Цветные фотопортреты людей: Картинки d1 86 d0 b2 d0 b5 d1 82 d0 bd d1 8b d0 b5 d0 bb d1 8e d0 b4 d0 b8, Стоковые Фотографии и Роялти-Фри Изображения d1 86 d0 b2 d0 b5 d1 82 d0 bd d1 8b d0 b5 d0 bb d1 8e d0 b4 d0 b8

Содержание

Редчайшие цветные фотографии Российской империи начала XX века

Цикл цветных фотографий, отснятых в далеком 1911 году. Откуда сто лет назад взялся цвет? Как это было сделано? Ведь еще совсем недавно, лет 50–60 назад, цветное фото было не то чтобы экзотикой, но чрезвычайно редким.

Талантливый химик, увлеченный фотограф, выпускник Петербургского технологического института, Сергей Прокудин-Горский к 1906 году публикует ряд статей, посвященных принципам цветной фотографии. В этот период он так усовершенствовал новый метод, обеспечивавший одинаковую цветочувствительность всего спектра, что мог уже делать цветные снимки, подходящие для проекции. Тогда же он разрабатывает и свой метод передачи цветного изображения, основанный на разделении цветов на три составляющие. Он снимал объекты три раза через три фильтра — красный, зеленый и синий. Получалось три черно-белых позитивных пластины.

Для последующего воспроизведения изображения он использовал трехсекционный диапроектор с синим, красным и зеленым светом. Все три изображения с трех пластин проецировались на экран одновременно, в результате чего присутствующие имели возможность видеть полноцветные изображения. Будучи к 1909 году уже известным фотографом и редактором журнала «Фотограф-любитель», Сергей Михайлович получил возможность осуществить свою давнюю мечту — составить фотолетопись Российской империи.

По рекомендации великого князя Михаила он излагает свой план Николаю II и получает самую горячую поддержку. На протяжении последующих нескольких лет правительство выделяло Прокудину-Горскому специально оснащенный железнодорожный вагон для поездок с целью фотографического документирования жизни империи.

За время этой работы было отснято несколько тысяч пластин. Отработана технология вывода цветного изображения на экран.

А самое главное — создана галерея прекрасных фотографий, беспрецедентная по качеству и объему. И впервые подобная серия снимков была разложена на цвета. Тогда лишь с целью вывода с помощью диапроектора на экран.

Необычна и дальнейшая судьба этих фотографических пластин. Прокудин-Горский сумел после смерти Николая II выехать сначала в Скандинавию, потом в Париж, захватив с собой практически все результаты многолетних трудов — стеклянные пластины в 20 ящиках.

В 1920‑х годах Прокудин-Горский проживал в Ницце, и местная русская община получила драгоценную возможность просмотра его картин в виде цветных слайдов. Сергей Михайлович был горд тем, что его труд помогал молодому русскому поколению на иноземной почве понять и запомнить, как выглядела их утраченная родина — в своем наиболее реальном виде, с сохранением не только цвета, но и духа ее.

Коллекция фотопластин пережила и многочисленные переезды семьи Прокудина-Горского, и немецкую оккупацию Парижа.

В конце 40‑х годов в США возник вопрос о публикации первого тома «Истории русского искусства» под общей редакцией Игоря Грабаря. И о возможности снабжения его цветными иллюстрациями. Тут-то и вспомнила переводчица этого труда, княгиня Мария Путятина, о том, что в начале века ее свекор, князь Путятин, представил царю Николаю II некоего профессора Прокудина-Горского, который разрабатывал метод цветной фотографии путем цветоделения.

По ее сведениям, сыновья профессора проживали изгнанниками в Париже и были хранителями коллекции его снимков.

В 1948 году представитель Рокфеллеровского фонда Маршалл приобрел у Прокудиных-Горских около 1600 фотопластинок за сумму 5000 долларов. С тех пор пластины долгие годы хранились в Библиотеке Конгресса США.

Недавно только кому-то пришла в голову мысль попробовать отсканировать и совместить трехпластиночные фотоработы Прокудина-Горского на компьютере. И случилось почти чудо — казалось, потерянные навсегда образы ожили.

Смотрите также: Россия 1910‑х годов: 30 фотографий от русского писателя выглядят так, как будто были сделаны вчера

Источник

А вы знали, что у нас есть Instagram и Telegram?

Подписывайтесь, если вы ценитель красивых фото и интересных историй!

«Пионер цветной фотографии» в разделе «Искусство»

Сергей Михайлович Прокудин-Горский — российский ученый и изобретатель, один из пионеров цветной фотографии, автор знаменитой коллекции снимков Российской империи начала XX века.

Фото: © С.М. Прокудин-Горский
Сергей Михайлович Прокудин–Горский (1863-1944) - русский фотограф, химик, изобретатель, издатель и преподаватель, один из пионеров цветной фотографии. За период с 1903-1904-го по 1916-й год он создал «Коллекцию достопримечательностей Российской империи» — серию цветных снимков, в которую вошли фотографии людей, архитектуры, пейзажей различных уголков дореволюционной России. Прокудин–Горский первым в России начал печатать цветные открытки, которые тогда назывались «открытыми письмами» и были невероятной новинкой. Фото: © С.М. Прокудин-Горский Сергей Михайлович родился в 1863-м году в родовом имении Прокудиных-Горских в Покровском уезде Владимирской губернии в семье отставного военного. С 1883-го года он обучался в Александровском лицее, затем два года слушал лекции по естественным наукам на физико-математическом факультете Санкт-Петербургского университета, в 1888-1890-м годах был слушателем Императорской военно-медицинской академии, а также изучал живопись в Императорской академии художеств.

Прокудин-Горский активно проводил исследования в области фотографии, выступал  с докладами, являлся членом Императорского русского технического общества, публиковал книги о технических аспектах фотографии. В 1900-м году его черно-белые фотографии были представлены на Всемирной выставке в Париже. Уже на следующий год он открыл в Санкт-Петербурге фотомастерскую, в которой располагалась его лаборатория и редакция журнала «Фотограф-любитель», основателем которого он являлся.

В 1902-м году Прокудин-Горский полтора месяца обучался в фотомеханической школе в Шарлоттенбурге под руководством известного ученого и пионера цветной фотографии Адольфа Мите. В том же году русский изобретатель объявил о создании цветных диапозитивов по методу трехцветной фотографии Мите, а спустя три года запатентовал свой сенсибилизатор, значительно превосходивший по качеству аналогичные разработки иностранных химиков, в том числе сенсибилизатор самого Мите. Его основное отличие состояло в том, что его состав делал бромосеребряную пластину одинаково чувствительной ко всему цветовому спектру.

С 1903-1904-го года Сергей Михайлович начал путешествовать по России и фотографировать жизнь городов и деревень того времени: он побывал на Черноморском побережье, в Лужском уезде Санкт-Петербургской губернии, на Кавказе, в Крыму, а также посетил Украину. В 1906-м году Прокудин-Горский принимал участие в научных конгрессах и фотовыставках в Риме, Милане, Париже и Берлине. В конце года он отправился в фотоэкспедицию в Туркестан с целью запечатлеть в горах Алая солнечное затмение. И хотя из-за облачности сфотографировать затмение не удалось, он сделал огромное количество потрясающих снимков Самарканда и Бухары. В 1908-м году Прокудин-Горский посетил Ясную Поляну и создал известный фотопортрет Льва Николаевича Толстого.

Соловки, 1916 г. Фото: © С.М. Прокудин-Горский Сергей Михайлович проводил показы своих фотоснимков, в том числе для членов императорской семьи, выступал с лекциями о своих достижениях в области цветной фотографии в Императорском Русском техническом обществе, Петербургском фотографическом обществе и др.
Получив аудиенцию у императора Николая II, Прокудин-Горский поделился с ним своим замыслом создать коллекцию цветных снимков современной России. Император одобрил проект фотографа, и ему был выделен специально оборудованный железнодорожный вагон, небольшой пароход, моторная лодка, а также автомобиль. Прокудину-Горскому также выдали документы, дававшие доступ во все уголки империи. Несмотря на интерес и поддержку императора, средства на экспедиции и дорогостоящие материалы фотограф добывал сам: одним из основных источников его дохода была продажа цветных открыток с видами России. «Делать снимки приходилось в самых различных и часто очень трудных условиях, а затем вечером надо было снимки проявить в лаборатории вагона, и иногда работа затягивалась до поздней ночи, особенно если погода была неблагоприятна и нужно было выяснить, не окажется ли необходимым повторить съемку при другом освещении прежде, чем уехать в следующий намеченный пункт. Затем с негативов там же в пути делались копии и вносились в альбомы», — писал позднее фотограф.
В 1909—1916-м годах Прокудин-Горский объездил значительную часть Российской империи: он побывал на Урале, путешествовал по Волге, по Ярославской и Владимирской областям, дважды посетил Туркестан, создал фотографии Мурманской железной дороги и Соловецких островов. На его снимках появлялись храмы, монастыри, мечети, виды городов, заводы, стройки, дворяне и султаны, жизнь крестьян и рабочих, различные бытовые сцены. Во время Первой мировой войны Сергей Михайлович пытался вести фотохронику боевых действий, а затем занимался цензурой заграничных кинематографических лент, анализом фотопрепаратов и обучением экипажей самолетов аэрофотосъемке. 

После Октябрьской революции Прокудин-Горский участвовал в создании Высшего института фотографии и фототехники, а в 1918-м году эмигрировал во Францию. В 1920-е годы он написал серию статей для British Journal of Photography, получил патент на «фотоаппарат для цветной кинематографии», сотрудничал с братьями Люмьер, а также вместе с ыновьями открыл в Париже фотостудию.

До середины 1930-х годов фотограф занимался просветительской деятельностью во Франции, а идея создать серию снимков художественных памятников Франции и ее колоний была реализована его сыном, Михаилом Прокудиным-Горским.

Карта фотоэкспедиций С.М. Прокудина-Горского. Нажмите, чтобы посмотреть в большом размере. Прокудин-Горский использовал черно-белые фотопластинки, которые сенсибилизировал по собственным рецептам и фотоаппарат собственной конструкции. Через цветные светофильтры синего, зеленого и красного цветов он последовательно создавал три снимка, после чего получались три черно-белых цветоделенных негатива. Снимки производились не на три разные пластины, а вертикально на одну пластину — это позволяло ускорить процесс съемки, производя сдвиг пластины вместо ее замены. С тройного негатива изготовлялся тройной позитив. Для просмотра фотографий Прокудина-Горского использовался проектор с тремя объективами, расположенными перед тремя кадрами на фотопластинке. Каждый кадр проецировался через светофильтр того же цвета, как и тот, через который он был снят.
При сложении трех изображений на экране получалось полноцветное изображение. Прокудин-Горский также внес вклад в два существовавших на тот период направления усовершенствования цветной фотографии: сокращение времени выдержки (он сделал возможной экспозицию за секунду) и увеличения возможности тиражирования снимка. Прокудин-Горский также работал над технологией цветного кинематографа. По собственному методу он произвел экспериментальную съемку в Туркестане в 1911-м году. Накануне Первой мировой войны он продолжал исследования и, добившись новых успехов, запатентовал в Германии, Англии, Франции и Италии способ изготовления дешевых цветных пленочных диапозитивов для кинематографии.

Сергей Михайлович Прокудин-Горский скончался в 1944-м году в Париже спустя несколько недель после освобождения города от немецких войск. Коллекция его фотографий хранилась у его наследников, а затем в 1948-м году была выкуплена Национальной библиотекой Конгресса США, и до 1980-х годов творчество русского фотографа-первопроходца было неизвестно широкой публике.

В 2003-м году все пластинки из коллекции бибилиотеки были отсканированы, переведены в цифровой формат, а затем совмещены — в результате чего получили оригинальные цветные изображения. Все снимки затем были выложены на сайте Нициональной библиотеки Конгресса США в рамках выставки «Чудеса фотографии».

Наследие Прокудина-Горского в России начали изучать в 1970-е годы, но настоящий всплеск интереса к его жизни и деятельности пришелся на 2000-е годы: вышло множество исследований, книг и документальных фильмов, посвященных чрезвычайно талантливому изобретателю и деятелю фотоискусства XX века, увековечившему жизнь России накануне событий, коренным образом изменившим ход ее истории. 

предыдущая 1 / 1 следующая

Документальный фильм Леонида Парфенова «Цвет нации», посвященный С.М. Прокудину-Горскому, 2014 г.

Материал подготовила 

Ксения По

Посмотреть все снимки С.М. Прокудина-Горского вы можете на сайте Национальной библиотеки Конгресса США. Узнать больше о пионере российской цветной фотографии вы можете, прочитав статью на Википедии и посетив сайт, посвященный его наследию.

В открытом доступе цветные фотографии Российской империи начала 20 века

Первый цветной портрет Льва Толстого, щемящие душу русские пейзажи и житейские сценки Царской России – коллекция работ Сергея Прокудина-Горского, известного на весь мир как пионера цветной фотографии, доступна в Интернете.

За два года до смерти Льва Толстого, в 1908 году, к нему обратился фотограф и изобретатель Сергей Михайлович Прокудин-Горский с просьбой позировать для цветного снимка. Многим сегодня это кажется невероятным, но уже в начале 20 века технологии позволяли делать цветные фотографии – не раскрашивать их вручную, а снимать по автохромной схеме братьев Люмьер.

Метод заключался в том, что снимок делался три раза – с красным, зеленым и синим фильтром – а потом проектировался при печати через фильтры того же цвета. Эта процедура была разработала шотландским ученым Джеймсом Клерк Максвеллом еще в 1861 году – а спустя полвека усовершенствована русским изобретателем Прокудин-Горским.

Благодаря ему, для того, чтобы сделать цветной снимок, в начале 20 века требовалось уже «от 1 до 3 секунд», как Прокудин-Горский писал в письме Льву Толстому. Это было вполне приемлемо для восьмидесятилетнего писателя, и он согласился.

Цветной портрет Льва Толстого появился в августе 1908 года и позиционировался как «первый русский цветной фотопортрет». Фотография получилась высокого качества, аккуратно передав естественные цвета. Портрет Толстого впечатлил Николая II, и тот поручил Прокудин-Горскому сфотографировать в цвете всю Россию, выделив личный вагон с темной комнатой для проявления негативов.

Планировалось, что проект продлится 10 лет, за которые Прокудин-Горский должен был снять 10,000 снимков. Он путешествовал и снимал в 1909-1912 годах и в 1915ом, но революционные события положили конец свободным путешествиям изобретателя. Новая власть предложила Прокудин-Горскому остаться и преподавать в университете, но он предпочел уехать в Германию и позже в Париж, где и прожил до своей смерти в преклонном возрасте в 1944 году.

Фотографии, которые успел сделать Прокудин-Горский, впечатляют своей естественностью – как будто они были сделаны вчера, а не сотню лет назад. У ученого были все основания гордиться своей работой.

Считается, что Прокудин-Горскому удалось сделать около 3,500 негативов. Когда он эмигрировал из страны, большую часть из них конфисковали на границе. Только 1,902 негатива удалось найти. В 1948 году всю коллекцию приобрела Библиотека Конгресса, недавно оцифровавшая её и выложившая в открытый доступ.

(На последнем снимке: Сергей Прокудин-Горский, автопортрет).

Избранные работы Прокудин-Горского можно посмотреть здесь.

Полную коллекцию Библиотеки Конгресса можно найти здесь.

Первые цветные фотографии России: фотохудожник Прокудин-Горский и его история

Этим летом я почти случайно попала на совершенно уникальную выставку фотографий в Ливадийском дворце в Крыму (посещая Ливадийский дворец совсем с другой целью). Больше всего меня привлек очень выразительный портрет Льва Толстого в цвете: на фото Лев Николаевич сидит на фоне рощи в Ясной Поляне, видимо, недалеко от дома. И хотя его поза закрыта, вся его фигура как бы говорит о спокойной уверенности в себе.

Я подумала, что фото это было обработано и сделано цветным в наши дни. Но мои спутники, сотрудники Ливыдийского дворца, объяснили мне, что это - цветная фотография авторства фотохудожника Сергея Михайловича Прокудина-Горского.

Лев Николаевич Толстой. Портрет. Ясная Поляна. 1908:

Остальные фотографии запомнились мне не меньше: позитивно-эмоционально окрашенные виды природы средней полосы, древние церкви, крестьяне и их быт, простые лица рабочих, инженеры на строительстве плотин, даже средняя Азия – вся дореволюционная Россия в красках как бы встала передо мной как живая. Жанр этих фотографий - где-то между репортажными и постановочными: с одной стороны они отражают реальную жизнь, а с другой – в художественном плане их постановка безупречна.

Да-да, оказывается, уже 100 лет назад в России существовала цветная фотография и жил увлеченный человек, который сделал своей жизненной задачей запечатлеть Россию того времени в красках. После своего возвращения домой я продолжила изучать фотоальбом с работами Прокудина-Горского, который мне достался по какой-то невероятно счастливой случайности. Книга эта, кстати, настоящая библиографическая редкость, ее тираж всего 200 экземпляров. Перелистывая страницы книги, как бы совершаешь виртуальное путешествие по России того времени, ощущения совершенно необычные: невольно начинаешь сравнивать то, что видишь, с современностью сегодня.

Вот старушка прядет пряжу на крылечке своего дома (Тверская губерния) - на ее лице спокойная улыбка; дети сидят после службы у церкви, их лица сосредоточены и спокойны, несмотря на летнюю жаркую погоду полностью прикрытые одеждой, кроме рук и голеньких ступней; вот крестьянское семейство летним днем – полные здоровья спокойные лица детей и матери в лучах солнца, всего человек 7; вот заводик по производству картона, всего 4-5 одноэтажных бревенчатых изб, а вокруг просторы среднерусской полосы (почему-то сразу вспомнилась Копотня (район Москвы) и столбы дыма над ней, которые не рассеиваются никогда). И очень много церквей, которые блещут своими маковками и белизной на фоне бескрайних зеленых просторов. Да, эта та Россия, которую не вернуть.

Группа детей на фоне Пятницкой церкви, Вологодская губерния:

Крестьянские девушки. Вологодская губерния:

Кириллово-Белозерский монастырь:

На жнитве. Череповецкий уезд Новгородская губерния:

Монастырский покос:

Церковь Спасителя и Покрова Пресвятой Богородицы:

Кто же тот человек, который дал нам эту возможность оглянуться назад на самих себя и задуматься, стали ли мы жить лучше за эти последние 100 лет?
Мне захотелось узнать и вот, что говорят о нем открытые источники.

