Равновесие в композиции примеры рисунков: Равновесие в композиции: разновидности и принципы

Равновесие в композиции: разновидности и принципы

Термин «композиция» подразумевает под собой соединение неких элементов в единое гармоничное целое. Это понятие с одинаковым успехом применяется как в точных науках, так и в теории искусства вообще. Равновесие в композиции – одно из двух непременных условий ее присутствия. Вторым же является сочетание всех составных элементов объекта в единую форму. Поскольку как искусство, так и архитектура или инженерия стремятся к гармонии, видя в ней свою главную и непреложную цель, выполнение этих двух условий является единственным верным построением композиции.

Общие теоретические понятия

Наука о композиции вычленяет три ее разновидности, которые на практике зачастую бывают тесно взаимосвязаны и дополняют друг друга, давая порой самые неожиданные и многогранные сочетания. Результатом этого становятся шедевры культуры. К таковым относятся: фронтальная, объемная и глубинно-пространственная композиции.

При всей сложности, которую демонстрирует любая картина, строение или иное творение, появившееся в результате акта искусства, должно быть уравновешено, что в первую очередь выражается в визуальной устойчивости комплекса составляющих его элементов. При этом речь далеко не всегда идет о строгой симметрии. Равновесие в композиции заключается в балансе всех деталей (а также составленных из них фрагментов) относительно центра. При этом необходимость достижения такой устойчивости, очевидно, продиктована самой природой. Доказательством этому может послужить тот факт, что и животному, и растительному, и даже неживому миру присуще равновесие в композиции. Примеры его присутствуют повсюду: кленовый лист, кристалл снега, раковина моллюска и т. п.

Поиск гармонии в расстановке элементов человек, обладающий художественным мышлением, осуществляет интуитивно. Это стремление прослеживается в истории мировой культуры на протяжении тысячелетий. В частности, выражается оно в тяге к симметрии, что доказывает, например, зрительное равновесие масс в композиции старинных католических соборов, крестово-купольных храмов Древней Руси и, конечно, в ансамбле египетских пирамид.

Симметричность и асимметричность

Как известно, абсолютной соразмерности в природе не существует. Также не встречается в ней и полной асимметрии. Однако факт зеркального принципа строения абсолютного большинства живых существ (а также многих элементов неживой природы) свидетельствует о том, что в мире все стремится к соразмерности. Тяготеют к ней и человеческие творения.

Равновесие масс в композиции достигается посредством правильного расположения ее элементов на плоскости или относительно центральной точки. Симметрия же – это наиболее контрастно выраженное ее качество. Упомянутый выше ее зеркальный тип считается самым распространенным как в нерукотворной природе, так и в искусстве. Сутью его является близкое к равному соотношение частей объекта относительно вертикальной или горизонтальной оси.

Такиевиды равновесия композиции, как осевая и винтовая симметрия, образуются путем вращений вокруг оси. В первом случае при повороте различные элементы могут неоднократно совмещаться. Во втором же путем разного рода художественных приемов создается динамика – спиралевидное движение вокруг статичной оси.

Однако не стоит полагать, что гармонии в своем творении художник может достичь, только строго следуя нормам соразмерности. Одним из путей ее достижения в изобразительном искусстве, архитектуре, прозе и поэзии является и асимметрия, которая также входит в основы композиции. Равновесие в отсутствии формального равенства элементов позволяет достичь правильная расстановка и сочетание всех частей объекта по их цвету, тонам и массе. Такие приемы мы, например, можем наблюдать на картинах «Пейзаж с Полифемом» Пуссена и «Мадонна в гроте» Леонардо да Винчи.

Значение масштаба

Зрительное равновесие масс в композиции при полном отсутствии симметрии применимо также и в архитектуре. Образцом его может служить Собор Святого Андрея, имеющий несоразмерные башни (одна из характерных черт викторианского стиля). Асимметрия является более сложным приемом в искусстве и в отличие от зеркального метода прочитывается постепенно. Являясь способом передачи замысла художника и стремлением к его наиболее яркому выражению, несоразмерность раскрывает динамическое равновесие в композиции. Демонстрируя баланс разных элементов разной степени массивности, она создает иллюзию их движения в общих границах.

Действительная массивность предметов считывается исключительно путем их сопоставления, а в процессе оценивания оперируют термином «масштабность». Для создания композиционно правильной асимметрии большое значение удаляется малейшим деталям как действенному средству художественной выразительности. При этом, используя масштабность, нельзя уходить от пропорций, поскольку они тесно связаны между собой. Потому это наиболее сложный закон равновесия в композиции.

Принцип пропорции заключается в соблюдении постоянства отношений между двумя или несколькими величинами. Увеличивая одну до определенных пределов, во столько же крат следует увеличить и другую.

Геометрия в искусстве

Соблюдение вышеописанного правила позволяет достичь соразмерности и полной гармонии элементов в отношении частей и ядра предмета. Принцип пропорции – это классика в ряду универсальных средств, которыми пользуется композиция. На тему «Равновесие в графическом искусстве и архитектуре» существует немало научных работ.

Так, в качестве абсолюта пропорции, много столетий назад было открыто так называемое золотое сечение. Термин этот ввел в широкое употребление великий гений Леонардо да Винчи. Такая пропорция предполагает равновесие в композиции, математически выраженное числом 1,62. Графически же она передается путем построения геометрически идеальной пятиконечной звезды, каждая сторона которой условно может быть разделена на две части. При этом получившиеся части соотносятся друг с другом в пропорции «золотого сечения».

Секрет этой пропорции, по мнению ученых, был известен много тысячелетий назад. Итогом применения этой формулы служит именно равновесие в композиции, примеры которой наша эпоха унаследовала в виде таких грандиозных сооружений, как Парфенон и египетские пирамиды. Строения, выполненные по тем же пропорциям, имеются также в Индии и Китае, в Италии и в Греции.

Фигуры в живописи

В поисках наиболее выразительных схем художники всех столетий трепетно обращались с каждой значимой деталью в сюжете, осуществляя создание композиции. На равновесие из геометрических фигур опирается искусство большинства мастеров как эпохи Возрождения, так и времен раннего классицизма. Так, например, на картине Н. Пуссена «Пейзаж с Полифемом» две композиционные детали представляют собой большой малый треугольники, вписанные один в другой. Тогда как персонажи картины Леонардо да Винчи «Мадонна в гроте» легко выстраиваются в пирамиду, вершиной которой является сама Богородица.

Передать неподвижный образ художнику помогает такой прием, как статичнаякомпозиция, равновесие из геометрических фигур в которой достигается посредством вытягивания всех линий к ядру изображения. Примером такого решения может служить иконопись, где наиболее часто встречается расстановка сюжетных элементов по форме круга, квадрата или прямоугольника, и зачастую прослеживается строгая симметрия.

Статичность необходима для передачи состояния покоя, замкнутости пространства. Такая композиция необходима в сюжетах, не предполагающих динамики. Так, на картине «Портрет Ксении Тишининой» И. Вишнякова даже сама фигура героини образует собой четко выраженный правильный треугольник и является единственным элементом, прописанным в светлых тонах.

Схематичность открытой композиции

С наступлением эпохи Возрождения кардинальным образом переменилась сама концепция мироощущения. Границы человеческого сознания значительно увеличились, что совершенно естественным образом отразилось на живописи, музыке, литературе и архитектуре. Крайне ограниченный мир расширился до бесконечных пределов, а замкнутую композицию сменила открытая.

Двигаясь в сторону постижения гармонии в каждой картине, художник, естественно, ориентируется на сугубо личные ощущения и апеллирует к своему образному мышлению. И хотя, сам акт творчества не поддается анализу, большинство используемых приемов можно прочесть и рассмотреть подробнее. В частности, это касается художественных схем, благодаря которым достигается равновесие в композиции. Примеры рисунков, сюжет которых включает в себя обширные пейзажи с большим перечнем разноплановых деталей, позволяют ясно наблюдать грамотное соотношение различных частей в единой структуре.

Значение деталей при достижении равновесия

Одними из наиболее показательных в этом смысле работ являются полотна Веласкеса. Так, в его замечательном творении «Сдача Бреды» удивительно четко прослеживается равновесие мутных и светлых пятен, ярких и нейтральных оттенков, комбинирование массивных деталей и грамотное прописывание плана.

Главный сюжетный элемент расположен точно посередине полотна. Герои развернуты друг к другу. Голова победителя находится несколько выше головы пораженного противника и выглядит светлым пятном на тускловатом фоне скучающих солдат и зеленоватой дали. Фигура губернатора, вручающего символический ключ от павшего города, прописана на светлом фоне. Он несколько смугл, и лицо его обрамлено белоснежным воротничком. Подобные контрасты прослеживаются на всем полотне.

Одну диагональную линию образует шарф, которым перевязан победитель от плеча и до бедра, а другую – знамя поверженного противника и линии рук главных персонажей. Визуальное ощущение глубины картины достигается благодаря нескольким светлым мазкам – голове лошади слева от губернатора и белой рубахе воина рядом с ней.

«Сдача Бреды» представляет собой полотно, демонстрирующее основные правила композиции. Равновесие на нем достигается посредством проработки нескольких планов, увенчанных перспективой дали.

Принцип хронотопа

Равновесие в композиции может достигаться также путем изображения на картине длящихся событий. Эту методику с большим успехом использовали древнерусские художники. Так, новгородскими живописцами позднего средневековья была создана резная картина в красках, сюжет которой был основан на знаменитом сражении новгородского войска с суздальским. В этом произведении была применена трехъярусная композиция: в ряд (сверху вниз) были выполнены три самостоятельных рисунка, каждый из которых демонстрировал отдельный эпизод. При этом, находясь строго одна над другой, они представляют собой единую картину.

Схожим и не менее распространенным приемом решения композиционных вопросов считается создание изображения, основой которого являются события, произошедшие в разных местах и в разное время, но связанных между собой одной сюжетной линией. Зачастую такая картина представляет собой большое полотно с центральным эпизодом посредине и множеством небольших фрагментов, расположенных вокруг. Как правило, подобные произведения относятся к жанру иконописи или просто к работам на религиозные сюжеты, ярким примером которых могут послужить полотна Иеронима Босха.

Композиция в декоративном искусстве

Способы и методы, используемые для передачи художественного замысла, разнятся в зависимости от вида искусства, в котором работает автор. При этом, естественно, могут наблюдаться схожие или даже общие закономерности. Однако каждое ремесло особо и специфично, а потому каждое из средств построения композиции вполне может быть применено по-разному.

Живописное полотно должно быть органичным и с максимальной естественностью сочетать в себе все элементы, без навязывания идеи. И если стандартная картина имеет в качестве одной из своих целей передачу иллюзии пространства в его объеме и глубине, то в народном изобразительном искусстве мастер стремится подчеркнуть рельеф и детальность, используя для этого свои особые методы. Приемы декоративного творчества принципиально отличаются от способов построения композиции, которыми пользуется классический художник. Например, поскольку изображаемый пейзаж не может быть показан в своей глубине, мастер размещает дальний план прямо над ближним. Такие методы применялись в том числе и древними русскими иконописцами.

Именно по причине их большей наглядности и очевидности приемы мастеров декоративно-прикладного искусства и иконописи становятся объектом изучения на уроках изобразительного искусства в начальных классах. В основу плана урока, как правило, входит определение понятий «ритм» и «форма» – предметов, обеспечивающих равновесие в композиции (2 класс).

Приемы построения композиции

Задачи, которые ставит перед живописцем каждая его работа, требуют единственно верных решений. В том числе это касается и приемов, которые применяются при построении композиции. Методы, используемые каждым отдельно взятым художником, должны отличаться оригинальностью и новаторством.

Для того чтобы правила композиции были соблюдены, учитывать следует многое:

• массу описываемых предметов;
• габариты каждого и (исходя из этого) их местоположение на листе;
• ритмику линий и цветовых мазков;
• способ передачи точки зрения автора;
• методы, при помощи которых описывается пространство.

Огромное значение также имеет то, насколько четко прописываются силуэты персонажей с учетом набора красок всей картины. Композиция – это своего рода специальное профессиональное средство художника, при помощи которого ему удается передать свое видение окружающего его, мира, собственные чувственные идеи, ассоциации, впечатления и т. д. Навыки эти оттачиваются каждым мастером из года в год.

Работа над композицией

Любое художественное изображение прорабатывается его автором заранее и довольно длительное время. По-настоящему правильное построение композиции обязывает художника владеть подобными навыками в совершенстве. Потому умение применять необходимые для этого приемы следует постоянно оттачивать.

Для того чтобы соблюстиравновесие основных элементов композиции на листе, необходимо обладать настоящим профессионализмом. Даже простая точка, поставленная на белой поверхности бумаги, вызывает у художника множество вопросов, ведь впечатление от нее будет меняться в зависимости от того, в каком именно месте она будет находиться. То же самое касается любого другого объекта, располагаемого на полотне.

Основные правила и методики построения композиции являются плодом огромной истории изобразительного искусства. Однако из столетия в столетия они пополняются богатым опытом новых поколений художников. Техника композиции меняется, развивается и всегда соответствует творческой позиции мастеров каждого конкретного поколения.

Передача равновесия

При ярко выраженной симметрии детали картины или иного художественного объекта композиционно уравновешены. Что же касается асимметричного изображения, то его элементы могут располагаться относительно друг друга как в балансе, так и вне его. Для этого существует целый перечень приемов: обширный мазок светлых оттенков может быть уравновешен небольшим темным пятном; противовесом ряду маленьких пятен выступает одно большое и т. д. Таким образом разные части полотна балансируют в зависимости от своих габаритов, массы, тонов и прочих характеристик.

Кроме того, уравновешены должны быть не только фрагменты (персонажи, детали окружающего пространства и т. п.), но и пространство между ними. При этом композиционное равновесие не стоит даже сравнивать с математическим равенством величин. Умение интуитивно прочувствовать его либо дается от природы, либо может быть развито с течением времени в процессе неустанного труда. Что же касается асимметричной картины, то в ней смысловой центр либо находится у края изображения, либо вовсе отсутствует.

