Композиция (изобразительное искусство) | это… Что такое Композиция (изобразительное искусство)?
У этого термина существуют и другие значения, см. Композиция.
Композиция — важнейший организующий компонент художественной формы, придающий произведению единство и цельность, соподчиняющий его элементы друг другу и всему замыслу художника. Композиционное решение в изобразительном искусстве связано с распределением предметов и фигур в пространстве, установлением соотношения объемов, света и тени, пятен цвета и т. п.
Содержание
|
Композиционные приемы
- центр (смысловой, композиционный)
- применение золотого сечения
- ритм
- статика
- динамика
Законы композиции
- Закон целостности — вытекает из целостности мира
- Закон жизненности
- Закон контрастов
- Закон подчинённости
- Закон воздействия[1]
- Закон новизны[2]
Виды композиции
- Фронтальная — плоская (витраж, фреска, картина)
- Объёмная — (Скульптура, архитектура)
- Глубинно—пространственная — пространство формированное из пространства, предметов и расстояний между ними (Архитектурный ансамбль)
Типы композиции
1. Членение на слои
Пространство создают фигуры, а не располагаются в нём, перекрывая друг друга и мерой своей законченности, и располагаясь ниже или выше на холсте.
Такой тип характерен для иконы.
Ян ван Эйк
«Портрет четы Арнольфини», Ян ван Эйк
2. Членение на планы
Берёт свои истоки в эпоху Ренессанса Картины тогда состояли из двух планов — 1 хорошо развитый план — действие — 2 слабо выраженный — архитектурный или природный пейзаж В последующее время стали появляться 3, 4, планы.
3. Построение пространства цветом
Врубель, Михаил Александрович «Сирень»
4. Интерьерное построение пространства
«Завтрак аристократа», «Сватовство майора» Павел Федотов
5. Пластическое построение пространства
это когда пространство строят фигуры Здесь можно выделить 4 подтипа
1. Фигуры надвигающиеся на зрителя
«Сдача Бреды» Диего Виласкес
«Сдача Бреды», Диего Виласкес
2. Фигуры движущиеся к зрителю или от зрителя
«Крестный ход» Прянишников
«Крестный ход» Илларион Прянишников
4.
Композиция с использованием симметрии«Афинская школа», Рафаэль
Этот тип использовался в эпоху Ренессанса
«Тайная вечеря» Леонардо да Винчи, «Афинская школа» Рафаэля
См. также
- Художественный образ
Примечания
- ↑ Композиция/Основные законы/Закон воздействия // Coposic.ru
- ↑ Композиция/Основные законы/Закон новизны // Coposic.ru
Источники
- Левандовский С. О сюжете и композиции // Художник. 1981, № 4. С.58-61.
- Гончаров А. О композиции
| Управление культуры администрации города Белгорода Мбоу дод «Детская художественная школа города Белгорода» Реферат по теме: «Правила композиции. Пространственные планы». Автор: Склярова Виктория Викторовна преподаватель 1квалификационной категории ДХШ города Белгорода г. Содержание Введение Основная часть:
Заключение Список литературы Введение. Правила композиции, ее закономерности, приемы, средства выражения и гармонизации всегда были и остаются актуальными для художников, архитекторов, музыкантов, то есть всех тех, кто занимается творчеством. Знание основ композиции, влияющее на развитие творческой личности, должно закладываться еще в детстве. Оно формирует элементарную грамотность восприятия произведений искусства. А ведь «человеку необходимо искусство, то есть бескорыстная, облагораживающая душу страсть» (Ле Корбюзье). Его роль в формировании личности очень важна. Не только труд, но и искусство создает человека. Когда оно отходит на второй план, общество не развивается, а деградирует. Если композиция — синтез разновременного, то задача изобразить «мгновение» антикомпозиционна. Если основа композиции — только плоскостные факторы изображения, то требование подчинить композицию глубокому пространству нелепо. Но тогда в чем же извечная задача изображения на плоскости неплоских фигур и трехмерного мира? Если композиция есть выражение синтеза разных зрительных позиций, то импрессионистический пейзаж антикомпозиционен, также как наивная „копия» любителя. Но можно ли приписывать импрессионистам задачу простого копирования? Импрессионистический пейзаж есть в большей мере, чем многие другие, выражение. Л.Ф.Жегин, Б.А.Успенский считают, что центральной проблемой композиции произведения искусства, объединяющей самые различные виды искусства, является проблема „точки зрения». В живописи… проблема точки зрения выступает прежде всего как проблема перспективы» (пространства). Таким образом, проблема композиции в живописи, по их мнению, это проблема построения пространства. Композиция. Художественный образ. Недооценка, а порой и отрицание необходимости композиции как учебного предмета, особенно в период формирования советской художественной школы (20 — 30-е годы), тормозили творческое развитие молодых художников. Нередко и сейчас встречаются педагоги, считающие главным в творчестве интуитивное начало, «озарение». Однако практика доказала необходимость обучения композиционным навыкам как начинающих художников, так и преподавателей изобразительного