Портретисты 20 века в россии: Художники 20 века. Краткие биографии художников прошлого столетия и их картины

— Собираем русское искусство

Во время моего первого визита в галерею Лазар я заметил картину, которая выглядела смутно знакомой. Но как в художественной галерее, столь новой для меня, новой по художникам, темам и стилям, могло быть произведение, которое я узнал?

                                    Вячеслав Забелин, Ростов Великий, Холст, Масло, 1973

Ну, это потому, что Ростов произвел на меня неизгладимое впечатление, когда я был там прошлым летом. Я действительно чувствовал, что жил там в другой жизни, и очень хочу когда-нибудь вернуться, надеюсь, на этот раз дольше, чем на день! Нечто подобное пришлось пережить и художнику Забелину, поскольку, по словам искусствоведа Сергея Александровича Гавриляченко, Забелин был застигнут врасплох архаичной красотой Ростова. После окончания Суриковского института Забелин и его сверстники отправились в путешествие в Вологду, чтобы уйти от советской городской жизни.

                                            Вячеслав Забелин, Улица в Ростове, Холст, Масло, 1990

В книге «Забелин: мастер цвета. Жизнь и творчество Вячеслава Николаевича Забелина» многие смогли выразить свое восхищение Забелиным. В их число входит владелец галереи Лазар Джон Вурдеман, который также сыграл большую роль в завершении этой книги. В предисловии он написал о личном опыте общения с Забелиным. Вурдеман познакомился с тогда еще живым Забелиным после того, как сын Вурдемана окончил мастерскую Забелина в Суриковском институте в 1919 г.98. Затем Вурдеман начал приобретать работы Забелина. К 1999 году его пригласили в дом Забелина, на что Заблин заметил Вурдеману, что его картины «лучше всего смотрятся в рамах».

                           Вячеслав Забелин, Монастырь в Ростове, Холст, Масло, 1986

Таким образом, я хотел бы выделить время, чтобы прояснить некоторые моменты Забелина и его творчества. В основном красивый город Ростов и русский импрессионизм, потому что я чувствую, что мало кто знает об этом. Контекстное знание Ростова и русского импрессионизма только углубляет понимание Забелина. Поскольку длинные посты в блогах не рекомендуются, следите за новостями в ближайшее время!

Выше фотография группы «Передвижники».

Во Франции аналогичная ситуация сложилась, когда импрессионистам было отказано в приеме во Французскую Академию и, таким образом, они были помещены в Салон Отверженных . Интересно, что оба эти события произошли в 1863 году. Разница, однако, в том, что искусство передвижников не изменилось по стилю, как у французских импрессионистов. Вместо этого передвижники восстали против создания академии, монополизировавшей в то время весь художественный мир России.

 Завтрак на траве, Эдуард Мане, 1886–18863. Знаменитый пример работы в Салоне.

Павел Третьяков стал первым частным коллекционером в России и купил значительное количество произведений передвижников, впервые обеспечив конкурс для Академии. Несмотря на это, Академия поддерживала отношения с передвижниками, предоставляя им финансовую поддержку и студии. В конце концов, передвижникам пришлось присоединиться к Академии, чтобы эти художники могли позволить себе создавать больше произведений искусства. Примерно после 1870-х внешних комиссий стало не хватать. К 1890s передвижники были полностью поглощены Академией и к тому времени считались старым стилем и имели конкуренцию со стороны более новых движений, таких как лучизм и супрематизм.

Выше автопортреты Натальи Гончаровой и Михаила Ларинова, хранящиеся в Третайковской галерее на Крмском валу, пионеров «авангардизма» в России.