Равновесие композиции в любом случае зависит от:

• правильного расположения массивных деталей изображения;
• пластики и ритмики художественного письма;
• пропорций, в которых прописывается каждый фрагмент полотна;
• грамотно подобранных тонов и цвета картины.

Принципы построения

Равновесие основных элементов композиции на листе достигается путем строго следования основным принципам их соединения. Первым из которых (и не самым очевидным) является целесообразность. Дело в том, что искусство, как пространство, в котором все подчинено строгой логике, дисциплине и тщательной экономии изобразительно-выразительных средств, требует четкого соответствия степени приложенных усилий конкретной поставленной задаче. Любая работа должна быть построена лаконично и максимально продуктивно в плане передачи идеи и замысла художника.

Композиция, по своей сути, это связь разрозненных вещей, которые, благодаря умелому их совмещению начинают работать максимально продуктивно и в своей взаимной зависимости представляют собой нечто новое и общее. Это говорит о принципе единства и целостности, которому должен следовать каждый живописец. Для того чтобы понять, соблюдается ли этот закон на холсте, следует мысленно изъять любую часть композиции из картины. В том случае, если в результате этого сюжет не понесет никакого ущерба, можно с уверенностью заключить, что принцип целостности, очевидно, нарушен. То же можно сказать и о перемене мест частей композиции и о внесении в картину каких-то новых элементов.

Достижение единства и целостности

Для того чтобы все принципы композиции были соблюдены, необходимо использовать следующие приемы:

1. Уместное наложение объектов, позволяет подчеркнуть планы. Кроме того, такой прием дает ощущение глубины пространства и придает изображению объем.
2. Соблюдение единства формы и характера предполагает работы в одной манере и стиле. Линии и пластика элементов должны сочетаться друг с другом. Цвета необходимо подбирать в одной тональности и повторять их по мере необходимости. То же касается текстуры.
3. В композиции должна наличествовать обобщающая форма, при этом изобразительно-выразительное решение картины также должно быть однообразным.

Кроме того, чтобы добиться целостности и композиционного равновесия, необходимо соблюдать строгую последовательность действий на всех этапах создания работы. Для начала следует тщательно обдумать план произведения. Разработав все структурные элементы композиции, нужно определить степени соотношения ее главных частей. Чтобы это стало возможным, сочетают пластические массы изображения, в силуэты которых потом могут войти детали.

Композиция в живописи. Движение и равновесие

30 марта 2018

Основы рисования

В картине все должно быть уравновешенным, даже в том случае, когда передается движение. Художники достигают этого в своей работе путем чувства координат, вертикальной и горизонтальной осей равновесия, учитывая и правильно распределяя нагрузки справа и слева, вверху и внизу. Практически большее значение имеет вертикальная ось равновесия, которая проходит через центр полотна. С учетом ее и делается нагрузка пластических объемов, красок, отыскивается главный узел действия или, если это портрет, то изображаемое лицо. Дело это совсем не простое и требует много чуткости, тонкости и мастерства. Надо принимать во внимание, что иногда маленькое темное пятнышко может уравновесить большое серое пятно. Пятно яркого цвета в одной части требует отзвука в другой части, подобно тому как звук вызывает эхо, иначе оно будет одиноким, чужим, случайным.

Об этом можно много говорить, но лучше проследить по картинам выдающихся мастеров, как и в каких случаях художники применяли те или иные приемы в построении колорита.

Мы уже говорили о портрете инфанты Маргариты работы Веласкеса, где повторяющиеся удары красного цвета играют большую роль в выявлении главного содержания произведения.

В широко известной картине Делакруа «Свобода, ведущая народ» красный и синий цвета на знамени повторяются в других частях картины, причем самые сильные цветовые акценты подчеркивают композиционный центр картины, выделяя главную фигуру — фигуру Свободы.

Не следует забывать, что природа, тяготея к симметрии, в то же время не терпит полной, абсолютной симметрии. Если всмотреться в лица людей, то можно увидеть, что полностью симметричное лицо найти трудно. Лицо, изображаемое на портрете с соблюдением точной симметрии, смотрится неживым.

То же самое и в природе. Природа любит симметрию, но еще более любит ее нарушать, внося бесконечное разнообразие во все. Левый глаз человека не копия правого глаза, а его вариант. То же можно сказать обо всем теле человека и его частях. Поэтому уравновешивание компонентов картины совсем не означает стремления к абсолютной геометрической симметричности. Это противоречило бы самой сущности изобразительного искусства и было бы примитивно.

Наоборот, нужно избегать сухой симметричности, стремиться к безыскусственности, разнообразию, таким же, как в природе. Общий вид картины, построение, композиционная схема должны отвечать ее смыслу, ее идее и своими ритмами подчеркивать, вызывать определенные настроения, ассоциации. Например, картина итальянского художника Ренессанса Альбертинелли «Встреча Марии и Елизаветы».

Встреча Марии и Елизаветы. Мариотто Альбертинелли, 1503. Масло

В ней линия арки своей замкнутостью усиливает, подчеркивает идею встречи и взаимного согласия двух склонившихся друг к другу женских фигур.

Делакруа говорил, что своего любимца, венецианского художника Паоло Веронезе, он представляет себе двояко: суровым и озабоченным, когда он замышляет свои полотна, веселым и шутливым, когда он их выполняет с удивительной легкостью и непринужденностью. В самом деле, глядя на картины Веронезе, невольно думаешь, что этому великому мастеру ничего не стоило писать головы, руки, драпировки. А вот общий замысел картины, ее композиция, оказывается, даже для этого волшебника кисти были очень тяжелым трудом.

Венера и Марс, связанные Амуром. Паоло Веронезе, ок. 1570. Холст, масло

В создании сюжетной картины при работе над предварительным эскизом важнейшее место занимает решение самого сюжета. По существу, художнику надо решить задачу мизансцены, которая отличается от театрального действия только тем, что персонажи в картине немы, а действие дается в один из кульминационных моментов.

Само собой понятно, что это отличие делает работу художника еще более трудной, чем работу режиссера. Однако хорошему художнику все же удается создать впечатление движения и жизни, а сюжет раскрыть для зрителей полностью, сделать его понятным с первого взгляда. Недаром К. С. Станиславский мечтал о том, чтобы каждая мизансцена в театре напоминала картину художника.

Всем известная картина Федотова «Сватовство майора» поражает тем, как удалось художнику добиться внутренней жизни во всем. В этом и заключается особенность изобразительного искусства — давать картине жизнь во времени.

Сватовство майора. П. Федотов, 1848. Масло

Все прекрасно знают, что «Запорожцы» Репина написаны маслом на холсте и неподвижны. По существу же они, как вы сами можете убедиться, наполнены жизнью и движением.

Вот это замечательное свойство живописи — давать на холсте жизнь во времени — предоставляет художнику такие возможности, требуя от него в свою очередь большой чуткости и тонкости в творческих поисках.

В картине Домье «Беженцы» главный мотив — это стремительное движение словно гонимых судьбой людей, вынужденных покинуть родину.

Беженцы. О. Домье, 1850. Масло

Чтобы сделать более ощутимым горестное бегство, художник ограничился суммарной характеристикой фигур, они выделяются силуэтами на хмуром сером небе, проходят мимо нас, мы не успеваем разглядеть их лиц.

Наоборот, в картине Мантенья «Принесение во храм» представлен неторопливый торжественный обряд в величественном древнем храме.

Принесение во храм. А. Мантенья, ок. 1460

Действие как бы остановилось, фигуры прекрасны, как изваянные из камня статуи. Композиция строго уравновешена. Огромная величественная колонна, похожая на ствол столетнего дерева, приходится строго на центр картины, она сдерживает движение фигур. Художник тщательно передал, отчеканил и отчетливо вылепил формы, складки похожи на разводы орнамента. В целом впечатление от картины спокойное, величавое, уравновешенное.

В каждой картине помимо движения и покоя фигур может быть еще движение и покой в самих живописных формах. Симметрия дает впечатление покоя, ее нарушение вносит в картину движение, даже когда фигуры стоят на месте. Было замечено, что преобладание горизонталей придает картине покой, наличие вертикалей вносит в нее напряженность, диагонали, которые особенно любили мастера барокко, поддерживают движение. Язык композиционных форм в картинах больших мастеров сливается в одно целое с чисто изобразительными мотивами.

В акварели А. Иванова «Жених, выбирающий серьги для невесты» метко и тонко охарактеризован каждый из четырех персонажей.

Жених, выбирающий серьги для невесты. А. Иванов, 1838. Акварель

Это придает сцене живой, подвижной характер. За ними уходит вдаль узкая уличка. Но персонажи Иванова, выстроенные в ряд, образуют симметрическую группу, и это придает композиции уравновешенный характер.

Можно было бы привести еще много примеров режиссерского мастерства художников, но здесь главное запомнить следующее: в поисках правильного решения сюжета, в процессе эскизирования чрезвычайно важна трезвая и честная оценка хорошего и плохого, выгодного и неудачного. Следует неустанно искать, менять все — персонажей, их места, обстановку, время дня, освещение, колорит. А затем выбрать наиболее выгодное, простое и идущее к делу, наиболее ярко работающее на выражение идеи, сюжета.

Всего этого можно достичь трудом, упражнениями, беря вначале несложные сцены из жизни и всячески варьируя их, отыскивая наилучшее.

Самое важное, самое ценное в художнике — это творческое начало, умение увидеть, глубоко понять, почувствовать жизненные явления, осмыслить их и по-своему проникновенно показать, взволновать людей, сделать их духовно богаче. Художник видит зорче, а потому и больше замечает, глубже вникает (хотя бы по роду своей профессии) в жизненные явления, чем иные люди. Художник быстрее замечает черты нового в жизни, сильнее чувствует красоту и своим творчеством помогает людям видеть мир ярче, шире, глубже.

Ясно поэтому, что художнику мало быть профессионально грамотным, ему нужно уметь творчески воспринимать жизнь, много знать, много видеть, много понимать. Все это сказано для того, чтобы стали ясны вся неповторимая ценность подлинного художника, его творческий труд, наполненный взлетами и падениями, путь к высокому совершенствованию.

Научить ремеслу и профессиональной грамотности можно, но воспитать творческое начало художник должен в себе сам.

ЗАКОНЫ КОМПОЗИЦИИ РАВНОВЕСИЕ. Основы композиции. Учебное пособие

ЗАКОНЫ КОМПОЗИЦИИ

РАВНОВЕСИЕ

Создавая произведение искусства, то есть гармонию, необходимо выполнить два ее непременных условия: первое – равновесие, второе – единство и соподчинение. Таковы основные законы композиции.

Остановимся на композиционном равновесии. Это такое состояние композиции, при котором все ее элементы сбалансированы между собой. Однако не стоит путать это понятие с простым равенством величин. Равновесие зависит от расположения основных масс композиции, от организации композиционного центра, от пластического и ритмического построения композиции, от ее пропорциональных членений, от цветовых, тональных и фактурных отношений отдельных частей между собой и целым и т. д. Таким образом, можно сделать вывод, что ни одно из средств и законов композиции в отдельности не создадут гармоничное произведение, так как все взаимозависимо или уравновешено.

Если же в своих творческих поисках художник активнее начинает применять одно из средств для создания более выразительного художественного образа, то результатом такого подхода должна стать переоценка всего композиционного построения произведения. Может потребоваться изменение его пропорций, увеличение или, наоборот, уменьшение количества элементов композиции, пересмотр тональных и цветовых отношений и т. д.

Рассматривая живописные работы художников, замечаешь, что они привлекают в первую очередь образным раскрытием темы, сюжетом, колористическим богатством решения произведения и другими качествами, и только потом мы обращаем внимание на то, что, несмотря, например, на активную динамику построения картины, она уравновешена, ничто не вырывается за ее раму. Так, в работе К. С. Петрова-Водкина «Купание красного коня » яркое цвет- ное пятно удерживается в картинной плоскости. Как художник добился такого равновесия? Какими средствами он достиг этого?

«Цельность и значительность художественного решения возникла вследствие прекрасно найденной гармонии движения и статики, плоскости и глубины, контраста горячих и холодных цветов. Действительно, если плоскость холста утверждается ровным и ярко насыщенным красным цветом коня, то глубину картины определяют не только направления линий волны и фигур заднего плана, но и контрастный к красному цвету зеленый цвет воды.

К. Петров-Водкин. Купание красного коня. 1912

Так же гармонично решено и движение. Конь движется вдоль холста справа налево, но, поскольку монументальный характер образа требовал определенной композиционной устойчивости, автор трактовал группу как своего рода скульптурный монумент. Останавливает движение коня вперед и откинувшаяся назад фигура мальчика, сидящего на лошади. В целом это решение группы создает большое равновесие всех элементов и частей картины. Утверждая плоскость холста и нарушая ее, вводя сильное движение и нейтрализуя его, до предела насыщая картину контрастным цветом, художник достигает необычайного напряжения формы и в то же время гармонии, большой эмоциональности при пластически строгой построенности» 1*.

Нам бывает порой сложно разобраться в замысле авторов тех или иных произведений. Может быть, во многих случаях в процессе работы художники добавляли отдельные цветовые пятна, увеличивали их размер, насыщали деталями, которые помогали завершить произведение, добиться его равновесия. Что касается программных произведений, то авторы в основном осуществляют свои композиционные поиски в эскизах и этюдах к картине, ведут работу над наиболее интересным пластическим решением, необходимым для создания задуманного образа. Пробуя различное построение элементов, множество раз проигрывая пластические связи, цветовое решение, они добиваются равновесия в картинной плоскости. Это может выразиться и в утемнении или высветлении тона, в уменьшении или увеличении насыщенности пятна цветом, в усложнении или, наоборот, упрощении силуэта пятна, в количественном изменении, в увеличении значимости композиционного центра, в большей активизации ритмического построения, введении «метра», в уменьшении пластического контраста и т. д.