искусства. Без знания истории искусств невозможно по-настоящему понять значение и роль композиции, рисунка, живописи. В то же время, владея рисунком, живописью, композицией, учащиеся приобретают необходимые знания и умения для глубокого анализа произведений мастеров, познают специфику рисунка, картины, скульптур и т. д. При изучении истории искусства они проникают в тайны мастерства, в творческую лабораторию великих художников. Освоив основные законы композиции, выведенные из практики работы мастеров прошлого и современных художников, они будут увереннее подходить к решению собственных творческих задач. Композиция как учебный предмет ставит своей целью: обучение, воспитание учащихся в области композиции в изобразительном искусстве, развитие их творческих способностей, повышение познавательной активности. Художники нередко отождествляют понятие «композиция» с понятием «творческий процесс», который представляет собой создание произведения от начала до конца, со всеми подготовительными и завершающими этапами. Отождествление этих двух понятий вполне естественно и правомерно, ибо работа над композицией пронизывает почти весь творческий процесс. Поэтому, прежде чем говорить о чисто теоретических вопросах композиции, об основных, универсальных закономерностях композиции, необходимо иметь представление о творческом процессе в искусстве, знать его сущность и основные этапы. Взгляд на искусство как на творческий процесс имеет актуальное методологическое значение для эстетики, теории искусства, художественной критики, а также практической деятельности в искусстве. Хотя, как отмечают теоретики искусства, «философская интерпретация творческой природы искусства пока еще не сложилась как система проблем, определений, категорий» (Ермаш Г. Художественный образ, так же как и искусство в целом, является сложнейшим и многогранным продуктом творческой деятельности человека. Сущность и черты художественного образа изучают и философы, и эстетики, и теоретики искусства, и художники. Изучают образ с точки зрения его идеологического, познавательного значения, и в этом состоит новое (научное) знание о жизни; изучают и с точки зрения чувственного познания во всем его многообразии, которое отражено в категориях эстетики и психологии художественного творчества. Для того чтобы правильно понимать и глубже усваивать теоретические основы композиции, нужно знать сущность, основные черты, свойства, качества художественного образа. Начать нужно прежде всего с сущности искусства вообще. Художественный образ — это такой сплав эмоционального и рационального в познании и отражении объективной реальности, который призван воздействовать и на чувства, и на умы людей. «Образ — это конкретная и в то же время обобщенная картина человеческой жизни, созданная при помощи вымысла и имеющая эстетическое значение» — так определяет Л. И. Тимофеев образ в литературном творчестве. Но такое определение вполне подходит и для других искусств, в том числе и для изобразительного искусства. Если проанализировать это определение, то можно увидеть, что художественный образ характеризуется несколькими важными чертами или свойствами. Ими являются: 1) наличие индивидуального, характерного, 2) наличие общего, типического, 3) наличие эстетического отношения художника (писателя) к отображаемому, 4) наличие вымысла (работа творческого воображения) и художественного понимания, включающего в себя как наглядно-образное, так и абстрактно-теоретическое мышление, т. Степень проявления каждого из этих свойств в каждом отдельном образе различна. В одном образе сильнее выступает обобщение, в другом эстетическое, лирическое, в третьем они имеют одинаково важное значение. Правила композиции. Пространственные планы. Глубинно-пространственная композиция является вершиной творческих возможностей для художника. Она воздействует на зрителя не только сочетанием плоскостей, объемов, но и паузами между ними, то есть пространством. Влияние пространства неоспоримо сильнее, чем плоскости или объема. Здесь говорится не о значимости или художественной ценности, а именно о степени возможного воздействия, у пространства оно больше, так как зритель принадлежит ему и пространство буквально обволакивает его. Так, используя воздействие пространства, эмоционально окрашенного, несущего определенный образ, философию, можно заставить подчиниться ему. Эта его особенность постоянно использовалась на протяжении всей истории человечества. Так обставлялись гладиаторские бои, выходы царствующих особ, инквизиторские действа и т. п. Все это делалось продуманно, то есть компоновались в пространстве элементы (места зрителей, помосты, балдахины, развевающиеся флаги и т. д.). Учитывалось количественное воздействие цвета и фактуры. Например, золото парчи, алый цвет бархата, черный — сутаны, блеск вооружения, пестрота одежды толпы. Активно использовались световые и звуковые эффекты. Горящие костры и факелы, дробь барабанов, сигнал трубы и другие эффекты — все вкупе создавало