Однако Сталин любил передвижников, говоря, что они соответствуют его партийной линии, потому что эти произведения русские по тематике, а не западные, и раскрывают русский народ в положительном свете. Поэтому Сталин подавил авангард, упомянутый лучизм и супрематизм, назвав передвижников основой советского соцреализма. Затем соцреализм стал единственной разрешенной формой искусства, потому что он был, по сути, прогогандой сталинизма. Однако, как упоминалось в предыдущем посте 100 лет со дня русской революции, были и художники-реалисты, которые продержались во времена правления Сталина. Они создали свое собственное революционное искусство, вновь вернувшись к истинно русским сюжетам, как это сделали передвижники.

Илья Репин, Бурлаки на Волге, 1870-1873. Репин — один из самых известных русских художников 19 века.

Сергей Герасимов, Колхозный праздник, 1937 год. Образец соцреализма.

Недавно в поисках русского искусства я обнаружил Хиллвуд – поместье, музей и сады, созданные сказочной Марджори Мерривезер Пост (ниже). Пост была наследницей, бизнес-леди, филантропом и коллекционером произведений искусства. Ее коллекция — это, прежде всего, французское искусство и мебель XVIII века, а также

                     портрет Дугласа Чандора, 1952 год, заказ дочери Поста.

Пост унаследовала 20 миллионов долларов от своего отца, основателя компании Postum Cereal Company, после того, как ее родители умерли, когда ей было всего 27 лет.

Ее вторым мужем был Эдвард Хаттон. Вместе они превратили Post Cereal Company в General Foods, когда она решила инвестировать в бизнес по производству замороженных продуктов. В 1920-х годах она также начала собирать севрский фарфор (вверху, по бокам портрета), больше французской мебели, украшенные драгоценностями предметы и изделия Фаберже (на фото ниже).

Третьим мужем Марджори был Джозеф Э. Дэвис, посол в Советском Союзе. Этот брак привел ее в Москву, где они прожили в посольстве больше года. За это время 1930-х годов советское правительство все еще распродавало сокровища Императорской России. В кладовых и комиссионных магазинах Марджори могла покупать свои имперские предметы изобразительного и декоративно-прикладного искусства. После этого года она продолжала заниматься русским искусством, так как именно с этого началась ее страсть к нему.

Выше изображено пасхальное яйцо Екатерины Великой 1914 года и пример изделия, которое она купила в Советском Союзе. В настоящее время она находится в Иконном зале среди других сокровищ Русской Православной Церкви. Согласно милой брошюре, розданной посетителям Хиллвуда, это яйцо было подарено Николаем II его матери Марии Федоровне в 1914, как часть семейной пасхальной традиции. Он назван в честь Екатерины Великой из-за эпизодической сцены искусства и науки, чего-то близкого сердцу Екатерины и давно утерянной миниатюрной фигурки Екатерины, которая раньше находилась внутри.

После развода с Дэвисом в 1955 году она покупает Хиллвуд и проживает там всю свою жизнь. После того, как она купила особняк, Пост полностью переделала его, чтобы он служил ей домом и подходящим местом для хранения ее коллекций. Она также продолжала быть частью своего бизнеса и продолжала быть главной хозяйкой элиты округа Колумбия. Марджори Мерриуэзер Пост умерла в 19 лет.73, однако, она предоставила свою коллекцию и дом публике. Помимо Особняка, есть Библиотека художественных исследований, Кафе, Кладбище домашних животных, Прогулка дружбы (тропа, посвященная ее друзьям), Сад в японском стиле и другие сады. Можно только представить, как красиво все это должно выглядеть весной. Теперь каждый может насладиться ее сказочным домом и коллекцией. Я настоятельно рекомендую посетить, если вы находитесь в районе округа Колумбия. Hillwood находится примерно в 2 часах езды от галереи Лазар! (<- не забудьте позвонить, чтобы записаться на просмотр и/или купить работы Никиты Федосова)

21 марта 2017 г.

Никита Федосов выделяется как один из самых талантливых русских художников-реалистов ХХ века. Как и Рембрандт, Федосов использовал тонированные глазури, технику, которая позволяла ему добиваться тонких переходов и цветов, которые иначе были бы недоступны. Ниже вы можете увидеть мастерство цвета Федосова в том, как оранжевое небо переходит от тусклого к яркому, обеспечивая четкое сопоставление леса и неба.

