Сальвадор Дали — 1178 произведений
Сальвадо́р Дали́ (полное имя Сальвадор Доме́нек Фелип Жасинт Дали и Доме́нек, маркиз де Дали де Пу́боль, кат. Salvador Domènec Felip Jacint Dalí i Domènech, Marqués de Dalí de Púbol, исп. Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech, Marqués de Dalí y de Púbol; 11 мая 1904(19040511), Фигерас — 23 января 1989, Фигерас) — испанский живописец, график, скульптор, режиссёр, писатель. Один из самых известных представителей сюрреализма.
Работал над фильмами: «Андалузский пёс», «Золотой век» (режиссёр — Луис Бунюэль), «Заворожённый» (режиссёр — Альфред Хичкок). Автор книг «Тайная жизнь Сальвадора Дали, рассказанная им самим» (1942), «Дневник одного гения» (1952—1963), Oui: The Paranoid-Critical Revolution (1927-33) и эссе «Трагический миф Анжелюса Милле».
Сальвадор Дали родился в Испании 11 мая 1904 года в городе Фигерасе, провинция Жирона, в семье зажиточного нотариуса. По национальности был каталонцем, воспринимал себя в этом качестве и настаивал на этой своей особенности.
В детстве Дали был сообразительным, но заносчивым и неуправляемым ребёнком. Однажды он затеял скандал на торговой площади ради леденца, вокруг собралась толпа, и полицейские попросили хозяина лавки открыть её во время сиесты и подарить мальчику сладость. Он добивался своего капризами и симуляцией, всегда стремился выделиться и привлечь к себе внимание.
Многочисленные комплексы и фобии, например, страх перед кузнечиками, мешали ему включиться в обычную школьную жизнь, завести с детьми обычные связи дружбы и симпатии. Но, как и любой человек, испытывая сенсорный голод, он искал эмоциональный контакт с детьми любыми способами, стараясь вжиться в их коллектив если не в роли товарища, то в любой другой роли, а точнее той единственной, на которую был способен, — в роли эпатажного и непослушного ребёнка, странного, чудаковатого, всегда поступающего вопреки чужим мнениям.
Одноклассники относились к «странному» ребёнку довольно нетерпимо, использовали его страх перед кузнечиками, подсовывали ему за шиворот этих насекомых, чем доводили Сальвадора до истерики, о чём он позднее поведал в своей книге «Тайная жизнь Сальвадора Дали, рассказанная им самим».
Обучаться изобразительному искусству Дали начал в муниципальной художественной школе. С 1914 по 1918 год воспитывался в Академии братьев ордена маристов в Фигерасе. Одним из друзей детства был будущий футболист ФК «Барселона» Хосеп Самитьер. В 1916 году, с семьей Рамона Пишó, отправился на каникулы в город Кадакéс, где познакомился с современным искусством.
В 1921 году на 47 году жизни от рака груди умирает мать Дали. Для Дали это стало трагедией. В том же году он поступает в Академию Сан-Фернандо. Рисунок, подготовленный им для экзамена, показался слишком мал смотрителю, о чём он сообщил отцу, а тот, в свою очередь, сыну.
Юный Сальвадор стер весь рисунок с полотна и решил нарисовать новый. Но у него до итоговой оценки оставалось всего 3 дня. Однако юноша не спешил с работой, чем очень беспокоил своего отца, который и без того за долгие годы натерпелся его причуд. В конце концов юный Дали сообщил, что рисунок готов, но он даже меньше предыдущего, и это стало для отца ударом. Однако преподаватели в силу чрезвычайно высокого мастерства сделали исключение и приняли молодого эксцентрика в академию.
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →
ещё …
Художники по направлению: Сюрреализм — WikiArt.org
направление
Сюрреализм (от фр.
surréalisme, буквально «сверх-реализм», «над-реализм») — направление в литературе и искусстве двадцатого века, сложившееся в 1920-х годах. Отличается использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм.
Основоположником сюрреализма считается писатель и поэт Андре Бретон, автор первого манифеста сюрреализма (1924). В пьесе Гийома Аполлинера «Груди Тиресия» (фр. «Les mamelles de Tirésias») 1917 года, сюрреалистической драме в двух актах и с прологом, было введено понятие «сюрреализм». Известными литераторами сюрреализма также являются Поль Элюар и Луи Арагон. Выдающимися мастерами сюрреализма в живописи стали Сальвадор Дали, Рене Магритт, Жоан Миро, Макс Эрнст. Наиболее яркими представителями сюрреализма в кинематографе считаются Жан Кокто, Луис Бунюэль, Дэвид Линч и Ян Шванкмайер[источник не указан 117 дней]. Сюрреализм в фотографии получил признание благодаря работам Филиппа Халсмана.
Основное понятие сюрреализма, сюрреальность — совмещение сна и реальности. Для этого сюрреалисты предлагали абсурдное, противоречивое сочетание натуралистических образов посредством коллажа и технологии «ready-made».
Это направление сложилось под большим влиянием теории психоанализа Фрейда (правда, не все сюрреалисты увлекались психоанализом, например, Рене Магритт относился к нему весьма скептически). Первейшей целью сюрреалистов было духовное возвышение и отделение духа от материального. Одними из важнейших ценностей являлись свобода, а также иррациональность.
Сюрреализм коренился в символизме и первоначально был подвержен влиянию таких художников-символистов, как Гюстав Моро (фр. Gustave Moreau) и Одилон Редон.
Сюрреалисты выполняли свои работы без оглядки на рациональную эстетику, используя фантасмагорические формы. Они работали с такими тематиками, как эротика, ирония, магия и подсознание.
Нередко сюрреалисты выполняли свои работы под воздействием гипноза, алкоголя, наркотиков или голода, ради того, чтобы достичь глубин своего подсознания.
Однако хаотичность образов порой уступала место их большей продуманности, и сюрреальность становилась не просто самоцелью, но обдуманным методом высказывания идей, стремящихся разорвать обыденные представления (пример тому — зрелые работы классика сюрреализма Рене Магритта). Такая ситуация хорошо видна в кинематографе, продолжившем традиции сюрреализма, потерявшие со временем свежесть в живописи и литературе. Примеры — картины Луиса Бунюэля, Дэвида Линча, Яна Шванкмайера. Интересным примером сюрреализма являются экспериментальные фильмы режиссёра Матьё Сейлера.
Весной 1917 года Гийом Аполлинер придумал и впервые употребил термин «сюрреализм» в своём манифесте «Новый дух», написанном к скандально нашумевшему балету «Парад». Этот балет был совместной работой композитора Эрика Сати, художника Пабло Пикассо, сценариста Жана Кокто, и балетмейстера Леонида Мясина: «В этом новом союзе ныне создаются декорации и костюмы, с одной стороны, и хореография — c другой, и никаких фиктивных наложений не происходит.
Хотя центром сюрреализма был Париж, с 1920 по 60-е годы он распространился по всей Европе, Северной и Южной Америке (включая страны Карибского бассейна), по Африке, Азии, а в 80-х годах и по Австралии.
Наиболее значительным вкладом в Золотой век сюрреализма является первый Манифест сюрреализма 1924 года, созданный Андре Бретоном. Пятью годами ранее Бретон и Филипп Супо написали первый «автоматический» текст, книгу «Магнитные поля». К декабрю 1924 года началось издание «Сюрреалистическая революция» под редакцией Пьера Навиля, Бенжамена Пере и, позже, Бретона. Кроме того, в Париже начало работу Бюро сюрреалистических исследований. В 1926 году Луи Арагон написал книгу «Парижский крестьянин». Многие из популярных художников в Париже в 20-е и 30-е годы были сюрреалистами, в том числе Рене Магритт, Макс Эрнст, Сальвадор Дали, Альберто Джакометти, Валентина Гюго, Мерет Оппенгейм, Ман Рэй, Туайен, Ив Танги, Виктор Браунер, Роберто Матта и многие другие.
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →
Википедия: https://ru.wikipedia.org/wiki/Сюрреализм«Усы Дали можно считать одной из икон XX века»
Исполнительный директор фонда «Гала – Сальвадор Дали» Хуан Мануэль Севильяно – о выставке в Москве, музее в Фигерасе и торговой марке Dali
Хуан Мануэль Севильяно, исполнительный директор фонда «Гала – Сальвадор Дали» (Испания) / Pere Duran
Выставка «Сальвадор Дали.
Магическое искусство» в ЦВО «Манеж» бьет рекорды посещаемости. По популярности – как и по масштабу – она не сопоставима ни с прошлогодним монографическим проектом Дали в петербургском Музее Фаберже (он стал вместе с фондом «Связь времен» соорганизатором нынешнего проекта), ни с той выставкой, что прошла в ГМИИ им. А. С. Пушкина десятилетие назад.
Народ стоит в очередях даже в будни, внутри темных залов люди проталкиваются к работам, высвеченным как лайтбоксы. По ажиотажному спросу выставка переплюнула даже такой суперуспешный проект Музея Фаберже, как прошедшая год назад в том же Манеже выставка Диего Риверы и Фриды Кало.
Привезли более 180 вещей, что действительно много, начиная с ранних импрессионистических и кубических опытов юного Дали, его подражаний Пикассо, до сюрреалистических работ и позднего неоклассицизма, которым художник в избытке украшал свой Theatro Dali в Фигерасе. Вроде бы здесь есть это все, но представленное не главными, титульными вещами, маркирующими его творчество, а просто работами тех же периодов.
Что довольно обидно. И если «Мягкий автопортрет с жареным беконом» (1941) по праву выступает здесь представителем сюрреалистической школы – как альтернатива «Сну» (1937), где подпорки удерживают голову «окуклившегося монстра» (характеристика автора), – то «Портрет сестры» (1925) анфас из национального музея «Центр искусств королевы Софии» (Мадрид) никак не способен заменить другой сделанный тогда же и хранящийся там же портрет сестры – «Женщину у окна», одну из главных живописных вещей раннего Дали. Девушка с развевающимися от легкого ветра волосами и плотными икрами, в узкой, туго обтягивающей ее фигуру юбке, тут отсутствует. Но устроители выставки продолжают называть ее ретроспективой– и это тот случай, когда легче согласиться, чем возразить.
«Картины, которые Дали оставлял для себя»
– Я хотела бы начать с благодарности – спасибо, что привезли так много ранних работ. Теперь по крайней мере понятно, с чего Сальвадор Дали начинал. Потому что чем он закончил, все в общем знают.
Родился в 1963 г. в Барселоне. В 1989 г. получил степень бакалавра делового администрирования и инженерного образования в Центральном и Политехническом университетах Барселоны. В 1991 г. защитил магистерскую диссертацию по теме делового администрирования в IESE Business School, Барселона
1999
занимает должность исполнительного директора фонда «Гала – Сальвадор Дали»
2000
стал инициатором объединения трех музеев (Театра Дали в Фигерасе, дома-музея Дали в Порт-Льигате и замка Пуболь). В том же году возглавил институцию, управляющую правами на произведения Сальвадора Дали (авторские права, торговые марки, редакционные, имиджевые, моральные права и т. д.)
2010
член Консультативного совета коллекций Лобковичей в Пражском Граде (Прага, Чешская Республика) – частной инициативы по восстановлению и обеспечению устойчивого доступа общественности к 600-летнему культурному наследию одной из старейших и исторически значимых дворянских семей Центральной Европы
– У нас получилась, как мне кажется, полноценная ретроспектива, в которой представлены все стороны и важные моменты его творчества.
А что касается организации экспозиции, то мы старались демонстрировать работы не только по хронологическому принципу, нам также хотелось навести зрителей на разные ассоциации и проследить отсылки в произведениях Дали к другим его вещам, к каким-то событиям, разделить его творчество на отдельные периоды в соответствии с теми великими мастерами, которыми он вдохновлялся. Все это отражено в его работах. Помимо этого была идея показать отношение Дали к его личному пространству – его студии, среде, территории, что его окружала. В итоге получилась, я бы сказал, комплексная выставка, которая показывает все составляющие явления по имени Сальвадор Дали. Мы хотели показать все вместе.
– Из 180 с лишним привезенных в Москву работ сколько довоенных вещей?
– Примерно половина. Самый большой интерес, на мой взгляд, здесь представляет изначальный сюрреализм. Таких работ в мире в принципе мало, но на выставке их не меньше трети, если мы имеем в виду действительно важные вещи. Очень интересны, вы правы, работы молодого Дали, созданные в те времена, когда он только начинал исследовать свой талант, прокладывать путь.
Поражает Дали-кубист – об этом его увлечении мало кто знает.
– Кубист, пуантилист…
– Да-да, именно, всего этого обычно никто не видит, хотя у нас в Фигерасе есть некоторое количество таких вещей. Работы экспериментального периода, который последовал за этим начальным этапом, тоже есть, как вы, наверное, заметили. Они очень интересны, потому что здесь Дали совсем молодой, ему 20–26 лет.
– Время, когда он еще пытается учиться, потом приезжает в Париж, знакомится с Пикассо, чье влияние бросается в глаза в работах 1926 г.
– Дали тогда было 22 года. Замечательно, что у нас в коллекции есть картины, которые Дали оставлял для себя, некоторые из них приехали в Москву.
– Вы имеете в виду «Фигуры на песке»? Они как раз отсылают к Пикассо, но, если честно, когда попадаешь в Фигерас, первое, о чем думаешь – Дали ничего не оставлял для себя, все продавал: просто потому, что покупали. Кажется, что, когда он придумал свой музей, ему пришлось спешно писать новые вещи, чтобы этот музей наполнить.
– В действительности все наоборот: коллекция музея изначально была велика. Но когда Сальвадор Дали умер, многие произведения согласно завещанию были переданы Центру королевы Софии. У нас остались лишь те вещи, которые Дали настолько любил, что категорически не хотел продавать: «Мягкий автопортрет с жареным беконом», например, или портрет Пикассо. И сейчас мы стараемся покупать его работы, чтобы расширить коллекцию.
– Неужели в собрании фонда их недостаточно?
– Наше собрание по праву считается очень полным. Вы понимаете, Дали – художник, достигший успеха при жизни, и в каждом крупном музее мира найдется 2–3 работы Дали, но ни в одном нет 450 произведений, как у нас.
– 450 произведений принадлежат музею в Фигерасе или всем трем музеям?
– Они принадлежат фонду, но все картины находятся в одном месте – в Фигерасе. В Порт-Льигате нет правильных условий для хранения оригинальной живописи, а в Пуболе висят, кажется, две картины – только потому, что Дали сам их туда поместил.
– Насколько ощутимо для Фигераса отсутствие всех тех вещей, что вы сейчас привезли в Москву?
– Ощутимо очень, именно поэтому у нас бывает немного таких больших выставок, как в Манеже. Мы можем это позволить себе сейчас, потому что зима – январь, февраль – и март для нас не сезон. К тому же Центр королевы Софии нам очень помог. Без него пришлось бы просто на два месяца закрыть музей.
«Мы третий по посещаемости музей»
– Я была в Фигерасе очень давно и как раз в сезон, летом. По посещаемости этот музей, наверное, сопоставим с главными туристическими объектами Испании – Прадо, Альгамброй и Кордовской мечетью?
– Так и есть, во всех трех музеях в год бывает 1,25 млн посетителей. Это значит, что мы третий самый посещаемый музей изобразительных искусств в стране. На первом месте сейчас Прадо, на втором – Центр королевы Софии, иногда они меняются местами. Мы тоже иногда меняемся местами – с музеями Тиссена-Борнемисы в Мадриде и Пикассо в Барселоне.
Принципиальное наше отличие от них состоит в том, что наш музей находится не в столице, а в городе с 40 000 жителей и город этот расположен далеко от всего.
– Музей называется Театром Дали, но у меня было ощущение, что это цирк или даже аттракцион.
– Он действительно очень любопытно устроен, но секрет музея даже не в этом. Когда Дали создавал этот музей, он, я думаю, лет на 40–50 опередил свое время. Он придумал пространство, которое само по себе является произведением искусства. Когда человек в него входит, он не ожидает этого и оказывается совершенно поражен, потому что в каждом уголке его ждут какие-то сюрпризы. Представьте, вы заходите в здание и везде стоят инсталляции, в которые можно закинуть евро и что-то там произойдет. Сейчас таких мест стало очень много, а в 1974 г., когда открылся Театр Дали, такого никто не видел.
– Первой инсталляцией был портрет Мэй Уэст (имеется в виду «Лицо Мэй Уэст, использованное в качестве сюрреалистической комнаты», 1934–1935 гг.
, где диван –это губы, а окна – глаза)?
– Она была не первая. В музее оказались собраны идеи Дали, которые он копил долгое время. «Кадиллак», например, – «Такси под дождем», он стоит в центре – появился раньше. Как и портрет Мэй Уэст, это тоже реконструкция старой работы, которую Дали впервые представил на выставке в Париже в 1928–1929 гг., только автомобиль был другой. В случае с залом Мэй Уэст ему понадобилось время, чтобы заставить это пространство заработать, – он всегда был очень заинтересован в 3D-работах, играл с оптическими эффектами. Этот зал ему помогал создавать Оскар Тускетс, очень известный в Испании архитектор, художник и одновременно редактор, член совета нашего фонда. Можно сказать, что музей в Фигерасе стал кульминацией всей работы Дали.