атмосферу, психологически воздействующую на зрителя, который действовал далее по программе, определенной для него. Сегодня достижения науки и техники таковы, что в организации временной пространственной затеи используются компьютерная графика, охватывающая сотни метров; звук, наполняющий пространство и создающий впечатление присутствия внутри него; видеоряд, проецируемый одновременно на огромные плоскости домов. Разрабатывая сначала сценарий, а затем концепцию действа, авторы создают определенный художественный образ, действующий во времени и пространстве. Средства, которые применяют художники этого вида композиции, те же. Это форма, цвет, фактура, освещение. Необходимо подчеркнуть, что независимо от вида композиции для создания ее по законам гармонии (закон равновесия, закон единства и соподчинения) необходимо применять средства гармонии (ритм, контраст, нюанс, тождество, пропорции и масштаб), правила композиции (выделение сюжетно-композиционного центра, симметрия или асимметрия, расположение главного на втором пространственном плане) и использовать изобразительные средства (форма, цвет, фактура, освещение). Однако глубинно-пространственная композиция имеет свою специфику. Основными законами композиции следует назвать такие: закон целостности, закон контрастов, закон новизны, закон подчиненности всех средств композиции идейному замыслу. Ведущие черты этих законов принципиально правильно были сформулированы Е. А. Кибриком. Кроме основных, всеобщих, законов композиции в изобразительном искусстве, в отдельных видах и жанрах действуют частные законы композиции, отражающие существенные признаки и специфику построения произведений определенных видов и жанров. Среди частных законов можно назвать закон жизненности, закон воздействия «рамы» на композицию изображения на плоскости. Если законы носят объективный, всеобщий характер, устойчиво действуют на протяжении длительного отрезка времени в истории развития изобразительного искусства, то композиционные правила и приемы, помогающие строить композицию, относятся к менее постоянным категориям. Они имеют важное значение в разработке пластического мотива, изобразительного «зерна» сюжета. Основными правилами композиции являются ритм, выделение сюжетно-композиционного центра, симметрия или асимметрия, расположение главного на втором пространственном плане. В большинстве случаев главное действующее лицо или группа размещается в композиции на втором плане, в то время как первый план служит как бы подходом к ним. Все остальные пространственные планы осуществляют функцию дополнительную. Вместе с первым планом они создают окружение, обстановку для главного действия, образуют его «декоративное обрамление», так или иначе связанное с происходящим на втором плане. Примерами могут служить такие произведения, как «Афинская школа» Рафаэля, «Явление Христа народу» А. И. Иванова, «Воскрешение дочери Иаира» И. Картина «Последний день Помпеи» отображает трагический момент в истории Италии. Художник вел поиски решения полотна, исходя из темы. Он строил композицию на контрастах и ритме светлых и темных пятен. Главные группы фигур расположены на втором пространственном плане. Самый сильный свет (вспышка молнии) создает контраст именно в группах на втором плане. Фигуры этого плана наиболее динамичны, отличаются тонкой психологической характеристикой. Первый план композиции является подходом к рассмотрению главного, дополняет его существенными моментами, в том числе смежными группировками людей. Третий план также несет значительную композиционную и смысловую нагрузку, так как показывает грандиозность и трагичность события и подкрепляет динамику второго пространственного плана. Композиция картины по-своему ритмична за счет чередования светлых и темных пятен. Уравновешенность и целостность произведения достигается благодаря различной силе контрастов тона и цвета. «Последний день Помпеи» К.П.Брюллов Предмет, изображенный на однородном поле близко к «раме», воспринимается лежащим близко к плоскости «рамы» или даже частично слитым с ней. К примеру, тут и дерево и столб на переднем плане, сливаются с краями листа. Предмет, расположенный не близко к «раме», и особенно в центральной зоне картины, воспринимается лежащим в глубине. На следующей картине пространство усугубляется еще и перспективой дороги. Пересечение дальних и второстепенных предметов (пейзаж) с краями листа нейтрален. Пересечение же предметов и фигур переднего плана с краями картины, особенно нижним краем картины, всегда несет какую-то нагрузку. Например, в картине Рембрандта «Давид и Урия» Урия уходит вперед, «покидая картинное пространство». «Давид и Урия» Рембрандт На плоском однородном поле, ограниченном «рамой», где не обозначены ни небо, ни земля, предмет, изображенный в верхней части поля, воспринимается падающим, а в нижней — лежащим на горизонтальной плоскости. Падающие предметы
Лежащий красный треугольник Уходящие в глубину Наклонные же отрезки обычно кажутся уходящими в глубину.