Сергей Михайлович Прокудин-Горский родился 18 августа 1863 года в родовом имении Прокудиных-Горских Фуникова Гора в Покровском уезде Владимирской губернии. Род Прокудиных-Горских – один из самых древних дворянских родов России, древнее рода Рюриковичей. К этой фамилии относились многие российские военные с выдающимся послужным списком.

Образование Сергея Михайловича было очень разносторонним, уточним, что ни одно учебное заведение он так и не окончил. Прокудин-Горский учился в Александровском лицее (1883-1886), однако не закончил полного курса. С октября 1886 по ноябрь 1888 года он слушал лекции по естественному разделу на физико-математическом факультете Санкт-Петербургского университета.
С сентября 1888 по май 1890 года был слушателем Императорской Военно-медицинской академии, которую также не окончил. Кроме того, Сергей Михайлович изучал живопись в Императорской Академии художеств. Кстати, впоследствии этот факт поможет ему сблизиться с кругом художников-передвижников и принимать участие в их выставках со своими фотоработами.

Далее следует новый этап в жизни Сергея Михайловича: в 1890 году он женился на Анне Александровне Лавровой (1870-1937) - дочери русского металловеда и директора товарищества гатчинских колокольных, медеплавильных и сталелитейных заводов Лаврова. Сам Прокудин-Горский стал директором правления на предприятии своего тестя.

Лишь к 1897 году (в возрасте 34 лет) Прокудин-Горский начал делать доклады о своих фотографических исследованиях Пятому отделу Императорского Русского Технического общества (ИРТО, он продолжил эти доклады до 1918 года). Вскоре он стал основным российским авторитетом в области фотографии, ему была поручена организация курсов практической фотографии при ИРТО. В 1898 году Прокудин-Горский опубликовал первые книги по техническим аспектам фотографии: «О печатании с негативов» и «О фотографировании ручными фотоаппаратами».
Поворотным этапом в его увлечении фотографией стал 1902 год, когда он в течение полутора месяцев обучался в фотомеханической школе в Шарлоттенбурге (пригород Берлина) под руководством доктора Адольфа Мите.
Именно Адольф Мите, надо сказать, сыграл очень важную роль в развитии цветной фотографии. В 1902 году Мите создал свою модель камеры для цветной съёмки и проектор для демонстрации цветных снимков на экране.

Переяславль-Залесский. Вид на [Плещеево] озеро и город от села Веськово:

Крестьяне. Уфа:

Этюд "Сети" село Сорока:

Река Исеть, деревня Камышевка:

Преображенская церковь внутри крепостного вала. Церкви Василия Великого, Николая Чудотворца и Преображенский собор. Белозерск:

Однако и Прокудину-Горскому в деле развития цветной фотографии также принадлежит не последняя роль: уже 1902 году Сергей Михайлович впервые объявил о создании цветных диапозитивов по методу трёхцветной фотографии А. Мите, а в 1905 году запатентовал свой сенсибилизатор, значительно превосходивший по качеству аналогичные разработки иностранных химиков, в том числе,  сенсибилизатор Мите. Состав нового сенсибилизатора делал бромосеребряную пластину одинаково чувствительной ко всему цветовому спектру.

Как это работает? Немного из истории фотографии

Камера-обскура (дословно с латыни “темная комната”), которая является основой любого фотоаппарата, в сущности представляет собой тёмную закрытую коробку с отверстием в одной из стенок. Принцип её работы основан на законах оптики: свет, проходящий через крошечное отверстие, трансформируется и создает изображение на встречаемой поверхности, которой является стенка ящика.

Современная аналоговая камера работает примерно таким же образом, отличаясь только наличием зеркала и пленки для сохранения созданного светом изображения.
Фотографию и сам способ её создания, всегда называли убийцей изобразительного искусства. Однако считается, что принципы фотографии широко использовались художниками Ренессанса – Леонардо Да Винчи, Микеланджело и другими. В середине XVI столетия итальянский ученый Джованни Баттиста Делла Порта, написал эссе о том, как можно использовать камеру-обскуру, чтобы облегчить рисование. Он проецировал изображение людей, стоящих снаружи камеры-обскуры, на холст внутри неё (камера-обскура в данном случае была большой комнатой) и затем рисовал по полученному изображению или копировал его.

Процесс использования камеры-обскуры выглядел очень странным и пугающим для людей в те далекие времена и Джованни Баттиста вынужден был отказаться от своей идеи после того, как его арестовали по обвинению в колдовстве.

Первая фотография была сделана в 1825 году французским изобретателем Джозефом Ньепсом. Она изображает вид из окна в Ле Гра. У этого изображения мало художественной ценности помимо того, что это первая фотография, из когда-либо сделанных и дошедших до нас.

В связи с особенностями технологии экспозиция длилась восемь часов, так что солнце на фотографии успело пройти с востока на запад, осветив обе стороны изображенного здания. На этой фотографии, конечно, нет никакой композиции, поскольку в то время фотография рассматривалась не как искусство, а как техническая инновация.

Как уже я упомянула выше, к этому времени люди знали, как спроецировать изображения, но они не могли сохранять и «записывать» свет. Ньепс придумал использовать нефтепродукт, так называемый «иудейский битум». Битум затвердевает под воздействием света, а незатвердевшее вещество можно было затем смыть. В качестве носителя Ньепс использовал отполированные металлические пластины, а полученное на них негативное изображение можно было покрыть чернилами и напечатать как литографию. Одной из множества трудностей этого метода являлось то, что металлические пластины были тяжёлыми, дорогими в производстве и требовали много времени для тщательной полировки.

В 1839 году сэр Джон Гершель нашел способ изготовить первый стеклянный негатив вместо металлического. В том же году он придумал термин «фотография», производный от греческих слов, означающих «свет» и «писать». Несмотря на то, что процесс стал проще, а результат лучше, потребовалось еще много времени чтобы фотография стала широко известна.

В начале фотография использовалась художниками как подспорье. Первыми широко известными фотопортретами были одиночные или семейные снимки на память. Наконец, после десятилетий усовершенствований и исправлений,  массовое использование фотокамер началось с камер Eastman Kodak. Они вышли на рынок в 1888 году с лозунгом «Вы нажимаете на кнопку – мы делаем всё остальное».
В 1861 г. английскому физику Джеймсу Максвеллу удалось впервые в мире получить цветное изображение, которое явилось результатом трех снимков одно и того же предмета с разными фильтрами (красным, синим и зеленым).

Более широкое применение цветной фотографии стало возможно благодаря Адольфу Мите. Он изобрел сенсибилизаторы, делающие фотопластину более чувствительной к другим областям спектра. Еще больший вклад в развитие данного вида фотографии внес Сергей Прокудин-Горский, который разработал технологии, позволяющие уменьшить выдержку.

В итоге первая работающая цветная фотопластинка появилась на рынке в 1907 году. Использовавшийся в ней метод был основан на экране из фильтров. Экран позволял фильтровать красный, зеленый и/или синий свет. Фотопластинка затем обращалась с получением позитивного изображения. Использование этого же экрана в процессе фотопечати позволяло получить цветную фотографию. Данная технология, слегка доработанная, используется до сих пор. Красный, зеленый и синий – основные цвета для телевизионных и компьютерных экранов, с этим связан и режим RGB (red+green+blue) в многих графических приложениях.

Основные термины:

Пленка или матрица: матрица используется в современных цифровых фотоаппаратах, а пленка – это фотоматериал на гибкой полимерной подложке, предназначенный для различных видов фотографии. Пленка gредставляет собой прозрачную основу с нанесённой на неё светочувствительной фотоэмульсией. В результате экспонирования в эмульсии формируется скрытое изображение, которое при дальнейшей химической обработке преобразуется в видимое.

Экспозиция: количество света, поступившего на матрицу фотоаппарата или пленку при соответствующих установленных значениях диафрагмы, выдержки и ISO.
Выдержка: длительность времени, в течение которого оопределённое количество света поступает на диафрагму или пленку.
ISO: чувствительность матрицы фотокамеры к поступающему свету.

Диафрагма: контролирует количество света, поступающего на матрицу камеры или фотопленку.

_________________________

Биографами Прокудина-Горского до сих пор не установлена точная дата начала цветных съемок в Российской империи. Скорее всего, первая серия цветных снимков была сделана в ходе поездки по княжеству Финляндскому в сентябре-октябре 1903 года. В 1904 году Прокудин-Горский снимал цветные фотографии Дагестана, Черноморского побережья и Лужского уезда Санкт-Петербургской губернии.

В апреле - сентябре 1905 года Прокудин-Горский совершил первую большую фотопоездку по Российской Империи, во время которой снял около 400 цветных фотографий Кавказа, Крыма и Украины. Все эти снимки он планировал издать в виде фотооткрыток, однако из-за политических потрясений в стране и вызванного ими финансового кризиса договор был расторгнут в том же 1905 году и свет увидели лишь около 90 его работ.

В 1906 г. Прокудин-Горский провёл много времени в Европе, участвуя в научных конгрессах и фотовыставках в Риме, Милане, Париже и Берлине. Он получил золотую медаль на Международной выставке в Антверпене и медаль за «Лучшую работу», то есть его талант фотохудожника получил международное признание.

На родине же его по-настоящему прославили фотопортреты Льва Толстого: Прокудин-Горский сам сделал ему предложение о съемке в цвете и тот с большим удовольствием и интересом согласился. Сергей Михайлович писал, что Лев Николаевич: « …особенно живо интересовался всеми новейшими открытиями в различных областях, а равно и вопросом передачи изображения в истинных цветах».

Именно эти фотографии, опубликованные в журнале «Фотограф-любитель», привлекли внимание брата Николая II, Михаила Александровича Романова, который смог организовать для Прокудина-Горского аудиенцию у Государя.
К тому времени Сергей Михайлович уже вынашивал идею, которую осуществить в одиночку, однако, ему было не под силу: запечатлеть в цветных фотографиях современную ему Россию, её культуру, историю и модернизацию.

Свою встречу с Государем Прокудин-Горский впоследствии описывал так: “Наступил самый ответсвенный момент, ибо я был уверен, что от успеха этого вечера зависела в значительной мере судьба моего дела. Для этой первой демонстрации Государю мною были выбраны съемки с натуры исключительно этюдного характера: закаты, снежные ландшавты, портреты крестьянских детей, цветы, осенние этюды и тому подобное. После первой же картины, когда я услышал одобрительный шепот Государя, я уже был уверен в успехе, так как программа была подобрана мною в возрастающем по эффектности порядке…” – сегодня можно только представить степень воодушевления, которую испытывал в этот момент этот очень увлеченный своим делом и своей идеей (которую в переписке он часто называл “задачей”) человек.

Итак, в 1909 году  Николай II поручил Сергею Михайловичу заснять всевозможные стороны жизни всех областей, составлявших тогда Российскую империю. Для этого фотографу был выделен специально оборудованный железнодорожный вагон. Для работы на водных путях правительство выделило небольшой пароход, способный идти по мелководью, с командой, а для реки Чусовой - моторную лодку. Для съёмок Урала и Уральского хребта в Екатеринбург был прислан автомобиль «Форд». Прокудину-Горскому были выданы царской канцелярией документы, дававшие доступ во все места империи, а чиновникам было предписано помогать Прокудину-Горскому в его путешествиях.

Все съёмки Сергей Михайлович проводил на свои средства, которые постепенно истощились. О каких-либо компенсациях на текущие расходы разговор с Государем просто не велся с самого начала.

Вот как он сам описывал свою работу: « ...Работа моя была обставлена очень хорошо, то с другой, она была очень трудна, требовала огромного терпения, знания, опыта и часто больших усилий…Делать снимки приходилось в самых различных и часто очень трудных условиях, а затем вечером надо было снимки проявить в лаборатории вагона, и иногда работа затягивалась до поздней ночи, особенно если погода была неблагоприятна и нужно было выяснить, не окажется ли необходимым повторить съёмку при другом освещении прежде, чем уехать в следующий намеченный пункт. Затем с негативов там же в пути делались копии и вносились в альбомы.”

В 1909 -1916 годах Прокудин-Горский объездил значительную часть Российской империи, фотографируя старинные храмы, монастыри, заводы, виды городов и разнообразные бытовые сцены. Фотограф побывал на Урале, в Туркестане, в Ярославской и Владимирской губерниях, снимал места связанные с Наполеоновской кампанией в России.

После 1912 года закончилась официальная поддержка проекта Прокудина-Горского по фотообзору России.

Во время Первой мировой войны Прокудин-Горский создавал фотохронику боевых действий, занимался цензурой прибывающих из-за границы кинематографических лент, анализом фотопрепаратов и обучением экипажей самолётов аэрофотосъёмке.

Вскоре, после Октябрьской революции 1917 года, Прокудин-Горский участвовал в создании Высшего института фотографии и фототехники (ВИФФ), который был официально учреждён декретом от 9 сентября 1918 года, уже после отъезда Прокудина-Горского за границу. Его последняя коллекция фотографий демонстрировалась в России 19  марта 1918 года в Зимнем дворце.

Прокудин-Горский принял решение покинуть Россию, после того,  как узнал об убийстве царской семьи в июле 1918 года.

В эмиграцию Сергей Михайлович отправился со своей новой семьей: с первой супругой, от которой у него родилось трое детей, к тому времени он успел расстаться. В эмиграции он жил сначала в Финляндии, затем в Норвегии, Англии, на юге Франции, в начале 20-ых годов он добрался до Парижа. В России он был широко известным человеком, осуществившим свою мечту, а в Европе надо было начинать жизнь заново. В Париже Прокудин-Горский вместе с детьми открыл фото-мастерскую, где и работал почти до конца жизни.

Скончался Сергей Михайлович в Париже, спустя несколько недель после освобождения города от немецких войск союзниками, в Русском доме, где нашли свое пристанище многие русские эмигранты. По некоторым свидетельствам, под конец жизни фотограф пристрастился к крепким алкогольным напиткам, что и стало отчасти причиной его ухода. Похоронен Сергей Михайлович Прокудин-Горский на русском кладбище Сент-Женевьев-де-Буа.

Вот таков конец этой, скажем честно, немного грустной истории жизни талантливого фотохудожника.

Что же стало с его бесценным фото наследием? Удивительные факты: Сергей Михайлович поле революции вывез большую часть своего художественного наследия заграницу, на что ему удалось получить официальное разрешение у властей, после его смерти правообладателями негативов стали его дети, которые продали коллекцию в 80-ых годах Американской Библиотеке Конгресса.

Развитие компьютерных технологий обработки изображений в конце XX-го века позволило обработать эти снимки и показать уникальные виды имперской России в цвете.

В июле 1991 года была впервые составлена компьютерная база данных снимков Прокудина-Горского, которая продолжала затем пополняться и изменяться.

В 2000 году компания JJT,  по контракту с Библиотекой Конгресса СШ,  выполнила сканирование всех 1902 стеклянных негативов из коллекции Прокудина-Горского. Сканирование выполнялось в режиме Grayscale c 16-битной глубиной цвета и разрешением свыше 1000 точек на дюйм. Файлы с отсканированными изображениями имеют размер около 70 Мбайт. Все эти файлы размещены на сервере Библиотеки Конгресса и находятся в бесплатном доступе.

Теперь коллекция цветных фотоснимков в электронном виде также составляет часть фонда Президентской библиотеки (Санкт-Петербург). Фотонаследие Прокудина-Горского является общественным достоянием и часто используется в ходе самых разных мероприятий, именно эта коллекция стала основой для выставки фоторабот Прокудина-Горского в Ливадийском дворце в июле 2017 года, где ее и увидела ваша покорная слуга.

Вместо послесловия: поскольку печать цветных фотографий во времена Прокудина-Горского была очень сложной задачей, полноценно «монетизировать» весь этот багаж у художника не было никакой возможности. Экспедиции осуществлялись фотографом на собственные средства, которые скоро были исчерпаны. Замечательное российское художественное наследие было сначала вывезено заграницу, а затем продано потомками художника Библиотеке Конгресса за 3 500 долларов.
Мне кажется, что огромной удачей для всех нас и великой заслугой Сергея Михайловича является тот факт, что снимки сохранились, дошли до наших дней и могут быть оценены по достоинству сегодня современными жителями России,  да,  и всего мира.
На этих снимках - Россия, которую не вернуть, на этих снимках наше прошлое, а значит - и мы сами.

Плотина на реке Ковже:

Вытегра. Часовня:

Самарканд. Торговец дынями:

Две грузинки в праздничных одеждах:

Сергей Михайлович Прокудин-Горский. Портрет:


Ознакомиться с наследием фотохудожника можно здесь.

Также очень рекомендую к просмотру фильм, посвященный Прокудину-Горскому и судьбе его коллекции, который недавно демонстрировал канал Культура: ссылка здесь.


Цветные фотографии царской России Прокудина-Горского начала XX века

Биография и дело жизни Сергея Прокудина-Горского – огромный архив цветных фотографий царской России – можно описать крылатой фразой «нет пророка в своем Отечестве». Полжизни ученый потратил на разработку технологии трехсекционного диапроектора, фотографирование природных богатств и пестрого населения громадного российского государства для будущих поколений. Но последние десятилетия прославленный изобретатель провел во Франции и Италии, где ему довелось сотрудничать с легендарными братьями Люмьер и другими западными коллегами-фотографами. Ныне коллекция трудов русского фотографа-новатора занимает видное место в Библиотеке Конгресса США, чья администрация после смерти ученого (27 сентября 1944) приобрела у наследников все сохранившиеся материалы (1902 тройных негатива и 2448 черно-белых отпечатка, 2600 оригинальных изображений).

Также сотрудники Библиотеки изучили творческий путь фотографа и составили первую полную биографию. А с появлением всемирной Сети создали интернет-сайт, где каждый желающий имеет возможность ознакомиться с работой великого русского изобретателя, общественного деятеля, пионера цветной фотографии царской России, чья историческая миссия началась так.