1* Костин В. И. К. С. Петров-Водкин. М.; 1966. С. 49.

В. Валькот. Витраж в гостинице «Метрополь» в Москве. 1900-1902

Существуют законы композиции, средства, способствующие созданию гармоничных композиций, различные приемы, использование которых поможет в дальнейшем доработать произведения, упорядочить их структуру, понять значимость классического наследия. Но все это никогда не сможет заменить творческое «я».

Творческая мысль, озарение, конечно, первичны. Затем появляется произведение, а уже потом – теоретическое обоснование, «школа». Таков многовековой процесс творческого познания – открытия. Если рассмотреть на исторической вертикали развитие того или иного вида искусства, можно обратить внимание, что за творческим взлетом очень часто следует период застоя или даже падения, в процессе которого активно ведется работа по осмыслению предшествующих достижений, создается теоретическая база, выявляются закономерности, которые подготовят следующий подъем.

Но вернемся к законам композиции. Равновесие по-разному проявляется в симметричных и асимметричных композициях. Симметрия сама по себе еще не является гарантией уравновешенности в композиции. Количественное несоответствие симметричного элемента и плоскости (или диспропорция частей и целого) становится зрительно неуравновешенным. Человек всегда тяготеет к равновесию форм, что создает более полный психологический комфорт, гармонию обитания в предметно-пространственной среде. Уравновесить симметричную композицию гораздо легче, чем асимметричную, и достигается это более простыми средствами, так как симметрия уже создает предпосылки для композиционного равновесия.

А. Головин. Занавес к спектаклю «Маскарад». 1917

Правильно найденная симметричная композиция воспринимается легко, как бы сразу, независимо от сложности ее построения. Асимметричная же порой требует более длительного осмысления и раскрывается постепенно. Однако утверждение, что симметричная композиция более выразительна, неправомерно. История искусств подтверждает, что асимметрично построенные по законам гармонии композиции ничем не уступают, с точки зрения художественной ценности, симметричным.

Выбор построения или структуры произведения зависит от художественного видения автора, от его желания найти более выразительную композицию для создания конкретного художественного образа.

Наиболее часто применяемыми видами симметрии являются зеркальная с вертикальной или горизонтальной осью, центричная, угловая. Активно используется симметрия в архитектуре, декоративно-прикладном искусстве, реже – в станковой живописи, графике, скульптуре. Этот прием особенно хорош для утверждающих тем, поскольку позволяет без внутренних колебаний предельно сосредоточить внимание зрителя на изображаемом. Поэтому симметрия весьма активно применялась в культовой живописи. Если внимательно рассмотреть композицию иконостаса православного храма, то мы увидим ее вертикальное осевое построение. Живописному построению вторят архитектурные детали, которые, как на стержень, насажены на ось. Однако при внимательном рассмотрении можно заметить и обязательные отклонения от симметрии (или в завитке волос, или в глубине трактовки рельефа стены), что придает определенную живописность этому приему, создает «ложную» симметрию.

Мы уже упомянули о центричной симметрии, активно привлекающей внимание к центру, а также об угловой. В отличие от центричной в ней создается движение. Движение к центру – центростремительное, движение от центра – центробежное. Такой композиционный прием широко применялся и сейчас применяется в декоративно-прикладном искусстве: при росписи керамических блюд, платков, в решении плафонов, плоскости пола в интерьере и т. д.

Ж. Мансар. План собора Дома Инвалидов в Париже. 1676

Симметрия применяется не только в плоскостных композициях, но также в объемных и объемно-пространственных. Хотя надо отметить, что в начале XX века, века скоростей, неудовлетворенности, алогичности и т. п., симметрия несколько отошла на второй план и отдала пальму первенства асимметричной композиции. Использование асимметрии позволяет более активно относиться к плоскости, на которой необходимо расположить группу или группы элементов – в зависимости от задач, стоящих перед автором. В этих случаях значительно сложнее уравновесить композицию, но для этого существуют такие изобразительные средства, как цвет и его насыщенность, форма и ее конфигурация, ориентация на плоскости, фактура, а также средства гармонизации: ритм, пропорции, контраст, нюанс и масштаб.

Первый разговор о гармонии в композиции, о ее основном и непременном условии – равновесии – привел нас к логическому выводу о том, что все взаимозависимо: и количество элементов, и их конфигурация, и их соотношение с композиционной плоскостью и между собой, и их цветовое, тоновое и фактурное решение, и т. д. Поэтому, добиваясь выполнения одного закона гармонии, необходимо выполнить условия второго закона – единства и соподчинения. И наоборот: создавая единство, цельность произведения, вы тем самым решаете задачу его равновесия. Только выполнив два этих условия, вы можете сказать, что создали гармоничную композицию.

Но не забывайте о средствах гармонизации, которые помогут вам в выполнении этих условий. Это пропорции и масштаб, контраст, нюанс и тождество, ритм. Разговор о них пойдет ниже.

Л. Лисицкий. Обложка журнала «Вещь». 1922

Для развития чувства равновесия на плоскости, для наиболее полного освоения симметричного построения композиции попробуйте выполнить ряд упражнений. Эффективнее всего в данном случае работать в технике аппликации.

Упражнение 1

Возьмите лист бумаги, лучше цветной, и положите на него один элемент любой формы, но при этом гармонически сочетающийся по цвету с плоскостью. Попробуйте найти для этого элемента такое место, которое, по вашему мнению, было бы уравновешено на плоскости. Если элемент представляет собой собранную, замкнутую форму, то есть не имеет острых углов, приближается к форме круга, то проверить правильность своего решения легко. Пересечение диагоналей, чуть выше и влево – вот его место. Если же элемент агрессивный по форме, имеет четко выраженную направленность в одну сторону то его необходимо сдвигать в обратном направлении, тем самым освобождая большее пространство на плоскости перед выступающей, пластически развивающейся частью элемента.

1. Симметричная композиция

2. Асимметричная композиция

3. Асимметричная композиция

Для приобретения навыков работы на плоскости необходимо обязательно проделать все эти манипуляции с элементом «закрытым по форме» и с элементом агрессивным или «открытым», причем в различных вариациях.

Упражнение 2

Найдя уравновешенное состояние, разверните элемент вокруг оси на 90 градусов и снова ищите равновесие, сдвигая элемент. И так несколько раз. Обратите внимание на закономерность и взаимосвязь поворота и сдвига. Это наблюдение поможет вам принять правильное решение. Помните, что готовых рецептов не существует. Главное, чтобы это упражнение заставило вас логически размышлять и помогло развить чувство равновесия на плоскости.

Упражнение 3

В первых двух заданиях мы брали один элемент, оговорив только, что цветосочетание должно быть гармоничным, но каким именно, не сказали. Наверное, положив в первый раз элемент на плоскость, вы могли почувствовать, что он мал или, наоборот, велик. Вы изменили размер и начали работать. Если же вы не обратили внимания на этот факт вначале, то присмотритесь повнимательней сейчас. Проанализируйте такое явление, как изменение цвета плоскости (а не ее размера). Сделайте это несколько раз. Обратите внимание на то, что почти каждый раз вам хочется изменить размер элемента. Это говорит о том, что количественное соотношение площади элемента и плоскости всегда должно определяться в индивидуальном порядке, а также о том, что есть цвета «тяжелые» и «легкие». Закон равновесия говорит не только о месторасположении элемента, но и о количественном и качественном соотношении его с плоскостью.

Симметричная композиция

Упражнение 4

Попробуем усложнить задачу. Для этого существующий элемент, который ранее был уравновешен, разрежем на несколько частей. В результате он распадется на некое количество элементов. Попробуйте теперь уравновесить их. Вы непременно придете к выводу, что по количественному соотношению их не хватает. Из этого следует еще один вывод: площадь пятна «одинокого» элемента может быть меньше площади нескольких элементов – при условии, что цвет и фактура плоскости и элемента (элементов) остаются неизменными и выполняется условие равновесия. К тому же, чем меньше расстояние между элементами, тем меньше они могут быть по площади. «Вес» фигуры зрительно возрастает при ее активном одиночестве на фоне. Все эти упражнения, особенно упражнение 4, можно выполнять и на компьютере. Проработав одну позицию, сохраните ее. Затем, выполнив следующую позицию, используйте предыдущее решение и наложите одно на другое. Путем сравнения выводится результат.

Упражнение 5

Попробуйте организовать плоскость, используя симметрию: с вертикальной осью, угловую, центричную. Отметьте для себя, что создать равновесие, применив симметрию, несложно. Труднее создать композицию, оригинальную по своим пластическим задачам, интересную по восприятию.

Перейдем к упражнениям, которые помогут освоить принципы равновесия асимметричной композиции.

Упражнение 6

Создайте ярко выраженную неуравновешенную композицию, состоящую из любого количества элементов, определенного колористического строя. Проанализируйте ее. Вы увидите, что она не уравновешена не только в количественном соотношении, но и в оптическом. Введите цветовое пятно или измените качество плоскости, тем самым добиваясь равновесия.

Упражнение 7

Вновь создайте неуравновешенную композицию и проанализируйте ее. Уравновесьте введением сложного по конфигурации элемента. Это может быть буква, какой-либо знак и т. п. Двигаясь от обратного, вы тем самым еще глубже исследуете причину неуравновешенности, а затем, устраняя ее, еще раз проанализируете свои действия, которые помогут организовать плоскость.

Симметричная композиция

В результате выполнения этих упражнений должны появиться элементарные навыки работы с плоскостью. Вы должны также обратить внимание на то, что в двух последних упражнениях с введением сложных по форме элементов или активного цветового пятна в композиции появились акценты, правильнее сказать, доминанты. При их помощи был организован композиционный центр.

ОРГАНИЗАЦИЯ КОМПОЗИЦИИ

ОРГАНИЗАЦИЯ КОМПОЗИЦИИ Я. ЧерниховКомпозиция (от лат. compositio – составление, связывание) – построение художественного произведения, обусловленное его содержанием, характером и назначением и во многом определяющее его восприятие. Композиция – важнейший, организующий

СРЕДСТВА ГАРМОНИЗАЦИИ КОМПОЗИЦИИ

СРЕДСТВА ГАРМОНИЗАЦИИ КОМПОЗИЦИИ Ритм – одно из средств, наиболее часто употребляемых для создания гармоничной композиции. Это средство отражает связь человеческой природы и деятельности, в том числе и творческой, с

Композиции рельефов

Композиции рельефов Рассмотрите тарелку с рельефной резьбой (фото 60). Осиновая заготовка, в диаметре 36 см, выполнена на токарном станке. Образ ромашки, с повторяющимися элементами, напоминает солнце, с надеждой, что в финале изделие будет вызывать добрые и теплые чувства.

7 Анализ композиции

7 Анализ композиции Общее понятие композицииДетали изображенного мира и их словесные обозначения в литературном произведении располагаются определенным образом, с особым художественным смыслом. Такое расположение и составляет третью структурную сторону

ГЛАВА 2 ВОСПРИЯТИЕ ИЗОБРАЖЕНИЯ И ЗАКОНЫ КОМПОЗИЦИИ

ГЛАВА 2 ВОСПРИЯТИЕ ИЗОБРАЖЕНИЯ И ЗАКОНЫ КОМПОЗИЦИИ Долгое время законы композиции считались чем-то абстрактным, выведенным из жизни, часто надуманным. Споры о том, надо ли соблюдать законы композиции при фотосъемке или можно обойтись и без них, продолжаются до сих пор.

ЗАКОНЫ КОМПОЗИЦИИ В ФОТОГРАФИИ МЕЛКИЙ ПЛАН, СРЕДНИЙ ПЛАН, КРУПНЫЙ ПЛАН (ФРАГМЕНТ)

ЗАКОНЫ КОМПОЗИЦИИ В ФОТОГРАФИИ МЕЛКИЙ ПЛАН, СРЕДНИЙ ПЛАН, КРУПНЫЙ ПЛАН (ФРАГМЕНТ) Эти понятия являются базовыми в фотографической композиции. Если брать изображение человека или какого-либо объекта, то на мелком плане они будут изображены полностью на фоне какого-либо

ЛИНИИ В КОМПОЗИЦИИ

ЛИНИИ В КОМПОЗИЦИИ О линиях еще древнекитайские мудрецы говорили как о «линиях силы», которые образуют абрис контуров предметов, пейзажей, фигуры человека, являются основными в композиции. Разглядывая объект издали, зритель улавливает его «линии силы», а разглядывая

30. Вступление как элемент композиции

30. Вступление как элемент композиции Успех выступления во многом зависит от того, как оно начато, насколько оратору удалось заинтересовать аудиторию. Неудачное начало может свести интерес публики к нулю, рассеять их внимание. Учеными установлено, что лучше всего

О композиции. Равновесие. — fontanka167 — LiveJournal

Не претендуя на истину в последней инстанции, и на особую научность или «учёность», публикую здесь этот свой текст. Предложенный материал основан большей частью на прочитанной в свое время книге Шорохова «Основы композиции». Думаю, что при желании, информации по данной теме можно найти в сети немало. Я же постараюсь излагать все более-менее просто, без излишних научных терминов и подробностей.

Композиция как термин .
Что обозначает само слово: «композиция»?  В переводе на русский язык — это: сочинение, составление, расположение.

Композиция в изобразительном искусстве.

В процессе обучения рисованию, композиция — как предмет изучения — очень важна . Иногда говорят, что нельзя «научить композиции». Это спорный вопрос и верно только отчасти. Существуют определенные «правила» и закономерности построения изображения на плоскости. Хотя (надо признать это),   довольно часто они нарушаются художниками, и именно для достижения своих вполне определенных целей. Тем не менее, вот такое формальное «построение», продуманный подход к своей работе, определенные знания терминов и понятий, всё-таки, помогают в работе над композицией.

Другое дело, что одних только этих знаний не достаточно. Для того, чтобы создать картину, придумать интересную композицию, надо еще уметь думать и чувствовать. Ведь важно не только «как», но и «что» (о чём). Каждая композиция (картина) должна о чём –то говорить (рассказывать), нести какой-то эмоциональный заряд, выражать какую-то (пусть самую простую) мысль, не зависимо от жанра картины (станковой композиции), будь это – натюрморт, пейзаж, портрет или жанровая (сюжетная)композиция.

