Жанр произведения портрет: Портрет (Гоголь) – анализ повести кратко (10 класс) — Главная

Содержание

Портрет (Гоголь) – анализ повести кратко (10 класс)

4.1

Средняя оценка: 4.1

Всего получено оценок: 794.

Обновлено 16 Июля, 2021

4.1

Средняя оценка: 4.1

Всего получено оценок: 794.

Обновлено 16 Июля, 2021

Анализ «Портрета» Гоголя помогает выявить замысел писателя, а также рассмотреть приёмы, с помощью которых Н. В. Гоголь смог передать основную мысль произведения. В повести писатель поднимает важные темы ложного и истинного искусства, ответственности творца за своё творение.

Звучит также тема настоящих и мнимых ценностей, которые рассматриваются через призму обманчивой привлекательности столичной жизни. На примере судьбы главого героя демонстрируется разрушение таланта, духовная деградация и последующее очищение художника. Данный кратко изложенный материал поможет при подготовке к уроку литературы в 10 классе.

Опыт работы учителем русского языка и литературы — 27 лет.

Краткий анализ

Год написания – первая редакция – 1833–1834 гг., вторая редакция – 1841–1842 гг.

История создания – в 1832 г. возникает замысел «Портрета», лишь в 1842 г. Н. В. Гоголь полностью оканчивает работу над повестью.

Тема – искусства, творчества.

Композиция – повесть делится на две части: первая часть, включающая экспозицию, завязку, развитие действия, кульминацию и развязку, повествует о судьбе художника Чарткова, вторая часть, которая написана с помощью приема рассказа в рассказе, повествует о происхождении зловещего портрета.

Жанр – повесть.

Направление – реализм, есть черты романтизма.

История создания

В 1832 году Н. В. Гоголю пришла идея создания «Портрета», в 1833 году писатель начал работать над произведением, а уже в 1834 году его закончил. Впервые повесть была опубликована в составе сборника «Арабески» в 1835 году.

После многочисленных негативных критических статей Н. В. Гоголь решает изменить свою повесть: сюжет, имя главного героя, стиль изложения, многие диалоги. Переработка занимает у писателя год: с 1841 по 1842 годы. Отредактированное произведение было опубликовано в известном журнале «Современник» с примечанием о том, что данная повесть не является первоначальной.

Посмотрите, что еще у нас есть:

Тема

Главной темой произведения является тема искусства и творчества. Н. В. Гоголь противопоставляет истинный талант ремеслу. Главный герой Чартков стремится к деньгам и славе, поэтому выбирает путь безнравственности. Материальные ценности оказались для Чарткова важнее творчества, поэтому постепенно он теряет свой талант. Главный герой умирает как художник тогда, когда предаёт настоящее искусство и губит свой талант. Нравственная смерть влечёт за собой физическую.

Другой же художник, который написал зловещий портрет ростовщика, обладает истинным талантом, так как он смог отказаться от материальных благ и уйти в монастырь.

Композиция

Повесть «Портрет» делится на 2 части. Части являются завершёнными, но взаимосвязанными между собой. Связующим элементом является портрет ростовщика, приносящий несчастья.

В первой части рассказывается о жизни Чарткова, начинающего художника. Повествование строится от эпизода покупки Чартковым картины до страшной гибели главного героя. То есть в данной части есть экспозиция, связанная с прежней жизнью Чарткова, завязка, связанная с покупкой портрета, развитие действия, связанное с обогащением Чарткова, кульминация, связанная с душевным расстройством главного героя, и развязка, связанная со смертью Чарткова.

Вторая часть рассказывает о зловещем портрете, который так стремятся купить люди. Сын художника, написавшего портрет, повествует о том, какие несчастья принесло это произведение искусства. Композиционно такой приём можно оценивать как рассказ в рассказе.

Композиционной особенностью повести также является то, что образы и части противопоставлены друг другу. Чартков выбирает коммерческий путь и славу, теряя талант и жизнь, отец художника Б. выбирает истинное искусство, отказавшись от мирской жизни.

Жанр

«Портрет» Н. В. Гоголя в жанровом отношении является повестью. На это указывает одна сюжетная линия, связанная с темой искусства и с образом портрета ростовщика, небольшое количество персонажей и небольшой объём произведения.

Направление

Анализ повести «Портрет» Гоголя невозможен без рассмотрения направления, в котором творил писатель. Работая над своим произведением, Н. В. Гоголь находился между романтизмом и реализмом, поэтому «Портрет» вобрал в себя черты этих двух направлений. От романтизма Н. В. Гоголь взял фантастический мир и приём антитезы. Однако элементы мистики объясняются сном Чарткова, все происходящие события описываются реалистично.

Данная статья, которая поможет написать сочинение «Анализ «Портрета» Гоголя», рассмотрит историю создания повести, её тему, композиционные особенности, жанр и направление.

Тест по повести

Доска почёта

Чтобы попасть сюда — пройдите тест.

Алексей Ожгибецов
9/14
Татьяна Богданчик
11/14
Илья Рейлганов
14/14
Юрий Литовченко
13/14
Влад Демченко
12/14
Елизавета Соловьева
11/14
Мехродж Носиров
14/14
Екатерина Плетнева
13/14
Ева Мещерякова
10/14
Настя Ратиёва
13/14

Рейтинг анализа

4. 1

Средняя оценка: 4.1

Всего получено оценок: 794.

А какую оценку поставите вы?

Анализ повести «Портрет» (Н. Гоголь)

Н. В. Гоголь видел Петербург не только как цветущую столицу, чья жизнь полна пышными балами, не только город, где сосредоточены лучшие достижения искусства России и Европы. Писатель видел в нем концентрат порочности, бедности и малодушия. Обозначению проблем общества северной Пальмиры, а вместе с тем и всей России, и поиску путей спасения был посвящен сборник «Петербургские повести». В этот цикл включен «Портрет», о котором пойдёт речь в нашей статье.

История создания

Идея повести «Портрет» возникла у писателя в 1832 году. Первая редакция была опубликована в сборнике «Арабески» в 1835 году. Позднее, уже после написания «Мёртвых душ» и поездки за границу, в 1841 году Гоголь подвергает книгу существенным изменениям. В третьем номере «Современника» новая версия увидела свет. В нем были изменены эпитеты, диалоги, ритмика изложения, а фамилия ведущего персонажа стала «Чартков» вместо «Чертков», что ассоциировалось с чёртом. Такова история «Портрета».

Мотив изображения, обладающего зловещей силой, был навеян Гоголю модным тогда романом Метьюрина «Мельмот Скиталец». Кроме того, образ жадного ростовщика также роднит эти произведения. В образе алчного дельца, чей портрет переворачивает жизнь главного героя, слышны отголоски мифа об Агасфере – «Вечном жиде», который не может обрести покой.

Смысл названия

Идейный замысел произведения кроется в его названии – «Портрет». Гоголь не случайно так нарекает своё детище. Именно портрет является краеугольным камнем всего сочинения, позволяет расширить жанровый диапазон от повести до детектива, а также полностью меняет жизнь главного героя. Наполнен он и особым идейным содержанием: именно он является символом алчности, порочности. Эта работа ставит вопрос об искусстве, его подлинности.

Кроме того, такое название повести заставляет читателя задуматься над проблемами, которые раскрывает писатель.

Каким ещё мог бы быть заголовок? Предположим, «Гибель художника» или «Жадность», всё это не несло бы такого символического значения, а зловещее изображение оставалось бы только произведением искусства. Название же «Портрет» фокусирует читателя именно на этом творении, заставляет всегда держать в уме, а впоследствии, видеть в нём больше, чем запечатлённое лицо.

Жанр и направление

Направление фантастического реализма, заданное Гоголем, относительно мало проявилось в этом произведении. Здесь нет призраков, оживших носов или иных очеловечившихся предметов, но присутствует некая мистическая сила ростовщика, чьи деньги приносят людям только горе; картина, выполненная в конце его жизни, продолжает страшную миссию запечатленного на ней человека. Но всем наводящим ужас явлениям, происходившим с Чартковым после приобретения полотна, Гоголь даёт простое объяснение: это был сон. Поэтому роль фантастики в «Портрете» не велика.

Повесть во второй части получает элементы детективной истории.

Автор даёт объяснение, откуда могли появиться деньги, находка которых в начале произведения казалась волшебной. Кроме того, черты детектива имеет и сама судьба портрета: он таинственным образом исчезает со стены во время аукциона.

Изображение характеров капризных клиентов Чарткова, его наивная тяга к безвкусной пышности – всё это приёмы комического, воплощенные в книге. Поэтому жанр повести соотносится с сатирой.

Композиция

Повесть «Портрет» состоит из двух частей, но каждая из них имеет свои особенности композиции. Первый раздел имеет классическое строение:

экспозиция (быт бедного художника)
завязка (покупка портрета)
кульминация (душевное расстройство Чарткова)
развязка (смерть живописца)

Вторую часть можно воспринимать как эпилог или некий авторский комментарий к вышеизложенному. Особенности композиции «Портрета» в том, что Гоголь использует приём рассказ в рассказе. Сын художника, написавшего зловещий портрет, появляется на аукционе и заявляет о своих правах на работу.

Он рассказывает о непростой судьбе своего отца, жизни алчного ростовщика и мистических свойствах портрета. Обрамляет его речь торг аукционеров и исчезновение самого предмета спора.

О чем?

Действие происходит в Петербурге. Молодой художник Чартков находится в крайней нужде, но на последние гроши покупает в лавке на Щукином дворе портрет старика, глаза которого «гладят, как живые». С тех пор в его жизни стали происходить небывалые перемены. В одну ночь молодому человеку приснилось, будто старик ожил и высунул мешок с золотом. На утро в рамке картины были обнаружены золотые червонцы. Герой переехал с лучшую квартиру, приобрел все необходимые для живописи вещи в надежде посвятить всего себя искусству и развить свой талант. Но всё вышло совсем по-другому. Чартков сделался модным популярным художником, а его основной деятельностью стало написание заказных портретов. Однажды он увидел работу своего товарища, которая пробудила в молодом человеке былой интерес к настоящему творчеству, но было уже слишком поздно: рука не слушается, кисть выполняет лишь заученные штрихи. Тогда он приходит в бешенство: скупает лучшие полотна и зверски уничтожает их. В скором времени Чартков погибает. Такова суть произведения: материальные блага губят в человеке творческую натуру.

Во время аукциона, когда распродаётся его имущество, один господин заявляет права на портрет старика, который был куплен Чартковым на Щукином дворе. Он рассказывает предысторию и описание портрета, а также признается, что сам он — сын художника, автора этой работы. Но во время аукциона полотно загадочным образом исчезает.

Главные герои и их характеристика

Можно сказать, что у каждой части повести есть свой главный герой: в первой это Чартков, а во второй ярко представлен образ ростовщика.

Характер молодого художника на протяжении произведения меняется кардинально. В начале «Портрета» Чартков – это романтический образ художника: он мечтает развить свой талант, учиться у лучших мастеров, только были бы для этого деньги. И вот деньги появляются. Первый порыв был вполне благороден: молодой человек закупился всем необходимым для занятий живописью, но желание стать модным и известным более легким путем, нежели через многочасовой труд, взяло верх. В конце первой части художник обуреваем алчностью, завистью и досадой, что заставляет его скупать лучшие картины и уничтожать их, он становится «свирепым мстителем». Конечно, Чартков – маленький человек, неожиданное богатство вскружило ему голову и в итоге свело с ума.
Но можно предположить, что действие золотых червонцев на главного героя связано не с его низким социальным положением, а с мистическим действием денег самого ростовщика. Сын автора портрета этого персиянина рассказывает множество историй об этом. Сам ростовщик, желая сохранить часть своей силы, просит художника написать с него портрет. Отец рассказчика взялся за эту работу, но не смог с нею справиться. В этом живописце Гоголь изобразил истинного творца в христианском понимании: пройти очищение, усмирить свой дух и только тогда приступать к работе. Он противопоставляется Чарткову — художнику из первой части повести.

Темы

Эта относительно небольшая по объёму повесть затрагивает множество тем, касающихся довольно разнообразных сфер жизни человека.

Тема творчества. Гоголь представляет нам двух художников. Каким должен быть истинный творец? Один стремится к изучению работ мастеров, но не прочь обрести славу и более легким путём. Другой живописец в первую очередь работает над собой, над своими желаниями и страстями. Для него искусство – это часть его философии, его религии. Это его жизнь, оно ей не может противоречить. Он чувствует ответственность перед творчеством и считает, что человек должен доказать своё право заниматься им.
Добро и зло. Эта тема выражена как через искусство, так и через богатство. С одной стороны, необходимы оперённые средства, чтобы творец мог свободно заниматься своим делом и развивать свой талант. Но на примере Чарткова мы видим, что изначально благие намерения вложиться в своё совершенствование могут обернуться гибелью, прежде всего, гибелью человеческой души. Только ли мистическая мила наследия ростовщика тому виной? Гоголь показывает, что всё человек может преодолеть, только бы он был сильным. Главный герой же продемонстрировал слабость духа, потому и сгинул.
Богатство – основная тема в повести «Портрет». Здесь она представлена, как способ обрести счастье. Казалось бы, вот немного денег, и всё станет прекрасно: будет счастливый брак с первой красавицей, кредиторы оставят в покое семью, приобретётся всё необходимое для творчества. Но всё выходит иначе. Кроме удовлетворения потребностей, у денег есть оборотная сторона: порождение алчности, зависти и малодушия.

Проблематика

Проблема искусства. В повести Гоголь предлагает художнику два пути: писать портреты ради денег или заниматься самосовершенствованием без особых претензий на достаток. Живописец стоит перед сложным выбором: для развития ему необходимы средства на краски, кисти и прочее, но многочасовая работы и бесславие никаких денег не принесут. Есть способ быстро разбогатеть, но написание портретов не подразумевает повышение уровня мастерства. Решая, как быть, необходимо помнить одно: если тот, кто следует пути мастера-инока, ошибется, он сможет ещё спастись, но идущий по лёгкой дороге уже не избавится от «затверженных форм».
Тщеславие. Гоголь показывает в повести, как неожиданно разбогатевший Чартков постепенно приходит к тщеславию. Сначала он делает вид, что не узнаёт своего учителя, потом соглашается терпеть капризы клиентов ради денег и славы. Предзнаменованием беды становится порицание классиков, а итогом этого пути явилось сумасшествие.
Бедность. Эта проблема стоит перед большинством героев «Портрета». Нищета не позволяет Чарткову свободно заниматься творчеством, из-за не самого высокого положения один из героев второй части не может жениться на возлюбленной. Но бедность здесь — проблема не только материальная, но и духовная. Золото сводит героев с ума, делает их алчными и завистливыми. По мнению автора, малодушный человек с большими деньгами не в состоянии справиться: они его окончательно разрушают.