Среди композиционных задач, необходимых в картине или рисунке, задача построения пространства является одной из самых важных. Пространство в картине это и место действия, и существенный компонент самого действия. Вместе с тем это также среда, в которую погружены предметы, и существенный компонент их характеристики. В этой среде вещам и людям может быть тесно и просторно, уютно и пустынно. В ней можно увидеть жизнь или только ее отвлеченный образ. Там — мир, в который мы могли бы войти, или особый мир, непосредственно закрытый для нас и открытый лишь „умственному» взору. Словами „композиционная задача» подчеркнута следующая мысль. Речь идет не о характере реального пространства, подлежащего изображению, а о построении (синтезе) пространства на изображении, следовательно, о пространстве образном. Связь между тем и другим, так же как и различие между ними подчеркнуты двойственностью самого понятия „изображение». Мы воспринимаем пластику изображенного на плоскости предмета и трехмерное пространство иначе, чем реальное пространство (воспринимаем посредством сокращенных сигналов и измененных механизмов, благодаря специальному опыту изобразительной деятельности). И этим опытом определяются как общая особенность, так и тип пространственного и пластического синтеза на картине. Даже при отсутствии изображения, как мы видели, плоскость становится для глаза художника пространственно неоднородной. Уже вследствие одного факта картинного ограничения она становится углубленной к центру поля и гравитационно неоднородной. Между тем, воспринимая плоское поле как таковое, независимо от рамного ограничения, мы не видим в нем глубины и различного значения верха и низа. Нельзя изобразить одно пространство, пространство для ничего. Изображение пространства зависит от изображения предметов. Изображение архитектуры и особенно архитектурного интерьера потребовало нового понимания пространства (завоевание линейной перспективы). Заключение. Композиция как учебный предмет появилась значительно позже, чем такие дисциплины, как рисунок и живопись. Вначале изучение композиции сводилось лишь к сочинению картины на библейские, мифологические, позже на сказочные и свободные темы. Отставание композиции как учебного предмета связано с тем, что сочинение произведений искусства признавалось долгое время делом сугубо индивидуальным и весьма сложным, доступным ограниченному кругу учеников. Художники-педагоги считали, что их главная задача — научить рисовать и писать красками, и как итог обучения предлагали ученикам сочинить эскиз, а на основе его и картину. Конечно, исходя из своего личного творческого опыта, педагоги давали выпускникам школы какие-то общие указания, но все же создание картины не выделялось четко в специальный предмет. Более позднее формирование композиции как самостоятельной учебной дисциплины обусловлено так же и тем, что процесс сочинения, создания произведения действительно очень сложен, он представляет собой своего рода творческий феномен; явление во многом интуитивное, трудно поддающееся изучению. В настоящее время композиция как учебный предмет находится в стадии становления и развития. Это связано с тем, что нет научного обоснования учебного предмета «композиция», в том числе его теоретической части. А это, в свою очередь, зависит в целом от степени разработанности теории композиции как науки.
Каталог: pedMasterstvo2014 Скачать 1,06 Mb. Поделитесь с Вашими друзьями: |
Белгород, 2014
Но ведь это труднейшая задача построения особого целостного образа. Всякое мгновение есть связка в ходе времени.
Л., Творческая природа искусства). Однако, несмотря на то, что эстетика не располагает разработанной концепцией искусства как творчества, имеется достаточный материал исследований, чтобы показать сущность творчества и динамику творческого процесса в искусстве.
Искусство — это специфическая область человеческой деятельности, через которую познается объективная реальность. Познание это осуществляется в специфической для искусства форме, в форме художественных образов.
е. работу разума (рациональное в художественном образе). Очевидно, к этим важнейшим, основным чертам художественного образа следует добавить еще такие, обязательно присущие каждому настоящему художественному образу черты, как новизна, объективность и субъективность.
Порой подключаются всевозможные летательные аппараты и другие движущиеся механизмы. Подобные грандиозные зрелища производят потрясающее впечатление и заставляют зрителей активно принимать участие в них.
Она выражается в методе работы над ней.
Правила и приемы, по словам Е. А. Кибрика, являются лишь композиционной техникой (вместе со средствами). Но следует иметь в виду, что, несмотря на «технический» во многом характер правил и приемов, они в основе своей, как и все искусство, вытекают из закономерностей природы.
Е. Репина, «Последний день Помпеи» К. П. Брюллова.
Природный пейзаж потребовал освоения пространственных ценностей пленэрной живописи (воздушная перспектива). Можно даже сказать, пространство на изображении часто строится предметами, их расположением, их формами (двухмерными или пластическими), и характером подачи формы, и всегда строится для предметов. Справедливо мнение, что отношение художника к предмету есть также отношение его к пространству. Вот почему беспредметная живопись естественно переходит в живопись пространственно неопределенную и бесформенную, ведь форма (фигура) — всегда прямо или опосредованно связана с предметом, а предмет с пространством. Отсутствие на изображении фигур есть вместе с тем и отсутствие или неупорядоченность пространства. Нефигуративная живопись это даже не „узор» пятен, сохраняющий декоративную ценность (в узоре есть ясное соединение фигур), а случайное множество бесформенных пятен в неопределенном пространстве.