Фотограф царя Николая II


Автопортрет Прокудина-Горского, 1912
В конце девятнадцатого столетия Сергей-Прокудин Горский уже был известен и даже знаменит в отечественной ученой среде, где фотограф отметился многочисленными докладами и техническими исследованиями на тему фотографического искусства, а также публикацией нескольких тематических книг. В общем, на момент встречи с российским императором Прокудин-Горский был главным авторитетом в области фото России начала 20 века.

3 мая 1909 исследователь получил приглашение посетить Александровский дворец, что расположен в Царском Селе, и представить Николаю Второму и семье русского монарха последние достижения и результаты фотографических экспериментов. Романовы были потрясены увиденным зрелищем и не отпускали мастера до позднего вечера, требуя новых фотокадров и подробных объяснений касательно новаторского искусства. Романовы очень заинтересовались фотоискусством и в последующие годы вплоть до самого расстрела будут активно позировать камерам, оставив после себя громадный архив фотографий царской семьи, лучшие из которых доступны на Историке.
Императорскую чету снимали другие фотографы, а вот Сергей Михайлович отправился в долгое транснациональное путешествие, получив правительственный заказ и высочайшее одобрение мегапроекта «Цвет нации».

Разработка трёхсекционного диапроектора



Снимать цветные фотографии с помощью технологии цветоделения западные фотоноваторы начали в середине девятнадцатого века. Революционный научный метод заключался в том, чтобы по очереди снимать объект через три цветовых светофильтра – красный, синий, зеленый. Далее с помощью 3-секционного слайд-проектора три негатива одновременно проецировались на экран, выдавая эффект разноцветного изображения. Российский ученый следовал методу, изобретенному Максвеллом в 1855-м, но у революционной технологии присутствовало слабое звено в виде сложности получения красной и зеленой составляющих спектра. Каждый фотомастер разрабатывал собственную формулу сенсибилизации фотопластины и Горский достиг в данном предприятии значительного прогресса. Авторская технология сенсибилизации фотоэмульсии представляла собой более качественную формулу, если сравнивать с западными коллегами, благодаря чему фотоработы Прокудина-Горского часто брали главные призы мировых фестивалей. До самой смерти великий фотограф улучшал технику собственного фотопроизводства, получая очередные патенты и повышая качество собственных трудов.

Цветные фотографии Прокудина-Горского


Русские крестьянки, Кириллов, 1909
С 1897-го Сергей Михайлович начал докладывать руководству Императорского Русского Технического общества о новейших разработках мирового и русского фотоискусства. Многочисленные подробные доклады, статьи, книги и, разумеется, цветные фото царской России – благодаря этим достижениям имя Прокудина-Горского навсегда вошло в историю. Неудивительно, что авторитетный специалист
сумел встретиться с монархом и заручиться императорской поддержкой для реализации эпического проекта Цвет нации - запечатлеть для истории жизнь огромного государства. Правительство организовало для фотомастера специальный железнодорожный вагон, оснащенный всеми необходимым материалами для амбициозного проекта, и Сергей Прокудин-Горский отправился в дорогу, где были сделаны следующие исторические кадры.

Алим Хан, Эмир Бухары, 1911
Крестьянское семейство деревни Графовка, Азербайджан, 1905
Туркмен и гружённый верблюд, Центральная Азия, 1905
Железнодорожный мост через реку Кама, 1906

Текстильное производство, Байрамали, 1911
Дрезина возле Петрозаводской железнодорожной станции
Плоты из бревен возле Шлиссельбурга
Азиатская тюрьма, Бухара, 1907


Строительство дамбы на реке Ока, 1912
Мечеть в Бухаре, 1911
Вид на Тбилиси, 1900
Семейная пара, Дагестан, 1904]
Кальянщик, 1905
Мельницы, Тобольск, 1912
Вид на Суздаль через реку Камянка, 1912
Собор Святого Николая в Можайске, 1912

Работницы на сборке чая, 1908
Башкирская женщина в национальном костюме, 1910
Дагестанец в национальном костюме, 1904
Деревня Колчедан, Уральские горы, 1912
Торговец тканями, Самарканд, 1914

Торговец фруктами, Самарканд, 1914
Кавказ
Монастырь Нило-Столобенская пустынь, Тверь, 1910

Очерк жизни Прокудина-Горского

В письме к Л. Н. Толстому от 23 марта 1908 года с просьбой дать согласие на съемку цветного фотопортрета С. М. Прокудин-Горский пишет: «Эти изображения вечны — не изменяются. Достичь таких результатов никакая передача красками не может».

Прошло почти сто лет… Нет Российской империи, распался Советский Союз. В бурях революций и войн погибли многовековые памятники отечественной культуры, а хрупкие стеклянные цветоделенные негативы сохранились, проделав огромный путь в пространстве и времени, и благодаря новейшим современным технологиям получают вторую жизнь, возрождая то, что, казалось, исчезло безвозвратно.

«Фотография все-таки, надо признаться, искусство протокольного характера», — утверждал Прокудин-Горский. «Коллекция достопримечательностей России», этот одухотворенный протокол, исполненный внимания и любви к родине, сегодня представляет собой памятник мирового значения.

Мысль увековечить природные, религиозные, художественные и военные памятники Отечества не случайно возникла у художника именно в канун грандиозных потрясений. Как и большинство русских интеллигентов, он, без сомнения, остро чувствовал «страшную пору перелома», «время итогов и концов». Его, человека энергичного, ощущение нестабильности и зыбкости окружающего мира побуждало к активным действиям. Регулярная экспедиционная съемка Российской империи стала возможной благодаря покровительству Николая II: по высочайшему повелению министр путей сообщения С. В. Рухлов выделил фотографу пульмановский вагон, оборудованный прекрасной лабораторией. В экспедиции Прокудин-Горский выполнял и поручения Министерства путей сообщения: возвращаясь из каждой поездки, после обработки отснятого материала он показывал С. В. Рухлову все, что могло представлять интерес для министра: плотины, системы шлюзов, выемки для железнодорожного пути, мосты.

В историю культуры С. М. Прокудин-Горский вошел прежде всего как создатель «Коллекции достопримечательностей России». Призванная оценить достоинства коллекции комиссия, состоявшая из крупнейших специалистов различных отраслей знания, еще в 1911 году назвала фотохудожника «создателем истинного родиноведения». Известный в европейских профессиональных кругах фотохимик, изобретатель, экспериментатор, он всей предшествующей деятельностью был подготовлен к своей непростой миссии.

В организованных им фотомеханических мастерских Прокудин-Горский одним из первых в России налаживает выпуск цветных видовых фотографических открыток. Именно за работы по цветному репродуцированию, быстро развивавшемуся в Европе и Америке, он в 1908 году получает серебряную медаль на Международной фотографической выставке в Дрездене. Деятельность Прокудина-Горского чрезвычайно разнообразна: он не только открывает первые в России общедоступные фотографические курсы, но и публикует ряд практических пособий. В издаваемом им журнале «Фотограф-любитель» он выступает как талантливый журналист, популяризатор и педагог, активно способствующий развитию фотолюбительства в России.

Председатель фотографического отдела Императорского Русского технического общества (ИРТО), активный член Русского географического общества (РГО), участвовавший в самых ответственных экспедициях, почетный член Русского фотографического общества, Прокудин-Горский много сил и времени отдает устройству конкурсов и выставок, борется за признание авторских прав отечественных фотографов.

Мастером были сняты первые в России экспериментальные цветные фильмы, разработана технология производства дешевых цветных диапозитивов для школ; во время Первой мировой войны он обучает летчиков аэрофотосъемке, а воздухоплавателей — съемке с воздушных шаров.

Деятельность Прокудина-Горского нашла отражение в многочисленных документах — от рекламы, привилегий на изобретения и протоколов заседаний научных и технических обществ до дневниковых записей Николая I, переписки П. А. Столыпина с министром финансов В. Н. Коковцовым и семейных архивов наследников фотохудожника. Негативы изображений, составляющих «Коллекцию достопримечательностей России», хранятся в Библиотеке Конгресса США. В 2011 году Библиотека Конгресса США передала Президентской библиотеке имени Б. Н. Ельцина весь оцифрованный материал коллекции, чтобы облегчить доступ к нему российским пользователям. Все эти документы послужили базой для написания биографического очерка. Автор собирал материалы о жизни и творчестве фотохудожника почти 40 лет, и поиск источников продолжается: обнаруживаются письма, неизвестные фотографии и другие свидетельства его сложной судьбы. ё

НА ПУТИ К ЦВЕТУ…

Сергей Михайлович Прокудин-Горский был разносторонне одарен от природы: артистизм его художественной натуры удачно сочетался с аналитическим складом ума, темпераментом общественного деятеля и энергичной деловой хваткой. Он родился 31 августа 1863 года в родовом имении в Покровском уезде Владимирской губернии. Живописный оригинал герба Прокудиных-Горских хранится в фонде Департамента герольдии Российского государственного исторического архива в Петербурге. По одной из версий, род Горских происходит от выехавшего из Золотой Орды татарина Петра, прозванного Горским по вотчине Гора, пожалованной ему великим князем Дмитрием Донским. У Петра Горского был внук Прокопий, прозванный Прокудою, от которого потомки и начали именоваться Прокудиными-Горскими [i].

Послужной список С. М. Прокудина-Горского до сих пор не найден, так что сведения о полученном им образовании отсутствуют. Однако официальное членство в Императорском Русском техническом обществе и Русском географическом обществе свидетельствуют о том, что по образованию он был, скорее всего, химиком-технологом, поскольку сначала стал членом Химико-технологического отдела ИРТО, где в 1896 году сделал доклад «О современном состоянии литейного дела в России». Со времени своей женитьбы в 1890 году и до Октябрьской революции Прокудин-Горский бессменно возглавлял правление Товарищества казенных Гатчинских колокольных, медеплавильных и сталелитейных заводов. Директором товарищества был его тесть генерал-майор А. С. Лавров, известный русский металловед и один из основателей отечественного сталепушечного производства. Именно на этом поприще Прокудин-Горский продвинулся от губернского секретаря до статского советника. Правда, вполне вероятно, что последние чины он мог получить уже за выполнение серьезных государственных поручений в годы Первой мировой войны.

Творческая деятельность Прокудина-Горского тесно связана с Императорским Русским техническим обществом. Созданное в 1866 году по инициативе петербургских инженеров и профессуры, оно ставило своей целью «содействие развитию техники и технической промышленности в России». Членами общества в разное время были почти все крупнейшие ученые, инженеры и промышленники России: А. М. Бутлеров, Д. И. Менделеев, Д. К. Чернов, П. Н. Яблочков, А. С. Попов, А. Н. Крылов, Л. Э. Нобель и многие другие. Отраслевые отделы и комиссии по специальностям объединяли группы ученых, которые обсуждали и решали конкретные научно-технические вопросы, проводили коллективные исследования. С 1867 года деятельность общества освещалась в многоотраслевом журнале «Записки ИРТО».

Изначально ИРТО состояло всего из четырех отделов, и первым был Химико-технологический. Именно из состава этого отдела в марте 1878 года по инициативе Д. И. Менделеева выделился V Отдел светописи и ее применений, названный позже «фотографическим». Исторически это было первое объединение людей, связанных с фотографией. В него вошли ученые, изобретатели, профессиональные фотографы, художники-пейзажисты, военные инженеры-фотолюбители. Очень значимой была помощь специалистов в различных отраслях техники из других отделов ИРТО. Члены Электротехнического отдела проектировали осветительную аппаратуру для павильонной и в особенности для портретной фотографии; Отдел воздухоплавания помогал развитию аэрофотосъемки и астрофотографии. Хорошо оборудованная фотографическая лаборатория ИРТО стала площадкой для опытов и экспериментов.

Вслед за Петербургом фотографические отделы открылись в отделениях Общества, организованных во многих крупных промышленных городах, и в конце XIX века в России насчитывалось уже более 40 фотографических объединений. Самые крупные из них — Русское фотографическое общество в Москве и Киевское общество «Дагерр» — активно работали в области художественной фотографии, в то время как Фотографический отдел ИРТО оставался центром развития фотохимии, оптики и научной фотографии.

В 1898 году Прокудин-Горский стал действительным членом отдела. На организованной ИРТО Пятой фотографической выставке он демонстрирует снимки с полотен художников XVII–XVIII веков. В черно-белых фотографиях ему удалось передать структуру живописного полотна, характер света и тени, отразить богатство палитры и индивидуальность мастеров. Его работы отмечены бронзовой медалью. В том же году он делает доклад «О фотографировании падающих звезд (звездных дождей)», становится одним из организаторов первых в Петербурге курсов практической фотографии при ИРТО, преподает на них и пишет ряд брошюр-пособий. Среди учеников Прокудина-Горского были молодые ученые (в их числе основатель отечественной эпидемиологии Л. К. Заболотный), осваивавшие микрофотографию и астрофотографию как методы научного исследования.

2 августа 1901 года на улице Большая Подьяческая, 22, открывается фотоцинкографическая и фототехническая мастерская С. М. Прокудина-Горского. Именно здесь у него появится своя химическая лаборатория, тут же станут проходить занятия курсов, а позже, в I906 году, разместится редакция журнала «Фотограф-любитель». В этом же доме в течение 10 лет будет жить и семья Прокудиных-Горских. В своей «испытательной», как он назовет ее позже, лаборатории мастер начнет упорно работать над получением цветного изображения.

Первое сообщение о способе изготовления цветных диапозитивов по методу трехцветной фотографии Прокудин-Горский сделал 13 декабря I902 года, а в январе 1905-го он «ознакомил собрание со своими работами по цветной фотографии, проводившимися им в течение трех последних лет в Берлине в лаборатории профессора Мите и в Санкт-Петербурге. Затем докладчик показывал около 70 снимков, сделанных им за границей и у нас в России. В числе их были весьма различные по колориту и содержанию, так, например, виды Дагестана и Кавказа, осенние виды Финляндии, зимние пейзажи, жанровые картины, эффекты заходящего солнца и др. Снимки поражали верностью передачи ярких красок природы, вызывали долго не смолкающие аплодисменты и возгласы одобрения среди присутствующих»[ii].*

*Архив ИРТО, хранившийся в Российском государственном историческом архиве в Петербурге, частично погиб во время Второй мировой войны: во двор, где находились подготовленные к отправке в эвакуацию документы, попала зажигательная бомба. То, что удалось спасти и отреставрировать, представляет ценнейший источник для истории отечественной культуры. К счастью, написанные от руки протоколы заседаний Фотографического отдела, хоть и обгоревшие по краям, дошли до наших дней.

«МЫ В РОССИИ НЕ СТОИМ НА МЕСТЕ …»

Эта цитата из неопубликованного протокола заседаний Фотографического отдела исчерпывающим образом передает реакцию профессионалов на достигнутый мастером результат. Авторитет Прокудина-Горского быстро растет, коллеги предлагают ему занять место председателя Фотографического отдела. Из публикаций в печати мы узнаём, что в ту же зиму талантливый ученый «восхищал своими цветными проекциями Петербург и Москву»[iii]. Он становится одним из ведущих мастеров отечественной фотографии. В начале XX века в Германии были открыты красочные сенсибилизаторы — органические вещества, придающие фотографической пластине чувствительность к различным частям цветового спектра. В 1902 году немецкий фотохимик Адольф Мите разработал способ получения цветного фотографического изображения. С одной точки снимали через три различных фильтра три негатива, проявляли, фиксировали и получали три диапозитива. Их проецировали на экран, располагая перед каждым из диапозитивов тот фильтр, через который был сделан снимок. Русские фотографы тоже пользовались технологией Мите, хотя высокая стоимость сложной проекционной аппаратуры и стремление получить изображение на бумаге заставляло их искать другие методы. Сложность заключалась в том, что при трехцветном переносе на фотобумагу необходимо было экспонировать три окрашенных в основные цвета позитива, точно их совместив. Способ этот имел много тонкостей и секретов, и до появления работ Прокудина-Горского мы не находим в специальной литературе описания его технологии и методики.

Всегда возникает вопрос, в какой мере Прокудин-Горский был оригинален и не заимствовал ли он свои приемы в Германии. Мастер сам отвечает на этот вопрос: «Там, где дело касается материальных выгод, ни наши соседи, ни соседи наших соседей и т. д. и близко не допустят даже взглянуть, как и что надо делать для достижения тех или иных результатов; наоборот, если вы человек опытный и вам тщательно начинают объяснять якобы «секреты дела», то именно этого-то и не следует делать. Нe знаю, как в других областях техники, но в этой всего до последней мелочи приходилось добиваться самим... Все практически достигнуто своим трудом и с очень малыми средствами»[iv].

В своей петербургской лаборатории Прокудину-Горскому удалось найти или синтезировать химическое вещество сложного состава, делающее броможелатиновую пластину равномерно чувствительной ко всем цветам. Кроме того, он добился повышения ее светочувствительности, что было чрезвычайно важно. Мастер пейзажной фотографии И. Бобир писал в своей книге «Беседы пейзажиста»[v], что способ цветного фотографирования по методу Мите требует очень продолжительной экспозиции, которая «на ярком солнечном свете доходит до 30–40 минут, а при павильонной съемке вазы с цветами и натюрмортов в яркий солнечный день достигала 1 часа 20 минут, в облачный превысила 3 часа 20 минут». Пластины, обработанные по способу Прокудина-Горского, требовали экспонирования лишь ¼ : ¼ : ½ доли секунды через каждый из фильтров. Такая экспозиция в то время считалась почти моментальной и открывала большие возможности.

В 1907 году фирма «Люмьер» запатентовала систему цветного фотографирования на пластинах «Автохром». Под светочувствительный слой непосредственно на стекло наносились мельчайшие крупицы крахмала, окрашенные в три основных цвета. Пластины вкладывали в кассету так, чтобы свет, прежде чем попасть на чувствительный слой, проходил через окрашенные зерна крахмала, как через фильтр. Пластины «Автохром» были встречены восторженно: казалось, что благодаря им цветная фотография становится доступной для широкого круга любителей. Однако вскоре новое изобретение подверглось критике.

Замечания сводились к трем основным пунктам: необходимость значительной по времени экспозиции; неизбежность обращения цветного негатива в диапозитив, что лишало возможности размножать снимки путем копирования с негатива, который уничтожался при обращении; непрочность диапозитива, быстро выцветающего, а в фонаре дающего трещины на слое.

