Планшет вместо холста, стилус вместо карандаша
Предыдущая статья Следующая статья
Цифровые изображения: модное увлечение или новое слово в изобразительном искусстве?
Автор:
Анна Ермакова
Технологии значительно преобразили нашу жизнь и затронули совершенно разные сферы. Что же в дальнейшем ожидает тех, кто всем сердцем любит холсты и краски, бумагу и цветные карандаши? Digital или классика: что и почему сейчас актуальнее? Корреспондент «Журналиста Online» пообщался с теми, для кого рисование — это профессия.
©Анна Ермакова / Журналист Online
Художникам теперь не надо смешивать краски и использовать кисточки, сейчас для рисования достаточно графического планшета и стилуса. Сегодня на рынке появилось очень популярное предложение – компьютерный портрет. Неужели, проходя по Арбату, мы больше не сможем наблюдать за работой свободных художников, готовых минут за десять изобразить лицо и фигуру прохожего? А наши любимые мультфильмы будут пересняты с использованием гиперреалистичной графики? И в квартирах вместо картин будут висеть замаскированные под них фотографии?
Digital art в русском варианте звучит как “цифровое искусство”.
Художники используют различные программы для графического изображения, среди них и всем знакомый Photoshop, и менее известные визуальные редакторы. Направления этого движения разнообразны: кто-то концентрируется на рисовании блогеров и знаменитостей в мультяшном стиле, кто-то пишет футуристическую картину мира, а кто-то создает винтажные постеры. Немалый простор для творчества есть и у тех, кто занимается мультфильмами и комиксами. Всё зависит только от фантазии и видения самого художника, а возможности компьютер предоставляет почти безграничные.
Дарья Боганкова, студентка 5 курса архитектурного факультета МГАХИ им. В.И. Сурикова, преподаватель живописи и рисунка в школе искусств
©Анна Ермакова / Журналист Online— Сильно ли отличается техника рисования в традиционном стиле и цифровом?
Конечно, есть некоторые отличия. Во-первых, на планшете всегда можно приблизить изображение, чего не сделаешь на бумаге.
Во-вторых, традиционные инструменты заменяет специальный «пенсил». Но сходство тоже есть! Как и в классической живописи, художнику необходимо сперва сделать набросок, произвести построения, а потом заниматься прорисовкой. Это очень похоже на нашу привычную работу, только вместо карандаша на компьютере или планшете используется прозрачная кисть.
— Компьютерные инструменты повторяют текстуру реальных? Например, масло или уголь?
Да. Кстати, очень распространено использование текстурированных бумаг: акварельной, крафтовой. Их закачивают в программу отдельно. Рисуют же инструментами, которые имитируют и масло, и карандаш, и другие реально существующие вещи. Однако полностью виртуальные аналоги не могут повторить текстуру и передать тот материал, которым мы пишем в жизни.
— Можно ли научиться рисовать на графическом планшете, если раньше никогда не делал этого не бумаге?
Я считаю, что это возможно, потому что используются одинаковые методы обучения.
Нет особой разницы на бумаге учиться рисовать, холсте или планшете. Просто в любом случае надо изучать законы построения, перспективы, света, формы. Но всё это возможно познавать и с помощью новых технологий.
©Из личного архива героини
— Вероятно, что в дальнейшем художников будут обучать рисовать сразу на компьютере?
Есть много разных направлений в художественной деятельности. Я думаю, что традиционная живопись не исчезнет, потому что спрос на нее есть, и любители классики, конечно, тоже существуют. Возможно, digital направление станет развиваться отдельно, и с самого начала обучение будет идти двумя разными путями. Потому что сейчас, чтобы работать в сфере цифрового искусства, надо окончить художественную школу, потом колледж, а потом решать, чем заниматься дальше, нужны ли компьютерные технологии в твоей деятельности.
— То есть возможно, что digital – это не замена классике, а отдельная индустрия? И обучение для неё будет выстроено по-новому?
Да, я думаю, что в скором будущем это возможно.
И с развитием технологий таких специалистов будут сразу учить рисовать на компьютере.
— А сегодня можно художнику средней руки как-то заработать на традиционном искусстве?
Всё же digital art направление более актуально, потому что навыки создания цифрового изображения используются для оформления сайтов и страниц, различные картинки и иконки заказывают блогеры, есть ещё индустрия комиксов и мультипликации. Это всё огромный блок хорошо оплачиваемых профессий. Что касается традиционного искусства, оно, конечно, по-прежнему существует. У него не меньше ценителей, и интересные, цепляющие работы всегда привлекают внимание потенциальных покупателей. Сегодня особенно важна идея произведения и нестандартное мышление автора. Заработок зависит от мастера: он может участвовать в конкурсах, продавать работы у нас или за рубежом. Богатые клиенты часто заказывают картины для оформления интерьера. Я сама продала несколько своих творений, и знаю коллег, которые в этом имели успех.
Обеспеченные покупатели не хотят видеть нарисованную digital картинку у себя в роскошном доме, для этого больше подходят картины, выполненные в традиционном стиле, где видны и мазки, и техника художника, и текстура бумаги или холста. Замечательно также смотрятся классические работы, оформленные в рамку, а просто нарисованный и распечатанный портрет совершенно не производит впечатление величия на зрителя.
©Из личного архива героини
— В России есть несколько организаций, которые делают копии с фотографий: обрабатывают изображение под картину, печатают на холстах и продают. Почему людям это нравится?
Это менее элитарно, рассчитано на массовое искусство и массовое распространение. Большинству людей достаточно видеть, что их изображение уже как-то преобразовано, выглядит интересно и интерпретировано в «картину». Им совершенно неважно, как оно было нарисовано, важно только видеть себя и интересную подачу.
— А как определить хорошего художника и не заказать такую вот «переводку»?
Картина – это не фотография, а в скопированном изображении нет подачи автора, видения художника, каких-то особенных деталей, эмоций. Я бы сказала, что в такой работе нет души. Когда картина – не просто модификация фотографии в фотошопе, зритель воспринимает ее совершенно иначе, ему гораздо приятнее.