«Франкистом Дали назвать нельзя»
– Как воспринимался на протяжении XX в. Дали в Испании? Он неоднозначная фигура с точки зрения политической, начинал с того, что был другом Лорки, а вернулся в Испанию еще при Франко.
Как менялось отношение к нему?
– Это всегда противоречивый вопрос, потому что он никогда открыто не идентифицировал себя ни с какой идеологией, у Дали всегда было очень прозрачное мировоззрение. Когда он был молодым, конечно, как любой молодой интеллектуал, заигрывал с некоторыми идеологиями: успел побаловаться с коммунизмом, с анархизмом. Исследовал себя, и в искусстве у него был исследовательский период. Семья Дали была очень консервативной, а он хотел быть белой вороной – и, собственно, стал ею. И поплатился за то, что стал знаменит, его успеху многие завидовали. В Испании обычно больше завидуют успеху в спорте, а у него получился другой. Дали стал известным в закрытой стране. Из Испании тогда было очень сложно выехать, а тут появляется человек, который был принят в Белом доме, заходил в Елисейский дворец. Он уехал в США из-за войны, а вернулся после 20-летнего отсутствия, когда ему было уже почти 60 лет. Вернулся в Порт-Льигат, в свой дом, где находилась его студия и где был источник его креативной энергии.
В какой-то момент он решил, что ему все равно, кто у власти, – Франко или король. Главное – он хотел вернуться домой. Всегда в истории искусства находились люди, умевшие использовать режим. Дали тоже увидел возможность для пропаганды, но открыто никогда не поддерживал режим Франко – просто это был человек, который многого достиг и захотел вернуться. Практически все знаменитые художники в истории каким-то образом пользовались политической ситуацией, еще с эпохи Возрождения.
– Все же не все.
– Очень многие. Когда Дали вернулся, среди интеллектуалов в Западной Европе основная мировоззренческая тенденция была скорее левого толка. Он не был на их стороне. Но и франкистом Дали назвать нельзя, хотя он не был открытым противником Франко – просто не играл в эту игру. Вся эта ситуация, этот его способ существования создали определенный фильтр: через эту призму интеллигенция по определению смотрела на Дали в негативном ключе. Так появились мифы о его политической ангажированности, которые на самом деле совершенно неверны.
– Не просто интеллигенция, но конкретно артистический мир был настроен очень против него, вспомним хотя бы реплики Андре Бретона, изгнавшего его из рядов сюрреалистов. Вам не кажется, что в искусстве Дали остался в какой-то момент один?
– Действительно, очень сложными были его отношения с сюрреалистами. Дали создал себе такой имидж, что его невозможно было причислить ни к какой школе, ни к какому движению – он всегда был свободным и опережал время. Дали может нравиться или нет, но это точно: он был совсем один.
– И он был не только субъектом искусства – как художник, но и объектом – как персонаж.
– Его публичный имидж – его собственное творение. В фонде мы более 20 лет исследуем этот процесс, как он создавал свой имидж. Дали работал над ним начиная с юных лет, когда был еще подростком в Фигерасе, и до момента, когда стал одним из самых успешных художников в мире. Он поддерживал этот имидж до самой смерти. Усы Дали можно считать одной из икон XX в.
Как и весь его эксцентричный образ. Тот образ, ставший частью канона, которым руководствуются и современные художники.
«Мир этого хочет и просит»
– Я бы сказала, что это не столько канон, сколько торговая марка.
– И вы правы. Важно, что Дали первым понял, как в XX в. происходит коммуникация. Увидел, как можно использовать новые технологии, пытался понять, как следует с ними работать. Здесь совмещаются его имидж и его понимание принципов функционирования массовых коммуникаций. Это тоже до сих пор работает.
– Когда мы вбиваем в строку поиска Google «Сальвадор Дали», вторая ссылка выпадает на духи его имени. Насколько торговый знак затмевает Дали-художника?
«Дали проник во все стороны жизни»
Владимир Воронченко, директор Музея Фаберже, соучредитель фонда «Связь времен» – организатора выставки: «Почему мы устроили эту выставку? Во-первых, мы любим Сальвадора Дали, во-вторых, стараемся показать то, чего в нашей стране нет, и в масштабе, которого еще не было.
И мы финансировали выставку Дали, которая проходила в 2011 г. в ГМИИ им. А. С. Пушкина. Другая причина состоит в том, что Дали – один из самых любимых художников моего партнера Виктора Вексельберга. Мы стараемся следовать своим вкусам.
Дали был великий мастер, великий художник. Он оказал огромное влияние не только на живопись XX в., но и на кино, дизайн, балет, архитектуру, промышленный дизайн.
Это редчайшая ситуация в искусстве – было огромное количество великих художников, но такого, который проник бы во все стороны жизни, не было, и сказать, что люди любят Дали, как шоу или «Макдоналдс», нельзя.
На днях я дочитал книгу менеджера Дали, который работал с ним, был его агентом, имел долю от всего, что Дали удавалось продать, от каждого заключенного контракта. И этот его агент рассказал в книге историю знаменитых усов Дали. Оказывается, куда бы Сальвадор Дали ни ездил, у него всегда были с собой коробочки с пучками волос, состриженных с затылка. Он брал эти остриженные волосы, соединял их с воском и так наращивал свои усы.
Каждый день уделял этому огромное количество времени. Нужно очень любить себя и постоянно чувствовать себя в образе, чтобы делать такие вещи.
А следующим нашим проектом будет выставка Пикассо – потрясающая, какой не было в стране. Да, в России много своего хорошего Пикассо, но мы привезем то, чего здесь еще не было. Года три назад я со своим партнером Вексельбергом был на выставке Пикассо в Париже. Мы стояли в очереди часа два. В этой очереди в Пти-Пале стояло много красивой и интересной публики, несмотря на то что есть Музей Пикассо в Париже.
Но Пикассо много не бывает».
– Контракт с парфюмерной компанией подписал сам Дали. Владелец этой компании Жан-Пьер Гривари является членом совета нашего фонда. Для нас очень важен русский парфюмерный рынок. Духи Salvador Dali, между прочим, продавались в СССР и Китае уже в 1970-х гг.
– В магазинах в 1970-х не продавались.
– Где именно, я не знаю. Может быть, чуть позже, в начале 1980-х, но очень рано. Это любопытный факт: речь идет об эпохе до перестройки, понятно, что здесь тогда еще не было нормальной экономической системы, свободной экономики, но эти духи попали на советский рынок одними из первых. Гривари очень хорошо знает Россию и любит ее.
И дизайн первых флаконов создавал сам Дали – первый хозяин компании был его другом. Это был совсем молодой в то время человек, и он сам предложил Дали создать дизайн этих флаконов – тот, самый известный, с губами и носом. Дали понял, как совместить мир массовых коммуникаций и потребления. Понял, что можно работать с коммерческими продуктами, чтобы привлекать людей к своему искусству. И работу с Dior и Givenchy он затеял именно для этих целей.
– Как это функционирует сейчас? Кто решает, какие продукты имеют право носить лейбл «Сальвадор Дали»? Определяет ли это фонд?
– Да, у нас существует специальная комиссия, которая выдает лицензии. Всегда есть возможность купить права на использование изображений самого художника и его работ в коммерческих продуктах, например в том, что продается в музеях – на футболках. Мир этого хочет и просит.
– Можно примерно определить, сколько сейчас стоит бренд «Сальвадор Дали»?
– Трудно подсчитать, и мы этим не занимаемся. Можно сказать, что это точно сотни миллионов евро в год, но не хотелось бы давать оценки, потому что мы не акционерная компания, нам не нужно оценивать стоимость акций. Трудно подсчитать еще потому, что Дали сейчас известен во всем мире, а мы не коммерческая марка.
«Дали очень мало делал живописных вещей»
– Вы упомянули, что фонд покупает работы Дали. Как часто это бывает, как это происходит? Ведутся ли поиски работ, насколько много их в частных собраниях?
– Сейчас набирает обороты, и весьма интенсивно, программа закупок новых работ. За время существования фонда мы из собственных средств вложили в это больше 60 млн евро, и этот процесс не стандартизирован: постоянно продолжаются какие-то исследования, поиски, выявление вещей, которые стоило бы купить. Делаются рекомендации совету фонда и назначается бюджет.
– Поиск ведется в частных коллекциях?
– Да, и очень трудный. Работы, которые нас интересуют, появляются очень редко. Бывает по-разному. Иногда нам звонят знакомые владельцы галерей, иногда мы общаемся с семьями, где умерла бабушка, по наследству переходит работа, и они знают, что нашему фонду это может быть интересно. Изредка бывает что-то на аукционах. Мы всегда следим за тем, что появляется, однако произведений, которые нам нужны, на рынке практически не бывает. Иногда мы покупаем книги, гравюры, рисунки.
– Можете вспомнить последнее приобретение?
– Картина, которая принадлежит раннему, первому периоду творчества молодого Дали, когда он только увлекся кубизмом. Это пейзаж с видом на Кадакес. Картину нельзя назвать самой крупной покупкой с финансовой точки зрения, но она очень хороша.
– Сколько она стоила?
– Чуть больше полумиллиона евро, это была покупка у одной семьи.
– Есть знаменитая анекдотичная история о Дали и Араме Хачатуряне, приехавшем в Фигерас по его приглашению, и я хочу спросить вас, правда ли это. Легенда донесла до нас, что Хачатурян долго-долго ждал, пока Дали выйдет, потом зазвучал «Танец с саблями», написанный Хачатуряном, выскочил голый Дали, сделал круг по комнате, и гостю сообщили, что визит окончен.
– Я тоже слышал эту историю, но не могу сказать, правдива ли она. Другое дело, что такое легко могло произойти. Был период, когда Дали действительно такие вещи делал, мог голым выйти и к Хачатуряну. Что у них были очень дружеские отношения, это точно, но для Дали это было бы не странно. Вы понимаете, если бы Дали сделал десять подобных выходок, в мире говорили бы, что он сделал двадцать. Люди всегда любили дорисовывать его образ.
– Право устанавливать подлинность Дали принадлежит фонду?
– Обязательство даже, а не право. У нас есть комиссия по аккредитации и каталогам. Она подчинена совету фонда и атрибутирует оригинальные произведения Дали. Мы думаем расширить ее деятельность и на тиражные вещи. Государство, принимая то или иное решение по поводу картин Сальвадора Дали, ориентируется только на наше мнение. Мы помогаем и ФБР, и полиции – итальянской, испанской.
– Сколько всего работ Дали? Каталог-резоне, если он существует, сколько включает?
– Нужно четко понимать, о чем мы говорим. Если говорить о его изобразительных работах оригинальных – живописи, то их примерно 1600. Вопреки распространенному мнению, Дали очень мало делал живописных вещей. Пикассо, например, создал их в четыре или шесть раз больше, а Дали требовалось три месяца, чтобы закончить картину. Но помимо живописи есть графика, есть работы с использованием других материалов.
– По моему ощущению, он изначально график и живопись его сделана прежде всего графиком.
– Бывший директор нашего музея Антони Пичот говорил, что Дали в первую очередь был как раз графиком. Не всегда эта сторона его творчества была главной для него, но часто. На выставке в Манеже есть несколько очень впечатляющих рисунков.
– Почему, кстати, был выбран Манеж?
– Нам нравится думать об этой выставке как о кульминации 10 лет нашей работы с Россией после выставки Дали в Пушкинском музее. Мы считаем, что это достойное завершение десятилетнего цикла и идеальное место.
– В каких странах проходили последние выставки Дали?
– В Монако прошлым летом, во Франции, в США. Много где проводились небольшие выставки, а таких огромных ретроспектив было очень и очень мало. Последняя была показана в Париже и Мадриде пять лет назад.
Мания неприличия – Власть – Коммерсантъ
Год Испании в России продолжается выставкой Сальвадора Дали в ГМИИ имени Пушкина. У самого знаменитого сюрреалиста множество поклонников по всему миру. Хватает и критиков: для некоторых ценителей любовь к Дали — синоним плохого вкуса.
ВАЛЕНТИН ДЬЯКОНОВ
В иерархии художников ХХ века Сальвадор Дали занимает парадоксальное место. С точки зрения узнаваемости он один из первых. Расплавленные часы с картины «Постоянство памяти», профиль «Великого мастурбатора», похожий на ком теста, горящий жираф с одноименного полотна разошлись в миллионах репродукций, сувенирных изделий, пародий и вариаций. Не меньшей популярности достигла и его тщательно культивируемая внешность, в особенности усы, ставшие таким же символом прошедшего столетия, как растительность на лице у Сталина и Гитлера. А вот с репутацией среди ценителей искусства у Дали сложилось не так гладко. Уже более двадцати лет художник находится в своеобразном чистилище.
Его работы, конечно, показывают и печатают в хрестоматиях по искусству ХХ века, но слава Дали, столь громкая в первые годы после Второй мировой, не смогла повлиять на переоценку ценностей 1970-х. Несмотря на то что в массовом сознании Дали и сюрреализм — синонимы, в наше время намного выше принято ставить его коллег Жоана Миро и Макса Эрнста. Их считают серьезными художниками. А Дали — так, кич и плохой вкус. Его критикуют к тому же за то, что он, поклонявшийся Веласкесу и Вермееру, не так уж и хорошо владел искусством живописи. Попытки поклонников Дали из музейных кругов убедить снобов в обратном пока не дали результатов. В прошлом году флорентийский Палаццо Строцци все-таки канонизировал Дали, показав его ранние работы в одном ряду с первыми опытами Миро и Пикассо на выставке «Рассерженные молодые люди: рождение модернизма». Впрочем, ранний Дали еще не отыскал в собственном подсознании источник порождения образов, сделавших его одновременно и знаменитым, и презираемым.
«Автопортрет с шеей Рафаэля», 1921
Фото: ГМИИ им. Пушкина
Пушкинскому музею, конечно, ни к чему вступать в полемику с Дали-ненавистниками. Для ГМИИ его выставка станет очередным испытанием на прочность кассовых аппаратов. Благо набор привозят, действительно, блестящий. Более 20 полотен, 90 листов графики плюс объекты из центрального хранилища наследия Дали — музея в Фигерасе. Это не просто хранилище полотен и скульптур. Построенный на месте старого театра комплекс гордо называется «самым большим сюрреалистическим объектом в мире». Он был открыт в 1974 году. При создании своей вотчины Дали вдохновлялся Диснейлендом (с Уолтом Диснеем художника связывали как дружеские, так и рабочие отношения). Театр-музей в Фигерасе и есть смесь Диснейленда со средневековой крепостью, только вместо лучников на стенах стоят огромные куриные яйца, излюбленный образ Дали, почерпнутый им из алхимии. За шоу в ГМИИ отвечает сценограф Борис Мессерер, и, надо думать, он сделает из Дали праздник. Конечно, воссоздать все безумие театра-музея в Москве не удастся. На помощь придут архивные фотографии, в частности, со строительной площадки музея в Фигерасе.
Благодаря испанской коллекции можно будет наблюдать за постепенным движением Дали от образа «рассерженного молодого человека» до патриарха сюрреализма и любимчика аристократии. Привозят, например, одну из самых странных его работ, «Автопортрет с рафаэлевской шеей». 17-летний Дали пишет себя на фоне романтичного залива. Шея при этом портреты Рафаэля нисколько не напоминает. Это зеленое, очень длинное нечто: как будто на наших глазах художник превращается в амфибию.
После этой картины Дали окунулся в эксперименты, согласные с веком: попробовал кубизм и экспрессионизм. Но позже вернулся к найденным в этом автопортрете приемам и темам. Зеленоватая кожа стала предвестницей интереса к некрофилии, анатомический гротеск превратился в постоянное растекание плоти на картинах. А гордость и осознание собственной исключительности, пришедшие к Дали уже в подростковом возрасте, с годами только усиливались.
«Портрет Гала с двумя бараньими ребрышками, удерживающими равновесие на ее плече», около 1934
Фото: ГМИИ им. Пушкина
Сосредоточенность на гениальности и уникальности собственной личности заставляла Дали с интересом относиться и к другим представителям века, поставившим себя выше — вернее, во главе — толпы. Интерес исключал этическую разборчивость, характерную для современников Дали в творческой среде, поэтому художник вызывал и вызывает столь же яростное неприятие, что и его картины. Разборки с несовершенством его этических позиций начал основатель движения сюрреалистов, писатель Андре Бретон. В 1939 году он лишил Дали членства в группе по подозрению в симпатиях к Гитлеру, а заодно составил из имени художника обидную, как казалось Бретону, анаграмму — «Avida Dollars» («жаждущий долларов»). Дали отреагировал на кличку с юмором, а во второй книге мемуаров вдоволь поиздевался над пуританством, царившим у сюрреалистов. «В сущности, что бы я ни приносил — все оказывалось им не по нутру,— писал Дали о соратниках.— Им, видите ли, не нравились задницы! И я с тонким коварством преподносил им целые груды хорошо замаскированных задниц, отдавая предпочтение тем, которые бы по вероломству могли соперничать с искусством самого Макиавелли». Возражения коллег вызывали и экскременты, в изобилии представленные на первых сюрреалистических опытах Дали, и регулярные заигрывания с религиозной тематикой.