Смысл повести

Всегда помнить о своей душе, а не гнаться за богатством – это и есть основная мысль повести «Портрет». Все возможности для достижения цели, обретения счастья в человеке уже есть – об этом говорит Гоголь. Позже Чехов обратится к этой мысли в своей драме «Три сестры», где девушки будут верить, что путь к радости – Москва. А Николай Васильевич показывает, что прийти к цели, в данном случае – постичь искусство, можно и без особенных материальных затрат. Главное не в них, а во внутренней силе человека.

Рассказчик во второй части повествует о фатальном воздействии денег ростовщика, но справедливо ли все беды приписывать мистике? Человек, ставящий во главу угла деньги, уязвим перед завистью и порочностью. Именно поэтому в счастливом супруге пробудилась дикая ревность, а в Чарткове – отчаяние и мстительность. В этом кроется философский смысл повести «Портрет».

Личность, сильная духом, на подвластна таким низким качествам, она способна справиться с ними и изжить их из себя. Это иллюстрирует жизненный путь художника, автора портрета ростовщика.

Чему учит?

Повесть «Портрет» предупреждает об опасности превознесения денег. Вывод прост: нельзя богатство ставить как цель жизни: это приводит к гибели души. Важно заметить, что для образа маленького человека свойственна не только бедность материальная, но и духовная. Этим можно объяснить беды Чарткова и заёмщиков ростовщика. Но Гоголь не приводит ни одного положительного примера, когда деньги принесли бы пользу. Авторская позиция выражена ярко: единственный правильный путь писатель видит в духовном совершенствовании, в отречении от светских соблазнов. Главный герой понимает это слишком поздно: он не внял предупреждениям своего учителя, за что был жестоко наказан.

В этой повести Гоголь по стилю и методу соотнесения фантастического и реального наиболее близок к Гофману. Здесь каждую необычную вещь можно объяснить рационально, а действующие лица максимально близки к обществу Петербурга. Такая убедительность встревожила читателя повести и сделала «Портрет» актуальным произведением и для современников Гоголя, и для наследников.

Критика

Литературная критика современников автора была разнообразной. Белинский неодобрительно относился к этой повести, особенно к второй части, он считал её приделкой, в которой не видно самого сочинителя. Придерживался подобной позиции и Шевырев, обвиняя Гоголя в слабом проявлении фантастического в «Портрете». Но вклад Николая Васильевича в развитие русской классической прозы трудно переоценить, и «Портрет» в том числе вносит сюда свою лепту. Об этом говорит в своих статьях Чернышевский.

Рассматривая оценки критиков, важно иметь в виду, что финальная редакция «Портрета» была в поздний, критический период творчества Гоголя. В это время писатель ищет путь к спасению России, погрязшей во взяточничестве, жадности и филистерстве. В письмах к друзьям он признаётся, что видит возможность исправить ситуацию в поучении, а не во внедрении каких-либо новомодных идей. С этих позиций следует рассматривать справедливость критики Белинского и Шевырёва.

Автор: Александра Барбашова

Интересно? Сохрани у себя на стенке!

История создания повести Гоголя Портрет

Впервые «Портрет» был напечатан в сборнике «Арабески. Ранние сочинения Гоголя» в 1835г. Работа получила неодобрительные отзывы. В.Г. Белинский раскритиковал вторую половину произведения, отметив, что в ней отсутствует фантазия.

С 1937 по 1842гг. Гоголь периодически живет в Риме. Писатель просит друзей присылать критические отзывы на свои работы. В этот период Гоголь переосмысливает свои представления об искусстве, о задачах и о миссии художника, и приступает к работе над новой версией «Портрета». В 1842г. вторая редакция «Портрета» публикуется в журнале «Современник».

В новой редакции Гоголь изменил фамилию главного героя с Черткова на Чартков, убрал некоторые фантастические сцены, изменил финал, появились новые действующие лица: профессор, заказчицы портрета, хозяин дома, квартальный надзиратель.

В первой редакции темы миссии художника, роли искусства в жизни людей не были основными. В новой редакции эстетическая тема занимает центральное место. Искусство или ремесло, предназначение творчества, необходимые качества художника — основные вопросы второй редакции «Портрета».

В Риме Гоголь заводит дружбу с художником А. Ивановым. Считается, что Иванов стал прототипом образа живописца, приславшего свою работу на оценку. Но «Портрет» впервые был опубликован в 1835 г., а Гоголь познакомился с Ивановым только через несколько лет. Знакомство с Ивановым, его биографией и творчеством, все же, повлияли на вторую редакцию повести, в которой Гоголь изображает образ идеального художника. Гоголь и Иванов тесно общались, когда художник писал знаменитую картину «Явление Христа народу». Считать же Иванова прототипом образа художника можно с большой натяжкой.

Прототипом ростовщика со страшными живыми глазами считается индус Моджерама Мотомалов. Моджерама жил в Коломне, округе Санкт-Петербурга, местные жители запомнили его одетым в национальный индийский костюм. Из воспоминаний актера Петра Каратыгина известно, что на лице ростовщика были вытатуированы разноцветные узоры, а зрачки его «как угли, блистали на желтоватых белках с кровавыми прожилками…».

Изучая прототипы повести, невозможно не упомянуть Ф. В. Булгарина, редактора политической и литературной газеты «Северная пчела». Гоголь пародирует Булгарина в «Записках сумасшедшего», «Невском проспекте», «Носе», «Ревизоре». Образ «издателя одной ходячей газеты» в «Портрете» наводит на мысли о Булгарине. В объявлении, данном Чартковым в газету, Гоголь обыгрывает газетный стиль Булгарина, его прагматичную направленность.

Прототипы героев

Также читают:

Картинка к сочинению История создания произведения Портрет

«Портрет/пейзаж: границы жанра»: Как классическое искусство трансформируется в современное

Выставка состоит из портретной части – в Государственном центре современного искусства (ГЦСИ) и пейзажной – в Московском музее современного искусства (ММСИ) на Петровке. И в той и в другой классические картины показывают вместе с произведениями, проходящими по разряду modern и contemporary art, иногда тоже картинами, но чаще объектами, фотографиями и видео.

В некоторых случаях жанр произведения современного не вполне ясен. Например, одна из идейно важных для выставки работ «Автопортрет и все… Пуссена и других» Клода Рюто представляет собой четыре прислоненных к стене ровно выкрашенных холста, воспроизводящих плоскости картин и стены фона на автопортрете основоположника классицизма Никола Пуссена. Здесь если и портрет, то не человека, а метода построения картины.

Но в основном жанр выставленных произведений не вызывает никаких сомнений. Лицо Марины Абрамович – с живой змеей на голове, в муках пожирающей луковицу, счастливой или спящей – на мониторах так же является автопортретом, как и изображение молодого мужчины, написанное Тинторетто маслом по холсту – портретом.

«Вулканический пейзаж» нашего современника Эрика Фонтено – разбросанные по стене фрагменты графики, надписей и стекол – какой-никакой, но пейзаж, как и приятная картина Поля Серюзье «Жатва», написанная на сто лет раньше.

Портреты сосредоточены в одном зале ГЦСИ и как-то между собой перекликаются: растерянными взглядами на портретах мальчиков или цветочками у девушек. Пейзажи в ММСИ разбросаны по комнатам, и связь между ними найти не просто, может быть, ее даже и нет никакой, кроме жанровой. Очень крепкой, потому что естественной: человеку, художнику, интересен прежде всего он сам и окружающий его мир, а прочее – фантазии, натюрморты, бытовые и батальные сюжеты – только факультатив.

Международная команда кураторов выставки посчитала своей задачей «показать трансформацию, которую претерпели такие традиционные жанры, как портрет и пейзаж». Задача вроде решена, но схематично. Несколько десятков произведений не могут показать ни естественности изменения изобразительного, визуального, искусства, ни драматизма этого процесса. Поэтому классическое искусство и современное на выставке существуют как очень дальние родственники.

Овальный портрет — это… Что такое Овальный портрет?

«Овальный портрет» (англ. The Oval Portrait) — рассказ Эдгара Аллана По о трагической истории создания загадочного портрета из замка. Это один из самых коротких рассказов Эдгара По, при первой публикации в 1842 году он уместился всего на двух страницах, а впоследствии был ещё сокращён автором.

Сюжет

Повествование идёт от первого лица. Автор, путешествуя по Апеннинам со своим слугой, уставший, терзаемый лихорадкой и раной, нанесённой ему разбойниками при неясных обстоятельствах, остаётся на ночлег в старом замке. Автор мучается бессонницей и, чтобы убить время, занимает себя тем, что разглядывает картины в отведённой ему комнате, сверяясь с найденным там же томиком их описаний и историй их создания. Неожиданно он замечает портрет молодой красивой женщины, на который сначала не обратил внимания, так как он стоял в тени за колонной. Картина производит на автора столь сильное впечатление, что он вынужден зажмуриться, чтобы разобраться в своих чувствах. Наконец, он понимает, что причина столь странной его реакции — в удивительной живости портрета. Заинтригованный, автор обращается к справочному томику.

В книге автор находит легенду создания картины. Eго написал художник, без остатка отдававший все силы искусству. Из-за этого его невеста была всегда обделена вниманием, но не роптала, а покорно подчинялась возлюбленному. Однажды художник решил написать её портрет. Он работал недели напролет, и всё это время его невеста терпеливо позировала ему. Портрет получался прекрасным, друзья художника в один голос говорили, что в нём он превзошел себя. Увлечённый работой, художник не замечал, что молодая женщина всё больше и больше чахла. Наконец, портрет был готов. Художник положил последний мазок, и воскликнул, довольный своей работой «Да, это сама жизнь!» Как только он произнес эти слова, последние силы покинули его прекрасную натурщицу и она упала замертво.

Анализ произведения

Идея рассказа в странной связи реальности и искусства. В «Овальном портрете» искусство и поклонение ему убивают настоящую жизнь, воплощённую в образе прекрасной молодой женщины. Из этого можно сделать вывод, что у искусства и смерти общая природа, так как искусство, как и смерть, соперничает с жизнью. Подобные взгляды были свойственны Эдгару По, он полагал поэзию «ритмизованной красотой», а самой поэтичной вещью на свете считал смерть молодой женщины. (см. эссе «Философия творчества» — The Philosophy of Composition, 1846). Также важно отметить, что первопричиной смерти красивой женщины, в понимании По, является её собственная красота.^[1]

С другой стороны, искусство изобличает вину художника и указывает на неизбежное зло — творя искусство, художник разрушает жизнь.^[2]

Творческий процесс, в своем совершении, всегда стремится превзойти жизнь, низводя её до состояния смерти. Это отмечает и рассказчик, потрясённый одухотворенностью портрета. Эдгар По предупреждает читателя о коварной двойственности искусства и пародоксальном взаимодействии жизни и смерти в служении ему.

Возможно, идею рассказа По увидел в картине своего друга Томаса Салли — молодая девушка держит в руке медальон, шнурок которого охватывает ее обнажённую шею. Другим источником вдохновения для Эдгара По могла стать картина Тинторетто (1518—1594), написавшего портрет мёртвой дочери. Также в сюжете «Овального портрета» обнаруживается сходство с одной из линий романа Анны Радклиф The Mysteries of Udolpho (1802).

Главные темы

Публикации

Первая версия рассказа называлась «Жизнь в смерти» (Life in Death) и была опубликована в Graham’s Magazine в 1842 году. Она длиннее окончательной версии, в ней, в частности, есть несколько вводных абзацев, раскрывающих предысторию рассказчика и обстоятельства его ранения, а также фрагмент поедания им опиума, с целью унять боль. Возможно, По решил отказаться от этих частей из-за их несвязанности с основным сюжетом, или чтобы у читателя не возникло мысли, что всё произошедшее с рассказчиком — плод его наркотических галлюцинаций. Сокращённая версия, под окончательным названием была опубликована 26 апреля 1845 года в Broadway Journal.^[3]

Критика и влияние

Не вызывает сомнений влияние рассказа По на знаменитый роман Оскара Уайльда «Портрет Дориана Грея» (1891). За пять лет до выхода романа Уайльд одобрительно высказывался о выразительности произведений По.^[3] В романе портрет несёт зло изображённому на нём человеку в значительно большей степени, чем своему создателю.^[2]

Похожий сюжет в рассказе Натаниэля Готорна «Родимое пятно» (The Birth-Mark, 1843).^[4]

Французский кинорежиссёр Жан-Люк Годар цитирует рассказ По в фильме «Жить своей жизнью» (Vivre Sa Vie, 1962).

Переводы на русский язык

Первый из известных переводов рассказа на русский язык — анонимный — был опубликован в журнале «Русское богатство», в № 5 за 1881 год. Всего же существует по меньшей мере 11 переводов рассказа. Один из них (С. Бельский, 1909) представляет собой вольный пересказ. Только в одном переводе, Норы Галь (1976), представлена начальная версия рассказа, остальные переводчики брали за основу окончательную, сокращённую редакцию, однако многие заимствовали элементы (эпиграф и пр.) и из «Жизни в смерти». Рассказ переводили К. Бальмонт, М. Энгельгардт, В. Рогов. Также существуют ещё несколько ранних анонимных переводов.

Примечания

↑ Hoffman, Daniel. Poe Poe Poe Poe Poe Poe Poe. Baton Rouge: Louisiana State University Press, 1972: 311 ISBN 0-8071-2321-8
↑ ¹ ² Meyers, Jeffrey. Edgar Allan Poe: His Life and Legacy. New York: Cooper Square Press, 1992: 290. ISBN 0-8154-1038-7
↑ ¹ ² Sova, Dawn B. Edgar Allan Poe: A to Z. New York: Cooper Square Press, 2001: 178. ISBN 0-8160-4161-X
↑ Quinn, Arthur Hobson. Edgar Allan Poe: A Critical Biography. Baltimore: The Johns Hopkins University Press, 1998: 331. ISBN 0-8018-5730-9

Ссылки

Краткое содержание повести «Портрет» и отзыв для читательского дневника (Н.В. Гоголь)

Главные герои

Чартков Андрей Петрович – бедный художник, променявший под воздействием портрета свой талант на роскошную жизнь.

Ростовщик – смуглый старик азиатской внешности, дававший в ссуду деньги, загадочная личность.