— Всё же почему, на твой взгляд, цифровое искусство сегодня вызывает больший интерес у публики?
Очень много появилось разных новых методов изображения, техник. Порой это действительно смотрится ярко, модно и стильно.
— Но если это такой тренд, то он со временем должен пройти?
Я думаю, что digital art просто станет совершенно иным направлением, отделится от классической живописи, и эти направления пойдут разными путями.
Возможно, даже будут проходить раздельные выставки для традиционного и цифрового искусства.
Художники могут зарабатывать не только на создании картин. Есть и другие сферы, где требуются их навыки. Одна из важнейших – комиксы и мультипликация. Изменения коснулись и этого направления.
В лучшую или худшую сторону меняется индустрия? Разобраться в вопросе поможет Анна Голда, искусствовед и историк анимации.
©Из личного архива героини
— Как сегодня можно попасть в индустрию комиксов, начать их создавать?
— Нет какого-то универсального способа, он отличается для каждого художника. Кто-то может быть самоучкой и просто развивать свои хобби, а кто-то может прийти к комиксам из другой профессии (например, иллюстратора). Стоит понимать, что комикс – это форма искусства. Часто люди, которые занимаются графикой или живописью, используют в числе других вариантов и этот.
Сам Уинзор Маккей, прославившийся созданием комиксов в начале 20 века, использовал свои таланты для широкого применения. Поэтому я думаю, чтобы начать создавать комиксы, прежде всего, необходимо желание и изучение особенностей этого вида искусства.
— То есть художественное образование получать вовсе не обязательно?
Я не склонна считать это необходимостью, хотя образование может дать определенные преимущества, особенно если человек сам выбирал специальность и знал, чему хочет учиться. Но всё же не стоит недооценивать самообразование, особенна важна «насмотренность» человека: знание истории искусств в целом и истории комиксов в частности, понимание методов других художников, умение работать с предысторией, проводить связи между разными формами искусства и понимать их.
— Сейчас вся работа ведется на компьютере или что-то всё еще нужно (можно) делать от руки?
Думаю, что выбор методов и материалов работы зависит от того, на себя ли работает художник или на кого-то.
В случае авторского проекта может идти речь о самостоятельном выборе более комфортного варианта, а для работы с кем-то необходимы компромиссы.
— Расскажите поподробнее о том, что такое концепт-арт?
Я бы охарактеризовала концепт-арт как изображение героя планируемого произведения. Он должен содержать в себе все ключевые особенности дизайна персонажа, показывать колористическое решение и давать максимально полное представление о нем. Также это может быть разработка фоновых изображений или локаций. Само название в русскоязычной среде появилось недавно, но явление достаточно старое. Даже в материалах советских мультфильмов 40-50-х годов мы можем найти огромное количество концепт-артов. Подобные изображения необходимы на ранних этапах работы и при создании комиксов, и при создании анимации для того, чтобы истории получались сложными и законченными.
— Насколько востребованы художники, освоившие компьютерные технологии? Можно ли сегодня в вашей профессии обойтись без этого?
С одной стороны, в наши дни знание компьютерных технологий чаще всего повышает шансы художника найти работу.
Освоив программы, можно пойти в массовое производство, например, детских мультсериалов. С другой стороны, всегда есть такие проекты, которые не используют цифровые методики. И я говорю даже не об академической живописи, а о тех же самых комиксах и мультфильмах.
©Анна Ермакова / Журналист Online
— Как вы считаете, традиционное изобразительное искусство отходит на второй план, уступая место цифровым технологиям?
Я так не думаю. Подобный вопрос очень остро встал на рубеже веков, когда вышла первая часть «Истории игрушек». Но в какой-то момент боязнь «смерти» традиционной анимации сильно повлияла на многих мастеров, и в последние десятилетия мы можем наблюдать стремление к синтезу традиционной анимации и компьютерной графики. Это делают как признанные классики мультипликации (Хаяо Миядзаки), так и достаточно молодые режиссёры (Том Мур). Недавно вышел и был номинирован на Оскар мультфильм «Клаус», где также используется традиционная анимация.
Если в 90-е годы казалось, что должен быть какой-то выбор между одним или другим, то сегодня есть понимание, что традиционные технологии с компьютерными могут очень хорошо сосуществовать.
— А есть ли какие-то недостатки у современной компьютерной графики?
Возникает множество проблем. Например, мы много размышляем о чрезмерной реалистичности в современных мультфильмах. Нужны ли такие правдоподобные текстуры, какая художественная ценность за ними скрывается? Некоторые исследователи выступают категорически против компьютерных технологий, но стоит понимать, что искусство использует разные методы, и компьютерная графика – один из них. Метод этот новый, требующий наблюдения. Я думаю, что не стоит воспринимать его в штыки, а нужно внимательно и непредвзято изучать.
23.09.2019
Детокс от соцсетей
Как пережить день без интернета
22.12.2022
«Пусть ваши имена станут брендом»
На журфаке МГУ прошел традиционный День практики
21.
10.2022
«Да, это сложно – быть психологом»
В МИА «Россия сегодня» прошел круглый стол на тему «Обеспечение психологического благополучия населения»
05.12.2022
«Крепим дружбу во имя мира и счастья!»
Международный клуб “Россия-Китай: диалог культур” возвращается в очный формат
Как печатать футболки с картинами известных художников?
Помогите разобраться с законом об авторском праве. Я предприниматель, занимаюсь производством сувенирной продукции. Компания выпускает футболки и толстовки с принтами произведений искусства. Вопросов несколько.
Если автор картины умер более 70 лет назад, могу ли я использовать его картину для принта на футболке? А как зависит от местонахождения картины, например, какая-то в Третьяковке, какая-то в частной коллекции, в зарубежной галерее или вообще утеряна?
Если автор умер более 70 лет назад, нужно ли мне вообще смотреть, где хранится картина, и думать, можно ли ее использовать для производства продукции на продажу?