Правда, с символикой христианства сюрреалисты обращались не очень вежливо еще до знакомства с испанцем: полотно Макса Эрнста «Богоматерь шлепает младенца» 1926 года вызвало, как и другие выходки группы, грандиозный скандал. Дали, с конца 1940-х годов ставший и вовсе ревностным католиком, отдавал предпочтение другим выходкам: он создал несколько полотен, в которых иконография христианства подвергается апгрейду. Пусть Спаситель на картине «Corpus Hypercubicus» распят на трехмерном кресте, но настроение у этой работы правоверное. В Москву привезут, однако, не ее саму, а этюд — портрет Гала Дали, созерцающей распятие в 3D.
«Тройное появление лица Гала», 1945
Фото: ГМИИ им. Пушкина
Соратникам не нравились и политические взгляды Дали, вернее, их демонстративное отсутствие. Сюрреалисты придерживались крайне левых взглядов, которые художник разделить не мог: «Народ? Я с ним не знаком». Дали привлекали великие политические деятели, их взгляды были ему не важны. Главное — размах.
Дали относил к сюрреалистическим художникам и Гитлера, и звезд комического Голливуда братьев Маркс, гениев комедии оплеух, падений и других физиологически неприятных ситуаций. Дали верил, что у нелепых положений, в которых оказывается каждый человек с детства, есть психологический подтекст. В шутке подсознание выплескивается наружу, привычный порядок вещей нарушается, и наша психика вновь обретает свой истинный, довольно неприглядный и неустойчивый вид. Почти все персонажи Дали, кроме обожествляемой им супруги, расплываются во все стороны, как пятна Роршаха. Это проекции внутренних представлений о теле, редко совпадающие с реальными очертаниями наших силуэтов.
В конечном итоге критикам Дали не нравится именно наглядность его полотен, отсутствие тайны и поэтического целомудрия. Из всех сюрреалистов он единственный, кто не обходится намеками и показывает фантазмы во всех подробностях. Ровно за то же самое ругают голливудские фильмы. В них конфликты сведены к формулам, объяснения тех или иных событий просты и последовательны. Дали, безусловно, многому научился у американцев. Его мемуары не возникли бы без знакомства с навыками самопиара, которыми славится заокеанская массовая культура. Дали взял европейскую утонченность и придал ей размах блокбастера. Благодаря выставке в Пушкинском очередное поколение зрителей обеспечит постановкам Дали хорошую кассу. И «жаждущий долларов» этого заслуживает.
а надо ли? Репортаж с выставки
Муравьи и неизвестная шея
На оранжевой стене с надписью «Salvador Dali» хаотично разбросаны большие черные муравьи. Под насекомых с разных сторон подстраиваются посетители Манежа — креативные фотографии с муравьем на ладони, на голове или c «симпатягой», заползающим в рот, сразу отправляются в ленту инстаграма. В колонии маленьких черных человечков, продвигающейся ко входу на выставку, — настоящие почитатели творчества великого сюрреалиста, туристы, вовремя оказавшиеся в столице, и снимающие все подряд блогеры.
— У них же сплошные селфи на уме, что они понимают в искусстве! — ворчливо сетует на молодежь со смартфонами взрослая женщина. Она пришла на выставку за настоящим искусством и такое неуважение к творчеству художника воспринимает как личное оскорбление.
— Не кряхти, Аркадьевна, — успокаивает ее подруга. — Сейчас в основной зал зайдем, там совсем темно. А нет света — нет красивых фотографий, — с каким-то зловещим удовольствием заключает маленькая седовласая женщина.
Внутри действительно темно. То ли организаторы выставки решили сэкономить на освещении, то ли это художественная задумка, но основной массе посетителей такая идея не по душе.
— Что за люди! Мало того, что народу — не протолкнуться, так еще и не видно ничего, — возмущается студентка Ника. Она пришла с одногруппницей за красивыми фотографиями, но ожидания и реальность немного не совпали.
— Я вон те работы в интернете видела, — кивает девушка на ранние картины Дали, — но к ним не пролезть. Придется с этими, неизвестными, фотографироваться, а потом название искать. Надо же всем показать, что я на Дали была.
«Неизвестной жертвой» становится «Автопортрет с рафаэлевской шеей». Ника какое-то время экспериментирует с модными позами и после нескольких десятков кадров довольно кивает подруге.
— Надо моему Вадику картину показать. Пусть тоже себе такую шею накачает, а то просто так в зал ходит, — девушки еще немного рассматривают мощную шею на портрете, но, не обнаружив сходства с Вадиком, отправляются к другим картинам, более известным в интернет-сообществе.
Диагноз по Фрейду
Настоящих экспертов сюрреализма среди простых обывателей можно вычислить по скорости перемещения. Знатоки долго рассматривают работы взглядом оценщика в ломбарде, то пристально разглядывая детали, то отходя от полотна на несколько шагов. Таким па, правда, мешает плотность посетителей на квадратный метр.
— Сколько он сделал! И все так гениально! — громко восхищается женщина с красными волосами. Она почти вплотную стоит к «Двум фигурам» Дали, готовая раствориться в картине.
— Не завидуй, — лениво протягивает ее дочь-подросток. — Он же явно был не в себе. Нам в школе рассказывали, что даже Фрейд говорил, что Дали — чокнутый. А уж похлеще Фрейда в мире точно гения не было, — Девочка медленно направляется к столпотворению у противоположной стены, и мать неохотно следует за ней.
«Портрет мой сестры» оказывается одной из самых обсуждаемых и популярных картин в зале ранних работ. Младшая Дали, Анна Мария, была первой музой художника, однако почтения зрителей ей это не прибавляет.
— А сестра была симпатичней него, — задумчиво глядя на портрет, заявляет медик Андрей.
— Я бы не сказала. С такой челюстью и плечами ей явно нелегко пришлось, — не соглашается девушка Маша. — Вот сейчас она бы нормально зашла — с ее типом внешности хоть на подиум моделью plus-size, хоть в активистки бодипозитива. Сто лет назад девушки поутонченней ценились, а по этой сразу видно — диетами не увлекалась.
Приговорив сестру Дали к вечному прозябанию в рядах нестандартных моделей, Маша поправляет модный кроп-топ и походкой от бедра отправляется в соседний зал. Высокий Андрей обреченно вздыхает, шепчет Анне Марии: «Что б она понимала в женской красоте», — и в знак протеста идет к картине с изображением Галы, обнаженной и пышущей здоровьем.
За голубыми человечками
Систематично передвигаются по выставке только люди в голубых толстовках. Это волонтеры — те, кто знает истории всех картин, представленных в зале. Поймать голубого человечка — отдельный квест. Бесплатных экспертов на выставке ограниченное количество, поэтому охоту на них ведут как молодые, так и посетители постарше.
Один доброволец обнаруживается под картиной «Призрачная повозка». Двое мужчин, взяв в плен худенького очкарика, наперебой допрашивают парня. Судя по затравленному взгляду волонтера, интеллектуальные пытки продолжаются не первый час.
— Объясните же, наконец, откуда здесь идет такой свет, — встряхивает паренька мужчина постарше. — Вы не можете не видеть, что полотно излучает волшебную, непонятную ауру, — восклицает посетитель.
— Пап, отпусти дядю. Он ничего не видит, ты его от картины отвернул пятнадцать минут назад, — пытается образумить отца восьмилетний Сережа. Пока взрослые ищут источник волшебного света, мальчик успевает обойти весь зал, познакомиться с единственной девочкой своего возраста и заскучать. — Посмотри лучше сюда, — Сережа тянет родителя к «Археологическому отголоску “Анжелюса” Милле», — тут зуб на человека нападает.
Хохот Сережиного папы пропадает в гомоне возникшей из ниоткуда толпы. Большая группа экскурсантов останавливается около «Пейзажа с загадочными элементами». Посетители гордо вышагивают за своим «голубым» предводителем с табличкой, расталкивая всех на своем пути.
— Обратите внимание на цвета, — говорит группе экскурсовод. — Эта картина светится своими красками. Это обращение к Вермееру, перед которым преклонялся Дали, — женщина показывает на планшете оригинальную работу голландского художника.
— Вот это искусство, а у Дали что? — реагирует на картину парень.
— Да, что тут загадочного, какие элементы? — вторит ему женщина из группы.
— Как что? — отзывается ее соседка — Здесь же инь и ян, искусство жизни и цвета. Если ничего не понимаете, надо ли на Дали замахиваться? Шли бы в Мавзолей. Там все просто и понятно.
Бекон всему голова
Центром силы на выставке и местом, куда стекаются все экскурсионные группы и самостоятельные посетители, становится «Мягкий автопортрет с жареным беконом». Около картины разгораются жаркие споры.
— И где тут бекон? — сразу с главного заходит Владимир из Томска. — У меня поезд вечером, нет времени на разглагольствования. Вы мне суть картины объясните, и я дальше двинусь, — заявляет он волонтеру.
Девушка растерянно хлопает глазами, то ли удивляясь такому наскоку, то ли поспешно сокращая в уме долгую историю создания полотна.
— Дали нельзя воспринимать буквально, — накидывается на томича женщина справа, — ваш бекон — лишь образ, символ духовной пищи.
— Да про пищу я понял, из такого куска и яичницу не пожаришь, — прерывает ее объяснения Владимир. — Вы про искусство, про искусство рассказывайте.
— Что б ты понимал в картофельных очистках, — уже тише возражает женщина. — Это великое произведение, а тебе только про еду.
Девушка-волонтер при этих словах приходит в себя, украдкой хихикает и бойко начинает тараторить заученный рассказ о творческом перерождении художника, его жизни в Америке и усах на картине, отсылающих к самому Дали.
Великий иллюстратор
«Божественная комедия» Данте в иллюстрациях Сальвадора Дали — самый светлый зал на выставке. Тут больше всего молодежи — кажется, их притягивает сюда не любовь к творчеству художника, а наличие света для хороших фотографий. И, безусловно, характер иллюстраций.
— Вот, если бы нам так на филфаке Данте преподавали, я бы от корки до корки все прочитал, — усмехается парень, стоя напротив картины с обнаженными девушками.
В подсвеченных нишах по всему периметру комнаты — графические изображения скупости и расточительства, чистилища, кругов ада и снов Данте.
Напротив картины со сценой покаяния застывает маленький мальчик. Он завороженно смотрит на черные скелетообразные фигуры на картине, открыв рот и беззвучно показывая пальцем на холст. Его мама, увидев реакцию ребенка, наклоняется к сыну и тихо объясняет, что хотел показать художник. Он засыпает женщину вопросами, а она терпеливо отвечает на все «почему» и добавляет в конце:
— Не будешь вовремя рассказывать о своих проделках, придет такой черный дядя и заберет тебя.
Мальчик понятливо трясет головой и, решив не дожидаться прихода страшного человека, на месте начинает исповедоваться о сломанном роботе и драке с Гришкой на перемене.
Винни-Пуху и не снилось
Из 180 работ Дали, выставленных в Манеже, самой позитивной картиной можно признать «Человека с головой, полной облаков». Только около нее посетители долго стоят с загадочными улыбками, рассматривая самые настоящие облака, проплывающие в чьей-то голове.
— С головой полной облаков это хорошо, очень хорошо. Незамысловато, но понятно, — одобряет проходящая мимо женщина.
— О, это как у тебя, Паш, — смеется над своим другом школьница Аня. — Вечно на физике где-то витаешь.
Картина рождает много шуток и настраивает зрителей на философский лад. А некоторые даже стихи с ходу сочиняют. Здесь же, не отходя от холста. Высокий парень, прочитав название картины, начинает петь песню Винни-Пуха.
— В голове моей опилки — не беда, у Дали вот не опилки — облака, — значительно поднимает он палец вверх. — Это, конечно, намного уважительней звучит, да? — весело толкает он в бок своего приятеля. — Не какой-то Пятачок с медведем, тут целый Дали.
Время «своего» искусства
Веселый гомон стоит и в последнем зале, оформленном как лаунж-зона. Красные диваны–губы, пианино с руками вместо клавиш, сюрреалистичные инсталляции разных дизайнеров и огромный человек-парусник в центре помещения. Здесь много света и цвета, и ничто не мешает посетителям фотографироваться с надписями «Дали» на стенах и делиться эмоциями от выставки.
— Безумно много работ, — вздыхает Эльвира. — Мы три часа тут ходим, но ради этого диванчика стоило устать. — Девушка присаживается на край нижней губы, надевает большие очки и принимает нужную позу. Усталость моментально проходит, и в объективе ее друга появляется модный искусствовед, разбирающийся не то, что в творчестве Дали, во всей мировой культуре.
— Отдохнули, теперь надо и обратно выбираться, — как-то обреченно говорит мужчина своей спутнице. — Ты же в магазинчик сувениров еще зайти хотела и в картине постоять.
«Постоять в картине» — отдельный аттракцион выставки, который находится во входной зоне. Сначала надо отстоять очередь из таких же креативщиков, а потом быстро войти в рамку картины, пожонглировать белыми шарами для фотографии и выйти так, чтобы тебя не зацепила очередь селферов на входе.
— Точно. И с таракашками на оранжевом фоне еще надо снимок сделать, — вспоминает женщина. — Картины картинами, а фото с выставки — святое.
Она бодро вскакивает со скамейки и начинает поправлять прическу.
— Так, полчаса посидели и хватит. На Дали посмотрели, теперь надо и свое искусство творить.
С этими словами женщина берет спутника за руку и с уверенностью ледокола прокладывает себе путь из недр Манежа. Путь к новым фотографиям с «таракашками» и белыми шарами, которые станут шедеврами смартфонного искусства.
о чем вы говорили на выставке Сальвадора Дали в Манеже – Москвич Mag – 07.02.2020
Две бабушки в кинозале:
— Молодежи сейчас-то стало ходить больше.
— Да-да.
— А то придешь — все седые.
— Да-да.
— А сейчас вот смотри мальчики какие симпатичные сидят.
Очередь в гардероб:
— Что народу-то столько? Он ограниченный по времени, что ли?
— Да нет, до марта вроде.
— А чего ломанулись-то сейчас? Хотя всегда так в начале.
— Или боятся из-за вируса не успеть.
У картины «Топологическое искажение женской фигуры, становящейся виолончелью»:
— Ну это вообще такой период был. «Мазня» называется.
У картины «Созерцая великого мастурбатора»:
— Ой, прекрасно, великолепно. Еще бы что-нибудь понять в этом!
— А что не понятно? Вот он, вот член на столе.
Там же:
— А я вот вижу кота на столе.
— Это не кот, это бывшая.
У картины «Трансформация. Женщина с зеркалом»:
— Такая женская мода мне нравится, пожалуй.
— Ну это вот Ренессанс. Я и говорю, компиляция. А от него опять только эти муравьишки.
Там же:
— А, это, Галь, дай очки, а то мелко.
— На.
— Да… так… а это змеюка… да. Женщина справа — женщина, а слева — это женщина-теща.
У картины «Рафаэлевская галлюцинация»:
— «Чего-то там галлюцинация» называется.
— Не «чего-то там», а вполне даже явная чья-то галлюцинация.
У картины «Пятьдесят абстрактных картин, складывающихся на расстоянии два метра в три портрета Ленина в виде китайца, а с шести метров превращающихся в голову королевского тигра»:
— Нет, ты просто почитай: Ленин на расстоянии в два метра превращается в китайца, а потом превращается в тигра.
— Ленин вообще об этом знает?
У картины «Дематериализации под носом Нерона»:
— Дематериализация… это мы когда на прерафаэлитов ходили, там тоже была дематериализация, помнишь?
У картины «Безумный Тристан. Эскиз декорации»:
— Вон машинка какая-то на облачке.
— Все-таки можно его не любить, но все равно у него весь мир в одной картине.
— О, да-да, зависаешь прям.
— Хоть его и хулили, а никто так больше и не сумел нарисовать. Так что не думаю, что это маркетинг.
У работы «Деревья и фигуры»:
— А вот смотри, милая какая. А год какой? А, 1923-й, ну понятно, академия, только поступил.
— Да, это еще нормальный был.
У картины «Кубистический автопортрет»:
— Все в кубах каких-то! И лица не видно! Не обрел себя.
В лаунж-зоне:
— Да у меня вообще картина «Гала с голой грудью» была первым сильным потрясением. В сексуальном смысле.
— Ну это главное отличие мужчины от женщины. Мужчина видит общее, а женщина — это точность. Поэтому мужчина, когда шкаф открывает, такой: «Где мои носки?» А женщина сразу знает, что на третьей полке. Она сразу туда прямо смотрит. Точечно так.
— Господи, как люди с телефонами, конечно, раздражают. Ни подойти, ни посмотреть нормально.