Естественно, это находило отражение и в практике преподавания изобразительного искусства.
В. Основы композиции. М., 1979. Правило третей в искусстве: руководство для профессиональных художников
( Получите бесплатные советы и техники рисования, отправленные прямо на ваш почтовый ящик или в мою социальную сеть.)
Что такое правило третей в искусстве?
Правило третей является ориентиром как для художников, так и для фотографов. В нем говорится, что если вы разделите свою композицию на трети по вертикали или по горизонтали, а затем разместите фокусные области вашей сцены в точках их пересечения, вы получите более приятное расположение и макет для своих композиций.
Содержание
Детали: Правило третей в искусстве
Композиция — одна из самых важных вещей, которые вам необходимо планировать в своей живописи, независимо от того, рисуете ли вы пейзажи, натюрморты или рисуете фигуры и портреты. Это определяет успех или неудачу вашей картины.
Важная техника, о которой вы должны знать, это Правило третей. Хотя это часто называют правилом, я предпочитаю называть это техникой. Это потому, что сделать это правило слишком жестким: есть способы сделать хорошие композиции без использования этого принципа. Однако для начинающих хорошим ориентиром будет правило третей.
Правило третей связано с другим принципом, называемым «золотым сечением». Это математическое соотношение пропорций, которое часто встречается в природе. Это соотношение использовалось художниками и архитекторами на протяжении веков, в том числе дизайнерами Парфенона в Афинах, Сальвадором Дали, Ле Корбюзье и Леонардо да Винчи.
Пример правила третей
Вот одна из моих картин старого деревянного дома в китайской деревне Синьчан, недалеко от Шанхая.
Я написал это во время мероприятия, на которое китайские и американские художники были приглашены для участия в недельном пленэре с заключительной выставкой в старом историческом здании в древней деревне.
Обратите внимание на самый насыщенный цвет: свет на синей двери. Это пример фокусной зоны. Теперь, чтобы увидеть правило третей в действии, давайте добавим сетку поверх картины, которая разделена на трети.
Вы можете видеть, что синяя дверь находится на линии первого третьего деления на картине. В этом случае он лежит не на пересечении линий сетки, а вдоль одной из них. Если у вас есть небольшой фокус или фокус, вы можете разместить его на пересечении. Более длинная фокальная область, такая как эта, приходится на одну из линий.
Кружок показывает пересечение деления третей. HSB показывает насыщенность синего цвета: 76%, что довольно много. Я использую принцип контраста насыщенности, чтобы выделить фокусную область.
Таким образом, используя правило третей в искусстве, вы можете сделать свои картины более интересными.
Использование приложений для применения правила третей в искусстве
Есть несколько приложений, которые вы можете использовать на своем телефоне, чтобы поместить сетку поверх фотографии, чтобы определить позиции, где лежат точки третьего деления. Если вы будете искать в магазине приложений «фотосетки», вы их найдете. Я использую приложение под названием Grid #. Этот работал очень хорошо для меня.
Истоки правила третей в истории искусства
Истоки правила третей восходят к классической греческой архитектуре и живописи эпохи Возрождения. Он также широко используется фотографами в качестве композиционного инструмента. Если вы посмотрите на многие классические здания и картины эпохи Возрождения, вы увидите, как часто главные герои помещаются на пересечении третьих разделительных линий. Однако это не всегда так, и будьте осторожны, чтобы не быть слишком догматичным в отношении этого правила. Часто есть другие, более важные вещи, о которых нужно думать в композиции, такие как ритм и группировка, которые могут преобладать над этим правилом. Как всегда, правило третей — это просто техника в вашем наборе инструментов, и ему не всегда следует следовать неукоснительно.
Связь правила третей в искусстве с другими принципами искусства
Я подозреваю, что это правило является более простым способом избежать размещения фокуса или центра интереса прямо в центре картины, а не рецепт, где именно его разместить. Никогда не стоит помещать самую интересную часть картины в мертвый центр вашей картины.
Кроме того, это, вероятно, работает, потому что деление на две трети 0,66 приближается к концепции золотого сечения, которое составляет отношение 0,62. Золотое сечение — приятное деление пространства, поскольку оно основано на естественных математических законах.
Вот видео от Apple, показывающее, как использовать iPhone для просмотра сетки правила третей.
Для получения дополнительной информации
Для получения дополнительной информации о принципах искусства см.
Руководство по композиции. Также см. статью о правиле третей в Википедии.
Спасибо
Спасибо, что нашли время прочитать эту статью. Если вы заинтересованы в структурированном подходе к обучению рисованию и хотите узнать больше о моей модели Visual Music & Poetry®, взгляните на мои онлайн-курсы рисования.
