Энди уорхол работы поп арт: 404 | Артифекс

Содержание

что такое поп-арт и как понять Энди Уорхола – Москва 24, 15.08.2016

6 августа Энди Уорхолу исполнилось бы 88 лет

Энди Уорхол «Зебра греви», 1983

Обычно мы посвящаем рубрику «10 неизвестных», которая выходит на сайте m24.ru каждый понедельник, забытым и малоизвестным произведениям искусства, хранящимся в собраниях московских музеев, или неочевидным шедеврам, представленным в экспозициях временных выставок. Но в отдельных случаях мы собираем для вас гиды по виртуальному музею одного художника или направления в искусстве, чтобы рассказать о самых ярких или необычных шедеврах мировой культуры, находящихся в разных концах света.

6 августа Энди Уорхолу исполнилось бы 88 лет. О том, как появился поп-арт, какие кинозвезды были частыми гостями «Фабрика» и что такое шелкография – в новом материале рубрики «10 неизвестных».

Фотогалерея

1 из 12

Энди Уорхол «Автопортрет в женском», 1982

Энди Уорхол «Автопортрет в женском», 1982

Влияние Энди Уорхола на фотографию было колоссально. Как принципиально тиражное и воспроизводимое искусство, фотография была лучшим инструментом для воплощения замыслов Уорхола: в объективе художника оказывались кинодивы, музыканты, светская жизнь и криминальная хроника. Зачастую Энди сам становился героем собственных репортажей и постановочных съемок. Но если в 1960-х это были съемки в фотокабине, то, начиная с 1970-х годов и вплоть до своей смерти, Уорхол делал десятки тысяч polaroid-отпечатков психологических автопортретов. В этих фотопробах он примерял на себя различные образы и экспериментировал с техникой.

Энди Уорхол «Мифы. Дядя Сэм», 1981

Энди Уорхол «Мифы. Дядя Сэм», 1981

В 1981 году Энди Уорхол создал серию работ «Мифы», в которую вошли изображения Санта-Клауса, Дяди Сэма, Микки Мауса и самого Уорхола. В той или иной форме эти персонажи действительно были легендарными. Уорхол всегда стремился создать вокруг себя ореол таинственности и постоянно подпитывал слухи и неправдоподобные истории о своей персоне какими-то абсурдными фактами. И этот культ славы был основой его имиджа как в искусстве, так и в личной жизни.

А: «Я просыпаюсь каждое утро. Открываю глаза и думаю: ну вот, опять начинается.»

Б: «А я встаю, потому что мне надо пописать.»

А: «Я никогда не засыпаю снова, – сказал я. – Мне кажется, что это опасно. День жизни – это как телепрограмма на весь день. Телевидение никогда не покидает эфир: как включится с утра – так на весь день, вот и я тоже. К концу дня весь день превращается в кинофильм. В кино, снятое для телевидения.»

Энди Уорхол «Макинтош», 1985

Энди Уорхол «Макинтош», 1985

Одержимый знаменитостями и идеей популярности, потребительской культуры и механического производства, Энди Уорхол создал изображения некоторых знаковых образов XX века. Банки супа «Кэмпбэлл», знак доллара или логотип фирмы Apple стали чем-то вроде икон своего времени. Конечно, они стали знамениты не благодаря тому, что Уорхол воспроизводил их на своих шелкографиях, а, скорее, наоборот. Согласно философии художника, приобщение к узнаваемому образу делало славу самому Уорхолу. Он говорил:

«В будущем каждый сможет стать знаменитым за 15 минут.»

Энди Уорхол «До и после операции», 1976

Энди Уорхол «До и после операции», 1976

Помимо легендарных серийных шелкографий с легендарными кинодивами и музыкантами, Уорхол создал огромное количество графических работ. Он всегда носил с собой блокнот, где мог делать какие-то наброски и зарисовки. Эта его привычка показана в фильме «Баския», посвященном истории ученика Энди, Жана-Мишеля Баскии.

Шелкография – метод воспроизведения текстов, надписей и изображений при помощи трафаретной печатной формы.

Энди Уорхол «Туфли», 1955

Энди Уорхол «Туфли», 1955

Еще один пример графической работы Уорхола. Художник создал целую серию рисунков с изображениями женской обуви и небольшими текстами под ними. Это было что-то вроде упражнения в рекламных слоганах, которые играли огромную роль в художественном мире поп-арта.

Энди Уорхол «Королева», 1971

Энди Уорхол «Королева», 1971

Уорхол был плотью от плоти американской культуры и редко выходил за пределы этого контекста. Но, пробуя перенести методы поп-арта на почву другой культуры, он, конечно, не мог обойти главный символ британского мира – образ королевы. В традиционном для себя формате он создал несколько шелкографических изображений Елизаветы II.

«В этой стране удивительно то, что она породила новую традицию потребления – богатые покупают совершенно те же продукты, что и бедные. Президент пьет Колу, Лиз Тейлор пьет Колу и, только подумай, – ты тоже пьешь Колу.»

Энди Уорхол «Chanel № 5», 1985

Энди Уорхол «Chanel № 5», 1985

Уорхол превращал объекты «гламура» в произведения искусства, символизирующие американское общество потребления. Этот принцип стал основой поп-арта. Преодолевая таким образом разрыв между искусством и коммерческой культурой, Уорхол пытался показать, что благодаря возможностям производства более не существует никакой разницы между высоким и низким. Изображение флакона духов Chanel № 5 по-прежнему остается символом гламура. 190 шелкографических изображений Chanel являются сегодня одними из наиболее редких работ Уорхола и высоко ценятся на арт-рынке.

Энди Уорхол «Поцелуи», 1981

Энди Уорхол «Поцелуи», 1981

Параллельно с созданием объектов поп-арта, Уорхол начинает снимать фильмы. В его мастерскую, получившую характерное название «Фабрика» мечтала попасть вся американская богема. С конца 1960-х Уорхол начинает делать черно-белые портретные кинопробы, короткометражные фильмы и видео-портреты.

Энди Уорхол «Черный носорог», 1983

Энди Уорхол «Черный носорог», 1983

Графические изображения животных, созданные Уорхолом, к сожалению, не приобрели такой известности, как образы кинодив. В 1983 году друзья художника Рональд и Фрейда Фельдман заказали художнику десять работ с изображением исчезающих видов диких животных, находящихся под угрозой вымирания. Помимо «Черного носорога», в серии также были созданы шелкографии с изображениями гигантской панды, зебры греви, сибирского тигра, африканского слона и других животных.

Энди Уорхол «Джаггер», 1975

Энди Уорхол «Джаггер», 1975

Мик Джаггер, еще одна икона стиля и американской культуры, также был гостем «Фабрики». Метод его работы был таков: Уорхол делал фотографии, ретушировал их, подрисовывал яркие глаза и губы, наносил поверх изображения графические контуры или закрашивал все кричащими цветами. Среди героев Уорхола также были Лайза Миннелли, Джон Леннон, Дайана Росс, Бриджит Бардо, Грэйс Келли и многие другие.

Поп-арт, Энди Уорхол | Журнал «ТРЕТЬЯКОВСКАЯ ГАЛЕРЕЯ»

Энн Манникс

Рубрика: 

МЕЖДУНАРОДНАЯ ПАНОРАМА

Номер журнала: 

#4 2013 (41)

ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ УОЯТЕРСА В БАЛТИМОРЕ ПРЕДСТАВЛЯЕТ ПЕРВУЮ В США МУЗЕЙНУЮ ЭКСПОЗИЦИЮ ПОЗДНИХ РАБОТ КУЛЬТОВОГО АМЕРИКАНСКОГО ХУДОЖНИКА ЭНДИ УОРХОЛА (1928-1987). БАЛТИМОР — КОНЕЧНАЯ ОСТАНОВКА В НАЦИОНАЛЬНОМ ТУРЕ ЭТОГО НАШУМЕВШЕГО ПРОЕКТА 2010 ГОДА, УЧАСТНИКАМИ КОТОРОГО СТАЛИ ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ МИЛУОКИ, МУЗЕЙ СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА В ФОРТ УОРТ И БРУКЛИНСКИЙ МУЗЕЙ В НЬЮ-ЙОРКЕ. ВЫСТАВКА В БАЛТИМОРЕ ОТКРЫЛАСЬ 17 ОКТЯБРЯ 2010 И ПРОДЛИЛАСЬ ДО 9 ЯНВАРЯ 2011 ГОДА. В ЕЕ СОСТАВ ВОШЛО БОЛЕЕ 50 РАБОТ, ОТРАЖАЮЩИХ РЕШИТЕЛЬНЫЙ ВОЗВРАТ ПОП-АРТ ХУДОЖНИКА К ЖИВОПИСИ И ВОЗРОЖДЕНИЕ В НЕМ ЭКСПЕРИМЕНТАТОРСКОГО ДУХА В ПОСЛЕДНИЕ 10 ЛЕТ ЖИЗНИ. В ЭТОТ ПЕРИОД, НАХОДЯСЬ НА ПИКЕ СВОЕЙ ПОПУЛЯРНОСТИ, ОН СОЗДАВАЛ КАРТИНЫ В ГОРАЗДО БОЛЬШЕМ КОЛИЧЕСТВЕ И БОЛЕЕ КРУПНЫХ МАСШТАБОВ, ЧЕМ В ЛЮБОЙ ДРУГОЙ МОМЕНТ СВОЕЙ СОРОКАЛЕТНЕЙ КАРЬЕРЫ. В ЧИСЛЕ ЦЕНТРАЛЬНЫХ ЭКСПОНАТОВ ПОКАЗА — СЕРИЯ ПСИХОЛОГИЧЕСКИХ АВТОПОРТРЕТОВ УОРХОЛА В ЕГО ЗНАМЕНИТОМ ЛОХМАТОМ СЕДОМ ПАРИКЕ, ТРИ ВАРИАНТА «ТАЙНОЙ ВЕЧЕРИ», А ТАКЖЕ РАБОТЫ, СОЗДАННЫЕ ИМ СОВМЕСТНО С БОЛЕЕ МОЛОДЫМИ ХУДОЖНИКАМИ. НЕКОТОРЫЕ ИЗ ПОЗДНИХ ПРОИЗВЕДЕНИЙ, ХРАНЯЩИХСЯ НЫНЕ В НАЦИОНАЛЬНЫХ И МЕЖДУНАРОДНЫХ ГОСУДАРСТВЕННЫХ И ЧАСТНЫХ СОБРАНИЯХ, А ТАКЖЕ В УНИКАЛЬНОЙ ПО ПОЛНОТЕ КОЛЛЕКЦИИ, ПРИНАДЛЕЖАЩЕЙ ХУДОЖЕСТВЕН НОМУ МУЗЕЮ В БАЛТИМОРЕ, НИКОГДА НЕ ВЫСТАВЛЯЛИСЬ ПРИ ЖИЗНИ АВТОРА.

Абстракции
В 1965 году, будучи в зените славы, Уорхол объявил, что уходит из живописи, чтобы заняться кино. Спустя примерно 10 лет он вновь резко сменил направление и опять с энтузиазмом принялся за картины. Абстрактные работы, которые Уорхол создал в поздний период своей карьеры, представляют собой радикальный отказ от имиджа культовой персоны поп-арта, чье творчество до той поры неизменно ассоциировалось с изображениями узнаваемых товаров и знаменитых людей.

Для создания серии «Окисление» (1978) Уорхол, его помощники и гости студии мочились на холсты, заранее покрытые металлизированными красками, чтобы произошла химическая реакция, вызывающая изменение цвета. Получившиеся в результате образы, которые в зависимости от прочтения можно истолковать и как вульгарные, и как прекрасные, свойственны той двусмысленности, которую культивировал Уорхол. Работая над серией «Тени» (1978-1979), он наносил изображения на фоновый слой краски методом шелкографии. Существуют различные версии происхождения этих изображений: это могли быть тени от находившихся в студии Уорхола предметов или, например, от частей человеческого тела.

Сам художник уклончиво именовал свои работы «диско-декором» — аллюзия к музыкальному сопровождению церемонии открытия первой выставки «Теней» в Нью-Йорке. Уорхол так оценивал ее роль: «Это шоу будет таким же, как и все остальные. Рецензии будут плохими — рецензии обо мне всегда плохие. Но о вечеринке отзывы будут превосходными».

Вдохновленный новыми экспериментами в области абстракций, Уорхол создает серию «Роршах» (1984). Он пишет на половине большого холста, а затем складывает его пополам и таким образом при помощи наипростейшей из печатных техник получает двойное изображение. Эти образы напоминают настоящие психологические тесты Германа Роршаха, в которых мысли тестируемых выявляют путем ассоциаций, возникающих у них при виде неопределенных симметричных форм.

Пряжа и камуфляж
Заказ итальянского производителя пряжи в 1983 году натолкнул Уорхола на идею создания серии абстракций путем шелкографирования радужно-разноцветной пряжи по всей поверхности картин.

Эти чисто механические банальные переплетения линий вызывают в памяти картины знаменитого абстрактного экспрессиониста Джексона Поллока, работавшего в технике «дриппинг» (dripping). Вместе с тем они отличаются от полло-ковской неистово экспрессивной техники нанесения краски вручную.

В картинах серии «Камуфляж» (1986) Уорхол использовал готовый шаблон, а формально-декоративные свойства подчеркивал за счет избыточно ярких комбинаций и повторений отдельных элементов, характерных для функционального милитаристского дизайна.

Хотя в этой серии имеются типичные для абстрактной живописи середины XX века оконтуренные пространства, заполненные цветом, в ней также проявляются палитра и смелые образы Анри Матисса, которого Уорхол считал образцом для подражания и чьи работы также можно увидеть в Художественном музее Уолтерса в Балтиморе (коллекция сестер Кон). Если принять во внимание заложенные здесь скрытые образы, такой «камуфляж» представляется достаточно провокационным для художника, утверждавшего, что все в его творчестве и в нем самом лежит на поверхности.

Процесс фотошелкографии
На протяжении большей части своей карьеры Энди Уорхол использовал фотошелкографию для создания ярких, четких, отчетливо очерченных изображений. Возможности технологий массового производства приводили его в восторг, и многие из картин, представленных на выставке в Балтиморе, он создал в сотрудничестве с коммерческими фотостудиями и типографиями. Уорхол начинал работу над картиной с фотографии, сделанной им самим или найденной в каком-нибудь журнале, рекламном объявлении, газете или в коллекции раскадровок фильмов. Он посылал фотографию в фотостудию, где ее превращали в контрастное черно-белое изображение на прозрачной пленке. Коммерческая мастерская шелкографии использовала эту прозрачную пленку для нанесения изображения на ткань, натянутую на раму.

Шелк обрабатывался так, чтобы типографская краска проникала только сквозь определенные участки ткани, а остальная поверхность оставалась «заблокированной».

Получив фотоформу из мастерской, Уорхол и его ассистенты могли отпечатать изображение на любом количестве полотен. На полотно предварительно уже была нанесена сплошная заливка одного или более цветов. Для воспроизведения рисунка на покрытом краской холсте на всю поверхность фотоформы наносили типографскую краску и прикатывали ее резиновым валиком. Валик продавливал типографскую краску сквозь фотоформу ровным слоем мелких точек, но только на незаблокиро-ванных участках. Используя этот многоэтапный процесс, Уорхол разработал новую технологию современной живописи, впоследствии ставшую его повсеместно узнаваемым авторским стилем. На протяжении последнего десятилетия своей карьеры Уорхол вернулся к традиционной живописи кистью, часто микшируя в одном и том же произведении живопись «вручную» с техникой шелкографии.

Совместные произведения («Коллаборации»)
Пока Уорхол разрабатывал свое направление в абстрактной живописи, на нью-йоркскую художественную сцену ворвались неоэкспрессионисты с их драматичными и эмоционально насыщенными метафорическими сюжетами. В октябре 1982 года владелец художественной галереи в Швейцарии Бруно Бишофбергер познакомил Уорхола с Жан-Мишелем Баския. Тот получил признание как художник, выплеснувший на холст эмоции и страсти улиц и соединивший высокое искусство с повседневностью, что оказалось удивительно созвучно творчеству Уорхола. Его поразила легкость, с которой творил этот молодой человек (Баския был младше Уорхола на 30 лет).

Между ними установились близкие отношения, продолжавшиеся около трех лет. Дни проходили в совместной работе над картинами в студии и заканчивались развлечениями в ночных клубах. В разгар работы над «Коллаборациями» Уорхол признался: «Жан-Мишель заставил меня писать по-другому, так что это дело хорошее». Под «хорошим делом» подразумевалось писание картин кистью, «вручную».

Оценив незаурядный потенциал этого партнерства, Бишофбергер заказал серию совместных работ Уорхола, Баскии и итальянского художника Франческо Клементе, в результате чего родились такие произведения, как «Происхождение хлопка» (1984). Уорхол и Баския продолжили работать вместе, создав еще более сотни общих картин. В начале их сотрудничества Уорхол шелкографировал свои логотипы для создания фона, на котором его товарищ рисовал скалящиеся физиономии и примитивное граффити.

Со временем Баския начал добавлять в картины шелкогра-фированные изображения, а Уорхол после долгих лет использования фотографий, шелкографии и валиков заново открыл для себя живопись. По сути, «Коллаборации» ознаменовали собой не только возврат Уорхола к традиционной для живописи технике, но и его возвращение к фигуративу.

Подобно работам Уорхола 1960-х и 1970-х годов, «Коллаборации» представляют собой отражение того времени, когда они создавались. Примером этому может служить и работа «Без названия (Инфаркт)», в которую художник включил заголовок «Джесси [будет] с Фрицем, а я сам по себе» — аллюзия к Джесси Джексону и Уолтеру (Фрицу) Мондейлу, кандидатам на пост президента США от Демократической партии в 1984 году.

Черно-белая реклама и физиологические диаграммы
В 1950-е годы молодой Уорхол был преуспевающим графическим дизайнером коммерческих проектов в области индустрии моды. В 1985 году он вновь обратился к рекламным образам, но теперь прообразами для его работ стали черно-белые рисунки и текст дешевой рекламы в газетах, в объявлениях на последних страницах журналов по бодибилдингу и в евангелистских религиозных брошюрах.

Подобные незамысловатые ностальгические образы ранее уже появлялись в тех картинах переходного — между рекламой и живописью — периода, которые Уорхол создавал в поисках своего собственного поп-арт стиля в начале 1960-х.

Интерпретация изображений бодибилдеров в «Черно-белой рекламе» Уорхола связана с другой серией, включающей «Физиологическую диаграмму» (около 1984-1985). Создание этих изображений человеческого тела совпало с началом кризиса в сфере здравоохранения, связанного с распространением ВИЧ, а также со все более очевидным для Уорхола старением собственного тела. Демонстрировавший неизменное поклонение физической красоте объектов своего творчества, в том числе людей, которые посещали его студию «Фабрика», сам художник был весьма ослаблен увечьями, полученными во время покушения на него в 1968 году.

К 1980 Уорхол стал регулярно выполнять физические упражнения, заинтересовался альтернативными лечебными практиками Нью-Эйдж и связанными с этим графическими символами (такими, например, как схема на картине «Физиологическая диаграмма»).

Черно-белые рекламные объявления
Уорхол создал серию «Черно-белые рекламные объявления», используя свою «патентованную» технику поп-арта: он вырезал рекламные объявления, создавал их проекции, переводил проекции на бумагу и заказывал ацетатные фоторамы для последующей шелкографии.

Однако в некоторых случаях, вдохновленный «Коллабора-циями», созданными совместно с Баския, Уорхол писал рекламные объявления на бумаге, а затем заказывал фоторамы на основе этих изображений, сохраняя следы от щетины, мазков и капель краски на окончательном отпечатке. Рисунки Уорхола от руки и текучая живописная фактура оживляют поверхность этих работ, которые в основном представляют собой шелкографи-рованные репродукции его оригинальных рисунков кистью.