Прокудин-Горский остается верен своему трехступенчатому процессу и продолжает работать над его совершенствованием. Этот метод позволял ему делать с негативов нужное количество копий и позитивов для производства диапозитивов, которые, в свою очередь, служили основой для изготовления клише и получения типографских оттисков в его фотомеханической мастерской.

В 1906 году Фотографический отдел ИРТО избирает его своим председателем, а Русское фотографическое общество в Москве — почетным членом, и тогда же он становится редактором и издателем одного из старейших русских фотографических журналов «Фотограф-любитель». Все это время он постоянно фотографирует в России и за рубежом. Сейчас, когда удалось довольно точно воссоздать хронологию его деятельности, остается только удивляться, каким образом ему удавалось столько снимать, ездить в экспедиции, писать статьи и книги, работать в лаборатории, издавать журнал, руководить Фотографическим отделом и возглавлять правление Товарищества Гатчинских заводов!

Еще до официального начала работы над «Коллекцией достопримечательностей России» он по личной инициативе накапливает большой фотографический материал не только как член Русского географического общества и ИРТО, но и как частное лицо. Сохранился, например, документ «О допущении г. Прокудина-Горского к произведению снимков Ливадийских дворцов»[vi], выданный ему 24 мая 1905 года Министерством Императорского двора и уделов.

Выпускавшийся с 1890 года журнал «Фотограф-любитель» под руководством Прокудина-Горского совершенно преображается и становится лучшим фотографическим журналом России. Каждый номер открывается обращением редактора к читателям, в котором мастер затрагивает проблемы фотографического образования в России, авторских прав фотографа, пикторализма в фотографии, рассказывает о достижениях в фототехнике, о международных научных конгрессах и выставках, в которых он принимает участие, о своих экспедициях и путешествиях. Из этих обращений можно многое узнать о его взглядах и деятельности. Например, во втором номере за 1906 год редактор пишет: «Уезжая прошлый год на несколько месяцев в путешествие по России, я построил специальную палатку», и мы узнаём, что в 1905 году он снимал не только в Ливадии, хотя другие источники об этом умалчивают.

Сознавая, как велик в обществе интерес к цветной фотографии, Прокудин-Горский в двенадцати номерах журнала за 1906 год публикует цикл статей, содержащих подробное руководство по «фотографированию в натуральных цветах», рассказывает о скором появлении пластинок «Автохром» — он в курсе всего, что происходит в лабораториях Европы.

Весной 1906 года мастер единственный из русских принимает участие в международном конгрессе по прикладной химии в Риме и выступает с двумя докладами на секции фотохимии и фотографии: «Наблюдения и исследования при фотографировании в натуральных цветах» и «Прикладная фотография в России (с демонстрацией работ)». Той же весной фотохудожник удостоен золотой медали на Международной выставке в Антверпене «за снимки в красках непосредственно с натуры», получает жетон «За лучшую работу» на выставке «Photo Club» в Ницце. Он посещает выставку в Милане, активно работает в Берлине на Всеобщей фотографической выставке. На берлинской выставке его особенно привлекает раздел «Научная фотография» с представленными в нем снимками солнечной короны и протуберанцев, сделанными гамбургскими астрономами во время затмения Солнца в Алжире в 1905 году, а также фотографиями смерчей и землетрясений: он собирается в составе экспедиции Русского географического общества снимать полное затмение Солнца в Туркестане.

31 декабря этого насыщенного событиями 1906 года Прокудин-Горский уже в Туркестанском крае. Вернувшись из Туркестана и обработав отснятый материал, мастер едет на Урал по делам заводов и, хотя не предполагает много снимать, берет с собой аппаратуру. Позже он напишет в журнале: «Красоты некоторых местечек увлекли меня настолько, что я израсходовал все заряженные дома кассеты, и пришлось воспользоваться любезностью фотографа одного из маленьких заводских местечек»[vii].

Приведенные материалы красноречиво свидетельствуют об интенсивности съемок. Естественно, мастерство фотохудожника постоянно росло, и одновременно совершенствовалось полиграфическое воспроизведение. Уже в первой половине 1907 года четырьмя сериями выпущено 89 открытых писем, на каждом из которых стоит маркировка: «С натуры. С. М. Прокудин-Горский. СПб., Б. Подьяческая, 22». В издательстве «Общественная польза» в 1905 году выходит руководство Прокудина-Горского «Фототехническое дело. Краткий указатель для издателей, редакторов, художников, типографий и т. п.» с 26 листами цветных иллюстраций, все клише для которых сделаны самим автором в его фотоцинкографии. Его мастерские выполняют работы в цвете для целого ряда крупнейших издательств и типографий. Сравнивая отечественную цветную фотографию и печать с зарубежными, Прокудин-Горский писал в одном из номеров своего журнала: «Мы в России не стоим на месте, а идем вперед довольно крупными шагами. Побывав в Берлине, Лондоне, Париже, Вене, Милане и приглядевшись внимательно к иностранным работам в красках, работам, которые вообще-то появились в публике сравнительно недавно, могу сказать, что у нас это дело стоит нисколько не ниже, а по правдивости передачи во многих случаях и выше. Если принять во внимание, что цветное типографское воспроизведение начало развиваться в России каких-нибудь 4–5 лет, то, безусловно, следует признать огромный успех»[viii].

«ПОРТРЕТ С НАТУРЫ В НАТУРАЛЬНЫХ КРАСКАХ...»

Многоликий и полифоничный в стилевом отношении Серебряный век оставил замечательные образцы портретной фотографии. На коротком временном пространстве сошлись реализм, импрессионизм, модерн и символизм. Достижения оптики и фототехники позволяли добиваться абсолютной точности, но это уже не устраивало фотохудожников, лучшие из них стремятся к созданию образа, передаче настроения. Особенно плодотворно отечественная новаторская портретная фотография была представлена в Русском фотографическом обществе в Москве. Замечательные мастера фотокультуры Н. Петров, А. Трапани, С. Саврасов, Н. Андреев, Н. Свищов-Паола сформировались под влиянием видных художников, получили образование в школах живописи и в фотографию привнесли подлинную изобразительную культуру.

В полемике с главным идеологом московских новаторов-импрессионистов, выдающимся мастером психологического портрета Николаем Петровым Прокудин-Горский настаивает на том, что «фотография все-таки, надо признаться, искусство протокольного характера»[ix]. В своем журнале он постоянно говорит с читателями о фототехнике, по его словам, самым незаметным образом «подкравшейся к чистой фотографии», вводит специальный раздел «Испытательная лаборатория» и даже предлагает назвать журнал «Фотография и фототехника». Он объявляет себя убежденным реалистом: в области совсем еще молодой цветной фотографии ему приходится решать прежде всего технические проблемы точной передачи цвета. Однако невольно обращает на себя внимание одна деталь: при публикации в журнале своих фотографий с натуры автор пишет, что пластины «очувствлены» по его методу, и очень редко употребляет слово «обработаны». Словоупотребление здесь не случайно, оно говорит о многом!

Хотя портретных работ у Прокудина-Горского немного, он внимательно изучал достижения в этой области. Делясь с читателями журнала своими впечатлениями от работ лучших европейских мастеров портретной фотографии, он отмечает, что они «стремятся передать человеческое лицо и фигуру в положении, возможно близком к его обычному, естественному положению при «обычном» нормальном освещении, невзирая на то, будут ли выработаны все детали в глубоких тенях. Можно было позабыть, что видишь перед собой «фотографию» — видишь самого человека, чувствуешь его. Портретная фотография в данном случае может быть сравнима с такой же живописью»[x]. Думается, что именно этим наблюдениям он следовал в своих портретных работах.

В мастерской на Большой Подьяческой выполнялись и заказные фотоработы: проявлялись и печатались снимки тогдашних любителей фотографии. Один случай побудил Прокудина-Горского написать письмо в Ясную Поляну.

«Глубокоуважаемый Лев Николаевич,

Недавно мне пришлось проявлять цветную фотографическую пластину, на которой кто-то Вас снял (фамилию я забыл).

Результат получился весьма плохой, ибо, видимо, снимавший плохо знаком с делом.

Фотография в натуральных цветах — моя специальность, и возможно, что Вам случайно попадалась моя фамилия в печати. В настоящее время мне удалось после многих лет работы достичь превосходной передачи изображений в истинных цветах. Мои цветные проекции известны как в Европе, так и в России.

Теперь, когда процесс фотографирования по моему способу и на моих пластинах требует от 1–3 секунд, я позволю себе просить Вас разрешить мне приехать на один или два дня (имея в виду состояние Вашего здоровья и погоду), дабы сделать несколько снимков в красках с Вас и Вашей супруги...

Мне думается, что, воспроизведя Вас в истинных цветах в окружающей обстановке, я окажу услугу всему миру.

Эти изображения вечны — не изменяются. Достичь таких результатов никакая передача красками не может»[xi].

Реакция писателя на письмо фотографа, полученное 29 марта, нам известна благодаря «Яснополянским запискам» секретаря Л. Н. Толстого Д. П. Маковицкого. «Советовались, что ему ответить, Лев Николаевич: «Отмолчаться. Мне нежелательно фотографирование, но Софье Андреевне будет желательно». Лев Николаевич не решил, а сказал: «К вечеру выхожу весь (т. е. бываю утомлен), сколько бы часов ни было. А утром на все смотрю совершенно иначе». На следующее утро в 7 часов Лев Николаевич пришел и продиктовал свое согласие»[xii].

Прокудин-Горский был приглашен и в мае 1908 года провел три дня в семье Толстых в Ясной Поляне. В своей рукописной заметке, найденной в фондах ИРТО, мастер сообщает ряд интересных подробностей. Он упоминает, что писатель «особенно живо интересовался всеми новейшими открытиями в различных областях, а равно и вопросом передачи изображения в истинных цветах». Фотохудожник останавливается на технике съемки большого портрета. Он пишет, что из-за проходившего циклона и сильного ветра вынужден был увеличить время экспозиции до 6 секунд, «включая сюда и время, необходимое для передвижения очень большой кассеты. Съемка была сделана один раз, кассета доставлена на руках в Москву, где только было возможно вынуть из нее пластины для их упаковки. Фотографирование было произведено в пять с половиной часов вечера, тотчас после верховой прогулки Толстого, оно было сделано в саду, в тени, падающей от дома, причем задний план был ярко освещен солнцем»[xiii].

Портрет был впервые опубликован в августовском выпуске «Записок ИРТО» за 1908 год, которым русская техническая общественность чествовала «великого представителя русской мысли и слова». В статье, адресованной юбиляру в связи с его восьмидесятилетием, отмечалось, что это «новейший портрет, составляющий последнее слово фотографической техники, — портрет с натуры в натуральных красках, исполненный лишь техническими приемами, без всякого участия кисти или резца художника, портрет тем более соответствующий торжественному дню, что он составляет торжество русской техники: съемка портрета в красках с натуры стала возможною лишь благодаря усовершенствованиям, сделанным в России С. М. Прокудиным-Горским в отношении цветочувствительности и верности передачи красок»[xiv].

Юбилейный портрет был затем воспроизведен в журнале «Фотограф-любитель» и издан значительными тиражами в трех различных форматах в виде настенных картин и открыток. Несколько позже открытки стало выпускать и стереоскопическое издательство «Свет», находящееся в Москве, они и до сих пор встречаются на прилавках букинистических магазинов. Во всех случаях клише для печати были выполнены самим Прокудиным-Горским. Портрет Толстого прославил имя фотохудожника по всей России.

Прокудин-Горский сделал немало фотографий в Ясной Поляне, но в виде цветной полиграфической копии сохранился только большой юбилейный портрет, о котором речь шла выше. Другие снимки и среди них еще два портрета Л. Н. Толстого хранятся в виде черно-белых позитивов (8 × 8 см) в Пушкинском Доме (Институт русской литературы Академии наук). Одновременно с мастером в Ясной Поляне находился основатель фирмы «Стереографическое издательство «Свет» П. Е. Кулаков, сделавший около 70 снимков Толстого, его близких, яснополянского дома и окрестностей. На некоторых стереопарах, бережно хранимых в изобразительных фондах музея-усадьбы «Ясная Поляна», можно увидеть и Прокудина-Горского.

В портретах, как и в других своих работах, мастер прежде всего стремится «оставить точный документ для будущего», и цвет в этом документе играет очень существенную роль. Из дошедших до нас портретных работ Прокудина-Горского следующим по времени является снятый в 1911 году портрет бухарского эмира Сеид-Мир-Алим-хана. Этот замечательный портрет восточного владыки сегодня хорошо известен во всем мире, и не случайно именно его воспроизводят на проспектах выставок Прокудина-Горского и пресс-релизах — он воспринимается как своего рода символ человеческой толерантности и артистического мастерства фотохудожника.

Несколько позже мастер снимает два блистательных театральных портрета Ф. И. Шаляпина в ролях Бориса Годунова и Мефистофеля. История этих работ такова.

Прокудин-Горский был близко знаком с известным искусствоведом и театральным критиком Эдуардом Старком, писавшим под псевдонимом Зигфрид. В его имении фотохудожник производил свои первые эксперименты по цветной фотографии. Э. Старк, хорошо знавший Шаляпина и его творчество, задумал монографию о гениальном певце и трагическом актере. Автор ставил своей целью «передать впечатление от прекрасного искусства Шаляпина, передать его так, чтобы читатель, никогда не видевший Шаляпина, почувствовал, хоть сколько-нибудь, аромат этого великого искусства, а видевший, пробегая страницы книги, вновь пережил то, что переживал в театре». Сознавая свое бессилие перед временем, Старк писал: «Настанет же когда-нибудь день и... его прекрасное искусство обратится в легенду. Созданные им образы растают бесследно. Ничто не удержит их от разрушения, нет такого волшебства, которое сохранило бы им жизнь».

В роли магической силы если не в полной мере, то хотя бы отчасти выступила фотография, и свои личные впечатления автор книги смог дополнить изображениями сценических образов, выполненными лучшими фотохудожниками. Старк знал, какое огромное значение Шаляпин придавал сценическому костюму, его исторической достоверности и цвету. Прокудину-Горскому предстояло не только точно запечатлеть трагический облик, но и передать, тем самым увековечив его, поразительно найденный цвет. Сделанные им портреты соседствуют в монографии с замечательными живописными работами выдающихся русских художников В. Серова и А. Головина, но нисколько от этого не проигрывают. Один из фотопортретов, «Ф. И. Шаляпин в роли царя Бориса», был воспроизведен в журнале «Аполлон» в качестве иллюстрации к статье, посвященной 25-летнему юбилею сценической деятельности артиста; другой, тоже чрезвычайно интересный, сохранился только в книжном издании. Выдающийся трагический артист долго искал костюм, соответствующий эпохе XVI века. Э. Старк пишет: «Шаляпин дал великолепное воскрешение портретов старинных мастеров. У Гольбейна и на гравюрах Дюрера вы найдете немецких щеголей, одетых точно таким же образом; в особенности хорош меч и характерны драпировки плаща. Что касается цвета одежды, то тут опять соблюден принцип какой-то неуловимости, с чисто живописной точки зрения костюм привлекает своим общим колоритом, полным необычайной своеобразности: это не правильный красный тон прежних костюмов Мефистофеля — он приближается к оранжевому, не впадая в него»[xv]. Передать такой цвет можно было только с помощью очень точной цветной фотографии, и, судя по изображению в книге, Прокудину-Горскому это удалось.

Уже в эмиграции Прокудин-Горский создает несколько портретных снимков своих внуков: Димы — живущего ныне во Франции Дмитрия Николаевича Свечина и Аси (Анны Михайловны), урожденной Прокудиной-Горской. Последними по времени были два цветных портрета его младшей дочери Елены, сделанные во второй половине 1930-х годов.

Глядя сегодня на эти фотографии, невольно вспоминаешь высказывание известного французского культуролога и искусствоведа Ролана Барта, который выступал против отождествления фотографии с искусством, видя в этом посягательство на ее уникальные свойства. Для него фотография — магия, эманация прошедшей реальности. В своей последней книге «Светлая камера» он писал: «Фото — это буквально эманация фотографируемого. От реального тела, которое было там, отделились излучения, которые достигли меня, меня, который находится здесь; неважно, как долго длилась эта передача; фото исчезнувшего существа прикасается ко мне, как запоздалые лучи погасшей звезды...»[xvi]

«ОСТАВИТЬ ТОЧНЫЙ ДОКУМЕНТ ДЛЯ БУДУЩЕГО…»

В 1908 году 11 русских фотографических обществ подали в Государственную думу «Записку об авторском праве фотографа». Для большей убедительности в залах Академии художеств была устроена выставка, демонстрирующая достижения русских фотографов, и организован вечер для членов Государственного совета и Думы. Гвоздем программы вечера, состоявшегося 30 мая, стал показ на экране цветных проекций Прокудина-Горского, бывшего одним из авторов «Записки». Мастер только что вернулся из Ясной Поляны и, можно сказать, «попал с корабля на бал».

Современник пишет, что представление то и дело прерывалось взрывом рукоплесканий. Среди археологических снимков было изображение хранившейся в Эрмитаже замечательной древней вазы, которая начала утрачивать цвета. Документальная точность полученного изображения запечатлела краски на века, давая реставраторам возможность воссоздать их. Большой научный интерес представляли также снимки цветных украшений на туркестанских храмах и зданиях, сделанные в начале 1907 года, до землетрясения, разрушившего эти ценнейшие исторические реликвии в октябре того же года. В зале присутствовали члены императорского дома. Великий князь Михаил Александрович пригласил фотохудожника во дворец показать сделанные им снимки и ознакомить с приглашением от вдовствующей императрицы Марии Федоровны, а позже мастер демонстрировал свои работы в Царском Селе.

Сегодня мы часто идеализируем дореволюционную Россию. Между тем отечественная творческая интеллигенция, даже в лице своих вполне социально благополучных представителей, хорошо ощущала предельную напряженность времени, чувствовала угрозу социального взрыва и грядущей катастрофы. Один из наиболее активных пропагандистов русской культуры, представитель художественного направления «Мир искусства» С. Л. Дягилев называет период после 1905 года временем итогов и концов, страшной порой перелома. «Мы осуждены умереть, чтобы дать воскреснуть новой культуре, которая возьмет от нас то, что останется от нашей усталой мудрости»[xvii], — говорит он. Характерно, что предгрозовая атмосфера этого периода многих заставила по-новому взглянуть на накопленные веками культурные ценности, разбудила стремление собирать, изучать, реставрировать их. Приходило понимание хрупкости и незащищенности культуры.