Если взята не вся картина, а только ее часть — не более 70% картины?
Вот конкретный пример.
Рисунок Александра Дейнеки «Футбол». Автор умер менее 70 лет назад. Оригинал находится в Ивановском художественном музее. Рисунок «Футбол» сделан в 1928 году для журнала «Даешь!». Кому принадлежат права на воспроизведение — родственникам художника? Галерее? Журналу «Даешь!»?
В интернете есть разная продукция с шедеврами мировой живописи. Я сомневаюсь, что производители получили разрешение на эти принты. Какова ответственность за нарушение авторских прав?
Хотелось бы работать честно и популяризовать русскую и мировую живопись.
Благодарю за ответ. Иван.
Иван, в целом вы правы: использовать картины давно умерших художников можно без ограничений. Но есть несколько важных моментов. Во-первых, «давно» в каждой стране определяют по-разному. Во-вторых, некоторые страны предоставляют музеям особые права охраны разного культурного наследия.
Дмитрий Корнев
юрист
Профиль автора
Для начала подробно остановимся на охране авторских прав в России.
Кому принадлежит право на рисунок или картину
Живопись, рисунки, наброски, графические рассказы, комиксы — это объекты авторского права.
ст. 1259 ГК РФ
Существуют исключительные авторские права — право на воспроизведение, копирование, переделку, публичный показ, трансляции в эфир и т. д. Эти права закон охраняет в течение определенного срока. Автор может передать их кому угодно еще. Для вас это значит, что договариваться об использовании произведения искусства не всегда нужно с его автором.
Еще есть неотчуждаемые права автора, которые никто, включая самого автора, не может никому передать. Например, нельзя продать право на имя автора. Никто не может заплатить наследникам Энди Уорхола, чтобы называть себя автором его картины.
После смерти исключительные права переходят по наследству или третьим лицам. Например, фондам или музеям, если у автора нет родственников или если так он написал в завещании.
ст. 1255 ГК РФ
ст.
1270 ГК РФ
Авторское право — сравнительно молодая отрасль права для России. Четвертую часть ГК РФ, которая регулирует эти вопросы, приняли только в 2006 году. В советское время авторские права упоминались в ГК РСФСР, но защитой их никто серьезно не занимался.
Сейчас охрану прав авторов времен СССР регулирует ч. 2 ст. 6 ФЗ «О введении в действие части четвертой ГК Российской Федерации». По этому закону, если между годом смерти автора и 1 января 1993 года прошло более 50 лет, то произведение считается общественным достоянием и закон его не защищает. А если меньше 50 лет, то права автора защищаются в течение 70 лет с момента его смерти.
Владельцем картины может быть музей, фонд, частный коллекционер или сам автор. Но это не всегда означает, что у владельца есть права на использование этой картины. Например, художник может продать оригинал картины в частную коллекцию, но право делать копии, печатать изображение на футболках и прочее останется у него. Многое еще зависит от законов страны, где находится произведение искусства.
ст. 1291 ГК РФ
Если автор или его наследники передали музею не только саму картину, но и исключительные права, то спрашивать разрешения на использование картины надо у музея.
Если же картина хранится в музее, а художник давно умер и картина стала общественным достоянием, то по российским законам исключительные права принадлежат музею. Правда, в других странах такие правила встречаются редко.
Когда произведение становится общественным достоянием
Гражданский кодекс устанавливает, что защита от использования произведения (копирования, распространения, публикации и т. д.) действует 70 лет после смерти автора или последнего из соавторов.
Срок в 70 лет отсчитывается с 1 января года, следующего за годом смерти автора. Если произведение опубликовано анонимно или под псевдонимом, то 70 лет считают с момента публикации. Если произведение опубликовали анонимно, но потом автора установили или он сам в этом признался, то снова отсчитывают 70 лет с момента его смерти.
ст. 1281 ГК РФ
Через эти 70 лет произведение искусства в России становится общественным достоянием. Это значит, что кто угодно может использовать его безвозмездно и ничего не платить.
За автором, разумеется, сохраняется право авторства и неприкосновенность произведения — и это бессрочно: никому и никогда нельзя выдавать себя за автора и нельзя вносить изменения в его произведения. Нельзя допечатать пару глав в «Войну и Мир» и издать книгу с этими поправками. Если перерисовать или дополнить чужую картину, это тоже могут посчитать переработкой. Без разрешения автора или правообладателя так делать нельзя.
ст. 1282 ГК РФ
Как использовать музейные экспонаты
В России существует путаница с законами. Для закона произведение существует сразу в двух вариантах: как объект авторского права и как экспонат музейной коллекции.
Гражданский кодекс определяет срок защиты авторских прав в 70 лет с момента смерти автора.
Закон о Музейном фонде говорит, что выпускать какую-либо печатную, сувенирную и тому подобную продукцию с изображением музейных предметов можно только с разрешения дирекции музеев.
Получается противоречие. В музеях хранятся картины художников, умерших двести, триста, а то и тысячу лет назад — намного больше, чем 70. Получается, что раз они выставлены в музее, то по закону о Музейном фонде охраняются бессрочно. А по ч. 4 ГК РФ вроде бы уже должны были стать общественным достоянием.
Суды в России до сих пор не имеют однозначной позиции по этому вопросу. Вот, например, результаты крупного судебного дела между Эрмитажем и бизнесменом, который без разрешения музея использовал картину Томаса Гейнсборо «Дама в голубом». Художник умер в 1788 году. Предприниматель использовал изображение с картины даже не для продажи, а для дизайна сайта. После трех лет судебных споров Эрмитаж выиграл дело и запретил бизнесмену использовать изображение.
Закон в основном защищает право на использование произведений в коммерческих целях. Кроме того, если музейный экспонат — это основной объект использования, его нельзя использовать без согласия и в некоммерческих целях.
ст.