Художник Б. – художник, поведавший историю таинственного портрета.

Отец художника Б. – живописец-самоучка, написавший портрет ростовщика.

Обратите внимание, ещё у нас есть:

для самых рациональных — Краткое содержание «Портрет»
для самых любопытных — Анализ «Портрет» (Гоголь)

Краткий анализ произведения

Характеристика Чарткова

Молодой художник Чартков — жертва не только дьявольского влияния портрета, но и своего безволия. Трагедия Чарткова в том, что он сам погубил свой талант, обменяв его на деньги и славу, а когда понял, что именно сделал — было уже поздно. Чарткова можно сравнить с Пискарёвым, героем «Невского проспекта». Оба мечтательны, оба — талантливые художники, жившие в бедности. Отступив от истины в творчестве, Чартков встал на путь самоуничтожения себя не только как художника, но и как человека.

Роль Невского проспекта в повести

Невский проспект уже не первый раз предстаёт перед читателем в сборнике «Петербургские повести». В любом произведении Н.В. Гоголя, где содержится описание Невского проспекта, происходит какая-то мистика. Невский проспект участвует в произведениях:

«Нос»
«Портрет»
«Невский портрет»

Идея повести

С точки зрения Н.В. Гоголя, искусство — это Божий дар, который не должен касаться зла, а содержание портрета ростовщика — демонично. В данной повести талант Чарткова был загублен меркантильностью общества — деньги считаются главной прелестью жизни, а истинное искусство уходит на второй план. Отец художника Б., в свою очередь, смог остановиться, хотя его целью было не богатство, а вызов своему таланту. Сможет или не сможет он написать портрет так реалистично, как этого требует заказчик?
Гоголь видит избавление от слепых страстей решением проблем главных героев, в частности, при помощи церкви. Ведь, если талант дан человеку Богом, то и очищение таланта от ненужных страстей тоже может быть произведено с Божьей помощью. Главной же темой данного произведения является тема добра и зла в искусстве. Гоголь считает, что тот, кому даётся талант, «должен быть чище всех душою».

Сюжет

Разглядывая на Щукинском дворе картины, молодой художник Чартков заметил портрет старика в пышных восточных одеждах. Картина настолько понравилась герою, что он отдал за нее последние деньги. Однако очень скоро он пожалел о своем порыве, поскольку денег не оставалось даже на оплату скромного жилья.

Взглянув на купленный портрет, Чартков вздрогнул от неожиданности – настолько живыми показались ему глаза худого смуглого старика. Ему стало не по себе, и перед сном он даже занавесил картину. Ночью герою привиделся страшный сон: простыня с картины была сдернута и валялась на полу, а из рамы вышел старик, который принялся пересчитывать свои деньги. Подобные сновидения повторялись несколько ночей кряду, и совершенно измотали художника.

Спустя время хозяин квартиры потребовал от Чарткова оплату. У того не было денег, и он был вынужден отдать купленный портрет в оплату долга. Взяв картину в руки, Чартков заметил, как из рамы выпал кошелек с деньгами, принадлежавший старику. На эти деньги художник расплатился с долгами, снял приличную квартиру, обновил гардероб.

Чартков подал объявление о том, что рисует портреты на заказ. Совершенно неожиданно он стал самым популярным в городе портретистом, и заказы посыпались, словно из рога изобилия. Однако старые товарищи поражались тому, как быстро он растратил свой талант и мастерство. Вскоре герой и сам ощутил свое падение. Он отказался от заказов, заперся в мастерской, и все силы направил на то, что создать что-то стоящее, но у него ничего не выходило. Чарткову повсюду мерещились проницательные глаза старика с портрета, и вскоре он умер от чахотки.

Спустя некоторое время на аукционе появился портрет смуглого старика с удивительно живым взглядом. Портрет вызвал ажиотаж у покупателей, но в этот момент вышел известный художник Б. , поведавший присутствующим историю картины. Когда-то в Коломне жил ростовщик. Все люди, которым он одалживал деньги, погибали при загадочных обстоятельствах. Отец Б. также был художником, и однажды нарисовал портрет ростовщика по его просьбе. Во время работы над портретом художник стал замечать, будто глаза ростовщика жили какой-то своей жизнью. Ростовщик же обронил, что после смерти вся его сила перейдет в портрет. Эти слова так испугали художника, что он сбежал, не окончив свою работу. Портрет остался с ним, а ростовщик скончался на следующий день. У художника начались серьезные неприятности. Пытаясь скрыться от проклятия старика, он ушел в монастырь и стал работать над картиной по библейским мотивам. Перед смертью он завещал сыну разыскать проклятый портрет и уничтожить его.

Проблемы

Проблематика в повести «Портрет» не менее значима для понимания текста:

Добро и зло
– зло в романе олицетворяет собой портрет старого ростовщика. По мнению Гоголя, самый страшный грех человечества – алчность. Именно алчность одолевает Чарткова, убивает в нём добро и в итоге приводит его к столь трагичному финалу. В итоге портрет исчезает, Гоголь даёт понять, что борьба света и тьмы ещё не закончена. Добро мы видим в авторе портрета, который унял в себе дьявольские искушения и смог очиститься от скверны в монастыре, который противопоставлен греховной столице.
Алчность
– по мнению писателя, деньги – главная причина всего зла. Погнавшись за деньгами, поддавшись соблазнам материального мира, человек уже не сможет найти пути назад. Он обречён на медленное погружение в бездну.
Тщеславие
– Чартков, сумев добиться популярности и богатства, возгордился, начав считать себя настоящим художником. Однако созидательная мощь всего одной картины, созданной настоящим художником, разрушила его иллюзии, показала ему самому низость его падения.
Талант и его утрата
– Гоголь показал, что талант можно с огромным трудом найти и развить, однако стоит только один раз оступиться, и настоящий талант будет утрачен навсегда.

Какие проблемы ставит Гоголь в «Портрете», кроме вышеперечисленных? Многомудрый Литрекон дополнит раздел и ответит на этот вопрос, если необходимо. Напишите ему в комментарии.

Отзывы современников

Смешное перемешано с серьёзным, грустным, прекрасным и высоким. Комизм отнюдь не есть господствующая и перевешивающая стихия его таланта [Гоголя]. Его талант состоит в удивительной верности изображения жизни в её неуловимо разнообразных проявлениях.

Белинский В. Г.

Есть одно произведение Гоголя, далеко не лучшее в художественном отношении, но чрезвычайно характерное для выяснения некоторых его взглядов на задачи искусства. Оно даёт также ключ к уяснению его трагедии как писателя. Это «Портрет».

Короленко В. Г.

В Чарткове он хотел изобразить даровитого художника, погубившего свой талант, а следовательно, и самого себя жадностию к деньгам и обаянием мелкой известности.
«Отечественные записки»

Основная идея

Повесть «Портрет» показывает нам общество Российской империи девятнадцатого века глазами Гоголя. Писатель показал порочность и бездушность своих современников, ту атмосферу всеобщего разложения, которую он чувствовал, живя в Петербурге. Ей он противопоставил силу православной веры и чистоту истинного искусства. Такова главная мысль повести «Портрет».

Также книга является рефлексией Гоголя о том, каким должен быть настоящий творец. Писатель приходит к выводу, что служение искусству – это трудный путь, но только идя по этому пути, можно по-настоящему изменить мир и обессмертить своё имя. Смысл повести «Портрет» — необходимость нравственной чистоты для художника, который несет ответственность за то, что создает для людей.

Жанр и направление

Повесть «Портрет» относится к литературному направлению фантастического реализма. Автор стремится к достоверному отражению действительности. Несмотря на некоторые фантастические допущения, сами характеры персонажей, их слова и действия выглядят достоверно и органично. Читатель может поверить в реальность описанных Гоголем событий.

Жанр произведения «Портрет» можно определить, как фантастическую повесть. Повествование охватывает относительно небольшой промежуток времени, включает в себя малое число действующих лиц, при этом повествование насыщено большим количеством деталей и уточнений, призванных подчеркнуть атмосферу. В основе сюжета лежит фантастическое допущение.

Чему учит?

Повесть «Портрет» учит нас презирать жадность и скупость. Говорит нам о том, как важно думать не только о теле, но и о душе. Таковы нравственные уроки книги и ее автора.

«Портрет» показывает нам силу настоящего искусства, которое способно оказать огромное влияние на человека, и рассказывает нам о цене, которую приходится платить художнику, чтобы обрести такую силу. Мораль повести «Портрет» свидетельствует о наличии ответственности творца за то, что он оставляет после себя для потомков.

История создания

Впервые задумка написать «Портрет» у Николая Васильевича возникла в 1832 году. Спустя три года первая редакция повести была опубликована в сборнике «Арабески». Гораздо позднее, в 1841 году, когда Гоголь уже написал свои знаменитые «Мертвые души», он подверг повесть существенным изменениям: изменил диалоги, эпитеты, а также поменял фамилию главного героя с «Черткова» на «Чартков» во избежание ассоциаций с чертом. Обновленная версия книги появилась в третьем номере «Современника».

В центре сюжета произведения стал портрет, обладавший мистической силой. На его написание Гоголя вдохновил популярный в те года роман Метьюрина «Мельмот Скиталец». Образ же алчного ростовщика был навеян писателю мифом о вечном жиде, который никак не мог обрести покой.

Композиция и конфликт

Повесть «Портрет» делится на две части: первая повествует о Чарткове, а вторая — об истории приобретенного им портрета.

Композиция каждой части повести классическая и делится на экспозицию, в которой нам представляют главного героя, завязку, в которой в повествовании появляется злосчастный портрет, кульминацию, в которой конфликт героя с самим собой достигает своего апогея, развязку, в которой герой погибает и финал, в котором все сюжетные линии логично завершаются.

В основе конфликта произведения лежит противостояние индивида с обществом и самим собой. Мучительный выбор художника между истинным искусством и признанием со стороны толпы.

Род занятий

Андрей зарабатывал на жизнь тем, что писал картины. Парень был, безусловно, талантлив, но данный род занятий не приносил ему желаемого дохода. Он еле сводил концы с концами. За квартиру, снимаемую на Васильевском острове, у него накопилась куча долгов, а внести арендную плату было нечем. Свет в квартире ему заменяла обычная свеча.

«…молодой Чартков был художник с талантом, пророчившим многое…»

«…показывали в нем того человека, который с самоотвержением предан был своему труду…»

Критика

Автор: Александра Барбашова
Интересно? Сохрани у себя на стенке!

Смысл названия

Кроме того, такое название повести заставляет читателя задуматься над проблемами, которые раскрывает писатель. Каким ещё мог бы быть заголовок? Предположим, «Гибель художника» или «Жадность», всё это не несло бы такого символического значения, а зловещее изображение оставалось бы только произведением искусства. Название же «Портрет» фокусирует читателя именно на этом творении, заставляет всегда держать в уме, а впоследствии, видеть в нём больше, чем запечатлённое лицо.

Внешность

Возраст Андрея 22 года. Каких-то особых отличительных черт во внешности не имел. Одевался бедненько. Одежда всегда была грязной и рваной. За своим внешним видом не следил.

«…в нем двадцать два года и горячая юность»

«…бедный художник в старой, потертой шинели…»

«…не имел времени заботиться о наряде»

«…надел свой крепко и сильно заношенный халат»

По ходу произведения его внешний вид претерпевает изменения. Деньги из картины позволили ему улучшить свой образ жизни.

«Прежде всего, зашел к портному, оделся с ног до головы и, как ребенок, стал обсматривать себя беспрестанно; накупил духов, помад, нанял, не торгуясь, первую попавшуюся великолепнейшую квартиру на Невском проспекте».

О чем?

В Петербурге жил молодой талантливый художник Чартков, вынужденный влачить жалкое существование. Однажды, во время прогулки по Щукиному двору, Чартков заметил в лавке портрет с изображением старика, чей взгляд был удивительно живым, пронзительным. Не удержавшись, герой приобрел холст на последние гроши. Он даже не подозревал, что эта покупка круто перевернет всю его жизнь.

В ту же ночь Чарткову приснилось, будто старик на полотне ожил и достал мешок с золотыми червонцами. Утром при осмотре картины герой обнаружил крупную сумму денег. Благодаря неожиданной находке Чартков перебрался в приличную квартиру, купил все необходимое для живописи, решив посвятить всего себя искусству. Вот только вышло все не так, как планировал Чартков.

В короткие сроки герой приобрел славу модного художника, к которому записывалась в очередь представители богатой знати, чтобы написать портрет. В угоду своим капризным клиентам Чартков всячески приукрашал их изображения, тем самым все больше отдаляясь от истинного творчества. Однажды герой увидел работу своего давнего товарища, которая произвела на него большое впечатление. Чартков понял, что перед ним было настоящее произведение искусства. С большим энтузиазмом он принялся творить, вот только рука его совершенно не слушалась, повторяя заученные мазки. Герой с ужасом понял, что в погоне за звонкой монетой утратил свой былой талант. Страшное отчаяние овладело Чартковым. Он принялся скупать лучшие полотна, которые только находил в Петербурге и в творческом бессилии безжалостно уничтожал их. Чартков скончался, погубив свой талант, свою творческую натуру ради комфортной красивой жизни.

Во время аукциона, на котором был выставлен на продажу протрет с изображением ростовщика, появился господин, заявивший на него свои права. Этим господином оказался сын художника, автора мистического портрета. Он принялся рассказывать историю полотна, которое вскоре таинственным образом куда-то исчезло.

Темы

Тематика повести «Портрет» близка каждому, кто имеет отношение или интерес к искусству:

Искусство
– по мнению писателя, творческий человек, выбравший путь служения настоящему искусству, взваливает на себя тяжёлую ношу. Настоящий творец становится обладателем огромной силы искусства, которая способна менять сами человеческие души. Зачастую сам творец так и не обретает своего счастья, но, для Гоголя, это стоит того.
Ремесло
– в лице Чарткова автор изобразил типичного ремесленника, который работает ради денег и популярности, а не ради того, чтобы изменить мир. Такой ремесленник, оставивший настоящее искусство ради наживы, может стать богатым и обожаемым, но он никогда не будет по-настоящему счастливым. Он обречён на разочарование и духовную гибель. Взгляд Гоголя на искусство продиктован его собственной биографией: он так и не завел семью, а все силы посвятил литературному поприщу.
Судьба художника
– Гоголь показывает, что у творца есть два пути: служение настоящему искусству или погоня за наживой. Писатель без сомнения выбирает путь настоящего художника, несмотря на все несчастья, которые ждут на нём человека.
Петербург
– как обычно, Санкт-Петербург изображён Гоголем, как мрачное и холодное место, где нет места жалости и состраданию, а люди подвержены многочисленным порокам.
Маленький человек
. Чартков является не хозяином, а жертвой города. Он слаб, зависим от общественного мнения и даже сходит с ума в конце повести. Его путь к мечте оборвался полным разочарованием, ведь ложные ценности запутали его и завели в чащу, из которой герою не суждено было найти выхода. В отличие от настоящего творца, он не смог побороть соблазны.
Вера
. Религия служит путеводной звездой для творца. Она помогает ему очистить душу и кисть для настоящих шедевров.