Когда-то мне встречалось такое мнение, что художник в своем развитии проходит некоторые стадии.  Мне показалось это довольно верным. Это выглядит примерно так, когда его композиция:

1).простая и «плохая»,

2).сложная и плохая,

3).сложная и хорошая,

4).простая и хорошая.

Таким образом, мы видим, что в своем развитии, в процеесе своего творчества (или учебы, если иметь в виду ученика) художник (ученик) проходит путь от простого и «плохого» — к простому и хорошему через сложное. Вот так замысловато я выражусь. Надеюсь, что это более – менее понятно. Если есть вопросы, их можно задать в комментариях к посту.

Понятия и термины, применяемые в композиции. Их много. И все они всегда присутствуют неразрывно в каждой композиции. Но, рассказывать обо всем одновременно все равно не получится, поэтому начнем с самого простого и очевидного. Предварительно договоримся о том, что все эти вещи довольно субъективны, и зависят от восприятия и уровня подготовки отдельных людей. Но, тем не менее, все они объективно существуют и с этим надо просто согласиться.

Равновесие в листе.

Пожалуй, что это самое простое и понятное, но, тем не менее, это понятие нельзя обойти стороной. Объяснение будем проводить на примерных заданиях.

Возьмем чистый, белый лист бумаги. И лист серой и черной, либо каких-то других цветов. Можно даже взять, например, газету. Вырежем несколько разных фигурок. Например, три: большую (светлую, отличную от белой), среднюю – серую, и темную – самую маленькую.

Здесь можно добавить еще такой момент, что светлые предметы зрительно кажутся «легче», чем темные. Т.е. небольшое темное пятно может уравновешиваться более крупным, но более светлым. Это тоже важно иметь в виду. Далее будем располагать их в листе, двигая их, относительно друг друга. Добиваясь ощущения того, что эти предметы являются «группой», существуют как одно «целое».

Задание можно выполнять просто как аппликацию, либо рисовать ее в фотошопе или даже в кореле (либо другом графическом редакторе). Каждая фигурка должна быть на своем слое, тогда их можно будет свободно перемещать.

Итак. Рис.1.

Вот две фигурки на рис.1. Мы видим, что они сгруппированы в левой части листа. При этом, создается ощущение, что левая часть перевешивает, становится более «тяжелой», тк правая не оправданно пустая.  А белое пустое пространство справа кажется легким, по сравнению  с левой частью, заполненной изображением.

              Рис.2

Передвинем фигурки и добавим еще одну. Вот так, например. 
Но и теперь, пустого пространства справа и снизу остается чуть больше, чем слева и сверху. И равновесие все еще не достигнуто. 

          Рис.3

Но вот же! Вот этот вариант, кажется хорош! Все равномерно распределено. Ничего не перевешивает. Но что-то как будто не так. Что же? Да просто, теперь все эти предметы существуют как- бы отдельно. Каждый сам по себе. Между ними слишком большие расстояния и они отрываются друг от друга. Нет «цельности». Запомним этот термин. Цельность (или целостность). Это важный элемент композиции! Нет цельности — и все разваливается на куски. Так часто говорят, когда обсуждают композицию.

          Рис.4
 

Двигаем фигурки дальше. А как вам такой вариант? Есть в нем нечто неприятное, правда? Какая-то «непонятность», если можно так выразиться. Круг касается прямоугольника. Он к нему как-бы «прилип». Его положение неопределенно. Это плохое расположение фигур. Касание. Лучше, когда фигуры либо чуть-чуть перекрывают друг друга, либо между ними есть небольшое расстояние.

            Рис.5

Ну вот, хотя бы так. Между фигурами нет больших разрывов, мы видим, что они соствляют группу, и края листа тоже не перевешивают. Вот такой простой пример. Задание: на равновесие композиции в листе. Здесь же мы еще упоминали термин «цельность». Это важно запомнить тоже. 

      Задание полезно выполнить, не смотря на то, что оно кажется довольно легким. Эта тренировка не помешает, а только укрепит в вас уверенность, что все не так уж сложно. Бывает, что довольно мучительное чувство неуверенности возникает при поиске равновесия 🙂 А ведь как часто нам нужно «вписать» какие-то фигуры в определенный, заданный формат, который нельзя изменить. Не всегда бывает возможность подправить его (обрезать или подклеить лист) под свое изображение.
      Поэтому, всегда, когда вы начинаете свой рисунок, вы должны начинать с того, что нужно определить размеры изображения (фигуры или группы фигур) и его место в листе (формате). С тем, чтобы изображение не было слишком мелким, либо слишком крупным для вашего формата. Не забывая, конечно, же о равновесии и цельности (целостности), если фигур несколько.
Всем удачи!
 

Равновесие и ритм в академическом рисунке| АРТАКАДЕМИЯ Курсы рисования Киев

Что такое равновесие в предварительном рисунке композиции карандашом?

Оглавление

• 1 Что такое равновесие в предварительном рисунке композиции карандашом?
• 2 Рамки изображения в рисунке карандашом
• 3 Проверка сбалансированности изображения
• 4 Свежий взгляд
• 5 Ритм в рисунке
• 6 Закон непрерывности
  • 6.1 Больше про академический рисунок тут:

Поиск в изображении равновесия на курсах рисунка карандашом, то есть определенного, приятного глазу, расположения и соотношения отдельных предметов или частей изображаемого объекта – одна из самых важных задач при создании композиции.

У всех есть определенное интуитивное понимание того, как можно добиться этого равновесия – но этого не достаточного. Вам нужно научиться смотреть на натуру с точки зрения рисовальщика – как на комбинацию линий и тональных плоскостей. Равновесие в композиции будет зависеть от того, находятся ли они в гармонии.

Рамки изображения в рисунке карандашом

При кадрировании вы устанавливаете границы изображения, которое хотите показать, обращая внимание на цветовые массы, находящиеся в пределах вашей условной рамки.

Нередко при работе с пейзажем, например, достаточно немного изменить кадрирование, чтобы сделать изображение более интересным, так как любой пейзаж предусматривает возможность нескольких композиционных решений, многие из которых будут более или менее удачными. Выбирая условную рамку изображения, не забывайте, что элементы, расположенные ближе к центру, будут визуально уравновешивать его, в то время как элементы, находящиеся ближе к краям – наоборот, расшатывать это равновесие.

 

Чтобы добиться сбалансированного рисунка, нужно принимать во внимание тональные зоны. Обратите внимание, как художник сбалансирован тона и формы крыш на этом рисунке.

 

Наиболее сбалансированное изображение, несомненно, симметричное, то есть такое, где одинаковые массы повторяются справа и слева на листе (А). Если вы хотите нарушить этот баланс, измените соотношение тональных масс. Например, если представить, что лист – это весы, на рисунке (В) очевидно, что одна сторона изображения «перетягивает» другую. Такое нарушение равновесия легко исправить – достаточно просто передвинуть меньший черный квадрат выше по листу (С), и зрительный эффект, достигаемый таким способом, сделает остальное за вас. Прямоугольные формы всегда кажутся тяжелее, чем округлые, поэтому для визуального равновесия круг должен быть выше квадрата схожего размера (D).

 

Проверка сбалансированности изображения

Есть легкий способ проверить, находятся ли массы на вашем рисунке в равновесии, нет ли нарушения пропорций и хорошо ли он выглядит в целом – для этого нужно просто перевернуть изображение вверх ногами, на 180 градусов. Это позволит дистанцироваться от рисунка и взглянуть на него свежим взглядом. Работу можно считать хорошо скомпонованный и сбалансированной, если объект или пятно как бы поддерживается в листе и не выглядит так, как будто вот-вот упадет. Композиция «заваливается», если вы не сбалансирован объекты и массы.

Вы также можете проанализировать и проверить свою композицию, отразив ее в зеркале. В отражении легче найти ошибки, чем собственно в рисунке.

 

Свежий взгляд

Если вам кажется, что с изображением что-то не так, возможно, вы допустили какую-то ошибку в композиции или построении. Это не всегда может быть очевидно с первого взгляда. Возможно, стоит на некоторое время отложить изображение и вернуться к нему позже, так как после паузы в работе вы вероятнее сможете понять, что же именно не так, и найти ошибки в пропорциях или балансе.

Есть несколько методов, с помощью которых вы можете проанализировать, все ли вы делаете правильно. Самые простые – это перевернуть изображение вверх ногами (1) или отразить его в зеркале (2) – и то и другое поможет обнаружить недостатки композиции.

Вам стоит работать, находясь и от натуры, и от работы на некотором расстоянии – если вы сидите или стоите слишком близко к бумаге, вы с большей вероятностью допустите ошибку в пропорциях, балансе или перспективе.

Ритм в рисунке

Ритм в академическом рисунке имеет ту же функцию, что и в музыке – он сводит воедино различные элементы изображения и придает выразительный характер композиции. Ритм получается с помощью систематического повторения мотивов, упорядоченных цветов, штрихов или линий, последовательность которых будет вести взгляд зрителя по работе.

Все изображение можно так или иначе свести к последовательности прямых, кривых, прерывистых линий и их комбинациям. Повторение линий, идущих в одном направлении, и создает ритм. В рисунке этого можно добиться с помощью повторения и плавного перехода друг в друга линий или штрихов, что можно продемонстрировать с помощью закона непрерывности, разработанного британским художником XIX века.

Закон непрерывности

Закон непрерывности в карандашном рисунке – метод создания единства изображения с помощью череды упорядоченных линий или элементов сцены: например, ритмическая последовательность колонн в храме выглядит интереснее, если они уходят в перспективу и постепенно становятся менее отчетливы.

То же самое работает с последовательностью уходящих вдаль холмов, окружающих долину, или облаков, постепенно размывающихся по мере удаления от зрителя. У каждого холма и облака есть своя определенная форма, но, тем не менее, они отчетливо следуют друг за другом, создавая спокойный и предсказуемый порядок.

Закон непрерывности позволяет с помощью штрихов вести взгляд зрителя по изображению. Если вы пользуетесь этим методом, штрихи или линии создают как бы водные потоки или волны на поверхности изображения. Вы можете оценить этот эффект на примере приведенного здесь рисунка пляжа.

Целью художника здесь было достичь выразительности с помощью контроля над штрихами, которые передавали бы волнообразное, гипнотизирующее движение облаков и воды. Как вы можете видеть, штрихи передают движение расходящихся от солнца и сходящихся в одной точке облаков. Штрихи, составляющие облака, перетекают в фактуры пляжа и оттуда – в волны моря, создавая непрерывное движение, созвучное с движением облаков. Этот ритм сводит воедино все элементы изображения и придает ему выразительный характер.

 

Данное упражнение рисунка карандашом продемонстрирует, как преобразовать эту фотографию в выразительный рисунок с помощью повторяющихся линий, которые будут вести взгляд зрителя по изображению.

1.     Перед началом рисунка сделайте набросок. На этом скетче художник стрелками обозначил направления будущих штрихов и линий, перетекающих из одной зоны рисунка в другую. Обратите внимание, что стрелки начинаются в море, вверх по дереву на переднем плане поднимаются вверх, к небу, продолжаются там и, наконец, вновь опускаются в море.
2.     Графитовым карандашом средней твердости начните покрывать поверхность листа, обращая внимание на изначально заданное направление стрелочек.
3.     Рисунок почти закончен, и вы можете видеть, как применение «закона непрерывности» позволяет с помощью волнообразных штрихов и линий захватить и увести взгляд зрителя по поверхности изображения.
4.     В качестве завершающего штриха добавьте контраста в теневых зонах. Обратите внимание на то, как направления штрихов соотносятся с изначально намеченными в наброске стрелочками. Контроль над направлением линий создает характерный волнообразный ритм.

 

Чтобы организовать объекты в листе, представьте, будто они лежат на весах – убедитесь, что объекты, расположенные на правой стороне, «весят» столько же, сколько объекты слева.

Больше про академический рисунок тут:

Композиция в академическом рисунке карандашом

Метод Лоррена: гармония в композиции

Что такое академический рисунок как классическое искусство?

Летний набор на курсы академического рисунка

Курсы академического рисунка — как правильно строить объекты в перспективе.

Обучение академическому рисунку — теория света, полутона и тени

Предварительная подготовка к курсам рисования карандашом

Упражнения по академическому рисунку

Правила линейной перспективы и их применение на курсах рисунка карандашом

Курс рисунка карандашом эллипса и круга — как рисовать подобные фигуры?

Как рисовать окружность на курсах рисунка каранадашом

Практическое занятие по наброскам фигуры на курсах рисунка карандашом 

Описание академического рисунка губ человека с примерами набросков — программа для среднего и высшего уровня подготовки.

Академический рисунок губ человека карандашом

Заметки о перспективе в японском искусстве

Курсы рисунка кистей рук карандашом.

Как рисовать кисти рук: Конструкция

Рисунок фигуры человека карандашом

Академический рисунок фигуры человека

Курсы рисунка шара карандашом 

Учитесь рисовать портреты? Начните с шара

Как рисовать углем, графитовым карандашом?

Рисование графитовым карандашом: линия, свойства, контроль

Уголь, материал для академического рисунка

Уголь — материал академического рисунка

Как научиться рисовать цветными карандашами мы покажем тут

Курсы рисунка цветными карандашами.

Обучение профессиональному штриху на курсе рисунка карандашом для взрослых

Постановка профессиональных линий в рисунке карандашом

Академический рисунок пером и тушью

Как штриховать расскажет курсы рисунка карандашом

Научитесь рисовать натюрморт разными материалами

Курсы рисунка карандашом шара

«НЕУСТОЙЧИВОСТЬ КОМПОЗИЦИОННОГО РАВНОВЕСИЯ В ЖИВОПИСИ»

Евин Игорь Алексеевич
Институт машиноведения Российской Академии Наук

В статье рассматриваются вопросы композиционного равновесия в живописи и методе его экспериментального исследования. Обсуждаются причины неправильной трактовки проблемы устойчивости композиционного баланса в живописи Р.Арнхеймом.
In this paper the problems of compositional balance in painting and method of its experimental investigation are considered. The reason of wrong interpretation by R.Arnheim stability of compositional balance is discussed.