Более крупные картины серии «Черно-белые рекламные объявления» он писал непосредственно на холсте, следуя проекции рекламного объявления, как, например, в картине «Две пятидолларовые купюры. Тяжелоатлет» (1985-1986). В этих работах видна текучая живописная фактура и мягкая линия. Во всех «Черно-белых рекламных объявлениях» Уорхол намеренно соединяет ручные и механические процессы, в полной мере используя возможности создания зрительных иллюзий.

Автопортреты
Подобно Рембрандту или Пикассо, Уорхол был весьма плодовит по части автопортретов. Наиболее известна выполненная в 1986 году серия изображений на фоне пустоты, в хаотично растрепанном парике наподобие узнаваемой шевелюры друга Уорхола Баскии (чью прическу создал известный стилист Раст). В отличие от картины «Автопортрет. Обои» (1978), портреты в парике представляют собой безжалостные изображения постаревшего художника, вызывающие тревожные чувства.

В то же время и контур фигуры на раннем автопортрете на обоях, и встречающаяся в более поздних картинах словно отделенная от тела голова создают призрачный образ человека, который однажды заметил: «Я уверен, что если посмотрюсь в зеркало, то не увижу ничего. Люди часто называют меня зеркалом, а если зеркало смотрит в зеркало, что можно там увидеть?»

Тайная вечеря
Написанная по заказу греческого артдилера Александра Иоласа, устроившего первую персональную выставку Уорхола в 1952 году, серия «Тайная вечеря» стала главным экспонатом на церемонии открытия новой галереи Иоласа в Милане. Она расположилась напротив монастыря Санта-Мария-делле-Грацие, в трапезной которого находится знаменитая фреска «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи. Для этой выставки Уорхол сделал серию шелкографий, крепившихся непосредственно к стене и как бы имитировавших фрески Леонардо. Уорхол изготовил дополнительные версии, проецируя исходное изображение на полотно и очерчивая фигуры от руки. Над одной из своих выдающихся поздних серий Уорхол работал больше года. В общей сложности было сделано более сотни вариантов «Тайной вечери», включая самые масштабные картины из созданных художником за всю его карьеру.

Когда Уорхола спрашивали, имеет ли изображение «Тайной вечери» какое-либо особое значение для него самого, он уклончиво отвечал: «Нет. Это хорошая картина». Только из надгробной речи на похоронах художника большинство людей узнало о том, что он был верующим католиком. Эти картины могут воплощать как личные религиозные верования, так и непочтительное отношение к сюжету, выразившееся в ироничных вставках коммерческих логотипов и потенциально греховном повторении образа Иисуса Христа.

При ретроспективном взгляде особую остроту приобретает создание интерпретаций последней трапезы Христа и апостолов незадолго до смерти Уорхола, наступившей 22 февраля 1987 года вследствие неожиданных осложнений после операции.

Вернуться назад

Теги:

Энди Уорхол — жизнь и картины короля поп-арта

Жизнь короля поп-арта известного под прозвищем «Дрелла» (появилось в результате слияния Dracula – Дракула и Cinderella – Золушка) напоминает одновременно трагический и комедийный фильм, который вряд ли кого-то может оставить равнодушным. Его история полна ярких событий, неоднозначных происшествий, сплетен и интриг. О том, кем же на самом деле был Энди Уорхол, была ли в его жизни любовь, почему его пытались убить и каков был его творческий путь, мы и расскажем.

Биография гения поп-арта

Начнем с того, что Энди Уорхол – это не настоящее имя всемирно известного деятеля искусства ХХ века. На самом деле его звали Эндрю (Андрей) Вархола, но переехав в Нью-Йорк еще юношей, он решил изменить свое имя. Родился Энди в 1928 году в семье эмигрантов из Словакии, которые переехали в Питтсбург (США) в поисках лучшей жизни. Он был третьим ребенком в семье из четверых и отличился особой болезненностью. В третьем классе мальчик серьезно заболел ревматической хореей и долгое время был вынужден оставаться дома. Болезнь провоцировала судороги и непроизвольные движения конечностей, а также повышенную эмоциональность. На этом фоне у ребенка развились серьезные комплексы и паническая боязнь врачей, которые преследовали его всю последующую жизнь.

По возвращении в школу его снова ожидало испытание. Былые друзья и сверстники насмехались над парнем и сделали его изгоем в классе. От этого страх социума еще больше усилился и укоренился в сознании мальчика. Следующее трагическое событие произошло, когда отец семейства, Андрей Вархола, погиб во время несчастного случая в шахте, где работал. В итоге мечта молодого Энди поступить в университет провалилась и вместо этого он отучился в Технологическом Институте Карнеги. Там юноша изучал графический дизайн, поскольку уже давно понял, что его жизнь непременно будет связана с творчеством.

Закончив обучение и получив диплом бакалавра, парень отправляется покорять Нью-Йорк. Там он, в первую очередь, берет себе новое имя, Энди Уорхол, о котором со временем узнает весь мир.

Поначалу жизнь в большом городе вряд ли могла казаться чьей-то мечтой. Денег было катастрофически мало, жилье приходилось делить с кучкой таких же бедолаг, а повсюду бегали тараканы. Говорят, один из них даже выбежал из портфолио Энди, когда тот пришел на собеседование в модный журнал Harper’s Bazaar. Как бы там ни было, в результате парня взяли на работу, и с тех пор его имя стало звучать в высоких кругах Нью-Йорской тусовки все чаще.

После этого художник начал сотрудничать со многими брендами и звездами, а в 1952 году устроил свою первую персональную выставку работ. Его особенность заключалась в шелкографии (разновидность трафаретной печати), которую художник сделал одной из основных частей его философии. Он намерено ухудшал качество печати, придавая работам вид схожий с дешевой репродукцией. Таким образом Энди хотел полностью отстранить работу от автора, а вместо этого создал свой фирменный стиль.

Важным событием в жизни Уорхола является открытие собственной арт-студии, под названием «Фабрика» в 1962 году. Там он не только создавал и размножал свои шедевры, но и снимал фильмы, писал книги и собрал целую тусовку. Его студия существенно отличалась от классического представления о мастерской художника, хотя это ничуть не мешало ему творить. Скорее такая обстановка только способствовала этому. Фабрика была пропитана духом свободы, где каждый мог заниматься чем угодно. Здесь собирались знаменитости, скандальные личности и те, кто просто любил знатно потусить. При всем этом Энди постоянно создавал новые шедевры. Основой всего был полюбившейся ему метод трафаретной печати и шелкографии. Таким образом Фабрика выпускала около 80 копий ежемесячно.

В 1965 году на очередную тусовку мастерской короля поп-арта попала Эди Седжвик. С тех пор Энди и Эди стали неразлучны. Практически везде они появлялись вместе, носили похожие образы и прически. Он снимал девушку в своих фильмах и говорил о ней, как о музе. Все приписывали им роман и постоянно обсуждали эту эксцентричную пару. Однако помимо Эди, художнику приписывают связь со многими мужчинами. Поэтому, скорее эти отношения носили дружеский характер и со временем так же резко оборвались, как и начались.

Энди вообще не привязывался к людям. Пожалуй самая крепкая связь была у него с матерью, которая еще в детстве уделяла особое внимание больному сыну. Именно она сподвигла мальчика рисовать, когда приносила ему журналы и принадлежности для рисования, пока он был вынужден оставаться дома. В дальнейшем художник довольно легко и быстро устанавливал контакты с людьми, которые так же быстро и разрывал. Из-за этого часто возникали скандалы и споры вокруг его личности. Но он не особо обращал на них внимание, пока однажды такое поведение почти не привело гения к смерти.

Покушение

Валери Соланас, молодая, амбициозная феминистка, чем-то понравилась Энди еще при их знакомстве. Девушка не раз появлялась на Фабрике и снималась в фильмах Уорхола. Однако интерес художника к ней быстро пропал. Конечно же это вызвало возмущение у Валери, которая надеялась на поддержку своих взглядов со стороны всеми известного гения. Но еще больше ситуация накалилась, когда та принесла Энди свой рукописный сценарий для фильма, а мастер его забраковал назвав слишком «грязным». Даже говорят, что он пренебрижительно кинул его после прочтения и в последствии потерял, чем вызвал еще больше возмущения у девушки.

Соланас не смогла терпеть такого отношения к себе и в июне 1968 года она трижды выстрелила Энди в живот на его же Фабрике. Вокруг Уорхола сразу собралась вся его «свита», но карета скорой помощи констатировала клиническую смерть по приезду. Несмотря на тяжелые ранения, художник выжил, хотя последствия этого события давали знать о себе до конца его дней. Перенеся не одну тяжелую операцию, тело Энди было исполосовано шрамами, которые он без стыда демонстрировал перед фотокамерами. И хоть гений и говорил, что покушение никак не поменяло его, жизнь на Фабрике стала другой.

После возвращения из больницы, Энди прекратил бесконечные тусовки в своей арт-студии и даже обзавелся охраной. А помимо и так присущего ему страха больниц, он начал побаиваться женщин. В итоге он вовсе перестал их снимать в своих фильмах. Да и кинокарьера Уорхола пошла на спад, а в живописи появилось больше портретов и изображений черепов. Словно художник всячески хотел запечатлеть человеческую смертность.

Так, знаменитым, но одиноким, спустя почти 20 лет после покушения Энди Уорхол умер в собственной квартире в результате осложнений после операции по удалению желчного пузыря. Хоть сама операция не была сложной, последствия покушения и детской болезни наложили свой отпечаток, и у Энди случился оттек легкого, от которого он задохнулся.

Творчество

Тяга к рисованию проявилась у Энди еще в детстве, когда он, вынужденный оставаться дома из-за своей болезни, начал делать коллажи из журналов и зарисовки. Мальчиком он посещал бесплатные курсы по художественному мастерству, а к моменту выбора высшего учебного заведения уже точно знал, что свяжет свою жизнь с искусством.

В результате его талант довольно быстро заметили. Ведь он действительно выделялся, создавая яркие рисунки в стиле поп-арт, где обыденные вещи становились символами эпохи. Более того, он был одним из первых, кто начал копировать свои же работы с помощью трафаретной печати и шелкографии, и безусловно, самым успешным в этом деле.

Работы Уорхола воспринимались публикой неоднозначно. Кто-то восхищался ими и считал его гением, в то время как другие называли его искусство низкосортным и пошлым. Но несмотря на это, как мы писали выше, уже в 1952 году он организовал свою первую персональную выставку, а в 1956 вступил в «Клуб художественных редакторов». Ну а шесть лет спустя проходит выставка лучших работ Энди Уорхола, после чего он получил от критиков статус одного из ведущих мастеров поп-арта.

Безусловно, успех художника отразился и на стоимости его картин. Хоть Уорхол и считал, что искусство должно быть общедоступным, многие его работы стоят баснословных денег. Ниже мы представили вам список самых дорогих картин гения поп-арта.

  1. «Авария серебряной машины» – $105,4 миллиона
  2. «Восемь Элвисов» – $100 миллионов
  3. «Тройной Элвис» – $81,9 миллиона
  4. «Бирюзовая Мэрилин» – $80 миллионов
  5. «Авария зеленой машины» – $71,7 миллиона
  6. «Четыре Марлона» – $69,6 миллионов
  7. «Мужчины в ее жизни» – $63,4 миллиона
  8. «Рассовые беспорядки» – $62,8 миллиона
  9. «Статуя Свободы» – $43,8 миллиона
  10. «200 однодолларовых купюр» – $43,2 миллиона

Многие работы Энди Уорхола стали в какой-то степени легендарными, поскольку передавали настроение своего времени, социокультурные особенности и просто цепляли за душу своей самобытностью. Среди них особого внимания заслуживают четыре работы.

«Банка с супом Кемпбелл» стала роковой в жизни художника. Именно после этой работы к нему пришли слава и достаток, а сам суп этой марки навсегда стал ассоциироваться с Энди Уорхолом.

«Диптих Мэрилин». На его создание художника вдохновило самоубийство великой кинодивы. Спустя неделю после трагического происшествия он начал работать над ним. Он воплотил свои мысли относительно американского культа знаменитостей, который продолжается даже после их смерти.

«Красный Ленин». Эта картина была создана Уорхолом незадолго до его смерти. Автор в привычной для него манере изобразил культ личности, и не прогадал. Эта работа имеет так называемого «брата» – «Черного Ленина», но он уступает в стоимости и популярности своему красному варианту.

«Портрет Мао» появился после первой поездки президента Никсона в Китай. Художник, вдохновленный бесконечными китайскими пропагандистскими листовками, изобразил диктатора, приравнивая его статус к поп-звезде, подобно Мэрилин Монро.

Конечно этот список можно долго продолжать, ведь не зря Энди Уорхола называют гением и королем поп-арта и шелкографии. Его работы действительно стали прорывом в мире искусства ХХ века и по сей день привлекают к себе немало внимания.

Резюме

Пожалуй, Энди Уорхол был не просто художником, он стал важной частью искусства ХХ века. Его работы не просто произвели фурор в обществе, но и повлияли на модные тренды в различных направлениях. Иными словами, он оказал сильное воздействие на образ жизни людей своего времени и показал, что искусство находится во всем, даже во вполне обыденных на первый взгляд вещах. К примеру, сейчас трафаретная печать, которую использовал гений поп-арта, широко используется по всему миру для создания картин, тканей и принтов на самых разных поверхностях. Он пропагандировал идею доступного искусства, которое является неотъемлемой частью современного человека. И мы не можем с ним не согласиться. Поэтому, в онлайн-галерее Struchaieva Art мы готовы сделать для вас высококачественную печать любой из представленных картин в необходимом вам размере по доступной цене.

Энди Уорхол от А до Я

T

КУЛЬТУРА•ЛИЧНОСТЬ

Текст: Катя Фисенко

На Netflix (у некоторых он еще работает) вышел документальный сериал про Энди Уорхола, снятый его давним поклонником и учеником Райаном Мерфи. Рассказываем, все, что нужно знать о короле поп-арта. 

Андрей Варгола

Уорхол родился в Питтсбурге, США, в семье словацких иммигрантов.
Андрей Варгола — так звучит настоящее имя Уорхола на словацком.

наверх

Андрей Варгола (справа) с матерью Юлией и старшим братом 

Болезнь

В детстве Энди заболел хореей Сиденгама — острой ревматической лихорадкой, из-за чего на время оказался прикован к постели. Во время болезни Уорхол много рисовал и собирал картинки известных людей или героев мультфильмов Диснея, вырезанных из газет и журналов. Так началась его любовь к знаменитостям и искусству. Развившаяся болезнь вызвала проблемы с кожей, его стали называть «Энди, красноносый Уорхола». Уже во взрослом возрасте ему так осточертел цвет его носа, что как-то раз он пошел в клинику (он вообще был сторонником пластической хирургии), чтобы там ему отшлифовали нос, но, по словам Уорхола, стало только хуже.

«Велвет Андерграунд»

Уорхол был менеджером и продюсером легендарной группы. Они снимались в его фильмах и участвовали в шоу «Взрывная пластиковая неизбежность», сочетающем в себе театр, кино, танец и музыку. Шоу положило начало великому альбому группы The Velvet Underground & Nico, обложка которого стала самостоятельным произведением искусства.

Гомосексуальность

Уорхол был открытым геем и стал иконой ЛГБТ-сообщества. Несмотря на то, что художник был религиозным человеком и часто появлялся в церкви, это не мешало ему открыто говорить о своей сексуальности. В ранних работах он исследовал мужское тело, составляя целые сборники с эротическими рисунками.

Aвтопортрет Энди Уорхола, 1987

Энди Уорхол и Шон Кэссиди, 1978

Деньги

К искусству он подходил меркантильно и был уверен, что самое лучшее — делать деньги: «Я начинал как коммерческий художник и хочу закончить как бизнес-художник. После того как я занимался тем, что называется искусством, я подался в бизнес-искусство. Я хочу быть бизнесменом искусства, или бизнес-художником. Успех в бизнесе — самый притягательный вид искусства».

Если верить Уорхолу, на протяжении 20 лет он питался одним и тем же: супом Campbell и сэндвичами. А когда ходил в ресторан, заказывал то, чего совсем не хотелось, не мог съесть и просил официанта завернуть с собой. Упакованную еду он оставлял на улице — для бродяг. Это называлось нью-йоркской диетой Энди Уорхола.

Журнал Interview

Уорхол обожал знаменитостей и основал легендарный журнал, кажется, только для того, чтобы они имели возможность разговаривать друг с другом чаще. Первые выпуски Уорхол сам раздавал людям на улице: простых горожан он любил не меньше звезд. В первых номерах журнала появились интервью с Джоном Ленноном, Сальвадором Дали, Дэвидом Боуи, Труменом Капоте. Печатная версия журнала просуществовала почти 50 лет и была закрыта в мае этого года.

Зависть

Энди Уорхол иронично называл себя самым завистливым человеком на свете, утверждая, что зависть — одно из главных чувств, заставляющее его что-то делать: «Собственно говоря, я всегда стараюсь покупать вещи и людей только потому, что завидую — вдруг кто-нибудь другой их купит, и они в конечном счете окажутся хорошими».

Уорхол и фотограф Артур Феллиг

Иллюстрация

В 1941-м Уорхол поступил в Технологический институт Карнеги (ныне Университет Карнеги — Меллон), где учился иллюстрации и коммерческому искусству. Его первая работа появилась в журнале Glamour в 1949 году в статье «Успех — это работа в Нью-Йорке». По сути, это было стартом его собственного успеха и карьеры, молодой Уорхол начал зарабатывать иллюстрацией. Его картинки — женские туфли и машины — стали печататься на страницах журналов, в том числе Vogue и Harper’s Bazaar.

Кинематограф

За свою карьеру Уорхол снял сотни фильмов: короткометражных, многочасовых, абсурдистских, экспериментальных, коммерчески успешных и ставших культовыми. Среди самых известных: восьмичасовой «Спи», немой «Минет», «Винил» — ремейк «Заводного апельсина» и «Девушки из “Челси”». Последний стал классикой мирового кино.

реклама

реклама

Любовь

Любовь Уорхол трактовал своеобразно и утверждал, что не уверен вообще, что когда-нибудь испытывал это чувство. Иногда казалось, что он любит свой телевизор или звукозаписывающий магнитофон больше, чем кого-либо. Хотя в этом была своя доля лукавства: «Я не знаю, был ли я когда-нибудь способен на любовь, но после 1960-х я никогда больше не думал на языке «любви». Один человек в 1960-е обворожил меня больше, чем кто-либо за всю мою жизнь. И очарованность, которую я испытал, была, вероятно, очень близка к какому-то роду любви».

Мэрилин Монро

Она была для него идеальным сочетанием красоты и чувства юмора, одной из главных женщин его жизни. После ее смерти он создал «Диптих Мэрилин» — символ творчества Уорхола и всего поп-арта. Журнал The Guardian отдал работе третье место в списке «500 выдающихся произведений современного искусства».

Нью-Йорк

Всю жизнь Энди Уорхол прожил в США. Он родился и вырос в Питтсбурге в семье словацких иммигрантов, а большую часть жизни провел в Нью-Йорке. Здесь он обрел настоящую популярность, здесь появилась его мастерская «Фабрика» и его суперзвезды — свита друзей и подруг, постоянно сопровождавших его повсюду и участвующих в его арт-проектах. Он любил этот город и все, что связано с его страной: «Существуют три вещи, которые для меня всегда красивы: мои старые добрые ботинки, которые не жмут, моя собственная спальня и таможня США, когда я возвращаюсь домой».

Отходы

Уорхол был собирателем мусора и отходов. Он часто использовал бракованные кадры в своих фильмах, даже делал отдельные фильмы только из такого материала. В 1970-х он начал собирать вещи, место которых, казалось бы, в мусорной корзине, для своего проекта «Капсулы времени». Он запечатывал в картонных коробках бесконечные упаковки, флаеры, билеты, открытки, банки с супом и даже мертвых муравьев. За 13 лет Уорхол собрал 610 таких капсул, их содержимое сейчас хранится в музее имени художника в Питтсбурге.

