Многофигурная композиция"

Многофигурная композиция

Подготовила: Гоцина Марина Михайловна

Композиция – структура произведения, согласованность его частей, отвечающая содержанию, поиски путей и средств создания художественного образа, наилучшего воплощения замысла художника. Работа над композицией идет от первоначального замысла, общей его «завязки» в пластически-зримых формах до завершения произведения. При этом на основе избранной темы художник ведет разработку сюжета.

К композиционному построению относится размещение изображения в пространстве или на картинной плоскости в соответствующих замыслу размере, формате и материалах. Сюда входят: выяснение центра узла композиции и подчинение ему более второстепенных частей произведения, соединение отдельных его частей в гармоническом единстве, группировка и соподчинение их с целью достичь выразительности и пластической целостности изображения.

Композиции с большим количеством объединенных в группы фигур считаются самыми сложными в живописи. Каким же образом решали возникающие в связи с этим проблемы старые мастера и как справляются с ними современные художники?

Впечатляющим примером многофигурных композиций является роспись Сикстинской капеллы, созданная великим Микеланджело. В ней он обратился к известным библейским сюжетам, повествующим о сотворении мира, первых людях на земле и т. д. Наделив главные фигуры большими размерами, художник добился особой выразительности отдельных сцен.

Фигура человека отличается ярко выраженной экспрессией, которая «описывается» жестами. Каждый жест легко распознается и читается. Так, например, сгорбленная фигура несет печать уныния или скорби, а фигура обхватившего голову руками человека выражает состояние задумчивости или отрешенности.

В многофигурной композиции жест и поза не только передают экспрессию сцены, но и помогают раскрыть ее смысл. Зачастую жест выполняет роль рассказчика. Так, вытянутая рука обращает внимание зрителя на особенно интересное лицо или событие, а иногда даже расширяет рамки сюжета, указывая на нечто, происходящее за границами картины.

Взгляд также не менее важен, чем жест. Направление взгляда может связывать между собой отдельные фигуры, объединять фигуры в группу или, напротив, изолировать какого-либо персонажа от группы.

Однако главное правило многофигурной композиции- наличие общего направления в картине, которому подчиняются все объекты.

Особое место в многофигурной композиции занимает расположение линии горизонта.

Линия горизонта высокая:

• Наблюдатель (художник) смотрит сверху на изображение.

• Создает панорамный вид, земли больше, чем неба, располагается как правило в

верхней половине картины

• Глубина пространства большая –композиция имеет много планов

• Возникающее настроение можно назвать такими словами: «космическое» при

изображении пейзажа, «напряженное» при изображении многофигурных композиций,

например, батальных сцен, исторических событий, потому что всего много, но в то же

время несколько «отстраненное», т. к. зритель на все смотрит сверху, со стороны, он не

участвует в событиях, а объективно оценивает происходящее

• Чем выше линия горизонта, тем декоративней становится композиция, она как узор на

карте, при этом возникает проблема ракурса фигур и остальных элементов.

• Чем ближе линия горизонта опускается к высоте человеческого роста, к лицу фигуры,

тем более повышается участие наблюдателя в действии картины.

• Линию горизонта находим по уходящим в глубину картины параллельным линиям

Ощущение, что наблюдатель спускается с невидимой лестницы из правого угла –его быстрый спуск усиливает ряд фигур, сокращающийся в перспективе

Линия горизонта нейтральная:

  • Наблюдатель находится среди своих героев, он включен в действие,

разворачивающееся в картине.

• Композиция может иметь несколько планов , основное действие происходит на переднем плане.

• Возникающее настроение можно назвать такими словами: «сочувствующее» -

хочется рассмотреть все детали происходящего, активно включиться в действие, вспомнить свой опыт в подобной ситуации, возникает желание войти внутрь картины и пережить то, что переживает художник.

• Линию горизонта находим , сравнивая стоящие фигуры. Если головы примерно на одной линии –это нейтральная линия горизонта. Зачастую она подчеркивается

пейзажем, прорисовкой архитектуры, тональным контрастом.

Зритель является свидетелем происходящего.

Линия горизонта низкая:

• Наблюдатель находится ниже изображаемых фигур.

• Композиция может иметь несколько планов , но основное действие происходит на втором плане.

• Настроение величественности, торжественности, восхищения, значительности. Иногда масштаб фигуры может подавлять зрителя свой монументальностью и придавать действию в картине сверхзначение.

• Часто линию горизонта можно определить по пейзажу включенному в композицию. Часто фигуры изображаются на фоне неба, что еще больше подчеркивает монументальность композиции.

Линия горизонта картины совпадает с природной, но расположена посередине фигур.

Зритель ощущает тяжесть работы, т.к. он тоже как бы склонен, придавлен к земле как и

бурлак. На линии горизонта важный акцент –взгляд этого бурлака.

ВЫВОДЫ

• Линия горизонта помогает организовать пространство многофигурной композиции.

• Линия горизонта выбирается согласно композиционному замыслу.

• Линия горизонта , как средство выразительности, служит для создания определенного

настроения в картине.

• На линии горизонта располагается важный акцент картины, дополнительно

раскрывающий замысел.

• Художник выбирает линию горизонта в формате картины так, как ему это надо, и далее ориентируется на нее при рисовании картины.

• Линия горизонта выбирается на этапе эскизных поисков. На этом этапе художник

старается понять, как ему лучше смотреть на разворачивающееся действие сюжета

картины.

Список используемой литературы:

  • Интернет-ресурс: https://art-peo.ru/art/mnogofigurnaya-kompozitsiya-vidy-tehnika-vypolneniya/
  • Интеренет-ресурс: https://docplayer.ru/46632227-Tema-mnogofigurnaya-kompoziciya-na-istoricheskuyu-temu.html
  • Н. И. Александров «Изобразительно искусство», учебник для учащихся общеобразовательных учреждений, 2011г.
  • А. В. Чудова «Рисуем голову и фигуру человека»- Москва: издательство «АСТ», 2019 год.

СПАСИБО ЗА ВНИМАНИЕ!

Многофигурная композиция - презентация онлайн

1. Многофигурная композиция занятие по программе «Юный художник» для первого года обучения п.д.о. Александра Ивановна Локосова

Екатеринбург 2020
.

2. Сегодня наше задание будет изобразить многофигурную композицию. Это можно сделать самыми разными способами. Можно нарисовать

две фигуры, а можно сколько хочешь.
Можно рисовать в цвете или в черно-белом варианте.
Давайте посмотрим вместе, как эту задачу решали решали великие…
Название многофигурная
композиция говорит
само за себя, если на
изображении мы видим
больше, чем одну
фигуру такая
компоновка
называется
многофигурной.
Для сравнения на первой
иллюстрации
представлена картина
с одной фигурой.
Татьяна Яблонская «Утро». 20
в.
Можно по-разному подойти к решению как изобразить несколько героев на
одной плоскости. Например, на иллюстрации Питер Брейгель.
«Охотники на снегу». 16.в.
мы видим, как художник смотрит на мир в целом и изображает своих героев
как бы издалека. В этой картине для художника интересно все, что он
видит: собаки, деревья, дома, люди. Поэтому всем этим фигурам он
уделяет равное внимание.
Сандро Боттичелли. «Мадонна с гранатом». 15 в. Здесь художника интересуют
только люди. Они так прекрасны, что автор максимально старается приблизить их к
зрителю и изображает только полуфигуры. Пейзаж отсутствует – явление Мадонны
заслонил весь мир. Особенное внимание Сандро Боттичелли великий мастер
итальянского возрождения, уделяет лицам.
Обратите внимание, лица героев изображены в разных наклонах и изображают разные
оттенки восхищения и преклонения перед Божественным чудом. Богородица и
Младенец держат плод граната, символ сплоченности, мужества и дружбы. И вся
композиция похожа на плод граната, она имеет круглую форму (тондо) и герои,
подобно зернышкам граната тесно приставлены друг к другу. Но в этой тесноте
хорошо каждому, как будто все поддерживают друг друга.
Здесь изображен великий русский певец Федор Шаляпин. Мы
сразу чувствуем восхищенное отношение автора к своему
герою. Художник изображает певца во весь рост, как
богатыря, гиганта. Фигурки людей на втором плане
кажутся маленькими, незначительными и они все
находятся на уровне ног главного героя.
Надежда Рушева. «Пушкин и Натали». 20 в.
Эта легкая композиция изображает порыв, вихрь вальса. Линии
тонкие, нежные линии плавно перетекают одна в другую. Фигуры
героев равноправны между собой. Нет детальной прорисовки.
Художник дает возможность зрителю вообразить незавершенные
моменты.
Надежда Рушева. «Натали с детьми». 20 в.
Это работа по стилю напоминает первую. Автора в равной степени интересуют все
участники картины. Творчество замечательной юной художницы Надежды
Рушевой, которая так рано ушла из жизни, напоминает нам о том, что в
изобразительном искусстве главное искренность. И чтобы создать шедевр
можно ограничится только листом бумаги и карандашом.
Владимир Фаворский. «Кутузов».
По композиции эта картина напоминает «Портрет Шаляпина» Бориса Кустодиева. Здесь также
главный герой максимально приближен к зрителю. Полководец изображен на фоне армии.
Обратите внимание, как можно изобразить группу людей. Единым ритмичным пятном.
Детально автор прорисовывает только две фигуры солдат. Остальные фигуры только
угадываются за сет ритмичного изображения штыков мундиров и киверов (головной убор).
Теперь ваша очередь создать свой шедевр по теме
«Многофигурная композиция». Можно поступить разными
способами:
-Изобразить на свободную тему.
-Нарисовать по темам: « Хоровод», «Состязание», «В поле».
-Можно воспользоваться предложенными иллюстрациями и
скопировать на глаз любую из вышеуказанных композиций или
перевести их с монитора.
Можно использовать любые материалы какие у вас есть под рукой.
Рисовать лучше на альбомном листе формата А4.
Удачи Вам . Все получится.
Рисуйте с удовольствием.

Особенности композиции станковой живописи. Многофигурная сюжетно-тематическая композиция


Особенности композиции станковой живописи. Многофигурная сюжетно-тематическая композиция
«Понятие «тематическая станковая живопись» связывается, прежде всего, с жанрами бытовым, историческим, батальным. Несмотря на то, что тематическая картина исполняется по этюдам с натуры, в сущности своей она «противостоит этюдной живописи, которая имеет лишь вспомогательное назначение и ставит частичные, нередко узкоспециальные задачи».
Живописец постоянно наблюдает, эстетически осваивает жизнь, у него накапливаются впечатления. Среди многообразных явлений действительности его особенно волнует, допустим, какое-то общественное явление, которое он пытается осмыслить и рассказать о нем изобразительными средствами. Примерно так образуется идейно-тематическая основа будущего произведения. Затем содержание темы обретает свои более конкретные рамки в сюжете.
Развитие сюжета средствами изобразительного искусства требует композиционных основ, иначе наблюденный материал останется нереализованным в художественной форме. В результате складывается замысел художника - более или менее конкретное представление о формальных средствах картины, включая ее конструкцию».
Наличие конструктивной идеи в первоначальных эскизах помогает установить формат картинной плоскости, масштаб, относительную величину главного и второстепенного, основные тональные и цветовые контрасты. Поиски композиции продолжаются и в период работы над этюдами, и даже при создании картона.
Работа над эскизами ведется параллельно с выполнением этюдов, набросков, зарисовок. В процессе собирания этого подсобного материала уточняется сюжет, и это оказывает существенную помощь в период завершения картины. Надежными помощниками художника на этой стадии будут исторические данные, предметы быта, документы, военное оружие и снаряжение, памятники архитектуры, зафиксированные при необходимости в этюдах, набросках, зарисовках. Вся эта предварительная работа, пройдя через контрольный пункт идейно-творческого замысла, позволяет уточнить, усовершенствовать композицию, избавить ее от приблизительности в расстановке смысловых акцентов. Далее наступает время разработки картона, то есть рисунка в размер будущей картины. В нем прорисовываются все элементы композиции, включая детали, после чего рисунок с картона (через кальку или припорохом) переносится на холст. Далее выполняется так называемый подмалевок, чаще всего тонким слоем жидкой краски, «в протирку», лессировочными, то есть прозрачными и полупрозрачными, красками. В подмалевке стараются верно, взять цветовые или тональные отношения.
Работая над картиной, живописцу приходится решать целый ряд сложных задач, к примеру, придать локальным цветам - предметной окраске - колористические качества, установить меру интенсивности, насыщенности цветосочетаний, словом, лепить цветом форму, сверяясь с условиями освещения, образующего светотень и рефлексы. Все эти и другие не менее трудные задачи решаются с прицелом на реализацию идейного содержания, не забывая о силе воздействия законов композиции, на процесс формирования художественного образа средствами живописи.
Разбитость, дробность, ощущение делимости композиции на несколько самостоятельных частей мешают зрителю прочитать замысел художника, затрудняют восприятие картины как целостного организма. Поэтому, заканчивая работу, надлежит обратить внимание на выразительность сюжетно-композиционного центра, его смысловые связи с второстепенными частями картины, сравнить силу контрастов в главном и подчиненном, проверить, нет ли повторяемости в тональных напряжениях, формах, величинах.

Приложенные файлы

  • file16.doc
    Балбекова Ирина Михайловна
    Размер файла: 16 kB Загрузок: 9

Конспект урока по станковой композиции " Иллюстрация. Однофигурная, двухфигурная и многофигурная композиции, варианты построения схем (статичная и динамичная композиции)."

Раздел 2. Сюжетная композиция

Тема 1.1. Однофигурная, двухфигурная и многофигурная композиции, варианты построения схем (статичная и динамичная композиции).

(16 часов)

Цель: изучение построения многофигурной композиции по замкнутой схеме и разомкнутой схеме на примерах произведений великих мастеров (Тинторетто «Тайная вечеря», И.Е. Репин «Не ждали», А.А. Дейнека, Г.С. Верейский, Е.С. Кругликова и других). Знакомство с понятием «цезура» в пространственном построении двухфигурной композиции на примере произведений Эль Греко «Св. Андрей и св. Франциск», «Апостолы Петр и Павел», Н.Н. Ге «Петр I допрашивает царевича Алексея».

Задачи:

- приобретение практических навыков при построении двухфигурной композиции;

- закрепление у детей навыков работы гуашью;

- создание гармоничной по цвету композиции;

- создание определенного эмоционального состояния с помощью цветовой палитры и положения фигур друг относительно друга;

Практическая работа: Иллюстрация к литературному произведению (или конкурсная тема).

Оборудование:

а) для преподавателя: творческие работы учащихся прежних лет.

б) для учащихся: мольберт, листы формата А-3, простой карандаш ТМ, ластик, гуашевые краски, кисти «белка» №5 и №2, палитра.