Для Прокудина-Горского сфотографировать — значит навсегда оставить в памяти поколений, сохранить, увековечить. Одно из своих выступлений в Фотографическом отделе ИРТО он так и называет: «Применение фотографии в истинных цветах к сохранению древних памятников России». Он буквально одержим этой идеей, однако осуществить ее в полном масштабе без высочайшего покровительства было невозможно.

В годы эмиграции, вспоминая о посещении Царского Села и первой встрече с императором, Прокудин-Горский писал:

«Наступил самый ответственный момент, ибо я был уверен, что от успеха этого вечера зависела в значительной мере судьба моего дела. Для этой первой демонстрации Государю мною были выбраны снимки с натуры исключительно этюдного характера: закаты, снежные ландшафты, снимки крестьянских детей, цветы, осенние этюды и т. п. Ровно в половину девятого дежурный арап возвестил: «Их Императорские Величества», и в залу вошли Государь, Государыня со старшими доч?

Изготовление ритуальной продукции в Санкт Петербурге


Наша компания  «Dорогие Лица» предлагает Вам достойную альтернативу гравировке при оформлении памятников.  Этой альтернативой является  создание цветных и черно-белых фотопортретов на керамограните и фарфоре. Фотопортреты, созданные у нас, помогут в полной мере оставить  память о дорогом Вам человеке навсегда. Ведь фотопортреты создаются на высокотехнологичном, современном оборудовании, которое позволяет перенести 100% фото на керамику. Благодаря этой технологии  Вы всегда сможете видеть Дорогие Лица такими, как они были при жизни.

Наши фотопортреты не выгорают, не облезают, способны переносить экстремальные погодные условия, так как фарфор и керамогранит  не впитывают влагу и «живут» вместе с гранитной основой, на которую установлены.

Дизайнеры, участвующие в создании фотопортрета, со всей теплотой и лаской отнесутся к Вашей фотографии и помогут в создании фотопортрета с художественным оформлением, что дает огромное преимущество перед обычной гравировкой, помогут Вам с выбором фона, ретушью фотографии.

Наша компания «Dорогие Лица» является  разработчиком и производителем продукции на керамической основе, поэтому Вам не придется платить за посреднические услуги.

Карта сайта



«Где сделать фотографию на памятник?»

Этот вопрос часто озадачивает людей, недавно потерявших своего близкого человека. Если Вы житель Санкт-Петербурга, то, обратившись в компанию «Дорогие лица», Вы попадете точно по адресу. Наши специалисты помогут Вам подобрать материал заготовки и выбрать способ нанесения изображения так, чтобы образ дорогого человека оставался ярким в течение многих лет.

Сегодня существует множество способов достичь заданной цели. Это – нанесение стойких к атмосферным явлениям изображений на металлические, керамические, фарфоровые основы. Для фотографий на гранитных памятниках применяют сравнительно новый материал – керамогранит.

Но неизменной популярностью пользуется изготовление фотографий на фарфоре. На памятники, надгробия, постаменты вот уже много лет люди заказывают изображения, нанесенные на форфор, с последующим его обжигом. Такое доверие фотокерамика заслужила тем, что фото на ней не тускнеет и не выгорает десятилетиями. Современные технологии, используемые в процессе изготовления фотокерамики, позволяют продлить срок службы этих ритуальных изделий до 50 лет.

На замену старому методу аналоговой деколи, применявшемуся для изготовления черно-белых фотоовалов, пришли современные технологии. Наиболее популярная – итальянская технология, получившая название цифровая деколь. Её принципиальное отличие состоит в том, что изображение сначала наносится на декольную бумагу при помощи принтера с керамическим тонером. Затем фото отслаивается в воде, переносится на основу и сверху на него распыляется слой лакировочного порошка. После чего изделие подвергается высокотемпературному обжигу в муфельной печи. При этом керамические чернила проникают в глубину глазури, а расплавленный порошок образует на поверхности изображения надежную защитную пленку, позволяющую фотографии сохранять первоначальную яркость много лет.

Если Вы решили заказать фотографию на памятник, то просто советуем обращаться к нашей фирме, которая сама производит ритуальную продукцию. Мы можем гарантировать Вам отличное качество по цене, которую посредники никогда не смогут предложить. Компания «Дорогие лица» вот уже много лет работает на рынке ритуальных услуг и знает все о фотокерамике. Располагая собственным производством, компания предлагает продукцию неизменно высокого качества.

Когда у Вас возникает необходимость сделать фото близкого человека на памятник, то Вы непременно хотите, чтобы полученное изображение было четким и качественным, не подвластным неблагоприятным природным воздействиям. Изображение на фото любимого человека должно иметь максимальное внешнее сходство. При этом хочется, чтобы близкий человек смотрел на Вас с портрета как живой. Потому что в нашей памяти и в глубине души он всегда живой.

Наилучшим образом сделать фото на памятник в Спб смогут специалисты компании «Дорогие лица». В нашем арсенале имеется полный набор высокотехнологического оборудования, позволяющего перенести фото на эмаль (керамику), фарфор или керамогранит. Нашу продукцию отличает высокое качество, сочные и немеркнущие со временем краски, идеальная стойкость к разрушительным воздействиям непогоды. Мы не ограничиваем Ваш выбор исключительно цветным изображением. Доступны черно-белые варианты, а также оттенок «сепия». Лаконично и строго будет выглядеть цветной портрет на белом фоне.

Чуткие к Вашему горю, дизайнеры деликатно и с пониманием сделают все, от них зависящее, чтобы портрет на памятнике понравился Вам и Вашей семье. Кроме необходимой ретуши или восстановления старого изображения, наши специалисты предложат необходимую компьютерную обработку фотографии, включающую:

  • замену фона, подбор пейзажа;
  • переодевание;
  • обработку лица из коллективного фото;
  • уникальное художественное обрамление.

По окончании компьютерной обработки, наш проект обязательно высылается клиенту на электронный адрес для согласования. Вы в праве также предложить собственный вариант фотографии на табличке.

Если Вас волнуют вопросы: «Где заказать цветное фото на памятники? Кому доверить воплощение вечной памяти о своих родных и близких? Кто сможет гарантировать неизменное качество изображения на протяжении многих лет?», то, обратившись к нам, Вы сделаете верный выбор. Вся наша продукция прошла испытание временем, именно поэтому мы с уверенность даем полувековую гарантию на фото и таблички, изготовленные с применением новейших технологий и материалов.

История цветной фотографии | Блог Национального музея науки и СМИ

Узнайте о развитии цветной фотографии - от самых первых экспериментов с раскрашиванием вручную до массового производства коммерчески жизнеспособной цветной пленки.

Часть 1: поиски цветной фотографии

Сегодня мы воспринимаем цветную фотографию как должное. Делать снимки в полном объеме с естественными цветами настолько легко, что мы не останавливаемся, чтобы понять, как все это произошло. Тем не менее, поиск дешевого и простого процесса цветной фотографии был долгим и трудным, со многими ошибками и тупиком.В поисках «Святого Грааля» фотографии было заработано несколько состояний, но гораздо больше было потрачено до того, как мечта стала реальностью.

Когда в фотографии впервые был добавлен цвет?

В 1839 году, когда фотографии впервые увидели, их встретили с чувством удивления. Однако вскоре это изумление смешалось с оттенком разочарования. Люди не понимали, как процесс, который мог бы записывать все аспекты сцены с такими изысканными деталями, мог так ужасно не записывать ее цвета.Сразу же начались поиски средств точной передачи не только формы, но и цветов природы.

Пока ученые, фотографы, бизнесмены и экспериментаторы трудились, публика стала нетерпеливой. Фотографы, стремясь дать своим клиентам то, что они хотели, вскоре взяли дело буквально в свои руки и начали добавлять цвет к своим монохромным изображениям. Как отмечал в 1851 г. автор книги A Guide to Painting Photographic Portraits :

Когда фотографу удается получить хорошее изображение, оно переходит в руки художника, который мастерством и цветом придает ему естественный и естественный вид.

Т. Р. Уильямс, Портрет солдата, 1855 г., стереодагерротип ручной раскраски

Раскрашенные вручную фотографии

Для раскрашивания вручную использовалось несколько различных процессов и материалов, и это обеспечило работу в студии для многих художников-миниатюр, которые изначально чувствовали угрозу появления новой среды. Даже после появления первых практических методов окраски ручное окрашивание продолжало оставаться популярным, поскольку оно часто было более дешевой и простой альтернативой.Некоторые результаты были очень грубыми, но в умелых руках можно было добиться очень тонких и красивых эффектов.

Однако даже в лучшем виде раскрашивание вручную оставалось произвольным и, в конечном счете, неудовлетворительным средством записи цвета, которое не могло точно воспроизвести цвета природы. Что требовалось, так это фотографический процесс, который мог бы записывать цвета напрямую, точно так же, как он уже был способен улавливать свет и тень.

Как работает цвет?

Прежде чем можно было воспроизвести цвет, нужно было четко понять природу света и то, как мы воспринимаем цвет. Научное исследование цвета началось в семнадцатом веке. В 1666 году сэр Исаак Ньютон разделил солнечный свет с помощью призмы, чтобы показать, что на самом деле это комбинация семи цветов спектра. Почти 200 лет спустя, в 1861 году, молодой шотландский физик Джеймс Клерк Максвелл провел эксперимент, чтобы показать, что на самом деле все цвета могут быть получены с помощью соответствующей смеси красного, зеленого и синего света.

Максвелл снял три отдельных слайда с тартановой лентой через красный, зеленый и синий фильтры.Затем эти слайды проецировались через те же фильтры с использованием трех отдельных волшебных фонарей. Когда три изображения были аккуратно наложены на экран, они объединились, чтобы получить цветное изображение, которое было узнаваемой копией оригинала. Хотя эксперименты Максвелла ясно продемонстрировали основные принципы цветной фотографии, на практике его демонстрация вообще не должна была сработать. Хотя физик этого не знал, фотоэмульсии, которые он использовал, были нечувствительны к красному свету. К счастью для Максвелла, красная ткань на ленте отражала ультрафиолетовый свет. Это было незаметно для глаза, но на эмульсии это было заметно.

Джеймс Клерк Максвелл, Тартановая лента, 1861 г., принт Vivex (1937 г.) с оригинальных негативов

Ранние эксперименты в цветной фотографии

Хотя фундаментальная теория могла быть понята, однако практический метод цветной фотографии оставался недостижимым. Некоторые экспериментаторы преследовали идею прямого метода воспроизведения цвета, который не основывался на смешивании основных цветов.В 1891 году профессор физики Сорбонны Габриэль Липпманн продемонстрировал процесс окраски, основанный на явлении световой интерференции - взаимодействии световых волн, которое дает яркие цвета, наблюдаемые в мыльных пузырях. Этот процесс принес Липпманну Нобелевскую премию в 1908 году и в течение короткого времени продавался в коммерческих целях на рубеже веков. Однако требовалось чрезвычайно долгое время выдержки, что означало, что процесс оставался не более чем научным любопытством. Будущее цветной фотографии связано с трехцветными процессами, основанными на смешивании основных цветов света.

Вскоре после демонстрации Максвелла в 1861 году француз Луи Дюко дю Орон объявил о методе создания цветных фотографий путем комбинирования цветных пигментов вместо смешивания цветного света. Для процесса Дю Орона по-прежнему требовалось три черно-белых негатива, снятых через красный, зеленый и синий фильтры. Эти негативы использовались для создания трех позитивных, отдельно окрашенных изображений, которые при наложении друг на друга объединялись в цветную фотографию. Именно этот метод составляет практическую основу сегодняшних цветовых процессов.

Первоначально работы Максвелла, Дю Орона и других, несмотря на свою теоретическую важность, имели ограниченную практическую ценность. Во многом это было связано с тем, что используемые в то время фотоэмульсии были очень ограничены по своей цветовой чувствительности. Прежде чем их методы заработали на практике, необходимо было внедрить фотоматериалы, чувствительные ко всему цветовому диапазону спектра.

К 1880-м годам в продаже появились пластины, чувствительные к синему и зеленому свету.Однако только в начале 20-го века, после работы доктора Х. В. Фогеля, были проданы первые полностью панхроматические пластины, чувствительные ко всем цветам. Наконец казалось, что путь к будущей возможности практического и коммерчески жизнеспособного метода цветной фотографии открыт.

Часть 2: Добавка красителя

Первые процессы цветной фотографии появились в 1890-х годах. Основываясь на теории, продемонстрированной в 1860-х годах Максвеллом, они воспроизводили цвет, смешивая красный, зеленый и синий свет.

Кромограмма

Американский фотограф и изобретатель Фредерик Айвз разработал систему, основанную на трех цветоделенных негативах, снятых через цветные фильтры. Из этих негативов были сделаны позитивные прозрачные пленки, которые были помещены в специальный просмотрщик, называемый кромскопом. Зеркала в Kromskop накладывали изображения на три прозрачных пленки, а второй набор фильтров восстановил цвета. Кромограммы, как были известны полученные изображения, были эффективными, но непомерно дорогими, а система Айвса, в конечном счете, была слишком сложной, чтобы быть успешной.

Процесс Джоли

Вместо трех отдельных экспозиций через красный, зеленый и синий фильтры, более простой альтернативный подход заключался в том, чтобы сделать только одну экспозицию через фильтр, объединяющий все три основных цвета. Первый процесс, в котором использовался этот метод, был разработан доктором Джоном Джоли из Дублина в 1894 году. Джоли покрыл стеклянную пластину очень тонкими красными, зелеными и синими линиями (шириной менее 0,1 мм), чтобы создать трехцветный фильтрующий экран. . При фотографировании этот экран помещали в камеру перед пластиной.После обработки экспонирования и обращения черно-белое позитивное изображение было тщательно совмещено с другим фильтрующим экраном. В результате получилась цветовая прозрачность, которую можно было увидеть в проходящем свете.

Процесс Joly был введен в продажу в 1895 году и оставался на рынке в течение нескольких лет. Однако ограниченная цветовая чувствительность используемых в то время пластин означала, что результаты не были очень успешными.

Автохром

Первый полностью практичный и коммерчески успешный экранный процесс - автохром - был изобретен в начале 20 века двумя братьями-французами, Огюстом и Луи Люмьерами, которые экспериментировали с цветной фотографией с 1890-х годов.Они опубликовали свою первую статью на эту тему в 1895 году, в том же году, когда они должны были добиться прочной славы благодаря своему изобретению кинематографа. В 1904 году они впервые представили свой процесс Французской академии наук, а к 1907 году начали коммерческое производство автохромных пластин.

Новости об их открытии быстро распространились, и образцы новых пластин стали предметом нетерпеливого поиска. Критическая реакция была восторженной. Альфред Штиглиц писал:

Возможности нового процесса кажутся безграничными ... скоро мир будет помешан на цветах, и Люмьер будет отвечать за это.

Понимая, что нет необходимости отделять сетку фильтра от фотоэмульсии, Lumières объединили сетку фильтра и светочувствительную эмульсию на одной стеклянной подставке.

Как делались автохромы?

Изготовление автохромных пластин было сложным процессом. Сначала измельченные зерна крахмала пропускали через сито, чтобы изолировать отдельные зерна диаметром 10–15 микрон. Было испробовано много разных видов крахмала, но самый лучший результат дал простой картофель.Затем эти микроскопические зерна были окрашены в красный, зеленый и сине-фиолетовый цвет, смешаны и распределены по стеклянной пластине и покрыты липким лаком.

Затем на тарелку насыпали порошок древесного угля, чтобы заполнить все промежутки между окрашенными зернами крахмала. Валик подвергал пластину давлению в пять тонн на квадратный сантиметр, чтобы расплющить и распределить зерна, прежде чем пластину покрыли лаком, чтобы сделать ее водонепроницаемой. Конечная пластина представляла собой трехцветный сетчатый фильтр, на каждом квадратном дюйме которого находилось около четырех миллионов прозрачных крахмальных зерен, каждое из которых действовало как цветной фильтр. Заключительный этап заключался в нанесении на пластину панхроматической эмульсии.

Как работали автохромы?

Таблички

Autochrome были просты в использовании. Им не требовалось специального оборудования, и фотографы могли использовать свои существующие камеры. Однако время выдержки было долгим - примерно в 30 раз больше, чем у обычных пластин. Даже при ярком солнечном свете требовалась выдержка не менее одной секунды, а в пасмурную погоду ее можно было увеличить до 10 секунд и более. Даже в хорошо освещенной студии для портретов может потребоваться выдержка до 30 секунд.

После экспонирования пластинки с автохромом подвергались обратной обработке для получения положительного изображения. При просмотре в проходящем свете, проходящем через пластину, миллионы крошечных красных, зеленых и сине-фиолетовых зерен объединяются, чтобы дать полноцветную фотографию, точно воспроизводящую цвета исходного объекта. Теоретически зерна перемешивались и случайным образом распределялись по поверхности пластины.

На практике, однако, математическая вероятность означала, что некоторая группировка зерен одного цвета была неизбежна.Хотя отдельные зерна невидимы невооруженным глазом, эти группы скоплений видны; они - причина особой красоты автохрома и сравнения с работами художников-импрессионистов и пуантилистов.

Этельдреда Джанет Лэнг, Ирис и Джанет Лэнг, около 1913 года, автохром

Насколько популярен был автохром?

К 1913 году фабрика Lumiere в Лионе ежедневно производила 6000 автохромных пластин.

Коммерческий успех процесса привел к появлению многих других цветовых процессов, основанных на концепции экранов, состоящих из микроскопических цветных фильтров.Эти экраны использовали либо случайный узор зерна, либо, чаще, различные геометрические узоры из линий и квадратов.

Дюфайколор

Большинство из этих процессов давно забыты, но один из них оставался популярным в течение многих лет. Dufaycolor впервые появился в 1932 году как 16-миллиметровая кинопленка, а в 1935 году - рулонная версия. Разработанный Луи Дюфе, Dufaycolor использовал обычный геометрический экран из красных линий, чередующихся с рядами зеленых и синих прямоугольников. Цветопередача была хорошей и сравнительно быстрой - хотя и составляла лишь одну треть от скорости современной черно-белой пленки.