1276 ГК РФ
По поводу рисунка Александра Дейнеки
Александр Дейнека опубликовал рисунок «Футбол» в 1928 году, а умер в 1969 году. С 1 января 1970 года по 1 января 1993 года прошло только 23 года — то есть меньше 50 лет. Значит, исключительные права на рисунок защищены с 1970 по 2040 год.
Публикация в журнале 1928 года вряд ли будет иметь значение: во времена раннего СССР автор и журнал вряд ли заключали какой-либо договор на отчуждение прав, после которого срок защиты считался бы с момента публикации.
Так как вы хотите использовать его картину для продажи сувениров, лучше попробовать получить согласие музея. Судебное дело в отношении рисунков Александра Дейнеки уже было: Курская картинная галерея имени А. А. Дейнеки взыскала с предпринимателя убытки за использование картин без ее согласия.
Что касается использования фрагмента картины или ее измененного варианта, например стилизации или коллажа, то это сложный вопрос, на который нет точного ответа.
Если картина изменена настолько, что почти не похожа на оригинал, то запретить ее использовать нельзя, но сначала это придется доказать.
Но право на неприкосновенность произведения, в том числе и на сокращение, бессрочно — теоретически наследники могут иметь претензии, особенно если вы извлекаете выгоду из таких изменений.
ст. 1266 ГК РФ
Если автор картины иностранец или она хранится за границей
Все вышеописанное работает, только если художник или его наследники жили и живут в нашей стране, либо картина хранится в российском музее, либо автор картины гражданин России. В других странах свои законы. А еще есть и международные нормы.
Если вы захотите легально использовать картины иностранных художников, живших в 19—20 веке, то придется разбираться, как работает система авторских прав в каждой отдельной стране.
Общее правило — должно пройти минимум 25 лет с момента смерти автора. Это установлено целым рядом международных договоров, например Всемирной конвенцией об авторском праве и Бернской конвенцией об охране литературных и художественных произведений. Эти документы только дают рекомендации и устанавливают минимальные сроки охраны.
Страны — участники соглашений вправе эти сроки повышать.
Если произведение уже стало общественным достоянием, то мировые музеи прямо это указывают. Иногда пишут прямо на сайтах: In public domain. Это значит, что на произведение не распространяется авторское право (copyright) и его можно спокойно воспроизводить, в том числе и печатать на футболках.
Вот, например, картина «В лодке» Эдуарда Мане. Она написана в 1874 году и хранится в нью-йоркском музее Метрополитен. Эта картина признана общественным достоянием. Ее можно свободно печатать на футболках, кружках и других местахЕсли у вас есть вопрос о личных финансах, правах и законах, здоровье или образовании, пишите. На самые интересные вопросы ответят эксперты журнала.
Задать вопрос
Эти произведения искусства однажды исчезнут
Вы когда-нибудь задумывались о том, что произведения искусства не могут существовать вечно? Подобно тому, как старые газеты могут рассыпаться на хрупкие пожелтевшие фрагменты, то же самое во многих случаях происходит и с искусством.
Такие материалы, как бумага, текстиль и пигменты, естественным образом портятся с возрастом, а воздействие света ускоряет этот процесс. Ни одна из картин, оставленных нам Эдвардом Мунком, не будет вечной. Многие из них уже были хрупкими, когда попали в музейную коллекцию. Возможно, в идеале мы должны были хранить их в холодном темном месте, чтобы они не распались. Тем не менее, мы решили показать их, хотя это означает, что цвета на этих картинах, вероятно, будут выглядеть для наших детей и внуков иначе, чем сегодня.
Эдвард Мунк, Две девушки в голубых фартуках. Холст, масло, 1904-05. Фото © Munchmuseet
Выцветший желтый
Взгляните на желтый цвет на картине Мунка Две маленькие девочки в голубых фартуках . Возможно, вы видели это раньше? Он известен как желтый кадмий, а в конце 19-го и начале 20-го веков его яркий цвет и непрозрачность сделали его популярным среди таких художников, как Винсент Ван Гог, Анри Матисс и Пабло Пикассо.
Поскольку цвет такой сильный, легко представить, что он будет длиться вечно, но это не так. На самом деле, картины, сделанные с использованием этого пигмента, со временем выцветают, отслаиваются и обесцвечиваются. Кроме того, они токсичны. Эти факторы привели к разработке более стабильных и менее токсичных красок в 20 веке.
Другой цвет, использованный Мунк в этой картине, красное озеро, также менялся с годами. Думаете ли вы, что Мунк думал об этом летом 1904 года, когда писал двух девушек, живущих по соседству с его домом в Осгордстранде?
Эдвард Мунк: Беспокойство. Холст, масло(?), 1894 г. Фото © Munchmuseet
Расколотое небо
Мы можем увидеть некоторое сходство между картиной Мунка Тревога (1894) и его самым известным изображением Крик . Те же волнистые линии на красно-желтом небе, и тревога написана на всех лицах людей на мосту, стоящих на фоне фьорда. И снова Мунк использовал желтый кадмий, который портится под воздействием света.
Сначала отдельные мазки становятся белыми, а затем по мере старения они темнеют и начинают распадаться. В Беспокойство мы видим, что на поверхности образовалась темная корка. Как вы думаете, как бы выглядела эта картина сейчас, если бы Мунк нарисовал ее самыми стойкими красками, доступными сегодня?
Эдвард Мунк: Сцена в публичном доме. Непереплетенный картон, масло, 1903 г. Фото © Munchmuseet
Тень самого себя
Многие произведения искусства, которые сегодня можно увидеть в Музее, раньше выглядели иначе. Например, эта картина «Сцена в борделе » (1903 г.) — одна из серии картин Мунка о немецком борделе — была создана с использованием ярких, чистых цветов. Со временем свет изменил свой вид. В нескольких местах желтая краска потускнела и стала полностью белой, а другие части изображения почти исчезли. Кроме того, картонная панель, на которой он был нарисован, стала намного темнее. Это означает, что картина, которую вы видите сегодня, выглядит совсем не так, как на самом деле хотел Мунк.