Никита Федосов, Конец заката, 1968

      Как используют лессировку в масляной живописи? Чтобы выяснить это, я посмотрел, как это сделал Рембрандт, в конце концов, он Мастер Мастеров. Судя по всему, он использовал импасто с яйцом в качестве быстросохнущего ингредиента, стекло и свинцовые белила. После того, как он был нанесен толстым слоем, Рембрандт смог вырезать его до того, как он высох. Затем он нанес глазурь, которую нужно было стереть, оставив объем и блеск своей работе. Эта техника также создавала тонкий эффект барельефа за счет потемнения и свечения глазури в щелях. Иногда сверху также наносился прозрачный желтый или коричневый цвет для последнего штриха блеска. Оглушительный.

Рембрандт, Подробная информация о человека с золотым шлемом, 1650.

Никита Федосов, Ночной часовой, 1980

Что выделяет меня в работе Федосова, это его использование яркого апельсина. В то время как Рембрандт использовал глазурь, чтобы привлечь свет для драматической светотени, я полагаю, что Федосов использовал глазурь, чтобы закатить солнце на горизонте. В «Ночной часовой» и «Конец заката» заходящее солнце сохраняет яркое свечение настоящего солнца, притягивая взгляд к линии горизонта. Кроме того, его работы чрезвычайно живописны с четкими мазками кисти, которые могли быть созданы глазурью, ложащейся на линии следов кисти.

      Талант Федосова проявляется еще и в том, как он рисовал облака. Когда я был в России, больше всего мне выделялись облака и небо. Я был счастлив вернуться домой, увидеть картину Федосова и вернуться в те моменты. Его облака так же привлекательны, как и в реальности; большой, пушистый, белый, но с цветом.

Хотя поездка в Россию звучит как стандартный способ почтить и отметить столетие русской революции, как любитель искусства я хотел бы поехать в Лондон. В настоящее время в Королевской академии художеств проходит выставка «Революция: русская революция 1917–1932 годов». Это 15-летний период, когда Россия создавала искусство, отражающее оптимизм и суровость революции и ее последствий. В число художников-гигантов входят Казимир Малевич, Василий Кандинский, Марк Шагал, Александр Родченко и Любовь Попова. Однако менее известными (но не менее важными) художниками на выставке являются Исаак Бродский, Борис Михайлович Кустодиев, Андрей Голубев и Кузьма Петров-Водкин. Это шоу также проливает свет на то, как все художественные формы стали манифестом революции; фотография, литература, скульптура, кинопроизводство, пропаганда и графический дизайн.

 Исаак Бродский, В.И.Ленин и Манифестация, 1919.

      Однако в 1932 году сталинский гнет закрыл все это. Социалистический реализм стал единственной приемлемой формой искусства, призванной служить линии коммунистической партии. Таким образом, искусство должно было быть оптимистичным, реалистическим и героическим, раскрывающим то, что может таить в себе будущее. По сути, пропаганда, направленная на поддержание лояльности масс к советскому и коммунистическому делу.

     В дополнение к этой выставке Мартин Сиксмит написал статью для Королевской академии, которая представляет собой обзор истории искусства за этот 15-летний период времени. Я настоятельно рекомендую прочитать его, если вы, как и я, не можете увидеть выставку. Короче говоря, он показывает вам, почему (более подробно, чем вышеприведенный абзац) Казимир Малевич ушел от:

Казимир Малевич, Красная площадь, 1915 г., Казимиру Малевичу, Портрет Николая Пунина, 1933 г. ) в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Увы, к тому времени, как я добрался до Санкт-Петербурга, готовый увидеть Красную площадь в Государственном Русском музее и завершить какое-то искусствоведческое трифекта, он уже был на пути в Лондон. Так что я бы ОЧЕНЬ хотел посмотреть это шоу.