Поп-арт

В свой расцвет поп-арт критиковался за стирание границ между низменным и возвышенным — он эксплуатировал образы рекламы и продуктов потребления, превращая бутылки кока-колы и упаковки из-под кетчупа в дорогостоящие произведения искусства. Уорхол был пионером поп-арта и его иконой. Его мало интересовали критики, зато он обожал потребительскую культуру. Его восхищала идея равенства, которая, как ему казалось, достижима через консюмеризм: «Что замечательно в нашей стране, так это то, что Америка положила начало традиции, по которой самые богатые потребители покупают в принципе то же самое, что и бедные. Ты смотришь телевизор и видишь кока-колу, и ты знаешь, что президент пьет кока-колу, Лиз Тейлор пьет кока-колу, и только подумай — ты тоже можешь пить кока-колу. Все кока-колы одинаковы, и все они хороши».

Роберт Раушенберг

Еще один представитель поп-арта и концептуализма. Они были знакомы и дружили с Уорхолом. Раушенберг работал преимущественно в технике коллажа, иногда так же, как Уорхол, использовал шелкографию и занимался инсталляциями.

Уорхол любил и ненавидел скуку одновременно. Так или иначе, через его творчество отчетливо прослеживается ее мотив: он делал нарочито длинные бессюжетные фильмы, где действие не меняется вовсе, или копировал одно и то же изображение сотни раз. Он воспринимал скуку как путь к катарсису: «Чем больше вы смотрите на одну и ту же вещь, тем больше из нее уходит смысла и тем лучше и опустошеннее вы себя ощущаете».

Телевидение

«Когда у меня появился первый телевизор, я перестал придавать большое значение близким отношениям с другими людьми», — конечно, Уорхол тонкий шутник, но телевидение и правда играло большую роль в жизни художника и было его любимым средством коммуникации. Он всегда мечтал о собственном телешоу и в 1980-х стал автором двух: Andy Warhol’s TV и Andy Warhol’s Fifteen Minute, которое показывали по MTV.

Энди Уорхол почти всегда начинал свой день одинаково: он звонил своим телефонным подругам. Самыми близкими были писательница Пэт Хэкетт и художница Бриджит Берлин, они могли разговаривать часами обо всем: о снах, общих друзьях, сексе и его собаке Арчи.

«Фабрика»

Мастерская Уорхола была пристанищем всех звезд и суперзвед Ньй-Йорка: от Боба Дилана и Жан-Мишеля Баския до Сальвадора Дали и Уильяма Берроуза, здесь знакомились друг с другом, творили, принимали наркотики и закатывали вечеринки. Некоторые жили тут днями и неделями.

Оставаясь местом главных богемных тусовок города, «Фабрика» сохраняла свою первоначальную задачу, хотя сам Уорхол трудился не так много — ему нравилось иметь ассистентов, которые выполняли монотонную работу вроде шелкографной печати одного и того же изображения.

«Фабрика» сменила четыре адреса, но главной оставалась самая первая — вся покрытая серебристой краской: ей были выкрашены стены, потолки и даже унитаз, повсюду была расклеена фольга, висели осколки зеркал.

Харинг

Кит Харинг — близкий друг Уорхола, завсегдатай «Фабрики» и представитель поп-арт-движения. Его маленькие угловатые человечки не менее узнаваемы, чем картины Уорхола. В 1986-м Харинг открыл на Манхэттене Pop Shop, в котором начал продавать свои работы и сувениры: от магнитов до футболок. Магазин, кстати, работает до сих пор, но в онлайн-режиме.

церковь

Глубоко религиозные родители Уорхола были прихожанами русинской грекокатолической церкви. Сам он тоже верил и любил церковь, его священник даже утверждал, что Уорхол приходил в церковь почти каждый день, но в безлюдные часы.

«Челси»

«Девушки из “Челси”» — пожалуй, самый известный полнометражный фильм Уорхола-режиссера о 12 девушках, развлекающихся в отеле «Челси». В фильме сыграли суперзвезды Уорхола — его свита, гости его «Фабрики» и друзья. Несмотря на то, что фильм принадлежал к авангардному, экспериментальному кино, его прокатывали в кинотеатрах, он пользовался коммерческим успехом. 

Шелкография

Большинство работ Уорхола выполнены в технике шелкографии, которая позволяла быстро копировать одно и то же изображение. Именно этим методом были созданы «Банки с супом «Кэмпбелл»» (Уорхол, кстати, говорил в одном из интервью, что это, пожалуй, его любимая работа), «Диптих Мэрилин», «Восемь Элвисов», серия «Смерть и катастрофа» и т. д.

Щедрость

Несмотря на любовь к бизнес-искусству, роскоши и деньгам, Энди Уорхол был довольно щедрым человеком: он часто помогал нищим, был волонтером в приюте для бездомных.

Уорхол и фотограф и поэт Джерард Маланга с детьми в Нижнем Ист-сайде

Эди Седжвик

Актриса, модель, подруга Уорхола, его суперзвезда и муза. Седжвик постоянно тусовалась на «Фабрике», снялась в нескольких картинах Уорхола, сопровождала его на вечерах и съемках телешоу.

Образ Седжвик стал культовым: стрижка пикси, темные тени и ресницы, короткое черное платье и огромные серьги — американская молодежь ей подражала, а рок-группы посвящали ей свои песни.

Хорошее чувство юмора было для Уорхола чуть ли не главным человеческим качеством: «Смешные люди — единственные люди, которые мне интересны, потому что, если в человеке нет ничего смешного, мне с ним скучно».

«Я стреляла в Энди Уорхола»

3 июня 1968 года Валери Соланас вошла в «Фабрику» и несколько раз выстрелила в Энди Уорхола. Она попала в живот, пули повредили восемь органов. После стрельбы Соланас выбежала на улицу и сообщила первому встреченному полицейскому: «Я стреляла в Энди Уорхола».

Валери Соланас была радикальной феминисткой, она знала Уорхола, уже бывала на «Фабрике» и даже снималась в его кино. Она заявила полиции, что тот «слишком контролировал мою жизнь». Ей диагностировали параноидальную шизофрению и посадили на три года.

После покушения Уорхол пересмотрел свое восприятие искусства и творчества и до конца жизни носил поддерживающий корсет.

{«width»:1200,»column_width»:111,»columns_n»:10,»gutter»:10,»line»:40}false7671300falsetrue{«mode»:»page»,»transition_type»:»slide»,»transition_direction»:»horizontal»,»transition_look»:»belt»,»slides_form»:{}}{«css»:».editor {font-family: tautz; font-size: 16px; font-weight: 400; line-height: 21px;}»}true

Графический дизайн и поп-арт 60-х годов. Энди Уорхол (Энди Уорхол и поп-арт) [Реферат №7188]

Содержание:

Биография

Энди (Эндрю) Уорхолл родился в американском Питтсбурге 6 августа 1928 года. Семья Уорхола (настоящая фамилия – Вархола) переехала в Штаты из Словакии, так что по национальности Энди – русин. Сначала в Америку в поисках работы перебрался отец семейства, Андрей, а 1921 году к нему присоединилась супруга Юлия.

Старшая сестра Эндрю, Юстина, родилась и умерла еще в младенчестве, на родине родителей. Помимо Юстины у мальчика было еще два старших брата и один младший. Отец трудился на шахте, мать была домохозяйкой и подрабатывала, моя полы, окна и мастеря искусственные цветы из подручных материалов.

После переезда в Окленд (пригород Питтсбурга) Энди ходил в самую обычную школу. Мальчик рос веселым, высоким пареньком (во взрослом возрасте рост Уорхола составлял 180 см), пока его не подкосила болезнь. В третьем классе Эндрю заболел хореей Сиденгама, которая стала следствием перенесенной скарлатины. При этом заболевании человеком овладевают мышечные судороги, которые он не в состоянии контролировать.

Из обычного шаловливого мальчишки Энди вмиг превратился в маленького страдальца, прикованного к постели. В школу он ходить не мог, к тому же бывшие товарищи дразнили его. Мальчик стал панически бояться больниц, докторов, уколов и всего, что связано с болезнями.

Чтобы развлечь и приободрить сына, Юлия начинает рисовать ему разные картинки, покупает журналы, газеты. Именно тогда маленький Эндрю пристрастился к рисованию: он рисовал лампочки, ручки, ключи, пытаясь найти что-то новое в повседневных вещах и создавая свои первые художественные произведения. Мальчик полюбил делать коллажи из газетных вырезок, а после – смотреть истории в движущихся картинках с помощью проектора.

С 9 лет Эндрю начал посещать бесплатные курсы художественного мастерства и даже планировал поступить в местный университет, чтобы потом преподавать рисование. Настоящей трагедией для всей семьи стала смерть отца Андрея Вархола, который погиб в результате несчастного случая в шахте.

После окончания средней школы Уорхолл поступил в Технологический институт Карнеги, планируя в дальнейшем работать иллюстратором в области рекламы. В 1949 году будущий король поп-арта получил диплом бакалавра по специальности графический дизайн и отправился покорять Нью-Йорк, сменив фамилию с Вархола на Уорхол, а имя – с Эндрю на Энди.

Начало карьеры

Таланта Энди было не занимать: уже в молодости, на заре карьеры ему удалось добиться внимания крупных корпораций. А начинал он, как и многие художники-рекламщики, с оформления витрин магазинов. Также на заре своей карьеры молодой человек рисовал открытки и плакаты, декорировал стенды. На эту пору пришлось сотрудничество Уорхола с модными журналами Harper’s Bazaar и Vogue.

Настоящий успех к художнику пришел после создания оригинальной рекламы обуви марки «И. Миллер». Энди нарисовал обувь чернилами и украсил кляксами. Слава принесла молодому человеку приличный доход, с ним начали заключать контракты известные бренды. Однако сам мастер считал свой успех лишь ступенькой на пути к «высокому искусству», о котором у него были весьма своеобразное представление.

В 1952 году в Нью-Йорке проходит первая выставка работ Уорхола, а еще через четыре года его принимают в «Клуб художественных редакторов». К этому периоду относится увлечение художника методом трафаретной печати, который он использовал для создания и последующего размножения своих произведений. С помощью матриц на основе собственноручно сделанных фотографий и газетных снимков Энди создал свои самые известные картины, монохромные и цветные коллажи с изображением Мэрилин Монро, Мика Джаггера, Мао Цзэдуна, Лиз Тейлор, Элвиса Пресли, Одри Хепберн, которые впоследствии стали символами поп-арта.

Энди Уорхол и поп-арт

Поп-а́рт (англ. pop art, сокращение от popular art — популярное или естественное искусство) — направление в изобразительном искусстве Западной Европы и США конца 1950—1960-х годов, возникшее как реакция отрицания на абстрактный экспрессионизм. В качестве основного предмета и образа поп-арт использовал образы продуктов потребления. Фактически это направление в искусстве подменило традиционное изобразительное творчество — на демонстрацию тех или иных объектов массовой культуры или вещественного мира.

Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст:

  • изменяются масштаб и материал;
  • обнажается приём или технический метод;
  • выявляются информационные помехи и др.

Образы массовой культуры, отрицание серьезности искусства и использование или воспроизведение реальных банальных предметов — всего лишь поверхностное определение поп-арта, иными словами популярного искусства (Popular Art). Каждый автор по-своему описывал и представлял это направление. Для Уорхола поп-арт — «это о любви к вещам». И хотя Энди никогда не называл себя фотографом, в 1980 году он сделал весьма неожиданное заявление: «Я не верю в искусство, но верю в фотографию».

Художники поп-арта часто использовали фотографию в своем творчестве, и как составную часть произведения, и как источник. Однако только об Уорхоле можно определенно сказать, что фотография в ее различных проявлениях — от газетных вырезок, популярных карточек звезд, снимков в фотографическом автомате и полароидов до документальных съемок в ночных клубах и путешествиях — неотделима от его творчества.

В начале 1960-х Уорхол создает свои прославленные серии, выполненные методом шелкографии, в которых эксплуатируются два основных мотива: портреты популярных «героев» (кино — Мэрилин Монро, Лиз Тейлор, Уоррен Битти; политики — Джеки Кеннеди, Мао Цзедун и многие другие) и изображения смерти (автомобильные и авиационные катастрофы, электрические стулья, пищевые отравления, суициды, атомный гриб и прочее). Многократно повторяющийся образ, изолированный от других ему подобных, складывался в произведение, напоминающее по структуре сетку. Эти тиражируемые нарочито отстраненные изображения лишь усиливали банальность и обыденность присутствующих на них образов массовой культуры. «Когда ты видишь страшную картину снова и снова, это перестает впечатлять», — говорил Уорхол о своей серии катастроф.

Идея тиражирования и производства (в промышленном смысле) искусства, так занимавшая Уорхола, воплотилась в его «Фабрике». Студия работала как коммерческое предприятие, выдавая до 80 шелкографий в день, поставив произведения искусства на поток. Желание Уорхола писать картины, «уподобляясь машине», должно было привести к технизации процесса, анонимности произведения и уподоблению его обычному продукту производства. В этом случае вопрос авторства и равноценности того или иного произведения оказывался вторичным. Процесс «автоматического» создания изображения напоминал теорию дадаистов об «автоматическом» письме. Художник мечтал, «чтобы как можно больше людей занимались шелкографией: никто не должен догадаться, моя перед ним картина или чья-то чужая».

Экспериментирование со своим обликом — неотъемлемая часть его автопортретов. Так, в одном из них (1964), растиражированном шелкографским способом, Уорхол явно повторяет иконографию портретов из уголовных дел. Портреты и автопортреты художника — это своеобразный театр для себя и других. В этом Уорхол очень напоминает Рембрандта. Уорхол, как и Рембрандт, экспериментировал главным образом с лицом, придавая ему то или иное выражение, играя мимикой. Художник, словно актер, исполнял определенные роли, смешивая себя настоящего с придуманным, желанным образом.

Именно благодаря творчеству Уорхола в плакате и рекламе стали использоваться особым образом обработанные фотоиллюстрации, яркие психоделические цвета и многократно повторенные изображения. Техническое тиражирование во многом породило ироническое отношение к самому объекту рекламы, этого нельзя не признать. • И здесь Уорхол добился своей цели: он бросил вызов обществу массового потребления, которое как раз поддерживало Уорхола. И, наконец, Уорхол избавил общество от лицемерия. Он стал первым человеком, который публично признал, что деньги являются ничуть не менее важной составляющей профессии, чем творчество.

10 известных картин Энди Уорхола

1. ДИПТИХ МЭРИЛИН

Полотно было написано сразу после смерти Мэрилин Монро. Энди Уорхол соединил две картины: пятьдесят грубо раскрашенных растиражированных портретов актрисы и точно такую же, но черно-белую. На втором полотне большинство портретов плохо видны или смазаны. Таким образом, художнику удалось показать облик смерти, преследовавший Мэрилин, и подчеркнуть контраст с ее жизнью. Сейчас картина находится в Лондоне, в Галерее Тейт.

2. БАНКА СУПА «КЭМПБЕЛЛ»

Эта картина, по мнению художника, была его лучшей работой. Началось всё с одной картины, потом родилась целая серия. В ней выражено стремление Уорхола раскрыть поверхностную суть вещей и дать возможность каждому понять, что утюг или пылесос так же прекрасны, как зеленые холмы или поляна с цветами. Свою страсть к рисованию обыденного Уорхол объяснял очень просто: «Я работаю с тем, что мне нравится». А супы «Кэмпбелл» он действительно любил, поедал их прямо из банки. Эта картина уже после смерти Уорхола была продана за 24 миллиона долларов. Сам же автор в свое время, ни о чем не подозревая, продавал подобные по 100 баксов.

3. ПИСТОЛЕТ

3 июня 1968 года Энди Уорхол пережил покушение на свою жизнь – он получил три пулевых ранения в живот. Близкая встреча со смертью вдохновила новатора поп-арта на создание нескольких картин, в том числе и знаменитого «Пистолета» – копией револьвера, из которого он чуть не был застрелен. На красном фоне изображено трафаретное изображение револьвера в черном и белом цветовых решениях. Сегодня эта работа оценивается в 6-7 миллионов долларов.

4. БАНАН

Уорхол был продюсером группы Velvet Underground. Главным его вкладом стало создание обложки дебютного альбома The Velvet Underground and Nico. Именно на ней были впервые изображены знаменитый ярко-желтый банан, подпись художника и надпись «Peel slowly and see». А первые тиражи альбома были снабжены наклеенным на конверты желтым бананом, оторвав который, можно было обнаружить еще один фрукт – на этот раз розового цвета и очищенный.

5. 200 ОДНОДОЛЛАРОВЫХ КУПЮР

Уорхол рассказывал: «Я попросил несколько моих знакомых предложить темы для моих работ. Наконец одна подруга задала правильный вопрос: «Слушай, а ты сам-то, что больше всего любишь?» Вот так я и начал рисовать деньги!». Энди Уорхол как пропагандист всего, что имеет характер массовости не смог обойти своим вниманием такую привычную для американца вещь, как однодоллоровая купюра. Именно в этой картине он максимально раскрыл тему духовных и материальных ценностей. На картине нет ничего, кроме денег. Тем не менее, это произведение входит в число самых дорогих: оно было продано за 43,8 миллионов долларов. Тем самым Уорхол доказал свою главную идею «искусство – это прибыль, если оно хорошо продается».

6. ВОСЕМЬ ЭЛВИСОВ

Пальма первенства среди самых дорогих работ Уорхола принадлежит полотну «Восемь Элвисов», на которое художника вдохновил безвременно ушедший король рок-н-ролла. Эти несколько Пресли стоят 108,1 млн. долларов. Художник хотел не только вспомнить Элвиса, но и отразить свою любимую тему в искусстве – тему бренности славы, монотонного повторения одинаковых образов и страха смерти. Выполнил Уорхол картину в своем любимом цвете – серебряном.

7. ЗЕЛЕНЫЕ БУТЫЛКИ КОКА-КОЛЫ

Что могло быть проще – просто изобразить всем известную бутылку? Но в этом и был весь секрет искусства Энди Уорхола – оно должно быть понятно каждому, а Кока-Колу пьют все: от президента до простого рабочего. Художник сделал ставку не на элитарность, а на массовость, и не прогадал. «В этой стране удивительно то, что она породила новую традицию потребления – богатые покупают совершенно те же продукты, что и бедные. Президент пьет Колу, Лиз Тейлор пьет Колу и, только подумай, – ты тоже пьешь Колу», – говорил он.

8. КРАСНЫЙ ЛЕНИН

От знаменитостей, которых Энди Уорхол рисовал очень часто, художник перешел к политикам. Одной из его поздних работ стала картина «Красный Ленин», которая до недавнего времени принадлежала Борису Березовскому. Еще до своей смерти олигарх продал произведение искусства и «Красный Ленин» ушел с молотка почти за 202 тысячи долларов частному коллекционеру. Изначально шелкографическая репродукция Уорхола оценивалась в 45-75 тысяч долларов.

9. КОРОЛЕВА ЕЛИЗАВЕТА II

Изображения Елизаветы II размером 100 на 80 сантиметров были написаны по фотографии королевы, сделанной в 1975 году фотографом Питером Грюжоном и были включены Уорхолом в подборку «Правящие королевы». В нее вошли также его портреты королевы Нидерландов Беатрикс, Дании – Маргрете II и Свазиленда – Нтомби Твала. Британская королева изображена на работах художника во Владимирской тиаре, принадлежавшей когда-то представительницам российского императорского дома Романовых. Недавно Елизавета II купила для Королевского собрания четыре своих портрета, написанных Энди Уорхолом.

10. ЧЕ ГЕВАРА

Мало кто знает, что известная версия постера Че Гевары «Героический партизан» не принадлежит Энди Уорхолу. Дело в том, что его компаньон Джерард Маланга создал это произведение в стиле Уорхола, выдав работу за рисунок последнего ради прибыли. Но афера Герарда раскрылась и его ждала тюрьма. Тогда ситуацию спас Уорхол – он согласился признать фальшивку своей работой при условии, что весь доход от продажи достанется ему.

Как Энди Уорхол тренировался на кошках

В 1954 году Энди Уорхол, который тогда ещё не был королём поп-арта, создал своеобразную «книгу художника» под названием «25 Cats Name Sam and One Blue Pussy» («25 котов по имени Сэм и одна голубая кошечка»).