— Ага, а видела, как баба какая-то фильм фоткала? Зачем?
— Да там не одна баба фоткала.
— Он водил дикобраза на поводке, как собачку. Дикобраз, помнишь, мы с тобой видели? С иголками такими большими?
— В зоопарке?
— И фильм мы еще с тобой смотрели про дикобразов, помнишь?
— А дикобраз стрелял в него ядовитыми иголками?
— Нет, не стрелял. Дикобразы не стреляют, это ты что-то сам придумал опять.
В магазине:
— Ну купишь ты эту книгу, все равно никто не будет читать.
— Ее не будут читать, ее будут смотреть. Наши с тобой дети, если они у нас будут.
В очереди в женский туалет:
— Так хорошо, что я с вами познакомилась! Вы знаете, в нашем возрасте заводить друзей, конечно, очень тяжело. Я вот так же в театре с одной женщиной познакомилась. Антонина Николаевна ее звали. Она работала в этой… как ее? В библиотеке. Двадцать лет почти. Или даже больше. Очень знающая такая, интересная женщина. Мы с ней ходили тоже много. На лекции, на концерты ходили. Она тоже любит классическую музыку. Но она сейчас на даче сидит почти весь год.
На выходе:
— Я тебе говорю, это было чистилище!
— Нет, это не чистилище. В чистилище нет огня. Это в аду огонь!
— Не знала, что ты такой, б… ь, специалист!
Сальвадор Дали: картины с описанием
Фото: UGCЕсли хотите узнать суть сюрреализма, тогда познакомьтесь с ярким представителем этого направления в живописи ХХ века. Это Сальвадор Дали. Картины испанского художника — воплощение философии и духа сюрреализма, эпатажа и гиперэмоциональности. Узнайте интересные факты о его лучших творениях.
Сальвадор Дали отождествлял себя с сюрреализмом. Этой эстетической концепции соответствовало всё в художнике: его мышление, манера поведения, безумие, свобода от моральных предписаний и стереотипов поведения, эмоциональность и открытость.
Дали — это эпатаж в искусстве и жизни. Он всегда делал только то, что хотел, и писал о том, что считал уместным. Поэтому не удивительно, что в 1930–1950-х гг. публику шокировали его художественные эксперименты. Живописец, прекрасно владевший классической техникой рисунка, увлекался импрессионизмом и кубизмом, а в результате пришел к сюрреализму.
Это направление в искусстве давало возможность художнику откровенно рассказывать о самом сокровенном: касаться темы секса и эротики, сексуальных извращений и подавленных сексуальных желаний, разрушения и саморазрушения человека. Но главная тема его полотен — это иллюзии, в мире которых обретается человек.
Фото: art-holst.com.ua: UGCКартины Сальвадора Дали сложно интерпретировать, дать логическое пояснение тем или иным образам, деталям, прочитать их смысл. Всё потому, что состоят они из визуальных каламбуров, шизоидных образов, аллюзий, построены на игре смыслами и сюжетами.
Представляем самые известные картины Дали с кратким описанием. Попробуйте сравнить открытые искусствоведами смыслы с собственными впечатлениями и эмоциями, которые порождают эти сюрреалистические полотна:
«Постоянство памяти» (1931)
Фото: muzei-mira.com: UGCЭта картина имеет несколько названий: «Мягкие (текучие) часы», «Течение времени», «Твердость памяти». Великий мистификатор Дали несколько раз давал разъяснения относительно символов, которые представлены на полотне, однако это еще больше запутало искусствоведов.
«Постоянство памяти» разрушает стереотип восприятия человеком времени. Автор акцентирует внимание на том, что оно далеко от линейности, с которой часто ассоциируют протекающее время.
Идея картины пришла к Дали за завтраком, когда Гала на тост намазывала мягкий сыр. Писал живописец картину, одолеваемый мигренью. Отсюда хмурость тонов, преобладание коричнево-серых оттенков.
Центральный образ — голова на земле, в которой узнаются черты самого Дали, — это воплощенное желание покоя и отдыха от боли. Остальные образы (встречались часто на его полотнах) представляют идею тленности бытия: муравьи и муха поедают время, как старение поедает тело человека. Скалистый берег и море — символы бессмертия, которое вне времени, вечно, поэтому и находится на втором плане. Иссушенное дерево оливы — иссякшая жизнь. Вся картина выражает меланхолию и угасание.
Сейчас эта небольшая картина (24х33 см) красуется в нью-йоркском Музее современного искусства.
«Мягкая конструкция с вареными бобами» (1936)
Фото: opisanie-kartin.com: UGCЭто полотно представляет реакцию Сальвадора Дали на внутриполитические процессы, которые охватили Испанию в конце 1930-х гг. Это время прихода к власти Франко, борьба республиканцев с националистами. Страна в преддверии гражданской войны.
Несмотря на то что Дали был сторонником Франко, картина, которая должна была изобразить позитивные изменения в обществе, поражает фантасмагоричностью и жутковатыми образами.
Описанное выше политическое противостояние в Испании 1936 года представлено автором в образе двух человеческих тел, которые срослись различными частями тела и страдают от этого. Они вроде бы и борются, стремятся отделиться и не могут существовать друг без друга, потому что так будет потеряна опора. Горстка вареных бобов, рассыпанных возле корявой руки одного из атлантов, — символ нищеты, которая одолела испанское общество.
Сейчас картина хранится в Филадельфии, в Музее искусств.
«Жираф в огне» (1936–1937)
Фото: cameralabs.org: UGCЕще одна картина из целого ряда полотен, в которых Дали передал собственное переживание и ощущение войны. Картина, как и все другие творения автора, содержит мистически-фантастические образы, которые поражают воображение своей абсурдностью. Но если выключить рациональное мышление и опереться исключительно на эмоциональное восприятие, тогда все смыслы становятся понятны.
Две женские фигуры (любимый образ Дали) — это воплощение человеческого сознания. Оно не стойкое, шатающееся, ему постоянно нужна поддержка и опора. Выдвижные ящики — это память и мысли, которые люди стремятся спрятать, но в какой-то момент открывают их публике. Это приводит к трагедии (кровавые руки героинь).
Жираф, объятый пламенем, помещен автором на второй план. Он символизирует мужское апокалиптическое начало. В целом же картина — это воплощенное предчувствие войны в Испании.
Сейчас картина находится на хранении в Базельском музее искусств.
Читайте также: Самые дорогие картины в мире: топ-10
«Лебеди, отраженные в слонах» (1937)
Фото: a-nasta-siya.livejournal.com: UGCТема иллюзии всего сущего (любимая тема художника) нашла отражение в этом творении. Здесь представлен особенный параноидально-критический метод художника.
На полотне запечатлена его детская травма, загнанная глубоко в подсознание и напоминающая о себе образами-символами животных. Композиция построена таким образом, чтобы раскрыть суть иллюзии, в которой живет человек и которая подавляет его.
Известно, что у Сальвадора Дали непросто складывались отношения с родителями. Они очень горевали о первом ребенке, которого потеряли в младенчестве. Поэтому второго сына назвали так же, как и первенца, — Сальвадор. Будущий художник в юном возрасте столкнулся с иллюзией реальности: окруженный детскими вещами и игрушками брата, он не мог понять, жив или умер, это он существует или его брат.
Эти ощущения и обиду на родителей гений сюрреализма выразил в картине «Лебеди, отраженные в слонах». Лебеди — иллюзия добропорядочной и любящей семьи, а слоны — воплощение настоящей родительской любви.
Дали превозносил слонов за то, что они самоотверженно заботятся о своем потомстве. Кроме того, слоны — это доминирование и власть, чего явно не хватало маленькому Сальвадору, чтобы почувствовать себя защищенным.
Скорбящий человек, изображенный слева на фоне скал, — сам автор, который не готов расстаться с обидой, не готов повернуться к ней лицом.
На сегодняшний момент эта картина — собственность частного коллекционера.
«Очарованный берег с тремя жидкими грациями» (1938)
Фото: artchive.ru: UGCМногим известны образы трех Харит, или Граций, из греческой мифологии. Они олицетворяют веселье, изящество и вдохновение. Это не удивительно, потому что они служат богине любви Афродите. Но есть и другие три богини в греческой мифологии, от которых зависит судьба человека и продолжительность его жизни. Это Мойры.
Сальвадор Дали решил соединить эти два образа, создав образ жизни души человека. Первая героиня, в руках которой длинное веретено, начинает плести кружево судьбы. Вторая — символ зрелости человеческой души, когда приходит осознание себя, своей личности. Поэтому только у нее проступают четкие черты облика.
Кстати, если внимательно присмотритесь к чертам, то увидите мчащегося на коне всадника и бегущего за ним человека. Эти очертания символизируют человеческое стремление быстрее прожить жизнь, вечную погоню за мечтой.
Третья — олицетворение умирания, поэтому ее лицо — камень. Так застывает душа после смерти. Поэтому же фигура третьей Грации-Мойры практически сливается с пейзажем, тогда как две другие имеют четко очерченные женские формы.
Сам фон, на котором они изображены, также символичен: песчаный берег — мимолетность человеческой жизни, а море — вечность.
Хранится эта картина в Фигерасе, в созданном автором музее-театре.
«Сон, вызванный полетом пчелы…» (1944)
Фото: artrue.ru: UGCКак изобразить с помощью живописных образов рождение сновидения? Фрейдистская теория сна как проявления неосознанных желаний дала толчок к рождению этой картины. В ней автор изобразил всплеск образов подсознания, посылом для которых стали реальные обстоятельства сна женщины. А теперь обо всем детально и по порядку.
Изображенные на картине образы четко формируют две проекции: ближняя — спящая женщина — это реальность; тигры, слон, разбитый гранат и море — это бессознательное, которое порождает сновидения.
Сальвадор в образе спящей запечатлел Галу — свою любовницу, музу и жену. Расслабленная поза женщины свидетельствует о том, что она крепко спит. Возле нее лежит гранат, над которым летает пчела.
Пчелиное жужжание, отбивающееся в подсознании, стимулирует появление образов, которые ассоциативно связаны с агрессией, — разъяренные цирковые тигры, выпрыгивающие из пасти огненной рыбы-хищницы. Та в свою очередь появляется из мистической сердцевины граната, что напоминает растерзанную плоть (два зернышка — капли крови).
Если учесть, что картина дополнена образом слона на длинных ногах с айсбергом на спине, то становится очевидным фрейдистский подтекст этой картины: эмоциональное восприятие женщиной соития. Оно ассоциируется с нападением, жертвенностью и смертью (приставленное ружье).
Эта картина Сальвадора Дали находится в мадридском музее Тиссена-Борнемисы.
«Моя жена, обнажённая, смотрит на собственное тело…» (1945)
Фото: artchive.ru: UGCГала была не просто женой и любимой женщиной, но и моделью мира, с помощью которой Сальвадор Дали стремился познать вечное, прекрасное и незыблемое.
Картина пронизана трагедией восприятия мимолетности бытия и поиска того, что вечно и нетленно. Как и в большинстве полотен Сальвадора Дали, изображение подчинено двупланной композиции. На переднем плане — женщина, представленная со спины. Изгибы ее тела прекрасны и нежны. Это воплощение человека, его телесной сущности.
Справа от нее греческий барельеф — символ вечности культуры и одуванчик — символ мимолетности бытия. Стена, на фоне которой они изображены, испещрена трещинами, что подсказывает, что эти образы отображают тленность сущего. Это касается и женщины: ее волосы — продолжение этих трещин.
А вот перспектива — это воплощенная вечность. Когда-то в детстве Сальвадор Дали нашел на берегу моря пустую ракушку и был восхищен ее структурой и совершенной красотой. Сквозь пустую костяную оболочку проглядывало небо — вечное и недосягаемое.
Эту идею художник перенес на образ Галы. Героиня проектируется на второй план, где становится бесплотной, превращается в ажурную беседку, сквозь колонны которой открывается мир. Ее голова — площадка, с которой видна небесная высь.
Полотно находится в музее-театре Сальвадора Дали в Испании.
«Расщепленный атом» (1947)
Фото: art-assorty.ru: UGCСальвадор Дали интересовался достижениями науки, потому что стремился познать загадку жизни. Эта картина посвящена самому прекрасному и ужасному изобретению человеческого разума — ядерному расщеплению. Творческим импульсом для написания полотна послужил взрыв в Хиросиме.
Художник восхищен, удивлен и одновременно угнетен этим достижением науки. Центральный образ — гранат, закованный в обработанную гранитную глыбу, на которой написаны греческие письмена. Это символ научного прогресса от античности до нашего времени. Автор как бы говорит людям: «Вы же именно этого хотели». Человечество хотело познать тайну мироздания и поставить себя на службу силы природы. Оно этого достигло и ужаснулось.
В немом изумлении застыли три фигуры — средневекового рыцаря, пажа и молящейся женщины. Они выражают интерес, преклонение и страх перед открытой силой. Сам образ атома угрожающий. Гранат — символ жизни, плоти, которую разделила человеческая мысль, человеческое познание. Недаром возвышается над этой экспозицией бюст Нерона — одного из самых жестоких правителей Рима, на котором завершилась история великой Римской империи.
Сейчас полотно находится в музее-театре в Фигерасе.
Огромное количество картин Сальвадор Дали посвятил своей музе — Гале (Елене Дьяконовой). Не забывал художник и о себе. Стремясь познать самого себя, живописец создал ряд сюрреалистических автопортретов. «Кубистический автопортрет», «Автопортрет с рафаэлевской шеей», «Обнаженный Дали», «Солнце Дали», «Автопортрет с L Humanite», «Сон», «Мягкий автопортрет…» дают пространство для психоаналитического изучения личности Дали.
Большинство картин гения сюрреализма — это исследование всего, что человек стремится спрятать под маской культуры. Дали выворачивает это наизнанку и дает возможность заглянуть в глаза собственным страхам, комплексам и угнетенным состояниям. Такая позиция автора формирует актуальность и интерес к его творениям.
Читайте также: Современные художники Казахстана и их работы
Оригинал статьи: https://www.nur.kz/family/gloss/1772568-salvador-dali-kartiny-s-opisaniem/
22 идеи для автопортрета, которые вдохновят вас
Вы ищете идеи для автопортрета, чтобы создавать впечатляющие, привлекающие внимание результаты? Если вы часто фотографируете автопортреты, вам придется время от времени искать вдохновение, поэтому эта статья будет большим подспорьем. И если вы впервые фотографируете автопортреты, то вы, безусловно, на правильном пути; Идеи, которыми я делюсь ниже, помогут вам начать делать великолепные автопортреты!
Теперь, если вы — новичок, вам может быть интересно: в чем разница между селфи и автопортретом? Это немного сложно, но селфи обычно делаются спонтанно на камеру телефона (часто с целью загрузки изображений в социальные сети).С другой стороны, автопортреты составлены более продуманно и нацелены на изучение глубоких тем, таких как идентичность.
В этой статье мы рассмотрим 22 идеи для создания автопортретов, которые идеально подходят фотографам любого уровня подготовки.
Краткая история фотографического автопортрета
Первый сохранившийся автопортрет — дагерротип американца Роберта Корнелиуса, сделанный в 1839 году, всего через 12 лет после того, как была сделана самая старая из сохранившихся фотографий.
Сегодня автопортреты — это способ для фотографов выразить себя или идею с противоположной стороны камеры.Однако точное назначение автопортрета во многом зависит от фотографа.
В то время как одни фотографы создают автопортреты для удобства, другие стремятся к катарсису. Некоторые фотографы используют автопортреты как средство документирования, в то время как другие ценят творческий контроль и преобразующий процесс, который может повлечь за собой съемка автопортрета. Энди Уорхол, Синди Шерман и Вивиан Майер — известные фотографы-автопортреты.
Аппаратура для автопортретной фотосъемки
Автопортрет может быть сложной формой фотографии, поскольку вы должны действовать как и как фотограф, и как объект съемки.
Таким образом, несколько базовых элементов оборудования могут помочь творческому процессу. Вам понадобится приличная камера, а штатив поможет удерживать камеру в нужном положении для съемки. Кроме того, в то время как функция автоспуска на многих камерах дает вам время, чтобы встать перед камерой, пульт дистанционного управления намного удобнее и позволит вам запускать затвор без необходимости бегать вперед и назад к камере перед каждой камерой. выстрелил.
А теперь давайте без лишних слов рассмотрим 22 идеи для создания красивых автопортретов!
1.Попробуйте изменить перспективу
Первым в нашем списке идей для автопортрета стоит перспектива . Многие автопортреты сделаны с традиционной прямой перспективой, но другие сделаны с низкой или высокой точки зрения, что придает снимку ощущение масштаба и динамизма.
У обоих подходов есть свои преимущества: традиционные портретные перспективы позволяют снимать интимные фотографии, тогда как перспективы, передающие уникальную точку зрения, дают зрителю ощущение движения или активности.
Итак, если вы обычно используете традиционную перспективу, почему бы не попробовать стать выше или ниже? А если вы больше являетесь динамичным фотографом-автопортретом, работающим под углом, успокойтесь и создайте стандартный, интимный портрет.