План урока:

  • Организационный момент ;

  • Сообщение нового теоретического материала;

  • Показ преподавателем практических приемов выполнения работы;

  • Самостоятельная работа учащихся над композицией ;

1. Выполнение графических поисков;

2. Выполнение композиции в материале;

Просмотр, обсуждение и оценивание детских работ вместе с учащимися.

Ход урока

I. Организационный момент.

II. Сообщение темы и цели урока.

III. Введение в тему урока.

Свобода творчества и подлинное мастерство приходят на основе точного знания. Веками художники искали наиболее выразительные композиционные схемы, в результате мы можем говорить о том, что наиболее важные по сюжету элементы изображения размещаются не хаотично, а образуют простые геометрические фигуры (треугольник, пирамиду, круг, овал, квадрат, прямоугольник и т. п.).

В этом можно убедиться, рассмотрев картины: И. Вишнякова «Портрет Ксении Тиши- ниной», Н. Пуссена «Пейзаж с Полифемом» и «Аркадские пастухи», П. Рубенса «Снятие с креста», К. Лоррена «Пейзаж с мельницей», Леонардо да Винчи «Мадонна в гроте» (ил. 4-9).

4. И. ВИШНЯКОВ. Портрет Ксении Тишининой

5. Н. ПУССЕН. Пейзаж с Полифемом

 

6. П. РУБЕНС. Снятие с креста

 

7. Н. ПУССЕН. Аркадские пастухи

 

8. К. ЛОРРЕН. Пейзаж с мельницей

9. ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ. Мадонна в гроте.

Для передачи образа чего-то неподвижного, устойчивого подойдет замкнутая, закрытая, статичная композиция. Основные направления линий стягиваются к центру. Построение ее по форме круга, квадрата, прямоугольника с учетом симметрии дает необходимое решение.

10. А. РУБЛЕВ. Троица Ветхозаветная. Замкнутая композиция

Если вам необходимо нарисовать панорамный пейзаж, показать большой простор, то не следует его перегораживать с боков, ограничивать какими-либо деревьями или зданиями, а лучше сделать уходящим за пределы рамы. Это тип открытой композиции. Основные направления линий из центра.

11. Замкнутая композиция. Схема

13. Открытая композиция. Схема



Догадки расширяют фантазию зрителя. Если далекий горизонт частично загородить деревьями или другими предметами первого плана, то можно достигнуть большой образной выразительности композиции.

12. И. ШИШКИН. Рожь. Открытая композиция

Когда в эпоху Возрождения изменилась концепция мира и на смену замкнутого мира пришел мир бесконечный, то и на смену замкнутым композициям пришли открытые. В дальнейшем зарубежные и русские художники разработали новые типы композиции и использовали традиционные в зависимости от замысла произведения.

Конечно, не стоит преувеличивать значение композиционных схем. Художник, воплощая замысел, опирается прежде всего на свое образно-зрительное представление о будущей картине. Но в период обучения основам композиции очень полезно использовать такие схемы, так как они помогают найти соотношения различных частей картины или рисунка, уяснить общую структуру композиции. Эти схемы имеют вспомогательное значение. Постепенно, приобретая опыт, можно научиться строить композиционные схемы только мысленно.

14. ВЕЛАСКЕС. Сдача Бреды

15. Центральный фрагмент

16. Деталь композиции

В качестве примера композиционного построения картины рассмотрим полотно Веласкеса «Сдача Бреды» (ил. 14-19). Это – одна из наиболее ясно читаемых композиций, благодаря четкому распределению масс, чередованию темных и светлых пятен. Сюжетно-композиционный центр совпадает с центром холста. Две фигуры, расположенные в центре, нарисованы на фоне дали. Голова человека, подающего ключи от крепости, подчеркивается большим белым воротником, выразительно передан силуэт правой руки с ключом. Его полусогнутая поза говорит о необходимости сдаться на милость победителя.

Фигура человека, принимающего ключи, написана на светлом фоне пейзажа. Его лицо выглядит светлым пятном на темном фоне, оно обрамлено темными волосами и светлым воротником. Везде контрасты и противопоставления. Шарф, диагонально перевязывающий костюм, и силуэт лошади справа позволяют подчеркнуть одну из диагоналей картины.

Другую диагональ полотна образуют знамя, положение рук центральных фигур и оружие в левом углу картины.

17. Композиционная схема

18. Плановость в композиции


19. Контрасты темного и светлого в композиции

Светлые пятна кафтана воина на третьем плане и головы лошади рядом с ним создает ощущение глубины пространства (ил. 16).

Попытайтесь на минуту прикрыть эти два пятна и вы увидите, насколько обедняется композиция, как теряется ее глубина, потому что чрезмерно сближаются первый и последний планы картины.

Композиционное пространство состоит из нескольких планов с перспективой дали.

Интересных находок в композиции много. Можно дальше разбирать каждый элемент и убедиться в том, что художник руководствовался в передаче характеров принципом цельности в разнообразии.

Введение пик с флажками, которые создают ритмическое разнообразие, вносят мажорные ноты, является приемом, делающим композицию поразительно живой.

Произведение искусства, по выражению П. Флоренского, есть «запись некоторого ритма образов, и в самой записи даются ключи к чтению ее». Интересно отметить, что в этой картине Веласкеса «ключ» к ее чтению совпадает действительно с изображением ключа от крепости. Нет сомнений, что этот ключ является центром композиции, находящимся в центре холста, и специально выделен темным силуэтом в светлом многоугольнике.

Веласкес использовал приемы, правила и средства композиции для того, чтобы передать содержание картины наилучшим образом.

В живописном произведении композиция должна казаться естественной и органичной, не навязывать зрителю идею картины, а как бы незаметно подводить его к ней с тем, чтобы он проникся ее содержанием и замыслом художника.

IV. Последовательность работой над станковой композицией.

Показ преподавателем практического выполнения.

V. Практическая деятельность учащихся.

1. Выполнение эскизов

2. Выполнение предварительного графического рисунка

3. Выполнение сюжетной композиции на заданную тему в материале.

VI. Подведение итогов.

Просмотр, обсуждение и оценивание детских работ вместе с учащимися.

VII. Уборка рабочего места.

Самостоятельная работа: выполнение зарисовок двух фигур для изучения их пластического и ритмического взаимодействия; выполнение композиционных эскизных поисков с целью определения лучших вариантов.

(24 часов)

Цель: закрепление теоретических знаний и практических навыков, полученных на уроке.

Фигурная композиция Стивена Дж. Левина, демонстрация живописи


Три официанта (вверху; масло, 24 × 35)

Как отдельные кадры из киноленты, полные предполагаемых движений, теней и света, фигуративные картины Стивена Левина фиксируют моменты во времени. Его кисть останавливает мчащегося на полпути бизнесмена, останавливает руку бармена, который полирует стакан, и делает бессмертную слабую улыбку женщины, которая все ждала. Вдумчивые картины повседневного человеческого взаимодействия - или бездействия - усиливаются богатством публичной обстановки, выбранной художником.

«Лучшим предметом обычно является тот, для которого идея приходит быстро, полностью и оказывает определенное влияние», - говорит Левин. «Это, как правило, такая композиция, которая приводит к хорошему произведению искусства, то, что и художник, и зритель могут связать на определенном уровне через воспоминания или эмоции».

Композиция каждой части имеет первостепенное значение. Левин описывает три этапа своего процесса развития концепции фигуры ниже, от миниатюры до цветного эскиза и заканчивая готовой картиной (см. Демонстрацию Левина ниже).

Рассматриваемая композиция
Стивен Дж. Левин

На протяжении многих лет я разработал общий процесс разработки своих концепций рисования фигур. Часто я начинаю с простых каракулей (на бумаге) и постепенно прорабатываю множество изменений и уточнений. Изложение идеи на бумаге, пусть даже грубой, помогает мне понять ее влияние и настроение. Иногда идея претерпевает множество изменений, каждое из которых влияет на взаимодействие фигур и ощущение картины.У меня появилась привычка заполнять листы бумаги одной композиционной идеей за другой, многие из которых я никогда не буду рисовать, но мне нравится этот процесс, поскольку он сохраняет мой разум острым.

1. В рамках этого процесса поиска я делаю несколько эскизов (см. Два изображения ниже). Эти небольшие композиционные рисунки имеют ширину от одного до четырех дюймов. В этом случае я сначала думал о том, чтобы сделать трех фигурок в баре и выяснить, как они могут быть связаны друг с другом, всегда имея в виду, что один из трех будет в центре внимания, а два других будут выполнять второстепенные роли.Я решил сделать их всех официантами с разными жестами и выражениями лица.



2. Удовлетворенный этой основной идеей, я начал прорабатывать освещение, выбирая драматическое сценическое освещение снизу. На этом этапе дизайнерской работы я сфотографировал себя в костюме в разных позах, чтобы получить представление о том, как все будет выглядеть на самом деле. Использование себя в качестве модели экономит время, поэтому, когда я использую настоящие модели, у меня есть более четкое представление о том, что я хочу, чтобы они делали.

Эти исходные фотографии дали мне достаточно справочного материала для создания небольшого цветного эскиза маслом (см. Ниже). Эти наброски я делаю на цветной бумаге для рисования или пастельной бумаге, которую сначала заклеиваю шеллаком (я растворяю хлопья шеллака в зерновом спирте Everclear), а затем тонирую краской.

Масляный набросок очень помогает мне визуализировать весь дизайн краской и цветом. Часто, если первый набросок маслом не удается, я могу внести изменения на этом этапе или просто сделать еще один набросок, не теряя много времени.Лучше решить проблемы на этой ранней стадии, чем ждать, пока я выйду на последний холст, только для того, чтобы обнаружить какой-нибудь серьезный изъян в концепции. Обычно я закрашиваю масляный набросок коричневой краской и даю ему немного подсохнуть; затем наношу цвет поверх. Весь масляный набросок обычно занимает час или два.



3.
Как видите, я лишь немного отклонился от моего масляного этюда в последней картине, Три официанта (вверху; масло, 24 × 35), хотя это не всегда так.Иногда, даже после всех предварительных шагов, включая набросок маслом, просмотр выполняемой работы в полный рост на холсте может дать мне понять о проблемах в дизайне, которые раньше не были очевидны. Когда это происходит, лучше всего быть честным критиком и попытаться исправить любую проблему.

Этот фрагмент взят из тематической статьи о Стивене Левине в июньском номере журнала The Artist’s Magazine за 2010 год.

Чтобы просмотреть содержание июньского выпуска 2010 года, щелкните здесь.
Чтобы узнать о цифровой загрузке за июнь 2010 г., щелкните здесь.


Розмари Барретт Зайднер - директор Miller Gallery в Цинциннати, Огайо, и писатель-фрилансер.

Стивен Дж. Левин получил множество наград и призов на общенациональных конкурсах, в том числе Американского общества художников-портретистов, Союза художников Америки, Института портрета и художников-масляных художников Америки. Каждый год он ставит работы для персонального спектакля.Живя и работая в Миннеаполисе, Миннесота, Левин представлен Галереей Джона Пенса в Сан-Франциско и Tree’s Place в Орлеане, Массачусетс. Узнайте больше на его сайте: stevenjlevin.com.



БОЛЬШЕ РЕСУРСОВ ДЛЯ ХУДОЖНИКОВ

• Смотрите художественные мастерские по запросу на ArtistsNetwork.TV

• Онлайн-семинары для художников

• Мгновенно загружайте журналы, книги, видео и многое другое изобразительное искусство

• Подпишитесь на рассылку новостей Artist’s Network и получите БЕСПЛАТНУЮ электронную книгу

Grand Central Atelier | Углубленное исследование

Рисование фигуры в длинной позе

Студенты учатся синтезировать процедуры, техники и опыт, приобретенные в Год рисования, когда они раскрашивают фигуру в полный цвет.Художники учатся модулировать свойства оттенка, значения и насыщенности цвета, начиная с графитового блока и заканчивая исследованиями стоимости и цвета, подкрашиванием ebauche и окончательным финишным проходом с высоким разрешением. Этот третий год уникален тем, что студент будет уделять модели больше времени (больше часов). У студентов также будет возможность попробовать нарисовать фигуру в окружающей среде. Это неизбежно заставит ученика задуматься о перспективе, композиции и больших тональных семьях.Это задание по созданию рисунка поможет ученику лучше понять важность композиции и великой тональной гармонии.

Набросок портрета

Каждый день будет приносить новую позу, направленную на создание убедительных и реалистичных портретных набросков. Учащиеся подойдут к портретному эскизу через ряд шагов, начиная с рисования портрета карандашом, затем гризайли и, наконец, с использованием полной цветовой палитры.Акцент будет делаться на рисовании, обсуждении концепций плоской формы, анатомии, структуры и перспективы в том, что касается портрета. Обсуждаются обращение с краской и смешивание цветов. Набросок портрета вселяет уверенность в способности учащихся уловить сходство с моделью, развернуть краску и, наконец, понять цвет и телесный оттенок.

Рисунок структуры рисунка

Делая акцент на точном наблюдении, художники улучшат свое понимание фигуры, включив использование скелета, гипсовых слепков (écorché) и мастер-рисунков в свои исследования жизни.Каждый художник научится составлять тщательно отрисованный рисунок с живой модели, за которым следует сопутствующий анатомический / структурный рисунок той же позы. Инструкторы будут анализировать позу из каждой позиции, иллюстрируя анатомические ориентиры, пропорциональные системы и структурные условности с помощью шедевров от эпохи Возрождения до изящных искусств. Разрабатывая свои рисунки вместе с двухмерными декорациями, художники разовьют концептуальное понимание тела, которое может быть применено к наблюдательному рисунку, а также к исследованиям по памяти и воображению.

Портретная композиция в длинной позе

В этом 8-недельном классе художники разработают полностью составленную портретную композицию. Начиная с картин старых мастеров для вдохновения, делегат-художник устанавливает сцену с моделью, костюмом, окружением и т. Д. Акцент будет сделан на создании гармонии и ощущения места на всей сцене. Художники будут развивать исследования композиции, исследования ценностей и исследования цвета, чтобы помочь композиции.Окончательная окраска будет сделана с живой модели с помощью этих этюдов. Время с костюмом на манекене будет отведено в конце, чтобы закончить картину. Научиться редактировать идеи и выбирать формы, цвета и текстуры, которые создают гармонию и баланс, будет важной частью этого 8-недельного курса.

Рисунок композиции

На этом 8-недельном курсе студентам будет предоставлена ​​возможность создать полностью законченную композицию с обнаженной фигурой в качестве основного предмета.Наша цель - выявить множество факторов, влияющих на связь фигуры с построенным пространством. Мы начнем с небольших эскизов набросков тушью, чтобы обозначить общую иерархию ценностей и фокус картины. Будет собрана необходимая справочная информация, которая может включать в себя драпировку, натюрморты или пейзажные исследования. Любые незначительные изменения позы должны быть подробно изучены с помощью нескольких рисунков и цветовых этюдов. Обсуждения цветового оформления и перспективы будут применяться к каждой композиции.Такая тщательная подготовка предотвратит возникновение проблем в процессе покраски. Модель будет использована в течение всего двухмесячного процесса покраски.