как устроена выставка «Энди Уорхол и русское искусство»?

Искусство

Главная выставка-блокбастер этого лета — в «Севкабель Порту» 25 июня открылась масштабнейшая (1500 кв. м.!!!) экспозиция Энди Уорхола. В Россию привезли более ста работ певца поп-арта, в том числе хрестоматийные портреты Мэрилин Монро, Мао Цзэдуна и Лиз Тейлор и изображения банок с супом «Кэмпбелл». Проект выстроен как диалог Уорхола с российскими художниками, среди которых группа «Комар и Меламид», Recycle Group, Павел Пепперштейн и Юрий Альберт. Куратор выставки Татьяна Звенигородская подготовила специально для «Собака.ru» гид по ней, рассказав обо всем, на что стоит обратить внимание, разбив информацию на главы. 

Глава «Тусовка»

Эпоха, к которой принадлежал Уорхол, отличалась высокой турбулентностью. По окончании Второй мировой войны, когда Европа оказалась в глубоком кризисе, в США, напротив, начался экономический бум. В результате него появилось общество потребления в современном виде, а также обслуживающая его реклама. Простым обывателям на билбордах, в газетах и журналах, а затем и с экранов телевизоров обещали исполнение Американской мечты о доступности для каждого богатства и славы. В таком историческом и визуальном контексте и рождался поп-арт. Новой эпохе, бурлящей множеством событий, нужно было новое искусство.

В Нью-Йорке культовым ночным заведением была «Студия 54», куда попасть могли только избранные и после строгого фейс-контроля. Именно там любил проводить время Энди Уорхол в компании знаменитостей. В этой главе выставки — постеры и афиши, полароиды и обложки альбомов популярных исполнителей. Они рассказывают о богемной тусовке, представителей которой Уорхол с удовольствием превращал в объект искусства.

Обложка альбома The Rolling Stones «Sticky fingers» 1971

Да, Энди Уорхол был в приятельских отношениях со многими знаменитостями из самых разных сфер. Среди его друзей-музыкантов оказался и вокалист The Rolling Stones Мик Джаггер. Уорхол неоднократно создавал его портреты и даже придумал дизайн для одного из лучших альбомов группы «Sticky Fingers», получившего тройную платиновую сертификацию. Обложка была с интерактивным элементом: настоящей молнией. Расстегнув ее, можно было увидеть нижнее белье, скрывающееся под фотографией джинсов. Скандальное оформление полностью соответствовало дерзкому стилю группы и бешеной энергетике их песен. Вскоре, правда, от молнии пришлось отказаться, так как она царапала винил. Поначалу публика думала, что позировал для обложки сам Мик Джаггер. Хотя скорее всего, в провокационном проекте согласился поучаствовать кто-то из завсегдатаев арт-студии «Фабрика» Энди Уорхола.

Сэм, 1990 6 иллюстраций из серии «25 котов по имени Сэм и одна голубая кошечка» Бумага, печать Издание Фонда Энди Уорхала 40 х 31 см. Частная коллекция

Глава «Как Энди стал Уорхолом»

Книга «25 котов по имени Сэм и одна голубая кошечка» была сделана Уорхолом в 1954 году — еще до того момента, как за ним закрепилась слава короля поп-арта. Это самое ранее произведение Уорхола, представленное на выставке. В этот период к нему в Нью-Йорк из родного Питтсбурга приехала его мать Джулия. Именно ей принадлежат надписи на листах. Котов и кошек семья обожала, в их квартире они постоянно жили в большом количестве. И всех их действительно звали Сэм, кроме одной кошки по имени Эстер, которую с собой в мегаполис и привезла Джулия.

Загадка издания в количестве животных: несмотря на название, Уорхол сделал только 16 рисунков. Для раскрашивания контуров, отпечатанных на листе в технике литографии, Уорхол привлекал своих друзей. Метод коллективной работы позже получит развитие в его зрелый период на студии «Фабрика». Кроме того, в книге уже заметен интерес Уорхола к ярким, насыщенным краскам, смещению цветов и выходу их за контуры. Это он также будет использовать и дальше.

Олег Кулик

Глава «Я-бренд»

Энди Уорхол создал столь популярную сейчас философию личного бренда художника. На рождение отстраненного и загадочного образа во многом повлияло одиночество, которое он испытывал с юности. В детстве Уорхол страдал неврологическим расстройством и часто оставался дома.

Поп-артист по частям создавал свой образ, который вошел в историю. Сначала он красил волосы в серебряный цвет, потом стал носить парик и постоянно появлялся во всем черном, утверждая узнаваемый имидж-маску. В итоге к его игре с внешностью все настолько привыкли, что художник мог посылать на несколько идущих одновременно вечеринок своих двойников. Не удивительно, что Уорхол был первым среди художников XX века, кто сделал жанр автопортрета одним из важнейших в своем творчестве подобно тому, как это было у старых мастеров. Но если художники прошлого смотрелись в зеркало, чтобы написать маслом на холсте свой образ, то Энди использовал новый медиум — шелкографию, позволяющая печатать большие тиражи.

Русские художники испытали влияние Уорхола и продолжили пользоваться стратегиями самопрезентации поп-артиста. Они также пристально вглядываются в себя и создают персонажа альтер-эго, готового отделиться от личности для самостоятельной жизни в пространстве массовой культуры.

Одна из ярких работ в этой главе — фотография представителя российской арт сцены Олега Кулика. На ней он предстает в необыкновенном сверкающем костюме, так как снимок был сделан при подготовке к легендарному перформансу «Броненосец для вашего шоу», который он исполнил в лондонской галерее современного искусства Tate Modern. Перформанс длился около часа. Все это время художник неподвижно стоял на трапеции в главном пространстве галереи — турбинном зале. Кулик работал с силой воли и выдержкой тела, ведь ему приходилось балансировать на тонкой перекладине, стоя на цыпочках. Все действо сопровождалось медитативной музыкой, погружающей в состояние транса. Драматическим элементом в ситуации, когда художник испытывал себя болью, был его праздничный яркий костюм. Он был сделан из множества зеркал, на которые направляли свет мощные софиты, превращая Кулика в живой диско-шар. Название работы «Броненосец для вашего шоу» раскрывает основную концепцию перформанса. Костюм из зеркал сравнивается с панцирем броненосца, а художник уподобляется цирковому животному, выступающему на потеху публике.

 «Амурский тигр», 1983 «Вымирающие виды»

Глава «Природа»

Уорхол был большим любителем животных, что подтверждается неоднократным их появлением в его творчестве. Наибольшую известность из работ такого рода получила серия «Вымирающие виды». Художник выбрал 10 животных со всего мира: от африканского слона до амурского тигра. Обычно яркие цвета и техника шелкографии связаны у Энди с портретами знаменитостей, чья слава превратилась в продукт на медийном рынке. Когда поп-артист использует эти приемы для изображения редких видов животных, то таким образом он раскрывает потребительское отношение людей ко многим из них.

Владимир Потапов «Лес», 2021 Дерево, масло, голографическая пленка.

Проект «Лес» был сделан Владимиром Потаповым специально для выставки в «Севкабель Порту». Основа концепции заключается в выборе специфического материала — голографической пленки. Художник отмечает, что яркий блики на ней отсылают к сиянию фаворского света. Однако в современном обществе божественный свет люди променяли на искусственное излучение, которое принес с собой прогресс. Работа мастера метафорически отражает, как духовное заменяется поклонением технократическому началу. Подмену одного другим замечал и Энди Уорхол, показывая, что за множеством соблазнительных вещей и идей современности скрывается пустота. Радужные переливы голографической пленки также напоминают об образе сияющей, лживой упаковки, которую иногда разоблачал, а иногда и восхвалял поп-арт. Ее же превозносит современная реклама. Характерно, что Потапов использует именно дешевый, китчевый материал для того, чтобы создать на нем классические пейзажи. Поп-артисты тоже прибегали к приему смешения высокого и низкого, обнажая механизм поглощения элитарного искусства массовой культурой.

6 банкнот номиналом 2 доллара, подписанные Энди Уорхолом. На банкноте изображены портрет Томаса Джефферсона и картина «Декларация Независимости» (1976). 15,5х6,6 см (каждая) Провенанс: Студия Энди Уорхола.

Китаева Елена и Леонид Парфенов

Глава «Деньги»

Энди Уорхол никогда не скрывал, что он начинал как коммерческий художник, выполнявший заказы на иллюстрации для крупного глянца, и что его главным желанием было поставить искусство на одну ступень с бизнесом. Он сам про это говорил следующее: «После того как я занимался тем, что называется искусством, я подался в бизнес-искусство. Я хочу быть Бизнесменом Искусства, или Бизнес-Художником. Успех в бизнесе — самый притягательный вид искусства. В эпоху хиппи все принижали идею бизнеса, говоря «Деньги — это плохо» или «Работать — плохо», но зарабатывание денег — это искусство и работа — это искусство, а хороший бизнес — лучшее искусство». Художник, родившийся в бедной семье в промышленном Питтсбурге, не только утверждал идею денежного успеха, но еще использовал в творчестве образ доллара либо как купюры, либо  как знака валюты. Первое изображение денег у него появилось в начале 1960-х, а в 1981 году Уорхол сделал еще одну «долларовую» серию.

Тема денег волновала и представителей русской культуры. Идея показать лучших из лучших деятелей национальной истории на банкнотах посетила Леонида Парфенова, а реализовала ее Елена Китаева в проекте «Новые деньги» в 1996 году. В список культовых личностей вошли спортсмены, художники, писатели, композиторы, ученые и космонавты. Среди имен нет ни одного политика или военного, что давало «Новым деньгам» устойчивость к смене власти.

Виктор Пономаренко «Nihil habeo, nihil timeo», 2020 холст, масло

Глава «Шопинг»

В истории искусства натюрморты рассказывали о привычках, традициях и культурных особенностях, характерных для той или иной эпохи. Теперь национальная идентичность и культурная индивидуальность стираются масс-маркетом, и этот процесс отражается в композициях Виктора Пономаренко. Они все составлены из товаров из «Макдоналдса». Еще Энди Уорхол иронично отмечал распространение влияния этой сети в глобальном масштабе: «Самое прекрасное в Токио — «Макдоналдс». Самое прекрасное в Стокгольме — «Макдональд»с. Самое прекрасное во Флоренции — «Макдональдс». В Москве и в Пекине пока нет ничего прекрасного».

Санта Клаус, 1980 Серии «Мифы» Холст, шелкография, авторская роспись

Глава «Слава»

Культ славы был постоянным источником вдохновения для Уорхола. Работа «Десять знаменитых евреев XX века» отражает моду создавать рейтинги и иерархические списки топ-лучших. Проект «13 самых разыскиваемых преступников» предлагает посмотреть на тему  под нетривиальным ракурсом: злодеи приобретают известность, нарушая закон, и тоже появляются в средствах массовой информации, как и голливудские звезды. Появление Санта Клауса из серии «Мифы» в этом разделе подчеркивает иллюзорный характер славы. Альберт Эйнштейн и Санта для массового сознания потребительской культуры в равной степени становятся брендами, персонажами рекламы и анекдотов.

Владислав Мамышев-Монро. Серия «Счастливая Любовь» (Любовь Орлова), 2000. Фотография

Когда Владислав Мамышев-Монро делал проект, посвященный знаменитой советской актрисе Любови Орловой, он старался наиболее полно передать атмосферу той эпохи. Перевоплощаясь в любимицу СССР, он представлял, как та бы выглядела и чем занималась, если бы не умерла в 1974 году. Художник намеренно режиссировал кадр так, чтобы он выглядел случайным. Этот прием словно бы наделяет зрителя возможностью заглянуть в закулисье жизни актрисы. Чтобы передать точно дух времени и характер выбранного персонажа, Мамышев отправился на дачу кинодивы во Внукове, где подробно изучил стопки фотографий Орловой за многие годы. Мамышев-Монро объясняет свой пристальный интерес к актрисе ее противоречивой природой: «…Она знала про расстрелы людей, про многомиллионные посадки в 1937 году, одна из немногих, кто был в курсе. И при этом пела с наглой мордой: «Я другой такой страны не знаю, где так вольно дышит человек»». Такой цинизм. При этом ты все равно ее любишь, ты влюбляешься в образ, фантазируешь. Она как маска комедии дель арте, такая Коломбина, нечто вечное, пусть и гипертрофированное, но при этом она сама стала заложницей этой маски».

Везувий, 1985

Глава «Memento mori»

Все товары рано или поздно потеряют свой магнетизм и окажутся на свалке. Такая же участь в метафорическом плане ждет и кумиров общества. Уорхол отмечал: «Все, что я делаю, так или иначе связано со смертью». Серию с Мэрилин художник начал сразу после ее кончины. Лиз Тейлор появилась среди его персонажей, когда заболела, и все пророчили ей скорое угасание. Животные, которых поп-артист выбрал для серии «Исчезающие виды», тоже уже затронуты гибелью. Смертелен и пейзаж: шелкография с Везувием напоминает, что его извержение похоронило целый город.

Георгий Пузенков «Double Elvis. After Warhol», 1996 Холст, акрил

Георгий Пузенков в своей работе обратился к любимому поп-артом и Энди Уорхолом методу апроприации. Он предполагает присвоение художником уже существующего в культурном контексте образа. Пузенков берет за основу для авторского высказывания знаменитую шелкографию Уорхола «Элвис», но добавляет и собственное содержание. «Элвиса» он помещает в компьютерное окно-рамку. оставляя на нем след мыши. Так мастер намекает на свое право редактировать все, что в эту рамку попадает. Этот способ интерпретации в художественной практике Пузенкова впервые появился в 1995 году. Такое оригинальное решение выходит за границы банальной цитаты, открывая путь к рождению новых идей в пространстве на стыке реальности и виртуальности. Образ как будто в любой момент может распасться на пиксели и преобразиться в нечто неожиданное.

«Золотая книга», 1957 20 иллюстраций

«Хрупкие вещи» Маяны Насыбулловой

Глава «Пролог»

Завершающим аккордом выставки прозвучит одно из ранних и самых лирических произведений Уорхола — «Золотая книга». Под ее обложкой оказались изображения туфель, связанные с работой художника коммерческим иллюстратором, а также впервые появилась тема смерти, с которой он будет работать и дальше. На одной из страниц он изображает актера Джеймса Дина, который трагически погиб в автокатастрофе. Однако присутствие трагического оттенка не бросается в глаза. Тонкие изысканные линии говорят о легкости бытия, а цветы — о цикле жизни и обновлении.

Идею возрождения поддерживают «Хрупкие вещи» Маяны Насыбулловой. Для проекта художница собирала забытые в общественных пространствах комнатные растения, а затем пересаживала в новые горшки, давая им новый дом и жизнь. Исследование Насыбулловой феномена личной и коллективной памяти, характерен и для выставки, раскрывающей глубокий характер и диалог разных поколений русских художников с Энди Уорхолом.

Текст: Татьяна Звенигородская

Выставка «Энди Уорхол и русское искусство» в «Севкабель Порту» с 25 июня по 19 сентября

Следите за нашими новостями в Telegram

Автор:

Миша Стацюк,

Энди Уорхол — 7425 Произведения, биографии и выставки на Artsy

204 тыс. подписчиков

Биографии

Одержимый знаменитостями, потребительской культурой и механическим воспроизведением, поп-художник Энди Уорхол создал одни из самых знаковых образов 20-го века. В своих самых известных работах он широко использовал поп-культуру и повседневную тематику: его 32 …

Посмотреть все прошедшие выставки и ярмарочные стенды

Обзор

Работы на продажу (3,165)

Результаты аукциона

Примечательные работы

  • Название художника

    Название произведения

    Партнер

  • Имя художника

    Название произведения

    Партнер

  • Имя художника

    Название искусства

    Партнер

  • Название художника

    Название выставки и еще 10

    Групповая выставка в крупном учреждении

    Museum of Sample Art (Example) и еще 33

    Собраны крупным учреждением

    Пример, и еще 5

    достижения

    Активный вторичный рынок

    Недавние результаты аукциона в базе данных Artsy Price

    Высокий аукционный рекорд

    US 85,0 млн. , Phillip

    Получите выгодные предложения от ведущих мировых аукционных домов и галерей, чтобы получить ваши работы на продажу. Это просто и бесплатно.

    Отправить сейчас

    Iconic Collections

    • Works on Paper

      From $500

    • Works on Paper

      From $500

    • Works on Paper

      From $500

    • Works on Paper

      From $500

    • Works на бумаге

      От $500

    • Работы на бумаге

      От $500

    • Работы на бумаге

      От $500

    • 10003

      From $500

    • Works on Paper

      From $500

    • Works on Paper

      From $500

    Works For Sale

    • Some Artist

      Location

    • Some Artist

      Местонахождение

    • Некий Художник

      Местонахождение

    • Некий Художник

      Местонахождение

    • Некий Художник

      9008 Местонахождение0003

    • Some Artist

      Location

    • Some Artist

      Location

    • Some Artist

      Location

    Articles

    • Some Artist

      Location

    • Some Artist

      Местоположение

    • Некоторый художник

      Местоположение

    • Некоторый художник

      Местоположение

    • Некоторый художник

      Location

    • Some Artist

      Location

    • Some Artist

      Location

    • Some Artist

      Location

    Related Artists

    • Artist Name

      Nationality, b. 9999

    • Имя исполнителя

      Национальность, р. 9999

    • Имя исполнителя

      Национальность, р. 9999

    • Имя исполнителя

      Национальность, р. 9999

    • Имя исполнителя

      Национальность, р. 9999

    • Имя исполнителя

      Национальность, р. 9999

    • Имя исполнителя

      Национальность, р. 9999

    • Имя исполнителя

      Национальность, р. 9999

    Энди Уорхол. Взгляд на жизнь и поп-арт Картины Энди Уорхола

    До того, как работы Энди Уорхола были представлены в галереях, он уже был очень плодовитым коммерческим иллюстратором. Картины Энди Уорхола с предметами домашнего обихода и знаменитостями выдвинули его в высшие эшелоны мира картин поп-арта. Каков собственный капитал Энди Уорхола и как он стал настолько известен во всем мире? Ответы на эти вопросы, а также многие другие интересные факты мы найдем в наших подробных разделах о биографии и творчестве Энди Уорхола.

    Table of Contents

    • 1 An Andy Warhol Biography
      • 1.1 Childhood
      • 1.2 Early Training
      • 1.3 Mature Period
      • 1.4 Late Years and Death
      • 1.5 Legacy
    • 2 Andy Warhol’s Artworks
      • 2.1 Coca-Cola 3 (1962)
      • 2.2 Gold Marilyn Monroe (1962)
      • 2.3 Sleep (1963)
      • 2.4 Orange Car Crash Fourteen Times (1963)
      • 2.5 Brillo Boxes (1964 9 Sobell’s
      • )

        268)

      • 2,7 MAO (1973)
      • 2.8 Окислительная живопись (1978)
      • 2.9 Роршах (1984)
      • 2.10 Общий электрик с должностным лицом (1984)
      • 2. 11. Для самоотверженности (1986)
    • 3111.
      • 3.1 Дневники Энди Уорхола (2014) Энди Уорхола и Пэта Хакетта
      • 3.2 Уорхола (2015) Клауса Хоннефа
    • 4 Часто задаваемые вопросы
      • 4.1 Где находится музей Энди Уорхола?
      • 4.2 Каков собственный капитал Энди Уорхола?

     

     

    Биография Энди Уорхола

    Национальность Американский
    Дата рождения 6 августа 1928 г.
    Дата смерти 22 февраля 1987 г.
    Место рождения Питтсбург, Пенсильвания

    Работы Энди Уорхола, когда он работал коммерческим иллюстратором, недавно были признаны первыми работами, в которых он впервые научился влиять на общественные вкусы. Его рисунки в это время были, как правило, комичными, орнаментальными и причудливыми, в отличие от холодного и механического духа его творчества. 0349 Картины в стиле поп-арт . Он поднялся из нищеты и неуверенности восточноевропейской семьи экспатриантов в Питтсбурге, чтобы стать очаровательным маяком для контркультуры Нью-Йорка и, в конечном итоге, занять положение в высшем обществе.