Эдвард Мунк: Руки. Непереплетенный картон, масло и мелки, 1893–1894 гг. Фото © Munchmuseet
Искусство в темноте
Эта картина, известная как Руки , написана на картоне. Мунк начал работу над ним в 1893 году, в период, когда он часто использовал его вместо холста. Хотя его картон часто бывает толстым и жестким, структурно он так же нежен, как лист бумаги. Со временем он желтеет — это признак того, что волокна целлюлозы разрушаются и теряют свою прочность. Пожелтение картона также повлияет на цвета и внешний вид картины. Это означает, что Руки нуждаются в особой защите всякий раз, когда они выставлены на обозрение. Освещение в галерее должно быть приглушенным, а картина должна быть оформлена за специальным стеклом, блокирующим ультрафиолет. Эти меры помогают предотвратить дальнейший износ и продлить срок службы картины.
Эдвард Мунк: Вампир. Холст, масло, 1893 г. Фото: Munchmuseet.
Борьба на поверхности
Еще в 1952 году, когда сотрудники музея разбирали поместье Мунка, они заметили, что эта раскрашенная версия Vampire , датируемый 1893 годом, находился в «крайне плохом состоянии». С самыми лучшими намерениями и в полном соответствии с принятыми в то время методами картина была наклеена на новый холст и расплющена под большим весом. Большие участки картины были ретушированы, а в завершение реставраторы нанесли два слоя лака. Сегодня мы бы посчитали этот тип реставрации слишком инвазивным. Помещение картины под большой вес деформировало и повредило текстуру ее поверхности, и краска теперь более прочно прилипла к лаку, чем к холсту под ним. Это делает работу по сохранению картины очень сложной. Эта версия Вампир теперь настолько хрупок, что мы больше не позволяем ему покидать Музей, и он находится на первом месте в списке приоритетных картин Музея, нуждающихся в исследовании и обработке.
Эдвард Мунк: Голова за головой.+by+Catherine+La+Rose+(63).jpg)
Холст, масло, 1905 г. Фото © Munchmuseet
Изменение красного
Эта картина, известная как Голова за головой , является первой версией Мунка, изображающей голову женщины рядом с головой мужчины. Здесь Мунк использовал различные натуральные красные пигменты, которые со временем разрушаются под действием света. Одни пигменты тускнеют, другие темнеют. Мы не знаем всего о цветах, которые использовал Мунк, но в Музее мы проводим интенсивные исследования, чтобы понять, как можно замедлить скорость износа. Иногда наши исследования приводят нас к сотрудничеству с другими музеями. Например, мы знаем, что Винсент Ван Гог использовал многие из тех же типов пигментов, что и Мунк. Посмотрите на эту картину. Как вы думаете, как выглядел красный цвет, когда он был окрашен в 19 веке?05?
Эдвард Мунк: Автопортрет с собаками и маленькой рождественской елкой. Гектография, 1924 г. Фото © Munchmuseet
В одолженное время
Последний раз, когда мы выставляли эту картину, она была за занавеской, которую зрители должны были отодвинуть.
Вот насколько хрупка эта маленькая работа Мунка. Автопортрет с собаками и маленькой рождественской елкой 1924 года был напечатан с использованием техники, известной как гектография. Для создания рисунка использовались специальные чернила, которые затем переносились на желатиновую пластину, с которой можно было сделать несколько оттисков оригинала. Во многом эта техника напоминала очень ранние копировальные аппараты. Чернила, используемые для изготовления гектографов, чрезвычайно чувствительны к свету, и даже очень короткие периоды воздействия света могут привести к их порче. Это означает, что мы должны ограничить время, в течение которого этот элемент отображается, чтобы сохранить его.
Эдвард Мунк: Пляж. Холст, масло, 1888 г. Фото © Munchmuseet
С наилучшими намерениями
В традиционной живописной технике художники наносят лак на последний слой краски на картине. Лак насыщает цвета и выравнивает блеск поверхности.
Кроме того, он задуман как «жертвенный слой» — слой, который испортится, в то время как основная картина будет защищена. Во времена Мунка многие художники отказались от этой практики, потому что хотели экспериментировать с различными художественными выражениями. Как и Мунк, поэтому многие его картины имеют сухое, матовое выражение. Так было и с Пляж , написанный летом 1888 года во время пребывания в Тёнсберге. Однако в 1950-х годах применялся синтетический лак. Лак имеет высокий блеск поверхности, что меняет первоначальный замысел Мунка. И что еще более серьезно, этот конкретный тип лака может повредить исходные слои краски, когда он постепенно разлагается.
Когда свет вызывает тьму
Эти маленькие рисунки были сделаны углем и карандашом на слегка кислой бумаге. Возможно, это были подготовительные наброски для более крупной работы. Вы видите, как часть изображения под названием Мужчина и Женщина (1914) легче остальных? Это потому, что более светлая часть оказалась под другим листом бумаги, что предохраняло ее от пожелтения.
Как и «Обнаженная пара», поясная фигура (1919–21) нарисована на бумаге, на которую влияют свет и температура. Бумага со временем темнеет, а ее волокна становятся жесткими и ломкими. Сегодня многие художники используют так называемую бескислотную бумагу. Это длится дольше и более терпимо к различным условиям. Возможно, работа по сохранению искусства в будущем будет сопряжена с проблемами, отличными от тех, которые мы можем предсказать сейчас?
Почему классические и современные картины выглядят так по-разному
Фотографии предоставлены Художественной библиотекой Бриджмена
В ноябре Джон Э. Бьюкенен-младший, исполнительный директор Художественного музея Портленда (Орегон), пригласил Роберта Гэмблина выступить с публикой лекция о том, ПОЧЕМУ классические картины отличаются от картин импрессионистов. Это текст его лекции плюс иллюстрации, которые освещают замечательную группу картин французского барокко на выставке «Триумф французской живописи» в Художественном музее Портленда осенью 2003 г.