Натюрморт

Натюрморт можно определить как «изображение неодушевленных предметов с учетом их качеств формы, цвета, текстуры и композиции». Этот курс рассмотрит историю жанра от его истоков до его современной формы.Художники будут составлять и писать серию относительно небольших простых натюрмортов, чтобы развить основы рисунка, света, цвета, композиции и концепции. Объем курса начнется с небольшого и простого, но постепенно будет включать дополнительные компоненты, относящиеся к жанру (например, композиция, условности, исторические техники живописи). Первый проект будет рисовать кусок / кусочки продукции в окружающей среде. Цель состоит в том, чтобы сделать законченную работу, не перегружая себя композицией.За этим последует немного более сложная аранжировка, в которой композиция будет рассматриваться более тщательно вместе с большим разнообразием материалов. Последний месяц уйдет на более амбициозную работу, которая соединит все части воедино.

Фигурка Скульптура

За 8 недель мы сделаем 3 недельных скетча и одну заключительную 5-недельную позу. В первой короткой позе класс ознакомится с основными техниками и концепциями скульптуры, а также научится использовать арматуру и инструменты для лепки из глины.Что касается вторых двух поз, мы сосредоточимся на больших структурных массах тела и на том, как они двигаются вместе - создавая «кинетический жест» - позу, которую модель может перемещать, но не удерживает. Это заставит понять структурные взаимосвязи в трехмерном виде, поскольку копирование контура больше невозможно. Учащиеся не смогут полагаться на двумерный метод поиска формы, которому обучают на рисовании, и поэтому узнают, как построить трехмерную форму, используя модель для информирования их концептуализации жеста.

В течение последних пяти недель мы будем развивать способность обрабатывать информацию о формах в трехмерном виде с помощью длинной позы, которая позволит ученикам довести скульптуру до конца. Студенты получат более глубокое понимание того, как выглядит структурная анатомия в трех измерениях, и изучат методы отделки глины, уточняя концепции, изученные в предыдущие недели.

Дизайн ландшафта

Студенты научатся выполнять студийный пейзаж за семь недель.Наша тема - Центральный парк. Мы начнем с создания полевых исследований в графите и масле. Эти исследования сделают акцент на тщательном рисовании, сохраняя при этом характер естественного ландшафта Центрального парка. Затем мы приносим наши исследования в студию и посвящаем следующую неделю тщательному и финальному рисованию тушью. Обсуждения на этой неделе будут вращаться вокруг дизайна и изучения работ великих французских, голландских и американских художников-пейзажистов. Окончательный дизайн будет тщательно проработан гризайлью на холсте или доске.Остальные недели будут сосредоточены на цвете. Мы будем продвигаться через многоуровневый подход, начиная с неба и продвигаясь вперед. Обсуждения будут включать нанесение краски, цветовую гармонию, атмосферную перспективу и техники остекления. Наша цель этого курса - предоставить художникам методы и навыки, необходимые для создания собственных великих картин, в равной степени вдохновленных прошлым и настоящим миром.

Многофигурная композиция - Академия рисования

Работа Ясмин Канаан, студентки Академии рисования

Прошло много времени с тех пор, как я пришел в Академию рисования.Однако за это время мои навыки развились, и я был бы более чем счастлив услышать ваше мнение о произведении искусства, над которым я работаю и все еще находится в стадии эскиза.

Пожалуйста, посмотрите рисунок углем ниже:

Этот рисунок состоит из нескольких фигурок моих друзей, разыгрывающих драку ... различные движения тела, составленные из отдельных эскизов.

Ответ Владимира Лондона и Натали Ричи
Репетиторы Академии рисования

Привет Ясмин,

Большое спасибо за прекрасный рисунок.Нам это очень нравится, молодец.

Композиция очень динамичная; он полон движения и драмы.

Интересно, как массы и линии следуют золотой пропорции, см. Ниже:

Еще раз спасибо за рисунок.

[tweetthis hidden_urls = ”pic.twitter.com/Eq8QMNIUbN”] Многофигурная композиция [/ tweetthis]

С уважением,
Натали Ричи и Владимир Лондон
Репетиторы Академии рисования

Записаться на курс Академии рисования:

Оплатите курс в 3 простых платежа

  • Получайте 15 новых видео ежемесячно (всего 45)
  • Невероятная скидка - 4 164 доллара
  • бонусов - электронные книги и видео по изобразительному искусству
  • Диплом отличия Академии рисования после завершения курса за 3 месяца
  • Персональный коучинг от преподавателей Академии рисования
  • Пожизненное членство.Бесплатно после 3-го месяца
Общая стоимость: 291 доллар (три взноса по 97 долларов)

Получите все видеоуроки за единовременную оплату

  • Мгновенный доступ ко всем 45 видео урокам
  • Невероятная скидка - 4198 долларов
  • бонусов - электронные книги и видео по изобразительному искусству
  • Диплом отличия Академии рисования после завершения курса за 3 месяца
  • Персональный коучинг от преподавателей Академии рисования
  • Пожизненное членство.Больше никаких платежей
Общая стоимость - всего 257 долларов

Записаться на курс Академии рисования:

Оплатите курс в 3 простых платежа

  • Получайте 15 новых видео ежемесячно (всего 45)
  • Невероятная скидка - 4 164 доллара
  • бонусов - электронные книги и видео по изобразительному искусству
  • Диплом отличия Академии рисования после завершения курса за 3 месяца
  • Персональный коучинг от преподавателей Академии рисования
  • Пожизненное членство.Бесплатно после 3-го месяца
Общая стоимость: 291 доллар (три взноса по 97 долларов)

Получите все видеоуроки за единовременную оплату

  • Мгновенный доступ ко всем 45 видео урокам
  • Невероятная скидка - 4198 долларов
  • бонусов - электронные книги и видео по изобразительному искусству
  • Диплом отличия Академии рисования после завершения курса за 3 месяца
  • Персональный коучинг от преподавателей Академии рисования
  • Пожизненное членство.Больше никаких платежей
Общая стоимость - всего 257 долларов

Категории: Студенческая галерея

Полное руководство по композиции для художников

Повествование: что пытается сказать художник? Что это за история? (Совет: подумайте о визуальном путешествии, которое ваши глаза совершают через картину. Куда ведет вас художник?)

Эта картина была подарком моему прекрасному партнеру Шонтеле.Ей только что исполнилось 30. Мы считаем Коби нашим первым ребенком, поэтому мы старались хорошо его нарисовать!

История проста: запечатлеть улыбку и добродушие Коби.

Координатор: есть ли доминирующий фокус? Где это находится? Как художник обращает на это ваше внимание?

Да, Коби!

Я привлекаю к ​​нему внимание позиционированием, деталями и контрастом.

Вспомогательные координаторы: есть ли какие-либо второстепенные координаторы? Какова их цель?

Пейзаж - второстепенный фокус.Идея состоит в том, чтобы показать Коби на природе, а не самого Коби.

Кобе любит быть среди людей и природы, но не любит быть в центре внимания. Типичный портрет домашнего животного здесь не подойдет.

Обрамление: Есть ли элементы, обрамляющие часть картины?

Зелень и океан обрамляют верхнюю часть картины. Вода на земле и ее отражения обрамляют Коби с правой стороны.

Движение / Ведущие линии: есть ли ощущение движения или активности? Какова природа этого движения?

Это еще картина, не считая того, что Коби задыхается и развевает мех.

Баланс: кажется ли картина сбалансированной? Какие-то части кажутся более сильными или тяжелыми, чем остальная часть картины? (Совет: помните, что маленькое, загруженное пространство может иметь такое же влияние, как и большое тихое пространство.)

Да, мне кажется, он уравновешен.

Коби занимает небольшую часть картины, но привлекает больше всего внимания.

Верхняя половина картины уравновешивается нижней половиной картины. В верхней половине есть дерево, кусты, горы, вода и небо.В нижней половине - Коби.

Связанные элементы: есть ли тонкие связи между отдельными частями картины?

Легкие части Кобе соединяются с легкими частями тротуара.

Тень формы соединяется с отбрасываемой тенью.

Голубое отражение воды на тротуаре приведет вас к темно-синему океану (тонкое, нечеткое звено).

Визуальная кисть: Является ли визуальная кисть ключевой особенностью картины? Использует ли художник визуальную манеру письма, чтобы передать характер предмета?

Я использовал толстую кисть, чтобы нарисовать мех Коби, особенно в свете.Я не пыталась закрасить каждую прядь волос, а позволяла видимой мазке делать большую часть работы.

Большие формы: Какие большие, доминирующие формы?

Пейзаж состоит из больших простых форм. Коби состоит из более замысловатых форм.

Упрощение: Какие области были упрощены? Какие области подробно описаны?

Пейзаж простой. Коби подробно. Но помните, живопись относительна. Если мы сузимся только до Коби, мы увидим, что его лицо детализировано, а остальная часть его тела проста.

визуальных элементов | Безграничная история искусства

Строка

Линия определяется как отметка, которая соединяет пространство между двумя точками, принимая любую форму по пути.

Цели обучения

Сравните и сопоставьте различные варианты использования линии в искусстве

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Фактические линии - это линии, которые физически присутствуют и существуют как сплошные соединения между одной или несколькими точками.
  • Подразумеваемая линия относится к пути, по которому глаз зрителя следует за формами, цветами и формами на любом заданном пути.
  • S traight или classic линии обеспечивают стабильность и структуру композиции и могут быть вертикальными, горизонтальными или диагональными на рабочей поверхности.
  • Выразительные линии относятся к изогнутым меткам, которые усиливают ощущение динамизма произведения искусства.
  • Контур или Контур линий создают границу или контур вокруг края фигуры, тем самым очерчивая и определяя ее.«Поперечные контурные линии» очерчивают различия в деталях поверхности.
  • Линии штриховки представляют собой серию коротких линий, повторяющихся с интервалами, обычно в одном направлении, и используются для добавления теней и текстуры к поверхностям, в то время как линий штриховки обеспечивают дополнительную текстуру и тон поверхности изображения и могут ориентироваться в любом направлении.
Ключевые термины
  • текстура : ощущение или форма поверхности или вещества; гладкость, шероховатость, мягкость и т. д.чего-либо.
  • штриховка : метод отображения штриховки с помощью нескольких пересекающихся мелких линий.
  • строка : путь через две или более точек.

Линия - важный элемент искусства, определяемый как знак, соединяющий пространство между двумя точками, принимая любую форму по пути. Линии чаще всего используются для определения формы в двумерных произведениях и могут быть названы древнейшими, а также наиболее универсальными формами нанесения знаков.

Существует много разных типов линий, каждая из которых характеризуется длиной больше ширины, а также путями, по которым они идут. В зависимости от того, как они используются, линии помогают определить движение, направление и энергию произведения искусства. Качество линии относится к персонажу, который представлен линией для того, чтобы в разной степени оживить поверхность.

Фактические линии - это линии, которые физически присутствуют, существующие как сплошные соединения между одной или несколькими точками, в то время как подразумеваемые линии относятся к траектории, по которой взгляд зрителя следует форме, цвету и форме в произведении искусства. Подразумеваемые линии придают произведениям искусства ощущение движения и удерживают зрителя в композиции. В «Клятве Горациев » Жака-Луи Давида мы можем увидеть многочисленные подразумеваемые линии, соединяющие фигуры и действия пьесы, ведя взгляд зрителя через разворачивающуюся драму.

Жак-Луи Давид, Клятва Горациев , 1784 : Многие подразумеваемые линии соединяют фигуры и действие пьесы, ведя взгляд зрителя через разворачивающуюся драму.

Прямые или классические линии добавляют стабильности и структуры композиции и могут быть вертикальными, горизонтальными или диагональными на поверхности работы. Выразительные линии относятся к изогнутым линиям, которые усиливают ощущение динамизма произведения искусства. Эти типы линий часто следуют неопределенному пути извилистых кривых. Контур или Контур линий создают границу или путь вокруг края фигуры, тем самым очерчивая и определяя ее. Поперечные контурные линии очерчивают различия в особенностях поверхности и могут создавать иллюзию трехмерности или ощущение формы или тени.

Линии штриховки - это серия коротких линий, повторяющихся с интервалами, обычно в одном направлении, и используются для добавления теней и текстуры к поверхностям. Линии штриховки придают дополнительную текстуру и тон поверхности изображения и могут быть ориентированы в любом направлении. Слои штриховки могут добавить поверхности изображения богатую текстуру и объем.

Свет и ценность

Ценность относится к использованию светлого и темного в искусстве.

Цели обучения

Объяснить художественное использование света и тьмы (также известное как «ценность»)

Основные выводы

Ключевые моменты
  • При рисовании изменение значений достигается путем добавления к цвету черного или белого цвета.
  • Значение в искусстве также иногда называют «оттенком» для светлых оттенков и «оттенком» для темных оттенков.
  • Значения в более светлом конце спектра называются «высокими», а значения в более темном - «сдержанными».”
  • В двумерных произведениях искусства использование стоимости может помочь придать форме иллюзию массы или объема.
  • Кьяроскуро была распространенной техникой в ​​живописи в стиле барокко и относилась к четким тональным контрастам, примером которых являются очень яркие белые цвета, расположенные непосредственно на очень сдержанных темных тонах.
Ключевые термины
  • chiaroscuro : Художественная техника, популярная в эпоху Возрождения, относящаяся к использованию преувеличенных световых контрастов для создания иллюзии объема.

Использование светлого и темного в искусстве называется ценностью. Значение можно разделить на оттенок (светлые оттенки) и оттенок (темные оттенки). В живописи, в которой используется субтрактивный цвет, изменения значений достигаются путем добавления к цвету черного или белого цвета. Художники также могут использовать штриховку, которая относится к более тонким манипуляциям со стоимостью. Шкала значений используется для отображения стандартных вариаций тонов. Значения около светлого конца спектра называются высокими, а значения в более темном - сдержанными.

Шкала значений : Шкала значений представляет различные степени освещения, используемые в произведениях искусства.

В двумерных произведениях искусства использование ценности может помочь придать форме иллюзию массы или объема. Это также придаст всей композиции ощущение освещения. Высокий контраст относится к размещению более светлых областей непосредственно против более темных, чтобы их различие было продемонстрировано, создавая драматический эффект. Высокий контраст также означает наличие большего количества черного, чем белого или серого.Низкоконтрастные изображения получаются в результате совмещения средних значений, поэтому между ними не так много видимой разницы, что создает более тонкое настроение.