Жанр портрета

К жанру портрета принадлежат такие произведения изобразительного искусства, на которых изображен внешний облик определенного человека (либо группы людей). Любой портрет должен изображает индивидуальность, свойственную только лишь конкретному человеку (модели, портретируемому) и на котором изображены черты лица этого человека, его характер и внутреннее состояние.

Само наименование данного жанра проистекает начиная от старофранцузского изречения, обозначающего «повторять что-то черта в черту». Впрочем, наружное сходство отнюдь не один-единственный, да и, конечно же, никак не первенствующий признак художественной идеальности портрета.

Однако передачей внешности и наружной схожести вовсе не довольствуется намерение живописца. Мастерство в изображении портрета предполагает, чтобы одновременно с внешним подобием во внешности модели отображались его духовные интересы, социальное и общественное положение, типичные особенности того времени, в которое он живет.

Кроме того, создатель портрета, чаще всего, вовсе не равнодушный регистратор облика и личностных качеств портретируемого: собственное отношение мастера к модели, его личное миропонимание, его изобразительная манера накладывают дополнительно на портрет ощутимый отпечаток.

Искусство создания портретов и вообще портретный жанр уже насчитывает не одно тысячелетие. Действительное расцветание портретное искусство получило в эпоху Возрождения, в то время, когда высочайшей основой и ключевой важностью построения мира оказалась признана действенная и героическая человеческая личность.

В XVII веке в европейской живописном искусстве на самый первый план выставляется камерный, интимный портрет в противоположение портрету торжественному, парадному и официозному, обращенному на возвышение и возвеличивание портретируемых.

С начала XVIII века портретный жанр энергично начинает развиваться в среде русских художников.

Течение портретного жанра в изобразительном искусстве проходило не в едином направлении, а протекало по многим руслам, не смотря на это в нем довольно определено обнаруживается как совместная устремленность, так и изменение форм выражения, любая из коих обозначена некоторыми стилистическими свойствами. Следовательно, изменялись подход к натуре, тип портрета и его характер, а также живописно-стилистические приемы. Творческая работа определенных живописцев умещается в границы конкретного стилистического течения, для остальных оно совсем выходит за границы.

В первой половине XIX века основным героем в портретном искусстве начинает доминировать романтичная личность, многообразная в своих выражениях. Мечтательство и вместе с этим устремление к героическому порыву, жизненная подлинность лика и нарочитая выразительность позы.

В 1860-1870-е годы демократичное освежение российского художественного искусства, формирование реализма, со всей полнотой отразившееся в работе передвижников, напрямую затронуло и портретную живопись. Одно из центральных мест занял особенный вид портрета — портрет-тип, в котором модель, показывается во всем своем психологическом многообразии, воспринимался кроме того и по его важности в окружающем обществе, изображался в едином соединении его персональных и типических качеств.

Важным фактором, изменившим в завершении XIX века характер портретной живописи, был пленэр. В уходе к пленэру различные русские портретисты нашли все возможности для того, чтобы «пойти» к солнцу, воздушности, вариант для решения цветовых, световых и пространственных задач.

В такой степени искреннего ощущения духовного мира, такой доказательности ситуации, ясности, сочности и невинности цветового пятна не испытывало еще русское портретное искусство. И что конечно в приведенном случае особенно имеет важный смысл — поток света в произведениях молодых русских портретистов не только не растворял в своем содержании образ модели, как, например, зачастую случалось в творениях западного импрессионизма, а, наоборот, оказывал содействие раскрытию жизненной истины, творению одухотворенных и благородных поэтических образов в портретируемых.

Пленэр в значительной мере обогатил русское портретное искусство, однако, при всем этом, он скрывал в своем содержании некоторую опасность, в особенности для портретного жанра. Он добавил в нее фактор сиюминутности и мимолетности, что само по себе разумеется в случае чрезмерного пристрастия к цветовым и световым эффектам угрожало утратой в портрете человека. Не смотря на это в течении 1890-х гг. и в том числе и 2-ух первых десятков лет 20 в. ряд русских портретистов искусно применяли при рисовании в духе пленэр, так же и различные приемы импрессионистской школы.

Раздвижение стилевых границ раскрывало перед портретистами всё новые и новые выразительные возможности. В оценку модели подключались вспомогательные составляющие, дающие возможность наиболее многогранно описать портретируемого, поведать о ее образе бытия, вкусах и заинтересованностях, манере принаряжаться, держать себя.

Портрет в русской живописи окончания 19 — начала 20 в. — событие огромного художественного масштаба. Он очень разнообразен по своим формам и изобразительному языку, а также стилистическим отличительным чертам. Наиболее возвышенные проявления жанра известны своим творческим пониманием натуры, поэтичной художественностью, богатством выразительных возможностей и живописным артистизмом. И порой ежели натура портретируемого не открывается в них целиком и полностью, они все-таки наглядно охарактеризовывают время, обнаруживают качества ее внутреннего бытия и образных исканий. Глубочайшее ощущение эпохи, острота проявления периода времени — одна из особенно сильных сторон самых лучших живописных произведений в портретном жанре, сотворенных на границе столетий.

Жанры живописи: Классификация картин

Знаменитые исторические картины

Дуччо ди Буонинсенья (ок. 1255-1319)

• Строганов Мадонна с младенцем (1300)
Дерево, темпера, золото, Метрополитен-музей Нью-Йорка.
• Алтарь Maesta (1308-1311)
Дерево, темпера, золото, Сиенский собор.

Джотто (1267-1337)

• Скровеньи Фрески часовни (ок.1303-10)
Фресковая живопись, Капелла дельи Скровеньи, Падуя.
— Предательство Христос (Поцелуй Иуды) (1305)
— Оплакивание Христа (1305)

Роберт Кампен (около 1378-1444)

• Зайлерн Триптих (1410)
Масло / сусальное золото на панели, Институт Курто, Лондон.
• Алтарь Мерод (c.1425)
Масло на панели, Монастыри, Метрополитен-музей, Нью-Йорк.

Братья Лимбург (fl.1390-1416)

• трес Riches Heures du Duc de Berry (1413)
Гуашь на пергаменте, Musee Conde, Chantilly.

Ян Ван Эйк (1390-1441)

• Гент Алтарь (1425-32)
Дерево, масло, Собор Святого Бавона, Гент.

Паоло Уччелло (1397-1475)

• Битва of San Romano (1438-55) (ИСТОРИЯ)
Панель, темпера, Национальная галерея Лондона; Уффици Флоренция; Лувр, Париж.

Томмазо Мазаччо (1401-28)

• Бранкаччи Фрески часовни (1424-8)
Фресковая живопись, Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция.
• Святая Троица (1428)
Фресковая живопись, Санта-Мария-Новелла, Флоренция.

Пьеро Делла Франческа (1415-92)

• Бичевание Христа (1450-60)
Темпера на панели, Galleria Nazionale delle Marche, Урбино.

Андреа Мантенья (1431-1506)

• Плач над Мертвым Христом (c.1470-80)
Панель, темпера, Пинакотека Брера, Милан.

Ганс Мемлинг (около 1433-94)

• Последняя Суждение Триптих (1471)
Масло, панель, Muzeum Narodowe, Гданьск.
• Триптих Донна (1480)
Масло, панель, Национальная галерея, Лондон.

Хуго Ван Дер Гус (1440-1482)

• Портинари Алтарь (1479)
Дерево, масло, Галерея Уффици, Флоренция.

Сандро Боттичелли (1445-1510)

• Ла Primavera (1483) (АЛЛЕГОРИЧЕСКАЯ картина)
Темпера на тополевом панно, Уффици, Флоренция.
• Рождение Венеры (1486) (АЛЛЕГОРИЧЕСКАЯ картина)
Холст, темпера, Уффици, Флоренция.

Леонардо да Винчи (1452-1519)

• Девственница скал (1483-5)
Масло, панель, Лувр, Париж.
• Тайная вечеря (1495–98) (Il Cenacolo или L’Ultima Cena)
Смешанная техника / масло и темпера, Монастырь Санта-Мария-делле-Грацие, Милан.

Маттиас Грюневальд (около 1475-1528)

• Изенхаймский алтарь (около 1515)
Масло на деревянной панели, Музей Унтерлинден, Кольмар.

Микеланджело (1475-1564)

• Бытие Фреска (1508-12)
Фресковая живопись, Потолок Сикстинской капеллы, Рим.
• Создание Адам (1511-12)
Фреска, Сикстинская капелла, Рим.
• Страшный суд Фреска (1536-41)
Фреска, Алтарная стена Сикстинской капеллы, Рим.

Рафаэль (1483-1520)

• Школа Афин (Scuola di Atene) (1509-11) (ИСТОРИЯ)
Фреска, Станца делла Сегнатура, Ватикан.
• Сикстинская Мадонна (1513-14)
Холст, масло, Gemaldegalerie Alte Meister, Дрезден.
• Преображенский (1518-20)
Масло, панель, Pinacoteca Apostolica, Ватикан.

Тициан (1488-1576)

• Успенский Богородицы (1516-18)
Масло / панель, Saint Maria Gloriosa dei Frari, Венеция.

Питер Брейгель Старший (c.1525-1569)

• нидерландский Притчи (1559)
Масло на дубовой панели, Gemaldegalerie, СМПК, Берлин.
• Резня младенцев (c.1565-7)
Масло / панель, Художественно-исторический музей, Вена.

Караваджо (1571-1610)

• Ужин at Emmaus (1601-2)
Холст, масло, темпера, Национальная галерея, Лондон.

Рембрандт ван Рейн (1606-69)

• Аристотель Созерцая бюст Гомера (1653) (МИФОЛОГИЧЕСКИЙ)
Музей Метрополитен, Нью-Йорк.
• Вирсавия Держит письмо царя Давида (1654)
Лувр, Париж.
• Заговор Клавдия Цивилиса (1661) (ИСТОРИЧЕСКИЙ)
Национальный музей, Стокгольм.
• Самоубийство Лукреция (около 1666)
Миннеаполисский институт искусств.

Жак Луи Давид (1748-1825)

• Клятва Горациев (1785)
Лувр, Париж.
• Смерть Марата (1793)
Королевские музеи изящных искусств, Брюссель.

ПРИМЕЧАНИЕ: См. Также: Best Художники истории (1400-настоящее время).

Что такое портретная живопись в контексте современного искусства?

Давайте проясним с самого начала: портретная живопись, без сомнения, один из важнейших жанров в истории искусства .Вместе с пейзажами портретная живопись, вероятно, является наиболее часто используемым художественным жанром в искусстве в целом. Для этого существует множество причин, и все они могут быть описаны могущественной магией портретной живописи. Несмотря на все препятствия, с которыми сегодня сталкивается современная портретная живопись, она все еще жива, по-прежнему популярна и, безусловно, будет в ближайшем будущем. Однако современных портретов сталкиваются с обвинениями в том, что они не принадлежат к современному искусству (конечно, не из-за художников, а из-за основных характеристик этого жанра). В частности, речь идет о портретах, на которые нацелены некоторые искусствоведы; Однако портретной живописи благодаря своей магии удается выжить в жесткой конкуренции современного искусства.

Саша Брауниг — Без названия (Ледяной пряный) [деталь]

Что такого волшебного в портретной живописи?

Портретная живопись — это запись внешнего вида и личности человека на фотографии, картине, скульптуре или на любом другом носителе. Что делает его таким волшебным, так это его способность изображать не только физические, но и психологические характеристики фигуры.Когда дело доходит до рисования людей, нам просто нравится смотреть на лица и фигуры других людей. В этом процессе наблюдения есть что-то удовлетворительное (возможно, даже мастурбационное — конечно, в символическом смысле этого слова, но иногда и буквально, если кому-то нравится эротическая портретная фотография, которая также является формой искусства). Однако уже несколько десятилетий портретная живопись считается слишком консервативной, устаревшей и не «соответствует» неписаным нормам, определяющим современное искусство. Тем не менее портретная живопись (даже традиционный вид, достигший своего пика в 19 веке) по-прежнему очень популярен среди коллекционеров и любителей искусства.

Томоо Гокита — Как выйти замуж за миллионера, 2015

Статус портретной живописи в современном искусстве

Одной из основных характеристик портретной живописи является то, что их функция — представление внешнего вида и личности человека. Одно из самых больших влияний движения концептуального искусства на современное искусство в целом — это критика чистой репрезентации.Помимо информации, которую портрет передает своим зрителям относительно внешнего вида объекта, для современного искусства также важно, чтобы портрет содержал контекст, вопросы идентичности, социальные проблемы . Даже символика не может ответить на эти требования. Однако существует очень много примеров художников-портретистов, прекрасно решающих эти вопросы. Давайте просто вспомним удивительное искусство Кехинде Вили, портреты которой характеризуются глубоким политическим и социальным выражением. Портреты Чака Клоуса также настолько новаторские и оригинальные, что никто не может сказать, что их нельзя рассматривать как часть современного искусства.

Смотрите портреты Чака Клоуса, доступные на нашей торговой площадке!

Kehinde Wiley — Femme piquée par un serpent, 2008

Пройдет ли портретная живопись?

С развитием технологий, развитием современной фотографии и распространением социальных сетей одна из основных функций портрета — создание подобия — становится неактуальной, потому что нам действительно не нужен художник, чтобы рассказать нам, как кто-то выглядит. Это особенно касается изображения знаменитостей (т.е. Элизабет Пейтон или даже Энди Уорхол). Теперь мы можем просто погуглить и увидеть изображение знаменитости. У нас также есть бесчисленные фотоконкурсы (например, World Press Photo Contest или международный конкурс уличной фотографии URBAN 2015) с потрясающими портретами, которые часто делают любители. Нас окружают селфи, фотографии в социальных сетях и Интернете — и все они признаны портретными. Итак, какое собственно место портретной живописи в современном искусстве?