Почему классические и современные картины выглядят по-разному?
Чтобы ответить на этот вопрос, я хотел бы обсудить с вами
- разницу между методами непрямой и прямой живописи
- эволюцию красок художников культурная память
Клод Лоррен и Клод Моне являются хорошими примерами двух основных стилей живописи: косвенной и прямой живописи.
Структура картины: прямая или непрямая
Классический подход к рисованию называется непрямым, потому что вы видите комбинацию трех или более слоев картины. Зритель видит все три слоя видимыми одновременно в разных частях картины. Художник тщательно планирует наслоение для создания определенных визуальных эффектов.
Посмотрите на схему, которую я нарисовал, чтобы она стала понятнее. Здесь мы смотрим на картину сбоку.
- Холст внизу
- Белый фон поверх холста
- Фактические слои краски на земле.
Первый слой, называемый имприматурой, наносится поверх изображения, нарисованного на земле.
Тонкая «размывка» масляной краски задает средний тон картины. Часто художники используют темную прозрачную краску, такую как жженая сиена, наносимую на белый фон, чтобы поверхность картины мягко мерцала.
Если бы художник нанес темный непрозрачный слой вместо прозрачного, темный цвет поглотил бы весь свет, поэтому картина выглядела бы очень плоской. Вы можете видеть, что мой световой луч проходит весь этот слой до земли.
Следующий слой, который наносит художник, непрозрачный. На этом слое он рисует большинство человеческих форм и других элементов, чтобы создать историю и придать картине повествовательный характер. Некоторые художники, особенно Рембрандт, рисовали этот слой как слой пасты — слой, построенный толстым слоем масляной краски.
Третий слой может представлять собой один слой или ряд слоев прозрачной глазури.
Слои глазури используются для
- унификации цвета света
- управления интенсивностью света
- подталкивания форм и элементов для создания ощущения трехмерного пространства.
Глазури добавляют объем благодаря своей прозрачности. Во времена Клода Лоррена художники создавали прозрачность, добавляя в свои краски медиумы для распределения частиц пигмента. Сегодня художники могут использовать прозрачные пигменты для создания такого же эффекта.
На схеме глазури красные.
Вы видите, что лучи света отражаются сразу от непрозрачного слоя, но проходят через прозрачный слой глазури. Свет взаимодействует с глазурью интересным образом. ОН ОСВЕЩАЕТ ИХ СЗАДИ.
Свет распространяется внутри поверхности картины. Затем свет окрашивается глазурью, возвращаясь к глазу. Нанесение большого количества глазури делает картины более темными, потому что слишком много света задерживается внутри пленки краски. Вы можете видеть, что на этой диаграмме есть четыре световых луча, которые показывают четыре способа взаимодействия света с поверхностью.
Рембрандт — мастер непрямого наслоения цвета.
Вы можете видеть
- имприматура на заднем плане
- непрозрачная окраска форм
- лессировка более или менее по всем формам, придающая объем формам.
Нанесение глазури может усилить ощущение драмы, как на этой картине Мастера свечей «Св. О Себастьяне заботится Ирэн». Драматизм повествования усиливается этой затемненной сценой, так что напряжение усиливается в темноте. Художник достигает этого эффекта, используя прозрачность, чтобы пропустить свет глубоко внутрь картины. Светящийся эффект картины достигается за счет мягкого освещения.
На протяжении сотен лет, вплоть до импрессионистов, художники строили свои картины именно так, используя примерно ту же палитру цветов, рассказывая одни и те же истории. Их гениальность определялась уникальными способами, которыми они преобразовывали художественные материалы в нарративы, рассказывающие нам наши истории.
Прямая живопись
Импрессионисты первыми использовали прямую живопись.
Большинство красок старых мастеров были прозрачными, большинство красок импрессионистов были непрозрачными. Смотрите схему, там нет прозрачных слоев.
Фрагмент непрозрачной поверхности с сильно нанесенными слоями пастозной краски. Все лучи света отражаются прямо от поверхности. Ни один свет не проникает в слои. Свет, который вы видите, цвет, который вы видите, исходит прямо от поверхности. Художник мог нанести еще несколько слоев, но вся предыдущая работа скрыта. Возможно, на поверхности видна только текстура нижних слоев.
Вот несколько примеров прямой окраски:
Это картина Моне на пляже. Если бы вы могли видеть это вблизи, то увидели бы, что на поверхности налипло много песка.
Сравните этого Моне с картиной Шалетта «Богоматерь с младенцем в гостях у заключенных». Я думаю, разница в том, как свет взаимодействует с поверхностью, очевидна.
Человек берет его и возвращает только часть. Другой отражает свет со всей поверхности.
Импрессионисты перенесли свои яркие, непрозрачные краски в пейзаж. Эта прямая структура картины является единственной, которая хорошо работает для создания наружного света, потому что мир природы характеризуется светом, заливающим пейзаж. Чтобы создать картину, создающую ощущение заливающего света, художник должен убедиться, что много света отражается прямо на зрителя.
Они делают это, используя непрозрачные цвета с ярким значением, которые отражают свет прямо от поверхности, не позволяя свету проникать в структуру и поглощаться пленкой краски. Это позволяет получить ощущение яркости от фактической яркости.
Моя личная работа направлена на достижение тех же целей. Вот несколько примеров. Большинство из них были написаны здесь, в долине Уилламетт.
Доступная палитра цветов
Теперь давайте посмотрим на цвета, которые сформировали свои палитры.
Художник-классик использовал совсем другой набор цветов, чем импрессионисты.
Художники создают картины уже не менее 30 000 лет. Есть только по существу три периода истории пигмента.
Первый период начинается 30 000 лет назад и продолжается до 1700 года в начале промышленной революции. Этот период истории искусства характеризуется использованием пигментов, которые в основном были найдены в земле: пигменты из земли, такие как охра, умбра, железные красные, или цвета из камней: лазурит, малахит, азурит или природные органические вещества, такие как ягоды, соки, сок жуков, сок растений.