В живописи в стиле барокко техника светотени использовалась для создания очень драматических эффектов в искусстве. Chiaroscuro, что в переводе с итальянского буквально означает «светлый-темный», относится к четким тональным контрастам, примером которых являются очень высокие оттенки белого, помещенные непосредственно на фоне очень сдержанных темных оттенков. Сцены при свечах были обычным явлением в живописи барокко, поскольку они эффективно создавали этот драматический эффект.Караваджо использовал высококонтрастную палитру в таких работах, как Отречение от Святого Петра , чтобы создать свою выразительную сцену светотени.

Караваджо, Отрицание Святого Петра , 1610 : Караваджо «Отречение от Святого Петра » - отличный пример того, как можно манипулировать светом в произведениях искусства.

Цвет

В изобразительном искусстве теория цвета представляет собой совокупность практических рекомендаций по смешиванию цветов и визуальному влиянию определенных цветовых комбинаций.

Цели обучения

Выражение наиболее важных элементов теории цвета и использования цвета художниками

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Теория цвета впервые появилась в 17 веке, когда Исаак Ньютон обнаружил, что белый свет может проходить через призму и делиться на полный спектр цветов.
  • Спектр цветов, содержащихся в белом свете: красный, оранжевый, желтый, зеленый, синий, индиго и фиолетовый.
  • Теория цвета делит цвет на «основные цвета»: красный, желтый и синий, которые нельзя смешивать с другими пигментами, и «вторичные цвета» - зеленый, оранжевый и фиолетовый, которые являются результатом различных комбинаций основных цветов. .
  • Первичные и вторичные цвета комбинируются в различных смесях для создания третичных цветов.
  • Дополнительные цвета находятся напротив друг друга на цветовом круге и представляют собой самый сильный контраст для этих двух цветов.
Ключевые термины
  • дополнительный цвет : цвет, который рассматривается как противоположный другому цвету на цветовом круге (т.е. красный и зеленый, желтый и фиолетовый, оранжевый и синий).
  • значение : Относительная темнота или яркость цвета в определенной области картины или другого визуального искусства.
  • основной цвет : любой из трех цветов, который при добавлении или вычитании из других в различных количествах может генерировать все остальные цвета.
  • оттенок : цвет, рассматриваемый по отношению к другим очень похожим цветам. Красный и синий - это разные цвета, но два оттенка алого - это разные оттенки.
  • градация : Переход небольшими градациями от одного тона или оттенка, как и цвета, к другому.
  • оттенок : цвет или оттенок цвета.

Цвет - это фундаментальный художественный элемент, связанный с использованием оттенка в искусстве и дизайне. Это самый сложный из элементов из-за множества присущих ему комбинаций. Теория цвета впервые появилась в 17 веке, когда Исаак Ньютон обнаружил, что белый свет может проходить через призму и делиться на полный спектр цветов. Спектр цветов, содержащихся в белом свете, следующий: красный, оранжевый, желтый, зеленый, синий, индиго и фиолетовый.

Теория цвета подразделяет цвет на «основные цвета»: красный, желтый и синий, которые нельзя смешивать с другими пигментами; и «вторичные цвета» зеленого, оранжевого и фиолетового, которые являются результатом различных комбинаций основных цветов.Первичные и вторичные цвета комбинируются в различных смесях для создания «третичных цветов». Теория цвета основана на цветовом круге, диаграмме, которая показывает взаимосвязь различных цветов друг с другом.

Цветовой круг : Цветовой круг - это диаграмма, которая показывает взаимосвязь различных цветов друг с другом.

«Значение» цвета относится к относительной яркости или темноте цвета. Кроме того, «оттенок» и «оттенок» являются важными аспектами теории цвета и являются результатом более светлых и более темных вариаций значений, соответственно.«Тон» относится к градации или тонким изменениям цвета в более светлой или более темной шкале. «Насыщенность» относится к интенсивности цвета.

Аддитивный и вычитающий цвет

Добавочный цвет - это цвет, создаваемый смешиванием красного, зеленого и синего света. Например, в телевизионных экранах используется аддитивный цвет, поскольку они состоят из основных цветов: красного, синего и зеленого (RGB). Субтрактивный цвет или «триадный цвет» работает как противоположность аддитивного цвета, и основные цвета становятся голубым, пурпурным, желтым и черным (CMYK).Общие применения субтрактивного цвета можно найти в печати и фотографии.

Дополнительный цвет

Дополнительные цвета можно найти прямо напротив друг друга на цветовом круге (фиолетовый и желтый, зеленый и красный, оранжевый и синий). При размещении рядом друг с другом эти пары создают самый сильный контраст для этих двух цветов.

Теплый и холодный цвет

Различие между теплыми и холодными цветами было важно, по крайней мере, с конца 18 века.Контраст, как прослеживается этимологиями в Оксфордском словаре английского языка, кажется, связан с наблюдаемым контрастом в ландшафтном освещении между «теплыми» цветами, связанными с дневным светом или закатом, и «холодными» цветами, связанными с серым или пасмурным днем. Теплые цвета - это оттенки от красного до желтого, включая коричневые и коричневые. С другой стороны, холодные цвета - это оттенки от сине-зеленого до сине-фиолетового, включая большинство оттенков серого. Теория цвета описала перцептивные и психологические эффекты этого контраста.Говорят, что теплые цвета развиваются или кажутся более активными в картине, в то время как холодные цвета имеют тенденцию отступать. Говорят, что теплые цвета, используемые в дизайне интерьера или моде, возбуждают или стимулируют зрителя, а холодные цвета успокаивают и расслабляют.

Текстура

Текстура - это тактильное качество поверхности арт-объекта.

Цели обучения

Признать использование текстуры в искусстве

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Визуальная текстура - это подразумеваемое ощущение текстуры, которое художник создает с помощью различных художественных элементов, таких как линия, штриховка и цвет.
  • Фактическая текстура относится к физическому рендерингу или реальным качествам поверхности, которые мы можем заметить, прикоснувшись к объекту.
  • Видимые мазки и разное количество краски создают физическую текстуру, которая может добавить выразительности картине и привлечь внимание к определенным областям в ней.
  • Произведение искусства может содержать множество визуальных текстур, но при этом оставаться гладким на ощупь.
Ключевые термины
  • тактильный : Материальный; восприимчивы к осязанию.

Текстура

Текстура в искусстве стимулирует зрение и осязание и относится к тактильным качествам поверхности произведения искусства. Он основан на воспринимаемой текстуре холста или поверхности, включая нанесение краски. В контексте художественного произведения есть два типа текстуры: визуальная и актуальная. Визуальная текстура относится к подразумеваемому ощущению текстуры, которую художник создает с помощью различных художественных элементов, таких как линия, штриховка и цвет.Фактическая текстура относится к физическому рендерингу или реальным качествам поверхности, которые мы можем заметить, прикоснувшись к объекту, например, нанесение краски или трехмерное искусство.

Художественное произведение может содержать множество визуальных текстур, но при этом оставаться гладким на ощупь. Возьмем, к примеру, работы реалистов или иллюзионистов, которые основаны на интенсивном использовании краски и лака, но при этом сохраняют совершенно гладкую поверхность. На картине Яна Ван Эйка «Дева канцлера Ролена» мы можем заметить много фактуры, особенно в одежде и мантии, в то время как поверхность работы остается очень гладкой.

Ян ван Эйк, Богородица канцлера Ролина , 1435 : Богородица канцлера Ролина имеет много текстуры в одежде и мантии, но на самом деле поверхность работы очень гладкая.

Картины также часто используют настоящую текстуру, которую мы можем наблюдать при физическом нанесении краски. Видимые мазки и разное количество краски создадут текстуру, которая добавит выразительности картине и привлечет внимание к определенным областям в ней.Художник Винсент Ван Гог, как известно, использовал много фактурной текстуры в своих картинах, что заметно по густому нанесению краски на таких картинах, как Starry Night .

Винсент Ван Гог, Звездная ночь , 1889 : Звездная ночь содержит много фактуры благодаря толстому нанесению краски.

Форма и объем

Форма относится к области в двумерном пространстве, определяемой краями; объем трехмерен, имеет высоту, ширину и глубину.

Цели обучения

Определите форму и объем и определите, как они представлены в ст.

Основные выводы

Ключевые моменты
  • «Положительное пространство» относится к пространству определенной формы или фигуры.
  • «Негативное пространство» относится к пространству, которое существует вокруг и между одной или несколькими формами.
  • «Плоскость» в искусстве относится к любой площади поверхности в пространстве.
  • «Форма» - это понятие, связанное с формой и может быть создано путем объединения двух или более форм, в результате чего получается трехмерная форма.
  • Art использует как реальный, так и подразумеваемый объем.
  • Форма, объем и пространство, действительные или подразумеваемые, являются основой восприятия реальности.
Ключевые термины
  • форма : Форма или видимая структура художественного выражения.
  • объем : Единица трехмерной меры пространства, которая включает длину, ширину и высоту.
  • plane : Плоская поверхность, бесконечно продолжающаяся во всех направлениях (например,g., горизонтальная или вертикальная плоскость).

Форма относится к области в двумерном пространстве, определяемой краями. Формы по определению всегда плоские по своей природе и могут быть геометрическими (например, круг, квадрат или пирамида) или органическими (например, лист или стул). Формы могут быть созданы путем размещения двух разных текстур или групп фигур рядом друг с другом, тем самым создавая замкнутую область, такую ​​как рисунок объекта, плавающего в воде.

«Положительное пространство» относится к пространству определенной формы или фигуры.Обычно позитивное пространство является предметом художественного произведения. «Негативное пространство» относится к пространству, которое существует вокруг и между одной или несколькими формами. Положительное и отрицательное пространство может стать трудно отличить друг от друга в более абстрактных работах.

«Плоскость» относится к любой площади поверхности в пространстве. В двумерном искусстве «плоскость изображения» - это плоская поверхность, на которой создается изображение, например бумага, холст или дерево. Трехмерные фигуры могут быть изображены на плоской картинной плоскости с использованием художественных элементов, чтобы передать глубину и объем, как это видно на картине « Маленький букет цветов в керамической вазе » Яна Брейгеля Старшего.

Ян Брейгель Старший, Маленький букет цветов в керамической вазе, 1599 : Трехмерные фигуры могут быть изображены на плоской картинной плоскости с использованием художественных элементов, чтобы придать глубину и объем.

«Форма» - это понятие, связанное с формой. Комбинируя две или более фигур, можно создать трехмерную фигуру. Форма всегда считается трехмерной, поскольку она демонстрирует объем - или высоту, ширину и глубину. Искусство использует как реальный, так и подразумеваемый объем.

В то время как трехмерные формы, такие как скульптура, по своей сути обладают объемом, объем также может быть смоделирован или имплицирован в двухмерном произведении, таком как живопись. Форма, объем и пространство - действительные или подразумеваемые - являются основой восприятия реальности.

Время и движение

Движение, принцип искусства, это инструмент, который художники используют для организации художественных элементов в произведении; он используется как в статической, так и в временной среде.

Цели обучения

Назовите некоторые методы и средства, используемые художниками для передачи движения в статических и временных формах искусства.

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Такие техники, как масштаб и пропорции, используются для создания ощущения движения или течения времени в статике визуального произведения.
  • Размещение повторяющегося элемента в другой области внутри произведения искусства - еще один способ обозначить движение и течение времени.
  • Визуальные эксперименты со временем и движением были впервые произведены в середине 19 века, а фотограф Эдвард Мейбридж известен своими последовательными снимками.
  • Основанные на времени среды кино, видео, кинетической скульптуры и перформанса используют время и движение по самому их определению.
Ключевые термины
  • кадров в секунду : сколько раз устройство формирования изображения создает уникальные последовательные изображения (кадры) за одну секунду.Аббревиатура: FPS.
  • статический : фиксируется на месте; без движения.

Движение или движение считается одним из «принципов искусства»; то есть один из инструментов, используемых художниками для организации художественных элементов в произведении искусства. Движение используется как в статике, так и в среде, основанной на времени, и может показывать прямое действие или намеченный путь, по которому глаз зритель может проследить через фрагмент.

Такие приемы, как масштаб и пропорции, используются для создания ощущения движения или течения времени в статичных визуальных произведениях.Например, на плоской картинной плоскости изображение, которое меньше и светлее, чем его окружение, будет казаться фоном. Еще одна техника для обозначения движения и / или времени - это размещение повторяющегося элемента в разных частях произведения искусства.

Визуальные эксперименты со временем и движением были впервые проведены в середине 19 века. Фотограф Идверд Мейбридж известен своими последовательными снимками людей и животных, идущих, бегающих и прыгающих, которые он демонстрировал вместе, чтобы проиллюстрировать движение своих объектов.Картина Марселя Дюшана «« Обнаженная спускающаяся по лестнице », № 2 » демонстрирует абсолютное ощущение движения от левого верхнего угла к правому нижнему углу произведения.

Марсель Дюшан, Обнаженная, спускающаяся по лестнице, № 2 , 1912 : Эта работа представляет концепцию Дюшана о движении и времени.

В то время как статические формы искусства обладают способностью подразумевать или предлагать время и движение, основанные на времени среды кино, видео, кинетической скульптуры и перформанса демонстрируют время и движение по самым своим определениям.Пленка - это множество статичных изображений, которые быстро проходят через объектив. Видео - это, по сути, тот же процесс, но в цифровом виде и с меньшим количеством кадров в секунду. Искусство перформанса происходит в реальном времени с использованием реальных людей и объектов, как в театре. Кинетическое искусство - это искусство, которое движется или зависит от движения для своего воздействия. Все эти медиумы используют время и движение как ключевые аспекты форм выражения.

Случайность, импровизация и спонтанность

Дадаизм, сюрреализм и движение Fluxus полагались на элементы случая, импровизации и спонтанности как инструменты для создания произведений искусства.

Цели обучения

Опишите, как дадаизм, сюрреализм и движение Fluxus опирались на случай, импровизацию и спонтанность

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Дадаисты известны своим «автоматическим письмом» или записью потока сознания, которое подчеркивает творческие способности бессознательного.
  • Работы сюрреалистов, как и работы дадаистов, часто содержат элемент неожиданности, неожиданного сопоставления и проникновения в подсознание.
  • Сюрреалисты изобрели рисунок «изысканный труп».
  • Движение Fluxus было известно своими «хэппенингами», которые представляли собой перформансы или ситуации, которые могли происходить где угодно, в любой форме и в значительной степени полагались на случай, импровизацию и участие аудитории.
Ключевые термины
  • событие : Спонтанное или импровизированное событие, особенно с участием аудитории.
  • сборка : Коллекция вещей, собранных вместе..

Случайность, импровизация и спонтанность - это элементы, которые можно использовать для создания искусства, или они могут быть самой целью самого произведения. Любая среда может использовать эти элементы в любой точке художественного процесса.

Марсель Дюшан, Писсуар , 1917 : Писсуар Марселя Дюшана является примером «готового», то есть предметов, которые были куплены или найдены, а затем объявлены искусством.