ВВЕДЕНИЕ

Понятие неустойчивости практически отсутствует в психологических науках, в том числе в психологии искусства и во всем искусствознании в целом, хотя неустойчивость — принципиальное свойство функционирования мозга и самого феномена искусства. Это можно объяснить тем, что психология и искусствознание сформировались, и долгое время развивались, под влиянием классической научной парадигмы, рассматривающей окружающий нас мир как устойчивую, детерминированную, предсказуемую систему.

Это привело к тому, что в тех вопросах теории искусства, где без этого понятия обойтись принципиально невозможно, часто возникают либо путаница, либо ошибки, связанные со стремлением совместить принципы организации искусства и мозга со старой научной парадигмой устойчивого и предсказуемого мира. Весьма поучительно, например, рассмотреть влияние детерминистической картины мира на представление о свойствах композиционного равновесия в живописи на примере работ известного американского теоретика искусства Рудольфа Арнхейма.

ЧТО ТАКОЕ КОМПОЗИЦИОННЫЙ БАЛАНС?

На протяжении многих столетий искусствоведы и сами художники утверждают, что основным композиционным принципом в Западноевропейской живописи является принцип равновесия, баланса. Принцип композиционного баланса гласит, что художественные элементы картины сгруппированы и организованы на плоскости картины таким образом, что имеет место композиционное равновесие перцептивных сил [1]. Несмотря на такую не совсем четкую формулировку (не существует строгого определения понятия «перцептивной силы»), смысл композиционного равновесия очень прост и понятен (Рисунок 1). Он аналогичен физическому равновесию, когда действующие на тело силы взаимно уравновешены (их векторная сумма равна нулю).

В композиционном равновесии участвуют такие факторы, как формы объектов, их цвет, устойчивость и неустойчивость объектов и т.д. При этом темные цвета, большие предметы и объекты необычной формы выглядят тяжелее, чем светлые цвета, мелкие предметы и объекты регулярной, обычной формы.

Рисунок 1. Композиционное равновесие картины, как и равновесие на весах, является неустойчивым.

В последнее время проблема композиционного баланса возникла также в компьютерной графике при создании «дружественного» интерфейса, когда требуется, чтобы созданная на экране дисплея графические элементы были сбалансированы как по горизонтальной, так и по вертикальной оси (Рисунок 2)

Рисунок 2. Пример сбалансированного и несбалансированного композиционного решения на экране дисплея

Предложены также некоторые количественные критерии композиционного баланса применительно к задачам компьютерной графики. Эмпирическим критерием композиционного равновесия живописного произведения может служить характер распределения точек фиксации внимания при восприятии картины.

КАК ПРОВЕРИТЬ КОМПОЗИЦИОННОЕ РАВНОВЕСИЕ КАРТИНЫ

На Рисунке 3Б показаны точки фиксации внимания семи различных людей при осмотре картины французского художника-импрессиониста Сера ( Seurat ) » Воскресная прогулка на острове Гранд-Жатт «. Число точек в левой половине картины равно числу точек в правой половине, что и означает, что художником найден композиционный баланс.

А)

Б)

Рисунок 3. А) Картина Ж.Сера » Воскресная прогулка на острове Гранд-Жатт » как пример сбалансированного композиционного решения. Б) Точки фиксации внимания при восприятии этой картины для семи испытуемых.

Если в картине встречаются устойчивые и неустойчивые объекты, то неустойчивые кажутся тяжелее устойчивых. В картине П.Пикассо «Девочка на шаре» композиционный баланс достигается между неустойчивым равновесием хрупкой девочки, стоящей на шаре и устойчивым состоянием массивного атлета, сидящего на большом кубе (Рисунок 4).

Рисунок 4. Композиционное равновесие неустойчивых и устойчивых элементов в картине П.Пикассо «Девочка на шаре»

Иногда понятия “равновесие” и “устойчивость” рассматриваются как синонимы, что совершенно неправильно. Тяжелый шарик на дне глубокой ямы находится в устойчивом равновесии, поскольку, если отклонить его из этого состояния, возникнет возвращающая сила, которая вернет его в первоначальное положение. Напротив, шарик на вершине холма находится в неустойчивом равновесии, поскольку небольшое отклонение из этого состояния приведет к скатыванию шарика к подножию холма (Рисунок 5).

А)	Б)

Рисунок 5.  Устойчивое А) и неустойчивое Б) равновесие тяжелого шарика

П.А.Флоренский в одной из монографий рассматривает проблему устойчивости различных ракурсов в портретной живописи [3]. Фасовый портрет очень часто используется для идеализации изображаемого и поэтому широко применяется, например, в иконописи при изображении святых. Композиционно фас, вследствие симметрии, обладает свойством неустойчивого равновесия. Профильное изображение в композиционном смысле не уравновешено вследствие своей ассиметричности. В профиль обычно изображаются выдающиеся деятели государства, культуры и науки, поскольку любая активная деятельность связана с нарушением симметрии.

Обратим внимание, что в упомянутой выше картине Пикассо голова девочки изображена приблизительно в ракурсе три четверти, то есть где-то между фасом и профилем, что придает ее изображению некоторую неоднозначность [4], а значит и неустойчивость, одновременно показывая чистоту и невинность девочки, и некоторое активное начало свойственное ее возрасту. Голова же атлета дана в профиль, что вносит небольшой неуравновешенный элемент в его в целом устойчивое состояние.

Совершенно очевидно, что в целом композиционное равновесие в картине всегда неустойчиво, поскольку любой изменение (например, дополнение или изъятие любого элемента картины) нарушает этот баланс. Многие искусствоведы, когда говорят, чем отличается гениальная картина от других картин, даже от копии той же эпохи, говорят, что это отличие “чуть-чуть”. Можно предположить, что в точном подчинении гениальной картины принципу композиционного равновесия и заключается одно из проявлений этого самого «чуть-чуть».

Между тем как теоретики искусства, так и сами художники единодушно утверждают, что это композиционное равновесие в живописи устойчиво. Например, известный теоретик искусства Рудольф Арнхейм в книге «Искусство и визуальное восприятие» прямо утверждает, что это равновесие устойчиво.

«Почему изображение на картине нуждается в равновесии? Надо напомнить, что в визуальном смысле, так же как и в физическом, равновесие — это такое расположение элементов композиции, при котором каждый предмет находится в устойчивом положении, как, например, загнанный в лузу бильярдный шар» [1]. При этом Р.Арнхейм, физик по образованию, отнюдь не путает понятия «равновесие» и «устойчивость».

Анализируя причины устойчивости композиционного равновесия, Арнхейм утверждает, что в физиологических процессах, протекающих в коре головного мозга, также существует стремление к устойчивому равновесию. Гносеологические корни этого принципа устойчивого равновесия он совершенно справедливо ищет в общей научной парадигме своего времени: «Психология мотивации извлекла большую пользу из способа мышления, который привел к подобным выводам ученых различных областей знания. Принцип энтропии в физике, известный также под названием второго закона термодинамики, гласит, что каждое состояние изолированной системы представляет собой необратимый процесс уменьшения активной энергии. Вселенная стремится к состоянию равновесия, в котором устраняются все существующие несимметричные образования.» [1] .

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

В этих рассуждениях Р. Арнхейма очень красноречиво представлена суть традиционного детерминистического мировоззрения, базирующегося на гипотезе об устойчивости состояний и процессов в природе и перенесение этого мировоззрения на психологию. Между тем, процессы в живых системах, включая процессы в головном мозге, далеки от термодинамического равновесия и для живой природы свойственны процессы, ведущие к неустойчивому равновесию и к возникновению механизмов стабилизации этих состояний неустойчивого равновесия.

Принцип неустойчивого равновесия является фундаментальным принципом композиции для всего искусства и можно утверждать, что искусство, как мозг и, как вся живая природа, функционирует вблизи неустойчивого состояния [4, 5].

ЛИТЕРАТУРА

Арнхейм З. Искусство и визуальное восприятие. -Благовещенск, 2000. –234с 
Locher P. The Contribution of Eye-Movement Research to an Understanding of the Nature of Pictorial Balance Perception: A Review of the Literature. //Empirical Studies of Arts. -1996. -v.13. -N2. P. 143-163 . 
П.А.Флоренский. Анализ пространственности и времени в художественно-изобразительных произведениях. Москва, Прогресс, 1993 
Евин И.А. Искусство и синергетика. –М.: УРСС, 2003, -156с 
Пригожин И. Конец определенности. –Ижевск. 1999, -234с

Равновесие — принцип искусства

Равновесие относится ко многим вещам. В детстве мы учимся балансировать свое тело. Езда на велосипеде требует балансировки объекта. Даже то, как мы организуем свое время, требует определенного баланса.

У всех нас есть собственное чувство визуального баланса . То, как мы благоустраиваем газоны, расставляем мебель или сочиняем произведения искусства, раскрывает наше отношение к визуальному балансу. Все люди одинаково относятся к тому, что делает произведение искусства сбалансированным или несбалансированным, с небольшими личными вариациями, конечно.

Баланс — один из принципов искусства и дизайна. Принципы отличаются от элементов искусства. Элементы искусства — это основные компоненты, из которых состоит произведение искусства… линия, форма, форма, значение, текстура, пространство и цвет. Принципы касаются того, как элементы искусства расположены в произведении искусства. По сути, принципы искусства тесно связаны с композицией.

См. также: 5 советов по улучшению композиции

Баланс относится к общему распределению визуального веса в композиции. На хорошо сбалансированную композицию приятно смотреть.

Каждый визуальный компонент произведения искусства имеет визуальный вес. В отличие от фактического веса, визуальный вес не измеряется с помощью весов, а вместо этого должен наблюдаться. Визуальный вес балансируется вокруг оси произведения искусства. Ось может быть вертикальной, в которой визуальные элементы балансируют по обеим сторонам оси. Произведения искусства также могут балансировать вокруг горизонтальной оси, на которой визуальные элементы балансируются сверху вниз.

Баланс бывает трех видов: симметричный, асимметричный и радиальный . Симметричные и радиально сбалансированные произведения искусства используют формальный баланс . Асимметричный баланс совсем другой и его также называют неформальным балансом . Давайте подробнее рассмотрим три типа баланса, а затем рассмотрим, как управлять чувством баланса в искусстве.

Симметричный баланс

Симметрия — это тип формального баланса, при котором две половины произведения искусства отражают друг друга. Этот тип баланса знаком и распространен. Человеческое тело уравновешено симметрично, как и наша планета, наши автомобили, одежда, мебель и т. д. Симметрия накладывает сильное чувство порядка и стабильности как на композицию, так и на предмет.

Приблизительная симметрия — это просто симметрия с оттенком разнообразия. При использовании приблизительной симметрии элементы по обе стороны от композиционной оси одинаковы по размеру, форме и количеству, но не являются зеркальными отражениями друг друга.

Радиальный баланс

Радиальный баланс — это симметрия в нескольких направлениях. Визуальные элементы располагаются вокруг центральной точки композиции, как спицы на колесе телеги. Часто радиально сбалансированные конструкции имеют круглую форму. Другие формы также подходят для радиального баланса — квадраты, шестиугольники, восьмиугольники, звезды и т. д.

В природе мы легче всего наблюдаем радиальное равновесие в форме цветов.

Радиальный баланс преобладает и в человеческом дизайне; автомобильные колеса, архитектурные купола, часы, крышки люков, компас и т. д.

Асимметричный баланс

Асимметрия неформальна и кажется менее организованной, чем симметрия. Две половины сбалансированного асимметричного произведения искусства не выглядят одинаково, но имеют одинаковый визуальный вес. Асимметричный баланс более субъективен, чем симметрия и радиальная симметрия. Асимметрия позволяет сделать композицию более разнообразной, чем симметрично сбалансированные конструкции. Он обеспечивает то же «удобное» ощущение, что и симметрия, без использования одинаковых элементов по обе стороны от центральной оси.

Многие художники ценят асимметричный баланс, потому что он кажется менее жестким и более реалистичным, чем симметричный баланс. Хотя симметрия ясно показывает стремление художника представить визуально сбалансированный образ, асимметричный баланс не возникает случайно, а вместо этого требует планирования и намерения.

Как создать баланс в искусстве

Ниже приведены четыре переменные, влияющие на баланс композиции. Нижеследующее не является исчерпывающим набором уравновешивающих сил, но эти переменные могут послужить отправной точкой для изучения баланса в вашем собственном искусстве.

1. Размер

Крупные объекты имеют больший визуальный вес, чем мелкие, при прочих равных условиях. Если два объекта разного размера должны уравновешивать друг друга, то меньшему объекту потребуется увеличение визуального веса. Этот визуальный вес может прийти в виде дополнительных меньших объектов или, возможно, достаточного отрицательного пространства вокруг объекта.

2. Цвет

Яркие цвета визуально тяжелее тусклых. Кроме того, если два цвета одинаковой интенсивности, то более теплый из двух цветов имеет больший визуальный вес.

Посмотрите на изображение ниже. Кусочек торта слева ближе и, следовательно, больше на вид. Оба кусочка торта одинаково расположены относительно воображаемой вертикальной оси, разделяющей композицию. Большой ломтик должен перевешивать маленький, за исключением цвета. Более яркие цвета компенсируют разницу в размерах, поэтому два фрагмента имеют одинаковый визуальный вес.

3. Позиция

По крайней мере, в одном случае двухмерное расположение визуальных компонентов определяется нашим реальным опытом работы с весом и физикой. Рассмотрим детские качели. Если двое детей по обе стороны качелей имеют одинаковый вес, то они будут уравновешивать друг друга.