Cynthia Westwood — Zinc Tub

Различные примеры портретной живописи в современном искусстве

Да, нас окружают портреты — мы повсюду видим изображения людей.Однако в современном искусстве портреты — это гораздо больше, чем просто изображение. Ему удалось адаптировать свой жанр к требованиям современного искусства. Портретная живопись по-прежнему жива, популярна, и людям она нравится. Он изменил свои формы, он немного отличается от того, что когда-то был, и на него повлияли различные направления в искусстве (абстрактное искусство, минимализм, цифровое искусство). Появляются новые художники, создающие красивые портреты (просто взгляните на работы Саши Браунига), и они обеспечивают прочный статус портретной живописи в современном искусстве.Магия портретной живописи слишком сильна.

Chuck Close

Featured Image: Hendrik Kerstens — Bag (деталь). Все изображения используются только в иллюстративных целях.

Жанровая живопись — Art Term

Жанр живописи особенно развился в Голландии в XVII веке. Наиболее типичными сюжетами были сцены крестьянской жизни или выпивки в тавернах, как правило, небольшого размера.В Британии современные моральные сюжеты Уильяма Хогарта представляли собой особый жанр по своей откровенности и часто острой социальной сатире.

Более простые жанровые картины появились в конце восемнадцатого века, например, у Джорджа Морланда, Генри Роберта Морланда и Фрэнсиса Уитли. Жанровая живопись стала чрезвычайно популярной в викторианскую эпоху после успеха блестяще искусных, но глубоко сентиментальных работ сэра Дэвида Уилки.

К концу девятнадцатого века возникло новое направление жанровой живописи.Художники хотели запечатлеть волнение и мимолетность современной жизни, которую они видели вокруг себя в быстрорастущих мегаполисах, таких как Лондон и Париж. Простые и слегка сентиментальные жанровые сцены викторианской эпохи сменились шумными уличными сценами и сверкающими интерьерами кафе, запечатленными такими художниками-импрессионистами, как Огюст Ренуар и Клод Моне. Размышления о недостатках урбанизации также стали предметом внимания художников. Жанровые сцены художника Camden Town Group Уолтера Сикерта, написанные в начале двадцатого века, включают отчужденные пары в интерьерах, что говорит о том, что люди могут чувствовать одиночество в больших городах.

Что сбивает с толку, слово «жанр» также используется в искусстве для описания различных типов или общих предметов живописи. В семнадцатом веке были установлены пять типов — или «жанров» — живописи, а именно: историческая живопись; портретная живопись; пейзаж; жанровая живопись (сцены из повседневной жизни) и натюрморт. Эти жанры рассматривались художественным истеблишментом как имеющие разный уровень важности: историческая живопись (рисование сцен из истории, библии или литературы) как наиболее важный жанр, а натюрморт (картины неподвижных объектов) как наименее важный. .

Жанр в изобразительном искусстве: портреты, груши, идеальные пейзажи

Задание 1.

Предмет или жанр?

На ранних этапах изучения изобразительного искусства многим ученикам трудно отличить предмет от жанра . Вы можете предварять этот урок планом урока EDSITEment Что на картинке? Введение в предмет в изобразительном искусстве , чтобы учащиеся получили знания по теме предмета в изобразительном искусстве, прежде чем приступить к этому уроку.Для студентов, которые только начинают изучать изобразительное искусство, это краткое задание должно помочь противопоставить понятие жанра понятию предмета.

Если предмет — это то, о чем картина, то чем же отличается жанр картины? Покажите студентам картину Винсента Ван Гога 1890 года « Ирисы ». Попросите их назвать жанр картины. Студенты должны идентифицировать картину как натюрморт. Затем попросите их назвать предмет картины: ирисы.
Попросите учащихся определить тему и жанр трех картин. Например, вы можете следующие изображения:
Теперь, когда они определили жанры, к которым относится каждое из этих произведений, каковы сюжеты этих произведений? Попросите учащихся назвать предметы. Когда они завершат это упражнение, попросите их написать краткое объяснение разницы между предметом и жанром.

Задание 2. Всегда ли история рисует историю?

Подобно жанровой живописи, история живопись — категория, которая не часто используется для описания произведений современного искусства.В прошлом — и особенно в 17-18 веках — историческая живопись считалась самым возвышенным из жанров. Холсты часто были обширными, а объем изображений эпичен. Исторические картины не только посвящены «истории», но включают в себя ряд изображений и тем, от религиозных до аллегорических, мифологических и других.

В начале урока ученики познакомились с исторической живописью с помощью Делакруа, изображающего Христофора Колумба и его сына в Ла Рабида .Это изображение изображает Колумба на пике своего разочарования во время погони за финансовой поддержкой для своих исследований. Он без гроша в кармане и укрылся в монастыре Рабида, однако вскоре он одержит победу над своими препятствиями, поскольку сообщение от королевы Изабеллы, информирующее его о ее решении финансировать его экспедицию, вот-вот достигнет его. Это не рендеринг исторической сцены, свидетелем которой был Делакруа, а то, как он представляет, эта сцена произошла. Что это говорит нам об определении «истории» в названии этого жанра?
Попросите учащихся просмотреть следующие картины.Когда они смотрят на каждую картину, спрашивают студентов: является ли это изображение исторической картиной? Почему или почему нет?
Предмет исторической живописи охватывает огромный диапазон тем и сюжетов, включая мифологические сцены; исторические события; религиозные предметы; и даже аллегории. Как можно понять аллегории как часть жанра «историческая живопись»? Сохраняя те же небольшие группы из трех или четырех человек из последнего упражнения, каждая группа поработает вместе, чтобы написать определение исторической живописи, которое будет охватывать наиболее важные элементы жанра.Студенты могут начать с попытки составить список качеств, которые присутствуют в каждой из четырех исторических картин, представленных в этом уроке. Каковы наиболее важные элементы, которые связывают эти части вместе, несмотря на очень разные темы и темы, охваченные этими изображениями? Определения должны включать идею о том, что исторические картины не являются строго рассказами очевидцев исторических событий, а являются художественным воспроизведением событий, которые, как считается, имели место в прошлом. Даже когда событие — это что-то, что произошло при жизни художника и которое он или она, возможно, даже был свидетелем, эти картины не являются попыткой сообщить о событии, а предназначены для передачи высокого смысла события.Поскольку исторические картины больше связаны с темами и смыслом, чем с репортажами, можно отнести к этой категории картины аллегории и картины мифологии. Студентам также важно отметить, что исторические картины обычно включают в себя идеализированные изображения их персонажей — качество, которое отличает исторические картины с отдельными фигурами от портретов.

Задание 3. Какой жанр представляет собой жанровая картина?

Жанр Живопись сегодня не является категорией, часто используемой для описания современных произведений искусства, даже если они соответствуют параметрам этой категории. В 17, 18 и 19 веках Европа была очень популярным жанром, в котором работали художники, и некоторые из самых известных художников этих веков преуспели в этой области.

В начале урока студенты смотрели картину «Спящая дева» голландского художника Йоханнеса Вермеера. Вермеер — один из самых известных художников своего времени, особенно его жанровые картины. Его картин немного — всего около 35 известных работ, но они богаты деталями. На многих его картинах запечатлен образ одинокого человека, часто женщины, в домашней обстановке.Чем эти изображения отличаются от простых портретов?
Покажите учащимся следующие изображения. Когда они смотрят на каждую картину, спрашивают учащихся: является ли это изображение жанровой картиной? Почему или почему нет?
Хотя тематика каждой из этих картин очень разная, все три являются жанровыми картинами. Сохраняя те же небольшие группы из трех или четырех человек из последнего упражнения, каждая группа поработает вместе, чтобы написать определение жанровой живописи, которое будет охватывать наиболее важные элементы жанра. Эта категория работ охватывает множество сюжетов, от непристойных голландских таверн 17 века до угольных шахт Ньюкасла. Каковы наиболее важные элементы, которые связывают эти части вместе, несмотря на очень разные времена, места и стили? Определения должны включать идею о том, что жанровые картины сосредоточены на изображении «повседневной жизни».
Портреты — это изображение реального человека, которого иногда показывают посреди дневных дел. Жанровые картины показывают людей — иногда реальных, наблюдаемых людей — занимающихся своими делами, делами и развлечениями повседневной жизни.Как мы можем различить, когда изображение — портрет, а когда — жанровая картина?
Часто граница между этими двумя жанрами очень тонкая или вообще отсутствует. Многие картины содержат аспекты как жанровой живописи, так и портретной живописи. Попросите студентов просмотреть следующее изображение голландского художника Эльберта Кейпа. Это портрет? Это жанровая картина? И то, и другое? Попросите студентов объяснить свои ответы.

Задание 4. Прекрасное сходство: портреты

Большинство студентов уже хорошо знакомы с портретами — и, вероятно, когда-то их фотографировали! Но что отличает портрет от любого изображения человека? Есть ли разные портреты?

На портрете в начале этого урока изображен Эндрю Джексон, лицо которого, скорее всего, уже знакомо большинству студентов по учебникам истории и по 20-долларовой купюре.Но все ли портреты изображают известных людей? Что делает портрет портретом?
Попросите учащихся просмотреть следующие картины. Когда они смотрят на каждую картину, спрашивают студентов: является ли это изображение портретной картиной? Почему или почему нет?
Все ли портреты изображают известных людей? На одном из портретов этой группы изображена Мод Адамс, известная актриса на момент написания этого изображения. Попросите студентов обсудить, нужно ли натурщику, чтобы портрет был известным.Попросите их объяснить свои ответы.
Все ли портреты одинаковы или бывают разные портреты? Попросите учащихся попытаться определить несколько разных типов портретов. В их список могут входить официальные портреты (например, портреты глав государств), такие как изображение Джексона; автопортреты, такие как изображение Ван Гога в этой группе; сюда включены семейные портреты, такие как изображение мадам Моне и ее сына; или портреты на память (популярные в те времена, когда еще не было фотографии, когда семьи часто заказывали портреты умерших близких).
Одна из картин в этой группе не является портретом, но была включена в эту группу как способ помочь студентам распознать границы и необходимые компоненты портретной живописи. Сохраняя те же небольшие группы из трех или четырех человек из последнего упражнения, каждая группа поработает вместе, чтобы написать определение портретной живописи, которое будет охватывать наиболее важные элементы жанра. Это должно включать идею о том, что портрет — это что-то, что отражает сходство человека, которого видел художник.Может ли образ человека, которого художник никогда не видел, быть портретом? Учащиеся должны уметь идентифицировать картину Бастьена-Лепажа под названием «Жанна д’Арк» как изображение, которое не является портретом. Попросите учащихся определить, к какому жанру принадлежит это изображение. Возможно, вы захотите повторно представить это изображение с помощью действия History Painting .

Задание 5. Знакомство с ландшафтом: пейзажи

Как и натюрморты, жанр пейзажной живописи охватывает большой и разнообразный спектр произведений.Хотя слова «пейзажная живопись» вызывают у многих умы изображения английского художника-пейзажиста, спокойную сельскую местность Джона Констебля, в эту категорию также входят картины городов, ферм и городов.

Учащиеся начали этот урок с просмотра одной из пейзажных картин Джорджа Иннесса с изображением американского пейзажа. Иннесс много лет жил на севере Нью-Джерси, раскрашивая холмы и пышную растительность этого района. Большая часть региона, где жил Иннесс, теперь является частью городских и пригородных районов, которые окружают Нью-Йорк в штате, который сегодня является самым густонаселенным в стране.Если бы Иннесс была все еще жива и нарисовала то же самое место, которое мы видим в Осенних дубах, как оно выглядит сегодня — с многоквартирными домами, шоссе и рекламными щитами, — все равно это был бы пейзаж? Почему или почему нет?
Затем попросите учащихся просмотреть следующие картины. Когда они смотрят на каждую картину, попросите учащихся подумать, является ли изображение пейзажем. Они должны объяснить свои ответы для каждой картины.
Хотя тематика каждой из этих картин очень разная, все три — это пейзажи.Собрав те же небольшие группы из трех или четырех человек из последнего упражнения, каждая группа поработает вместе, чтобы написать определение пейзажной живописи, которое будет охватывать наиболее важные элементы жанра. В определениях следует отметить, что «пейзаж» не ограничивается изображениями природного мира, но также включает в себя созданные человеком пейзажи, от возделываемых и управляемых земель, изображенных на изображениях ферм, до городских пейзажей, которые отражают свет и движение мегаполисов мира. Например, работы Брака относятся к подкатегории пейзажной живописи — морским пейзажам, а работы Слоана — это пример другой подкатегории пейзажной живописи — городского пейзажа.

Задание 6. Больше, чем фрукты и цветы: натюрморт

Натюрморт для многих студентов является наиболее легко узнаваемой категорией живописи. Когда мы думаем о натюрмортах, мы часто представляем фрукты и цветы, расположенные на столе, задрапированном тканью. Это точное описание многих натюрмортов, хотя в этом упражнении учащиеся познакомятся с одним из видов натюрморта, который несет более глубокий смысл, чем красота полированного яблока или банка с первоцветами.

Студенты уже просмотрели натюрморт французского художника Поля Сезанна. Какие ключевые компоненты этой картины делают ее образцом жанра натюрморт?
Попросите учащихся просмотреть следующие картины. Когда они смотрят на каждую картину, спрашивают студентов: это натюрморт? Почему или почему нет?
Хотя тематика каждой из этих картин очень разная, все три являются натюрмортами. Разделите класс на небольшие группы по три или четыре человека.Попросите каждую группу поработать вместе, чтобы написать определение натюрморта, которое будет охватывать наиболее важные элементы жанра. Определения должны включать наблюдение не только того, что объект состоит из неодушевленных предметов (фруктов, цветов, музыкальных инструментов, горшков, бутылок, ракушек), но и того, что художник определенным образом расположил предметы перед их раскрашиванием.
Если у вас есть время, вы можете представить идею о том, что, хотя часто считается, что натюрморт не имеет более глубокого или скрытого смысла, помимо эстетики композиции и цвета предметов, содержащихся в картине, это не всегда так. .Один из способов представить эту концепцию — показать классу картину vanitas . Слово vanitas происходит от латинского слова, означающего тщеславие, и картины должны были напоминать зрителям, что вся жизнь мимолетна: забыть о больших силах, действующих во вселенной, было высшим тщеславием. Ванитас картин были особенно популярны среди голландских и фламандских художников в 17 веке и отличались выбором предметов, составляющих их сюжет. На натюрмортах Vanitas часто изображались черепа людей или животных, а также предметы, продолжительность жизни которых была короткой, например цветы.Вы можете показать классу следующий пример картины vanitas :

Мероприятие 7. Жанры в целом

Студенты, вероятно, сталкивались с концепцией жанра — даже если они не осознают этого — в фильмах, книгах и даже телешоу. Это задание познакомит студентов, которые еще не знакомы с этим термином, с идеей жанра в целом и изобразительного искусства в частности.