Дадаизм

Дадаизм был художественным движением, популярным в Европе в начале 20 века.Его начали художники и поэты из Цюриха, Швейцария, с сильными антивоенными и левыми настроениями. Движение отвергало логику и разум и вместо этого ценило иррациональность, бессмыслицу и интуицию. Марсель Дюшан был доминирующим членом дадаистского движения, известного выставкой «готовых вещей», то есть предметов, которые были куплены или найдены, а затем объявлены искусством.

Дадаисты использовали то, что было легко доступно, для создания так называемого «собрания», используя такие предметы, как фотографии, мусор, наклейки, проездные на автобус и заметки.Работа дадаистов предполагала случай, импровизацию и спонтанность для создания искусства. Они известны тем, что используют «автоматическое письмо» или письмо потока сознания, которое часто принимает бессмысленные формы, но допускает возможность потенциально неожиданных сопоставлений и бессознательного творчества.

Сюрреализм

Сюрреалистическое движение, развившееся из дадаизма в первую очередь как политическое движение, отличалось элементом неожиданности, неожиданного сопоставления и воздействия на подсознание.Андре Бретон, важный член движения, написал сюрреалистический манифест, определив его следующим образом:

«Сюрреализм, н. Чистый психический автоматизм, с помощью которого предлагается выразить устно, письменно или любым другим способом реальное функционирование мысли. Диктовка мысли при отсутствии всякого контроля со стороны разума, вне всяких эстетических и моральных забот. «

Подобно дадаизму до него, сюрреалистическое движение подчеркивало неважность разума и планирования и вместо этого в значительной степени полагалось на случай и неожиданность как на инструмент, позволяющий использовать творческие способности бессознательного.Сюрреалисты известны тем, что изобрели рисунок «изысканного трупа» - упражнение, в котором слова и изображения совместно собираются одно за другим. Многие сюрреалистические техники, в том числе изысканный рисунок трупа, позволяли создавать искусство в игровой форме, придавая значение спонтанному производству.

Механизм Fluxus

Движение Fluxus 1960-х годов находилось под сильным влиянием дадаизма. Fluxus был международной сетью художников, которые умело сочетали воедино множество различных дисциплин, и чья работа характеризовалась использованием экстремальной эстетики «сделай сам» (DIY) и в значительной степени интермедийных произведений искусства.Кроме того, Fluxus был известен своими «хэппенингами», которые представляли собой междисциплинарные мероприятия или ситуации, которые могли происходить где угодно. Участие публики было необходимо в мероприятии, и поэтому полагалось на немало сюрпризов и импровизации. Ключевые элементы событий часто планировались, но художники оставляли место для импровизации, что стирало границу между произведением искусства и зрителем, тем самым делая аудиторию важной частью искусства.

Включение всех пяти чувств

Включение пяти человеческих чувств в одно произведение чаще всего происходит в инсталляции и перформансе.

Цели обучения

Объясните, как инсталляция и перформанс включают пять чувств зрителя.

Основные выводы

Ключевые моменты
  • В современном искусстве довольно часто работа ориентирована на зрение, осязание и слух, тогда как обоняние и вкус встречаются несколько реже.
  • «Gesamtkunstwerk» или «полное произведение искусства» - это немецкое слово, обозначающее произведение искусства, которое пытается воздействовать на все пять человеческих чувств.
  • Искусство инсталляции - это жанр трехмерных произведений искусства, призванный изменить восприятие зрителем пространства.
  • Виртуальная реальность - это термин, относящийся к среде, смоделированной компьютером.
Ключевые термины
  • событие : Спонтанное или импровизированное событие, особенно с участием аудитории.
  • виртуальная реальность : компьютерная реальность.

Включение пяти человеческих чувств в одно произведение чаще всего происходит в инсталляционном и перформансном искусстве.Кроме того, работы, которые стремятся охватить все чувства одновременно, обычно используют некоторую форму интерактивности, поскольку чувство вкуса явно должно включать участие зрителя. Исторически такое внимание ко всем чувствам относилось к ритуалам и церемониям. В современном искусстве довольно часто работа ориентирована на зрение, осязание и слух, в то время как искусство несколько реже обращается к обонянию и вкусу.

Немецкое слово «Gesamtkunstwerk», означающее «полное произведение искусства», относится к жанру произведения искусства, которое пытается воздействовать на все пять человеческих чувств.Эта концепция была выдвинута на первый план немецким оперным композитором Рихардом Вагнером в 1849 году. Вагнер поставил оперу, которая стремилась объединить формы искусства, которые, по его мнению, стали чрезмерно разрозненными. В операх Вагнера уделяется большое внимание каждой детали, чтобы добиться полного художественного погружения. «Gesamkunstwerk» - теперь общепринятый английский термин, относящийся к эстетике, но произошел от определения Вагнера и означает включение пяти смыслов в искусство.

Искусство инсталляции - это жанр трехмерных произведений искусства, призванный изменить восприятие зрителем пространства. Набережная Рэйчел Уайтред является примером такого преобразования. Этот термин обычно относится к внутреннему пространству, в то время как Land Art обычно относится к открытому пространству, хотя между этими терминами есть некоторое совпадение. Движение Fluxus 1960-х годов является ключом к развитию инсталляции и перформанса как средств массовой информации.

Рэйчел Уайтред, набережная , , 2005 г. : Инсталляция Уайтреда Набережная - это искусство, призванное изменить восприятие зрителем пространства.

«Виртуальная реальность» - это термин, относящийся к среде, смоделированной компьютером. В настоящее время большинство сред виртуальной реальности представляет собой визуальный опыт, но некоторые модели включают дополнительную сенсорную информацию. Иммерсивная виртуальная реальность развивалась в последние годы с развитием технологий и все больше затрагивает пять чувств в виртуальном мире. Художники изучают возможности этих смоделированных и виртуальных реальностей с расширением дисциплины кибератров, хотя то, что составляет киберарту, продолжает оставаться предметом споров.Такие среды, как виртуальный мир Second Life, являются общепринятыми, но вопрос о том, следует ли считать видеоигры искусством, остается открытым.

Композиционный баланс

Композиционный баланс относится к размещению художественных элементов относительно друг друга в произведении искусства.

Цели обучения

Классификация элементов композиционного баланса в произведении искусства

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Гармоничный композиционный баланс предполагает расположение элементов таким образом, чтобы ни одна часть произведения не подавляла или не казалась тяжелее любой другой части.
  • Три наиболее распространенных типа композиционного баланса: симметричный, асимметричный и радиальный.
  • В сбалансированном состоянии композиция выглядит стабильной и визуально правильной. Подобно тому, как симметрия относится к эстетическим предпочтениям и отражает интуитивное ощущение того, как вещи «должны» выглядеть, общий баланс данной композиции способствует внешним суждениям о работе.
Ключевые термины
  • радиальный : расположены как лучи, исходящие от общего центра или сходящиеся к нему.
  • симметрия : точное соответствие по обе стороны от разделительной линии, плоскости, центра или оси. Удовлетворительное расположение сбалансированного распределения элементов целого.
  • асимметрия : Отсутствие симметрии или пропорции между частями предмета, особенно двусторонняя симметрия. Отсутствие общей меры между двумя объектами или величинами; Несоизмеримость. То, что делает что-то несимметричным.

Композиционный баланс относится к размещению элементов искусства (цвета, формы, линии, формы, пространства, текстуры и стоимости) по отношению друг к другу.В сбалансированном состоянии композиция выглядит более устойчивой и визуально приятной. Подобно тому, как симметрия относится к эстетическим предпочтениям и отражает интуитивное ощущение того, как вещи «должны» выглядеть, общий баланс данной композиции способствует внешним суждениям о работе.

Создание гармоничного композиционного баланса включает в себя такую ​​аранжировку элементов, чтобы ни одна часть произведения не подавляла и не казалась тяжелее любой другой части. Три наиболее распространенных типа композиционного баланса - симметричный, асимметричный и радиальный.

Композиционные весы : Три распространенных типа весов - симметричные, асимметричные и радиальные.

Симметричный баланс является наиболее стабильным в визуальном смысле и обычно передает ощущение гармоничной или эстетически приятной пропорциональности. Когда обе стороны произведения искусства по обе стороны от горизонтальной или вертикальной оси плоскости изображения одинаковы с точки зрения ощущения, которое создается расположением элементов искусства, считается, что произведение демонстрирует этот тип баланса.Противоположностью симметрии является асимметрия.

Леонардо да Винчи, Витрувианский человек , 1487 : Леонардо да Винчи Витрувианский человек часто используется как символ симметрии человеческого тела и, в более широком смысле, естественной вселенной.

Асимметрия определяется как отсутствие или нарушение принципов симметрии. Примеры асимметрии часто встречаются в архитектуре. Хотя досовременные архитектурные стили имели тенденцию делать акцент на симметрии (за исключением тех случаев, когда экстремальные условия местности или исторические события уводят от этого классического идеала), современные и постмодернистские архитекторы часто использовали асимметрию в качестве элемента дизайна.Например, в то время как большинство мостов имеют симметричную форму из-за внутренней простоты проектирования, анализа, изготовления и экономичного использования материалов, ряд современных мостов сознательно отошли от этого, либо в ответ на соображения, связанные с конкретным местом, либо чтобы создать эффектный дизайн. .

Мост через залив Окленд : Замена восточного пролета моста Сан-Франциско-Окленд через залив отражает асимметричный архитектурный дизайн.

Радиальный баланс относится к круглым элементам в композициях.В классической геометрии радиус круга или сферы - это любой отрезок линии от центра до периметра. В более широком смысле радиус круга или сферы - это длина любого такого сегмента, составляющая половину диаметра. Радиус может быть больше половины диаметра, который обычно определяется как максимальное расстояние между любыми двумя точками фигуры. Внутренний радиус геометрической фигуры - это обычно радиус самого большого круга или сферы, содержащейся в ней. Внутренний радиус кольца, трубки или другого полого предмета - это радиус его полости.Название «радиальный» или «радиус» происходит от латинского radius , что означает «луч», а также спица колеса круговой колесницы.

Ритм

Художники используют ритм как инструмент, чтобы направлять взгляд зрителя через произведения искусства.

Цели обучения

Распознавать и интерпретировать использование ритма в произведении искусства

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Ритм в целом можно определить как «движение, отмеченное регулируемой последовательностью сильных и слабых элементов или противоположных или различных состояний» (Anon.1971).
  • Ритм может также относиться к визуальному представлению как «синхронизированное движение в пространстве» (Jirousek 1995), а общий язык паттернов объединяет ритм с геометрией.
  • Например, размещение красной спирали в нижнем левом и верхнем правом углу, например, заставит глаз перемещаться от одной спирали к другой и всему, что находится между ними. Он указывает на движение в произведении посредством повторения элементов и, следовательно, может сделать произведение искусства более активным.
Ключевые термины
  • симметрия : точное соответствие по обе стороны от разделительной линии, плоскости, центра или оси.Удовлетворительное расположение сбалансированного распределения элементов целого.

Принципы изобразительного искусства - это правила, инструменты и рекомендации, которые художники используют для организации элементов в произведении искусства. Когда принципы и элементы удачно сочетаются, они помогают создать эстетически приятное или интересное произведение искусства. Хотя между ними есть некоторые вариации, движение, единство, гармония, разнообразие, баланс, ритм, акцент, контраст, пропорции и узор обычно считаются принципами искусства.

Ритм

(от греческого ритм , «любое регулярное повторяющееся движение, симметрия» (Liddell and Scott 1996)) можно в целом определить как «движение, отмеченное регулируемой последовательностью сильных и слабых элементов или противоположных или различных состояний». (Аноним. 1971). Это общее значение регулярной повторяемости или закономерности во времени может быть применено к широкому спектру циклических природных явлений, имеющих периодичность или частоту от микросекунд до миллионов лет. В исполнительском искусстве ритм - это хронометраж событий в человеческом масштабе, музыкальных звуков и тишины, шагов танца или метра разговорной речи и поэзии.Ритм может также относиться к визуальному представлению, как «синхронизированное движение в пространстве» (Jirousek 1995), а общий язык паттернов объединяет ритм с геометрией.

В визуальной композиции узор и ритм обычно выражаются согласованностью цветов или линий. Например, размещение красной спирали слева внизу и справа вверху заставит глаз перемещаться от одной спирали к другой, а затем к промежутку между ними. Повторение элементов создает движение глаза зрителя и, следовательно, может сделать произведение активным.Картина Хильмы аф Клинт Svanen (Лебедь) иллюстрирует визуальное представление ритма с использованием цвета и симметрии.

Хильма аф Клинт, Сванен (Лебедь) , 1914 : Цвет и симметрия работают вместе в этой картине, чтобы направлять взгляд зрителя в определенном визуальном ритме.

Пропорции и масштаб

Пропорция - это мера размера и количества элементов в композиции.

Цели обучения

Применение концепции пропорции к различным произведениям искусства

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Иерархическая пропорция - это техника, используемая в искусстве, в основном в скульптуре и живописи, в которой художник использует неестественные пропорции или масштаб, чтобы показать относительную важность фигур в произведении искусства.
  • Математически пропорция - это отношение между элементами и целым. В архитектуре целое - это не просто здание, а обстановка и обстановка участка.
  • Среди различных древних художественных традиций гармонические пропорции, человеческие пропорции, космические ориентации, различные аспекты сакральной геометрии и малые целочисленные отношения применялись как часть практики архитектурного дизайна.
Ключевые термины
  • золотое сечение : Иррациональное число (приблизительно 1 · 618), обычно обозначаемое греческой буквой φ (фи), которое равно сумме собственной обратной величины и 1, или, что то же самое, такое, что соотношение 1 к числу равно отношению его обратной единицы к 1.Некоторые художники и архитекторы двадцатого века составили пропорции своих работ, чтобы приблизиться к этому, особенно в форме золотого прямоугольника, в котором отношение длинной стороны к короткой равно этому числу, полагая, что эта пропорция эстетически приятна.

Пропорция - это мера размера и количества элементов в композиции. Иерархическая пропорция - это техника, используемая в искусстве, в основном в скульптуре и живописи, в которой художник использует неестественные пропорции или масштаб, чтобы показать относительную важность фигур в произведении искусства.Например, в древнеегипетском искусстве боги и важные политические фигуры кажутся намного крупнее обычных людей. Начиная с эпохи Возрождения, художники осознали связь между пропорцией и перспективой и иллюзией трехмерного пространства. Изображения человеческого тела в преувеличенных пропорциях использовались для изображения реальности, которую интерпретировал художник.

Изображение Нармера из палитры Нармера : Нармер, додинастический правитель, в сопровождении людей, несущих знамена различных местных богов.Это произведение демонстрирует использование пропорций древними египтянами: Нармер кажется больше, чем другие изображенные фигуры.