    Многие восприняли восхождение Энди Уорхола как отголосок одного из устремлений поп-арта: привнести распространенную эстетику и темы в элитные галереи изобразительного искусства. Его величайший успех заключался в том, что он возвысил свой образ до уровня публичной иконы, что символизировало новую степень известности и популярности великого художника.

     

    Детство

    Энди Уорхола родился в районе Питтсбурга в семье мигрантов родом из Чехословакии. В детстве Уорхола был умным и артистичным юношей. Его мать, сама художник-любитель, поддержала его творческие наклонности, купив ему его первую камеру, когда ему было девять лет. Сообщалось, что он страдал психическим заболеванием, которое приковывало его к дому на длительное время, и во все эти моменты он слушал радио и окружал себя образами голливудских знаменитостей.

    Это раннее знакомство с текущими событиями, как он впоследствии заявил, вдохновило его на пристрастие к поп-культуре и знаменитостям.

    Фотопортрет американского художника Энди Уорхола на его выставке, посвященной чернокожим трансвеститам в США. Феррара, ноябрь 1975 г.; Неизвестно (Mondadori Publishers) , общественное достояние, через Wikimedia Commons

    Когда Уорхолу было 14 лет, умер его отец, и семейные средства предназначались исключительно для дальнейшего образования одного из братьев. Семья думала, что Уорхола получит наибольшую пользу от обучения в колледже.

     

    Раннее обучение

    После окончания средней школы в возрасте 16 лет Уорхол поступил в Университет Карнеги-Меллона, где получил формальное образование в области визуального дизайна. Вскоре после выпуска, в 1949 году, он переехал в Нью-Йорк, чтобы работать художником по рекламе. Его первая работа была в журнале Glamour, где он написал статью под названием «Успех — это работа в Нью-Йорке».

    На протяжении 1950-х годов Уорхол поддерживал прибыльную коммерческую карьеру иллюстратора, работая для таких журналов, как «Vogue» и «The New Yorker».

    Фотография Энди Уорхола в Нью-Йорке в 1950 году; [1] , общественное достояние, через Wikimedia Commons

    Энди Уорхол изменил свою фамилию с Уорхола на Уорхол в начале 1950-х годов и решил стать профессиональным художником. Его знания и навыки в области корпоративного искусства в сочетании с его участием в американском поп-сообществе повлияли на его самые примечательные работы. Уорхол обращал внимание на новых восходящих художников, особенно на Джаспера Джонса и Роберта Раушенберга, чьи работы побудили его расширить собственные художественные поиски.

    Уорхол начал использовать рекламные и комические панели в своих работах в 1960 году. Эти ранние произведения поп-арта отличались более эмоциональной и художественной техникой, с четко различимыми мазками.

    Говорят, что эти техники были вдохновлены абстрактным экспрессионизмом . Тем не менее, его последующие произведения, такие как Brillo Boxes (1964), продемонстрировали сильную реакцию против абстрактного экспрессионизма, устранив практически все свидетельства ручной работы художника.

     

    Период зрелости

    Наиболее продуктивный период его жизни начался в сентябре 1960 года, когда он переехал в дом на Манхэттене. В прежней домашней обстановке у него не было специально отведенной мастерской, но теперь было достаточно места для работы. Продолжая тему рекламных роликов и комиксов, картины Энди Уорхола начала 1960-х в основном основывались на графических образах из новостных материалов и графики. Рисуя от руки, он затем обводил картину краской прямо на холсте, без необходимости карандашного рисунка ниже. Как следствие, Уорхолу в начале 1961 часть часто более живописна.

    В 1961 году он начал работать над знаменитыми банками для супа Campbell’s. В сериале использовались различные процессы, но основная часть была сделана путем проецирования эталонных фотографий на холсты, воспроизведения их графитным карандашом, а затем он закрашивал их.

    С помощью этого метода Уорхол смог скрыть большую часть штрихов художника. В 1962 году Уорхол начал экспериментировать с шелкографией. Создание изображения на пористом экране с последующим добавлением краски или чернил с помощью резиновой губки было методом трафарета.

    Это был еще один метод создания при стирании знаков его руки; Подобно трафаретным процедурам, которые он использовал для создания изображений банки супа Кэмпбелла , это также позволило ему многократно воспроизвести тему на одном и том же изображении, создавая серийное изображение, напоминающее массовое производство. Обычно он начинал произведение с нанесения слоя цвета, который соответствовал трафаретному изображению после его завершения.

    Фотография Энди Уорхола с Арчи, его любимой таксой, сделанная в 1973; Джек Митчелл, CC BY-SA 4. 0, через Wikimedia Commons

    Его самые ранние работы, выполненные методом шелкографии, были смоделированы как на лицевой, так и на оборотной стороне банкнот, и он продолжал использовать этот процесс для создания нескольких серий изображений других потребительских товаров и коммерческие вещи. Он представлял грузовые и технологические этикетки, бутылки из-под газировки, наклейки на контейнеры для кофе, этикетки для мыльниц и автомобили. Начиная с осени 1962 года он начал создавать фотошелкографию, которая заключалась в копировании фотографии на пористую шелкографию.

    Бейсбол (1962) будет его первым, и многие последующие часто использовали обычные или поразительные изображения, взятые из бульварных газетных фотографий автомобильных столкновений и демонстраций гражданских прав, наличных денег и предметов домашнего обихода. В 1964 году Уорхол переехал в то, что он прозвал «Фабрикой». Поскольку к этому моменту он приобрел некоторую известность как художник, он смог нанять много рабочих, чтобы помочь ему завершить свою работу.

    Теперь он мог более определенно убирать руку с холста и создавать однообразные, массовые произведения, которые казались лишенными ценности, и задавался вопросом: «Что определяет искусство?» Это понятие изначально было предложено героем Уорхола 9.0349 Марсель Дюшан .

    Уорхол давно интересовался Голливудом, о чем свидетельствуют его классические фотографии Элизабет Тейлор и Мэрилин Монро. Он также баловался инсталляциями, особенно когда он воспроизвел коробки Brillo в их первоначальных размерах, а затем трафаретно напечатал дизайн их этикеток на фанерных плитах.

    Уорхол начал работать с кино в 1963 году, чтобы продолжить свое исследование других медиа. Два года спустя, во время тура по выставке своих картин, он объявил, что перестанет рисовать, чтобы сосредоточиться только на фильмах.

    Хотя он так и не реализовал свое видение полностью, он снял несколько фильмов, в большинстве из которых снимались звезды Уорхола, эклектичная и разнообразная группа людей, которые посещали «Фабрику» и были известны своим необычным образом жизни.

    В 1967 году он также создал концепцию The Exploding Plastic Inevitable (EPI). EPI был мультимедийным мероприятием, в котором музыкальная группа The Velvet Underground объединила показ фильмов, освещения и танцоров, завершившийся чувственной театральной встречей. Уорхол самостоятельно издавал авторские публикации с XIX века.50-х годов, но «Индекс» Энди Уорхола, его дебютный том массового производства, был выпущен в 1967 году. Он продолжал писать множество дополнительных книг, а в 1969 году он стал соучредителем журнала Interview со своим коллегой Джерардом Малангой.

    Фотография Энди Уорхола, Жана-Мишеля Баския, Бруно Бишофбергера и Франсеско Клементе в Нью-Йорке, 1984 год; Galerie Bruno Bischofberger, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons

    Журнал, посвященный знаменитостям, издается до сих пор. Это означало конец сцены Фабрики в 19 веке.60-е годы. После этого Уорхол искал компанию в высшем обществе Нью-Йорка, и на протяжении большей части 1970-х годов работы Энди Уорхола состояли в основном из портретов, сделанных по контракту с печатных полароидных изображений. Наиболее примечательным исключением является его знаменитая серия книг о Мао, созданная в ответ на поездку президента Ричарда Никсона в Китай.

    Без блеска и рыночной привлекательности его ранних картин критики воспринимали Уорхола как распродажу своего творческого гения, и этот более поздний этап считался периодом упадка. Уорхол, с другой стороны, считал финансовые достижения важной целью. К этому моменту он успешно перешел от графического дизайнера к корпоративному художнику.

     

    Поздние годы и смерть

    Картины Энди Уорхола возвращались в конце 1970-х и начале 1980-х годов, создавая произведения, иногда граничащие с абстракцией. Его последовательность Oxidation Painting, созданная путем мочи на холст с медной краской, отражала непосредственность абстрактных экспрессионистов и грубую энергию капельных работ Джексона Поллока .

    В последние годы своей жизни Уорхол обращался к религиозным темам; особенно известно его изображение «Тайной вечери» Леонардо да Винчи.

    Надгробие Энди Уорхола на византийском католическом кладбище Святого Иоанна Крестителя, Питтсбург; Allie Caulfield, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

    В этих произведениях Уорхол соединил святое с мирским, противопоставив огромные логотипы компаний изображениям Христа и его апостолов. Уорхол скончался 22 февраля 1987 года в возрасте 58 лет в результате послеоперационных проблем после регулярного лечения желчного пузыря. Он был похоронен на своей родине в Питтсбурге. Более того, 2000 человек присоединились к церемонии Уорхола в соборе Святого Патрика.

     

    Наследие

    Уорхол использовал популярную культуру и корпоративные методы для создания искусства, находящего отклик у широкой аудитории, отвергая утопические идеи и сокровенные чувства, представленные через абстракцию. Он был отцом-основателем жанра поп-арта, развивая взгляды Дюшана, нападая на основной смысл искусства.

    Его творческий риск и постоянное новаторство с темами и средствами массовой информации сделали его первопроходцем почти во всех областях изобразительного искусства. Его уникальное чувство моды, известность и компания помогли ему достичь желаемого статуса мегазвезды.

    В 1994 году в Питтсбурге, штат Пенсильвания, открылся Музей Энди Уорхола, в котором хранится значительная коллекция картин Энди Уорхола. Многие споры до сих пор сопровождают знаменитые трафаретные картины, которые помогли Уорхолу зарекомендовать себя как поп-художник в начале 1960-х годов. Его серия «Смерть и катастрофа », а также его изображения Мэрилин рассматриваются многими как подлинное проявление его страданий во время публичных мероприятий. С другой стороны, другие считают их ранними признаками «усталости от сострадания» или сниженной способности населения сочувствовать обстоятельствам, которые далеки от них.

    Другие считают его фотографии ширмами, установленными между нами и гнусными событиями, чтобы зафиксировать и обработать травму. Хотя художники опирались на поп-культуру на протяжении всего 20-го века, картины в стиле поп-арт представляют собой значительный новый этап в разделении низших и высших форм искусства.

    Работы Энди Уорхола начала 1960-х сыграли важную роль в инициировании этих достижений, но спорно, что его последующие практики были столь же влиятельными в расширении влияния картин поп-арта на другие сферы, а затем в дальнейшем стирании границ между царствами высокого мастерства. и распространенная культура.

    Несмотря на то, что Уорхол продолжал время от времени создавать картины в течение своей карьеры, в 1965 году он «ушел» из среды, чтобы сосредоточиться на создании экспериментальных фильмов. Эти картины недавно приобрели международную известность из-за многолетней изоляции, и теперь Уорхол признан одним из самых значительных режиссеров века, отцом-основателем инди-кино. Критики обычно считают, что карьера Уорхола идет на спад после того, как Валери Соланас напала на него в 1919 году.68.

    Они отдали предпочтение его ранним работам над вещами, которые занимали его в последующие годы, такими как вечеринки, коллекционирование, публикации и создание портретов по контракту. Однако другие пришли к выводу, что все инициативы Уорхола составляют его самое важное наследие, поскольку они предвещают многие увлечения, занятия и инициативы, которыми сегодня занимаются художники.

     

     

    Работы Энди Уорхола

    К началу 1960-х годов поп-арт считался новаторским жанром, который разные художники осваивали по отдельности; некоторые из этих предков позже отождествляли себя с этой тенденцией. Уорхол принял этот новый подход, при котором общие темы могут быть включены в палитру художника. Он построил свой последующий стиль и темы из этих истоков. Вместо того, чтобы сосредоточиться на отличительном предмете, как он начал делать, он сосредоточился на уникальном стиле, постепенно удаляя ручную работу из художественного подхода.

     

    Coca-Cola 3 (1962)
    Дата завершения 1962
    Средний Казеин на хлопке
    Размеры 176 см x 137 см
    Текущее местоположение Частная коллекция

    «Я просто создаю вещи, которые я всегда считал прекрасными, вещи, которые вы используете каждый день и о которых не думаете». Замечание Уорхола заключает в себе его подход; в его работах предметы повседневного обихода помещаются спереди и в центре. Это относится и к нарисованному вручную изображению бутылки из-под газировки.

    Еще один вызов господству абстрактного экспрессионизма. «Кока-кола» Уорхола имеет тот же размер, что и многие знаменитые полотна того периода, но на ней отсутствуют абстракции.

    Однако есть и дополнительные параллели. Coca-Cola, как и культовая серия картин Барнетта Ньюмана «Перекрестные станции» , состоит из массивной черной массы на белом фоне. Бутылка кричит на зрителя, ища внимания, которое получали глубокие полотна Мазервелла, но ирония царит безраздельно.

     

    Золото Мэрилин Монро (1962)
    Дата завершения 1962
    Средний Шелкография
    Размеры 211 см x 145 см
    Текущее местоположение Музей современного искусства

    Жизнь, профессия и горе Мэрилин Монро стали национальной заботой после ее ранней кончины от передозировки снотворного 19 августа. 62. Уорхол, который был одержим знаменитостями и поп-культурой, получил ее черно-белую рекламную фотографию и использовал ее для создания нескольких серий фотографий.

    Все произведения искусства «Мэрилин» исходили из того, что картина Монро повторялась снова и снова, так же, как она публиковалась в газетах и ​​публикациях того времени.

    После просмотра десятков и сотен таких фотографий зритель уже не видит изображенного человека, а остается символом массовой, коммерческой культуры. Изображение превратилось в еще одну коробку с хлопьями в магазине, одну из сотен одинаковых коробок. Уорхол расширяет понятие иконографии в Gold Marilyn Monroe , поместив лицо Мэрилин на очень большой золотой фон.

    Фон напоминает византийские религиозные иконы, которые до сих пор являются центром православных верований. Вместо божества мы видим картину, которая при ближайшем рассмотрении становится немного безвкусной, — даму, прославившуюся и погибшую в ужасной катастрофе.

    Работа Уорхола тихо критикует то, что наше общество возводит суперзвезд в царство святого. Опять же, поп-художник использовал предметы повседневного обихода и образы, чтобы дать очень конкретное представление о ценностях и среде своих современников.

     

    Сон (1963)
    Дата завершения 1963
    Средний Черно-белая пленка
    Размеры 16 мм
    Текущее местоположение Музей современного искусства

    В эпоху невероятной изобретательности в начале 1960-х Уорхол продолжал нарушать статус-кво, используя другое средство — кино. Примерно за свою карьеру Уорхол снял более 650 фильмов на самые разные темы. Его фильмы были высоко оценены миром искусства, и их влияние до сих пор можно признать в исполнительское искусство и экспериментальное кино. Тильда Суинтон выступила в художественной инсталляции в Музее современного искусства (MoMA) в 2013 году, в которой она спала в стеклянной клетке, а писательница, актриса и режиссер Лена Данхэм недавно выразила желание воспроизвести Sleep, , но с собой как фокус.

    «Сон» — одна из первых работ создателя и его первая попытка экспериментального кинопроизводства, ставшая одной из его торговых марок. Этот шестичасовой фильм рассказывает о привычках сна Джона Джорно, который в то время был бойфрендом Уорхола.

    Зрители видят Джорно глазами Уорхола, с обнаженным торсом Джорно в каждой сцене. Хотя кажется, что это непрерывная последовательность изображений, на самом деле это рулоны пленки, наложенные друг на друга, соединенные вместе и зацикленные. Творчество Уорхола было сосредоточено на повторении, а также на его одержимости банальностью.

    Всем нужен сон, и Уорхол в очередной раз превратил обыденность в творческое самовыражение.

    В хронологии фильмов Уорхола Empire и Eat (1965) последовали за Sleep . Empire — восьмичасовой документальный фильм об Эмпайр-стейт-билдинг на закате, а Eat — 45-минутный короткометражный фильм о человеке, который ест гриб. Темы Уорхола были такими же разнообразными, как и его фильмография, и они углублялись в более открытые аспекты, такие как гомосексуальная культура.

     

    Оранжевая автокатастрофа четырнадцать раз (1963)
    Дата завершения 1963
    Средний Шелкография
    Размеры 269 см x 417 см
    Текущее местоположение Музей современного искусства

    Авария оранжевого автомобиля является частью цикла Уорхола, который занимал большую часть его времени в то время. Он часто использовал ужасные и жестокие фотографии из ежедневных газет и копировал их на холсте, используя процесс фотошелкографии. Повторение, фрагментация и искажение изображения имеют жизненно важное значение не только для создания эффекта изображения, но и для очистки изображения.

    Когда зритель впервые видит фотографию насилия, он или она огорчается и напуган, однако повторение этой фотографии снова и снова ослабляет силу изображения, поскольку вид трагедии становится еще одним массовым рынком. изображение.

    Искусствовед Кристофер Найт представил альтернативный подход к этому и другим произведениям из серии Уорхола « Смерть и катастрофа ». Показанная автомобильная авария поразительно похожа на фотографию гибели Джексона Поллока в автокатастрофе на Лонг-Айленде в 1956.

    Создавая эти предметы на своей «фабрике», Уорхол еще раз высмеивает (или чудесным образом стимулирует) мир искусства и художника-творца. У Уорхола была особая привязанность к коробкам Brillo. Уорхол родился в Питтсбурге, стальном городе, который когда-то был богатым, но сейчас находится в состоянии беспорядка. Brillo — это стальная вата, вещество, обычно используемое женщинами для поддержания блеска кухонной утвари в их великолепных американских домах.

    Оценил ли Уорхол сам продукт, или он нашел розничные витрины нелепыми, или ему понравилось сочетание стали и шерсти в одной приветственной упаковке, как гомосексуальный мужчина?

     

    Суп Кэмпбелл 1 (1968)
    Дата завершения 1968
    Средний Скриншот
    Размеры 89 см x 58 см
    Текущее местоположение Множественные репродукции в музеях и галереях

    К 1960-м годам арт-индустрия Нью-Йорка зашла в тупик, а уникальные и востребованные картины абстрактных экспрессионистов превратились в клише. Уорхол был одним из художников, которые считали своей целью повторно интегрировать графику в свои работы. Мюриэль Латоу, галерист и дизайнер интерьеров, порекомендовала Уорхолу рисовать предметы, которые люди используют каждый день, что привело к идее красить банки из-под супа.

    С 1962 по 1964 год он создавал знаменитые банки для супа, коробки Brillo и бутылки из-под содовой.

    Он начал свою работу в области потребительского коммерческого дизайна и добился огромного успеха. Он использовал свой торговый опыт для создания изображения, которое было бы сразу узнаваемым и интересным с эстетической точки зрения. Потребительские товары и коммерческие изображения наполняли жизнь американцев богатством того времени, и Уорхол решил мягко воспроизвести это изобилие, используя изображения, которые можно увидеть в рекламе.

    Он воспроизвел ощущение присутствия в магазине на холсте. В результате Уорхолу приписывают разработку концепции нового стиля искусства, который превозносил (и в то же время критиковал) покупательские наклонности его сверстников и нынешних клиентов.

     

    Мао (1973)
    Дата завершения 1973
    Средний Шелкография
    Размеры 43 см х 43 см х 35 см
    Текущее местоположение Художественный институт Чикаго

    В этом портрете Мао Цзэдуна Уорхол смешивает краску и шелкографию, часть серии, которую он разработал в ответ на поездку президента Ричарда Никсона в Китай в 1972 году. Уорхол использовал черно-белую фотографию Мао из своей Красной книги , чтобы создать сотни картин, изображающих авторитарного правителя разных размеров.