Приятного рисования!
Барри Джон Рэйбоулд
Виртуальная художественная академия
Что говорят студенты
Это настоящий курс, который обучает вас структурированным образом
Вопросы, которые вы задаете себе: «Стоит ли это затрат?» и «Будет ли это действительно полезно?». После пары недель работы над/в Virtual Art Academy® я могу сказать, что количество работы, которую она представляет – Барри – невероятно! Представленная информация сама по себе более чем стоит своей цены, и, да,… Читать далее «Это настоящий курс, который обучает вас структурированным образом»
Jon Main
Jon Main Blog Post
С тех пор, как я запустил программу, я вижу улучшения в моей композиции и использовании цвета
Моя картина «Примитивные горшки» недавно получила награду, присуждаемую Королевским институтом художников-акварелистов в недавняя избранная выставка Общества акварелистов Восточной Англии.
Я прохожу курс VAA уже более пяти лет и очень рекомендую его всем, кто хочет улучшить свою живопись. Существует… Читать дальше «С тех пор, как я начал программу, я вижу улучшения в моей композиции и использовании цвета»
Сью Дауни
Курс имеет устойчивую кривую обучения, которая продолжает проявляться по мере вашего продвижения
Курс работает отлично, уроки составлены так хорошо, что каждую неделю я вижу рост. В следовании программе это дало мне направление, а информация в планах уроков носит профессиональный уровень. Я бы ни за что не отследил информацию самостоятельно, и, находясь в… Читать далее «Курс имеет постоянную кривую обучения, которая продолжает проявляться по мере вашего продвижения»
Дирк Рэмплинг
Веб-сайт Дирка Рэмплинга
Эквивалент 4-летнего художественного образования за небольшую плату
Это отличный курс для всех, кто серьезно относится к совершенствованию своей живописи. Я учусь здесь уже несколько лет. Когда я закончу, у меня будет эквивалент 4-летнего художественного образования за небольшую часть стоимости.
Я могу брать уроки где угодно и в своем собственном темпе.… Читать далее «Эквивалент 4-летнего художественного образования за небольшую плату»
Сьюзен Худ
Страница Сьюзен в Facebook
Не нужно покупать дорогие книги по искусству…. Просто пройдите 4-летний курс VAA. Я до сих пор ссылаюсь на него
Я закончил курс VAA несколько лет назад, но всегда сверяюсь с конспектами, много раз перечитывая курс. Это не курс в тот день, когда вы закончили, вы закончили. Нет, вы продолжаете практиковать задания, становясь со временем все лучше и лучше. Когда я оглядываюсь назад на свою работу, когда я только что… Читать дальше «Не нужно покупать дорогие книги по искусству…. Просто пройдите 4-летний курс VAA. Я до сих пор ссылаюсь на него»
Аурелия Зиберхаген
Страница Аурелии на Fine Art America
Маленькие шаги делать легко
Я очень впечатлен процессом, который Барри разработал для VAA. Научиться рисовать может быть пугающе, но если разбить его на множество небольших проектов, то это вполне выполнимо.
Я только что провел свой первый сеанс рисования живой модели — 5-часовой однодневный сеанс. Благодаря VAA мне удалось сломать картину… Читать далее «Маленькие шаги делать легко»
Ким Степни
Я начал учиться масляной живописи с помощью VAA с нуля. Всего через год мои картины начали продаваться
Программа Виртуальной художественной академии действительно обширна и дала мне всю информацию и инструкции по обучению живописи в одном пакете. Материал очень хорошо организован, просто красиво смотрится и мотивирует на прохождение. Онлайн-кампус — прекрасное место, где можно познакомиться с другими художниками и получить критические отзывы о моих… Читать дальше «Я начал учиться масляной живописи с помощью VAA с нуля. Всего через год мои картины начали продаваться»
Thomas Ruckstuhl
Блог Томаса
Самое полное руководство по рисованию, которое я мог найти где угодно в Интернете, и, поверьте мне, я долго искал.
Я присоединился 2 года назад с моей дочерью.
Мы оба так многому научились и наслаждались временем, проведенным вместе с VAA. Моей дочери сейчас 13 лет, и она уже рисует потрясающие картины. Виртуальная художественная академия — это просто самое полное обучение искусству, которое я мог найти в Интернете, и, поверьте мне, я искал… Читать дальше «Самое полное обучение искусству, которое я мог найти где-либо в Интернете, и поверьте мне, я искал долго.»