В то время как автохромы привлекали фотографов, которые любили обрабатывать изображения самостоятельно, Dufaycolor был нацелен на рынок моментальных снимков. Служба обработки, которая возвращает готовые прозрачные пленки, смонтированные и готовые к просмотру, открыла цветную фотографию для совершенно нового класса фотографов. Dufaycolor, последний из экранных процессов, оставался на рынке до 1950-х годов.

Часть 3: Субтрактивный цвет

Самые ранние цветовые процессы работали по принципу смешивания или сложения соответствующих комбинаций красного, зеленого и синего света.Обычно они сгруппированы вместе под общим описанием «аддитивных» цветовых процессов. Все аддитивные процессы имеют один большой недостаток - они полагаются на использование фильтров, которые по своей природе блокируют большое количество света, что приводит к длительной выдержке и очень плотной прозрачности.

Более того, цветные фотографии, сделанные с помощью этих процессов, можно просматривать только в проходящем свете - с помощью проекции или с помощью специальных устройств просмотра. Однако существует альтернативный метод фотографического воспроизведения цвета - «субтрактивный» синтез цвета.

Что такое субтрактивная цветопередача?

Первоначальная теория субтрактивного воспроизведения цвета восходит к плодородному уму Луи Дюко дю Орона, который еще в 1860-х годах объяснил этот метод в своей книге « Les Couleurs en Photographie ». Дю Орон предложил использовать негативы с цветоделением для создания трех позитивных изображений, которые затем были окрашены в дополнительные цвета: голубой (сине-зеленый), пурпурный (сине-красный) и желтый.

Каждый из этих дополнительных цветов поглощает или вычитает (отсюда и название) один из основных цветов.Голубой поглощает красный свет, отражая смесь синего и зеленого света. Таким образом, голубое изображение выполняет ту же функцию, что и красный фильтр, используемый в аддитивном процессе. Точно так же пурпурный цвет поглощает зеленый свет, а желтый - синий. Точно наложив эти три дополнительных цвета, можно воспроизвести все остальные цвета. Цвет в субтрактивных процессах создается красителями или пигментами, а не цветными фильтрами.

При субтрактивном цвете белый, например, представлен прозрачным стеклом или белой бумагой, а не светом, проходящим через три фильтра.Это означает, что процессы вычитания гораздо менее расточительны для света. Что еще более важно, они работают с отраженным, а не проходящим светом, что означает, что их можно использовать для создания цветных фотографий на бумаге.

Как работали процессы вычитания цвета?

Развитие субтрактивных цветовых процессов шло по двум разным путям. Во-первых, разработка специализированных фотоаппаратов для получения наборов цветоделенных негативов и, во-вторых, поиск практических методов создания и наложения трех позитивных изображений в дополнительных цветах.

При съемке цветоделенных негативов неподвижных объектов, например вазы с цветами, можно использовать обычную камеру. Все, что требовалось, - это менять цветовой фильтр после каждой экспозиции. Если бы выполнялась большая работа с цветом, эту процедуру можно было бы упростить за счет использования повторяющихся корешков.

Было продано несколько различных устройств такого типа. Самым простым типом были длинные держатели пластин, снабженные тремя фильтрами, которые можно было сдвинуть по камере назад за три шага.Самые сложные из них были оснащены часовыми двигателями, что позволяло экспонировать три негатива в быстрой последовательности всего за две или три секунды.

При фотографировании объектов, на которых вероятно движение - например, портретов - даже автоматически повторяющиеся спины были недостаточно быстрыми. Для этого требовалась камера, которая могла бы одновременно экспонировать все три негатива. За прошедшие годы многие конструкции таких «однокадровых» камер были запатентованы, а некоторые из них были произведены на коммерческой основе. В них использовались различные конфигурации зеркал и призм для разделения света, попадающего в камеру, на три отдельных луча, каждый из которых направлялся на держатель для пластин, снабженный фильтром разного цвета. Среди наиболее удачных разработок были камеры Jos-Pe, Bermpohl, Klein и Mirkut.

Карбоновая печать в фотографии

Получение удовлетворительных негативов было только первым этапом. Затем эти негативы нужно было преобразовать в позитивные изображения дополнительных цветов: голубого, пурпурного и желтого. Для получения этих изображений использовалось несколько различных методов, наиболее популярными из которых были вариации углеродного процесса. В них использовались листы углеродной ткани, состоящей из желатинового покрытия, содержащего пигмент, на бумажной основе.Перед использованием эту ткань сенсибилизировали, пропитывая ее бихроматом калия. Бихромат калия затвердевает, когда
подвергается воздействию света, и после контакта с негативом участки незатвердевшего желатина могут быть смыты, чтобы открыть изображение.

Ткани можно производить с использованием пигментов любого цвета - изображения на голубых, пурпурных и желтых тканях накладываются друг на друга для получения субтрактивных цветных отпечатков. Вариантом углеродного процесса был процесс Trichrome Carbro, впервые разработанный в 1890-х годах, но ставший популярным компанией Autotype из Илинга в 1920-х и 1930-х годах.В процессе Карбро использовался набор отпечатков бромида, сделанных с разделительных негативов, для создания необходимых изображений желтого, пурпурного и голубого пигментов на ткани для последовательного переноса на бумажную основу.

Хотя такие процессы, как Carbro, были доступны для использования фотографами-любителями, методы сборки тканей были трудными и сложными. Помимо действительно преданных делу, большинство любителей предпочитали использовать аддитивные процессы, такие как автохром и Dufaycolor. Коммерческая цветная фотография становилась все более важной в 1930-х годах, и для профессиональной цветной печати в то время господствовал один процесс: Vivex.

Каков был процесс Vivex?

Изобретенный в 1928 году доктором Д.А. Спенсером, который позже стал управляющим директором Kodak Ltd, Vivex был модификацией процесса Trichrome Carbro, в котором листы целлофана использовались в качестве временной основы для пигментных изображений. Любые незначительные проблемы с совмещением изображений можно исправить вручную, растягивая или сжимая целлофан, чтобы обеспечить идеальное наложение.

Чтобы использовать процесс Vivex, была создана компания Color Photographs (British & Foreign) Ltd с фабрикой в ​​Виллесдене, на севере Лондона.Это была первая лаборатория, которая предложила профессиональным фотографам услугу цветной печати. Было подсчитано, что более 90% всех цветных отпечатков, сделанных в Великобритании в 1930-е годы, были созданы с использованием процесса Vivex.

Часть 4: Выполнено задание

Процессы субтрактивной окраски, такие как Vivex, требовали создания цветоделенных негативов на трех отдельных фотопластинках. Однако, если бы можно было объединить все три пластины в единый блок или трипак, тогда не было бы необходимости в специализированных цветных камерах или в повторяющихся задних панелях, снабженных фильтрами.Именно использование встроенных трипаков проложило путь к развитию «современных» цветовых технологий, таких как Kodachrome.

Система отключения

Основная идея трипаковой системы заключалась в создании многослойного устройства, в котором каждая пластина была покрыта эмульсией, чувствительной к одному из основных цветов. Свет будет проходить через первую пластину, чтобы достичь второго слоя эмульсии, и, в свою очередь, проходить через эту пластину, чтобы регистрироваться на третьей эмульсии.

Первая практическая система трипака была представлена ​​Фредериком Айвсом в 1916 году.Его трипак «Hiblock» состоял из листа пленки, зажатого между двумя стеклянными пластинами. Верхняя пластина была чувствительна к синему, пленка - к зеленому, а нижняя пластина - к красному свету. После экспонирования три слоя были разделены для обработки, после чего негативы были обработаны как обычные разделительные негативы.

Затем последовали и другие трипаковые системы, включая печально известный процесс Colorsnap.

Что представлял собой процесс Colorsnap и почему он не удался?

В 1928 году была создана новая компания Color Snapshots Ltd, которая получила огромную финансовую поддержку для продвижения продуктов Colorsnap. Однако, несмотря на экстравагантные заявления, результаты оказались неутешительными. Негативы от второго и третьего слоев эмульсии были настолько нечеткими, что компания была вынуждена вручную раскрашивать черно-белые отпечатки, сделанные с самого резкого переднего элемента трипака. Неудивительно, что Color Snapshots Ltd обанкротилась в декабре 1929 года.

Процесс Colorsnap страдает той же проблемой, которая присуща всем системам с трипаком. Свет рассеивался и рассеивался, проходя через различные слои эмульсии и основы, поэтому один или несколько полученных негативов были размыты.Определение было слишком плохим, чтобы можно было увеличить его; негативы Tripack обычно рекомендуются только для контактной печати.

Как решались проблемы системы трипак?

Решение этой проблемы состояло в том, чтобы нанести все три эмульсии на одну и ту же стеклянную или пленочную основу в непосредственном контакте друг с другом в «интегральных» трипаках. Поскольку было бы физически невозможно разделить эти эмульсионные слои, каждый из них должен быть способен подвергаться химической обработке изолированно, чтобы получить изображение в голубом, пурпурном или желтом цвете.

В 1912 году Рудольф Фишер запатентовал предложение использовать то, что позже стало известно как цветные соединители. Это вещества, которые вступают в реакцию с химическими веществами, образовавшимися в процессе развития, с образованием цветных красителей. Фишер предложил включить цветные элементы для получения голубых, пурпурных и желтых красителей в соответствующие слои цельного трипака, чтобы во время проявки формировались цветные изображения. Поскольку в случае интегральных трипаков все три слоя эмульсии находятся в прямом контакте друг с другом, проблем с регистрацией не возникнет, и в результате получится полноцветное фотографическое изображение.

К сожалению, цветовые связующие, которые использовал Фишер, имели тенденцию диспергироваться между слоями эмульсии во время обработки. Однако теория Фишера была совершенно обоснованной, и его работа должна была сформировать основу исследований, которые должны были привести к первой практической и коммерчески успешной интегральной трипаковой системе - Kodachrome.

Кто изобрел Кодахром?

Kodachrome был детищем Леопольда Маннеса и Леопольда Годовски. Оба зарабатывали на жизнь профессиональными музыкантами (Маннес играл на фортепиано, а Годовски - на скрипке), проводя свободное время, экспериментируя с цветной фотографией.Несмотря на все их усилия, наступил момент, когда они не смогли развиваться без внешней поддержки.

Эту поддержку должен был оказать доктор С.Э. Кеннет Мис, директор исследовательских лабораторий Eastman Kodak в Рочестере, штат Нью-Йорк. В 1922 году Мис встретился с Маннесом и Годовски и, впечатленный качеством их работы, согласился предоставить им материалы, необходимые для продолжения исследований. В этот момент они работали над двухцветной субтрактивной системой для цветной фотографии, но, прочитав о работе Фишера с цветовыми соединителями, они решили отказаться от своих прежних методов и сосредоточиться на разработке практической трехцветной многослойной пленочной системы.

В 1931 году оба Леопольда отказались от своей музыкальной карьеры, чтобы работать полный рабочий день в исследовательских лабораториях Kodak, где с помощью огромных ресурсов Eastman Kodak они быстро продвинулись вперед.

Как работал Kodachrome?

Подобно Фишеру, Маннесу и Годовски было очень трудно предотвратить распространение цветных красителей между слоями эмульсии. Они решили эту проблему, добавив цветные компоненты в проявитель, а не в эмульсию.

Кодахром - это, по сути, черно-белая пленка, в которую во время обработки добавляются цветные красители.Обработка кодахрома, включающая многократную проявку, крашение и затем выборочное отбеливание, была чрезвычайно сложной. Всего потребовалось не менее 28 различных этапов, которые можно было провести только в лабораторных условиях. По этой причине фотографы не могли обработать свой собственный фильм, и им пришлось отправить его обратно в Рочестер.

Когда пленка Kodachrome впервые поступила в продажу?

15 апреля 1935 года в продажу поступила первая пленка Kodachrome - для использования в 16-миллиметровых кинокамерах. Американским фотографам пришлось ждать до следующего года, прежде чем появилась 35-миллиметровая пленка Kodachrome. Первые поставки 35-мм винтовок Kodachrome достигли Британии в 1937 году.

Agfacolor-Neu

В 1936 году компания Agfa в Германии также анонсировала многослойную цветную пленку. Agfa производит дополнительные цветные пластины с 1916 года, поэтому они назвали свою цветную пленку Agfacolor-Neu - «новая», чтобы указать, что она полностью отличается от любых более ранних продуктов. Agfacolor-Neu был первым коммерческим процессом, который следовал теории Рудольфа Фишера об использовании цветовых сочетаний.

Химики-исследователи Agfa открыли способ закрепления соединителей в отдельных слоях эмульсии.Это значительно упростило обработку пленки Agfacolor. В отличие от Kodachrome, это может сделать даже пользователь дома. После Второй мировой войны подробности исследований Agfa стали доступны, и другие компании, такие как Ferraniacolor и Gevacolor, представили цветные пленки, основанные на том же принципе.

С совершенствованием многослойных цветных пленок на основе красителей, таких как Kodachrome и Agfacolor-Neu, наступила новая эра цветной фотографии. Поиски цвета - поиски, которые начались с объявления об изобретении фотографии почти сто лет назад - закончились.

Дополнительная литература

  • История фотографии в картинках
  • Автохромы: рассвет цветной фотографии
  • Брайан Коу, Цветная фотография: первые сто лет . Эш и Грант, 1978
  • Джек Х. Кут, Иллюстрированная история цветной фотографии, Fountain Press, 1993
  • Джозеф С. Фридман, История цветной фотографии , American Photographic Publishing Co, 1945
  • Памела Робертс, Век цветной фотографии, Carlton Books, 2007
  • E.Дж. Уолл, История трехцветной фотографии, Focal Press, 1970
  • Джон Вуд, Искусство автохрома: рождение цветной фотографии , University of Iowa Press, 1993.

Подробную библиографию по процессу автохрома см .:

  • Джон Вуд, Искусство автохрома: рождение цветной фотографии, University of Iowa Press, 1993, стр. 165-185
  • Джон Вуд, Искусство автохрома - дополнительная библиография, History of Photography, Summer 1994, pp140-142

Как цвет влияет на фотографии

С технической точки зрения цвет может быть сложным; просто посмотрите нашу недавнюю статью о sRGB, Adobe RGB и ProPhoto RGB.Но на художественном уровне это одна из самых важных частей изображения, вызывающая эмоции и интерес, в отличие от почти любого другого элемента фотографии. В этой статье представлены концепции цвета и цветовых отношений, в том числе способы их использования для получения наилучших фотографий.

Теплые и холодные цвета

Два основных типа цветов: теплый и холодный . К теплым цветам относятся красный, оранжевый и желтый, а к холодным - зеленый, синий и фиолетовый.У этих двух категорий цвета свое собственное настроение, и если вы хотите оптимизировать внешний вид ваших фотографий, полезно спросить себя, какие из них вы снимаете в данный момент.

Теплые тона более активны и эмоционально заряжены. Они выпрыгивают на зрителя, привлекая внимание и вызывая интерес. Как правило, теплые цвета встречаются реже, чем холодные, поэтому изображение, в котором есть даже небольшой всплеск тепла, может выделяться. Это одна из причин, почему фотографии на закате и восходе солнца, а также цвета осени так популярны.

Холодные цвета, напротив, более приглушены и нежны. Они переходят в фон, особенно если в том же месте появляется теплый цвет. В общем, они не привлекают столько внимания, как теплые цвета, хотя это, конечно, неплохо. Теплые цвета могут подавлять; холодные цвета, скорее всего, будут казаться успокаивающими и успокаивающими. Большая часть природы состоит из холодных цветов, хотя закат и восход солнца могут превратить даже синий пейзаж в золотой.

Ниже я расскажу о каждом из шести основных цветов: красном, оранжевом, желтом, зеленом, синем и фиолетовом, а также об эмоциях, которые обычно связаны с каждым из них. Имейте в виду, что эмоции - сложная часть фотографии, и вы можете делать снимки, в которых нет перечисленных ниже эмоций, просто изменив свой выбор объекта или композиции. Но следующие эффекты действительно имеют значение.

NIKON D810 + TAMRON 15-30mm F2.8 @ 15mm, ISO 64, 1/60, f / 16.0

Изучение эмоций каждого цвета

1. Красный

Как один из самых редких и ярких цветов в природе, красный цвет особенно важен для фотографов. Учитывая исторические ассоциации между красным цветом и эмоциями страсти и волнения, неудивительно, что это очень активный цвет.Он также может быть слишком интенсивным для определенных изображений; немного красного имеет большое значение.

Чтобы найти красный цвет в природе, ищите листья осенью, красные скалы в таких местах, как юго-запад Америки, или случайные яркие закаты. В других жанрах фотографии, таких как портретная съемка, имейте в виду, что любой красный цвет, который носит ваш объект, привлечет внимание, будь то одежда или макияж. А при съемке дикой природы красные объекты, такие как яркие глаза квакши или кардинала на фоне снега, имеют мгновенную силу прилипания.

Dead Horse Point Sunrise, Насим Мансуров
2. Оранжевый

По сравнению с красным цветом, оранжевый является одним из наиболее распространенных в природе. И не только закаты. Коричневый цвет обычно представляет собой просто более темный оттенок оранжевого, и он постоянно встречается в природе.

Апельсин бывает самых разных оттенков: от темно-коричневого цвета дерева до ярко-оранжевого цвета тыквы. Он передает ощущение тепла, и он не такой подавляющий, как красный. Но оранжевый тоже не пассивный цвет; он привлекает довольно много внимания, особенно на более прохладном фоне.Мне всегда кажется, что в нем есть немного приключений.

False Kiva, Насим Мансуров
3. Желтый

Желтый - самый яркий и оптимистичный цвет, особенно когда он появляется сам по себе, а не в смеси с оранжевым или зеленым. Однако именно этот смешанный желтый цвет мы видим чаще всего в мире. Даже ярко-зеленая трава и яркие оранжевые закаты почти всегда имеют желтый компонент.

С другой стороны, если вы присмотритесь к нему, вы все равно найдете желтый в природе.Песок, осенние листья и даже солнце в определенное время дня ярко-желтого цвета, и они хорошо работают на фотографиях, где вашей целью является чувство позитива и волнения. Подобно красному и оранжевому, желтый - теплый цвет, и всякий раз, когда он появляется, он привлекает внимание. Посмотрите достаточно внимательно, и вы найдете способы включить это в свою фотографию.