    Некоторые из этих произведений искусства огромны по размеру, отражая властный характер власти Мао над Китаем, а также невероятный культ личности Мао.

    Этот гигантский масштаб также напоминает возвышающиеся пропагандистские изображения, которые можно было увидеть по всему Китаю и во время Культурной революции. Однако, создав сотни одинаковых фотографий и разместив их на стене, Уорхол превратил образ Мао в товар супермаркета, подобный бутылкам Coca-Cola, расставленным на полках. Мао Уорхола теперь является потребительским товаром, фундаментальным принципом капитализма или точной концепцией, против которой выступают коммунисты.

    Уорхол пошел еще дальше. Подобные граффити всплески цвета, алые румяна и синие тени для век, по сути, «искажают» изображение Мао — акт неповиновения коммунистической кампании по дезинформации, используя свой восхваляемый образ против самого себя.

    В качестве еще одной шутки Уорхол использует приемы модернистского искусства, такие как выразительные мазки вокруг лица Мао. Мазки — это символ личного самовыражения и творческой свободы — те же самые концепции, против которых выступала культурная революция Мао.

     

    Оксидация (1978)
    Дата завершения 1978
    Средний Металлический пигмент на холсте
    Размеры 193 см x 132 см
    Текущее местоположение Музей изящных искусств

    Картина оксидации , созданная в конце правления Уорхола, является одной из серии работ, созданных создателем в одиночку или с несколькими его друзьями путем мочи на холст медной краски, который был разложен горизонтально на пол, а затем оставляя результат окисляться.

    Конечным эффектом был металлический блеск с потрясающей глубиной текстуры и цвета, напоминающий о работах абстрактных экспрессионистов, таких как Джексон Поллок.

    Уорхол вложил в эти произведения много мысли и дизайна, и его цитируют как замечание: «В этих картинах тоже есть техника. Если бы я попросил кого-нибудь создать картину Oxidation , а они не подумали бы об этом, результатом был бы бардак. Затем я сделал это сам, что требует больших усилий, и вы пытаетесь придумать красивый дизайн».

     

    Роршах (1984)
    Дата завершения 1984
    Средний Синтетический полимер на холсте
    Размеры 417 см x 292 см
    Текущее местоположение Музей современного искусства

    Хотя ранние работы Уорхола свидетельствовали о значительном расколе с абстрактным экспрессионизмом, он продолжал проявлять интерес к абстракции на протяжении всей своей жизни, и в 1984, направил свои мысли в огромную серию рисунков Роршаха. На них повлиял тест Роршаха, разработанный швейцарским психологом Германом Роршахом. Тест требует, чтобы пациенты описали то, что они видят в серии из 10 стандартных чернильных пятен; Роршах считал, что таким образом мы можем получить доступ к бессознательным идеям.

    Многие абстрактные картины, по словам Уорхола, функционировали аналогичным образом: вместо того, чтобы художники могли выражать мысли через абстрактную форму, как многие думали, он чувствовал, что зрители просто накладывают свои собственные представления на произведения.

    Таким образом, его изображения «Роршаха» были своего рода сатирой на абстрактное искусство: они были зеркалами, отражающими собственные идеи зрителя, и иногда они напоминали анатомию или цветочные узоры.

     

    Дженерал Электрик с официантом (1984)
    Дата завершения 1984
    Средний Холст, акрил, масло
    Размеры 111 см x 150 см
    Текущее местоположение Коллекция Неизвестно

    Уорхол начал сотрудничество в области произведений искусства по настоянию арт-дилера Бруно Бишофсбергера. Сначала он сотрудничал с итальянцем Франческо Клементе, затем со значительно более молодым гаитянско-американским художником Жаном-Мишелем Баския , а затем с Китом Харингом. В начале 1980-х слава Уорхола пошла на убыль, и с 19-го века он ничего не писал.60-е годы.

    Однако его сотрудничество с Basquiat, продолжавшееся с 1984 по 1985 год, вдохнуло в него новую энергию и сделало его одним из более молодой и модной группы.

    General Electric с официантом представляет образы, которые пара создала вместе: Уорхол предоставил более крупные заголовки, названия брендов и рекламные материалы, а Баския добавил свои эмоциональные граффити. Комические элементы, присущие как поп-арту, так и граффити, способствовали привлекательности сериала.

     

    Автопортрет (1986)
    Дата завершения 1986
    Средний Синтетический полимер на холсте
    Размеры 111 см x 150 см
    Текущее местоположение Национальная художественная галерея

    На протяжении всего своего пребывания в должности автопортреты Энди Уорхола отражают всеобъемлющее послание. Можно сказать, что самой популярной картиной Уорхола был его собственный образ, который он воссоздавал на протяжении всей своей карьеры. Подумайте вот о чем: Уорхол начал свою художественную карьеру как гик-интроверт, лысеющий дизайнер, а завершил ее звездой, чья слава соперничала с его лучшими изображениями.

    Акцент на этой картине сделан на голове и парике Уорхола.

    Уорхол создает ощущение движения, комбинируя повторяющиеся изображения, которые немного отличаются друг от друга, а затем накладывая изображения друг на друга. Автопортрет , завершенный в конце его жизни, изображает художника в парике и эффектно использует свет и тени.

     

     

    Рекомендуемое чтение

    Вам понравилась эта биография Энди Уорхола? Если вы хотите узнать еще больше о картинах и жизни Энди Уорхола, попробуйте одну из этих книг. Мы выбрали их, чтобы помочь вам лучше узнать произведения Энди Уорхола.

     

    Дневники Энди Уорхола (2014) Энди Уорхола и Пэт Хэкетт Хакетт, размышляя о продолжающемся культурном влиянии Уорхола. Этот международный литературный хит проливает свет на одного из самых влиятельных и вызывающих разногласия персонажей Америки. Дневник Уорхола чрезвычайно занимателен и интересен, наполнен удивительными сведениями о жизни, увлечениях и профессиях богатых, знаменитых и впечатляющих людей.

    Дневники Энди Уорхола

    • С середины 1970-х до нескольких дней до его смерти
    • Более двадцати тысяч страниц дневника Уорхола
    • Международная литературная сенсация

    Просмотреть на Amazon. потребления, которые продолжают оставаться ключевыми проблемами современного опыта. Энди Уорхол широко известен как самый влиятельный сторонник движения поп-арт. Он был критическим и новаторским наблюдателем американской культуры, исследовавшим такие фундаментальные темы, как материализм, потребительство, пресса и слава.

    Уорхол

    • Краткая биография жизни Уорхола
    • Хронологический обзор творчества Энди Уорхола
    • Около 100 иллюстраций с пояснительными подписями

    Посмотреть на Amazon

     

    Даже сегодня практически каждый, кто слышит имя «Энди Уорхол», вспомнит его знаменитые изображения банок с супом и Мэрилин Монро. В то время как образ Уорхола стал синонимом поп-арта и сформировал впечатление публики о нем, его жизнь и карьера значительно более разнообразны и сложны, чем это. Из-за широты и глубины популярности Уорхола, а также из-за его целенаправленных попыток сбить с толку своих биографов было трудно составить его точный или полный портрет. Мы также рекомендуем прочитать некоторые цитаты Энди Уорхола.

    Часто задаваемые вопросы

    Где находится музей Энди Уорхола?

    Он расположен на северном побережье Питтсбурга. Это крупнейший музей Северной Америки, посвященный исключительно конкретному художнику. Энди Уорхол, звезда поп-арта из Питтсбурга, хранит в музее большую постоянную коллекцию работ и документов. Планы музея были обнародованы в октябре 1989 года, почти через три года после смерти Уорхола.

     

    Каков собственный капитал Энди Уорхола?

    Мы знаем, что он богат, но каков именно собственный капитал Энди Уорхола? На момент смерти его состояние составляло 220 миллионов долларов с учетом инфляции и оценки его искусства. Энди Уорхол был ключевой фигурой в движении живописи поп-арт 1960-х годов.

     

    Поп-арт портреты Энди Уорхола: характеристики шелкографии

    Эти работы занимают
    место среди величайших портретов картины
    год 20 века.

    Зеленая автокатастрофа (1963) входит в число
    20 самых дорогих в мире. картины.

    СОВРЕМЕННАЯ ЖИВОПИСЬ
    Другие картины, подобные
    , созданные Энди Уорхолом, см. :
    Greatest 20th-Century Картины.

    СОВРЕМЕННЫЕ ХУДОЖНИКИ
    Другие художники, такие как
    Энди Уорхол, см.:
    Современные художники.

    Введение

    Энтузиазм Энди Уорхол за эстетику телевидения, колонки светских газет, и фан-журналы полностью противоречили европейской модели борющийся авангардист, за которым последовали абстрактные экспрессионисты. Уорхол требовал богатства и славы, и считал любого, у кого они были, очаровательный. А также его «палитра помады и перекиси». как указывал Адам Гопник («Нью-Йоркер», 10 апреля 1919 г.).89), «а совершенно оригинальное чувство цвета, которое делает все предыдущие американские палитры выглядеть по-европейски». Отрицание Уорхолом какой-либо оригинальности определяло его художественную самобытность и свежий вид его картин — использование новейших приемы коммерческого искусства — подтвердили это.

    Часть уникального мастерства Уорхола заключалась в его признание того, что человек может общаться через СМИ гораздо больше эффективно, чем может быть предмет искусства, и он попытался определить его существование целиком на мелкой плоскости воспроизводимых образов. В его 19В каталоге выставки 68 для Moderna Museet в Стокгольме он писал: «Если вы хотите узнать все об Энди Уорхоле, просто взгляните на поверхность моих картин, и вот я здесь. Больше ничего нет». С начала 1960-х до своей смерти в 1987 году Уорхол ловко использовал оба стиль и средства массовой информации, и тем самым разоблачили поверхностные ценности современного общество с откровенностью, одновременно подрывной и намного опережающей его время. Он показал, что вся слава одинакова и в основе своей бессмысленна. мир постоянно меняющихся образов; его собственный публичный имидж мог быть неотразимо гламурным, но его поверхностность также оставила тревожный эмоциональный пустота.

    Примечание: Среди других поп-исполнителей: Алекс. Кац (р.1927), Рэй Джонсон (1927-95), Том Вессельманн (р.1931), Джеймс Розенквист (р.1933), Джим Дайн (р.1935) и Эд Руша (р. 1937).

    Фон

    Уорхол родился недалеко от Питтсбурга в 1928 году. в семье византийско-католических рабочих словацких иммигрантов. После получения степени графического дизайна в Технологическом институте Карнеги в 1949, он переехал в квартиру в Нью-Йорке со своим одноклассником Филипом Перлштейном. (р. 1924) и быстро добился успеха как коммерческий художник. Уорхола Рисунки обуви для Miller and Co, опубликованные в New York Times, принесли ему особую признание, и в течение десяти лет он был одним из самых высокооплачиваемых коммерческих художников в городе, зарабатывая 65 000 долларов в год. Уорхол продолжил карьеру в графике. искусство до декабря 1962 года, но с самого начала у него были частные устремления стать успешным художником.

    Стилистически попытки Уорхола в искусстве в 1950-х годах был тесно связан с его коммерческой работой в рекламе, и несколько методов и приемов из его практики коммерческого дизайна. ожидаемые аспекты его более позднего изобразительного искусства. Например, он провел «раскраску сторон» для производства своей рекламы и делегировал несколько задач своей матери, тактика, которую он повторит позже, широко используя помощников для производства его произведений искусства. Точно так же его техника рисования — или калька картинки из журналов — на бумаге с последующим переводом их мокрой тушью на подготовленный фон был повторен позже, когда он принял шелкографию. печать.

    Характеристики раннего поп-арта Уорхола

    В то время как несколько художественных практик Уорхола 1950-х годов сохранились в его более поздних работах, вряд ли можно сказать, что они неизбежно привело к поразительной прямоте, с которой он вдруг начал принять коммерческий художественный стиль в своей живописи в конце 1959 года. был ли прецедент для его радикального присвоения предмета непосредственно из средств массовой информации за его большие картины с изображениями комиксов и реклама в газетах (например, банка супа Кэмпбеллс, 1962). По словам Барри Блиндермана (Современные мифы: интервью с Энди Уорхолом, 1981 г.), в начале шестидесятых Уорхол использовал проектор, чтобы транскрибировать и увеличивать свои источники. с механической точностью, и в своих заявлениях для прессы он подчеркивал отбрасывания любой оригинальности в его работе. Тем не менее он отказался от комиксы в качестве предмета с того момента, как он столкнулся с Роем Лихтенштейном. картины комиксов в галерее Лео Кастелли в 1961 году, раскрывающие острый инстинкт необходимости создания оригинального стиля.

    Определившись с тематикой — дешево реклама, комиксы и заголовки из дешевых бульварных газет — Уорхол играл в разных стилях между 1960 и 1962 годами. В некоторых композициях он расшифровал свои источники в свободной манере с каплями краски чтобы придать им выразительный характер, характерный для живописи жестами. В то же время он создавал другие образы с жесткими, четкими краями, холодным, механический стиль, на котором он в конце концов остановился, назвав их своим «нет». комментарий» картины.

    Уорхол наслаждался ошеломляющим неизбирательным массовые изображения, продвигаемые рекламой в СМИ. Его искусство выражало и превозносили «одинаковость» массовой культуры, которую так называемая интеллектуалы, вовлеченные в абстрактный экспрессионизм, ненавидели. В своей книге Философия любого Уорхола (1975), он сказал, что ему нравится Америка заключалась в том, что ее самые богатые потребители покупают многие из тех же вещей, что и беднейший. «Президент пьет кока-колу, Элвис пьет кока-колу — кто угодно и все пьют колу. И никакая сумма денег не может купить кого-то лучше Кока-кола, потому что все кока-колы одинаковы.

    Несмотря на это, его выбор предметов не был случайным или произвольным. Как рассказывает Кинастон МакШайн в своей публикации Andy Уорхол: ретроспектива (1989, MOMA, Нью-Йорк), многие из его ранних изображений — «Парики», «Где твой разрыв?», «До и После» — о продуктах, обещающих телесное улучшение осанки, волосы и большие мышцы отражают физическую неуверенность Уорхола. Даже Супермен и Попай, которых он нарисовал в 1960–1961 годах, — персонажи, переживающие мгновенные физические превращения. Интерпретация Макшайна подтверждается попытками Уорхола улучшить свою внешность в 1950-х годов, нося серебряный парик и косметическая операция по изменению формы носа в 1957 году.

    У Уорхола не было выставки поп-картины в Нью-Йорке, пока Элеонора Уорд не продвигала их в конюшне Галерея осенью 1962 года, хотя некоторые из них он все-таки повесил (напр. Рекламу, Маленький король, Супермен, До и после и Попай по субботам) в качестве фона к модным манекенам на витрине универмага, которую он организовал для Бонвит Теллер 19 апреля61. Это был Ирвинг Блюм из галереи Ferus (Лос-Анджелес). Анхелесе), который устроил ему свою первую выставку в галерее осенью 1962 года: установка тридцати двух банок для супа Кэмпбелл размером 20 х 16 дюймов каждый. Уорхол, всегда в курсе последних тенденций, возможно, рисовал их как ответ на Painted Bronze Ale Cans (1960) Джаспера Джонса, но они превзошли скульптуру Джона в мягком нейтралитете своего серийное состояние. Образы настолько неотразимы, какие они есть; Oни не банки супа, а образы, отделяющие «означающее» от «означаемое» более абсолютно, чем почти любая картина, созданная до того времени. Хотя несколько рисунков суповых банок Уорхола до сих пор сохранять деликатную жестикуляцию вплоть до 19 лет62, тридцать две банки не имеют следов выразительного жеста или индивидуальности.

    Шелкография: Устранение прикосновения художника

    Уорхол нарисовал банки и газетные заголовки 1961 и 1962 годов вручную, но в конце 1962 года он научился передавать фотоснимок на шелкографию и тут же переключился к этой технике, устраняя все следы прикосновения художника и производя более механически отстраненная картина. Более того, он все чаще приходил к зависит от помощников для создания его картин. 19 июня63 он нанял Жерар Маланга будет работать полный рабочий день над шелкографией и постепенно другие помощники присоединились к платежной ведомости. Они действовали как персонал в бюро графического дизайна. Когда Уорхол начал работу над своей Мэрилин Монро, например, Маланга и Билли Нейм выполнили большую часть работы, например резал вещи и расставлял ширмы, пока ходил по рядам задавая такие вопросы, как «Какой цвет, по вашему мнению, был бы хорош?» Уорхол намеренно подчеркивал свое невмешательство, полагая, что кто-то другой должен быть в состоянии сделать все его картины за него. Он утверждал что причина, по которой он использовал помощников и работал так, как он делал, заключалась в том, что он хотел быть машиной и создать совершенно «нейтральный» вид, без всякого человеческого прикосновения. Однако правда в том, что он легко мог заключал контракт с работой, если он действительно хотел подлинно коммерческого Смотреть. Как бы то ни было, он предпочитал включать случайные человеческие ошибки, такие как как смещение экранов, неравномерное рисование и прерывистый мазки.

    Губы Мэрилин Монро (1962, Музей Хиршхорна) и Сад скульптур, Вашингтон, округ Колумбия) имеет вид несовершенного отпечатка. запустить, где черная линия и цветной экран не совсем сочетаются и качество чернил сильно различается. Банальное повторение создано коммерческими процессами массового рынка, кажется, противоречит (хотя и пассивное) индивидуальное присутствие как в этой картине, так и в Золотой Мэрилин Монро (1962, Музей современного искусства, Нью-Йорк). Повторение дает образы анонимный, бесстрастный внешний вид, в то время как конкретные черты в каждом несовершенном сфабрикованному блоку удается самоутвердиться, создавая неловкий диссонанс между механическим фасадом и ощущением личности, погребенной внутри Это. Таким образом, и наблюдатель, и художник превращаются в ничто. больше, чем пассивные вуайеристы, переживающие жизнь как сборочный конвейер массового производства картинки.

    Кинозвезда и Картины бедствий: пугающая пустота

    Растет количество портретов Мэрилин Монро, Лиз Тейлор и другие звезды кино имели непосредственное отношение к творчеству Уорхола. увлеченность гламуром и блеском Голливуда. В Энди Уорхоле (1968 г.) в своем выставочном каталоге для Moderna Museet в Стокгольме он заявил: «Я люблю Голливуд. Он прекрасен. Все пластичны. Я хочу быть пластиковым». Он был абсолютным поклонником, окончательным потребителем. у его «Мэрилин Монро» тоже есть темная сторона. Они были сделаны после самоубийства актрисы 19 августа62. Более того, механический повторение ее портрета делает ее прозрачно поверхностной, отрицающей ее любое чувство индивидуальности под поверхностным изображением. Он представляет собой пугающая деперсонализация человека и, возможно, отражает образ художника самого себя. Например, еще в 1975 году он писал: «Меня до сих пор преследует мысль посмотреть в зеркало и увидеть никого, ничего.»

    Во время телетрансляции национальной трагедии как самоубийство Мэрилин Монро или убийство и похороны Джон Ф. Кеннеди (все это одержимо нарисовал Уорхол) то же самое видео клипы воспроизводятся снова и снова в течение нескольких дней подряд. «Мэрилин» Уорхола. и другие многообразные портреты имеют такое же обезболивающее повторение.

    В 1963 году Уорхол начал работу над катастрофой. серии — например, «Субботняя катастрофа» (1964, Rose Art Museum, Brandeis Университет — это еще больше развило болезненное качество «Мэрилин». Он основал сериал на ужасных полицейских и бульварных фотографиях автомобилей. жертвы авиакатастроф, электрический стул и атомная бомба. Он воспроизвел изображения в различных цветах и ​​декоративных узорах. Эти изображения вызывают тревогу не только из-за их ужасающей откровенности, но еще и потому, что отстраненность Уорхола предполагает жуткую деперсонализацию: эмоциональная пустота, отражающая отчуждение жизни шестидесятых годов.