2. Включить размытие в движении
Хотя многие автопортреты очень резкие, длинная выдержка может создавать захватывающие визуальные эффекты. Установив камеру на более длинную выдержку и добавив движение во время экспозиции, вы можете создать уникальные, даже сюрреалистичные, результаты.
3. Используйте тени
Путем вдумчивого применения теней можно создавать драматические эффекты; например, вы можете скрыть участки лица, тела и окружающую среду. Резкий свет можно использовать для создания эффектных или даже загадочных узоров на автопортрете, а тени с более мягким градиентом могут передать более приглушенную атмосферу.
4. Экспериментируйте с минимализмом
Минимализм — это форма абстрактного искусства, разработанная в Америке в 1960-х годах, типичным примером которой являются произведения искусства, состоящие из простых геометрических фигур.Наслаждаясь красотой простоты, минималистичные автопортреты подчеркивают центральную фигуру за счет сокращения лишних деталей. Некоторые минималистские техники автопортрета используют простой или простой фон, малую глубину резкости и / или тени или блики, чтобы привлечь внимание к объекту.
5. Подчеркнуть цвет
Цвет в автопортретной фотографии может передавать эмоции и идеи, а также привлекать внимание. Использование цвета в качестве инструмента для самовыражения — простой и эффективный способ создания увлекательных автопортретов.В то время как красный цвет может создать привлекательный снимок, синий более успокаивающий и отражающий.
Цвет может указывать на местоположение или время дня, эмоции натурщика и атмосферный тон изображения. Осознанное включение цветов в автопортрет — это способ привлечь внимание, установить сцену и усилить действия объекта.
6. Переходите к абстрактному
Абстрактные фотографы стремятся создавать визуально привлекательные изображения, не полагаясь на традиционные подходы к автопортрету.Несколько примеров абстрактного автопортрета включают использование преднамеренного движения камеры (ICM), движения объекта во время длинной выдержки (обсуждалось выше!) И выборочного освещения. Двойная экспозиция может быть еще одним способом создания абстракции на изображении; Комбинируя слои фотографий, вы можете создать запоминающийся результат.
7. Сделайте безликий портрет
Для создания привлекательных автопортретов не всегда необходимо лицо объекта съемки. Безликие автопортреты привлекают внимание к форме и контексту, который окружает объект, потому что, исключая лицо, автопортрет выделяет другие элементы, такие как линия, тень, цвет и свет, которые могут создать атмосферу и настроение.Использование реквизита или интересного окружения также может дать ключ к разгадке личности фотографа.
8. Эксперимент с глубиной резкости
Если вы только начинаете создавать автопортреты, попробуйте поэкспериментировать с разной глубиной резкости. Глубина резкости определяет области на фотографии, которые выглядят резкими, поэтому, включив тщательный контроль глубины резкости, вы можете комбинировать сфокусированные и несфокусированные области на изображении. Внесение несфокусированных функций на передний план может добавить больше повествования и деталей.
9. Сделайте мультиэкспонирование
Иногда одна фотография не справляется. Техника мультиэкспозиции объединяет две или более экспозиции в одно изображение. В пленочной фотографии кадр пленки экспонируется несколько раз, тогда как в цифровой фотографии многие камеры имеют функцию многократной экспозиции.
Техники в темной комнате или в Photoshop также позволяют создавать эффекты множественной экспозиции. Но независимо от метода, эффекты автопортретов с множественной экспозицией объединяют больше информации в одно изображение, позволяя вам глубже изучить сообщения и темы.
10. Работа в черно-белом цвете
Номер десять в нашем списке идей для автопортретов: черно-белая фотография.
Черно-белый формат может придать автопортрету уникальную эстетику, уменьшающую отвлекающие факторы. Отсутствие цвета подчеркивает контраст, привлекая внимание к игре света на фотографии. Съемка автопортрета в черно-белом цвете также может подчеркнуть уникальную плотность атмосферы и создать более формальный, продуманный или документальный формат.
11.Экспериментируйте с отражениями
Создание автопортретов на отражающих поверхностях дает несколько преимуществ:
- Камера может быть включена в фотографию для добавления информации о предмете.
- При съемке автопортрета с расстояния позади камера упрощает управление экспозицией.
- Отражающая поверхность может включать в себя окружающую область, добавляя интереса и контекста.
12. Прогуляйтесь на свежем воздухе
Многие автопортреты снимаются в помещении студии.Тем не менее, прогулки на свежем воздухе — отличный способ расширить историю! Леса, луга, водные пути или даже городская природа — это универсальная среда, передающая контекст и глубину. Автопортреты на природе также могут указывать на время года, время, место и связь с окружающим ландшафтом.
13. Знакомство с предметами
Объекты использовались в качестве дополнения к фотографии с первых дней создания автопортретов. Многие известные фотографические автопортреты используют предметы, которые помогают передать настроение или понимание, например, автопортреты Энди Уорхола на полароиде 1979 года.Конечно, все автопортреты так же уникальны, как и сам фотограф, но дополнительные элементы могут добавить к общему повествованию изображения.
14. Играйте со светом
Мы уже обсуждали создание скульптуры светом через тени и цвет, но есть и другие способы использования света для преобразования фотографического автопортрета. Используйте мягкий утренний свет, льющийся из окна, или поэкспериментируйте с рисованием светом. Резкий свет, проникающий через занавеску, может создавать интересные световые эффекты в помещении, в то время как естественный свет на открытом воздухе может создавать различные температурные эффекты.
15. Сделать фото на фото
Делаем фотографию можно разбить на слои; фотографирование себя в качестве автопортрета — это один слой, в то время как включение фотографии в фотография — это способ добавить глубину и интригу изображению. Попробуйте использовать поляроиды со своим изображением или используйте свои фотографии на телефоне. Это добавляет дополнительный уровень размерности и игривости портрету, приглашая зрителя к более тщательному анализу.
16.Сфотографируйте свою страсть
Фотография автопортрета дает вам возможность поделиться личными взглядами и опытом. Таким образом, многие фотографы предпочитают включать в автопортрет дополнительную информацию о себе, часто в форме передачи того, что им нравится или чем они увлечены. Многие фотографы используют фотоаппарат в своих автопортретах, подчеркивая свой предпочтительный творческий подход. Другие варианты могут включать создание автопортрета на природе или съемку в интимной домашней обстановке.Выберите места или реквизит, которые позволят зрителю лучше понять вас как личность.
17. Экспериментируйте с объектами перед линзой
Иногда добавление простых предметов или инструментов может изменить атмосферу изображения. Вы можете использовать призмы, чтобы отклонить свет до того, как он достигнет сенсора камеры, для получения красивых эфирных эффектов. Вы также можете попробовать прикрепить чулки к передней части линзы для создания плотного атмосферного эффекта. Вы можете даже добавить радужную пленку и вазелин к линзам камеры, чтобы создать романтическую несфокусированную эстетику.
18. Попробуйте замороженное движение
Мы уже рассмотрели движение объекта, но замороженных движений в автопортрете могут дать убедительный результат. Фотосъемка с замороженным движением создается, когда короткая выдержка фиксирует движение и переводит его в единый физический кадр движения. Движущиеся снимки в спортивной фотографии дикой природы — распространенный пример стоп-кадра движущейся фотографии, но эту технику можно применить и к автопортретам. Установите более короткую выдержку (начиная с 1/250 с) и используйте таймер камеры или пульт дистанционного управления, чтобы активировать экспозицию, как только вы начали движение.
19. Сделайте автопортрет в альбомной ориентации.
Изображение в альбомной ориентации шире, чем в высоту, а изображение в портретной ориентации выше, чем в ширину. Портретно-ориентированные изображения названы так не просто так: они исторически использовались для портретной фотографии. Но запечатление сущности человека не ограничивается портретной ориентацией, и вы можете поэкспериментировать с альбомной ориентацией для получения привлекательных результатов.
20. Деталь фотографии
Не все автопортреты должны включать в себя всего человека, и увеличение масштаба для более детального просмотра может выявить много информации.Съемка таких деталей, как руки или глаза, может дополнять портреты в полный рост или снимки головы, хотя они также могут быть самостоятельными в качестве интимного изображения физического состояния объекта. Шрамы рассказывают историю, как и морщины. Подробные автопортреты документируют истории, раскрытые телом с течением времени.
21. Попробуйте обрамить
Обрамление — распространенный композиционный прием во всех формах фотографии. Дверные проемы и окна — отличные способы кадрировать автопортрет, в то время как другие объекты, такие как растения, отверстия в объектах, тени, лужи, старые замочные скважины и зеркала, также могут добавить глубину и эффект автопортрету.
22. Ссылки другие творческие работы
От художников до графических дизайнеров, бесчисленное множество художников создают автопортреты — и вы всегда можете использовать эти изображения для своей фотографии. Некоторые предварительные исследования, несомненно, откроют творческие возможности для создания автопортретов, плюс вы сможете подражать и отдать дань уважения автопортретам (или портретам) других художников прошлого.
22 идеи автопортрета: заключительные слова
Фотосъемка автопортрета может быть очень интересной — надеюсь, эти идеи вдохновят вас! Автопортрет — это разнообразная сфера фотографии, богатая самовыражением и творчеством, от скульптуры с использованием света и тени до поклонения художникам прошлого.
Теперь к вам:
Какая из этих идей вам больше всего нравится? У вас есть какие-нибудь идеи для автопортрета? Обсудим в комментариях ниже!
Арт-объект Страница
Хотя его карьера была недолгой, всего 10 лет, Винсент Ван Гог оказался исключительно плодовитым и новаторским художником. Хотя он экспериментировал с множеством предметов — пейзажем, натюрмортами, портретами — именно автопортреты стали определять его как художника.Как и его предшественник, Рембрандт ван Рейн, Ван Гог был преданным и опытным практиком в искусстве автопортрета. Он написал не менее 36 автопортретов, предприняв свои первые набеги сразу после прибытия в Париж в марте 1886 года и выполнив свои последние кульминационные работы во время пребывания в приюте Сен-Поль-де-Мавзоль в Сен-Реми. Холст Вашингтона — один из самых последних автопортретов Ван Гога.
В первые месяцы добровольного заключения в психиатрическую лечебницу художник не проявлял особого интереса к рисованию фигур и вместо этого сосредоточился на окружающем пейзаже.Но в начале июля 1889 года во время рисования на полях возле приюта Ван Гог перенес серьезный упадок сил, который мог быть симптомом эпилепсии. Выведенный из строя на пять недель и сильно встревоженный переживаниями, художник удалился в свою мастерскую, отказываясь выходить даже в сад. Эта картина — первая работа, которую он написал после того, как оправился от этого эпизода. В письме своему брату Тео, написанному в начале сентября 1889 года, он заметил:
Говорят — и я очень хочу в это верить, — что трудно познать себя, — но и раскрасить себя непросто.Так что сейчас я работаю над двумя своими портретами — из-за отсутствия другой модели — потому что это больше, чем время, когда я немного поработал с фигурками. Один я начал в тот день, когда встал; Я был худым и бледным, как привидение. Он темно-фиолетово-синий, голова беловатая с желтыми волосами, поэтому имеет цветной эффект. Но с тех пор я начал еще один, три четверти длины на светлом фоне. [1]
Автопортрет — особенно смелая картина, очевидно выполненная за один присест без последующей ретуши.Здесь Ван Гог изобразил себя за работой, одетого в халат художника, с палитрой и кистями в руке — облик, который он уже принял в двух более ранних автопортретах. Хотя сама поза и пристальный взгляд художника вряд ли уникальны — стоит только подумать о иногда бескомпромиссных автопортретах Рембрандта — навязчивое и тревожное качество изображения отчетливо. Темно-сине-фиолетовый халат и земля, ярко-оранжевый цвет его волос и бороды создают поразительный контраст с желто-зеленым его лицом и усиливают изможденность его лица землистым цветом лица.Динамичная, даже неистовая манера письма придает его изображению необычайную непосредственность и выразительность. По своей яркости он резко контрастирует с другим автопортретом, который он написал в то же время (Musée d’Orsay, Париж), в котором художник кажется более спокойным и сдержанным. Тем не менее, Ван Гог предпочел картину Вашингтона как картину, отражающую его «истинный характер». [2]
(Текст Кимберли Джонс, опубликован в каталоге выставки Национальной галереи искусств, Art for the Nation , 2000)
Банкноты
1.Письмо № 604, Полное собрание писем Винсента Ван Гога , 3 тома. (Лондон, 1958), 3: 201-202. 2. Письмо № W14, Ван Гог 1958, 3: 458.
Фотографическая психология: автопортреты
(книги о автопортретах)
Что может быть более человечным, чем автопортреты? Они олицетворяют то, что делает нас уникальными среди всех существ на этой планете: наше высокоразвитое самосознание. В то время как другие животные, такие как шимпанзе, могут иногда демонстрировать самосознание, ни одно из них не достигло уровня, на котором они используют инструменты, чтобы зафиксировать процесс саморефлексии во чем-то внешнем по отношению к ним, чтобы они могли позже размышлять об этом процессе самости. -отражение.На глубоком философском и психологическом уровне анализа это явление удивительно интроспективно, парадоксально и даже мистично. В этой статье я хотел бы исследовать эти увлекательные аспекты автопортретной фотографии.
Начнем с простого определения термина. Латинские корни слова «изображать» говорят нам, что автопортрет должен «вытягивать» и «представлять» себя. Когда вы делаете свою фотографию, вы пытаетесь извлечь и изобразить, кто вы есть. Вы можете сделать это по двум основным причинам.Чтобы изучить и лучше понять себя. Чтобы выразить себя другим. В обоих случаях вы делаете что-то очень интересное. Вы создаете объективное представление о субъективном вас. Автопортрет позволяет увидеть себя таким, каким могут видеть вас другие. Это позволяет другим видеть вас так, как вы видите себя или как вы хотите, чтобы их видели. Это все причудливые шаги самосознания, которые делают нас людьми.
Конечно, фотографы могут создавать автопортреты по очень практическим причинам.Им может понадобиться снимок в рекламных целях. Возможно, они захотят расширить круг своих навыков, попробовав этот жанр фотографии. Иногда у людей нет под рукой моделей или они не хотят просить кого-то выступить в роли модели, поэтому используют самих себя. Если вы хотите попрактиковаться и поэкспериментировать в создании портретов, вы, вероятно, станете самой охотной подопытной свинкой. Некоторые люди начинают с автопортретов, прежде чем решиться на портреты других людей. Другие сообщают, что знание того, что делать с собой во время работы с автопортретом, улучшает их способность обучать других людей при их фотографировании.Если вы можете говорить с собой о хороших позах, вы, вероятно, сможете сделать это с другими. Изучение того, как представлять себя, может даже научить вас представлять что угодно.
Однако эта статья будет сосредоточена не столько на практических аспектах автопортрета, сколько на психологических аспектах этого желания рисовать и представлять себя. Такое психологическое исследование приведет нас к изумительному разнообразию переживаний автопортрета. Как и многие ученые, психологи вроде меня попытаются разделить эти переживания на категории.Этот процесс помогает нам понять ряд факторов, которые способствуют этому опыту. Однако всегда полезно иметь в виду, что некоторые категории могут совпадать, а некоторые элементы просто не подходят ни для одной из категорий. Мы обязательно столкнемся с этими дилеммами, исследуя такую сложную вещь, как автопортреты.
На самом деле, давайте рассмотрим первую дилемму. Мы можем утверждать, что любая фотография, которую вы делаете, — это автопортрет. В нем что-то говорится о вашей семье, друзьях, роде занятий, интересах, образе жизни — все это отражает важные аспекты вашей личности.Кто-нибудь когда-нибудь фотографирует что-то, что не имеет личного значения? В конце концов, когда мы смотрим на сделанный вами снимок, мы буквально смотрим на мир вашими глазами. Мы также можем возразить, что когда кто-то фотографирует вас, это считается автопортретом, если человек следует вашим инструкциям. К сожалению, эти определения несколько усложняют процесс категоризации автопортретов, поскольку он включает почти все типы фотографий. А пока давайте предположим, что автопортрет — это фотография, которую вы делаете на самом деле.
Объективные и субъективные автопортреты
Часто мы не можем с уверенностью сказать, является ли фотография автопортретом, если фотограф не сказал нам об этом. Ряд факторов создает иллюзию того, что снимок мог сделать кто-то другой. Прежде всего, некоторая часть нашего разума предполагает, что человек не может находиться в двух местах одновременно — и позади, и перед камерой, — хотя другая часть нашего разума, знакомая с фотографией, знает лучше.Иллюзия усиливается, когда люди кладут камеру на поверхность или штатив, чтобы сфотографировать себя на расстоянии. Чем дальше камера, тем меньше вероятность, что зритель решит, что это фотограф. Если люди закрывают глаза или не смотрят в камеру, может показаться, что они не знают, что их фотографируют, что также наводит зрителя на мысль, что снимок сделал кто-то другой. Объект, смотрящий за пределы кадра изображения, на кого-то или что-то, предполагает присутствие вне изображения, которое отвлекает внимание зрителя от присутствия объекта как создателя изображения.Даже взгляд в камеру может наводить на мысль о том, что кто-то другой является фотографом, потому что разум легче принимает реальность того, что кто-то снимает кого-то другого, а не парадоксальную ситуацию, когда люди смотрят на себя, фотографируя себя.