      Во всяком случае, как это связано с блогом о русском реализме 20-го века? Кратко продолжу рассказ о русском искусстве с того места, на котором остановился Мартин Сиксмит.

         Как мы видим, реализм ушел из моды в пользу чего-то острого и нового, соответствующего первоначальному духу революции. Изобразительный реализм ушел, а авангардная абстракция пришла. В годы борьбы с буржуазией и традициями многие художники-реалисты уехали в сельскую местность или рисовали в уединении, поскольку большевики захватили их школы. Однако, как только Сталин и коммунистический режим утвердили социалистический реализм, многие художники-авангардисты разлюбили революцию и, как следствие, либо бежали, либо присоединились к ГУЛАГу, либо погибли в нем. Сталин тогда увидел необходимость высокой культуры, чтобы не отставать от Запада, поэтому художников надо было воспитывать. Суриковский институт в Москве стал одной из крупнейших школ изобразительного и традиционного искусства. Настолько, что когда нацисты вторглись в Россию в 1941, художники и студент были отправлены в безопасное место в Самарканде, Узбекистан.

 Юрий Кугач, Самарканд, 1942 г.

        Хотя многие художники обратились к социалистическому реализму и приняли его, были и традиционные художники, которые отвергли его, как и художники-авангардисты. Русские реалисты не хотели быть орудиями пропаганды, но все же хотели рисовать в пушке реализма. Они постоянно производили работы в мрачных обстоятельствах, создавая искусство, которое является репрезентативным и трансцендентно красивым благодаря их высокому техническому опыту. Их работы демонстрируют органичную гордость за Россию, поскольку их тематика, как правило, это красивая сельская местность, старые города и традиционные русский жизнь. Социалистический реализм часто бывает слишком деспотичным в радостях коммунизма и советской жизни. Я считаю, что это сводится к тем, кто гордился тем, что Россия противопоставляется Советскому Союзу.

М. Соколов, 1958, Мельница на реке Озерке

     Я надеюсь показать, что, хотя конструкционисты, футуристы и сторонники превосходства доминировали в годы революции, они не были единственными, кто противостоял Сталину после 1932 года. Русский реализм представляет собственное опровержение социалистического реализма. Но в 2017 году важно, чтобы мы оценили усилия тех революционеров, которые были столь смелыми и тем не менее (изначально) столь желанными в своей крайней абстракции.

Один из лучших блогов о русской культуре закрылся на неопределенный срок. Это был любимый проект галериста, коллекционера, искусствоведа и автора Мэтью Боуна, чью работу мы опубликовали несколько месяцев назад. Это прощальное сообщение появилось 9 июня.th:

«Дорогие читатели, боюсь, что это будет последний выпуск IZO в обозримом будущем. У меня нет времени посвятить блог с тех пор, как я заключил соглашение с издательством Йельского университета о написании книги о взаимосвязи между древними реликвиями и современным искусством. Книга потребует все мое свободное время за компьютером. Я хочу поблагодарить всех читателей ИЗО, постоянных и нерегулярных, за то, что заглянули, и особенно, конечно, участников, среди которых выдающейся фигурой был МК из Вашингтона (здесь и здесь). Большое спасибо, МК. Блог IZO пока будет оставаться открытым в качестве справочного источника. Мэтью.»

Сайт определенно достоин внимания. Категории справа, вероятно, лучший способ разобраться в этом сейчас, когда нет ничего особенно актуального. Ссылка

Илья Репин — собираем русское искусство

Передвижники , или Передвижники, стали поворотным пунктом в истории русского искусства. Передвижники были группой художников во главе с Иваном Крамским, которая восстала против исключительно романтического художественного стиля Российской академии в поисках более реалистичного стиля. Это просто означает, что искусство должно быть увидено русскими людьми и должно быть о людях России, а не о романтизме, который был прежде всего западноевропейским.

Выше фотография группы «Передвижники».