Marlene Lento
Это гораздо лучшая школа, чем любая другая, которую я видел в колледжах по всей стране
я узнал гораздо больше от Virtual Art Academy®, чем от любого курса искусства, который я когда-либо посещал! Я не могу сказать, как Виртуальная художественная академия улучшила мое наблюдение за потенциальными композициями… Читать далее «Это гораздо более совершенная школа, чем все, что я видел в колледжах по всей стране»
Стив Джорд
Страница Стива на Fine Art America
Отличная основа для многих аспектов живописи
У меня никогда не было формального обучения живописи, и мой стиль всегда был очень копия фотографии.
Когда я узнал о курсе, доступном через Виртуальную художественную академию, я был очень взволнован возможностью узнать то, чего я никогда не знал о живописи. VAA… Читать дальше «Отличная основа для многих аспектов живописи»
Жанна Строманн
Продвинутые техники композиции — Очерки искусства
Мы говорили о некоторых распространенных техниках создания приятных композиций, таких как правило третей и правило пространства, но на протяжении всей истории художники разрабатывали и следовали все более сложным системы и правила создания композиций. При исследовании композиции исторических произведений важно отметить, что не существует «секретной формулы», которой следует все великое искусство. Золотой прямоугольник спрятан не в каждом шедевре. Культуры и художественные течения разрабатывают композиционные техники, отражающие их вкус. «Хорошая» композиция субъективна и связана с уникальными культурными ценностями времени и места. Со временем было изобретено множество восхитительных и эзотерических систем, которые были расширены и, в конце концов, отвергнуты последующими поколениями.
Композиционные приемы — это своего рода мода, они приходят и уходят, но все они интересны.
Ниже мы рассмотрим несколько композиционных систем за последние 500 лет в западном искусстве. Большинство этих примеров взято из блестящей книги художника и историка Шарля Було «Секретная геометрия художника». Мы подробнее остановимся на композициях, встречающихся в незападном искусстве, в другом эссе, так как нам еще предстоит провести много исследований.
Рабатация квадрата
Каждый прямоугольник содержит два подразумеваемых квадрата, высоту и ширину короткой стороны прямоугольника. Вращая короткие стороны прямоугольника, можно найти две линии рабатмента в прямоугольнике. Размещение фокусных точек вдоль этих линий создает сильную композицию.
Рабатмент квадрата похож на правило третей — относительно простой способ найти удобное место для фокуса внутри прямоугольника. Теоретически прямоугольник — это первоначальная геометрическая форма, и именно при просмотре прямоугольника мозг подсознательно создает линию рабатмента, находя квадрат внутри прямоугольника.
Если это так, то размещение фокуса на одной из двух линий рабатмента соответствует ожиданиям зрителя и вознаграждает его подсознательное поведение. Художники использовали рабатмент, по крайней мере, с раннего Возрождения, и «Святой Франциск перед султаном» Джотто является чрезвычайно буквальным примером.
Каркас прямоугольника
Каждый прямоугольник содержит внутреннюю геометрию. Линии из угла в угол, две линии плетения, диагонали от этих линий к углам, линии, проведенные от пересечения этих линий, и так далее. Это называется Арматурой Прямоугольника.
Арматура прямоугольника выглядит как теория заговора — сеть линий и пересечений настолько густая, что вы, вероятно, могли бы наложить ее поверх любого произведения искусства и найти какой-нибудь элемент, который выравнивается. И это именно то, что нужно. Арматура — это не рецепт создания приятной композиции, это инструмент, помогающий художнику осознать геометрию своего холста. Арматура использовалась по-разному на протяжении веков.
Художники обычно размещали фокусы на критических пересечениях, выравнивали фигуры по диагоналям или блокировали пространство, используя вертикальные и горизонтальные деления. Красота Арматуры в том, что она не выбрана, она врожденная. Независимо от того, сознательно ли художник занимается этим, сознательно мешает ему или творит в блаженном неведении, каркас всегда присутствует.
Золотой треугольник
Разделение прямоугольного пространства по его диагонали и проведение линий вниз от углов, пересекающихся перпендикулярно этой диагонали, образует агрессивно-динамическую композицию.
Золотой треугольник редко упоминается в обсуждениях композиции, и примеров его использования немного. Тем не менее, мы хотели включить его сюда, поскольку он прост в изготовлении и создает драматический поток в пространстве. Кроме того, название «Золотой треугольник» звучит заманчиво эзотерически. Если вы найдете или создадите произведение искусства, в котором используется эта необычная композиция, сообщите нам об этом.
Симметричный баланс
Идеальная вертикальная или горизонтальная симметрия может раздражать глаз (см. базовую композицию), но уравновешивание равного веса форм по обе стороны от центральной фокусной точки может создать приятную композицию.