Однако, если один ребенок больше другого, то больший ребенок должен будет сместиться к центру, чтобы уравновесить меньшего. То же самое и в искусстве. Так, чем ближе визуальная составляющая к краю композиции, тем она становится визуально тяжелее. Аналогично, чем ближе компонент к центру, тем светлее он становится.

Посмотрите на изображение ниже. Посмотрите, как меньшее отверстие от пончика в крайнем правом углу визуально уравновешивает больший пончик слева от центра.

Стоит отметить, что даже когда визуальный компонент становится светлее ближе к центру, его воспринимаемая важность может возрасти из-за более центрального расположения.

4. Текстура и узор

Текстура и узор — схожие понятия в искусстве. Каждая из них определяется частыми изменениями контраста, обычно создаваемыми значением (яркостью или темнотой цвета). Текстура и узор добавляют визуальный вес. Вы можете настроить уравновешивающие силы в искусстве, добавляя или уменьшая количество текстуры и узора в данной области.

Большая область гладких ровных значений будет сбалансирована с небольшой областью узора/текстуры. Посмотрите на асимметричное изображение ниже. Пирог и кексы отображаются в цветах низкой интенсивности. Следовательно, цвет не является фактором их сравнительного визуального веса. Размер пирога делает его визуально тяжелым. Кексы и клетчатая поверхность уравновешивают пирог, потому что их узоры добавляют ему достаточно визуального веса.

Заключение

После последовательного создания сбалансированных композиций вам следует подумать о том, что баланс общается с вашей аудиторией. Несбалансированная композиция — это не всегда неправильно. Дисбаланс вызывает у зрителя тревожное чувство, которое иногда уместно при изображении пугающих или опасных концепций, таких как война или неопределенность.

Неважно, предпочитаете ли вы симметричный или асимметричный баланс. У каждого есть своя цель в создании ваших работ. Самое главное, чтобы вы целенаправленно управляли и использовали баланс в своем творчестве, выбирая наилучшую форму баланса на основе вашего предмета и сообщения.

Типы баланса в искусстве и дизайне и зачем они нужны

Баланс, то есть способ расположения визуальных элементов на макете, является одним из ключевых принципов графического дизайна и искусства, помогая изображению чувствовать себя стабильным и в целом приятно смотреть.

Хотя элементы, из которых состоит изображение, не имеют физической массы, баланс придает этим элементам визуальный вес, позволяя некоторым казаться тяжелее или легче других. Если вы когда-нибудь смотрели на изображение и думали, что что-то маленькое от по этому поводу, но не могу точно определить почему, вполне вероятно, что плохой баланс является фактором. Точно так же изображение, на которое приятно смотреть, вероятно, будет использовать один из четырех типов баланса — симметричный, асимметричный , радиальный или кристаллографический — для получения профессионального результата.

Четыре типа баланса, которые можно использовать в искусстве, дизайне и фотографии: симметричный, асимметричный, радиальный и кристаллографический.

Принцип дизайна, которым часто пренебрегают, известные художники часто инстинктивно применяют баланс, но мы все можем извлечь пользу из небольшого обучения балансу, чтобы сделать наши проекты, фотографии и иллюстрации как можно лучше. Читайте дальше, чтобы узнать, как вы можете применять четыре типа баланса в своих проектах для создания привлекательных изображений.

---

Что такое баланс в искусстве?

Баланс — это распределение элементов в дизайне или художественном произведении. Человеческий глаз всегда ищет порядка и стабильности в изображениях. Это психологическая причина того, почему нас привлекают симметричные лица и объекты. Назначая элементам изображения визуальный вес, мы можем способствовать ощущению баланса и стабильности, помогая расслабить глаза и сделать изображение более привлекательным.

Симметрия, при которой изображения имеют повторяющийся, зеркальный вид, является одним из наиболее интуитивно понятных и распространенных типов баланса. Изображение предоставлено автором YAAV.

Хотя баланс присутствует в некоторых доисторических и ранних произведениях искусства, принцип баланса был формализован художниками эпохи Возрождения. Леонардо да Винчи был особенно известен своим стремлением к равновесию в таких картинах, как Тайная вечеря и его знаменитый рисунок Витрувианский человек ( «Пропорции человеческого тела» ). Да Винчи основывал последний рисунок на учении римского архитектора Марка Витрувия Поллиона, который утверждал, что пропорции храма должны отражать пропорции человеческого тела, которое, как он считал, имеет идеальные пропорции.

---

Всегда ли баланс означает симметрию?

Хотя баланс может сразу напомнить о симметричном балансе, на самом деле симметрия является лишь одним из четырех типов баланса в искусстве и дизайне. Сказав это, принцип симметрии, безусловно, влияет на три других типа, поскольку каждый тип стремится имитировать влияние симметрии на мозг.

Например, несмотря на то, что асимметричное изображение не может быть разделено пополам и получить зеркальное отображение с обеих сторон, тот факт, что более тяжелые и более легкие элементы стремятся уравновесить друг друга (например, два легких элемента на один тяжелый элемент), воспроизводится стабилизирующий эффект, который симметрия оказывает на зрителя.

В этом асимметричном изображении более тяжелый элемент (слон) уравновешивается увеличением высоты более легкого элемента (козы), создавая общее ощущение равенства и равновесия. Изображение автора BsWei.

Существует четыре основных типа баланса, которые можно применять в искусстве, дизайне и фотографии, одним из которых является симметрия. Четыре типа:

• Симметричные балансы
• Асимметричные балансы
• Радиальные балансы
• Кристаллографический (или мозаичный) баланс

Читайте дальше, чтобы узнать больше о каждом типе и о том, как вы можете использовать их, чтобы сделать ваши изображения более привлекательными, неотразимыми и сбалансированными.

---

1. Симметричный баланс

Что такое симметричный баланс?

Симметричный баланс достигается путем придания равного веса элементам в центральной точке композиции. Центральная точка может быть горизонтальной, вертикальной или диагональной. В результате получается повторяющееся или зеркальное (называемое идеально симметричным) изображение, которое кажется совершенно одинаково сбалансированным.

Пример симметричного баланса. Изображение автора Allexanderh.

Как использовать симметричный баланс?

Помните, как в школе создавали симметричные «хлюпающие» картины? Эти непринужденные дизайны демонстрируют, как симметрия мгновенно украшает, способная превратить грязную картину в красивое зеркальное изображение.

Симметрия по своей природе привлекательна — например, мы запрограммированы на то, чтобы находить более привлекательными симметричные лица. Связано ли это с эволюционной теорией, говорящей нам искать здорового партнера, или просто потому, что нам нравится наводить порядок в в значительной степени неструктурированном и случайном мире, ясно, что почти всем приятнее смотреть на симметричные изображения.

Изображение автора pernsanitfoto. Примеры симметрии. Изображение автора Яна Зиберта.

Одно из наиболее полезных применений симметрии заключается в том, что она может привести в порядок изображения с дефектами или беспорядком. Этот тип баланса особенно хорошо работает для широких макетов, таких как полноразмерные веб-дизайны, позволяя дизайнеру повторять изображение и улучшать неудобную область. В симметричных изображениях взгляд также притягивается к точке зеркального отражения, обычно в центре изображения. Симметричное изображение может быть хорошей техникой кадрирования, например, для размещения заголовков, призывов к действию или кликабельных кнопок.

Хотя симметричный баланс привлекателен и популярен, он также вездесущ в визуальной культуре, а это означает, что симметричные изображения могут стать похожими на белый шум. Попробуйте оживить симметричное во всем остальном изображение с помощью точки отличия, например другого цвета на одной стороне дизайна. Это поможет держать взгляд зрителя активным, а изображение привлекательным.

Вы можете видеть одинаковое распределение веса по центральной точке этого изображения. Изображение предоставлено автором Эриком Краузом.

---

2. Асимметричный баланс

Что такое асимметричный баланс?

Асимметричный баланс возникает, когда элементы макета различны, но при одинаковом весе все еще кажутся сбалансированными. Это могут быть два элемента с одинаковым весом, но разной формой, или один более крупный и тяжелый элемент, уравновешенный парой меньших фокусных точек. По сравнению с симметрией, асимметричный баланс может создавать изображения с разным уровнем привлекательности, но в целом они делают изображения более интересными и динамичными.

Как использовать асимметричный баланс?

По сравнению с симметрией, достижение идеального асимметричного баланса может потребовать немного больше экспериментов и навыков. Однако результатом могут быть изображения, которые выглядят совершенно современными, энергичными и привлекательными. Если симметрия была успокаивающим совершенством 1950-х годов, то асимметрия больше похожа на экстравагантный дух 1960-х. У обеих эпох есть свои достоинства в дизайне, но есть что-то более интригующее и освежающее в изображениях, которые кажутся немного нестандартными.

Примеры асимметричного баланса. Изображение автора Чейза Деккера.

Асимметричный баланс — это уверенность и игривость с масштабом, цветом и формой элементов макета. Идея состоит в том, чтобы удерживать внимание, потому что изображение не симметрично, но при этом способствовать общему ощущению баланса. Если два элемента слишком похожи друг на друга, они рискуют показаться плохо выполненной интерпретацией симметричного баланса. Попробуйте увеличить один элемент и уменьшить другие для большей контрастности или использовать более яркие цвета для меньшего элемента, чтобы он выглядел равным более крупным и тусклым элементам.

Расстояние также может способствовать асимметричному равновесию. Большой, тяжелый элемент, который может восприниматься как находящийся дальше или ниже, чем меньший и более легкий элемент, придаст ощущение правильности общему изображению. Расстояние и/или иерархия помогают меньшему элементу не чувствовать себя перегруженным, создавая игривый и сбалансированный образ. Все выигрывают!

Более крупный элемент в сочетании с меньшим элементом может создать ощущение игривости. Изображение предоставлено автором Николаем Качановичем.

---

3. Радиальный баланс

Что такое радиальный баланс?

Водяная рябь, внутренняя часть ракушек и солнечные лучи обладают гипнотическим, успокаивающим действием. Эти типы изображений используют радиальный баланс, чтобы привлечь внимание к центральной фокусной точке. Элементы равномерно расходятся от центра, создавая сбалансированную, успокаивающую композицию.

Как использовать радиальный баланс?

Радиальный баланс часто встречается в окружающей среде естественным образом — рябь, водовороты, годичные кольца деревьев и цветочные лепестки — все это примеры этой прекрасной формы баланса. В графическом дизайне спирали — лучший способ достичь радиального баланса, и они также могут быть полезным приемом для привлечения внимания к центру изображения. Рекламные листовки и плакаты для мероприятий часто используют принцип радиального баланса с помощью круглых рамок или границ, чтобы привлечь внимание покупателя к предложению или дате.

В фотографии снимки растений и цветов крупным планом часто демонстрируют врожденный радиальный баланс, что делает изображения безмятежными и естественно красивыми. Иллюстраторы могут создавать свои собственные спиральные конструкции, демонстрирующие радиальный баланс, с круговыми оптическими иллюзиями, использующими принцип радиального баланса и до крайности преувеличивающими его гипнотический эффект.

Изображение предоставлено Лорной Робертс. Примеры радиального баланса. Изображение автора Paggi Eleanor.

---

4. Кристаллографические весы

Что такое кристаллографические весы?

Кристаллографический (или мозаичный) баланс достигается путем придания равного веса большому количеству элементов. В результате получается не идеально симметричный узор, а тип сбалансированного хаоса, в котором несколько разных элементов объединяются в единое целое. Поскольку глаз не может найти ни одной фокусной точки на кристаллографическом изображении, наблюдатель обманут, заставляя принять изображение как сбалансированное целое, даже несмотря на то, что может быть множество различных и случайных элементов.

Как пользоваться кристаллографическими весами?

Вы можете добиться баланса мозаики в своих проектах и ​​фотографиях, наполнив макет различными элементами. Слишком разреженные макеты позволят глазу найти отдельные элементы, ослабляя эффект.

Подумайте о картинах Джексона Поллака. Хотя его работы хаотичны и разнообразны по своему характеру, в целом создается впечатление спокойного и однородного целого. Вы можете использовать разные или похожие элементы и повторять их для создания кристаллографического эффекта. Эти типы изображений часто воспринимаются глазом как фоновый шум, поэтому они хорошо работают в качестве фона и фонов для другой заметной графики или типографики.

Вы также можете позволить себе поиграть с масштабом и пропорциями. Слегка увеличенные элементы не будут подавлять более мелкие при объединении в мозаичный макет. На самом деле, эффектная комбинация элементов произвольного размера может сделать изображение более привлекательным и естественным. Вы также можете использовать аналогичную или дополнительную цветовую схему, чтобы объединить мозаичные изображения, сделав их еще более сбалансированными.

Изображение автора First_emotion. Изображение автора Milos Plazacic. Примеры кристаллографических весов. Изображение автора Carsten Reisinger.

---

В балансе

Баланс — это один из принципов, лежащих в основе того, насколько привлекательными мы находим искусство или дизайн, но это часто воспринимается как должное. Имея немного больше знаний о различных типах баланса и о том, как они могут влиять на воздействие изображений, вы можете создавать изображения, которые кажутся… в самый раз!

---

Хотите узнать больше о теории дизайна? От того, как использовать черный цвет с впечатляющим эффектом, до полного руководства по использованию золотого сечения — не пропустите эти уроки и статьи:

• Полное руководство по золотому сечению и его применению в дизайне
• Назад к черному: история, теория и палитры черного цвета
• Полное руководство по цвету в дизайне: значение цвета, теория цвета и Подробнее
• 5 идей для использования абстрактного искусства в дизайне вашего веб-сайта
• Тенденция дизайна: абстрактная геометрия, исторически современный стиль

Обложка i mage Автор: First_emotion .

Дизайн Советы по дизайну Теория графического дизайна Изучите графический дизайн

Лучшие образцы баланса в искусстве: симметричный, асимметричный и радиальный

6 мая 2015 г. 5 комментариев

Продолжая серию «Элементы и принципы искусства», эта статья посвящена хорошим примерам баланса в искусстве. Эти примеры и определения делятся на различные типы баланса в искусстве: симметричный баланс в искусстве, асимметричный баланс в искусстве и радиальный баланс в искусстве.