Автопортреты такого типа создают иллюзию объективности, будто в шутку или совершенно намеренно притворяются, будто «так меня захватил кто-то другой». Если мы предположим, что фотографы не позировали для своих снимков, мы могли бы придать больше достоверности, беспристрастности или спонтанности такому изображению их личности, что могло бы быть намерением фотографа.Создавая иллюзию чужого присутствия, объективный автопортрет также предполагает отношения между фотографом и тем воображаемым человеком, который сделал снимок. Сознательно или бессознательно фотограф может иметь в виду кого-то конкретного и позировать для него. Но кто этот человек и что фотограф думает и чувствует об этом человеке? Фотографы могут приглашать зрителей быть этим присутствием, побуждая их испытать, иногда вуайеристически, качества своей личности, которые они запечатлели на фотографии.
По крайней мере, объективные автопортреты заставляют нас гадать, было ли это конкретное изображение объекта создано самим субъектом или кем-то другим. Реальность саморефлексии сомнительна. Это я вижу меня или кто-то другой видит меня?
При субъективном типе автопортрета зритель более уверен, что фотографы сделали снимки самих себя, как когда мы видим, как их протянутые руки направляют камеру к их телам. Мы знаем, что камера помогает им запечатлеть себя.Когда фотографы смотрят в вытянутую камеру, ощущение самозаписи усиливается еще больше. Субъективное или объективное качество снимка кажется более неоднозначным — даже противоречивым, обманчивым или комичным — когда фотограф явно держит камеру, но смотрит от нее.
Наличие камеры становится очевидным, наряду с тем фактом, что снимок является субъективным автопортретом, когда люди снимают себя в отражающих поверхностях — особенно в зеркалах, потому что все мы быстро распознаем зеркало как инструмент для наблюдения за собой.Любопытным образом бесконечной регрессии фотография запечатлела процесс, когда фотограф фотографирует фотографа, снимающего фотографа.
Субъективная природа автопортрета может быть более неоднозначной при съемке в стекле или металлических отражениях, которые искажают собственное изображение или затрудняют определение точки обзора. Игривые и иногда озадачивающие парадоксы саморефлексии могут быть увеличены за счет использования необычных ракурсов или нескольких камер, что заставляет нас гадать, где именно оборудование и фотограф находятся в отражениях, или даже что такое отражение и что нет.В качестве простого примера представьте, что вы держите камеру на расстоянии вытянутой руки, чтобы сделать снимок себя, смотрящего в зеркало. На фотографии мы видим, как вы смотрите на себя, но если мы знаем, что это автопортрет, вы также делаете снимок, когда смотрите на себя. В этих сложных снимках с отражением слои самосознания смешиваются и встраиваются друг в друга, иногда до такой степени, что мы теряем ощущение объективной или субъективной природы изображения.
Мы также можем упустить из виду различие субъективного и объективного, когда фотографы включают напечатанную фотографию автопортрета или фотографию, отображаемую на экране компьютера, в новый автопортрет.Например, представьте, что вы делаете снимок, на котором вы смотрите в камеру. Вы и мы смотрим на снимок, который вы сделали на снимке, который вы сделали, глядя на себя, делающего снимок. Субъективное или объективное качество изображения отходит на второй план по сравнению с этими парадоксами саморефлексии.
Когда фотографы делают много автопортретов, некоторые люди могут назвать их самовлюбленными или эксгибиционистскими. Сами фотографы могут даже беспокоиться об этих вещах (хотя по-настоящему нарциссические люди не считают себя нарциссами).Сделанные со вкусом объективные автопортреты могут помочь облегчить это впечатление эгоцентризма, в то время как субъективные, которые подчеркивают, что вы смотрите на себя, как мифический Нарцисс, смотрящий в свое отражение в пруду, могут усилить это чувство озабоченности собой. С другой стороны, зрители иногда рассматривают объективные автопортреты как фальшивую попытку скрыть нарциссизм, тогда как им могут нравиться простые и игривые субъективные автопортреты.
Включение и исключение
Автопортреты различаются тем, насколько в них раскрываются фотографы.В эксклюзивных типах используют узкое поле зрения или намеренно что-то скрывают. Снимок может фокусироваться только на определенной части тела человека. Глаза и рот часто являются первым выбором из-за выдающейся психологической роли, которую они играют в жизни человека как высокочувствительные средства личного самовыражения и чувственности. Будучи окнами в душу, глаза, смотрящие в камеру крупным планом, настолько подчеркивают эту мощную связь между объектом и зрителем, что зритель может забыть, что изображение является автопортретом (оно становится более «объективным»).На некоторых изображениях фотограф может скрывать глаза темными очками или закрывать какую-то часть тела, возможно, чтобы защитить психологическую уязвимость, которую человек ассоциирует с этими областями. Если есть что-то в себе, физическом или психологическом, что вы хотели бы удалить, но на самом деле не можете, вы можете творчески отбросить это в автопортрете.
Фотографы часто раскрывают или скрывают определенные части себя, потому что они положительно или отрицательно относятся к этому аспекту своей личности.Будь то глаза, рот, нос, уши, волосы, ноги, руки или любая другая часть тела, люди связывают это с некоторыми положительными или отрицательными психологическими характеристиками самих себя. Это источник уверенности в себе и самоуважения или самосознания и самокритики. Часто эти чувства имеют предысторию. Несмотря на то, что фотографы могут думать, что определенная часть их тела захватывает что-то очень важное или существенное в их личности, любое изображение, сфокусированное на части «я», имеет тенденцию быть ограниченным в раскрытии всего «я».Например, снимок головы может очень ярко выразить эмоции и характер человека, но включение тела, которое показывает одежду и язык тела, почти всегда обогащает психологическое значение фотографии.
Автопортреты также различаются тем, насколько фотографы раскрывают среду, в которой был сделан снимок. Местоположение и предметы в нем почти всегда отражают важные аспекты их личности, отношений, интересов и образа жизни, независимо от того, осознают они это сознательно или нет.Как и в случае показа части или всего тела, то, что фотографы включают или исключают в этих автопортретах, отражающих те аспекты их жизни, которые они хотят раскрыть или скрыть.
Расширенный автопортрет может включать даже людей или животных. Их присутствие, несомненно, указывает на то, как самооценка фотографа влияет на его или ее отношение к ним. Добавление в автопортрет близких, домашних животных или кого-либо еще может быть способом избежать сосредоточения внимания на себе. Тем не менее, в искусстве художников существует давняя традиция, когда художники помещают себя с людьми и внутри групп, что предполагает реальность, ролевые игры, вымысел и фэнтези.Экологические автопортреты также легко поддаются повествованию о жизни художника и эволюции личности, реальной или воображаемой. Рассказ может быть о том, кто они и как появились.
Все автопортреты — это компромиссные формы интимности, предлагаемые фотографом. Некоторые вещи о себе раскрываются, другие скрываются. Когда люди приступают к созданию серии автопортретов, они часто играют с балансом этой компромиссной формации, изменяя то, что раскрывается, и то, что скрыто, обычно с постепенным движением к большему самораскрытию и меньшему сдерживанию.Фотографы, работающие над своими самыми первыми автопортретами, могут показывать только части своего тела и лица или вообще не отображать лица, с минимальным включением окружающего пространства или без него. Позже, когда они приобретают больше уверенности в своей фотографии и в себе, они больше изображают свое тело и местоположение, а также экспериментируют с различными комбинациями различных элементов тела и местоположения. Когда фотографы психологически вкладываются в постоянные автопортреты, они обычно стремятся к более целостному выражению того, кем они являются, как в любом одном изображении, так и в серии фотографий, которые соединяются вместе, как кусочки пазла, чтобы сформировать полное изображение себя.
Некоторые основные вопросы могут помочь нам понять всеобъемлющие и исключительные качества наших автопортретов и то, что они могут значить для нас. Не всегда легко заметить то, чего нет, поэтому мы можем спросить себя, чего не хватает в наших автопортретах и почему. Если бы мы расширили поле зрения кадра, что бы мы увидели и почему это может быть важно? Может быть очевидно, что фотография говорит о нас, но что она НЕ раскрывает о нас? Есть ли в автопортрете секреты, которые понимаете только вы? И наоборот, почему вы включили то, что сделали на фото? Если бы вы кадрировали автопортрет до его наиболее важной части, которая лучше всего выражает то, что изображение говорит о вас, что бы это была за часть?
Спонтанные и запланированные автопортреты
Неожиданно вы держите камеру на расстоянии вытянутой руки, чтобы быстро сфотографировать себя.Это было мгновенное решение. Вы даже не понимали, зачем вы это сделали. «Хорошо» или «плохо» о том, как это оказалось, не приходит вам в голову. Вам это нравится, и вы показываете это другим.
Это примерно так же спонтанно, как и автопортрет, если только вы не используете интервальный таймер, который запускает камеру через заданные или случайные интервалы. В конце концов, если вы не страдаете каким-либо диссоциативным расстройством, вы не можете сделать снимок, не зная, что вас фотографируют, как когда кто-то фотографирует вас.Но если вы все-таки протянете камеру, чтобы быстро снять себя в этой импровизированной манере, вы, скорее всего, будете спонтанным человеком. Вы соглашаетесь и не стесняетесь выражать свои мысли — по крайней мере, при подходящих условиях.
Такие, казалось бы, случайные снимки могут дать интересные результаты, которых мы никогда не получим, делая снимки с более осознанным и преднамеренным контролем. Нам нужна спонтанность, чтобы освободиться от рутинных съемок и взглянуть на вещи по-новому. Мы узнаем как о фотографии, так и о себе, когда создаем автопортреты, используя незапланированные и новые методы.Как пришел к выводу известный психоаналитик Дональд Винникотт из своих наблюдений за детьми, спонтанная игра важна в экспериментах с идентичностью и формированием себя.
Даже если вам не нравится, как получился спонтанный автопортрет, вы можете многому научиться, задав себе вопрос, насколько он «неправильный» и как вы хотели, чтобы он получился. Вы можете задавать эти вопросы не только о своей технике фотографирования, но и о себе как о личности. Возможно, автопортрет получился не так, как хотелось, но так получилось.Вот как вы в тот момент смотрели в камеру. Принятие этого факта может быть образованием в том, чтобы научиться принимать что-то в себе.
Некоторые люди скажут вам, что у них нет конкретных методов создания автопортретов, и они не имеют никакого представления о том, каким будет конечный продукт. Они просто встают перед камерой и двигаются. Хотя такие снимки кажутся спонтанными, если мы изучим их серию, мы, вероятно, заметим закономерности в том, как был сделан снимок, в его композиции и психологическом выражении человека.У людей обычно есть определенные методы и намерения в отношении конечного продукта, хотя они могут быть не в состоянии выразить их словами или сознательно распознать их.
Беззаботная спонтанность может быть удивительно раскрывающим процессом открытия, но также важен процесс сознательного понимания, планирования и контроля над тем, как человек создает автопортреты. Знаем мы это или нет, но мы всегда каким-то образом формируем автопортрет. Если мы сможем идентифицировать эту тенденцию, мы сможем улучшить, изменить и расширить ее.
Некоторые фотографы говорят, что, работая над автопортретом, они думают, почему они хотят, чтобы он выглядел определенным образом. У них есть возможность решить, как они хотят выразить себя в этой конкретной картине, какими они хотят «быть» в этот момент. Воспользовавшись этой возможностью, чтобы поразмышлять о себе при создании изображения, они достигают лучшего понимания и овладения изображаемыми чувствами и личностными качествами. Процесс управления съемкой может даже помочь им справиться с проблемными аспектами самих себя, а не разыграть их.Иногда сознательное преувеличение чувства или личностной черты усиливает это чувство мастерства. По всем этим причинам процесс создания образа — включая мысли, чувства и ожидания, которые проходят в уме человека, — так же важен, как и сам образ.
Вопросы о спонтанности и спланированном дизайне не исчезают после окончания съемок. Они распространяются на постобработку изображения с использованием таких программ, как Photoshop. Здесь у людей снова есть возможность экспериментировать как с нестандартными, так и с тщательно продуманными манипуляциями с изображением, которые могут быть как спонтанными, так и тщательно продуманными самовыражениями.Помимо добавления, удаления или изменения объектов в сцене, люди могут использовать постобработку для изменения цвета, тона и фокуса как способов выразить свою индивидуальность. Они могут обрезать изображение для более точного представления себя. То, как фотографы представляют и даже создают себя с помощью программ для редактирования изображений, ограничивается только их воображением и желанием исследовать свою настоящую и потенциальную личность.
В конечном счете, спонтанность и планирование не являются антагонистическими или взаимоисключающими элементами автопортрета.Люди, которые овладевают этим типом фотографии, узнают, как уравновесить эти два аспекта. Они начинают понимать, что, хотя новые идеи возникают в результате спонтанных действий, продуманный дизайн помогает их улучшить. Спонтанность и контролируемый дизайн взаимно обогащают друг друга. Это касается не только автопортретов, но и самого себя.
Символические автопортреты
В начале этой статьи я упомянул, что для простоты мы будем определять автопортреты как фотографию, которую вы делаете сами.Теперь давайте расширим эту идею, включив в нее то, что некоторые люди называют символическими автопортретами, т. Е. Снимки объектов, мест или даже других людей, которые делают люди, которые запечатлевают что-то важное в личности фотографа. Психоаналитическая теория говорит нам, что эти вещи являются «я-объектами» для человека. Они поддерживают сплоченность и непрерывность самоощущения человека. В символических автопортретах фотографы визуально проецируют свои чувства, идеи, интересы, воспоминания или черты личности на эти объекты и сцены.Они видят в них что-то важное в их личности.
По крайней мере, то, что отличает фотографов, которые делают символические автопортреты, от тех, кто этого не делает, — это их способность думать о себе абстрактно, концептуально или ассоциативно. Они создают образ, в котором «этот объект, сцена или человек имеют отношение ко мне или обозначают что-то во мне». У них есть способность идентифицировать себя с другим, психологически вкладывать себя в другого.
Как я уже упоминал во введении к этой статье, некоторые психологи скажут, что каждая фотография, которая что-то значит для человека, является автопортретом.Если изображение имеет какое-либо значение для них, то велика вероятность того, что все, что изображено на фотографии, скорее всего, является самобъектом. Это важная часть их собственного самосознания. Если мы предпочитаем более тонкое определение автопортрета, можно сказать, что фотографы специально создают символический тип. Акт визуального символизма является преднамеренным. Они сознательно осознают тот факт, что объект, место или человек будут визуально представлять что-то об их собственной идентичности. Фотография — это символический автопортрет, когда фотограф может сказать: «Это я.”
«Я», раскрытые и почему
В нашем определении автопортретов во введении к статье упущен один важный компонент. Что мы подразумеваем под «собой»? Многие тома по психологии и философии посвящены этому вопросу, потому что на него нет простого ответа. Мы можем думать о себе как о некоторой целостной сущности, большей, чем сумма его частей, но мы также знаем, что оно действительно содержит множество различных компонентов, которые не обязательно осознают друг друга или даже взаимодействуют друг с другом.Любой автопортрет может запечатлеть только некоторые грани вашей личности и жизни. Поэтому, когда вы его создаете, спросите себя, около ли это…
— мое прошлое, настоящее или будущее я
— мои эмоции, отрицательные или положительные
— мои сильные и слабые стороны
— я глазами семьи, друзей и соседей
— воспоминания и переживания, которые делают меня тем, кто я есть
— я так, как хочу, чтобы меня видели другие
— мои отношения, интересы и роли в жизни, которые определяют меня
— мои цели, мечты, изменения, потенциалы, надежды и идеальное Я стремлюсь быть
— верные или ложные убеждения, которых я придерживаюсь
— то, что я не люблю, боюсь, пытаюсь отрицать или скрывать от других
— меня никто не знает, секрет или менее очевидный я
— части меня, которые противостоят или находятся в конфликте друг с другом
— полярности в моей личности (взрослый / ребенок, застенчивый / экстравертный, умный / тупой)
— аспекты моей личности, которые являются слабыми, запутанными, устаревшими, неизученными или неправильно понятыми
В своих автопортретах люди могут намеренно попытаться проиллюстрировать один из этих аспектов себя, хотя фотографы часто не осознают все, что их изображение раскрывает об их личностях.Чем больше они изучают свои фотографии, тем лучше они понимают, что о них говорится. Фактически, процесс создания автопортрета может быть бессознательной попыткой вывести этот лежащий в основе аспект «я» на более высокий уровень осознания.