Большинство используемых цветов были цвета земли. Но преуспевающий художник, такой как Ван Эйке, живший в таком торговом центре, как Брюгге, имел доступ к более ярким материалам.
Затем промышленная революция с 1700 по 1900 год дала полную палитру цветов, которые были получены путем сплавления металлов вместе при высокой температуре для создания смешанных оксидов металлов из кобальта, марганца, железа, кадмия, свинца и других.
Все картины на выставке «Триумф французской живописи» выполнены красками первого периода; импрессионисты использовали цвета второго периода.
Для тех из вас, кому интересно, третьим периодом был 20-й век, который дал нам полную палитру современных органических красителей: например, хинакридон, фтало, нафтол. Слева представлена цветовая диаграмма всех цветов, доступных на сегодняшний день.
Здесь цвета земли первого периода, здесь цвета промышленной революции. Современные органические цвета 20-го века здесь.
А вот и картины моего учителя Вольфа Кана, который рисует пейзаж, но использует много красок 20-го века.
Это был краткий обзор истории пигментов, давайте теперь сосредоточимся на этом.
Ниже приведены две картины, которые показывают палитры художников, интересно, что у них почти одинаковые цвета на палитре.
Белый, несколько землистых цветов и красный. Ни синего, ни зеленого, ни фиолетового, ни синего, ни зеленого, ни фиолетового в картинах.
Итак, вот группа цветов, распространенных с классического периода: охра, умбра, охра, зеленая земля, черная слоновая кость, свинцово-белая, смальта, медянка, киноварь, розовая марена. Сравните их с цветами на палитре этой картины, и вы увидите почти те же самые цвета. Но я хочу, чтобы вы заметили, что здесь много приглушенных цветов и мало ярких.
Вот еще один из шоу, чтобы еще раз проиллюстрировать их использование цвета: повествование изображено в значении с использованием приглушенных цветов; яркие цвета, используемые для драматического эффекта.
Импрессионистам повезло, что цвета, необходимые им для изображения света природы, и их желание сделать это возникли одновременно. До середины 19 века пигменты не были доступны импрессионистам. У них было бы свое художественное видение, но не было бы инструментов для воплощения своих идей в жизнь. К 1860-75 годам для промышленности был разработан полный набор непрозрачных светостойких красок, которые начали использовать художники.
Это интересный переход. На первом этапе истории пигментов художники или их ученики изготавливали большинство материалов в студии. Пигменты покупались в аптеке, а в мастерской превращались в краску. К середине 19В 19 веке промышленность создала новые пигменты в больших количествах, которые впервые использовались для промышленного использования. И эти пигменты также превращались в краски для художников мелкими производителями. Это происхождение нашего типа бизнеса.
Обратите внимание на набор образцов базовой палитры импрессионистов. Чистых цветов достаточно, чтобы теперь я мог составить цветовой круг из цветов с регулярными шагами по этому цветовому кругу. Все цвета интенсивные, за исключением желтой охры. Импрессионисты выбросили все цвета земли, кроме желтой охры. Его оставили, потому что он был слишком ценным. Это был цвет дороги, или пляжа, или деревенских стен.
Ценность этой палитры заключается в наличии чистых цветов с регулярными шагами по цветовому кругу, поэтому художники могут иметь доступ к большому количеству цветового пространства.
И это то, что требуется, чтобы нарисовать все ситуации освещения, которые можно найти. Дополнительным преимуществом этих ярких минеральных красок является то, что они теряют интенсивность цвета при смешивании с другими цветами. Цвета минералов легко переходят в цвета природного мира. Свет мира имеет как приглушенный цвет, так и интенсивный цвет.
Как показано на этой картине Моне, поле маков, интенсивные маки приглушенные травы, прекрасное воссоздание позднего летнего света.
Использование цвета, драма, наука, физиология
Следующее различие, которое следует учитывать, это КАК художники использовали свои цвета.
Повествование в классической живописи изображается прежде всего в значении. Эффект обычно достигается с помощью приглушенных цветов. Посмотрите на этого Леонардо слева. Там нет цветов, но приглушенные цвета. Тело святого Иоанна окрашено в белый цвет, а все остальное — в землистые цвета. И это тело было застеклено прозрачной землей.
Земные цвета были основной палитрой для большинства художников, которые затем оставляли более яркие цвета, если они у них были, для создания драматического эффекта. Экстравагантное использование Ван Эйке очень дорогой киновари демонстрирует статус и богатство предмета. Они думают, что это может быть автопортрет, который он нарисовал для продвижения своего бизнеса портретной живописи.
«Поклонение волхвов» выглядит как сцена из драматической пьесы. Персонажи, одетые в яркие одежды, несут в себе драматический элемент. Представьте, что все они окрашены в землистые цвета, и драматизм значительно уменьшился бы. Светящийся красный цвет в спящей Венере усиливает жар зрения, я уверен, что художники того времени интуитивно знали то, что доказали сегодняшние ученые, что взгляд на красный цвет заставляет сердце биться немного быстрее.
Художник создал полупрозрачное свечение в некоторых частях тела. Он производится путем тщательного смешивания и нанесения как прозрачных, так и непрозрачных цветов, чтобы свет немного проникал на поверхность, а затем возвращался обратно.
Сочетание этой интенсивности с тенью усиливает эффект.
Еще одно использование цвета в классические времена заключалось в чистом показухе.
В «Святой Анне, ведущей Богородицу в храм» (которая также присутствует в сериале) использование синего ультрамарина, по-видимому, является причиной для написания картины. Ультрамариновый синий, изготовленный из лазурита, является самым дорогим пигментом из когда-либо созданных. Когда покровитель просил использовать синий ультрамарин в картине, в контракте указывалось, где он будет использоваться и сколько денег будет выделено на покупку пигмента. Мне эта работа кажется символом статуса.
Цвет также использовался символически. Пуссен одел Деву Марию в синее. Я не знаю, почему Иосиф в желтом, разве что для визуального эффекта, привлекающего внимание от лодки к фигурам в облаках.