    В 1962 и 1963 годах Уорхол создал несколько портреты художника-неодадаиста Роберта Раушенберга, которого он почитал за то, что поднялся от бедности до славы. В некотором смысле пример Раушенберга иллюстрирует знаменитое изречение Уорхола о том, что «в будущем все быть всемирно известным в течение пятнадцати минут». Уорхола очень привлекал представление о знаменитости как о потребительском продукте, доступном каждому владеть.

    Фабрика (1963-67)

    В конце 1963 года студия Уорхола была переехал на старую фабрику на Восточной Сорок седьмой улице. «Фабрика,» как стало известно, постепенно превратилось в место, наполненное шикарной модой личностей и прочих «красивых людей», трансвеститов, вместе с участниками музыкального андеграунда, многие из которых употребляли наркотики и/или странное поведение. Уорхола, казалось, нужно было окружить странностями, так и художниками, декадансом и развратом, а также прекрасными искусство. В любом случае, Уорхол продолжал продюсировать в 1964. Действительно, глядя назад, многие искусствоведы все еще убеждены, что важная работа Уорхола датируется с 1960 по 1964 год.

    К 1965 году растущая слава Уорхола привлекала другие нью-йоркские знаменитости, которые хотели увидеть и быть увиденными на Фабрике. В то же время СМИ преследовали Уорхола, а посетители и прихлебатели толкался за его внимание. Осенью 1965 года на открытии Выставка Уорхола в Институте современного искусства в Филадельфии. четыре тысячи человек втиснулись в две маленькие комнаты, и персоналу пришлось убрать картины со стен для безопасности. Это была художественная выставка без искусство!

    «Интересно, что же сделало все эти люди кричат», — вспоминал позже Уорхол в книге «Попизм». (1980, Уорхол и Хакетт). «Было невероятно думать, что это происходит на художественном открытии. Но ведь мы были не просто на художественной выставке — мы были художественная выставка. »

    В 1966 году толпа Фабрики начала собираться по вечерам в ресторане на Юнион-сквер, известном как Max’s Kansas Город. Он был популярен среди художников и писателей, а в его подсобных помещениях размещались цирк эксгибиционизма, наркотиков и сексуальности. Включены знаменитости Трумэн Капоте, Бобби Кеннеди, а также влиятельные деятели создание города, а также его подземелья. Но Уорхол оставался катализатор: присутствие, которое вдохновляло или пассивно провоцировало людей жить из своих фантазий, пока он смотрел или фотографировал.

    Одна из самых престижных галерей Нью-Йорка постмодернистского искусства принадлежал Лео Кастелли. Уорхол всегда хотел провести там персональную выставку (у Роя Лихтенштейна была там одна в 1962 году), и Кастелли, наконец, дал ему один в 1964 году. Его первое выступление было «Цветы», в которых Уорхол еще больше отошел от натурализма в его палитре — не то чтобы его ранние работы были в каком-то сильном смысле натуралистичными, но он склонен либо использовать шкалу ценностей, соответствующую природе, или более искусственная шкала, хотя бы с остаточным сходством. Из 1964 года он начал включать в свою палитру совершенно ненатуралистические цвета: например, покрасить в бирюзовый и розовый цвета «Банки с супом Кэмпбелл». вместо красно-белых и создание многоцветных «Автопортретов» с синим лицом и желтыми волосами.

    К 1966 году, став ведущим в Нью-Йорке художественная знаменитость шестидесятых, с выставкой в ​​самом модном галерее Уорхолу стало скучно заниматься живописью, и он практически перестал, предпочитая сосредоточиться на продвижении психоделического мультимедийного выступления под названием «The Exploding Plastic Inevitable» с участием рока группа Velvet Underground. Он также все больше обращался к кино, снимая Девочки Челси (1966), первый финансово успешный, если в высшей степени скучный, андеграундный фильм. Затем последовал ряд ужасающих фильмов. что полностью не оправдало их художественных счетов. Это не было неожиданностью, поскольку его ранние фильмы были бескомпромиссно уорхоловскими в своей пассивности. Все, что он сделал, это просто навел камеру на кого-то и дал ей поработать. не было звуковой дорожки, как в его 6-часовом бездейственном фильме под названием «Сон». (1963). В «Ешь» (1963) камера непрерывно фокусируется в течение 45 минут. поп-артист Роберт Индиана во время поедания гриб. В Империи (1964) камера жестко фокусируется 8 часов на вершине Эмпайр Стейт Билдинг.

    Художественный Отказ

    В 1967 году фабрика переехала на Юнион-сквер, 33. Уэст, и сцена становилась все более и более странной до июня 1968 года, когда Уорхол был застрелен и тяжело ранен поклонницей Валери Соланас, у которой был небольшая роль в одном из его фильмов. Карнавальная атмосфера резко оборвалась. Уорхол был объявлен мертвым на операционном столе, но, к счастью, ожил. Проведя 8 недель в больнице, он вернулся на Фабрику испуганным. человек. Несмотря на его страх, что он может потерять свои творческие способности без стимула карнавального хаоса вокруг него доступ в студию был закрыт. Фабрика сосредоточилась на массовом производстве искусства, которое продавалось бы, т. е. коммерческие сувениры авангарда, которые Уорхол называл «деловыми Искусство.

    На самом деле произведения Уорхола были созданы с использованием конвейерных методов с 1963 г. — в середине 60-х гг. Фабрика изготовлял до 80 картин шелкографией в день в день и в один момент фильм каждую неделю. В любом случае, к середине 1969 года изобразительное искусство Уорхола в значительной степени высушенные. По словам Бриджит Полк, одной из ассистенток Уорхола в студии, говоря: «Я делал все это последние полтора года. Энди больше не занимается искусством. Ему это надоело.» Во многом это было правдой. Уорхол обратил внимание на другие предприятия, такие как Interview, его светский журнал сплетен.

    Новые портреты

    В начале 1970-х Уорхол возродил его интерес к рисованию серией светских портретов и картин китайского коммунистического лидера Мао Цзэдуна — например. Мао (1973, Художественный институт Чикаго). К настоящему времени Уорхол стал всемирно известным художником-знаменитостью. — самый обсуждаемый художник после Пикассо и постоянный гость A-list общественные мероприятия и культурные мероприятия. Когда вьетнамский эндшпиль начал разворачиваться, наряду с политическими и криминальными разоблачениями Уотергейта, и очень богатые, и контркультурное протестное движение заботились о себе с символами. Картины Уорхола с изображением председателя Мао позабавили богатых коллекционеров произведений искусства в то же время подтверждая господство западного капитализма превратив культового чемпиона мировой революции в потребителя продукт для богатых.

    Появилось больше портретов. Верно, Светские шелкографические портреты Уорхола семидесятых оживили Жанр портретного искусства. Многие печатались на подготовленных грунтах текстурных мазок в стандартном формате из двух панелей 40 X 40 дюймов, и многие из испытуемые приобретали вид безразмерных пластичных объектов.

    Что реально?

    В семидесятых и восьмидесятых Уорхол взял на большее количество заказов на рекламу и дизайн. Он даже стал потребителем сам продукт, когда он был показан в 1986 Рождественский каталог для Neiman-Marcus: он рекламировал портретную сессию с Уорхолом по цене в размере 35 000 долларов США. Усиление ассоциации Уорхола со статусом и деньгами. поверхностность и материализм американской потребительской культуры в 70-х и 80-х годов, когда люди повсюду начали чувствовать себя более отчужденными нереальность жизни. Как признался сам художник: «Не знаю где кончается искусственное и начинается настоящее». Печальное признание от жреца поп-арта, сделавшего карьеру на раскрытии «правда» о современном обществе.

    картины и рисунки в стиле поп-арт Энди Уорхола можно увидеть во многих лучших мировых галереях современного искусства и в лучших художественных музеев по всему миру.

    Произведения Энди Уорхола — Жизнь и картины иконы поп-арта

    Искусство и литература всегда хорошо отражали социально-экономические условия и тенденции того времени. От наскальных рисунков до классического искусства и современной живописи искусство является средством выражения и творчества. В каждом крупном литературном движении или эпохе было немало художников, писателей и живописцев, взбудораживших мир своими революционными идеями и вырвавшихся из своего времени. Энди Уорхол — один из таких влиятельных и плодовитых поп-художников и иллюстраторов постмодернистского периода, который сочетает в своем искусстве лучшее из авангарда и коммерческой чувствительности. Он был одним из самых успешных и высокооплачиваемых художников Нью-Йорка, наиболее известным своим культовым «поп-артом», таким как трафаретные изображения Мэрилин Монро, банки с супом и сенсационные газетные обложки.

    Самые известные работы Энди Уорхола

    Давайте проверим самые популярные и известные произведения искусства Энди Уорхола.

     

    Банки с супом Кэмпбелл (1962 г.)

    К 1960 году абстрактный экспрессионизм 1940–50-х годов стал очень устаревшим и клише, не способным надолго захватить внимание зрителя. Уорхол был одним из первых художников, освободившихся от условностей и создавших отдельный стиль искусства, предполагающий использование образов и иллюзий. Мюриэль Латоу, подруга Уорхола, предложила идею рисования обычных повседневных предметов и предметов, которые люди обычно не замечают. Она посоветовала ему воссоздать точные копии предметов, которые он использовал ежедневно, таких как банки из-под супа и бутылки из-под кока-колы.

    Уорхол был успешным рекламным дизайнером, прежде чем погрузиться в мир искусства. Он использовал свои иллюстративные навыки для создания произведений искусства, которые были не только значимыми, но и привлекательными. Произведение состояло из 32 банок супа, каждая из которых покрывала холст, символизирующий массовую привлекательность потребительских товаров и прославление капиталистической экономики.

     

    Кока-Кола (1962)

    Coca Cola — одно из первых произведений поп-арта Уорхола, в центре которого изображен обычный предмет повседневного обихода. Художественное произведение представляет собой воссоздание бутылки кока-колы, нарисованное вручную, которое выглядит почти реалистично и создано Caesin на хлопке. Как объяснил сам художник: «Я просто рисую вещи, которые всегда считал красивыми, вещи, которые вы используете каждый день и о которых никогда не думаете». Своим произведением художник бросает вызов господству абстрактного экспрессионизма — картина находится на той же высоте, что и большинство стандартных полотен, созданных в тот период. Художественное произведение, хотя и похожее по физическим размерам, не имеет в себе ничего абстрактного или расплывчатого.

    Картина очень похожа на популярную серию «Распятия» Роберта Мазервелла. Coca Cola отображает основное изображение черными чернилами на белом фоне, что чрезвычайно подчеркивает эффект и визуальную привлекательность изображения. По иронии судьбы повседневный предмет теперь может привлекать внимание зрителя и удерживать его на крючке, как обычные картины экспрессионистов.

     

    Золото Мэрилин Монро (1962)

    Энди Уорхол был одержим иконами поп-культуры, которые широко отражались в его произведениях искусства. Загадочная и безвременная смерть Мэрилин Монро от передозировки наркотиков 19 августа62 оставили художника опустошенным. Как дань уважения Монро, Уорхол получил черно-белый полароидный снимок актрисы (кадр 1953 года из ее фильма «Ниагара») и использовал его в качестве вдохновения для создания серии изображений с использованием техники шелкографии. Повторяемость работ, фирменный стиль Уорхола, символизировали популярность Монро, чьи фотографии часто печатались в газетах. Однако явный ажиотаж в СМИ и шумиха вокруг актрисы были настолько велики, что люди теперь смотрели на нее не как на другого человека, а как на коммерческий товар.

    Лицо Мэрилин изображено на большом золотом фоне, напоминающем византийские религиозные иконы, что придает актрисе почти божественную привлекательность. Здесь Уорхол пытается подчеркнуть трагедию и падение актрисы, сопоставляя ее портрет с православными верованиями, тонко комментируя прославление знаменитостей.

     

    Сон (1963)

    Именно в 1960-х Уорхол перешел от живописи к киноэкрану. За свою жизнь он снял более 600 фильмов на самые разные темы и темы. «Сон» — одно из первых начинаний Уорхола в экспериментальном кинематографе, где он впервые исследует динамику кинематографической продолжительности и повествования. Шестичасовой фильм подробно описывает спящую форму Джона Джорно.

    Джорно, бывший любовник художника, мирно спит на протяжении всего фильма, за исключением случайных подергиваний и движений глаз. В каждой сцене отображалась полоска кожи или часть тела, которая кажется серией непрерывных кадров. Тем не менее, проект состоял из более чем шести 100-футовых рулонов пленки, которые были отредактированы, наслоены и соединены вместе, чтобы создать этот шедевр.

    В основе всех работ Уорхола лежит тема повторения, которое каким-то образом превращает самые обыденные действия в произведения искусства. Другие фильмы, такие как «Империя» и «Ешь», также следуют той же кинематографической технике.

     

    Оранжевая автокатастрофа четырнадцать раз (1963)

    Orange Car Crash является частью серии Death and Disaster, в которой представлены кровавые и графические изображения, взятые из газет, изображающие несчастные случаи или смерти, происходящие во всем мире. Уорхол использует технику фототрафаретной печати, чтобы воссоздать изображения, используя слои, чтобы заново изобрести деградацию на холсте. Повторяющийся прием подчеркивает тщетность и фрагментарность картины и в то же время стерилизует ее — зритель потрясен графическим содержанием, но не обезумел полностью. Уорхол воспроизводит изображение снова и снова, пока оно не утратит своего значения и не станет очередной картинкой в ​​газетах.

    Другой анализ картины, проведенный искусствоведом Los Angeles Times Кристофером Найтом, пытается связать картину с реальным инцидентом, произошедшим на Лонг-Айленде, где в 1956 году умер Джексон Поллок. Найт предполагает, что хотя произведение Уорхола пытается указать на смерть абстрактного экспрессионизма. , который был активно одобрен Поллоком.

     

    Коробки Brillo (1964 г.)

    В «Коробках Брилло» Уорхол снова использует технику шелкографии, на этот раз на фанере. Художественное произведение очень реалистично воссоздало предметы повседневного обихода и обычные продукты, которые можно найти в супермаркетах. Brillo Boxes на самом деле не картина, а серия коробок, каждая из которых является точной копией другой, которые можно складывать друг на друга или располагать в галереях так, как вы хотите, добавляя аутентичности теме.

    В отличие от других художников, которые пытались сделать то же самое, хотя и с небольшими вариациями в каждом блоке, например стога сена или соборы Моне, искусство Уорхола особенно гарантирует, что все блоки одинаковы. Это восстанавливает тему товаров «заводской обработки» и высмеивает индустриализацию.

    Работа также имеет личный подтекст: Уорхол с помощью коробок Brillo пытается подчеркнуть монотонность жизни в своем родном Питтсбурге. Город был известен своей сталью, которая позже стала товаром, который домохозяйки стереотипно использовали для полировки своей посуды.

     

    Мао (1973)

    Образ Мао Цзэдуна был создан с помощью сочетания краски и шелкографии как прямая реакция на визит президента Ричарда Никсона в Китай в 1972 году. Он использовал черно-белое изображение Мао из Красной книги как источник вдохновения для создания сотен различных полотен. Некоторые из картин имеют высоту почти 15 × 10 футов, что свидетельствует о доминировании и впечатляющей личности правителя. Полотна огромных размеров также можно интерпретировать как комментарий к пропаганде, используемой Китаем во время Культурной революции. Различные холсты были стратегически размещены, как бутылки из-под кока-колы, расставленные в проходе супермаркета, что сделало Мао потребительским товаром, что противоречит самой идее коммунизма.

    На картине также видны всплески цвета, такие как румяна на ее щеках и синие тени для век, что было актом восстания против растущей коммунистической пропаганды. Экспрессионистские мазки вокруг лица Мао также символизируют творческую свободу и личное самовыражение.

     

    Автопортрет (1986)

    «Автопортрет» был одним из самых успешных произведений Энди Уорхола, созданных за весь период его карьеры, и при ближайшем рассмотрении раскрывает шокирующую основную тему. Этот автопортрет — образ Уорхола, который придумывался и заново изобретался на протяжении всей его творческой карьеры. Культовый художник поп-культуры, который начинал как застенчивый, замкнутый и занудный дизайнер, вскоре стал одним из самых известных лиц современного искусства. Фактически, его популярность достигла таких высот, что Уорхола считали не чем иным, как поп-иконой своего времени.

    Художественное произведение изображает Уорхола в парике (он носил более дюжины париков за эти годы) и было создано с использованием синтетической полимерной краски и техники шелкографии на холсте. В «Автопортрете» художник использует повторяющиеся и перекрывающиеся изображения, каждое из которых немного отличается от другого, чтобы создать иллюзию движения.

     

    Энди Уорхол – Ранние годы

    Как и большинство художников, даже Уорхол прожил жизнь, полную борьбы. Родился 6 августа 19 г.В возрасте 28 лет в восточноевропейской семье иммигрантов из Пенсильвании Энди Уорхол вышел из бедности и безвестности и стал важной фигурой постмодернистского нью-йоркского общества. Его родители эмигрировали из Чехословакии и позже поселились в Питтсбурге. Еще в детстве Уорхол был склонен к искусству, и его часто можно было увидеть рисованием или раскрашиванием. Его мать, сама артистка, оказала большое влияние на его первые эксперименты с искусством.

    У художника было трудное детство, так как в раннем возрасте он заболел пляской или хореей Святого Вита, заболеванием, при котором сильно поражаются нервы, вызывая неконтролируемые спазмы и тряску конечностей. Старшая школа была не лучше, так как Уорхол вырос застенчивым подростком-интровертом, который часто делал наброски в блокноте. Он записался на художественные курсы в своей школе и в музее Карнеги, чтобы еще больше отточить свои таланты. Будучи бледнокожим, долговязым мальчиком со светлыми волосами, Уорхол всегда был изгоем и никогда не мог по-настоящему смешаться с основной толпой. Однако это никогда не мешало ему следовать своей страсти. Помимо живописи, он также интересовался кино и любил собирать сувениры и фотографии с автографами знаменитостей, большинство из которых были представлены в его более поздних работах.

    Уникальный стиль Уорхола

    Энди Уорхол был художником, который, несмотря на то, что он был выходцем из бедной неблагополучной семьи, сумел завоевать себе место в кругах высшего общества и внедрить в современное искусство некоторые новаторские и новаторские стили и сюжеты. Его ранние коммерческие иллюстрации часто были комичными и причудливыми, что сильно отличалось от безличного и практичного настроения его более поздних работ. Уорхол продолжал заниматься искусством даже во время учебы в колледже, открывая для себя новые и новаторские стили живописи, такие как техника клякс, когда он склеивал два листа бумаги, рисовал на одной стороне тушью и сжимал страницы вместе, прежде чем они высохли. Позже он выделял и обострял изображение акварелью, создавая прекрасные произведения искусства.

    Картины с размытыми линиями были хитом в 1950-х годах и использовались во многих рекламных объявлениях, таких как I Miller, Tiffany & Company и многочисленных обложках альбомов. Энди Уорхол был одержим знаменитостями, потребительством и механической культурой; это отражено в его произведениях поп-арта.

    Арт и Энди Уорхол

    С самого начала своей карьеры Энди Уорхол был харизматичным магнитом для богемного Нью-Йорка. Его первоначальные работы имели характерный мечтательный и декоративный тон, сильно отличающийся от его «поп-арта». Он зарекомендовал себя как поп-артист с помощью культовых трафаретных изображений, таких как изображения из серии «Смерть и катастрофа», а также своих фотографий Мэрилин, которые выражали его сожаление по поводу неоднозначного самоубийства актрисы. Критики также рассматривают эти фотографии как выражение «сострадательной усталости» или как экраны, которые каким-то образом объединяют, но отделяют публику от ужасающих событий.

    На протяжении всего 20-го века были художники, которые опирались на поп-культуру, однако поп-арт Уорхол выделил для себя особое место, разрушив иерархию высоких и низких форм искусства. Его ранние картины 1960-х годов и его разнообразная деятельность позже оказались действительно влиятельными в искоренении барьеров между традиционным искусством и популярной культурой.