Автопортреты позволяют фотографам выражать себя так, как это невозможно с помощью слов. Они просто «ощущают» мысли, воспоминания и эмоции своей личности в процессе создания фотографии, а также после ее просмотра.Личное значение выстрела никогда не может быть по-настоящему доступно вербальным анализом или реакцией других людей. Это то, что может испытать только фотограф. В то время как некоторые люди являются «вербализаторами», которые полагаются на слова, чтобы понять себя, другие — «визуализаторы», которые лучше воспринимают себя с помощью изображений. Возможно, «я», которое они проецируют в автопортрет, даже обходит некоторые из обычных представлений, которые у них есть о своей личности — восприятия, которые на самом деле могут блокировать более глубокое и полезное понимание того, кем они являются.
Есть фотографы, которые воспринимают автопортрет как свободу самовыражения. Суждение принимается им самим. Они решают, как создать образ. Хотя в автопортрете могут быть неосознанные элементы, и иногда бывает трудно внимательно рассмотреть себя в нем, люди часто сообщают, что ощущают контроль над тем, что выражается в их личностях. Некоторые замечают отчетливое чувство открытости к себе. Они выражают эмоции и идеи, которые обычно не раскрывают в публичной среде.То, что они думают о себе, изображено на фотографии, независимо от того, как другие могут на них отреагировать или на фотографию. В жизни семья, друзья или другие люди могут навязать фотографу свое собственное восприятие, но в автопортрете фотограф может обнаружить, раскрыть и создать свое собственное самовосприятие. Если автопортрет поможет вам лучше понять себя, вы будете менее подвержены зависимости от того, как вас воспринимают другие.
Автопортрет — это попытка занять более объективную позицию по отношению к себе.Это стимулирует «наблюдающее я» — ту часть вас, которая может отступить, чтобы взглянуть на вашу личность объективно. Это может служить экспериментом в понимании того, как другие видят вас, или мостом между их восприятием и вашим собственным представлением о себе. Возможно, это попытка соотнести ваше внутреннее восприятие с внешней документацией. Во всех случаях создание автопортрета — это создание осязаемого внешнего представления о вас. Он придает конкретную форму собственным ощущениям и переживаниям, которые раньше казались фотографу неоднозначными, недоступными или неизвестными.
Процесс автопортрета может вызвать чувство господства над ранее неопределенными или даже угрожающими аспектами себя. Изображая такие вещи, как депрессия, беспокойство, беспомощность, инвалидность, потеря смысла и смерть, автопортрет помогает объективировать эмоции, чтобы человек мог более четко их видеть и контролировать, а не контролироваться ими. Точно так же надежда, цель или идеальное «я» в потенциальном будущем кажется более реальным и возможным, когда оно принимает четко видимую форму на автопортрете, точно так же, как старый автопортрет служит конкретным напоминанием о том, кем вы были в прошлом. .
Фотографы иногда говорят о автопортрете, как будто это кто-то другой. Они могут даже воспринимать этот предмет как другого человека. Эта объективация себя может быть побочным продуктом работы над фотографией. Вместо того, чтобы этот образ был «вами», он постепенно превращается в образ какого-то предмета. Это внешнее «я» может быть полезной ступенькой в овладении тем, что вы думаете и чувствуете. Людям легче говорить о мыслях и эмоциях человека, изображенного на автопортрете, как о переходе к разговору непосредственно о себе.Например, многие люди быстро реагируют на критику, когда видят снимок себя — реакции, которые часто возникают из-за того, как люди в прошлом относились к ним. Даже если они заметят положительные стороны того, как они выглядят на фотографии, они могут свести это к минимуму. «Я КАК Уверен», — могут сказать они, как если бы человек в кадре был самозванцем или какой-то инопланетной версией самих себя. Это может быть важным первым шагом к тому, чтобы сказать: «Я уверен».
По всем этим причинам автопортреты могут быть терапевтическими — факт, который был задокументирован в области психотерапии, известной как «фототерапия», которая была основана такими людьми, как Джуди Вайзер.В своей работе она исследует эти стимулирующие рост качества автопортретов. Она также предлагает фотографу рассмотреть несколько интересных вопросов. Они могут показаться простыми. Некоторые люди могут даже подумать, что они глупы. Но если подумать, терапевтические аспекты автопортретов начинают раскрываться.
— Что для вас очевидно в этом автопортрете?
— Как бы вы описали фотографию тому, кто ее не видит?
— Что бы этот человек хотел сказать или сделать?
— Что бы вы хотели сказать этому человеку?
— Какие воспоминания у вас ассоциируются с этим фото?
— Какие чувства у вас вызывает это фото?
— Этот автопортрет вам кого-то напоминает?
— Какое название этой фотографии лучше всего передает ее суть?
— Что бы вы хотели изменить в автопортрете? Почему?
— Как фотографии, которые делают другие, сравниваются с вашими автопортретами? Они что-то упускают или слишком много внимания уделяют в своих кадрах?
Некоторые люди скажут вам, что хороший автопортрет — это автопортрет, который полностью отражает вашу личность, потому что вся ваша личность превосходит сумму ваших частей.Учитывая психологическую сложность нашей человеческой психики, я думаю, что это сложная задача. Действительно хороший автопортрет может передать некоторые важные аспекты вашей личности. Он может усиливать, противодействовать или уравновешивать что-то внутри вашей личности. Это может показать нам, как вы завершаете свою личность. Что бы он ни показал, у вас есть возможность изменить этот автопортрет или выбросить его.
Отправка автопортретов
Самостоятельно вы можете многое узнать о себе из автопортретов.Вы можете создать их только для себя в качестве эксперимента по самовыражению и исследованию идентичности — но как это может измениться, если вы покажете портрет другим людям? Как бы это изменилось, если бы вы создали фотографию специально для кого-то другого?
Есть большая вероятность, что вы узнаете больше, когда поделитесь своим автопортретом с другими. В психологии концепция «зеркального я» предполагает, что наша идентичность развивается из представлений о нас другими людьми.Нам нужна обратная связь от них, чтобы подтвердить, кто мы есть, чтобы знать, что то, что мы делаем, имеет значение, и чтобы открывать новые вещи о нашей личности. Иногда они видят нас такими, какими мы видим самих себя. Иногда они видят нас в соответствии со своими потребностями и ожиданиями, но упускают из виду то, что мы считаем правдой. А иногда мы принимаем их представления как достоверные, даже если они неверны.
Обсуждая свои автопортреты с другими, вы можете обнаружить эти согласованности и несоответствия между вашей самооценкой и представлениями о вас других.Обмен фотографиями может помочь вам понять, кто вы есть по отношению к другим людям, а также кто вы есть и о себе. Поступая так, вам будет удобнее открываться другим. В идеале вы научитесь принимать себя.
Другая статья в Photographic Psychology описывает «Окно Джохари». Это наглядная диаграмма, изображающая четыре возможных комбинации того, что известно и неизвестно себе и другим в межличностной ситуации. В случае автопортрета это особенно полезная концепция.Для автопортрета, которым вы делитесь с другим человеком: (1) есть вещи о вас, которые и вы, и другой человек знаете, глядя на фотографию, (2) есть вещи о вас, которые вы знаете, глядя на фотографию , в то время как другой человек не знает, (3) есть вещи о вас, которые другой человек знает, глядя на фотографию, в то время как вы этого не знаете, и (4) на фотографии есть такие вещи, которые ни вы, ни другой человек знает.
Первая ситуация помогает подтвердить, кто вы.Во втором случае вам нужно будет раскрыть свой «секрет», чтобы другой человек лучше вас понял. В третьем сценарии вы бы узнали больше о своих «слепых пятнах», если бы человек поделился тем, что он видит о вас на автопортрете. Четвертая ситуация напоминает нам, что не все в нас заметно, ни нам, ни другим. Обсуждая автопортрет с другими людьми, предлагая им гипотезы, мы можем обнаружить тот скрытый аспект нашей идентичности, который доказывает, насколько полезным может быть приглашение к интерпретации наших автопортретов другими людьми.
Раньше люди в основном показывали свои распечатанные фотографии семье, друзьям и родственникам. Теперь, в наш век цифровой фотографии и киберпространства, у людей есть беспрецедентные возможности делиться своими фотографиями с людьми по всему миру, в том числе с совершенно незнакомыми людьми. Размещение фотографий стало основным продуктом многих социальных сетей и краеугольным камнем сообществ по обмену фотографиями, таких как Flickr. Поскольку социальные сети предназначены для того, чтобы люди знали: «Это я и то, что я делаю», часто появляются автопортреты.На Flickr несколько групп посвящают себя именно этому типу фотографии, в том числе хорошо известная группа 365, участники которой публикуют автопортреты один раз в день в течение года.
Каково это размещать автопортреты в Интернете, особенно когда многие зрители совершенно незнакомы или люди, которых вы почти не знаете? Некоторые фотографы говорят, что чувствуют себя удивительно свободными, когда реакция других людей не основана на том, что они уже знают о вас. Им нравится показывать свое истинное лицо, просто быть самими собой, не нуждаясь в одобрении.Люди в сети не знают, кто вы «на самом деле», поэтому создавайте любой образ себя, какой захотите. Даже если люди редко или никогда не комментируют ваши автопортреты, публичное общение с ними, тем не менее, может сделать то, что они говорят о вас, будет казаться более реальным и достоверным. Некоторые люди могут почувствовать вдохновение продолжить эксперименты со своим самовыражением просто потому, что они видят количество просмотров, указывающее на то, что люди смотрят на их работы, даже если они не комментируют. Молчаливая, но с надеждой кивающая аудитория незнакомцев может быть полезной.
Анонимность играет важную роль в свободе делать то, что вам нравится. Это важный компонент того, что киберпсихологи называют «эффектом растормаживания в сети». В Интернете с людьми, которые вас не знают, у вас есть возможность поэкспериментировать со своей идентичностью в автопортрете, чтобы выразить то, что вы обычно не раскрываете в своей офлайновой жизни. Вы не чувствуете себя ограниченным тем, чего ожидают от вас люди в вашей офлайновой жизни. В некоторых случаях эффект растормаживания также может быть результатом того, что фотографы представляют свои онлайн-автопортреты как продолжение их собственного ума, как своего рода визуальное пространство, в котором они экспериментируют и думают вслух.Вы можете представить себя как хотите в своей голове, не заботясь о мнении других.
Будь то анонимность, представление об их онлайн-изображениях как о расширении их собственного мыслительного пространства или просто непринужденность людей, некоторые фотографы в онлайн-сообществах для обмена фотографиями действительно кажутся невероятно откровенными в своих автопортретах, не беспокоясь о том, как люди реагируют. к своей работе. Кажется, что они открывают свою душу незнакомцам настолько, что посетители могут чувствовать себя некомфортно, оставляя комментарий, который может вторгнуться в, казалось бы, уязвимое пространство для саморефлексии фотографа.
Хотя некоторые люди говорят, что их не очень беспокоит то, что думают другие в Интернете, или даже обращают внимание на их комментарии, тогда мы можем задаться вопросом, почему они вообще размещают свои автопортреты в Интернете. В Flickr люди обычно поддерживают друг друга в обратной связи. Несомненно, этот положительный ответ подкрепляет усилия человека. Некоторые люди могут даже останавливаться на определенных типах автопортретов из-за признания, которое они получают за них, игнорируя или избегая других типов автопортретов.
Но что, если человек получает в основном негативные комментарии или вообще не получает комментариев или просмотров? Продолжили бы они выкладывать автопортреты? Возможно нет. Казалось бы, совершенно нормально, когда человек чувствует себя хотя бы немного расстроенным, разочарованным, проигнорированным или непонятым, когда его критикуют или мало внимания. Некоторые люди преуменьшают или даже отрицают то, на что они на самом деле надеются, когда загружают свои автопортреты.
Конечно, также возможно, что некоторые люди действительно спокойно воспринимают любую реакцию своих посетителей.Некоторые фотографы говорят, что их больше всего интересует развитие навыков создания автопортретов. Если зрители оставляют положительные комментарии, это приятный бонус, но не главная цель. Это глазурь на торте. Это дает им понять, что они что-то делают правильно, по крайней мере, в глазах некоторых людей. Если отзывы зрителей отрицательные, фотограф рассматривает их отзыв как возможную конструктивную критику, но не чувствует себя обиженным, оскорбленным, проигнорированным или непонятым. Если они вообще не получают комментариев, что ж, так оно и есть.Им просто нравится создавать автопортреты и возможность обнародовать их, не беспокоясь о том, ценят или понимают их люди. Они просто дают людям понять, кто они такие, что бы ни случилось, без каких-либо ожиданий. Если это искренне, такое отношение свидетельствует о некоторой зрелости и уверенности в себе. Тогда мы могли бы задать интересный вопрос: в чем разница между автопортретами этих фотографов и тех, кто возлагает большие надежды, а также уязвимостью к обратной связи, которую они получают?
При обмене автопортретами в Интернете будет столько же разных впечатлений, сколько и людей, что является результатом того, как вы с вашим уникальным стилем личности реагируете на конкретных посетителей, которые комментируют вашу работу.Вы можете сделать фотографию для семьи и друзей из вашей офлайн-жизни, для онлайн-друзей или для всех в киберпространстве, кто хочет взглянуть. Иногда вы можете создать автопортрет для определенных людей, но не для других. Неловкие, неловкие, раздражающие или другие проблемные ситуации могут возникнуть, когда кто-то, для кого вы не предназначаете фотографию, увидит ее или прокомментирует ее. Сообщества обмена фотографиями предлагают функции для ограничения доступа к выбранным изображениям. Тем не менее, некоторые фотографы с некоторой долей нерешительности и беспокойства рискуют выложить свои деликатные автопортреты на всеобщее обозрение.
Большую часть времени мы хотим, чтобы люди замечали, понимали и ценили что-то, в частности, в нашей личности или образе жизни. Может быть, мы хотим, чтобы наши достижения и творчество как фотографов были признаны. Может быть, мы позволяем другим увидеть, кто мы есть, чтобы более тесно общаться с людьми, которых мы уже знаем, такими как семья и друзья, или, возможно, как способ познакомиться с новыми и единомышленниками, которые находятся где-то в киберпространстве. Иногда, возможно, все, на что мы надеемся, — это неявное «спасибо» от других, которые ценят тот факт, что мы поделились собой через автопортрет.Когда эти ожидания оправдываются, мы чувствуем самоутверждение и повышаем нашу уверенность.
В своей книге « Техники фототерапии » Джуди Вайзер задает очень интересные вопросы о том, как делиться автопортретами. Они указывают на воспоминания, потребности и чувства, которые фотографы могут не осознавать полностью. Они раскрывают смысл автопортрета, который может помочь фотографам понять их мотивацию при его создании.
— Если фотографию увидели ваши родители, братья и сестры, дети, родственники, друзья, коллеги, начальник и незнакомые люди, как они могли бы по-другому отреагировать на нее? Что они могли рассказать о тебе по фото?
— Для кого вы намеренно и, возможно, неосознанно создали эту фотографию? Кому бы вы хотели или хотели бы это показать? Как вы думаете, какую реакцию они бы вызвали? Какую реакцию вы бы хотели, чтобы они вызвали? Что это говорит о доверии, которое вы испытываете в этих отношениях, или о том, чего вы можете хотеть и нуждаться в этих отношениях?
— Кого бы вы НЕ хотели видеть на этой фотографии? Почему? Беспокоитесь ли вы о своей уязвимости, о той власти, которую они имеют над вами, о том, как они могут отвергнуть вас, критиковать вас или чувствовать себя неловко рядом с вами? Что нужно изменить, чтобы вы чувствовали себя нормально, отдавая фотографию этому человеку?
— Есть ли в автопортрете что-то такое, что мало кто или только вы понимаете? Что побудило вас включить его? Что было бы, если бы другие знали этот «секрет» о вас?
Текущие автопортреты
Когда люди впервые создают автопортреты, какой из многих аспектов своей личности они изображают в первую очередь? Какие из них они выражают позже, продолжая создавать больше? Какие аспекты себя они часто изображают, а какими пренебрегают? Эти вопросы могут помочь нам понять их представление о себе, в том числе о том, что они ценят в своей личности, а также о том, что может показаться им проблемным.
Когда фотографы впервые создают и публикуют автопортреты, они часто испытывают некоторую тревогу. Они могут беспокоиться о своем нарциссизме, неловко стесняться своей внешности или бояться негативной обратной связи. Если они получают в целом положительную реакцию от других или если их не особо беспокоит критика, они, как правило, становятся более творческими, спонтанными и даже беззаботными в отношении своих автопортретов, что может отражать растущее самоуверенность и самоуверенность.В то время как преобладающие темы об их личности появляются в их работе постоянно или периодически, они начинают экспериментировать с выявлением различных и, возможно, более уязвимых аспектов своей психики. В прямом и переносном смысле они показывают себя с разных сторон. Они внимательнее смотрят на то, что им нравится и что не нравится в их личности и жизни. На одном автопортрете они могут раскрыть определенную сторону своей личности, а на более позднем они изображают нечто совершенно противоположное, как бы признавая свои внутренние конфликты и полярности.На поверхности появляются узоры, указывающие на лежащие в основе и, возможно, неосознаваемые аспекты личной идентичности, которые явно не видны ни на одной фотографии.