Напишите на доске список жанров: мистика, драма, комедия, мелодрама и т. Д.Разделите учащихся на группы по четыре человека и попросите каждую группу поработать вместе, чтобы составить список того, что отличает элементы в списке и что у всех этих вещей общего. После того, как они составят свой список, объясните, что каждый из пунктов, написанных на доске, является названием жанра в искусстве, например литературы или кино. Затем учащиеся должны использовать свой список общих качеств, чтобы поработать над определением термина жанр . Определения, которые собираются учащимися, должны включать идею о том, что жанр — это категория предмета творческих работ.
Объясните учащимся, что произведения изобразительного искусства часто делятся на разные жанры. До недавнего времени это особенно относилось к европейской и американской живописи. Спросите учащихся, могут ли они придумать какие-либо жанры живописи, и попросите их составить свой список на доске. Они могут сравнить список, составленный классом, с примерами, которые они будут видеть, обнаруживая, какие из категорий в их списке появляются, а какие нет.
Затем представьте классу изображения картин, которые иллюстрируют некоторые из основных жанров западной живописи.Каждое из этих изображений доступно на веб-ресурсах The Metropolitan Museum of Art или The National Gallery, проверенных EDSITEment. Вы можете попросить учащихся прочитать определения для каждого из этих жанров, которые доступны на веб-ресурсе Internet Public Library, прошедшем рецензирование EDSITEment, или вы можете дать краткое объяснение жанров, пока вы показываете примеры классу. По мере того, как учащиеся просматривают эти примеры, попросите их записать качества или компоненты каждого жанра, которые помогут им определить дополнительные примеры жанра в будущем.
Разделите студентов на небольшие группы по три или четыре человека. Используя заметки, которые они сделали при просмотре каждого примера жанра, учащиеся должны вместе составить список отличительных черт для каждого жанра. По мере того, как класс узнает больше о каждом жанре, студенты должны добавлять соответствующую информацию в свои списки определяющих характеристик.

Заметки о конвергенции жанра и портрета в голландской живописи семнадцатого века в JSTOR

Абстрактный

Основной, но мало обсуждаемой чертой голландского натурализма позднего семнадцатого века является конвергенция жанровой живописи и портретной живописи в их общей озабоченности сеттингом и социальной средой семейной жизни высшего среднего класса.Особый интерес представляют жанровые сцены, имитирующие правила портретной живописи. Такие работы не только демонстрируют чувствительность голландских художников к роли общих границ в формальном словаре натурализма, но также демонстрируют осознание степени, в которой портретные условности связаны с социальными условностями вежливости и приличия. В своей скрытой символике эти жанровые картины создают иронические инверсии социальных значений портретной живописи, предполагая, что аморальные мысли скрываются за формальными фасадами представленных фигур.Учитывая неявно «эстетическую» природу хорошей социальной формы, это разделение между формой и содержанием также влечет за собой разрыв между искусством и реальностью, который имеет более широкие последствия для ироничного характера и неуловимого смысла голландского натурализма в этот период.

Информация о журнале

The Art Bulletin публикует ведущие стипендии на английском языке по всем аспектам истории искусств, которые практикуются в академиях, музеях и других учреждениях.С момента своего основания в 1913 году журнал публикует на основе строгих экспертных оценок научные статьи и критические обзоры высочайшего качества во всех областях и периодах истории искусства. В статьях используются самые разные методологические подходы — от исторического до теоретического. Выполняя свою миссию в качестве официального журнала, The Art Bulletin способствует активному участию в интеллектуальных разработках и дискуссиях в современной художественно-исторической практике. Журнал, который принимает заявки от ученых со всего мира и на всех этапах карьеры, издается Ассоциацией искусств колледжей четыре раза в год: в марте, июне, сентябре и декабре.

Информация об издателе

Основанное в 1911 году Художественное объединение колледжа … Способствует передовому опыту и преподаванию истории и критики. изобразительного искусства и творчества и технических навыков в преподавании и практики искусства. Облегчает обмен идеями и информацией между заинтересованными в искусстве и истории искусства. Выступает за всестороннее и инклюзивное образование в области изобразительного искусства. Выступает от имени членов по вопросам, касающимся изобразительного искусства и гуманитарных наук.Предоставляет возможности для публикации стипендий, критики и работ художников. сочинения. Способствует развитию карьеры и профессионального роста. Определяет и разрабатывает источники финансирования практики искусства и стипендий в искусство и гуманитарные науки. Отмечает достижения художников, искусствоведов и критиков. Формулирует и подтверждает высочайшие этические стандарты поведения профессия. Разрешение на фотокопирование текстов для внутреннего или личного использования (помимо этого разрешено статьями 107 и 108 U.S. Закон об авторском праве), или единовременно, ограниченное использование в некоммерческих учебных заведениях в учебных пакетах или закрытый доступ в учебных заведениях. веб-сайты курса Интранет, предоставленный Ассоциацией искусств колледжа без плата. Для других целей, пожалуйста, сначала свяжитесь с отдельным автором и / или другим правообладатели, чтобы получить письменное разрешение, затем Колледж художественной ассоциации.

Контент | Безграничная история искусства

Типы содержимого

В искусстве используются портреты, пейзажи, натюрморты, жанровое и повествовательное искусство.

Цели обучения

Опишите различные категории изобразительного или абстрактного искусства.

Основные выводы

Ключевые моменты

Контент в произведении искусства относится к тому, что изображается, и может быть полезным для получения основного значения. Он появляется в изобразительном искусстве в нескольких формах, каждая из которых может быть образной (реалистичной) или абстрактной (искаженной). Среди них портреты, пейзажи, натюрморты, жанровое и повествовательное искусство.
Portraits представляет собой изображение человека и может включать исследование настроения или личности натурщика.
Пейзажи изображают природные пейзажи, такие как горы, долины, деревья, реки и леса, особенно там, где основным объектом является широкий обзор.
Натюрморт — это произведение искусства, изображающее в основном неодушевленные предметы, обычно обычные предметы, которые могут быть как естественными, так и созданными руками человека.
Жанровое искусство включает в себя графическое изображение сцен или событий повседневной жизни в различных средствах, тогда как повествовательное искусство рассказывает историю, которая может быть реальной или вымышленной.

Контент в произведении искусства относится к тому, что изображается, и может быть полезным для определения основного значения. Иногда контент прост; в других случаях, однако, это менее очевидно и требует дополнительной информации. Содержание появляется в изобразительном искусстве в нескольких формах, каждая из которых может быть образной (реалистичной) или абстрактной (искаженной). Среди них портреты, пейзажи, натюрморты, жанровое и повествовательное искусство.

Портреты

Портрет — это картина, фотография, скульптура или другое художественное изображение человека, в котором преобладают лицо и его выражение.Цель состоит в том, чтобы отобразить сходство, личность и даже настроение человека. По этой причине в фотографии портрет, как правило, не снимок, а составное изображение человека в неподвижном положении. Портрет часто показывает человека, смотрящего прямо на художника или фотографа, чтобы наиболее успешно привлечь внимание зрителя к объекту.

Филип Берн — Джонс с кошкой : Коллекция Джорджа Грэнтэма Бейна, Библиотека Конгресса, Вашингтон, округ Колумбия.

Пейзажи

Пейзажная живопись, также известная как пейзажное искусство, представляет собой изображение в искусстве пейзажей — природных пейзажей, таких как горы, долины, деревья, реки и леса, особенно там, где основным предметом является широкий вид, — с его элементами, расположенными в единое целое. состав . В других работах пейзажные фоны для фигур все еще могут составлять важную часть работы. Небо почти всегда присутствует в кадре, а погода часто является элементом композиции. Детализированные пейзажи как отдельный предмет не встречаются во всех художественных традициях и развиваются, когда уже существует сложная традиция изображения других предметов.

Анри Матисс. Пейзаж в Коллиуре (1905) : Холст, масло. 38,8 x 46,6 см. Музей современного искусства, Нью-Йорк. Матисс был членом группы фовистов (по-французски «дикие звери»), которые использовали смелые цвета для передачи эмоций.

Натюрморты

Натюрморт (натюрморты во множественном числе) — это произведение искусства, изображающее в основном неодушевленные предметы, обычно обычные предметы, которые могут быть как естественными (еда, цветы, мертвые животные, растения, камни или ракушки), так и искусственными (стаканы для питья). , книги, вазы, украшения, монеты, трубки и так далее).Ранние натюрморты, особенно до 1700 года, часто содержали религиозную и аллегорическую символику, относящуюся к изображаемым объектам. Некоторые современные натюрморты преодолевают двумерный барьер и используют трехмерную смешанную технику, а также используют найденные объекты, фотографию, компьютерную графику, а также видео и звук.

Мария ван Остервейк. Vanitas Still-Life (1668) : Холст, масло. 73 х 88,5 см. Художественно-исторический музей, Вена.

Жанровое искусство

Жанровое искусство — это графическое изображение сцен или событий повседневной жизни в различных средах, таких как рынки, домашние условия, интерьеры, вечеринки, сцены в гостиницах и уличные сцены.Такие изображения (также называемые жанровыми произведениями, жанровыми сценами или жанровыми представлениями) могут быть реалистичными, воображаемыми или романтизированными художником.

Николаес Маес. Праздный слуга ( 1655) : Холст, масло. Национальная галерея, Лондон. Жанровые сцены голландского барокко часто содержат важные моральные уроки в качестве подтекстов.

Художественное произведение

Повествовательное искусство — это искусство, которое рассказывает историю либо как момент в продолжающейся истории, либо как последовательность событий, разворачивающихся во времени.Некоторые из самых ранних свидетельств человеческого искусства предполагают, что люди рассказывали истории с помощью картинок. Однако без некоторого знания рассказываемой истории очень трудно читать древние изображения, потому что они не организованы систематическим образом, как слова на странице, а могут разворачиваться одновременно во многих разных направлениях.

Хагесандрос, Афинедорос и Полидорос. Лаокоон и его сыновья (I век до н. Э.) : Мрамор. Музей Ватикана, Рим. Эта мраморная скульптура изображает сцену из эпоса Вергилия « Энеида », в которой троянский провидец Лаокоон предвидит Троянского коня и разрушение Трои греками.Прежде чем он успеет предупредить своих сограждан, морской бог Нептун (союзник греков) посылает своих змей, чтобы убить Лаокоона и его сыновей.

Фигуративное и абстрактное искусство

Искусство существует в диапазоне от реалистической репрезентативной работы до полностью не репрезентативной работы.

Цели обучения

Различия между фигуративным и абстрактным искусством

Основные выводы

Ключевые моменты

Репрезентативное искусство, или изобразительное искусство, ссылается на объекты или события в реальном мире.
Романтизм, импрессионизм и экспрессионизм способствовали появлению абстрактного искусства в девятнадцатом веке.
Даже репрезентативная работа в некоторой степени абстрагирована; полностью реалистическое искусство неуловимо.

Ключевые термины

правдоподобие : Свойство казаться истиной, походить на реальность; сходство с реальностью, реализм.

Живопись и скульптура можно разделить на категории образные (или изобразительные) и абстрактные (или непредставительные).Фигуративное искусство описывает произведения искусства — особенно картины и скульптуры, — которые явно получены из источников реальных объектов и, следовательно, по определению являются репрезентативными. С появлением абстрактного искусства в начале двадцатого века термин «фигуративный» использовался для обозначения любой формы современного искусства, которая сохраняет сильные отсылки к реальному миру.

Иоганн Антон Эйсманн, Ein Meerhafen , 1600-е годы : На этом образном произведении 17 века изображены легко узнаваемые объекты — корабли, люди и здания.

Художественная независимость была продвинута в девятнадцатом веке, что привело к появлению абстрактного искусства. Три движения, которые внесли большой вклад в развитие этих стилей, — это романтизм, импрессионизм и экспрессионизм.

Абстракция указывает на отход от реальности в изображении образов. Абстракция существует вдоль континуума; он может формально относиться к композициям, которые являются производными (или абстрагированными) из фигуративных или других природных источников, или он может относиться к нерепрезентативному искусству и беспредметному искусству, которое не имеет производных от фигур или объектов.

Даже искусство, стремящееся к высшей степени правдоподобия, можно назвать абстрактным, по крайней мере теоретически, поскольку идеальное изображение, вероятно, будет чрезвычайно неуловимым. Произведения искусства, которые допускают вольности, изменяя, например, цвет и форму заметным образом, можно назвать частично абстрактными.

Робер Делоне, Le Premier Disque , 1912–1913 : Работы Делоне — образец раннего абстрактного искусства.

Нерепрезентативное искусство относится к тотальной абстракции, не имеющей следов каких-либо ссылок на что-либо узнаваемое.Например, в геометрической абстракции вряд ли можно найти ссылки на натуралистические объекты. Фигуративное искусство и полная абстракция почти исключают друг друга, но фигуративное или изобразительное искусство часто содержит по крайней мере один элемент абстракции.

Значение в нерепрезентативном искусстве

Значение в искусстве непредставления очень субъективно, и его трудно определить.

Цели обучения

Связать значение непредставительного искусства, его цели и конкретные выражения

Основные выводы

Ключевые моменты

Нерепрезентативное произведение искусства относится к искусству, которое не пытается представить или отсылать к реальности.
В конце 19 века художники начали двигаться в сторону увеличения абстракции как средства более личной и творческой передачи субъективного опыта.
Такие художники, как Кандинский и Мондриан, рассматривали искусство как выражение духовности.

Ключевые термины

экспрессионизм : движение в искусстве, в котором художник изображает не объективную реальность, а скорее субъективное выражение внутреннего опыта.
непредставительный : Не предназначен для отображения физического объекта в реальности.

Нерепрезентативное искусство относится к композициям, которые ни в какой степени не полагаются на репрезентацию или имитацию. Абстрактное искусство, нефигуративное искусство, необъективное искусство и непредставительное искусство — это родственные термины, которые указывают на отклонение от реальности в изображении образов в искусстве. Смысл в искусстве непредставления очень субъективен, и его трудно определить. Мы можем сосредоточиться на элементах произведения искусства (форма, форма, линия, цвет, пространство и текстура) с точки зрения эстетической ценности работы, но , означающее , всегда будет личным для зрителя, если только художник не сделал заявление о своих намерениях.