Я добавлю в этот список примеров баланса в искусстве, когда найду больше, так что это хороший вариант для закрепления или добавления в закладки! Горизонтальные фотоколлажи содержат не все изображения из категорий.

Загрузить бесплатный набор печатных форм «Элементы и принципы»

Этот набор печатных форм был разработан для различных способов использования в классе при обучении элементам и принципам искусства. Вы можете распечатать и повесить в своем классе в виде плакатов / опорных диаграмм или вырезать каждый элемент и принцип искусства на отдельной карточке, чтобы использовать ее в качестве манипуляции на уроке.

Что означает баланс в искусстве?

Баланс в искусстве — это то, что звучит; это чувство стабильности в произведении искусства. Чтобы создать баланс в искусстве, художники комбинируют визуальные компоненты, чтобы одна часть произведения искусства не полностью затмевала остальные. Каждый выбор, сделанный художником, является обдуманным, чтобы обеспечить равновесие и баланс в искусстве. Художники создают этот приятный эффект, используя различные типы баланса в искусстве, перечисленные ниже.

Симметричный баланс в искусстве Примеры

Что такое симметричный баланс в искусстве? Симметричный баланс в искусстве — это когда каждая половина произведения искусства идентична или очень похожа. Проведите линию через рисунок и сравните каждую сторону.

• Cimabue, Santa Trinita Madonna , 1280-90
• Pietro Perugino, Христос, дающий ключи от Святого Петра , 1481–1482
• Американский век 190 года, Cutrout из живота 9002 9-й. 0156
• Frida Kahlo, Selfortrait , 1940
• Chokwe People, African, Chibinda Ilunga , середина 1
• Naum Gabo, Untitled Sculpure in Rotterdam, The Natherseef,
• , 902, 900, Untitled Sculpure in Rotterdam, The Nother, 905, , непревзойденная ральнизация в Rotterdam, Nathef
• , Untitled Sculpure in Rotterdam, The Nother. , Восточные маки , 1928
• Диего Ривера, День цветов , 1925
• Древняя Греция, Парфенон , 447-438 до н.э.
• Тапирапе, Маска из перьев Cara Grande , c. 1960
• Япония, Портретная скульптура дзэнского жреца , XIV–XV вв.
• М.К. Эшер, много
• Фрэнсис Бэкон, Фигура с мясом , 1909-92
• Сальвадор Дали, Мэй Уэст Губы Диван , 1938

9007

Асимметричный баланс 9 Примеры в искусстве2 Асимметричный баланс в искусстве — это когда каждая половина различна, но имеет одинаковый визуальный вес. Работа по-прежнему сбалансирована. Например, у Караваджо (рисунок справа в коллаже) трое мужчин уравновешены Иисусом слева. Иисус смотрит вперед и в более ярком свете, который уравновешивает трех мужчин в тени.

• Джеймс Эбботт Макнил Уистлер, Композиция в сером и черном: Портрет матери художника , известная как «Мать Уистлера», 1871
• Караваджо, Неверие святого Фомы , 9001-02 Seurat
• 6
• 6 Воскресенье на Гранд-Жатт , 1884
• Эдгар Дега, Репетиция , 1877
• Эдгар Дега, Танцовщицы на станке, 1876-77
• Джан Лоренцо0022 , 1623
• Александр Колдер, Мобильный , 1942
• Йинка Шонибаре, Неблагополучная семья , 1999
• Кацусика Хокусай, Большая волна off1 Канагава, 90 c. 1829-32
• Пол Стрэнд, Абстракция, Твин Лейкс, Коннектикут , 1916
• Ikebana, различные
• Vincent van Gogh, Night , 1889
• 3. 1785
• Эдвард Хоппер, Nighthawks , 1942

Радиальный баланс в искусстве Примеры

Что такое радиальный баланс в искусстве? Радиальный баланс в искусстве — это когда из центра расходятся равные части. Думайте об этом как о кусочках пирога. В приведенных здесь примерах баланса в искусстве вы обнаружите, что одинаковых фигур может быть много — от 3 в чарджере Карла II до 16 в витрине «Готическая роза»!

• Готические окна-розетки
• Англия, 17 век, Скакун Карла II в дубе Боскобель , с. 1685
• М.К. Эшер, многие
• Мандалы, многие
• Мелоццо да Форли, Ризница Святого Марка , 1480-е годы

Неуравновешенные или несбалансированные произведения искусства (своего рода)

Трудно найти работы хорошо известных несбалансированных художников . Они балансируют на грани между асимметрично-сбалансированными и несбалансированными. Это обсуждается и будет отличной дискуссией с вашими учениками!

• Эдгар Дега, Скаковые лошади , 1885-1888
• Поль Сезанн, Натюрморт с яблоками и горшком с первоцветами , ок. 1890
• Precolumbian, Представление пленников майя -линейке, г. н.э. 785
• Джон Сингер Сарджент, El Jaleo , 1882
• Juan Sánchez,
  115,
,
• ,
  11115,
,
• , 9015,
,,,,,,
• , 9015,
,
• , . Лейстер, Мальчик и девочка с кошкой и угрем , c. 1635
• Паулюс Поттер, Бык , 1647
• Хармен Стинвик, Натюрморт: Аллегория суеты человеческой жизни , c. 1640

У вас есть прекрасные примеры баланса в искусстве? Поделитесь ими со мной в комментариях, и я добавлю их в список!

Учебный комплект «Элементы и принципы»

Этот необычный комплект включает в себя лучшие ресурсы для обучения каждому из элементов и принципов: 37 рабочих листов/раздаточных материалов, 15 уроков (с сопровождающими презентациями в формате PowerPoint и раздаточными материалами), 3 готовых занятия по художественному анализу. , 3 художественных аналитических видео и 13 элементов и основных статей в формате PDF.

Купить сейчас

Вот оно! Лучшие примеры баланса в искусстве для ваших элементов и принципов уроков рисования. Хотите больше элементов и принципов ресурсов для учителей рисования? Ознакомьтесь с сообщениями ниже.

Рубрики: Элементы и принципы искусства
С тегами: Александр Колдер, Караваджо, Чимабуэ, Диего Ривера, Эдгар Дега, Эдвард Хоппер, Фрэнсис Бэкон, Фрида Кало, Жорж Сера, Джорджия О’Киф, Джан Лоренцо Бернини, Хармен Стинвик, Жак-Луи Давид, Джеймс Уистлер, Джон Сингер Сарджент, Хуан Санчес Котан, Джудит Лейстер, Леонардо да Винчи, М.К. Эшер, Наум Габо, Поль Сезанн, Пол Стрэнд, Паулюс Поттер, Пьетро Перуджино, Сальвадор Дали, Винсент Ван Гог, Йинка Шонибаре

 

Вам также могут понравиться эти публикации:

Взаимодействие с читателями

Баланс в композиции: как сбалансировать дизайн?

‍

Рик Месс       | 24 мая 2020 г.

‍

‍

‍

Равновесие – один из важнейших элементов композиции.

Равновесие – это противостояние стихий, создающее равновесие и гармонию. Состояние равновесия интуитивно комфортно для зрителя.

Человеческое тело симметрично по вертикали, и наше зрительное восприятие соответствует этому. Нам нравятся объекты, сбалансированные относительно вертикальной оси. Мы всегда склонны уравновешивать одну силу другой.

‍

‍

В контексте дизайна баланс основан на визуальном весе элементов. Визуальный вес — это объем внимания, которое зритель уделяет изображению. Если сайт сбалансирован, посетители подсознательно чувствуют себя комфортно. Баланс сайта воспринимается как визуально пропорциональное расположение его элементов.

Как сделать сайт сбалансированным?

‍

1. Симметричный (статический) баланс

Наиболее распространенным примером баланса является симметрия.

Симметрия визуально приятна на подсознательном уровне, выглядит организованно и гармонично. Симметричный баланс создается равномерным размещением элементов по обе стороны от горизонтальной или вертикальной центральной оси. То есть обе стороны воображаемой линии, проходящей через середину страницы, на самом деле являются зеркальными отражениями друг друга. Некоторые считают симметричный баланс скучным и предсказуемым, но он выдержал испытание временем и остается одним из лучших способов создать на странице ощущение комфорта и надежности.

‍

‍

2. Асимметричный (динамический) баланс

Композиция с неравным весом на обе стороны имеет асимметричный баланс.

Динамический баланс всегда интереснее статического, не оставляющего работы для ума. При отсутствии равновесия наш взгляд рефлекторно начинает искать противовес, и это отличный повод обратить внимание на ту часть страницы, которая могла остаться незамеченной. Здесь нужно сделать акцент — и внимание схватится за него, как за спасательный круг.

‍

Целевая страница — Азиатская кухня

‍

Часто таким «противовесом» является кнопка и/или заголовок.

Важная информация (или призыв к действию) должна использоваться в качестве «противовеса».

Чем резче асимметрия, тем больше зритель стремится выяснить ее причину (рассмотреть противовесы). Люди инстинктивно изучают такой образ более внимательно, чем обычно. Однако здесь нужно чувство меры — слишком эксцентричная композиция не всегда хорошо воспринимается.

‍

3. Радиальный баланс

‍

‍

Тип баланса, при котором визуальные элементы исходят из общей центральной точки. Радиальный баланс не так часто используется в дизайне. Его преимущество в том, что внимание легко находит и удерживает точку фокусировки — точно в центре. Обычно это самая примечательная часть композиции.

‍

4. Мозаичное равновесие

Это уравновешенный хаос, как на картинах Джексона Поллока. В такой композиции нет выдающихся фокусов, и все элементы одинаково ответственны. Отсутствие иерархии, на первый взгляд, образует визуальный шум, но все элементы совпадают и образуют единое целое.

‍

‍

‍

Секреты зрительного равновесия

Говоря о балансе сил в композиции, часто проводят сравнения с силами физического мира: гравитацией, рычагами, весами и точками опоры. Наш мозг и глаза воспринимают равновесие в форме, очень похожей на законы механики. Нам легко представить картину как плоскую поверхность, уравновешенную в какой-то точке, как весы с чашами. Если мы добавим элемент на один край изображения, он потеряет баланс, и мы почувствуем необходимость это исправить. Неважно, является ли элемент группой оттенков, цветов или точек. Цель состоит в том, чтобы найти зрительный «центр масс» изображения, его центр тяжести.

К сожалению, не существует точного метода определения визуальной массы объекта. Как правило, дизайнеры полагаются на свою интуицию. Тем не менее, есть полезные наблюдения, которые могут помочь:

• Размер

Крупные объекты всегда утяжеляются.

• Форма

Элементы неправильной формы кажутся легче, чем элементы правильной формы.

• Цвет

Теплые цвета тяжелее холодных.

‍

‍

• Оттенок

Темные объекты весят больше, чем светлые.

• Текстура

Объекты с текстурой кажутся более тяжелыми.

• 3D

Объекты с текстурой кажутся более тяжелыми.

‍

‍

• Местоположение

Чем дальше объект от центра, тем больше его визуальный вес.

• Ориентация

Вертикальные элементы кажутся тяжелее горизонтальных.

• Плотность

Множество мелких элементов уравновешивают один большой.

‍

‍

• Внутренний интерес

Сложность объекта придает ему больший визуальный вес.

• Заполнение пространства

Положительные формы весят больше, чем отрицательное пространство.

• Восприятие физического веса

Изображенная гиря кажется тяжелее ручки.

Подведем итоги. При использовании симметрии результат демонстрирует профессионализм и серьезный, устойчивый подход. Приемы асимметрии вызывают интерес, выражают индивидуальность и креативность, акцентируют внимание.

‍

Что такое симметричный баланс в искусстве — приемы композиции

Что такое симметричный баланс в искусстве?

Во-первых, давайте определим симметричный баланс

Симметричный баланс используется по разным причинам в зависимости от художественного средства и предмета. Прежде чем мы углубимся в это, давайте взглянем на определение искусства симметричного баланса, чтобы лучше понять технику.

СИММЕТРИЧНЫЙ БАЛАНС art ОПРЕДЕЛЕНИЕ

Что такое симметричный баланс?

Симметричный баланс достигается в произведении искусства, когда визуальные элементы расположены по обеим сторонам от центральной линии с одинаковым весом. Симметричный баланс, также называемый формальным балансом, можно рассматривать как зеркальное отображение одной половины произведения искусства на другой половине. Чтобы определить, использует ли произведение искусства симметричный баланс, проведите линию через его центр и сравните каждую сторону. Если вес и положение положительного и отрицательного пространства одинаковы с обеих сторон, достигается симметричный баланс.

Для чего используется симметричный баланс в искусстве?

• Формальность
• Стабильность
• Создание фокуса

Чтобы глубже погрузиться во все элементы композиции, загрузите нашу БЕСПЛАТНУЮ электронную книгу: Элементы композиции в искусстве, фотографии и кино.

Бесплатный загружаемый бонус

БЕСПЛАТНАЯ загрузка 

Полное руководство по элементам композиции

Когда вы осваиваете композицию, вы овладеваете способностью рассказывать историю, создавать настроение или доносить сообщение с помощью одного изображения. Загрузите нашу БЕСПЛАТНУЮ электронную книгу, в которой описаны различные элементы композиции и соответствующие методы, которые вы можете использовать для аранжировки и компоновки идеального изображения.

Симметричный баланс трудно достичь случайно. Когда художники используют этот тип баланса в своих работах, они делают это с прямым намерением. Для чего используется симметричный баланс в искусстве и почему художники строят свои произведения на его основе? Есть несколько причин.

Что такое симметричный баланс в искусстве 

Создание фокуса

Визуальная природа симметричного баланса привлекает к себе внимание. Хотя это может лишить композицию натурализма или реализма, это может быть эффективным инструментом для направления взгляда зрителя на конкретную фокусную точку.