Математически пропорция - это отношение между элементами и целым. В архитектуре целое - это не просто здание, а обстановка и обстановка участка. Вещи, которые делают здание и его участок «правильным», включают все, от ориентации участка и построек на нем до особенностей территории, на которой оно расположено. Свет, тень, ветер, высота и выбор материалов относятся к стандарту архитектурных пропорций.

Архитектура часто использовала пропорциональные системы для создания или ограничения форм, которые считались подходящими для включения в здание. Практически в каждой строительной традиции существует система математических отношений, которая регулирует отношения между аспектами дизайна. Эти системы пропорций часто довольно просты: целочисленные отношения или несоизмеримые отношения (например, золотое сечение) определялись с использованием геометрических методов. Как правило, цель пропорциональной системы - создать ощущение согласованности и гармонии между элементами здания.

Среди различных древних художественных традиций гармонические пропорции, человеческие пропорции, космические ориентации, различные аспекты сакральной геометрии и малые целочисленные отношения применялись как часть практики архитектурного дизайна. Например, все греческие классические архитектурные порядки являются пропорциональными, а не размерными или измеренными модулями, потому что самые ранние модули основывались не на частях тела и их размахе (пальцы, ладони, кисти и ступни), а на диаметрах колонн и ширине. аркад и окон.

Храм Портана : Греческий храм Портана является примером классической греческой архитектуры с четырехстильным портиком из четырех ионических колонн.

Как правило, один набор модулей диаметра колонн, используемых египтянами и римлянами для корпусных и архитектурных карнизов, основан на пропорциях ладони и пальца, в то время как другой, менее деликатный модуль - используется для отделки дверей и окон, плитки и кровли. в Месопотамии и Греции - на основе пропорций кисти и большого пальца.

Еще у пифагорейцев была идея, что пропорции должны быть связаны со стандартами и что чем более общие и шаблонные стандарты, тем лучше. Эта концепция - красота и элегантность, подтверждаемые умелым составом хорошо понятных элементов - лежит в основе математики, искусства и архитектуры. Классические стандарты представляют собой серию парных противоположностей, разработанных для расширения размерных ограничений гармонии и пропорции.

Космос

Пространство в искусстве можно определить как область, которая существует между двумя идентифицируемыми точками.

Цели обучения

Определите пространство в искусстве и перечислите способы его использования художниками

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Организация пространства называется композицией и является важным компонентом любого произведения искусства.
  • Пространство художественного произведения включает фон, передний план и средний план, а также расстояние между предметами, вокруг них и внутри них.
  • Есть два типа пространства: положительное пространство и отрицательное пространство.
  • После сотен лет разработки линейной перспективы западные художественные представления о точном изображении пространства претерпели радикальные изменения в начале 20 века.
  • Кубизм и последующие модернистские движения представляют собой важный сдвиг в использовании пространства в западном искусстве, который все еще ощущается сегодня.
Ключевые термины
  • пробел : расстояние или пустое пространство между объектами.
  • Кубизм : Художественное направление начала 20 века, характеризующееся изображением естественных форм как геометрических структур плоскостей.

Организация пространства в искусстве называется композицией и является важным компонентом любого произведения искусства. Пространство в целом можно определить как область, которая существует между любыми двумя идентифицируемыми точками.

Пространство воспринимается по-разному в каждой среде. Пространство в картине, например, включает фон, передний план и средний план, в то время как трехмерное пространство, такое как скульптура или инсталляция, будет включать расстояние между точками произведения, вокруг и внутри него.Далее пространство подразделяется на положительное и отрицательное. «Позитивное пространство» можно определить как предмет художественного произведения, а «отрицательное пространство» можно определить как пространство вокруг предмета.

На протяжении веков пространство создавалось по-разному. Художники много времени уделяли экспериментам с перспективой и степенью плоскостности живописной плоскости.

Перспективная система широко использовалась в западном искусстве. Визуально это иллюзионистский феномен, хорошо подходящий для реализма и изображения реальности такой, какой она есть.Потратив сотни лет на разработку линейной перспективы, западные художественные представления о точном изображении пространства претерпели радикальные изменения в начале 20-го века. Нововведения кубизма и последующих модернистских движений представляют собой важный сдвиг в использовании пространства в западном искусстве, влияние которого ощущается до сих пор.

Пабло Пикассо, Les Demoiselles d'Avignon , 1907 : Les Demoiselles d'Avignon - это образец искусства кубизма, которое имеет тенденцию сглаживать плоскость изображения, а использование абстрактных форм и неправильных форм предполагает несколько точек зрения на одном изображении.

Двумерное пространство

Двумерное или двумерное пространство - это геометрическая модель плоской проекции физической вселенной, в которой мы живем.

Цели обучения

Обсудить двумерное пространство в искусстве и физические свойства, на которых оно основано

Основные выводы

Ключевые моменты
  • С физической точки зрения, измерение относится к составной структуре всего пространства и его положению во времени.
  • Рисунок - это форма визуального искусства, в которой используется любое количество инструментов для обозначения двухмерного носителя.
  • Практически любую размерную форму можно представить в виде некоторой комбинации куба, сферы, цилиндра и конуса. После того, как эти основные формы собраны в подобие, рисунок может быть улучшен до более точной и отшлифованной формы.
Ключевые термины
  • измерение : Отдельный аспект данной вещи. Мера пространственной протяженности в определенном направлении, например высота, ширина или ширина или глубина.
  • Двумерный : Существуют в двух измерениях.Не создает иллюзии глубины.
  • Planar : Самолет или относящийся к нему. Плоский, двухмерный.

Двумерное или двумерное пространство - это геометрическая модель плоской проекции физической вселенной, в которой мы живем. Эти два измерения обычно называют длиной и шириной. Оба направления лежат в одной плоскости. В физике наше двумерное пространство рассматривается как плоское представление пространства, в котором мы движемся.

Математическое изображение двумерного пространства : Двумерная декартова система координат.

В художественной композиции рисунок - это форма визуального искусства, в которой используется любое количество инструментов для рисования для обозначения двухмерной среды (что означает, что объект не имеет глубины). Одно из самых простых и эффективных средств передачи визуальных идей, среда была популярным и фундаментальным средством публичного выражения на протяжении всей истории человечества. Кроме того, относительная доступность основных инструментов для рисования делает рисование более универсальным, чем большинство других средств массовой информации.

Измерение размеров объекта при блокировке на чертеже - важный шаг в создании реалистичного изображения объекта.Для измерения углов с разных сторон можно использовать такие инструменты, как компас. Эти углы можно воспроизвести на поверхности чертежа, а затем перепроверить, чтобы убедиться, что они точны. Другой способ измерения - это сравнение относительных размеров различных частей объекта друг с другом. Палец, помещенный в точку вдоль инструмента для рисования, можно использовать для сравнения этого размера с другими частями изображения. Линейку можно использовать как линейку, так и как устройство для вычисления пропорций. При попытке нарисовать сложную форму, такую ​​как фигура человека, полезно сначала представить форму с помощью набора примитивных форм.

Практически любую размерную форму можно представить в виде некоторой комбинации куба, сферы, цилиндра и конуса. После того, как эти основные формы собраны в подобие, рисунок может быть улучшен до более точной и отшлифованной формы. Линии примитивных форм удаляются и заменяются окончательным подобием. Более изысканное искусство рисования фигур зависит от художника, обладающего глубоким пониманием анатомии и человеческих пропорций. Опытный художник знаком со структурой скелета, расположением суставов, размещением мышц, движением сухожилий и тем, как различные части работают вместе во время движения.Это позволяет художнику создавать более естественные позы, которые не кажутся искусственно жесткими. Художник также знаком с тем, как меняются пропорции в зависимости от возраста объекта, особенно при рисовании портрета.

Рисование человеческих фигур : Анри де Тулуз-Лотрека «Мадам Пальмира с собакой» , 1897.

Линейная перспектива и трехмерное пространство

Перспектива - это приблизительное представление на плоской поверхности изображения, видимого глазом.

Цели обучения

Объясните перспективу и ее влияние на художественную композицию

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Считается, что систематические попытки разработать систему перспективы начались примерно в V веке до нашей эры. в искусстве Древней Греции.
  • Самые ранние художественные картины и рисунки обычно имели размеры объектов и персонажей иерархически в соответствии с их духовной или тематической важностью, а не их расстоянием от зрителя.
  • В средневековой Европе использование и изощренность попыток передать расстояние неуклонно росли, но без систематической теории.
  • В эпоху Возрождения почти каждый художник в Италии использовал геометрическую перспективу в своих картинах, как для изображения глубины, так и в качестве нового и «актуального» композиционного метода.
Ключевые термины
  • криволинейный : имеющий изгибы; изогнутый; образованы изогнутыми линиями.
  • линия горизонта : Горизонтальная линия на перспективном рисунке, расположенная прямо напротив глаза зрителя и часто подразумеваемая, которая представляет объекты бесконечно далекие и определяет угол или перспективу, с которой зритель видит произведение.
  • точка схода : точка на перспективном чертеже, в которой параллельные линии, удаляющиеся от наблюдателя, кажутся сходящимися.
  • Перспектива : Техника представления трехмерных объектов на двумерной поверхности.

В искусстве перспектива - это приблизительное представление на плоской поверхности изображения, видимого глазом, вычисленное с учетом конкретной точки схода. Обычно считается, что систематические попытки разработать систему перспективы в искусстве Древней Греции начались примерно в V веке до нашей эры.В более поздние периоды античности художники - особенно представители менее популярных традиций - были хорошо осведомлены о том, что далекие объекты можно показывать меньше, чем те, которые находятся под рукой, для усиления иллюзионизма. Но действительно ли это соглашение использовалось в работе, зависело от многих факторов. Некоторые из картин, найденных в руинах Помпеи, демонстрируют замечательный для своего времени реализм и перспективу.

Самые ранние художественные картины и рисунки обычно имели размеры объектов и персонажей иерархически в соответствии с их духовной или тематической важностью, а не их расстоянием от зрителя.Наиболее важные фигуры часто показаны как самые высокие в композиции, также из иератических мотивов, что приводит к «вертикальной перспективе», обычной в искусстве Древнего Египта, где группа «более близких» фигур показана под большей фигурой (s ).

В искусстве Периода переселения народов не было традиции пытаться составить большое количество фигур, а искусство раннего средневековья было медленным и непоследовательным в переучивании условностей из классических моделей, хотя этот процесс можно наблюдать в искусстве Каролингов.Европейские средневековые художники знали об общем принципе изменения относительного размера элементов в зависимости от расстояния, а использование и изощренность попыток передать расстояние неуклонно увеличивались в течение периода, но без основы в систематической теории.

Однако в эпоху Возрождения почти каждый художник в Италии использовал геометрическую перспективу в своих картинах. Использование перспективы было не только способом изобразить глубину, но и новым методом создания картины.Картины стали изображать одну единую сцену, а не комбинацию нескольких. Какое-то время перспектива оставалась прерогативой Флоренции. Постепенно, отчасти благодаря движению академий искусств, итальянские техники стали частью обучения художников по всей Европе, а позже и в других частях мира.

Перспектива в живописи эпохи Возрождения : Использование перспективы Пьетро Перуджино на этой фреске в Сикстинской капелле (1481–1482 гг.) Помогло принести в Рим эпоху Возрождения.

Чертеж имеет одноточечную перспективу, если он содержит только одну точку схода на линии горизонта. Этот тип перспективы обычно используется для изображений дорог, железнодорожных путей, коридоров или зданий, просматриваемых так, чтобы передняя часть смотрела прямо на зрителя. Любые объекты, состоящие из линий, либо непосредственно параллельных линии взгляда зрителя, либо перпендикулярных прямой (железнодорожные рейки), могут быть представлены в одноточечной перспективе. Эти параллельные линии сходятся в точке схода.

Двухточечная перспектива может использоваться для рисования тех же объектов, что и одноточечная перспектива, но с поворотом - например, если смотреть на угол дома или смотреть на две раздвоенные дороги, уходящие вдаль. Например, если смотреть на дом из угла, одна стена отступит к одной точке схода, а другая стена отступит к противоположной точке схода.

Трехточечная перспектива используется для зданий, изображенных сверху или снизу. В дополнение к двум точкам схода, по одной для каждой стены, теперь есть третья, указывающая, как эти стены уходят в землю.Эта третья точка схода будет под землей.

Четырехточечная перспектива - криволинейный вариант двухточечной перспективы. Получившийся удлиненный каркас можно использовать как по горизонтали, так и по вертикали. Как и все другие варианты перспективы в ракурсе, четырехточечная перспектива начинается с линии горизонта, за которой следуют четыре равноотстоящих точки схода, очерчивающие четыре вертикальные линии. Поскольку точки схода существуют только тогда, когда в сцене присутствуют параллельные линии, перспектива без точек схода («нулевая точка») возникает, если зритель наблюдает непрямолинейную сцену.Наиболее распространенный пример нелинейной сцены - это естественная сцена (например, горный хребет), которая часто не содержит параллельных линий. Перспектива без точек схода может создать ощущение глубины.

Искажения пространства и ракурсы

Искажение используется для создания различных изображений пространства в двумерных произведениях искусства.

Цели обучения

Определите, как искажение используется и как избегается в произведениях искусства

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Искажение проекции перспективы - это неизбежное искажение трехмерного пространства при его рисовании или «проецировании» на двумерную поверхность.Невозможно точно изобразить трехмерную реальность на двухмерной плоскости.
  • Однако есть несколько доступных конструкций, которые позволяют, казалось бы, точное представление. Перспективную проекцию можно использовать для отражения того, как видит глаз, с помощью одной или нескольких точек схода.
  • Хотя искажения могут быть нерегулярными или следовать многим узорам, наиболее часто встречающиеся искажения в композиции, особенно в фотографии, являются радиально-симметричными или приблизительно таковыми, возникающими из-за симметрии фотографического объектива.
Ключевые термины
  • радиальный : расположены как лучи, исходящие из общего центра или сходящиеся к нему
  • проекция : изображение, которое полупрозрачный объект отбрасывает на другой объект.
  • ракурс : метод создания внешнего вида, что объект рисунка расширяется в пространство, путем укорачивания линий, с помощью которых этот объект рисуется.

Искажение - это изменение исходной формы (или другой характеристики) объекта, изображения, звука или другой формы информации или представления.Художник может хотеть или нежелать искажения. Искажения обычно нежелательны, когда речь идет о физической деградации произведения. Однако его чаще называют перспективой, где он используется для создания реалистичных представлений пространства в двумерных произведениях искусства.

Искажение проекции перспективы

Искажение проекции перспективы - это неизбежное искажение трехмерного пространства при его рисовании или «проецировании» на двумерную поверхность.Невозможно точно изобразить трехмерную реальность на двухмерной плоскости. Однако есть несколько доступных конструкций, которые позволяют, казалось бы, точное представление. Самый распространенный из них - перспективная проекция. Перспективную проекцию можно использовать для отражения того, как видит глаз, используя одну или несколько точек схода.