В целом, мы можем рассматривать нерепрезентативное искусство как личное выражение субъективного опыта художника. Некоторые движения описывают свои намерения как цель вызвать у зрителя настроение или эмоции. Хороший пример — экспрессионисты начала 20 века, которые стремились представить мир исключительно с субъективной точки зрения, радикально искажая его для эмоционального эффекта.

Нерепрезентативное искусство часто использовалось художниками как средство духовного самовыражения.Василий Кандинский, русский художник, гравер и теоретик искусства, является одним из самых известных художников 20-го века и обычно считается первым крупным художником современного абстрактного искусства. Будучи ранним модернистом в поисках новых способов визуального выражения и духовного выражения, он теоретизировал (как и современные оккультисты и теософы), что чистая визуальная абстракция имеет следствие вибраций со звуком и музыкой. Он утверждал, что чистая абстракция может выражать чистую духовность.

Василий Кандинский, Композиция VII , 1913 : Кандинский признан отцом современного абстрактного искусства ХХ века.

Искусство Пита Мондриана также было связано с его духовными и философскими исследованиями. В 1908 году он заинтересовался теософским движением, начатым Еленой Петровной Блаватской, которая считала, что можно достичь более глубокого познания природы, чем то, которое дается эмпирическими средствами, и большая часть работ Мондриана до конца его жизни была вдохновлена его поиск этого духовного знания.

Иконография

Иконография — это научное исследование содержания изображений, включая идентификацию, описание и интерпретацию.

Цели обучения

Определить иконографию и интерпретировать или выполнить иконографический анализ изображения

Основные выводы

Ключевые моменты

Академические исследования иконографии в живописи возникли в XIX веке во Франции и Германии.
Иконографическая наука стала особенно заметной в истории искусства после 1940 года.
В ХХ веке иконография стала интересной для широкой публики за пределами научного сообщества.

Ключевые термины

иконография : раздел истории искусства, изучающий идентификацию, описание и интерпретацию содержания изображений.

Иконография — это раздел истории искусства, изучающий идентификацию, описание и интерпретацию содержания изображений, таких как изображаемые предметы, особенности композиции и другие элементы, отличные от художественного стиля.

Иконография как академическая художественно-историческая дисциплина развивалась в XIX веке в трудах таких ученых, как Адольф Наполеон Дидрон (1806–1867), Антон Генрих Спрингер (1825–1891) и Эмиль Мале (1862–1954).Христианское религиозное искусство было главным предметом изучения на протяжении всего этого периода, и французские ученые были особенно заметны. Они обратились к более ранним попыткам классифицировать и систематизировать предметы энциклопедически, как руководство к пониманию произведений искусства, как религиозных, так и светских, в более научной манере, чем популярный эстетический подход того времени. Эти ранние вклады проложили путь для энциклопедий, руководств и других публикаций, полезных для определения содержания искусства.

В Германии начала двадцатого века Аби Варбург (1866–1929) и его последователи Фриц Саксл (1890–1948) и Эрвин Панофски (1892–1968) разработали практику идентификации и классификации мотивов в изображениях, чтобы использовать иконографию в качестве средства. понимания смысла.Панофски систематизировал влиятельный подход к иконографии в своих исследованиях по иконологии 1939 года, где он определил ее как «отрасль истории искусства, которая занимается предметом или значением произведений искусства, а не формой». Различие, проведенное им и другими учеными между отдельными определениями «иконографии» (проще говоря, идентификации визуального содержания) и «иконологии» (анализ значения этого содержания), не было общепринятым, хотя оно все еще используется некоторые писатели.

В то время как большинство иконографических исследований остается очень плотным и специализированным, некоторые анализы начали привлекать гораздо более широкую аудиторию; Например, теория Панофски (которая сейчас в основном не пользуется популярностью у специалистов) состоит в том, что надпись на задней стене в картине «Портрет Арнольфини » Яна ван Эйка превратила картину в запись брачного контракта. Гольбейна «Послы » были предметом книг для широкого рынка с новыми теориями относительно его иконографии; Помимо того, что это двойной портрет, картина содержит натюрморт из нескольких тщательно прорисованных предметов, значение которых вызывает много споров.Самый заметный и известный из символов Гольбейна в работе — искаженный череп, помещенный в нижнем центре композиции. Считается, что череп, изображенный в анаморфической перспективе, еще одно изобретение раннего Возрождения, был напоминанием о смерти и смертности.

Ян ван Эйк, Портрет Арнольфини, 1434 : Иконография в этой работе исторически была предметом споров из-за множества ее значений. Некоторые ученые предположили, что картина на самом деле была брачным контрактом из-за надписи на стене на заднем плане.

Голландские художники | Безграничная история искусства

Ter Brugghen, van Honthorst, Hals, Leyster

Хендрик тер Бругген, Геррит ван Хонтхорст, Франс Хальс и Джудит Лейстер были важными жанровыми художниками Голландской республики.

Цели обучения

Объясните важность тер Бруггена, ван Хонтхорста, Хальса и Лейстера для жанровой живописи Голландской республики

Основные выводы

Ключевые моменты

Тер Бругген и Хонтхорст были художниками из голландского города Утрехт, которые работали в традиции Караваджисти, подражая драматическому использованию света и тени Караваджо.Оба художника были напрямую вдохновлены путешествиями в Италию.
Таверны и другие изображения оживленных развлечений были обычным делом для художников-жанристов этого периода.
Франса Хальса, еще одного известного голландского художника, помнят прежде всего за его портретную живопись и новаторское использование свободной манеры.
Джудит Лейстер — одна из немногих признанных женщин-художников Золотого века Голландии, известная тем, что изображает женские предметы в домашних сценах.
Работа Лейстер очень похожа на работу Хальс, что побудило некоторых историков предположить, что она могла быть его ученицей.

Ключевые термины

светотень : Художественная техника, разработанная в эпоху Возрождения, относящаяся к использованию преувеличенных световых контрастов для создания иллюзии объема.
Караваджисти : Стилистические последователи итальянского художника эпохи барокко XVI века Микеланджело Меризи да Караваджо.
Маньеризм : Стиль искусства, разработанный в конце Высокого Возрождения, характеризующийся преднамеренным искажением и преувеличением перспективы, особенно удлинением фигур.

Золотой век Голландии

Золотой век Голландии был периодом в истории Голландии, обычно охватывающим 17 век, во время и после более поздней части Восьмидесятилетней войны (1568–1648) за независимость Голландии. Хотя голландская живопись Золотого века относится к общеевропейскому периоду живописи барокко и часто демонстрирует многие ее характеристики, большинству из них не хватает идеализации и любви к великолепию, типичных для многих работ в стиле барокко, в том числе из соседней Фландрии.Большинство работ в Голландии этой эпохи, в том числе и те, которыми этот период наиболее известен, отражают традиции детального реализма, унаследованные от ранней нидерландской живописи.

Отличительной чертой этого периода является распространение различных жанров картин, при этом большинство художников создают большую часть своих работ в рамках одного из них. Полное развитие этой специализации наблюдается с конца 1620-х годов, и период с тех пор до французского вторжения 1672 года является стержнем живописи Золотого века.Утрехтские караваджисты Хендрик тер Бругген и Геррит ван Хонтхорст, а также Франс Хальс и Джудит Лейстер были жанровыми художниками Голландской республики. В их работах обычно изображались таверны и другие развлекательные заведения, которые отвечали вкусам и интересам растущего сегмента голландского среднего класса.

ter Brugghen

Хендрик Янс тер Бругген (1588–1629) был голландским художником и одним из ведущих представителей голландских последователей Караваджо или голландских Караваджисти.Тер Бругген начал рисовать в возрасте 13 лет, обучаясь у Авраама Блумарта, художника-историка, обучавшегося маньеризму. Около 1604 года тер Бругген отправился в Италию, чтобы расширить свои навыки, как и многие его голландские коллеги. Находясь в Риме, он мог напрямую контактировать с Караваджо. Он, безусловно, изучал свои работы, а также работы своих последователей, известных как итальянский Караваджисти. По возвращении в голландский город Утрехт он работал с Жераром ван Хонтхорстом, еще одним членом голландского Караваджисти.

Флейтист тер Бруггена, 1621 : тер Бругген с Герардом ван Хонтхорстом импортировали техники Караваджо из Италии в начале 17 века.

Любимыми предметами Тер Бруггена были поясные фигуры пьющих или музыкантов, но он также создавал крупномасштабные религиозные изображения и групповые портреты. Он унес с собой влияние Караваджо, и в его картинах ярко выражено драматическое использование света и тени, а также эмоционально окрашенных предметов.Хотя он умер довольно молодым в возрасте 41 года, его работы были хорошо приняты и оказали большое влияние на его жизнь.

Концерт Тер Бруггена (1627), 99,1 x 116,8 см, Национальная галерея, Лондон : Некоторыми из любимых предметов Тер Бруггена были поясные фигуры пьющих или музыкантов с сильным драматическим использованием света и тени в стиль Караваджо.

Ван Хонтхорст

Герард ван Хонтхорст (1590–1656) родился в Утрехте, а также учился у Абрахама Блумарта.В 1616 году Хонтхорст также путешествовал по Италии и находился под сильным влиянием недавнего искусства, с которым он там познакомился. Хонтхорст вернулся в Утрехт в 1620 году и заработал значительную репутацию как в Голландской республике, так и за рубежом.

Хонтхорст ненадолго стал придворным художником Карла I в Англии в 1628 году. Его популярность в Нидерландах была такова, что он открыл вторую студию в Гааге, где писал портреты придворных и преподавал рисование. Хонтхорст культивировал стиль Караваджо и имел большое мастерство в светотени, часто рисовал сцены, освещенные единственной свечой.Помимо портретов, он известен тем, что рисует сцены в тавернах с музыкантами, игроками и людьми, которые едят.

Сват Джерарда ван Хонтхорста, 1625 : Эта картина демонстрирует использование Хонтхорстом светотени, стиля, ставшего популярным благодаря Караваджо.

Галс

Франс Хальс Старший (ок. 1582–1666) был особенно известен своей свободной живописной манерой рисования, живым стилем, который он помог привнести в голландское искусство. Галс также сыграл важную роль в развитии группового портрета 17 века.Он, пожалуй, наиболее известен своими портретами, которые были в основном состоятельными гражданами и известными купцами, такими как Питер ван ден Броке и Исаак Масса. Он также писал большие групповые портреты для местной гражданской гвардии и руководителей местных больниц. Его картины иллюстрируют различные слои общества: банкеты или собрания офицеров, членов гильдии, членов местных советов от мэров до клерков, странствующих игроков и певцов, джентльменов, рыбачьих хозяйок и героев таверн. В своих групповых портретах, таких как Офицеры роты милиции Святого Адриана , Хальс запечатлел каждого персонажа по-своему.Галс любил дневной свет и серебристый блеск, в отличие от Рембрандта, который использовал эффекты золотого свечения.

Офицеры роты милиции Св. Адриана , автор Франс Халс, 1633 : Это вторая картина для гражданской гвардии Клавени, Св. Адриана или Св. Адриана, написанная Франсом Хальсом; сегодня он считается одной из главных достопримечательностей музея Франса Хальса.

Лейстер

Джудит Янс Лейстер (1609–1660) была одной из трех выдающихся женщин-художников голландской живописи Золотого века.Двое других, Рэйчел Рюйш и Мария ван Остервейк, были специализированными художниками цветочных натюрмортов, в то время как Лейстер рисовал жанровые работы, несколько портретов и единственный натюрморт. Лейстер в основном отказалась от живописи после замужества, в результате которого родилось пятеро детей. Лейстер была особенно новаторской в своих домашних жанровых сценах. В них она создает тихие сцены с женщинами дома, которые не были популярной темой в Голландии до 1650-х годов.

Игра в карты Джудит Лейстер : Сюжет Лейстер был похож на другие жанровые художники того периода, за исключением того, что она, как правило, фокусировалась на женских сюжетах.

Несмотря на то, что Лейстер была хорошо известна при жизни и ценилась современниками, после ее смерти Лейстер и ее работы были в значительной степени забыты. Лейстер был открыт заново в 1893 году, когда Лувр приобрел то, что, по его мнению, было картиной Франса Хальса, но обнаружил, что на самом деле она была написана Джудит Лейстер. Некоторые историки утверждали, что Хальс мог быть учителем Лейстера из-за близкого сходства их работ; например, Leyster’s The Merry Drinker от 1629 года очень сильно напоминает The Jolly Drinker из 1627-1928 годов Хальса.

Рембрандт

Рембрандта помнят как одного из величайших художников в истории Европы и самого важного деятеля Золотого века Голландии.

Цели обучения

Опишите характеристики картины Рембрандта

Основные выводы

Ключевые моменты

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669) известен прежде всего портретами современников, автопортретами, пейзажами и иллюстрациями к библейским сценам.
Автопортреты Рембрандта исключительно искренние, откровенные и личные, иллюстрирующие его развитие с течением времени.
Стилистически работы Рембрандта эволюционировали от гладких к грубым в течение его жизни.
Толстые грубые мазки в работах Рембрандта были нетрадиционными в то время и плохо воспринимались многими его современниками, хотя сейчас эта техника рассматривается как важная для эмоционального резонанса его работ.
Хотя его помнят как мастера голландской живописи, успех Рембрандта при его жизни был неравномерным.

Ключевые термины

пестрый : с прожилками, пятнами или иным образом отмеченные различными цветами; очень красочно.
Караваджисти : Стилистические последователи итальянского художника эпохи барокко XVI века Микеланджело Меризи да Караваджо.
светотень : художественная техника, популярная в эпоху Возрождения, относящаяся к использованию преувеличенных световых контрастов для создания иллюзии объема.

Обзор: Рембрандт

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669) был голландским художником и гравером во время Золотого века Голландии, периода больших богатств и культурных достижений.Хотя более поздние годы Рембрандта были отмечены личными трагедиями и финансовыми трудностями, его офорты и картины пользовались популярностью на протяжении всей его жизни, что принесло ему отличную репутацию художника и учителя. В 1626 году Рембрандт создал свои первые офорты, широкое распространение которых во многом обусловило его международную известность.

Характеристики произведений Рембрандта

Среди наиболее ярких черт творчества Рембрандта — использование светотени, театрального применения света и тени.Эта техника, скорее всего, была получена от голландских Караваджисти, последователей итальянского художника эпохи барокко Микеланджело Меризи да Караваджо, который первым использовал технику светотени. Также примечательны его драматические и живые представления предметов, лишенные жесткой формальности, которую часто демонстрировали его современники, и видимое сострадание к человеческому субъекту, независимо от достатка и возраста.