Симметричный баланс в художественном произведении

Равномерно сбалансированный вес с обеих сторон композиции чаще всего направляет взгляд к центру кадра. Это особенно верно, когда художники используют направляющие линии для создания симметричного баланса.

Уэс Андерсон, один из мастеров симметричного баланса в кино, использует симметрию для этого эффекта в своих работах. Почти во всех лучших фильмах Андерсона вы можете найти кадр, в котором используется симметричный баланс, чтобы привлечь внимание к персонажу. На самом деле, это одна из ключевых характеристик режиссерского стиля Уэса Андерсона.

Примеры симметричного баланса Уэса Андерсона  •  Подпишитесь на YouTube

Как видите, симметричный баланс — важная часть эстетики Уэса Андерсона. Цветовая палитра Андерсона, стили освещения и композиции создают симметричный баланс в его работах. Андерсон также стремится к книжным визуальным эффектам, используя симметричный баланс для достижения формальности.

Для чего используется симметричный баланс в искусстве?

Структура

Симметричный баланс требует преднамеренного и точного распределения пространства в композиции. Эта точность в балансе может создать ощущение структуры и порядка.

Формальность в симметричном балансе в произведениях искусства

Это чувство порядка и формальности является важной причиной, по которой многие архитекторы проектируют свои конструкции с симметричным балансом. Прекрасным примером этого является древнегреческий храм Парфенон.

Парфенон  •  Симметричный баланс в произведениях искусства

Парфенон является примером симметрии в архитектуре. Строение было построено как храм греческой богини Афины. И это доказательство точности и блестящей геометрии, используемой для создания идеального симметричного баланса.

Для чего используется симметричный баланс в искусстве?

Эмоциональное воздействие

Что касается кинематографа, то симметричный баланс можно использовать для того, чтобы вызвать определенные эмоции у аудитории. Для Стэнли Кубрика, одного из лучших режиссеров всех времен, этой эмоцией было беспокойство.

Симметричный баланс в работах Кубрика стал известен как «перспектива одной точки». Хотя это использовалось для привлечения внимания аудитории к центру кадра, оно также использовалось для эмоционального воздействия. Эффект был чувством беспокойства из-за отсутствия натурализма в композиции.

Это беспокойство хорошо послужило для историй, рассказанных в лучших фильмах Кубрика, таких как Сияние , 2001: Космическая одиссея и Заводной апельсин . Посмотрите на эту суперверсию симметричного баланса с одной точки зрения Кубрика.

Одноточечная перспектива Кубрика  •  Симметричная композиция

Симметричный баланс в искусстве может иметь свои плюсы и минусы. Упомянутые выше эффекты могут принести пользу работе художника в зависимости от того, что он пытается создать и передать.

С другой стороны, симметричная композиция может быть довольно предсказуемой и раздвигать область скученности. Если одна сторона композиции точно такая же, как и другая, то одна половина кадра избыточна.

Избыточность в  примерах искусства с симметричным балансом

Намеренность, стоящая за симметричным балансом, также может уменьшить натурализм и реализм в кино. Поскольку идеальная симметрия довольно необычна в мире природы, ее вид привлекает внимание к человеческой руке, стоящей за ее созданием.

Симметричный баланс — мощный инструмент, у которого есть время и место. Способность определить, когда и где находится это время и место в вашей работе, поможет вам использовать симметричный баланс — это техника, а не всеобъемлющее композиционное правило.

Наверх Далее

Что такое асимметричный баланс?

Теперь, когда вы понимаете, что такое симметричный баланс, давайте узнаем о его аналоге. Асимметричный баланс используется так же часто, если не чаще, чем симметричный баланс. Почему это? Читайте об асимметричном балансе и его последствиях в нашей следующей статье.

Up Next: Асимметричный баланс →

Освоение композиции в рисовании (Часть 1)

Вы хотели улучшить свою композицию в рисовании и своих картинах?

Знаете ли вы и полностью понимаете все принципы композиции в рисунке?

Освоение композиции в рисунке и масляной живописи необходимо для создания лучших картин и рисунков.

В этом и следующем постах мы подробно расскажем о том, как создать полную композицию на бумаге или холсте.

Возможно, до этого момента вы были сосредоточены на создании простого рисунка, не обращая внимания на создание полностраничной композиции.

А теперь приготовьтесь к созданию полноценной композиции на бумаге или холсте. Нажмите здесь, чтобы прочитать часть 2 в этой серии рисунков.

Освоение композиции в рисовании с использованием баланса

Я начну обсуждение композиции в рисовании с  Баланс .

Чтобы композиция была успешной, в ней должен быть Баланс.

Существует два основных типа баланса в композиции рисунка: Симметричный и Асимметричный.

Для большинства композиций вам понадобится Асимметричный баланс .

Почему?

Потому что асимметричный баланс обычно интереснее. Давайте взглянем на некоторые примеры этих двух типов Баланса.

Симметричный баланс

Пример симметричного баланса

Вот пример симметричного баланса.

Вы увидите, что все элементы рисунка равны с обеих сторон, если провести линию прямо посередине иллюстрации.

Симметричный Баланс — наименее интересный из двух типов Баланса. Однако это не означает, что вы никогда не должны использовать его в своих композициях.

Симметрия имеет свое место, и в искусстве нет четких жестких правил о том, что вы должны и не должны использовать.

Рембрандт использовал Симметричный Баланс во многих своих самых успешных и известных портретах.

Я лично изучал многие портреты Рембрандта в Метрополитен-музее на Манхэттене и в Рейксмузеуме в Амстердаме. Из моих исследований там я пришел к выводу, что симметричный баланс можно успешно использовать для создания композиции.

Асимметричный баланс

Пример асимметричного баланса

В приведенных выше параграфах я рекомендовал создавать большинство ваших композиций с использованием асимметричного баланса.

Вот пример такого баланса справа.

Асимметричный баланс обычно более интересен и привлекателен для большинства зрителей.

И легче заставить композицию работать и добиться успеха, используя этот тип баланса.

Давайте взглянем на работу Джеймса Макнила Уистлера, чтобы глубже понять асимметричный баланс.

Представленная ниже картина называется «Аранжировка в сером и черном №1» и наиболее известна под своим разговорным названием «Мать Уистлера» .

Я провел синюю линию посередине картины. Кроме того, я обвел важные элементы композиции красным цветом.

Обратите внимание, что в правой части картины меньше фигур, но они важнее. К ним относятся лицо и руки матери, что имеет больший психологический вес.

Всегда имейте в виду, что психологический вес может исходить от темы, а также цвета или других элементов, не связанных только с размером.

В левой части картины больше фигур, но каждая из них по отдельности имеет меньший вес. Когда они все складываются, они равняются весу матери с правой стороны картины.

Таким образом, в этом американском шедевре Уистлера достигнут Асимметричный Баланс.

Изучите как можно больше картин старых мастеров, чтобы узнать, как они создавали Баланс в своем искусстве.

Упражнение по рисованию:

Тратьте по 20 минут каждый день в течение следующих 7 дней на создание быстрых композиций в виде небольших миниатюрных рисунков. Это могут быть натюрморты или пейзажи.

Не беспокойтесь о завершении рисунка. Просто попробуйте создать законченную композицию, используя легкие, расставленные линии.

Освоение композиции в рисовании с использованием

 Центр интереса и акцент

Центр интереса , также называемый Центр внимания или Фокусная точка , — это область, которая в первую очередь привлекает и удерживает внимание в вашей композиции. Акцент может быть создан с помощью предмета, цвета, значения, контраста или размещения.

Репрезентативное произведение искусства обычно нуждается в сильном центре интереса, чтобы сделать композицию успешной. Сильный центр интереса в правильных пропорциях на бумаге или холсте может привести к динамичной композиции.

Как правило, я рекомендую сильный центр интереса для любого репрезентативного произведения искусства.

Нерепрезентативное или абстрактное искусство не так зависит от центра интересов для успешной композиции. Картины Джексона Поллока — отличный пример успешного абстрактного искусства, у которого нет центра интереса.

Пикассо, с другой стороны, использовал сильный центр интереса во многих своих самых известных и успешных работах.

Композиция, демонстрирующая «Правило третей».

Давайте рассмотрим сильный центр интереса на некоторых примерах.

На фотографии лягушки слева мы видим, что лягушка размещена в правильных пропорциях для создания динамичной и чрезвычайно интересной композиции.

Я наложил сетку на эту фотографию, чтобы продемонстрировать «Правило третей».

Правило третей — это простой способ быстро определить, где на холсте должен находиться центр интереса.

Линии наносятся с интервалом в одну треть на холсте или бумаге как по горизонтали, так и по вертикали.

Четыре пересечения сетки создают идеальный дом для Центра Интереса или Фокусной Точки. В нашем примере лягушка сидит на нижнем левом перекрестке.

Ветеран на новом поле. Уинслоу Хомер

Картина ниже называется «Ветеран на новом поле» американского художника Уинслоу Хомера. Я много часов изучал эту картину маслом из первых рук в Метрополитен-музее в Нью-Йорке.

Это абсолютный американский шедевр.

Гомер был мастером композиции как в акварели, так и в картинах маслом. Центр Интереса, без сомнения, самый мощный элемент в этой композиции.

Он почти гипнотически притягивает взгляд снова и снова.

Центр Интереса или Фокусная Точка – это человек, который является мощным психологическим акцентом. Но обратите внимание, как сильно акцент делается с помощью контраста, который создается с помощью белых цветов мужской рубашки.

Сочетание изображения человека и резкого контраста создает мощный фокус в этом шедевре Гомера.

Упражнение по рисованию композиции: 

Тратьте по 20 минут каждый день в течение следующих 7 дней на создание быстрых композиций в виде небольших миниатюрных рисунков. Это могут быть натюрморты или пейзажи. Основное внимание в этих рисунках уделяется созданию сильного фокуса в композиции.

Убедитесь, что фокус находится в нужном месте и в правильных пропорциях, чтобы создать приятную композицию.

Не беспокойтесь о завершении рисунка. Просто попробуйте создать законченную композицию, используя легкие, расставленные линии.

Если у вас есть идеи по освоению композиции в рисовании, сообщите нам о них в комментариях ниже.

Рекомендуемые художественные принадлежности для отработки композиционных рисунков

Готовы стать лучшим рисовальщиком и художником?

Тогда берите карандаши, уголь, бумагу и присоединяйтесь к нам.

Вам нужны художественные принадлежности?

Для начала я рекомендую две вещи:

1. Хороший набор карандашей, углей и ластиков
2. Маленький альбом для рисования , 9 x 12 дюймов или меньше

В качестве набора карандашей попробуйте набор для рисования из 18 предметов от Pro Art. В нем есть все карандаши, уголь, ластики и точилки, которые вам понадобятся.

Идеально подходит для начинающих. И идеально подходит для этой задачи.

Вам захочется поэкспериментировать с различными средствами рисования, от карандашей до угля. Таким образом, вы можете узнать, что лучше всего работает для вас.

Некоторым людям помогает уголь. Некоторым лучше карандашами. Опять же, экспериментирование является ключевым здесь.

Вот что вы получите в этом наборе:

• 8 графитных карандашей (от 2H до 6B)
• 3 угольных карандаша
• 2 угольные палочки
• 1 палочка для рисования
• Точилка для карандашей
• Точилка для угля
• 1 мягкий ластик
• 1 Белый пластиковый стиратель Pro art
• Отлично подходит для начинающих
• Удерживающие и рычажные зажимы в комплекте для фиксации древесины и обеспечения точных резов каждый раз
• Дополнительные две точилки и две резинки

Для этой задачи я рекомендую небольшой блокнот для рисования . Попробуйте спиральный переплет размером 9 x 12 дюймов или меньше.

Этот блокнот меньшего размера 9 x 12 дюймов позволяет брать его с собой в дорогу. Таким образом, он всегда будет с вами, когда придет вдохновение. Это верный способ убедиться, что ваши ежедневные рисунки продолжаются.

Меньший размер позволяет брать его с собой в дорогу.

Таким образом, вы можете делать наброски всякий раз, когда видите объект, который вас вдохновляет.

Возможность быстро достаньте свой альбом для рисования и начните рисовать — важный аспект этой задачи.

Удобство того, что он всегда с вами, — это то, что позволяет вам не сбиться с пути и иметь возможность рисовать ежедневно, независимо от вашего графика.

Имеет ли это смысл?

Вот почему мне нравится этот альбом для рисования :

• КУПИТЕ ОДИН, ПОЛУЧИТЕ ОДИН БЕСПЛАТНО — 2 упаковки из 75 страниц альбомов для рисования. На 50% больше, чем у конкурентов
• Высококачественная бумага 60 фунтов (90 GSM), 100% бескислотная, с нейтральным PH. Идеальная текстура для гладкого неотражающего покрытия
• ПРОЧНЫЙ СПИРАЛЬНЫЙ ПЕРЕПЛЕТ — Каждая страница имеет перфорированную кромку для легкого разрыва. Идеально подходит для кадрирования или презентации!
• ИДЕАЛЬНО ДЛЯ ХУДОЖНИКОВ, ПИСАТЕЛЕЙ И ИЛЛЮСТРАТОРОВ — Универсальный продукт для начинающих и профессионалов. Может также использоваться как журнал, дневник или холст для акварели
• ПОЛНАЯ 100% ГАРАНТИЯ ВОЗВРАТА ДЕНЕГ ОТ ПРОИЗВОДИТЕЛЯ. Если вы обнаружите какой-либо недостаток в этой книге или любом из наших продуктов, вы получите бесплатную замену или полный возврат средств.

Просто чтобы вы знали, что все ссылки на продукты в этой статье являются партнерскими ссылками. Это означает, что я получаю небольшую комиссию, если вы покупаете что-либо, но это не требует дополнительных затрат. Не волнуйтесь, я всегда честен, открыт и беспристрастен в своих обзорах — я рекомендую только хорошие вещи — но этот партнерский доход помогает поддерживать работу сайта.

Равновесие в композиции примеры рисунков: Равновесие в композиции: разновидности и принципы