Джотто, Оплакивание (Оплакивание Христа) , 1305–1306 : Джотто - один из самых известных художников эпохи до Возрождения, который распознавал искажение в двухмерных плоскостях.

ракурс

Ракурс - это визуальный эффект или оптическая иллюзия, при которой объект или расстояние кажутся короче, чем они есть на самом деле, потому что они расположены под углом к ​​зрителю. Хотя ракурс является важным элементом в искусстве, где изображается визуальная перспектива, ракурс встречается в других типах двумерных представлений трехмерных сцен, таких как наклонные параллельные проекционные рисунки.

Физиологическая основа зрительного ракурса не была определена до 1000 года, когда арабский математик и философ Альхазен в своей книге Perspectiva впервые объяснил, что свет конусно проецируется в глаз.Метод для систематического изображения укороченной геометрии на плоской поверхности был неизвестен в течение следующих 300 лет. Художник Джотто, возможно, был первым, кто осознал, что изображение, видимое глазом, искажено: глазу параллельные линии кажутся пересекающимися (как далекие края тропинки или дороги), тогда как в «неискаженной» природе они пересекаются. нет. Во многих картинах Джотто перспектива используется для достижения различных эффектов искажения.

Ракурс : Эта картина иллюстрирует использование Мелоццо да Форли ракурса вверх в своих фресках в Базилике делла Санта-Каса.

Искажения на фотографии

В фотографии механизм проецирования - это свет, отраженный от объекта. Чтобы выполнить рисунок с использованием перспективной проекции, проекторы исходят из всех точек объекта и пересекаются в точке станции. Эти проекторы пересекаются с воображаемой плоскостью проекции, и изображение создается на плоскости по точкам пересечения. Полученное изображение на плоскости проекции воспроизводит изображение объекта, наблюдаемое с точки станции.

Радиальное искажение обычно можно разделить на два основных типа: бочкообразное искажение и подушкообразное искажение. Бочкообразное искажение возникает, когда увеличение изображения уменьшается по мере удаления от оптической оси. Кажущийся эффект - это эффект изображения, нанесенного на сферу (или бочку). Линзы "рыбий глаз", которые принимают полусферические виды, используют этот тип искажения как способ сопоставить бесконечно широкую плоскость объекта с конечной областью изображения.

С другой стороны, при подушкообразном искажении увеличение изображения увеличивается с удалением от оптической оси.Видимый эффект заключается в том, что линии, которые не проходят через центр изображения, изгибаются внутрь, к центру изображения, как подушечка для иголок. Определенное количество подушкообразных искажений часто обнаруживается с помощью оптических инструментов (например, биноклей), где они служат для устранения эффекта глобуса.

Цилиндрическая перспектива - это форма искажения, вызванная «рыбьим глазом» и панорамными линзами, которые воспроизводят прямые горизонтальные линии выше и ниже уровня оси линзы как изогнутые, в то время как прямые горизонтальные линии на уровне оси линзы воспроизводятся как прямые.Это также общая черта широкоугольных анаморфных объективов с фокусным расстоянием менее 40 мм в кинематографии. По сути, это просто бочкообразное искажение, но только в горизонтальной плоскости. Это артефакт процесса сжатия, который делают анаморфные линзы, чтобы уместить широкоэкранные изображения на пленку стандартной ширины.

Композиция и многофигурная живопись с Тимуром Ахриевым

Композиция и многофигурная живопись с Тимуром Ахриевым

Мы рады предложить онлайн-уроки рисования с одним из наших постоянных инструкторов, Тимуром Ахриевым.Цель этого класса - развить понимание того, как рисовать многофигуративную композицию, разбивая композицию на ритмические формы. Мы попытаемся сместить фокус с середины холста в сторону более сложных мест размещения.

Мы также рассмотрим исходные формы и их влияние на движение. Подойдя к этому абстрактно, как большие движения темных и светлых тонов друг против друга, вы узнаете, как упростить наиболее важную информацию и на чем сосредоточиться.Обсудим, что добавить и что убрать для улучшения картины. Мы также будем работать над высокой и низкой контрастностью, тонкостью и резкими краями по сравнению с мягкими краями.

Значительное количество художников-классиков достигли удивительного мастерства в написании больших фигуративных картин, видя движение больших форм на своих полотнах.

Будет предоставлен альбом изображений, чтобы вы начали поиск тех, с которыми хотите работать.

Будем работать гуашью (непрозрачная акварель).Гуашь - это быстросохнущая среда, позволяющая достичь более быстрых результатов, но при этом очень хорошо имитирующая масло. Студенты будут использовать только черный и белый цвета, чтобы полностью сосредоточиться на композиции, тоне, значении и т. Д.

Этот класс будет предлагаться на собраниях ZOOM. После регистрации студентам будет отправлена ​​ссылка для присоединения к классу. Если вам нужно загрузить бесплатное приложение ZOOM, вы можете найти его здесь.

Щелкните здесь для просмотра списка материалов.

Дневной график:

10.00 - 11.00 - презентация изображения и живая демонстрация Тимура через Zoom

Студенты работают над упражнением дня

14:00 - Загрузите свою работу для краткого выступления, вопросы и ответы о незавершенной работе

Продолжить покраску

16:00 - Загрузите изображения картин и проведите краткую беседу и критику

Подробная информация о событии: https: // townsendatelier.com / product / on-line-class-композиция-многофигурная-картина-тимур-ахриев /

Об инструкторе:

Тимур родился во Владикавказе, на территории, где юг России встречается с Чечней в 1983 году. Тимур жил со своей семьей до переезда из этого региона во время конфликта 1991 года. После переезда в Санкт-Петербург Тимур начал посещать Санкт-Петербургскую художественную школу имени Ягонсона. двенадцатилетний возраст, где многие профессора учились в Академии художеств им. Репина.Живя в России, Тимур также учился у Никиты Фомина, сына Петра Фомина.

После окончания школы Тимур иммигрировал в Чаттануга, штат Теннесси, чтобы жить со своим отцом, Даудом Ахриевым и мачехой Мелиссой Хефферлин, которые также учились в России. В Чаттануге Тимур учился в Университете Теннесси в Чаттануге, изучая программу изящных искусств. В 2005 году, чтобы продолжить свое образование, Тимур переехал во Флоренцию, Италия, чтобы учиться во Флорентийской академии искусств и в Студиях рисунка, живописи и скульптуры Чарльза Сесила в течение двух лет.Сегодня Тимур делит свое время между США и Европой. Он умеет рисовать все жанры работ и является постоянным инструктором Townsend Atelier.

Композиция в искусстве

Композиция, пожалуй, самый недооцененный аспект художественного творчества. Это также один из самых важных аспектов, когда нужно делать все правильно. Если ваша композиция слабая, значит, и ваша работа слабая. Даже если у вас есть полный диапазон ценностей, ваши пропорции правильные, и вы использовали среду в качестве мастера - если ваша композиция плохо спланирована и выполнена, ваше искусство можно считать неудачным.

К счастью, композиция - одна из тех вещей, которые мы можем сделать правильно, немного спланировав и получив знания. Для этого не нужен «талант», и это определенно не о «догадках». Есть несколько «правил», которые мы можем учитывать при планировании нашей работы, чтобы каждый раз добиваться успеха.

Что такое композиция в искусстве?

Очевидно, что создание успешного произведения искусства - это нечто большее, чем создание отметок и среднее мастерство. Наша композиция играет важную роль в том, как наши работы воспринимаются и воспринимаются нашей аудиторией.

Но прежде чем мы определим композицию с точки зрения искусства, давайте рассмотрим связанный с ней предмет.

Если вы музыкант, то знаете, что музыкальные произведения также могут называться «сочинениями». У песни есть структура. Каждый музыкант играет «свою роль». Если музыкант играет не в то время или играет не те ноты, песня превращается в беспорядок. Каждая часть тщательно продумана, чтобы песня была лучшей из возможных. В некоторых песнях гитара может иметь больше партий и доминировать в песне.В других случаях это может быть пианино.

Мы можем сравнить эту музыкальную аналогию с искусством. Как и песня, каждое произведение искусства, которое мы создаем, имеет структуру (или должно иметь структуру). Как художники, мы планируем эту структуру и реализуем ее по мере создания искусства.

Если мы не будем тщательно планировать элементы, которые мы включаем, наше искусство может превратиться в настоящий беспорядок.

Итак, когда дело доходит до искусства, композиция - это расположение элементов в живописном пространстве (или трехмерном пространстве со скульптурой).Расположение и расположение элементов в произведении влияет на то, как зритель взаимодействует с тем, что мы создаем.

Как и в случае с песней, возможности безграничны. У нас есть полная творческая свобода в том, как мы располагаем элементы в наших работах. Но даже несмотря на то, что возможности безграничны, это не означает, что мы можем использовать бессистемный подход без планирования. Мы должны создавать свои композиции, как это сделал бы опытный композитор.

В некоторых произведениях может доминировать определенный элемент.В других случаях может доминировать другой элемент. Однако мы всегда должны следить за тем, чтобы не было слишком большого количества элементов, конкурирующих за внимание. В песне мы не ожидаем, что гитарное соло, фортепианное соло и барабанное соло будут звучать одновременно. В произведении искусства мы также не ожидаем, что все элементы, которые мы включаем, будут конкурировать за внимание.

Вместо этого мы должны сосредоточить внимание зрителя на одном или двух элементах сцены. Эти элементы становятся центром (-ами).Все остальные элементы в работе затем становятся вспомогательными актерами.

Создание фокусных точек

Точка фокусировки - это область или области в сцене, которые привлекают визуальное внимание зрителя. В большинстве случаев координационные центры включают основной предмет. У каждого произведения искусства должен быть хотя бы один фокус.

Количество координационных центров должно быть ограничено. Во многих случаях требуется только один координатор. У вас может быть более одного координационного центра, но любое число, превышающее три, будет сложно определить.Если в вашей работе есть несколько фокусов, тогда должен быть один, который доминирует над остальными. Другими словами, должен быть один главный координационный центр и, возможно, вспомогательный или второстепенный координационный центр.

Фокусные точки могут быть созданы в работе с использованием различных техник. Эти методы включают…

  • Контраст
  • Изоляция
  • Размещение
  • Конвергенция
  • Неудачный

Хотя здесь мы кратко рассмотрим каждую из этих техник, мы рассмотрим их более подробно в этих уроках ...

Теперь давайте кратко рассмотрим каждый метод создания фокуса.

Контраст

Контраст имеет дело с различием. Это может быть разница в стоимости, цвете, текстуре, размере и т. Д. Когда мы включаем область с сильным контрастом, она притягивает взгляд зрителя к этому месту в работе и создает фокус.

Изоляция

Если у вас когда-либо были проблемы в детстве, и учитель загнал вас в угол, тогда вы знаете, что такое изоляция. Когда вас отправляют в угол, все дети в классе смотрят на вас.Какое ужасное наказание!

Когда мы выделяем предмет или элемент на рисунке или картине, этот элемент естественным образом привлекает внимание и становится центром внимания.

Размещение

Мы визуально подтягиваемся к центру фигур. Если мы думаем о картинной плоскости нашей работы как о форме, такой как прямоугольник, тогда мы можем ожидать, что наш зритель будет перемещен в центр. Если мы поместим объект близко или точно в центр нашей картинной плоскости, тогда этот объект станет фокусной точкой.

Ван Гог «Голова женщины» 1882

Хотя эта техника работает для создания сильной точки фокуса, обычно это не лучший метод для создания визуально стимулирующей композиции. Когда мы помещаем предметы в центр работы, результат обычно статичен и скучен. Лучше разместить объект немного не по центру, а еще лучше - на одной из третей. Подробнее об этом чуть позже.

Схождение

Конвергенция - это акт управления взглядом зрителя внутри произведения с помощью визуальных подсказок.Это могут быть линии, формы, контрастные цвета и т. Д. Каждый элемент, который мы включаем, может направлять взгляд зрителя к фокусу. Иногда нас привлекает область в работе просто потому, что художник манипулирует элементами, чтобы привлечь наше внимание к определенной области. Мы тоже можем это сделать!

Необычное

Все необычное привлекает наше внимание. Точно так же все, что мы включаем в нашу работу, что не ожидается или резко отличается от других элементов в сцене, станет фокусом.

Создание четкой точки фокуса важно для создания сильной композиции, но это еще не все. Также стоит учесть несколько принципов дизайна.

Принципы дизайна в художественной композиции

Принципы дизайна касаются расположения элементов искусства в работе. Элементы искусства - это основные компоненты или строительные блоки художественного творчества.

Подробнее об элементах искусства и принципах дизайна можно узнать здесь…

Восемь принципов дизайна:

  • Остаток
  • Пропорция
  • Механизм
  • Ритм
  • Гармония
  • Единство
  • Акцент
  • Сорт

(Некоторые искусствоведы также включают контраст в качестве принципа.Но поскольку контраст может создать акцент, большинство людей не входит в список восьми.)

Не все принципы дизайна напрямую влияют на наши композиции, но большинство из них влияет. Вот более подробные сведения о тех, которые делают…

Весы

С точки зрения искусства, баланс относится к общему распределению визуального веса в композиции. Каждый объект, который мы включаем в произведение, имеет визуальный вес. Когда мы добавляем элемент к одной стороне нашей композиции, нам нужно добавить еще один или несколько элементов, чтобы сбалансировать визуальный вес на другой стороне.

Визуального баланса можно добиться, добавляя элементы или используя отрицательное пространство. (Подробнее о негативном и позитивном пространстве чуть позже.)

Баланс можно сравнить с качелями или качелями. Представьте, что у нас есть один большой объект (или человек) по одну сторону от качелей. Качели не будут сбалансированы.

Но, если мы добавим пару предметов (или людей) среднего размера на другую сторону качелей, мы достигнем равновесия. Теперь качели уравновешены.

Если работа визуально не сбалансирована, она может казаться «тяжелой».Например, если мы добавим слишком много визуального веса в нижнюю часть композиции, вес будет притягивать взгляд зрителя к низу. Композиция будет тревожной.

Но если мы противодействуем этому весу с помощью одного или двух элементов в верхней части композиции, то он становится более сбалансированным.

Мы также должны знать, как наша композиция обрезается, поскольку это также может повлиять на баланс.

Часто у нас будут элементы, выходящие за пределы плоскости изображения.Если края этих элементов расположены так, чтобы они были близко к краям плоскости изображения, это создаст дополнительный визуальный вес и, возможно, нежелательное внимание.

Взгляните на изображения ниже. На изображении слева обратите внимание, как птица расположена слишком близко к краю картинной плоскости. Край ветки вверху тоже слишком близко к левой стороне картинной плоскости.