На протяжении всей своей карьеры Рембрандт брал в качестве основных предметов портретной живописи (в зависимости от поручений богатых покровителей для выживания), пейзажа и повествовательной живописи.За последнее его особенно хвалили современники, превозносившие его как искусного интерпретатора библейских историй за его умение передавать эмоции и внимание к деталям. Его ближайшие родственники часто занимали видное место в его картинах, многие из которых были посвящены мифам, библейским или историческим темам.

Тит как монах Рембрандта, 1660 : На его картинах часто фигурировали ближайшие родственники Рембрандта. В этом произведении изображен сын Рембрандта Тит в образе монаха.

В последующие годы библейские темы все еще часто изображались, но его акцент сместился с драматических групповых сцен на интимные портретные фигуры (например, в Джеймс Апостол, 1661). В последние годы своей жизни Рембрандт написал свои наиболее рефлексивные автопортреты (он написал 15 с 1652 по 1669) и несколько движущихся изображений мужчин и женщин (например, Еврейская невеста, c. 1666) в любви, в жизни. , и перед Богом.

Еврейская невеста, Рейксмузеум в Амстердаме.: В более поздние годы Рембрандт написал несколько движущихся изображений мужчин и женщин, таких как эта картина Еврейская невеста.

Стилистически картины Рембрандта развивались от ранней «гладкой» манеры, характеризовавшейся тонкой техникой изображения иллюзионистских форм, до поздней «грубой» обработки богато пестрых красочных поверхностей, которые допускали иллюзию формы, предполагаемую тактильным качеством. самой краски. Современные источники иногда неодобрительно отмечают грубость манер Рембрандта, а сам художник, как говорят, отговаривал посетителей слишком внимательно смотреть на его картины.Богато разнообразное обращение с краской, многослойное и часто кажущееся случайным, предполагает форму и пространство как в иллюзорной, так и в очень индивидуальной манере.

Автопортрет

Автопортреты Рембрандта прослеживают прогресс от неуверенного молодого человека через щеголеватого и очень успешного портретиста 1630-х годов до тревожных, но чрезвычайно мощных портретов его преклонного возраста. Вместе они дают удивительно четкое представление о человеке, его внешности и его психологическом облике, о чем свидетельствует его богато обветренное лицо.В своих портретах и автопортретах он наклоняет лицо натурщика таким образом, что кончик носа почти всегда образует демаркационную линию между ярко освещенными и темными участками.

Автопортрет , ок. 1629, : самые ранние автопортреты Рембрандта изображают его юность, а иногда и неуверенность.

Автопортрет Рембрандта, 1659 : многочисленные автопортреты Рембрандта свидетельствуют о его развитии как художника и дают представление о его личной психологии.

Пейзаж и интерьерная живопись

Пейзаж и интерьерная жанровая живопись Голландской республики в 17 веке становятся все более изощренными и реалистичными.

Цели обучения

Оцените голландский пейзаж и жанровую живопись в интерьере 17 века

Основные выводы

Ключевые моменты

Первая фаза голландской пейзажной живописи была известна как «тональная фаза», которая характеризовалась мягкими контурами, атмосферным эффектом и фокусировкой на небе.
«Классическая фаза» голландских пейзажей началась в 1650-х годах и сохранила атмосферные качества; однако они отличались контрастом света и цвета и частым присутствием композиционного якоря, такого как видное дерево, башня или корабль.
Картины с изображением животных появились в это время как особый поджанр голландской пейзажной живописи.
Романтические итальянские пейзажи с мягким золотым светом также возникли как поджанр пейзажной живописи.
Картины в жанре интерьера также были чрезвычайно популярны во время Голландской республики, изображая живые сцены из повседневной жизни, такие как рынки, гостиницы, таверны и уличные сцены, а также домашние интерьеры.
Ян Вермеер, чьи работы уникально запечатлели освещение внутренних помещений, в настоящее время является самым известным жанровым художником Голландской республики.

Ключевые термины

атмосферный : Вызывает особые эмоциональные или эстетические качества.
атмосферная перспектива : Техника, в которой создается иллюзия глубины путем рисования более удаленных объектов с меньшей четкостью и более светлым тоном.
жанр : стилистическая категория, особенно литературных или других произведений искусства.

Фон: голландская и фламандская живопись

Пейзажная живопись была основным жанром в Голландской республике 17-го века, вдохновленным фламандскими пейзажами 16-го века, особенно из Антверпена. Эти фламандские работы не были особенно реалистичными, большинство из них были написаны в студии, отчасти из воображения, и часто все еще использовались стиль полуавтоматического вида, типичный для более ранней нидерландской пейзажной живописи в традициях Иоахима Патинира, Эрри встретил де Блеса, и Питер Брейгель Старший.

Голландские пейзажи

Более реалистичный стиль вскоре развился в Нидерландах, с более низкими горизонтами, позволяющими подчеркнуть часто впечатляющие облачные образования, столь типичные для этого региона. Излюбленными сюжетами были дюны на западном побережье моря и реки с прилегающими к ним широкими лугами, где пасся скот, часто с силуэтом города вдалеке. Зимние пейзажи представляли собой замерзшие каналы и ручьи. Море также было излюбленным предметом, имеющим как военное, так и торговое значение.Важными ранними фигурами в движении к реализму были Эсайас ван де Велде (1587–1630) и Хендрик Аверкамп (1585–1634).

Тональная фаза

С конца 1620-х годов началась «тональная фаза» пейзажной живописи, когда художники смягчили или размыли свои контуры и сосредоточились на атмосферном эффекте. Большое внимание уделялось небу, человеческие фигуры обычно либо отсутствовали, либо были маленькими и далекими. Ведущими художниками этого стиля были Ян ван Гойен (1596–1656), Саломон ван Рейсдал (1602–1670), Питер де Молин (1595–1661), а в морской живописи Симон де Флигер (1601–1653) с множество второстепенных фигур.

Река Сцена Ян ван Гойен, 1652 : Ян ван Гойен оказал влияние на «тональную фазу» голландской пейзажной живописи, которая характеризовалась смягченными или размытыми контурами и акцентом на небе.

Классическая фаза

С 1650-х годов началась «классическая фаза», сохранившая атмосферность, но с более выразительными композициями и более сильными контрастами света и цвета. В морских работах композиции часто закрепляются одним «героическим деревом», ветряной мельницей, башней или кораблем.Ведущим художником этого периода был Якоб ван Рейсдал (1628–1682), создавший большое количество разнообразных работ, включая северные пейзажи темных и драматических горных сосновых лесов с бурными потоками и водопадами.

Ветряная мельница в Вейк-бий-Дуурстеде : Якоб ван Рейсдал (1628–1682) был одним из самых выдающихся художников классической фазы голландских пейзажей.

Другие стили ландшафта

Пейзажи с животными на переднем плане были отдельным подтипом и были написаны Эльбертом Кейпом, Паулюсом Поттером (1625–1654), Адрианом ван де Велде (1636–1672) и Карелом Дюжарденом (1626–1678) с Филипсом Вауверманом. рисование лошадей и всадников в различных условиях.Корова была для голландцев символом процветания и, помимо лошади, самым часто изображаемым животным; козы использовались для обозначения Италии.

Другим важным типом ландшафта, созданным в тональной и классической фазах, был романтический итальянский пейзаж, обычно более гористый, чем в Нидерландах, с золотым светом и иногда живописным Средиземным морем и руинами. Ян Бот (ум. 1652), который был в Риме и работал с французским художником Клодом Лорреном, был ведущим разработчиком этого поджанра.Итальянские пейзажи были популярны как гравюры, и в этот период на гравюрах было воспроизведено больше пейзажных картин художника Николая Берхема, чем у любого другого художника.

Южный пейзаж с руинами Яна Бота : Оба были известны своей работой в итальянском пейзажном стиле.

Голландская интерьерная жанровая картина

Помимо пейзажа, наиболее отличительной чертой голландской живописи этого периода является развитие и огромная популярность жанровой живописи.Эти жанровые картины представляли сцены или события из повседневной жизни, такие как рынки, домашние интерьеры, вечеринки, сцены в гостиницах и уличные сцены.

Жанровая живопись возникла на основе реализма и детализации фоновой деятельности ранней нидерландской живописи, которую Иероним Босх и Питер Брейгель Старший одними из первых превратили в свои основные сюжеты. Стиль отражал растущее процветание голландского общества, и обстановка становилась все более удобной, богатой и тщательно изображаемой в течение века.

Адриан Брауэр признан фламандским мастером крестьянских сцен в трактирах. До Брауэра крестьяне обычно изображались на улице; он обычно показывает их в простом и тусклом интерьере. Среди других художников, общими темами которых были интимные внутренние сцены, были Николаес Маес, Жерар тер Борх и Питер де Хох. Ян Вермеер специализировался на внутренних сценах жизни среднего класса; хотя долгое время он был очень малоизвестной фигурой, сейчас он является наиболее уважаемым жанровым художником в голландской истории.

Доярка Вермеера, 1658 : Вермеер — признанный мастер голландской жанровой живописи, известный своими внутренними сценами жизни среднего класса.

Натюрморт

Натюрморт процветал в Золотой век Голландской республики.

Цели обучения

Обсудить темы и атрибуты голландских натюрмортов 17 века

Основные выводы

Ключевые моменты

Амброзиус Босхарт был одним из первых художников-натюрмортов Голландской республики.
Натюрморты предоставили художникам возможность продемонстрировать свои способности в работе со сложной фактурой и сложными формами.
Тема vanitas , моральное послание, часто встречающееся в натюрмортах, намекает на мимолетную природу жизни.
В середине 16 века появился стиль pronkstilleven , в котором основное внимание уделялось декоративным и экзотическим предметам.
Натюрморты часто рисовали копированием цветов в книгах, поскольку голландцы были лидерами в научных и ботанических рисунках и иллюстрациях.

Ключевые термины

vanitas : натюрморт, символ смерти и характерный для голландской живописи 16-17 веков.
Pronkstilleven : Стиль витиеватого натюрморта, созданный в Голландии в 17 веке.

Обзор: голландский натюрморт

Голландская традиция натюрморта была в значительной степени инициирована Амброзиусом Босхартом (1573–1621), фламандским художником-цветочником, который к началу этого периода поселился на севере и основал династию.Ранние натюрморты были относительно ярко освещены, а букеты цветов были просто расставлены. С середины 15 века аранжировки, которые можно было бы справедливо назвать барокко, обычно на темном фоне, стали более популярными, примером чему служат работы Виллема ван Альста (1627–1683). Художники из Лейдена, Гааги и Амстердама особенно преуспели в этом жанре. Помимо натюрмортов, голландцы в то время были мировыми лидерами в области ботанических и других научных рисунков, гравюр и книжных иллюстраций.

Цветы в фарфоровой вазе — Амброзиус Босхарт Старший : Босхарт был одним из первых натюрмортов, основавших династию художников-цветочников.

Темы натюрмортов

Натюрморты дали прекрасную возможность продемонстрировать умение рисовать текстуры и поверхности с мельчайшими деталями и с очень реалистичными световыми эффектами. Пища всех текстур, цветов и форм — серебряные столовые приборы, замысловатые узоры и тонкие складки скатертей и цветов — все это бросало вызов художникам.

Картины цветов были популярным поджанром натюрморта и пользовались популярностью у выдающихся женщин-художников, таких как Мария ван Остервик и Рэйчел Рейш. Еще одним поджанром были мертвая дичь, а также птицы, нарисованные живьем, но изученные с мертвой точки, а также мертвая рыба — основной продукт голландской диеты. Абрахам ван Бейерен часто писал эту тему.

Практически все натюрморты содержали моралистический посыл, обычно касающийся краткости жизни. Это известно как тема vanitas .Тема vanitas была включена в явные символы, такие как череп, или менее очевидные символы, такие как наполовину очищенный лимон (представляющий жизнь: сладкий на вид, но горький на вкус). Цветы увядают, пища гниет, а серебро душе бесполезно. Тем не менее, сила этого послания кажется менее сильной в более сложных произведениях второй половины века.

Изначально сюжеты натюрмортов были обычными; однако, начиная с середины века, более популярным стал pronkstilleven («показной натюрморт»), на котором изображены дорогие и экзотические предметы.

Жанр произведения портрет: Портрет (Гоголь) – анализ повести кратко (10 класс)

Портрет (Гоголь) – анализ повести кратко (10 класс)

Краткий анализ

История создания

Тема

Композиция

Жанр

Направление

Тест по повести

Рейтинг анализа

Анализ повести «Портрет» (Н. Гоголь)

История создания

Смысл названия

Жанр и направление

Композиция

О чем?

Главные герои и их характеристика

Темы

Проблематика

Смысл повести

Чему учит?

Критика

История создания повести Гоголя Портрет

Также читают:

Картинка к сочинению История создания произведения Портрет

Популярные сегодня темы

«Портрет/пейзаж: границы жанра»: Как классическое искусство трансформируется в современное

Овальный портрет — это… Что такое Овальный портрет?

Сюжет

Анализ произведения

Главные темы

Публикации

Критика и влияние

Переводы на русский язык

Примечания

Ссылки

Краткое содержание повести «Портрет» и отзыв для читательского дневника (Н.В. Гоголь)

Главные герои

Краткий анализ произведения

Характеристика Чарткова

Роль Невского проспекта в повести

Идея повести

Сюжет

Популярные сегодня пересказы

Проблемы

Отзывы современников

Основная идея

Жанр и направление

Чему учит?

История создания

Композиция и конфликт

Род занятий

Критика

Смысл названия

Внешность

О чем?

Темы

Жанр портрета

Жанры живописи: Классификация картин

Что такое портретная живопись в контексте современного искусства?

Что такого волшебного в портретной живописи?

Статус портретной живописи в современном искусстве

Смотрите портреты Чака Клоуса, доступные на нашей торговой площадке!

Пройдет ли портретная живопись?

Различные примеры портретной живописи в современном искусстве

Жанровая живопись — Art Term

Жанр в изобразительном искусстве: портреты, груши, идеальные пейзажи

Задание 1.

Задание 2. Всегда ли история рисует историю?

Задание 3. Какой жанр представляет собой жанровая картина?

Задание 4. Прекрасное сходство: портреты

Задание 5. Знакомство с ландшафтом: пейзажи

Задание 6. Больше, чем фрукты и цветы: натюрморт

Мероприятие 7. Жанры в целом

Заметки о конвергенции жанра и портрета в голландской живописи семнадцатого века в JSTOR

Контент | Безграничная история искусства

Типы содержимого

Цели обучения

Основные выводы

Ключевые моменты

Портреты