NIKON D800E + 20mm f / 1.8 @ 20mm, ISO 100, 1/30, f / 16.0
4. Зеленый

Несмотря на то, что синий цвет является наиболее распространенным в природе, благодаря воде и небу, зеленый - самый распространенный цвет. ассоциируйся с жизнью.Наши зрительные системы распознают больше оттенков зеленого, чем любой другой цвет. Итак, ваши фотографии могут включать оттенки темно-зеленого, ярко-зеленого, электрического зеленого, темно-зеленого, ярко-зеленого и почти бесконечные их вариации.

По сути, зеленый - знакомый и успокаивающий цвет. Поскольку он представляет живой мир, он создает ощущение спокойствия у тех из нас, кто любит проводить время на природе. В этом смысле зеленый - самый теплый из холодных цветов.

Инь Ян, Насим Мансуров
5.Синий

Одним из первых, кто написал о взаимосвязи между цветом и эмоциями, был Гете в своей 1810 Теории цвета , в которой он сказал, что синий «тянет нас за собой». Сегодняшние взгляды не так уж ины. Возможно, это тот случай, когда художественная традиция обогнала реальность, но, возможно, в этом что-то есть. В конце концов, синий цвет напрямую связан с расстоянием в реальном мире. Туман на горизонте, как и само голубое небо, сигнализируют о далеких, даже недоступных местах.

Синий, к тому же, не слишком занятный цвет. Он более спокойный и менее кричащий. Хорошо известный факт фотографии в Instagram: синие изображения в среднем получают больше лайков, чем изображения с более теплыми цветами. Это связано с тем, что насыщенные цвета красного и оранжевого не так хорошо переносятся на экран меньшего размера, в то время как синий не так отвлекает.

Синий и голубой передают несколько разные эмоции. Темно-синий может быть сильным и зловещим, как в темном облаке. Голубой более мягкий и оптимистичный.Но оба миролюбивы; даже синяя буря обычно имеет в себе элемент спокойствия.

Поскольку это самый распространенный цвет в природе, как в небе, так и в воде, есть большая вероятность, что вы обнаружите эмоции синего на многих снимаемых вами фотографиях. Будь то единственный цвет в спокойном, глубоком изображении или фон, привлекающий внимание тёплым цветом, синий может успешно дополнить практически любое эмоциональное послание на фотографии.

Nikon D800E + 20mm f / 1.8 @ 20mm, ISO 3200, 20 секунд, f / 2.2
6.Фиолетовый

Фиолетовый, пожалуй, самый редкий цвет, который можно увидеть в чистом виде в природе, обычно встречается только в очень специфических закатах или цветах. Хотя исторически фиолетовый цвет ассоциируется с королевской властью и богатством, в фотографии он приобретает многие из тех же коннотаций, что и синий; Фактически, он чаще всего появляется в мире как смесь с синим, образуя голубовато-фиолетовый цвет на небе или в море.

Фиолетовый цвет дает ощущение умиротворения - спокойствия, приятного и часто неожиданного.Если у вас когда-нибудь будет возможность сфотографировать выставку этого редкого цвета, например, цветущих цветов люпина, извлеките из этого максимум удовольствия; фиолетовый достаточно необычен, чтобы выделять ваши фотографии.

NIKON D800E + 105mm f / 2.8 @ 105mm, ISO 100, 1/6, f / 16.0

Гармонии и взаимосвязи цветов

Способы их взаимодействия столь же важны, как и отдельные цвета. Это варьируется от простых цветовых контрастов до сложных гармоний; реальный мир имеет почти бесконечное разнообразие цветов. Некоторые из этих отношений работают лучше, чем другие, хотя потребуется немного практики - и часто некоторая постобработка - чтобы получить именно тот результат, который вы хотите.

1. Теплые и холодные цвета

Как уже несколько раз упоминалось в этой статье, разница между теплыми и холодными цветами очень важна. Когда оба типа четко видны на одной фотографии, они образуют сильный цветовой контраст, который может быть в центре внимания.

В классической теории цвета дополнение каждого холодного цвета (напротив) является теплым, и наоборот. Красный и зеленый - дополняющие друг друга; то же самое касается оранжевого и синего, а также желтого и фиолетового.

Одной из важных составляющих дополнительных цветов является то, что они обладают естественным контрастом при размещении рядом друг с другом на фотографии, подобно композиции, в которой черный и белый сочетаются друг с другом.Взгляните на фотографию ниже, например:

NIKON D800E + 14-24mm f / 2.8 @ 18mm, ISO 100, 1/60, f / 13.0

На изображении выше доминируют только два цвета: синий и желтый. оранжевый, и они пересекаются в нескольких разных областях. Одно из самых важных - это небо, где теплое облако сидит на прохладном фоне. В черно-белой версии этой фотографии между ними очень мало разделения, и поэтому не так много внимания уделяется верхней части фотографии. Но в цвете сильный контраст привлекает внимание к небу, что делает его очень важным элементом композиции.

2. Дополнительные цвета и другие отношения

Некоторые другие цветовые отношения считаются привлекательными, например, комбинация трех основных цветов (красного, желтого и синего). То же самое и с цветами между перечисленными выше, такими как желто-оранжевый или сине-зеленый, которые также имеют свои собственные наборы дополнений.

Хотя я не отвергаю идею о том, что эти более сложные цветовые гармонии часто бывают красивыми и эмоциональными, в действительности это обсуждение может оказаться весьма запутанным при обсуждении трех или более цветов.Проще говоря, цвета реального мира не похожи на живопись. В большинстве случаев невозможно выбрать идеальный сине-зеленый цвет для гармонии с равными частями красного и оранжевого; реальность более беспорядочная, чем это.

Если вы хотите углубиться в обсуждение цветовых гармоний и взаимоотношений, в этом нет вреда и, возможно, есть некоторая интересная информация для изучения. Но моя главная рекомендация - просто взглянуть на сцену перед вами и попытаться представить, «подходит ли ее цвет» вашему глазу. Это далеко не точно, но интуиция в фотографии имеет большее значение, чем попытки соответствовать идеалу, которого вы, возможно, не найдете в реальном мире.

Единственное исключение - этап постобработки, когда у вас есть немного больше возможностей для изменения оттенка и насыщенности цветов в вашем изображении. В этом случае стоит потратить время на то, чтобы отредактировать фотографию таким образом, чтобы она хорошо гармонировала, либо по определению цветового круга, либо, что более вероятно, просто так, чтобы это выглядело хорошо для ваших глаз.

Возможно, цвета на этом изображении соответствуют определенной схеме цветовых гармоний; возможно, нет. Но, на мой взгляд, цвета хорошо сочетаются друг с другом.Именно это и привлекло меня в том, чтобы запечатлеть и обработать это изображение так, как я это сделал изначально.

Заключение

Цвет - одна из самых глубоких тем в фотографии, но он несет в себе настолько сильные эмоции, что стоит попытаться осознанно думать о его характеристиках, когда это возможно. Я часто работаю над тем, чтобы сделать фотографию как можно более простой и унифицированной, используя только один цвет, который доминирует в кадре. Или, если условия подходящие, поиск теплого и прохладного разделения может привести к тому, что фотографии будут привлекать много внимания, что очень похоже на съемку с высокой контрастностью.

Тем не менее, самая важная часть цвета в конце дня - это просто то, что хорошо выглядит для ваших глаз. Независимо от того, работаете ли вы на месте или на этапе пост-обработки, цвета, которые вы выбираете, имеют большое влияние на ваш личный стиль; некоторые известные фотографы «смотрят» на свои изображения во многом благодаря их цветовой палитре. Итак, как только вы поймете основы цвета, лучше всего взять эту информацию и сделать ее своей собственной.

Я также опубликовал видео, в котором более подробно рассматриваются некоторые из этих тем, которые могут вам понравиться:

Ансель Адамс в цвете | Искусство и культура

Ансель Адамс никогда не задумывался о цветной фотографии.Задолго до своей смерти в 1984 году в возрасте 82 лет он предвидел, что этот «обольстительный медиум» однажды может заменить его любимое черное и белое. В заметках, ориентировочно датированных 1949 годом, он заметил, что «цветная фотография быстро приобретает все большее значение».

И все же однажды он сравнил работу в цвете с игрой на расстроенном пианино. Известный американский фотограф-пейзажист из Запада пытался контролировать каждый этап создания снимков, но на протяжении большей части своей жизни слишком много этапов цветового процесса были ему недоступны.Kodachrome - первая цветная пленка для массового рынка, представленная в 1935 году - была настолько сложной, что даже Адамсу, волшебнику темной комнаты, пришлось полагаться на лаборатории для ее разработки. В 1940-х и 50-х годах цветная печать была в моде. Репродукции в журналах и книгах могут быть кричащими или не регистрироваться. До 1960-х годов черно-белые фильмы часто давали более тонкие, менее преувеличенные изображения реальности.

Тем не менее, опасения Адамса не помешали ему взять сотни цветных пленок.Когда он путешествовал по стране с коммерческими заданиями или в рамках программы Guggenheim Fellowships - проекта, посвященного национальным паркам, - он часто делал цветные фотографии, а также черно-белые. Щедрый выбор этих кодахромов, большинство из которых были созданы между 1946 и 1948 годами, появляется в новой книге « Ансель Адамс в цвете », переработанной и расширенной по сравнению с изданием 1993 года, с лазерным сканированием, которое могло бы соответствовать даже его привередливым стандартам.

Американские автомобилисты определенного возраста могли видеть некоторые изображения, даже не подозревая, что они принадлежат ему.Standard Oil Company (или Esso, предшественник Exxon) приобрела права на воспроизведение некоторых из них, чтобы продвигать вождение в Америке. Если вы заправили свой бак на заправочной станции Standard Oil в 1947 или 1948 году, вам, возможно, подарили фотографию Адамса - скажем, Crater Lake или White Sands - в рамках серии, которую компания называла «See Your West».

Любой, кто в то время проходил через Центральный вокзал Нью-Йорка, может вспомнить, что видел цветные работы Адамса в более впечатляющей форме.Его фотографии были среди тех, что сверкали в Kodak Coloramas станции, гигантских прозрачных пленках 18 футов высотой и 60 футов шириной, которые вырисовывались над толпой людей в основном вестибюле. Адамс счел их (правильно) «эстетически несущественными, но технически замечательными».

Он снимал в цвете, потому что рекламодатели и корпорации любили изображать себя в цвете, и ему нравились деньги, которые они ему предлагали; к 1935 году у него были жена и двое детей, которых нужно было содержать.Работа в этом режиме также, возможно, позволила ему сохранить четкое психологическое различие между этой прибыльной работой и его более личным черно-белым творчеством, в котором он один был виноват в случае неудачи.

Но почти любой технический фотографический вызов его интересовал. Он долгое время работал консультантом в компаниях Eastman Kodak и Polaroid, и поиски настоящих и надежных цветов преследовали обе компании на протяжении десятилетий. Адамс написал множество статей для популярных журналов о проблемах со средой, часто затрагивая философские вопросы.«Существует неизбежный конфликт между фотометрической точностью реальной цветной пленки и субъективными эмоциональными эффектами цветов по отношению друг к другу», - писал он в черновике одной статьи 1949 года.

Низкая скорость раннего Кодахрома не позволяла делать ничего, кроме портретов, натюрмортов и пейзажей. О прекращении действия вообще не могло быть и речи. Чтобы бороться со статическим качеством, которое мешало фотографам, которые использовали цвет в этот период, Адамс придумал решение, которое стало стандартным: мультимедийное слайд-шоу.Для журнала Photo Notes он писал - в 1950 году! - «возможно, один из наиболее важных аспектов материала будет раскрыт в производстве слайдов 35 мм или 2 1/4 x 2 1/4, которые будут использоваться. в тщательно спланированных спроектированных эпизодах с использованием звуковой дорожки для комментариев или музыки "

Изображения 40-х и 50-х годов в новом издании показывают, как его подход к объекту изменился (или не изменился) в зависимости от пленки, которую он загрузил в камеру. Он много раз фотографировал церковь Ранчос-де-Таос в Нью-Мексико в строгих черно-белых тонах.(Таос Пуэбло был предметом его книжного сотрудничества в 1930 году с писательницей Мэри Остин.) Но на его цветной фотографии здания на закате в 1948 году глиняные стены и небо за ними были изображены так, как если бы они были пульсирующими плитами пастельных мелков.

Этот экспрессионистский подход к цвету заметно отличается от почти монохромного вида озера Моно в Калифорнии в 1947 году, который похож на многие его исследования облаков, отраженных в воде. Самым по себе классом является его вид на Долину монументов в Юте около 1950 года, в котором он запечатлел тепло солнца на пыльном песчанике среди длинных теней.Фотография больше о быстротечности, атмосфере и незапамятных временах, чем о цветных полосах, и это одна из лучших цветных картин, которые он когда-либо делал.

Адамс подумал о некоторых из своих цветных фотографий, чтобы в 1950 году выставить подборку репродукций со своих диапозитивов в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Пятый том его магистерской серии о фотографических техниках должен был быть посвящен цвету, но он умер, не дойдя до него.

Признание критиков цветными фотографами, достигшими совершеннолетия в 1970-х годах, озадачило Адамса (и, честно говоря, многих других).Он считал возмутительным, что Музей современного искусства устроил персональную выставку Уильяма Эгглстона в 1976 году. Поколение Эгглстона определенно извлекло выгоду из достижений в области чувствительности пленки, но молодые фотографы также сочиняли в цвете с легкостью, неизвестной Адамсу. Темы, к которым они стремились, - пригородная аномия, придорожный мусор - были ему одинаково чужды.

«Я могу получить - для меня - гораздо большее чувство« цвета »с помощью хорошо спланированного и выполненного черно-белого изображения, чем я когда-либо достигал с помощью цветной фотографии», - писал он в 1967 году.Для Адамса, который мог переводить слепящий спектр солнечного света в двоичный код, возможно, более четко, чем кто-либо до или после, существовала «бесконечная шкала значений» в монохромном режиме. Цвет был простой реальностью, комковатым миром, предоставленным для всеобщего обозрения, прежде чем художники начали трудную и почетную работу по совершенствованию его в оттенках серого.

Ричард Б. Вудворд - искусствовед из Нью-Йорка.

Ансель Адамс устанавливает камеру в Гранд-Каньоне в 1950 году.(Выдержка из книги « Ансель Адамс в цвете ». Авторское право © 1993, 2009, попечительского фонда правового фонда Анселя Адамса. Перепечатано с разрешения Little, Brown and Company) Ансель Адамс писал о «неизбежном конфликте» между точностью цветной пленки и субъективной реакцией людей на цвета ( Восход солнца , Национальный памятник Долины Смерти, ок.1948 г.). (Выдержка из книги « Ансель Адамс в цвете ». Авторское право © 1993, 2009, попечительского фонда правового фонда Анселя Адамса. Перепечатано с разрешения Little, Brown and Company) «Проблема, с которой сталкивается цветной фотограф, состоит в том, как объединить оптическую точность с творческой и хорошо сбалансированной организацией цвета», - писал Адамс в 1981 году ( Alloy , West Virginia, c.1939 г.). (Выдержка из книги « Ансель Адамс в цвете ». Авторское право © 1993, 2009, попечительского фонда правового фонда Анселя Адамса. Перепечатано с разрешения Little, Brown and Company) «Ни в каком другом графическом средстве цвет не может быть столь оскорбительным, как, например, при интерпретации« пейзажа ».Таким образом, Адамс был цветным осторожным авантюристом (, Поздний вечер, , Долина монументов, Юта, ок. 1950). (Выдержка из книги « Ансель Адамс в цвете ». Авторское право © 1993, 2009, попечительского фонда правового фонда Анселя Адамса. Перепечатано с разрешения Little, Brown and Company) Адамс признал, что составление фотографий в цвете отличается от черно-белого, и допустил, что «некоторые из нас инстинктивно« видят »лучше в цвете» ( Mono Lake, White Branches and Clouds , California, 1947).(Выдержка из книги « Ансель Адамс в цвете ». Авторское право © 1993, 2009, попечительского фонда правового фонда Анселя Адамса. Перепечатано с разрешения Little, Brown and Company) Подход Адамса иногда менялся в зависимости от его предмета: от почти монохромного до реалистичного и экспрессионистского ( Caladium Leaves, , Ботанический сад Фостера, Гонолулу, Гавайи, 1948).(Выдержка из книги « Ансель Адамс в цвете ». Авторское право © 1993, 2009, попечительского фонда правового фонда Анселя Адамса. Перепечатано с разрешения Little, Brown and Company) Papoose Room , Национальный парк Карлсбадские пещеры, Нью-Мексико, c.1947 г. (Выдержка из книги « Ансель Адамс в цвете ». Авторское право © 1993, 2009, попечительского фонда правового фонда Анселя Адамса. Перепечатано с разрешения Little, Brown and Company) Церковь, Сансет, Задняя часть , Ранчо-де-Таос, Нью-Мексико, ок.1948 г. (Выдержка из книги « Ансель Адамс в цвете ». Авторское право © 1993, 2009, попечительского фонда правового фонда Анселя Адамса. Перепечатано с разрешения Little, Brown and Company) Гранд-Каньон , Национальный парк Гранд-Каньон, Аризона, 1947 год.(Выдержка из книги « Ансель Адамс в цвете ». Авторское право © 1993, 2009, попечительского фонда правового фонда Анселя Адамса. Перепечатано с разрешения Little, Brown and Company) Джеффри Пайн на куполе Сентинел , Национальный парк Йосемити, Калифорния, ок.1948 г. (Выдержка из книги « Ансель Адамс в цвете ». Авторское право © 1993, 2009, попечительского фонда правового фонда Анселя Адамса. Перепечатано с разрешения Little, Brown and Company) Эль-Капитан , Национальный парк Гваделупских гор, Техас, 1947 год.(Выдержка из книги « Ансель Адамс в цвете ». Авторское право © 1993, 2009, попечительского фонда правового фонда Анселя Адамса. Перепечатано с разрешения Little, Brown and Company) Титоны и река Снейк , Национальный парк Гранд Тетон, Вайоминг, гр.1948 г. (Выдержка из книги « Ансель Адамс в цвете ». Авторское право © 1993, 2009, попечительского фонда правового фонда Анселя Адамса. Перепечатано с разрешения Little, Brown and Company)

77 удивительных цветных фотографий людей, живших в 1950-х годах, которых вы, вероятно, никогда не видели

Соединенные Штаты в 1950-х годах пережили заметный экономический рост - рост производства и жилищного строительства на фоне экономического бума после Второй мировой войны.Вот отличная коллекция цветных фотографий, которые перенесут вас в прошлое и заставят задуматься о тех счастливых золотых днях 1950-х годов.