На втором изображении имеется достаточно места с обеих сторон плоскости изображения, чтобы обеспечить некоторый баланс, приводящий к лучшей композиции.

Если мы расположим предметы в наших работах так, чтобы их края либо заканчивались немного дальше от краев плоскости изображения, либо выходили далеко за пределы плоскости изображения, тогда этот визуальный вес сводится к минимуму.

Мы также должны рассмотреть каждый из краев картинной плоскости. Если у нас есть элементы, выходящие за пределы плоскости изображения с двух сторон, мы можем создать слишком большой визуальный вес на этих двух сторонах. Но если мы позволим объектам выйти за пределы картинной плоскости со всех четырех сторон, мы сможем создать более сбалансированную композицию.

Механизм

Движение может относиться к иллюзии реального движения на рисунке или картине; или это может относиться к движению глаз зрителя, когда он знакомится с вашим искусством. Что касается композиции, нас больше всего беспокоит последнее.

Когда зритель взаимодействует с вашим искусством, его взгляд перемещается от одного элемента к другому. Обычно самый властный элемент требует немедленного внимания. После этого зритель может перейти к другим вспомогательным элементам сцены.

Как художники, мы можем контролировать это «движение глаз» в зависимости от того, как мы планируем нашу композицию. Мы можем направлять зрителя к наиболее важным элементам и много раз контролировать, как большинство людей «проглотят» наше творение. В большинстве случаев мы хотим, чтобы взгляд зрителя просматривал работу в определенной последовательности.

В зависимости от тематики заказ может выглядеть примерно так…

  1. Зритель втягивается в работу.
  2. Зритель направляется к фокусу (точкам).
  3. Зритель направляется к опорным элементам.
  4. Зрителя выводят из работы или возвращают к точке фокусировки.

Это визуальное движение обычно достигается за счет создания контраста, направляющих линий, диагоналей и перекрывающихся элементов.

Взгляните на работу ниже. Когда вы исследуете его, обратите внимание на то, как ваши глаза перемещаются по работе.

Уиллард Меткалф «Летящие тени» 1909-1910

Возможно, ваш взгляд пошел по тому же пути, что и мой. Я вошел в работу на дне долины, у ручья.По линии более темных деревьев я направился к центру изображения, а затем вернулся в лес. Затем я последовал за линией деревьев прямо перед далекими горами. Оттуда меня повели обратно в центр.

Расположение этих элементов позволило мне увидеть все важные части работы, в то же время оценив каждую часть картины отдельно.

Мы можем использовать те же методы, чтобы немного контролировать, как зритель взаимодействует с нашим искусством.Хотя мы не можем полностью контролировать то, как люди будут рассматривать наше искусство, мы можем влиять на их визуальный опыт.

Ритм

Мы понимаем ритм через повторение. Например, мы можем слышать ритм песни и ее ритм, потому что она повторяется - много раз предсказуемым образом. Без повторения нет ритма.

В искусстве то же самое. Чтобы иметь ритм, нам необходимо повторение. Визуально ритм создают повторяющиеся элементы. Это может быть регулярный или неправильный узор из повторяющихся форм или повторение определенного предмета.В любом случае повторяющиеся элементы создают ритм.

Взгляните на картину ниже. Обратите внимание на чувство ритма.

Ван Гог «Ирисы» 1889

Этот ритм создается повторением. Здесь мы видим, как повторяются формы, созданные для лепестков цветов…

А также формы для меньших цветов в верхнем левом углу…

Формы радужки ничем не отличаются. Еще повторяют…

Повторяющийся элемент в произведении часто называют «мотивом».Включение мотива в вашу работу часто может привести к чувству гармонии и единства.

Вернемся к музыкальной аналогии. В большинстве популярных песен присутствует постоянный ритм на протяжении всей песни. Динамика песни может измениться, но размер меняется редко. И даже несмотря на то, что ноты могут резко меняться, последовательный ритм объединяет песню от начала до конца.

Наши работы должны обладать этой последовательностью, которая подводит нас к следующим принципам - гармонии и единству.

Гармония и единство

Наши художественные композиции тоже должны быть гармоничными и едиными.Гармония и единство настолько тесно связаны, что легко предположить, что это одно и то же. Они очень похожи, но в наших композициях каждый стоит рассматривать отдельно.

Unity имеет дело с чувством «единства». Обычно это достигается в произведении искусства путем последовательного и полного использования среды. Мы также можем думать о единстве с точки зрения художественного стиля. Если стиль и использование средств массовой информации последовательно используются в произведении, и работа кажется завершенной и законченной, мы обычно можем сказать, что работа едина.

Unity также можно создать в работе путем упрощения. Этого можно добиться, упростив формы, предметы или цветовые схемы.

Работа, представленная ниже, едина и гармонична по ряду причин. Самый очевидный способ его объединения - использование цвета.

Роберт Харрис «Интерьер Северной Африки» 1877

Харрис упростил цветовую схему и использовал в основном дополнительные цвета - красный и зеленый. Зеленый цвет очень землистый, но все же присутствует.

Гармония помогает создать единство в работе. В то время как единство имеет дело с произведением искусства в целом, гармония имеет дело с отдельными частями произведения. Если отдельные части произведения работают вместе, то искусство можно считать гармоничным.

Еще один способ думать об этом - подумать о семье. Семья состоит из разных членов. Давайте посмотрим на семью в традиционном смысле для этой аналогии. В семье могут быть отец, мать, сын и дочь.Каждый член семьи индивидуален и уникален, но семья по-прежнему остается единым целым. Некоторые семьи хорошо ладят друг с другом, а другие - нет.

Мы можем создать гармонию и единство в наших композициях…

  • Последовательное использование среды на протяжении всей работы.
  • Упрощение форм, предметов или цветовых схем.
  • Использование единого стиля в работе.
  • Убедиться, что работа завершена.
  • Обеспечение того, чтобы каждая отдельная часть изделия работала (и имела смысл) с другими частями.

Выделение

Мы часто используем акцент, чтобы определить фокус или точки в композиции. Мы уже обсудили несколько способов, которыми художник может создать фокус в своей работе. Каждый из этих методов делает упор на успех. Акцент обычно создается в работе через некую форму контраста.

Взгляните на работу ниже. Как вы думаете, что подчеркивается?

Эдгар Дега «Любитель абсента» 1876

Многих из нас привлекает женщина в этой сцене, а точнее - ее лицо.Дега привлек к ней наше внимание несколькими способами. Во-первых, она расположена в центре картинной плоскости. Также вокруг нее сильный ценностный контраст. Обратите внимание, как мужчина рядом с ней одет в черное, а она - в белое. На стене рядом с ее светлым лицом даже есть темная тень.

Затем есть линии схождения, образованные столами и задним краем скамейки.

Вы также заметите, что лицо женщины имеет больше деталей по сравнению с другими элементами сцены.Это также помогает привлечь внимание зрителя.

Все эти характеристики помогают повлиять на то, как мы взаимодействуем с объектом.

Разновидность

Подобно выделению, разнообразие также имеет отношение к различию. Наши рисунки и картины должны быть разнообразными.

Задумайтесь на мгновение о своей любимой еде. А теперь подумайте, какой была бы жизнь, если бы вам приходилось есть любимую пищу при каждом приеме пищи до конца жизни. На завтрак, обед и ужин - у вас есть любимая еда и ничего больше.Это может быть здорово в первый день, но после этого вы очень устанете от любимой еды.

Точно так же мы можем думать и о наших произведениях искусства. Мы не хотим утомлять зрителя одной и той же визуальной информацией. Вместо этого мы должны включать некоторое разнообразие, чтобы удержать их интерес и сделать наши работы более интересными.

Хитрость здесь заключается в том, чтобы уравновесить гармонию и разнообразие. Если зайти слишком далеко в разнообразии, работа, скорее всего, не будет гармоничной. Если мы зайдем слишком далеко о гармонии, в работе может не хватать разнообразия.

Взгляните на изображение ниже. Обратите внимание на разнообразие…

Василий Кандинский «Композиция IV» 1911

Кандинский создал разнообразие, используя широкую цветовую гамму, но сохранил единство картины за счет упрощения.

Положительное и отрицательное пространство

Космос - один из семи элементов искусства. Когда мы думаем о пространстве, мы часто рассматриваем его с точки зрения глубины или иллюзии глубины рисунка или картины. Однако, когда дело доходит до композиции, мы можем думать о пространстве как о фактическом живописном пространстве на поверхности рисунка или картины.

Пространство, занятое важными предметами или элементами дизайна, считается положительным пространством. Области, окружающие эти места, считаются отрицательным пространством. Часто именно негативное пространство обеспечивает зрителю зону «отдыха».

Взгляните на изображения ниже. Сначала мы видим исходное изображение слева. На среднем изображении отрицательное пространство выделено красным. В третьем мы видим положительное пространство, выделенное красным.

Положительное и отрицательное пространство работают вместе, создавая композицию.Композиция может состоять в основном из позитивного пространства, равномерного баланса двух или в основном из негативного пространства.

На следующем изображении показана композиция, состоящая в основном из позитивного пространства…

Вот пример композиции, состоящей из равных частей положительного и отрицательного пространства…

А вот один, в основном состоящий из отрицательного пространства…

Каждая из этих композиций основана на одной и той же теме, и каждое из них можно считать «успешным».

Успешное использование положительного и отрицательного пространства в композиции зависит от баланса. Как достигается этот баланс, будет зависеть от объекта, использования носителя, уровня детализации, контраста и других визуальных факторов.

Лучший способ сбалансировать работу и убедиться, что положительное и отрицательное пространство работает на благо композиции, - это тщательное планирование.

Планирование композиции

Планирование - это, пожалуй, самый важный аспект успеха ваших композиций.К сожалению, это шаг, который большинство людей полностью пропускают.

Допустим, вы решили отправиться в путешествие по месту, в котором никогда раньше не бывали. Было бы бессмысленно просто паковать чемоданы, садиться в машину и уезжать, не зная, как добраться до места назначения. Скорее всего, вы взглянете на карту или введете пункт назначения в свою навигационную систему. Вы никогда не прибудете в пункт назначения без какой-либо подготовки и руководства.

Таким же образом мы должны спланировать наши композиции, прежде чем пытаться их исполнить.Нам нужно знать, «куда мы идем» с нашими произведениями искусства. Мы должны спланировать конечный результат, прежде чем приступить к его созданию. Мы можем изменить наши идеи в процессе работы, если захотим, но мы должны иметь общее представление о том, как мы хотим, чтобы законченная работа выглядела, прежде чем мы начнем.

Планируя, мы можем решить все композиционные головоломки, которые помогут создать сильное произведение искусства. Когда мы делаем это, мы можем сосредоточиться на самом процессе рисования и раскрашивания, поскольку большинство наших решений относительно композиции уже принято.

В большинстве случаев планирование композиции включает создание небольших рисунков без деталей. Эти небольшие рисунки часто называют эскизами или предварительными набросками. Миниатюры следует создавать быстро и подходить к ним с экспериментальной точки зрения. Чем больше эскизов вы создадите перед тем, как перейти к окончательной поверхности, тем выше ваши шансы на создание успешной композиции.

Создавая миниатюры, будьте готовы пробовать разные вещи.Поэкспериментируйте с расположением предметов и балансом положительного и отрицательного пространства. Подумайте, как взгляд зрителя может перемещаться по произведению. Попробуйте вертикальные композиции и сравните их с горизонтальными. Поэкспериментируйте с разными цветами. Держите свой разум открытым.

Часто у нас в голове есть видение того, что мы хотим создать, и мы, естественно, предполагаем, что именно это видение является наиболее успешным. Однако в большинстве случаев наше первоначальное видение - это лишь «верхушка айсберга».Если немного «покопаться», наше первоначальное видение превратится в нечто гораздо более успешное. Это происходит только тогда, когда мы открыты для экспериментов и уделяем время планированию.

Правило третей

Правило третей - это теория композиции, основанная на размещении предметов в композиции. Он основан на Золотой Середине, математической формуле, описывающей пропорциональные отношения. Поскольку золотая середина довольно сложна, большинство художников и фотографов полагаются на правило третей для создания аналогичного эффекта.

Вот как это работает…

Давайте возьмем композицию и разделим ее на три части - по горизонтали и вертикали. Мы можем представить себе линии, идущие вдоль каждой трети. Эти линии пересекаются в четырех точках на картинной плоскости. Помещая важные объекты или фокусные точки на этих местах пересечения или рядом с ними, мы создаем более эстетически успешную композицию.

Арман Гийомен «Лощина в снегу» 1869

Обратите внимание, как Гийомен поместил фигуру почти прямо в одну из этих точек.

Мы также можем создавать более динамичные и интересные композиции, размещая предметы непосредственно на этих линиях.

Создание диагоналей

Композиции могут быть динамическими или статическими. Статические композиции довольно прямолинейны и прямолинейны. Статическая композиция имеет смысл для информационного изображения - как научная иллюстрация. Напротив, динамичная композиция создает большее ощущение истории и привлекает зрителя. В большинстве случаев мы хотим, чтобы наши композиции были динамичными.

Динамические композиции можно создать, включив в работу диагонали. Эти диагонали могут быть созданы с использованием реальных линий и форм или подразумеваемых линий. Их также можно использовать, чтобы помочь зрителю ориентироваться в работе, как мы уже обсуждали ранее.

Фредрик Ремингтон «Ковбой» 1902

Ищите интересные способы включить диагонали в свою работу. Это может означать, что вы изменили угол обзора зрителя. Вместо того, чтобы рисовать или раскрашивать объекты со стандартной точки зрения, рассмотрите вид сверху или снизу или даже под наклоном.

Нечетные числа лучше

Когда мы составляем наши произведения искусства, мы также должны учитывать количество предметов или элементов, которые мы включаем. Человеческий разум находит баланс в нечетных числах. Наиболее оптимальное число для использования - 3. Это означает, что если вы составляете натюрморт, лучше всего использовать 3 объекта. Это не значит, что мы ограничены тремя объектами. Мы, конечно, можем включить больше, если захотим. Но если мы включим больше, лучше всего будут нечетные числа.

Рассмотрим изображение с двумя объектами.С двумя объектами, кажется, существует своего рода визуальное соревнование между ними. Трудно решить, какая тема будет в центре внимания.

Однако, когда мы включаем третий, два других объекта создают рамку для третьего, что приводит к более сбалансированной композиции.

Заключение

Состав - это не «догадки». Хорошая композиция - это не результат удачи и, конечно же, не от таланта. Речь идет о понимании того, как зритель будет визуально взаимодействовать с тем, что мы создаем, и тщательном планировании.

Мы довольно много здесь рассмотрели. Это большой объем информации, который нужно усвоить. Но если практиковать эти концепции и включать их в свои работы, они постепенно станут интуитивно понятными, и ваши композиции улучшатся.

.
Многофигурная композиция в живописи: Многофигурная композиция

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *

Пролистать наверх