Строго симметричные композиции то входили, то выходили из моды на протяжении истории, от формальной религиозной симметрии средневековых запрестольных образов до сложной радиальной симметрии исламских узоров и геометрической симметрии современного минимализма, но одну форму симметрии можно найти почти в каждая эпоха и культура: симметричный баланс. Если в композиции есть центральный фокус, а визуальный вес фигур или фокусов по обе стороны от этого центра кажется равным, то композиция симметрично сбалансирована, даже если центральный фокус не находится точно в центре общей картины. состав.
Медальон
Разделите круг пополам через центр, затем снова и снова разделите его на восемь «частей» — из каждой точки, где разделительные линии пересекаются с краем круга, проведите линии, пересекающиеся с другими точками пересечения.
. Эта арматура круга обеспечивает полезную структуру при создании композиций в круглом пространстве.
Медальонная композиция использовалась в декоративном искусстве на протяжении тысячелетий, появляясь во многих вариациях в виде исламских узоров, романских изразцов и витражей. В западном искусстве медальон начинает появляться в фигуративных произведениях искусства в 13 веке, когда окна-розетки готической архитектуры начали влиять на иллюминаторов средневековых рукописей. Дидактические примеры композиции с использованием медальонов появляются в Псалтири Бланш Кастильской. Со времен средневековья медальон использовался в круглых композициях, таких как тондо, и вставлялся в прямоугольные композиции, хотя редко с формальностью, характерной для готических иллюминаций. Чаще композиции будут подразумевать круговое движение, но без жесткости каркаса медальона.
Альбертизм
В теории музыки разница между двумя нотами в гамме называется интервалом, и, по словам итальянского художника, архитектора и писателя Леона Баттиста Альберти, интервалы между гармоничными нотами также могут быть визуально гармоничными, если их использовать как соотношения в составе.
Если каркас прямоугольника выглядит как теория заговора, то альбертизм выглядит как настоящая черная магия. Даже если вы хорошо разбираетесь в теории музыки, вам трудно понять, как Альберти и художники эпохи Возрождения использовали музыкальные пропорции для построения и разделения своих полотен. Альберти вывел свои пропорции из длины струн, необходимых для воспроизведения комплиментарных нот, подбирая и выбирая из множества музыкальных гамм, ориентируясь на следующие соотношения:
- Диапазон, или Октава: 1/2
- Диапенте: 2/3
- Диатессарон: 3/4
- Диапазон-Диапенте: 1/3
- Тонус, или Полуторная октава: (1/8 )
Теории Альберти были тупыми, даже когда он их писал, и художники адаптировали его идеи самыми разнообразными эзотерическими и несвязными способами. Так почему же мы говорим о, казалось бы, произвольном методе композиции? Потому что это помогает нам понять, почему в одной из самых известных картин всех времен были приняты очень странные решения.
В 1484 году Сандро Боттичелли написал одно из самых известных произведений итальянского Возрождения – «Рождение Венеры». И эта конкретная картина совершенно сбивает с толку по своей композиции. Традиционно композиция была симметричной, Венера находилась в центре полотна. Боттичелли помещает ее немного не по центру, наклоняясь вправо. Тонкая асимметрия приводит в бешенство, и, не зная, что художники на этом этапе итальянского Возрождения были одержимы альбертизмом, это кажется необъяснимым.
Вот как загадочные музыкальные пропорции Альберти можно применить к холсту. По словам Шарля Було, одним из любимых соотношений Боттичелли был двойной диатессарон, или 9/12/16. Чтобы увидеть, как Боттичелли мог составить «Рождение Венеры», мы разделим каждую сторону на 16 частей. Затем создадим арматуру из пересекающихся линий не из центра или решеток, а из точек, которые соответствуют двойному соотношению диатессарона, то есть: 9 /16-е и 12/16-е. Чтобы создать наклонную асимметрию, Боттичелли отсчитывал от верхнего левого и нижнего правого углов холста, создавая диагональное фокальное разделение через центр холста и серию динамически скошенных фокальных линий, на которые он сопоставил свою композицию с религиозной точностью.
Ритмические пропорции Альберти, наложенные на шедевры Боттичелли, выявляют основную композицию. И это только один пример. Чтобы узнать больше, возьмите книгу «Секретная геометрия художника» и узнайте, как Було отслеживает пропорции Альберти во многих великих работах Боттичелли и в других картинах эпохи Возрождения.
…
Художники на протяжении всей своей истории углублялись в математику, философию, музыку и науку своего времени, чтобы открыть новые методы создания приятных и сбалансированных композиций. Понимание этих методов меняет то, как мы видим произведение искусства, позволяя нам взглянуть на строгость, планирование и заботу, которые скрываются за готовым произведением искусства. И лично мы надеемся, что изучение этих старых методов вдохновит новое поколение художников на применение некоторых формальных композиций прошлого. Творчество не обязательно означает нарушение правил. Иногда творчество заключается в создании собственных правил или поиске нового способа применения старых.