Коллекция автопортретов в конечном итоге становится калейдоскопом убеждений, эмоций и поведения, которые раскрывают более полный и многогранный дизайн того, кем является фотограф. Чем больше людей делают автопортреты, тем больше они могут думать: «Как много я должен раскрывать о себе?» По мере того, как человек пытается решить этот вопрос и продолжает выполнять эту работу, процесс саморефлексии и сама камера могут стать более очевидными для зрителей.
Для фотографов, которые регулярно создают автопортреты, например для тех, кто участвует в таких онлайн-группах, как Flickr’s 365, этот процесс превращается в ежедневный визуальный журнал, который выявляет изменения в настроении, мыслях и занятиях. Это способ «измерять температуру» каждый день. Это усиливает чувство непрерывности и сплоченности. Некоторые люди говорят, что это дает им возможность решить, кем они хотят быть в определенный день, даже если они не могут выразить это непосредственно в своей реальной жизни.Когда их спрашивают об их мотивах создавать и размещать в Интернете автопортреты каждый день в течение года, люди часто отмечают, что это «вызов» — каждый день спрашивать себя: «Как я себя чувствую сегодня? Кто я сегодня? Как другие отреагируют на меня сегодня? » Это постоянный поиск понимания того, что в себе меняется, а что остается неизменным, потому что некоторые вещи в нас никогда не меняются.
В некоторых отношениях автопортреты становятся легче делать, чем больше вы их делаете. В остальном они становятся тяжелее.Фотографы блокируют, и у них заканчиваются идеи. Или они могут застрять на определенных типах автопортретов. Иногда это происходит потому, что они зашли в собственный психологический тупик. Они, в прямом и переносном смысле, застряли на этом самовосприятии, возможно, из-за того, что они ценят его, нуждаются в нем или находятся в противоречии по этому поводу. А иногда это происходит потому, что их аудитория аплодирует и поэтому поддерживает их за создание определенных типов автопортретов, что мешает им, сознательно или бессознательно, выражать другие вещи о себе.
Это помогает думать об этих тупиках как о части процесса автопортрета. Часто под поверхностью сознательного осознания, в ходе того, что психологи называют «подсознательной инкубацией», что-то в нас самих формируется и ждет прорыва. Вы можете обнаружить это, обращая внимание на то, что вы думаете и чувствуете, независимо от обратной связи, которую вы получаете от других. Вы можете обнаружить это в каком-то визуальном или психологическом мотиве, который неожиданно появляется на вашем автопортрете. Следуйте этому мотиву, чтобы увидеть, куда он вас приведет.
Для некоторых людей обмен автопортретами в Интернете может стать заменой жизни в «реальном» мире. Когда люди чувствуют себя изолированными от других или от самих себя, они могут попытаться создать более удовлетворительные отношения и более полезную идентичность в киберпространстве. В идеале человек учится балансировать и интегрировать автономное и онлайн-я. Этой цели помогает обмен автопортретами с друзьями и родственниками как онлайн, так и офлайн.
Преследуя саморефлексивный процесс создания автопортретов, мы не всегда уверены, куда мы направляемся.Мы не уверены, кем мы становимся на наших фотографиях. Это может быть медленный, сложный процесс с неожиданными поворотами и поворотами. В этом смысле это очень похоже на жизнь.
На Flickr вы можете читать и участвовать в обсуждениях различных разделов этой статьи:
Винсент Ван Гог Автопортрет
Винсент Ван Гог нарисовал более 30 автопортретов между 1886 и 1889 годы. Его коллекция автопортретов помещает его в число самых плодовитых автопортретистов всех времен.Ван Гог использовал портретную живопись как метод самоанализа, метод зарабатывания денег и метод развития своих навыков художника.
Когда Ван Гог впервые начал рисовать он использовал крестьян в качестве моделей. После этого этапа он больше работал над экспериментами с использованием цвета при рисовании пейзажей и цветов, прежде всего потому, что он не мог позволить себе платить моделям. Он объясняет это в письме к своей сестре Вильгельмине Ван Гог в 1887 году,
.«Из своей работы я считаю, что изображение крестьян, поедающих картошку. Я сделал в Nuenen — апре tout лучшее, что я сделал.Но с тех пор у меня не было шансов получить модели, хотя, с другой стороны, у меня была возможность изучить вопрос о цвете. И если позже я снова найду модели для своих фигур, то надеюсь, что смогу показать, что мне хочется чего-то другого, кроме маленьких зеленых пейзажей или цветов ».
Как Ван Гог изо всех сил пытался зарабатывать на жизнь как художник он стал полагаться на своего брата Тео и благотворительность другие, такие как Жюльен «Пер» Танги, который управлял магазином красок, который Ван Гог часто посещал в Париже.Обладая щедрыми деньгами и расходными материалами, Ван Гог продолжал работать как художник и думал о портретной живописи как о практическом применении своего таланта. В письме своему брату Тео в июле 1888 года Ван Гог написал:
«Кроме того, я думаю, что сказал правду, но если мне удастся заменить товаром потраченные деньги, я должен буду только выполнять свой долг. А потом я могу заняться рисованием портретов ».
У Ван Гога не было денег, чтобы платить моделям за позирование портретов при этом у него не было много людей, заказывающих ему портреты, поэтому Ван Гог написал свой собственный портрет.Ван Гог не рассматривал портретную живопись только как средство для достижения цели; он также считал, что портретная живопись поможет ему развить свои навыки художника. В письме своему брату Тео от 16 сентября 1888 года Ван Гог пишет о автопортрете, который он написал и посвятил своему другу и коллеге-художнику Полу Гогену,
.«Третья картина на этой неделе — это мой портрет, почти бесцветный, в пепельных тонах на фоне бледно-зеленого веронезе.
Автопортрет Ван Гога с перевязанным ухом — один из наиболее интересных и популярных автопортретов.Написано в январе 1889 года, всего через несколько недель после того, как Ван Гог отрезал часть уха; на портрете он изображен под небольшим углом в комнате Желтого дома в зеленом пальто и зимней шапке с меховой подкладкой. На портрете его правое ухо перевязано, хотя на самом деле рана была на левом ухе; Несоответствие связано с тем, что он рисует в зеркальном отражении.
Я нарочно купил зеркало, достаточно хорошее, чтобы иметь возможность работать со своим изображением без модели, потому что, если мне удастся раскрасить свою собственную голову, что не может быть выполнено без труда, я буду аналогичным образом уметь рисовать головы другим добрым душам, мужчинам и женщинам.”
Insights: Автопортреты — Национальная портретная галерея
Распродано
Лиз Райдал
Автопортреты художников имеют решающее значение для нашего понимания портретной живописи и истории искусства. Они представляют собой форму, в которой вспоминают многих художников, предлагая взглянуть на их жизнь, окружение и даже их душевное состояние.
Но что побуждает художника или фотографа снимать себя? В этой обширной новой книге Лиз Райдал исследует различные цели, которым служит автопортрет.С помощью более чем девяноста иллюстраций она демонстрирует, как художники по-разному записывали свои образы — чтобы рекламировать свои навыки, практиковать свое ремесло, исследовать их внутренние смятения и желания и передавать потомкам своеобразное изображение.
Восемь увлекательных глав освещают такие темы, как роль зеркал, процесс старения, важность одежды и важность изображения себя рядом с другими людьми. Опираясь на недавние автопортреты, а также на исторические работы, книга доказывает, что изучение вопросов идентичности через самооценку остается неотразимой современной темой.
В этой живой и информативной книге представлены не только великие произведения искусства, но и интересные исследования в области психологии и самовосприятия. Среди представленных художников — Уильям Хогарт, Томас Гейнсборо, Анжелика Кауфманн, Джон Констебл, Джеймс Эббот Макнил Уистлер, Сесил Битон, Барбара Хепворт, Люсьен Фрейд, Дэвид Хокни и Трейси Эмин.
Опубликовано для дополнения A Question of Identity: Автопортреты 1850-2000 гг. выставлены в Галерее книжного магазина с 20 сентября 2005 г. по 29 января 2006 г. С 20 октября 2005 г. по 29 января 2006 г. и в Художественной галерее Нового Южного Уэльса с 17 февраля по 14 мая 2006 г.
Национальная портретная галерея Insights
Новая серия
Национальная портретная галерея Insights — это новая серия иллюстрированных книг о литературных и художественных личностях и темах, основанная на собраниях Национальной портретной галереи. Созданная для демонстрации значения портретов при обсуждении истории, истории искусства и биографии, каждая книга была красиво оформлена ведущей международной консалтинговой компанией Pentagram Design и содержит более восьмидесяти великолепных иллюстраций.
Эта инновационная новая серия нацелена на изучение способов, которыми группы людей объединяются — по рождению, через образование или через их художественное и интеллектуальное видение — чтобы оказать сильное влияние на историю культуры. Эта увлекательная серия, написанная известными авторами в своей области, дает прекрасный способ познакомиться с британской историей и биографией.
Этот продукт поставляется компанией National Portrait Gallery Company Limited. Для получения дополнительной информации о компании щелкните здесь. Каждая покупка поддерживает Национальную портретную галерею.
Лиз Ридил — художник, куратор и преподаватель Школы искусств Слейда и Национальной портретной галереи, где она курировала Зеркало, зеркало: автопортреты женщин-художников . Ее недавние работы были заказаны для программы Public Art Broadcasting House.
Спецификация
210 x 140 мм, 112 страниц
90 цветных иллюстраций, 15 000 слов
ISBN 1 85514 363 1
£ 9.99 (в твердом переплете)
Опубликовано в октябре 2005 г.
Артемизия Джентилески (Рим 1593 — Неаполь 1652)
Артемизия Джентилески была приглашена в Лондон в 1638 году Карлом I и, вероятно, создала этот сложный и законченный автопортрет в Англии. В одной руке она держит кисть, а в другой — палитру, ловко представляя себя женским олицетворением живописи — чего никогда не могли сделать ее современники-мужчины.Вероятно, это было во время ее краткого английского пребывания (1638- гг.1641), что эту картину написала Артемизия Джентилески. В 1638 году Карл I пригласил ее в Лондон, чтобы присоединиться к ее отцу, Орацио Джентилески, который работал в Англии с 1626 года. На одном уровне работа изображает аллегорическую фигуру живописи и была описана как таковая в инвентаре Карла I. . Artemisia следует стандартному символическому справочнику того периода, Iconologia Чезаре Рипа, где Живопись описывается как «красивая женщина с густыми черными волосами, растрепанными и изогнутыми по-разному, с изогнутыми бровями, которые демонстрируют образное мышление. рот прикрыт тканью, завязанной за ушами, с золотой цепочкой на шее, с которой свисает маска, и написано спереди «имитация».Artemisia улавливает суть этого описания, опуская надписи на маске и рот с кляпом во рту, призванные символизировать, что Живопись тупа. В одежде из мимолетных драпировок она держит кисть в одной руке и палитру в другой. Однако работа также является автопортретом: как женщина-художник Артемизия идентифицирует себя как женское олицетворение Живописи. Существуют прецеденты подобного смешения идентичностей в изображениях женщин-художников. Портретная медаль, отчеканенная Феличе Антонио Касони, прославляющая кремонскую художницу Лавинию Фонтана, изображает на лицевой стороне портрет художника в профиль, а на реверсе — аллегорию живописи.Здесь Artemisia объединяет две устоявшиеся визуальные традиции в одном образе.
Немногие из автопортретов Артемизии сохранились, и ссылки на них в переписке художника лишь намекают на то, как могли выглядеть другие. Гравюра с нарисованного автопортрета Артемизии Джерома Давида, бронзовая медаль 1625-816 гг. И ее портрет Симона Вуэ (частное собрание, Бергамо) являются дополнительными визуальными источниками, которые могут намекать на ее сходство. Ее автопортрет был идентифицирован во многих других ее картинах, таких как ее Женщина с лютней (Curtis Galleries, Миннеаполис) и недавно приписываемый автопортрет как Женщина-мученица (частная коллекция), а также во многих из них. другие ее религиозные картины, которые дают некоторое представление о том, как она себя представляла.
Понятно, что изображение Артемизии пользовалось большим спросом у коллекционеров семнадцатого века, которых привлекали ее выдающиеся художественные способности и необычный статус художницы. Римский коллекционер и антиквар Кассиано дал Поццо был одним из ее самых решительных сторонников. В письме к нему в 1630 году она отмечает: «Я написал свой портрет с особой тщательностью»; в более позднем письме она обещает, что пришлет «мой портрет, который вы когда-то просили». Некоторые ученые предположили, что эти два письма относятся к картине из Королевской коллекции, которую Артемизия по какой-то причине никогда не отправляла Далю Поццо, а вместо этого привезла с собой в Англию.В 1630 году ей было бы около тридцати пяти, что соответствует возрасту на нынешней фотографии. Однако для Артемизии было бы странно нарушить свое обещание отправить автопортрет, упомянутый в ее письме, Кассиано дал Поццо, одному из ее самых престижных покровителей. Некоторые ученые склоняются к мнению, что автопортрет Кассиано был утерян, а это еще один, сделанный после прибытия Артемизии в Лондон в 1638 году (когда ей было 46 лет).
Артемизия носит коричневый фартук поверх зеленого платья и, кажется, опирается на каменную плиту, используемую для измельчения пигментов, на которой видно отражение ее левой руки.Нижний рисунок на ее левой руке может указывать на то, где она отметила положение для своей руки: быстрые, опытные мазки можно увидеть в том, как она изобразила эту руку, как едва предполагалось. Коричневая область позади нее была интерпретирована как фон или как чистый холст, на котором она собирается рисовать. Он выглядит как подготовленный холст и всегда был тонко раскрашен, но он изношен и может иметь большее сходство, чем задумал художник. Она использовала землю, оставленную открытой, чтобы обозначить области тени: особенно поразительным является закатанный рукав ее правой руки, где плавные белые мазки, очерчивающие край рукава, встречаются с коричневой тенью обнаженной земли.Положение пальцев ее правой руки различается при инфракрасной рефлектографии и рентгенографии, что позволяет предположить, что художница решала эту область во время работы, в конечном итоге удлиняя указательный палец.
Как автопортрет, картина особенно сложна и исполнена. Положение, в котором изобразила себя Артемизия, было бы чрезвычайно сложно передать художнику, но все же работа написана экономно, с очень небольшим количеством накаток. Чтобы увидеть свое собственное изображение, она могла расположить два зеркала по обе стороны от себя, лицом друг к другу.Изображая себя в процессе рисования в этой сложной позе, угол и положение ее головы было бы труднее всего передать с точностью, требуя умелой визуализации.
Этой увлекательной работой Артемизия Джентилески внесла свой вклад в визуальные аргументы семнадцатого века относительно высокого статуса художника.
Запись в каталоге адаптирована из Искусство Италии в Королевской коллекции: Возрождение и барокко , Лондон, 2007
Selfie vs.Автопортрет «Academy Art U News
Некоторые предполагают, что картина Леонардо да Винчи Мона Лиза (1503–1506) на самом деле может быть автопортретом художника в драпировке. Хотя, вероятно, это не так, интересно поразмышлять о том, что да Винчи, у которого была скрытая сторона самого себя, мог скрывать этот аспект, но одновременно раскрывать его.
Вирджиния Олдоини Графиня Кастильоне (1837–1899), более известная как Ла Кастильоне, любовница Наполеона, была первой, кто эффективно и исчерпывающе использовал новую среду фотографии для своих селфи.Она сама сфотографировалась более 700 раз за четыре десятилетия в то время, когда только одна могла быть делом на целый день, одеваясь как множество исторических и мифологических фигур, обычно встроенных в сложные картины, созданные самой графиней. Она отказалась от практики фотографии только после того, как в пожилом возрасте ее лицо стало меняться. Она больше не могла смотреть на себя.
Королевой автопортретов в истории искусства должна быть Фрида Кало, которая была первым крупным международным художником, который использовал себя в качестве центрального объекта почти всех своих работ.Одержимая самооценкой, она сказала: «Я рисую себя, потому что я так часто одна и потому что я — предмет, который я знаю лучше всего».
Использование себя в качестве субъекта позволило ей раскрыть себя и исследовать все свои надежды, страхи, мечты, несчастные случаи, операции, выкидыши, измены, вызывающие тревогу публичные разрывы со знаменитым мужем-художником Диего Риверой, а также ее широко разрекламированный роман. со Львом Троцким до его убийства Сталиным.
Вероятно, сегодняшней «Хозяйкой селфи» является Ким Кардашьян, которая публикует свои фотографии в социальных сетях, которые собираются новостными службами и публикуются ежедневно, часто в чрезмерно откровенных костюмах.Однажды во время отпуска в Таиланде Кардашьян сделала 1200 селфи за одну неделю. А в 2014 году она издала книгу, содержащую 357 селфи. Интересно, перестанет ли она делать селфи с возрастом, как это делали другие, или она станет художником и начнет раскрывать по-настоящему глубокие взгляды на себя через свои портреты.