    Хотя Уорхол продолжал рисовать на протяжении всей своей карьеры, он сделал перерыв и «ушел» из искусства, чтобы сосредоточиться на кинопроизводстве. Их экспериментальные фильмы в свое время не очень ценились; однако в последнее время эти проекты получили всемирное признание, что сделало Уорхола праотцом независимого кино. Слава Уорхола со временем пошла на убыль в 1968 после того, как его застрелила Валери Соланас.

    Уорхол и поп-арт

    После своего огромного успеха с блот-артом и иллюстрациями для одобрения Уорхол решил поэкспериментировать с поп-артом примерно в 1960 году. Поп-арт был растущим стилем искусства, зародившимся в середине 1950-х годов в Англии, с реалистичным изображением обычных предметов.

    Уорхол стал крупным поп-художником, когда он отказался от чернил и отважился погрузиться в мир красок и холстов. Он начал с воссоздания бутылок из-под кока-колы и комиксов, но его первые работы не получили широкого признания. Это было 19 декабря.51 друг предложил Уорхолу отойти от традиционных тем поп-арта и вместо этого рисовать о вещах, которые ему больше всего нравятся, например о банках из-под супа или деньгах. Это вдохновило его на написание картин «Суп Кэмпбелл» и «Коко-кола», которые сразу же стали хитом в художественном сообществе.

    Первая художественная выставка Энди Уорхола прошла в галерее Ferus Gallery в Лос-Анджелесе в 1919 году.62 с его культовой картиной «Суп Кэмпбелл». Художественное произведение состояло из 32 видов банок для супа, каждому типу был посвящен холст. Выставка имела огромный успех, все его картины были проданы комплектом за 1000 долларов.

    Уорхол переключается на шелкографию

    Поп-арт, хотя и привлекательный и уникальный, требовал много времени и усилий для создания. В конце концов Уорхол понял, что рисование на холсте отнимает много времени и невыгодно для его творческой карьеры. Поэтому в 1962, затем он переключился на шелкографию. В этой технике использовались специальные шелковые нити для создания многократно повторяющихся узоров. Процесс был намного быстрее и привлекательнее, чем его более ранние работы, побуждающие Уорхола воссоздавать изображения знаменитостей. Серия картин с изображением Мэрилин Монро была создана с помощью шелкографии и остается одной из самых известных работ в его карьере. Уорхол практиковал этот стиль искусства на протяжении всей своей жизни.

    Уорхол и кинопроизводство

    1960-е годы были кульминацией карьеры Энди Уорхола; именно в этот период он отважился заняться различными стилями искусства, такими как рисование, рисование, а также создание фильмов. Его фильмы раскрывали нетрадиционные и абстрактные идеи и были сосредоточены на раскрытии внутренней работы человеческой психики. В период с 1963 по 1968 год он снял около 60 фильмов, в которых исследовал различные темы и сложности общества и мира в целом. Например, один из его фильмов под названием «Сон» представляет собой шестичасовой фильм, в котором подробно рассказывается о спящей его возлюбленной. Кинематографические темы и режиссура Уорхола не были очень популярны среди основной публики и, следовательно, не получили должного признания. Однако современные критики и недавние кинематографисты провозгласили Уорхола пионером независимого кино.

    Поразительно, но 3 июля 1968 года Уорхол был ранен в грудь актрисой Валери Соланас, вошедшей на съемочную площадку «Фабрики» и напавшей на него. Уорхол, хотя и был объявлен мертвым через 30 минут после эпизода, чудом сумел выжить, когда доктор в отчаянной попытке оживить его, разрезал ему грудь и выкачал его голое сердце. Однако после инцидента его здоровье ухудшилось, в результате чего он стал слабым и неспособным продолжать заниматься творчеством.

    Уорхол не отказывался от искусства даже после клинической смерти в XIX веке.В 70-80-х годах Уорхол сосредоточился на издании своего журнала «Интервью» и нескольких книг о поп-арте. Он даже решился на телевидение и с энтузиазмом относился к распространению поп-культуры на всех художественных и медиа-платформах.

    Интересные мелочи об Уорхоле

    Энди Уорхол, поп-икона 1960-х годов, был известен своей экстравагантной личностью и масштабными изображениями, казалось бы, обычных предметов. Однако есть несколько фактов о художнике, о которых мало кто знает:

    • Уорхол родился в Питтсбурге в 1928 году, настоящее имя — Эндрю Уорхола,
    • .
    • На премьере его первого фильма «Сон», который представляет собой шестичасовой рассказ о спящей возлюбленной, присутствовало девять человек, двое из которых ушли в течение первого часа.
    • Уорхол назвал свою студию «Фабрика», которая была известным местом встречи знаменитостей и художников
    • Он был ипохондриком, т.е. Уорхол боялся больниц и врачей
    • Художник продюсировал работы многих знаменитостей в 1970-х, включая таких икон, как Мик Джаггер, Джон Леннон и Дайана Росс.
    • Уорхол основал Нью-Йоркскую академию искусств в 1979 году.
    • У художника было интересное чувство стиля, и его видели в серебряных париках (в конце концов он покрасил волосы в серебристый цвет)
    • Помимо создания невероятных картин, Уорхол также издавал журнал Interview, снял более 600 фильмов, открыл ночной клуб и организовал два кабельных шоу

    Смерть и наследие

    Энди Уорхол страдал от хронических заболеваний желчного пузыря в более позднем возрасте, что в конечном итоге привело к его кончине. Здоровье артиста уже пошатнулось после чуть не смертельного нападения актрисы Валери Соланас. Он был госпитализирован в Нью-Йоркскую больницу 20 февраля 19 г. 87, где ему сделали операцию по удалению желчного пузыря, и его тело, по-видимому, стабилизировалось и выздоравливает. Однако через несколько дней у него случилась остановка сердца, и он умер 22 февраля 1987 года в возрасте 58 лет. Мемориал прошел в соборе Святого Патрика в Нью-Йорке, и на нем присутствовали друзья, семья, коллеги и тысячи людей. фанаты.

    Художник, хотя и очень застенчивый в свои ранние годы, вел довольно загадочную жизнь, привлекающую спекуляции и споры из-за его разнообразной деятельности и нетрадиционных убеждений. Многие считали его гомосексуалистом и смотрели на его искусство как на выражение его сексуальности. Художественные работы Уорхола лучше всего можно охарактеризовать как ироничные, поскольку они постоянно прославляли и ругали прославление и потребительское отношение американской культуры. Он также был наставником таких артистов, как Кит Харинг и Жан-Мишель Баския, а его восприимчивость к поп-музыке вдохновила многих современных артистов, таких как Ричард Принс, Такаши Мураками и Джефф Кунс, на продолжение его наследия.

    Итого

    1K

    Акции

    Отправились на поиски короля поп-арта: Энди Уорхола

    Контекст и анализ работ

    Контекст:

    Когда Энди Уорхол переехал в Нью-Йорк1 художественное движение того времени называлось «абстрактным экспрессионизмом», наиболее известными именами которого были такие художники, как Джексон Поллок, Франц Клайн и Марк Ротко.

    Считавшееся слишком элитарным Энди Уорхолом и его коллегами движение было категорически отвергнуто в пользу «поп-арта» (сокращение от «популярное искусство»), только что прибывшего из Великобритании. В течение 1960-х, это стало для них единственно возможным путем.

     

    Привлекаемый и очарованный с детства всеми изображениями, которые он видел, Уорхол работал для рекламных агентств, и его оригинальные проекты с использованием размытых линий или штампов и трафаретов были быстро замечены.

     

    В 1964 году он создал «Фабрику», художественную студию, которая была пространством для творчества, выставок, создания и проецирования фильмов, где Энди Уорхол также организовывал концерты и иногда даже превращался в ночной клуб! Настоящее андерграундное «место для жизни», которое приветствовало всю нью-йоркскую элиту. ..

     

    Анализ произведений :

     

    1. С точки зрения формы

    Всемирно известные работы Уорхола представляют собой портреты или изображения цветных предметов потребления.

     

    2. С точки зрения техники

    Техника Уорхола? Трафаретная фотосъемка, основанная на принципе использования известных рекламных фотографий или изображений и переноса их на холст на цветной фон и тиражирование в нескольких экземплярах. Это стереотип поп-арта.

     

    3. С точки зрения значимости

    Уорхол, которого часто называют «папой поп-арта», задавал в своих работах вопросы об обществе потребления в циничной и одновременно провокационной манере. Искусство стало расходным, эфемерным и воспроизводимым, что полностью противоречит уникальности классических произведений искусства.

    На протяжении всей своей карьеры Энди Уорхол сосредоточился на трех своих любимых темах:

    a. Потребительские предметы

    Банки из-под супа Кэмпбелл, коробки Brillo, бутылки Coca-Cola… Уорхол выбрал предметы быта, чтобы превратить их в настоящие иконы, что не могло не смутить мир искусства.

    б. Знаменитости

    Фотографии кинозвезд всегда можно было найти во всех средствах массовой информации того времени. Уорхол превратил это в портрет, например, Мэрилин Монро или Джеки Кеннеди.

    в. Смерть

    Это из-за того, что его отец умер, когда он был подростком, у Энди Уорхола было такое необычное отношение к смерти? Или потому, что он избежал покушения в 1968 году? Трудно сказать, но на протяжении всей своей карьеры он изображал драматические события. Даже его знаменитые портреты иногда выглядят как посмертные дани уважения, например портреты Мэрилин Монро, сделанные после ее самоубийства, или портреты Лиз Тейлор, созданные, когда она была очень больна.

     

    4. С точки зрения использования

    До Уорхола искусство предназначалось в первую очередь для просвещенных и высших слоев общества. Но для него, как и для всех последователей поп-арта, искусство должно быть доступно наибольшему числу людей и каждый является художником, который его не знает.

    1- Образовательные цели: дети от 3 до 6 лет

    Материалы:

    > Фотографии на паспорт каждого учащегося

    > Пенокартон Canson®

    > Бумага для рисования 180 г/м2 «C» à 9 зернистость белая0003

    > Ножницы

    > Фолоточные ручки

    > Цветовые карандаши

    > Клей

    > Липкая лента

    Цели:

    варианты

     

    Инструкции:

    Скопируйте черно-белые фотографии своих детей на паспорт, увеличив их не менее чем в четыре раза по сравнению с исходным размером. Отдайте предпочтение использованию довольно контрастных фотокопий, чтобы облегчить остальную часть задачи.

     

    Дайте каждому ребенку четыре копии его фотографии, а затем попросите их раскрасить свои портреты, попросив их использовать разные цвета для каждой части: фона, лица, ушей, рта и т. д.

    Попросите их использовать яркие цвета. !

     

    Наклейте цветные портреты на пенопластовый картон, предварительно вырезанный вами, чтобы разместить два столбца и две строки портретов. Не оставляйте места между каждым портретом.

     

    Также вырежьте картонный треугольник для каждого ребенка и прикрепите его к задней части каждой пенопластовой доски с помощью липкой ленты, чтобы получилась козла. Это означает, что дети смогут с гордостью демонстрировать свое творение дома!

    2 — Les objectifs pédagogiques : enfants de 7 à 11 ans

    Materials:

    — Foam paper or Canson® foam board

    —  240 g/m2 Vivaldi® smooth coloured paper

    — Bright colour paints

    — Ножницы

    — Вата

     

    Цели:

    — Исследование эффекта трафаретной печати с помощью штампов

    — Изучение техники

     

    904 Инструкции0350

    В этой ситуации кусочек фрукта будет использован для создания работы, подобной знаменитому портрету Уорхола «Мэрилин», и воспроизведенной в шести экземплярах.

    Попросите детей нарисовать, а затем вырезать шесть совершенно одинаковых кусочков фруктов на пенопласте или пенопластовой доске. Предложите им изобразить фрукт, который можно узнать только по форме, например, яблоко, банан, клубнику и т. д.

    Затем попросите их вырезать шесть прямоугольников одинакового размера, но разного цвета из ярко раскрашенных листов бумаги. Попросите детей наклеить эти прямоугольники рядом на лист бумаги, например расположив их в виде двух рядов по три портрета.

    Посоветуйте детям окунуть пенопластовые фрукты в шесть ярких красок, а затем нанести их на середину прямоугольников.

     

    Чтобы улучшить свое творение, предложите детям добавить маленькие кусочки ваты, чтобы воссоздать поверхность фрукта, по-прежнему чередуя цвета от одного «портрета» к другому. Они также могут закончить фрукты шаблоном листа, который вы рекомендуете детям использовать в разных цветах, чтобы уважать стиль Уорхола.

    Подсказка

    Вас вдохновил этот рабочий лист? Почему бы не продолжить приключение? Для этого Canson предлагает вам продемонстрировать творения ваших учеников и поделиться ими с нашим сообществом. Какой бы ни была тема, мы будем рады увидеть, что вы создали! Просто свяжитесь с нами, используя контактную форму .

    10 самых известных картин Энди Уорхола – ATX Fine Arts

    Кем был Энди Уорхол?

    Энди Уорхол был выдающимся американским исполнителем поп-музыки, он был одним из пионеров 19-го века.Движение визуального искусства 60-х «Поп-арт».

    Уорхол использовал предметы повседневного обихода в своем творчестве, например, коробки Brillo, банки из-под супа и даже пистолеты, чтобы показать свое искусство. Он получил признание за реформирование идеи искусства, Уорхол узаконил присвоенный ему титул «Папы поп-арта». Его картины отличались от классических впечатлений от искусства. Вот 10 его самых известных картин в стиле поп-арт.

    10 лучших картин Энди Уорхола
    1. Банки супа Кэмпбелл Энди Уорхола
    2. Мэрилин Диптих Энди Уорхола
    3. Восемь Элвисов Энди Уорхола
    4. Банан Энди Уорхола
    5. Супермен Энди Уорхола
    6. Знак доллара Энди Уорхола
    7. Пистолет Энди Уорхола
    8. Роршах Энди Уорхола
    9. Туфли Энди Уорхола
    10. Губы Энди Уорхола

    Банки супа Кэмпбелл от Энди Уорхола

    Уорхол демонстрирует 32 работы, каждая из которых связана с 32 различными суповыми продуктами, предлагаемыми Campbell’s за это время. Эта творческая работа демонстрирует способность Уорхола изображать американскую кулинарную культуру. Он использует огромный рыночный спрос на этот продукт и при этом мудро продвигает свое искусство. В конце 1962 года, сразу после того, как он закончил «Банки с супом Кэмпбелла», Уорхол начал создавать фототрафареты для своих новых работ. Процесс изготовления гравюр изначально был разработан для использования в коммерческих целях. Тем не менее, он объединил свой собственный уникальный стиль с процессом, и это превратилось в его торговую марку. Он использовал свои методы художественного производства, чтобы продвигать свое искусство в коммерческих масштабах.

    Завершены в: 1962

    Стиль: Pop Art

    Измерения: 51 см х 41 см

    Местоположение: Museum of Moder by Andy Warhol

    Фотография Мэрилин Монро из фильма 1953 года «Ниагара» послужила источником вдохновения для этого произведения искусства, на котором изображено 59 изображений Монро. Поразительно, но 25 из них отображаются в цвете с левой стороны. 25 справа имеют размытый тон и отображаются с высоким контрастом черного и белого.

    Уорхол уточнил:

    «В августе 62-го я начал заниматься шелкографией. Я хотел что-то более сильное, что давало бы больше эффекта сборочной линии. При трафаретной печати вы берете фотографию, взрываете ее, переносите в клей на шелк, а затем раскатываете по ней чернила так, чтобы чернила проходили через шелк, но не через клей. Таким образом, вы получите одно и то же изображение, каждый раз немного отличающееся. Все было так просто, быстро и случайно. Я был в восторге от этого. Когда в том же месяце умерла Мэрилин Монро, мне пришла в голову идея сделать экраны ее прекрасного лица первыми Мэрилин».

    После кончины Монро в августе 1962 года многие эксперты в области искусства считают, что это художественное творение изображает смертность Монро.

    Завершен в: 1962

    Стиль: Pop Art

    Измерения: 205,44 см × 289,56 CM

    Местоположение: Tate Gallery 9000 9000 2 CANSIS: : Среда. Энди Уорхол

    «Восемь Элвисов» демонстрирует влияние черно-белой фотографии на Уорхола. Это художественное творение имеет ширину 12 футов. Известный американский певец Элвис Пресл одет в ковбойскую одежду и смотрит на зрителей с огнестрельным оружием, вытащенным из кобуры вокруг его живота. Исходное изображение дублируется много раз, причем каждое изображение частично перекрывается и занимает весь холст. Эта работа была продана за невероятную сумму в 100 миллионов долларов в 2008 году, эта значительная работа – одна из самых продаваемых картин Уорхола.

    Завершен в: 1963

    Стиль: Pop Art

    Измерения: 6,5 фута × 12 футов

    Местоположение: Частная коллекция

    Среда: Silh.cleh.cle.

    Уорхол был одним из графических дизайнеров группы The Velvet Underground в 1960-х годах и создал банан для обложки одного из их альбомов. С тех пор банан озадачивает поклонников рока.

    Завершены в: 1966

    Стиль: Pop Art

    Измерения: 13 × 30 см

    Средний: Screenprint на Styrene

    Superman By Andy Arhol:

    FARILIORION

    7 . таких персонажей, как Микки Маус, Дракула и, конечно же, Супермен. Печально известная фигура супергероя Супермена в его красно-синем плаще перекрывается другим изображением. Супермен справа изображен светло-голубыми линиями, а темно-красные линии демонстрируют его внешнюю фигуру.

    Завершены в: 1981

    Стиль: Pop Art

    Измерения: 96,5 × 96,5 CM

    Среда: Цветный экраны и алмазный пыль

    62.012.902.902.902.902.902.902.902 902.902.902.902. 903. 903. Среда WARIHLIRHOL и WARSHIL -n и War -namoL 903. Знаковая серия 1982 года отражает массовую индивидуальность, экстравагантность и богатство Уорхола. Принт выделяет знак американского доллара яркими неоновыми оттенками. Демонстрация ярких цветов и ярких визуальных эффектов для наблюдателя. Это художественное творение сыграло решающую роль в изображении важности денег, хранящихся в американском обществе, и влияния, которое деньги оказали на жизнь Уорхола. Поп-исполнитель хотел представить свое богатство на всеобщее обозрение. Эта работа изображает его одержимость славой и богатством.

    Завершено в: 1981

    Картины Винсента Ван Гога

    Пожалуйста, включите JavaScript

    Картины Винсента Ван Гога

    Стиль: Поп-арт

    Измерения: 101,6 см x 82,28 см

    Местоположение: Тейт Галерея, Шотландия

    Среда: Акриловая краска и шелкостная экрана на Canvas

    Gun By Andy Warhol. 22 носовая пушка. Уорхол создал «Пистолет» чуть более чем через десять лет после того, как Валери Соланас застрелила его из аналогичного пистолета.

    Completed in: 1982

    Style: Pop Art

    Measurements: 177.2 × 228 cm

    Medium: Synthetic polymer paint and silkscreen ink on canvas

    Rorschach by Andy Warhol

    Эта картина была создана как часть серии и падает с высоты более 13 футов. Работа была вдохновлена ​​швейцарским психиатром Германом Роршахом и тестом Роршаха, в ходе которого пациенты должны были расшифровать десять черно-белых стандартизированных чернильных пятен.

    Уорхол:

    «Я думал, что когда вы идете в такие места, как больницы, вам говорят рисовать и делать тесты Роршаха. Хотел бы я знать, что существует набор».

    Уорхол создал свой собственный набор, нарисовав одну сторону холста, а затем сложив его вертикально, чтобы запечатлеть другую половину.

    Выполнено в: 1984

    Стиль: Поп-арт

    Размеры: 417,2 x 292,1 см

    Расположение: Музей современного искусства в Европе

    Материал: Синтетическая полимерная краска на холсте

    Обувь Энди Уорхола

    Одна из самых точечных картин Уорхола, которую он создал как арт-дизайнер, изображает различную обувь: высокие каблуки, сифоны или украшенные драгоценными камнями туфли на шпильке.

    Энди уорхол работы поп арт: 404 | Артифекс

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.

Пролистать наверх