Глен Коув, Лонг-Айленд, 1956

На озере, 1952 год

Nash Ambassadors, Небраска

Гавайи, 1952


Изображая с девушками, 1955



Ожидание клиентов на АЗС

Rambler Cross Country на дороге в Юте, 1957 год

Бьюик, 1951

Посетители большого города, 1951 год

Buick Centry, 1954 год

Buick Special, 1954 год

1955

Cadillac Coupe Deville на шоссе, 1957 год

Buick Roadmaster Limited 75, 1957 год

Ford Fairlane, 1958 год

На берегу моря, 1957 год

1958

1958

1959

Время пула, 1959 год

Визит к стоматологу, 1959

Мужчина и его Понтиак Каталина, Флорида, 1953 год

Прицепной парк, 1958 год

Western Airlines, Флорида, 1953

Аннаполис, Мэриленд, 1957 год

Пикник в Массачусетсе, 1957 год

После урагана, Ксения, Огайо, 1950

Oldsmobile, 1958 год

USAF, Флорида, 1953

Вашингтон, округ Колумбия

Капитан и его B-26 Invader, 1953 год

Крайслер Нью-Йоркер, 1959

Время вечеринки, 1956 год

Дейтона-Бич, Флорида, 1951

Время Пасхи, 1956 год

Семейное фото на Пасху 1959 года

1954

Праздник в Сан-Диего, Калифорния, 1956 год

Индиана, 1955

Гранд-Каньон, Аризона, 1956

Корабль Гранд Вью, 1953

Едят мороженое в 1956 году

Лос-Анджелес, Калифорния, 1956 год

Дети пьют кока-колу на Джонс-Бич, Нью-Йорк, 1956 год

Нью-Йорк, 1954

Дети играют на улице, 1958 год

Продавец устриц, 1955 год

Лос-Анджелес, Калифорния, 1955 год

Молодой производитель бургеров, 1958 год

Ford Fairlane, 1956 год

Мальчик и утка, 1953 год

Пожарные в Принстоне, штат Нью-Джерси, 1956 год

Рокавей-Бич, Нью-Йорк, 1950

Экскурсионный автобус по городу, Сан-Франциско, Калифорния, 1956 год

1958

Подледная рыбалка в Мичигане, 1955 год

… иногда бывает отказ

Лето 1958 года

АЗС, 1950

День благодарения, 1950 год

Ягуар Марк 1, 1959

Парковка у моста Золотые Ворота

Флорида, 1956

Филадельфия, 1957

Аэропорт Феникс, 1953

Иллинойс, 1950

Флорида, 1951

Гавайи, 1950

Александрия, Вирджиния, 1956

(Посещений 1 раз, сегодня 20)

Следуя за десятилетием, когда цветная фотография выросла

Есть классические цветные изображения 70-х годов, такие как Mr.Ода Шора банальной автомобильной культуре: «Беверли-Бульвар и Ла-Бреа-авеню, Лос-Анджелес, Калифорния, 21 июня 1975 года» и г-н Стернфельд «Аквапарк Wet’n Wild Aquatic, Орландо, Флорида, сентябрь 1980 года». Джон Дивола и Ричард Мисрах предлагают призрачные видения природы, испорченной культурой; Митч Эпштейн эффективно переводит социальные комментарии своего учителя Гарри Виногранда в цвет.

Трудно избавиться от ощущения, что это было переходное десятилетие; многие из представленных здесь проектов в последующие годы будут полностью реализованы другими художниками, которые извлекли выгоду из развития цветной фотографии.Фотографии г-на Мейеровица изолированных людей на пляже Кони-Айленда удивительным образом предсказывают более тонкие портреты подростков, отдыхающих на пляже, у Ринеке Дейкстры. Его театрально освещенные изображения Кейп-Кода напоминают Грегори Крудсона - или, в более китчевые моменты, самосознательные стили Роу Этриджа. Взволнованные уличные портреты г-на Штернфельда, снятые с помощью стробоскопа, были проницательно упакованы Филипом-Лоркой ди Корча.

«Мэдисон-авеню, Нью-Йорк» Митча Эпштейна (1973). Кредит… Black River Productions, Ltd./ Митч Эпштейн. С любезного разрешения Sikkema Jenkins & Co., Нью-Йорк

Даже почти идеальные изображения имеют своих неявных преемников. Эстетика г-жи Кастен и г-жи Грувер, вернувшаяся к модернизму, стала образцом для таких художников, как Эйлин Куинлан и Сара ВанДерБик. Фантастические постконцептуальные фотографии организаций середины 1970-х Нилом Славином - «Международная ассоциация близнецов» или сверхфотогеничная конюшня Wilhelmina Models - предсказывают большую часть работ, выставленных на обозрение в таких галереях, как Джули Сол или Янси Ричардсон.

И повсюду, от поляроидов Ле Кримса - мистера Кримса вечно отождествляют себя с профессором Синди Шерман - до открыток мистера Шора, вырисовывается поколение Pictures Generation, которое мистер Мур называет «младшим сводным братом» цветной фотографии 70-х годов. .

Галерея «старых» фотографий намекает на эти разработки, но ее скудная подборка не дает удовлетворительного объяснения того, как цветная фотография была поглощена мейнстримом искусства и преобразована с помощью цифровых манипуляций и фотопринтов размером с станковые картины.Более того, утверждение г-на Мура о том, что работа фотографов здесь была поиском «нового открытия чего-то облагораживающего и целеустремленного в современной американской жизни», кажется неискренним и необоснованным.

Хотя иногда и разочаровывающий, «Звездный взрыв» все же свидетельствует о важном сдвиге не только в эстетике, но и в философии, подобном переходу конца 50-х - начала 60-х годов от беспокойства абстрактного экспрессионизма к поп-иронии. Г-н Эгглстон, г-н Стернфельд и г-н Эпштейн определили скуку и скуку в центре американской жизни, когда война была вялой, экономика была плохой, а обычные люди были залиты «электронной палитрой» (термин Каллахана) телевидения.Цветная фотография оказалась идеальным аппаратом для созерцания этой духовной бездны.

Изучите историю и методы цветной фотографии

Мир не монохромен.

Первые фотографии были черно-белыми, и черно-белая фотография остается важным средством исследования света, текстуры и композиции. Но сегодня в цифровой фотографии по умолчанию имитируется полный спектр видимых цветов.

«Цветная фотография делает фотографии больше похожими на то, как выглядит мир», - говорит фотограф Николь Моррисон.С помощью цветной фотографии вы также можете поиграть с оттенками цветного изображения, чтобы улучшить настроение или ощущение. А инструменты цифрового редактирования могут помочь вам получить именно такие цвета на фотографиях, какие вы хотите. «Все изображения, которые заставляют меня чувствовать себя хорошо, - говорит Моррисон, - все фотографии, которые меня действительно волнуют, все они действительно красочные».

История цветной фотографии.

Это был долгий путь от черно-белой пленочной фотографии к ярким цветным изображениям, которые мы видим сегодня.Задолго до появления цифровых фотоаппаратов самые первые фотографы делали черно-белые изображения еще в середине 1830-х годов. Названные дагерротипами, они были сделаны на полированных металлических пластинах с использованием фотографического процесса, включающего чрезвычайно долгую выдержку и использование светочувствительных химикатов. Черно-белая фотография развивалась и оставалась популярной во время Первой мировой войны.

Ранняя цветная фотография.

Томас Саттон создал первую цветную фотографию в 1861 году.Для этой знаменитой фотографии тартановой ленты Саттон использовал трехцветный метод, изобретенный физиком Джеймсом Клерком Максвеллом, который понял, что восприятие всех цветов изображения может быть создано с помощью нескольких этапов процесса съемки нескольких изображений через три цвета. стеклянные пластины: красные, зеленые и синие. Луи Дюко дю Орон использовал похожую технику, чтобы создать знаменитую цветную фотографию пейзажа южной Франции в 1877 году под названием View of Agen .

Autochrome Lumière, созданный Огюстом и Луи Люмьером в начале 1900-х годов, был еще одной техникой цветной фотографии с длинной выдержкой, в которой использовались «автохромные пластины», покрытые крошечными точками разноцветного крахмала, а не только одним цветом.Тем не менее, пластинчатые методы были сложными, длительными процессами, которые давали далеко не идеальные результаты. Пока в 1908 году Габриэль Йонас Липпманн не получил Нобелевскую премию по физике за свой метод создания цвета на фотографии всего за один процесс с использованием цветочувствительного пленочного покрытия или эмульсии поверх стеклянной пластины.

От затрат времени до Time Magazine.

В конце концов химическая эмульсия Липпмана уступила место наиболее широко распространенному типу цветной пленки, в которой также использовалась светочувствительная эмульсия.Два Леопольда, Леопольд Маннес и Леопольд Годовски, изобрели этот стиль цветной пленки «трипак» в 1935 году, и его популяризировали такие компании, как Kodak и Polaroid. Тем не менее, даже после того, как в магазинах появилась цветная пленка Kodak Kodachrome, потребовалось еще несколько десятилетий, чтобы цветная фотография стала популярной. Цвет считался больше трюком для вечеринок, чем изобразительным искусством, пока такие фотографы, как Уильям Эгглстон, не получили признание в 1970-х годах благодаря выставкам в галереях и уважаемым публикациям.

Краткая история цветной фотографии: от мечты к реальности

При фотографировании окружающего мира свойство цвета, вероятно, является чем-то, что большинство людей склонно принимать как должное.Мы ожидаем, что наши камеры будут точно отображать спектр видимого света. Однако в мире, столь поглощенном цветом, мы иногда забываем, сколько времени потребовалось, чтобы добраться до этого момента времени, и сколько фотографов и ученых рассматривали эту концепцию как несбыточную мечту.

Первая фотография: Вид из окна в Ле Гра, сделанный Нисефором Ньепсом

Как только мы поняли, что с помощью наших камер можно улавливать свет, мы захотели использовать все цвета, связанные с ним. Некоторые из первых экспериментов начались в середине 19 века.Первоначальный подход заключался в том, чтобы найти материал, который мог бы напрямую разделять цветовые свойства падающего на него света. Способность запечатлеть цвет пришла в 1851 году от священника, жившего в северной части штата Нью-Йорк.

Фотография Леви Хилла

Леви Хилл был баптистским священником, жившим в районе гор Катскилл в Нью-Йорке. Ранее он использовал процесс дагерротипирования для съемки фотографий, но был разочарован его отсутствием способности воспроизводить цвет. Многие скептически отнеслись к заявлению Хилла, что он нашел фотографический процесс, который сделал это возможным.Хилл отказывался публиковать свой секретный процесс до 1856 года, когда он был опубликован в книге, доступной только по предварительному заказу. Когда фотографы, наконец, заполучили книгу, они обнаружили, что в ней действительно содержится рецепт процесса, но он был настолько сложен, что считался бесполезным.

Леви Хилл фотография эскиза

Интересно, что более ста лет спустя, в 2007 году, исследователи из Национального музея американской истории смогли проанализировать работу Хилла и обнаружили, что он действительно нашел способ воспроизвести цвет.Они обнаружили, что процесс был очень приглушенным, и для улучшения некоторых цветов использовались пигменты. Хотя Леви Хилл не полностью лгал о своем открытии, он приукрасил результаты.

Вид с воздуха на Музей естественной истории

В 1886 году физик и изобретатель Габриэль Липпманн использовал свои знания физики, чтобы создать то, что мы можем считать первой цветной фотографией, без помощи каких-либо пигментов или красителей. Липпман обнаружил явление, известное как интерференция, которое связано с распространением волн.К 1906 году Липпманн представил свой процесс вместе с цветными изображениями попугая, вазы с апельсинами, группы флагов и витража. Это открытие принесло ему Нобелевскую премию по физике.

Фотография цветов Липпмана, созданная в 1890-е годы

. Можно подумать, что история цветной фотографии заканчивается использованием Липпманом сложного явления интерференции, но возникли проблемы, и мы только начали. В основном, как вы могли догадаться, сам процесс был слишком сложным; для этого требовались мелкозернистые эмульсии с высоким разрешением, которые требовали более длительного времени экспонирования, у него были проблемы с более широкими полосами цветов с длиной волны, создаваемыми отражениями, и процесс требовал использования токсичной ртути.

Джеймс Клерк Максвелл

В то же время шотландский физик Джеймс Клерк Максвелл усердно работал и был готов определить новую теорию цвета, которая определяет основы того, как мы воспроизводим цвета по сей день. Максвелл предложил фотографировать сцену через красный, зеленый и синий фильтры. Когда изображения воспроизводились на проекторах с соответствующими фильтрами, они перекрывались, создавая полное цветное изображение. Максвелл представил, как этот принцип затем может быть применен к фотографии в 1861 году в Королевском институте, представив свою знаменитую фотографию трехцветной ленты.

Ленточная фотография Максвелла

Как ни странно, метод Максвелла был отодвинут на второй план, в то время как другие, такие как Липпманн, представили свои результаты. Однако к концу 1890-х его творчество подверглось пересмотру. Немецкий ученый по имени Герман Вильгельм Фогель обнаружил, что он может использовать теорию трех цветов и создавать эмульсии, чувствительные только к определенным цветам, добавляя определенные красители. Однако потребовалось время, чтобы в конечном итоге этот процесс пошел на самотек. Только в начале двадцатого века эмульсии были достаточно точными и чувствительными для традиционной фотографии.

Фотографический оттиск, наклеенный на фронтиспис книги Фогеля, Die chemischen Wirkungen des Lichts und die Photographie , 1873.

Сделать одну и ту же фотографию три раза с тремя разными фильтрами было проблематично - камера могла случайно сдвинуться, или сцена сам мог измениться. В результате были выпущены два типа цветных фотоаппаратов, чтобы помочь фотографам в их цветной фотографии.

Различные современные цветные фильтры для объектива

В фотоаппарате первого типа использовалась линза, которая могла разделять падающий свет через три разных фильтра и, таким образом, делать три фотографии одновременно.Во втором типе камеры поочередно вводились неподвижные экспонированные изображения, но с возможностью возврата, что позволяло фотографам быстро менять фильтры и типы эмульсии. Процесс по-прежнему был непростым, но к 1910-м годам фотографы могли работать в полевых условиях, запечатлевая цвет.

Луи Артур Дюко дю Орон, фотография

Луи Дюко дю Орон почувствовал, что у него есть лучшая идея для процесса: наложить три разных эмульсии для записи цветов друг на друга, чтобы процесс можно было одновременно экспонировать в любой обычной системе камеры.Синий был помещен поверх трех эмульсионных «сэндвичей» с блокирующим синим фильтром позади него, потому что синий свет влияет на все эмульсии галогенида серебра. За блокатором синего фильтра располагались чувствительные к зеленому и красному слоям. Идея Хаурона стала важным шагом вперед для индустрии. Однако одним недостатком было то, что каждый слой имел тенденцию смягчать свет, проходя через эмульсию.

Еще одна фотография Луи Артура Дюко дю Орона

Хотя это и не было идеальным решением, «трипаки» были проданы потребителям.В начале 1930-х годов американская компания Agfa-Ansco произвела то, что они назвали «Colorol»: рулонную пленку для фотоаппаратов. Теперь средний потребитель мог купить пленку для своих фотоаппаратов и отправить негативы обратно в Agfa-Ansco для проявки. Изображения были не самыми резкими из-за рассеивания света в слоях, но этого было достаточно для непрофессионалов.

Фотография Dnalor

Конечно, героем, совершившим революцию в цветной фотографии, была компания Kodak. В 1935 году компания Kodak представила свою первую пленку «трипак» и назвала ее Kodachrome.Как ни странно, разработка произошла благодаря двум музыкантам, Леопольду Маннесу и Леопольду Годовски-младшему, которые начали экспериментировать с цветовым процессом. В конечном итоге дуэт был нанят Kodak Research Laboratories, и в результате создал один из самых любимых фильмов по сей день.

Фотография Kodachrome, сделанная Чалмерсом Баттерфилдом

В усовершенствованном процессе окраски Kodak использовались три слоя эмульсии на единой основе, которые захватывали красные, зеленые и синие длины волн. Обработка пленки была довольно сложной, но Kodak придерживалась своего девиза: «Вы нажимаете кнопку, а мы делаем все остальное», и просто попросили своих клиентов отправить обратно свои готовые рулоны для распечаток / слайдов.В конце концов, в 1936 году Agfa смогла усовершенствовать процесс разработки Kodak, разработав все три уровня одновременно.

Начиная с 1960-х годов, Kodakrome Kodachrome, наряду с другими брендами пленки, начали укреплять свое присутствие на рынке, но они все еще были намного дороже стандартной черно-белой пленки. К 1970-м годам цены смогли достаточно снизиться, чтобы сделать цветную фотографию доступной для широких масс. И, наконец, к 1980-м годам черно-белая пленка перестала быть доминирующим средством, используемым для ежедневных снимков жизни.

Датчик цифровой камеры

Сегодня, к разочарованию многих киноманов, Kodachrome больше не производится, так как последний рулон пленки сошел с конвейера в 2010 году. И, конечно же, для остальных из нас, снимающих цифровые, мы спокойно закрыл двери цветной пленочной фотографии и перешел к цифровым сенсорам. Просто помните, что в следующий раз, когда вы возьмете цифровую камеру, поблагодарите Максвелла за его теорию цвета RGB и разработки в области цветной фотографии, которые происходят по сей день.

Цветные фотопортреты людей: Картинки d1 86 d0 b2 d0 b5 d1 82 d0 bd d1 8b d0 b5 d0 bb d1 8e d0 b4 d0 b8, Стоковые Фотографии и Роялти-Фри Изображения d1 86 d0 b2 d0 b5 d1 82 d0 bd d1 8b d0 b5 d0 bb d1 8e d0 b4 d0 b8

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *

Пролистать наверх