Во Франции аналогичная ситуация сложилась, когда импрессионистам было отказано в приеме во Французскую Академию и, таким образом, они были помещены в Салон Отверженных . Интересно, что оба эти события произошли в 1863 году. Разница, однако, в том, что искусство передвижников не изменилось по стилю, как у французских импрессионистов. Вместо этого передвижники восстали против создания академии, монополизировавшей в то время весь художественный мир России.

 Завтрак на траве, Эдуард Мане, 1886–18863. Знаменитый пример работы в Салоне.

Павел Третьяков стал первым частным коллекционером в России и купил значительное количество произведений передвижников, впервые обеспечив конкурс для Академии. Несмотря на это, Академия поддерживала отношения с передвижниками, предоставляя им финансовую поддержку и студии. В конце концов, передвижникам пришлось присоединиться к Академии, чтобы эти художники могли позволить себе создавать больше произведений искусства. Примерно после 1870-х внешних комиссий стало не хватать. К 1890s передвижники были полностью поглощены Академией и к тому времени считались старым стилем и имели конкуренцию со стороны более новых движений, таких как лучизм и супрематизм.

Выше автопортреты Натальи Гончаровой и Михаила Ларинова, хранящиеся в Третайковской галерее на Крмском валу, пионеров «авангардизма» в России.

Однако Сталин любил передвижников, говоря, что они соответствуют его партийной линии, потому что эти произведения русские по тематике, а не западные, и раскрывают русский народ в положительном свете. Поэтому Сталин подавил авангард, упомянутый лучизм и супрематизм, назвав передвижников основой советского соцреализма. Затем соцреализм стал единственной разрешенной формой искусства, потому что он был, по сути, прогогандой сталинизма. Однако, как упоминалось в предыдущем посте 100 лет со дня русской революции, были и художники-реалисты, которые продержались во времена правления Сталина. Они создали свое собственное революционное искусство, вновь вернувшись к истинно русским сюжетам, как это сделали передвижники.

Илья Репин, Бурлаки на Волге, 1870-1873. Репин — один из самых известных русских художников 19 века.

Сергей Герасимов, Колхозный праздник, 1937 год. Образец соцреализма.

Ранее я представил Марджори Мерриуэзер Пост как коллекционера, предоставив краткий обзор ее жизни. Теперь я хотел бы представить некоторые основные моменты ее коллекции, которые, как мне кажется, заключают в себе ее красоту и масштабность, а также некоторые критические замечания. Все это можно увидеть в ее вестибюле.

С вершины лестницы смотрит вниз на главную стену переднего зала.

В вестибюле русское императорское искусство и французское декоративно-прикладное искусство не противопоставлены, как некоторые могут предположить. Наоборот, они сливаются воедино, демонстрируя богатство, власть и превосходный вкус. Вершиной вестибюля является, конечно же, массивный портрет Екатерины Великой, написанный в 1788 году Дмитрием Левицким. В этом портрете есть цитата, которая гласит: «Она заканчивает начатое». Речь идет о завершении Екатериной Великой миссии Петра Великого по вестернизации России. Екатерина развивала науки и искусства на благо России, открывая школы и принося европейскую моду и культуру своему двору. И Марджори Мерривезер Пост, и Екатерина Великая собирали и заказывали французское искусство, однако большая часть коллекции Марджори когда-то принадлежала Екатерине. В интересном документальном фильме двух женщин даже сравнивают из-за схожих вкусов, богатства и влияния. Имея этот портрет в холле, он делает заявление о Посте как о коллекционере. Именно Екатерина Великая основала Эрмитаж из своей личной коллекции, и теперь ее портрет находится в вестибюле поместья Марджори Мерривезер Пост в Хиллвуде.

                                                                      Екатерина II, Дмитрий Левицкий, 1788 год. Затем, под величественным портретом Екатерины Великой, находится потрясающий детальный и живописный портрет царицы Александры Федоровны. Первую написал Илья Репин, а вторую — Вильям-Адольф Бугро. Тем не менее, пока я не вернулся домой и не посмотрел, я обнаружил, что эти мастера стояли за этими произведениями. Единственное, что меня смутило, почти ничего не было маркировано, и не каждая часть имела свою информацию в брошюре. Я предполагаю, что это потому, что текст на стене и этикетки сделают ее поместье менее личным и интимным, а оба из них являются желаемым опытом, который Хиллвуд хочет предоставить. (Я предполагаю, что у Пост были свои причины выставить Бугро в шкафу, а затем проинструктировать, что ее имущество осталось таким, каким она оставила его после смерти). Имена Ильи Репина и Вильяма-Адольфа Бугро имеют большое значение, особенно для русских и французов. Поэтому я ожидал немного большего внимания к ним. Несмотря на это, тайна заставляет людей искать ее на своем веб-сайте (как и я) или отправиться на экскурсию в будущем. Во всяком случае, оба эти мужчины являются свидетельством того, что она коллекционер.

«Ночь» («Ночь») Вильяма-Адольфа Бугро, написанная в 1883 году (вверху), выставлена ​​в гардеробе для мужских пальто. В глаза бросился контраст молочно-мягкой кожи женщины и черной светлой ткани. Я полагал, что кто-то очень хорошо обученный нарисовал его из-за безупречного качества тона, текстуры и мягкости кожи. Поэтому я решил поискать его в их коллекции и обнаружил, что его нарисовал французский мастер 19-го века Бугро. Бугро провел свою жизнь в парижском Салоне. Таким образом, это свидетельство коллекции Поста о том, что она владеет его работами, потому что он также находится в Музее Орсе и Метрополитен-музее. Бугро наиболее известен своими картинами обнаженных женщин, классическими сюжетами и мифологическими сценами. Более пристальное внимание к этому произведению значительно расширило бы объем ее коллекции. Я бы сказал, что имя Бугро более узнаваемо для западной публики из-за его известности и акцента на большинстве уроков истории искусства, чем некоторые из упомянутых имен. Даже я не знал, что многие имена были в брошюре. Я считаю, что более широкая аудитория поклонников искусства пришла бы в Хиллвуд, если бы они знали, что там представлен французский мастер. Хотя увидеть Бугро было приятным сюрпризом, осознание того, что я стою перед картиной Ильи Репина, повергло меня в ступор.

Портрет царицы Александры Федоровны, Илья Репин, 1896 год.

Под портретом Екатерины Великой находится еще один портрет русской царственной особы. Что привлекло меня, так это красивая женщина в белом, цвете слоновой кости и золоте на черном фоне. Опять же, я понятия не имел, кто был художником, или определенного представления о том, кто был субъектом. Вернувшись домой, я понял, что угадал правильно, это был портрет царицы Александры Федоровны, однако я не ожидал, что художником будет Илья Репин. Репин, безусловно, является одним из самых известных русских художников и самым известным русским художником 19-го века.век. Его так почитают в России, что ему даже поставили памятник в Москве. Он также является одним из моих любимых артистов. Тем не менее, я могу с уверенностью сказать, что за пределами России его творчества немного, его работы в основном находятся в Третьяковской галерее и Государственном Русском музее. Репин известен своими реалистическими работами, такими как Бурлаки на Волге 1873 г. и Иван Грозный и его сын Иван 1885 г. Что также делает Илью Репина идеально подходящим для коллекции Почты, он был одним из первых русских художников, писавших русские сюжеты, получить похвалу из Франции. Он даже попал на учебу во Францию ​​и поддерживал там отношения. Имя Репина имеет большое значение для российской публики и должно быть узнаваемо американской аудиторией искусствоведов. Опять же, я ожидал, что внимание будет привлечено к этой части. Далее, из-за его отношений с Францией он представляет собой столкновение России с Францией, подобно коллекции Поста.