С другой стороны, как я только что упомянул, импрессионистская живопись использовала цвет для изображения полного спектра световых эффектов мира природы.
Я постоянно возвращаюсь к Моне, потому что его достижения поразительны. Когда мне было 20 и я был слишком крут, как могут быть двадцатилетние, я любил импрессионизм, но не думал о Моне. Поскольку массам больше всего нравился Моне, я полагал, что они ошибались. Но теперь, когда я значительно менее крут, чем был в 25 лет, я в восторге от его достижений.
Интересным дополнением к истории его серии тополей является то, что он начал рисовать их, а затем узнал, что деревья должны быть проданы с аукциона для вырубки. Моне отправился в одну из лесозаготовительных компаний, торгующихся за деревья. Он спросил владельца, сколько тот готов заплатить за деревья, а затем пообещал заплатить ему столько, сколько он должен был заплатить сверх той суммы, которая была необходима для победы в торгах. Этот человек выиграл тендер, Моне заплатил дополнительную сумму, и он смог завершить свою серию до того, как они были сокращены. Но опять же, они иллюстрируют интерес импрессионистов к использованию цвета для исследования света мира во всех его проявлениях.
Вот еще один эффект естественного света, Ренуар слева, Моне справа, оба рисуют летний свет с пятнистой тенью серия картин Темза, мосты, здания парламента и невероятный лондонский туман начала 1900-х годов
Замысел художников, роль искусства в жизни разница в замыслах между художниками, работавшими в классической традиции, и современными художниками. Роль живописи в обществе резко изменилась с 17 века! Поэтому, чтобы оценить их работу, я думаю, мы должны понимать намерения художников и то, как они отвечали культурным требованиям своего времени. Большая часть классической живописи была заказана религиозными лидерами, чтобы рассказывать и пересказывать истории верующих. Или политика — живопись в память об исторических моментах, или придворная жизнь — как в этих двух работах из выставки.
Их покровителям нравились эти величественные жесты, которые увековечивали их достижения и оставляли след в истории. Истории, рассказанные картинами маслом, выполненными с использованием проверенных техник и качественных материалов художников, могут жить сотни лет.
В то время живопись была высшей формой визуальной записи человеческого опыта. Единственная причина, по которой у нас есть представление о том, как выглядит жизнь, — это живопись. Но общий стиль — повествование — был высшей формой визуального повествования.
Изображения греческих мифов Меркурий и Герса слева, или религиозные истории, такие как история Юдифи из Библии, нет, это не голова ее мужа, а голова вражеского генерала.
Но я надеюсь, вы заметили, что многие классические картины объединяет то, что все они выглядят как кадры из драматической пьесы. Живопись была единственным визуальным средством, содержащим драму.
Прошло много времени с тех пор, как мы использовали живопись как основной источник визуальной драмы или даже визуального повествования; мы ходим на ТВ и в кино.
За последние 100 лет живопись освободилась от ответственности за создание драмы или запись значительных событий. Фотография освободила живопись от основной обязанности рассказывать нам, как все выглядит.
Живопись могла бы умереть, если бы эти две важные части рынка были удалены, но, как свидетельство изначальной силы живописи, она эволюционировала, чтобы удовлетворять другие культурные потребности.
Импрессионисты создали эту новую роль для живописи.
Их работа была результатом удивительного слияния идей и материалов. Этот раздел разговора посвящен намерениям. Их намерения состояли в том, чтобы привнести научный образ мышления в искусство. Вместо того, чтобы рисовать свет в студии, эти современные художники занимались исследованием научных взглядов на мир. Они изображали свет мира. Рассказывание историй и драма не были важными намерениями. Вот две картины Моне с изображением Руанского собора, как и во многих сериях Моне, он сделал много картин на каждый предмет, чтобы изучить эффекты света в разное время дня и при разной погоде.
Наряду с этим новым взглядом на мир импрессионисты дали нам новый элемент человечности в качестве фокуса для живописи. И это чистое чувство, созданное цветом и светом, без повествования, которое бы руководило опытом.
Еще две картины Моне, демонстрирующие использование цвета для вызывания эмоционального отклика.
В качестве фона для заключительных замечаний я возвращаюсь к Клоду и Клоду.
Сейчас мы живем в так называемом «постмодернистском» мире искусства. В этом постмодернизме все когда-либо изобретенные стили или средства создания искусства можно увидеть на стенах сегодняшних художественных галерей. Но все же вся живопись использует только одну из двух рассмотренных нами структур. Картины либо пропускают свет на поверхность иногда больше, иногда меньше, либо заставляют его отражаться прямо от поверхности. Тем не менее, художники правят и, преобразовывая художественные материалы, оставляют нам визуальную запись нашей культуры, наших идей и наших эмоций. И лично я считаю, что мы богаче от всего этого разнообразия.
Если у вас есть дополнительные вопросы о том, почему классические и современные картины выглядят так по-разному, пожалуйста, свяжитесь с нами.
Роберт Гэмблин
Кредит: Здание парламента, 1903 (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Бруклинский музей искусств, Нью-Йорк, США/ Художественная библиотека Бриджмена
Кредит: «Человек в тюрбане», 1433 г. (дуб, масло) Эйк, Ян ван (ок. 1390–1441)
© Национальная галерея, Лондон, Великобритания/ Художественная библиотека Бриджмена
Авторы и права: «Еврейская невеста», c.1666 (холст, масло) Рембрандта Харменса. van Rijn (1606-69)
©Rijksmuseum, Амстердам, Голландия/ Художественная библиотека Бриджмена
Кредит: Мост Ватерлоо, 1902 (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
©Hamburger Kunsthalle, Гамбург, Германия/ Художественная библиотека Бриджмена
Авторы и права: Юдифь (холст, масло) Валентин де Булонь, (1594-1632)
© Музей Августинов, Тулуза, Франция/ Жиродон/ Художественная библиотека Бриджмена
©Музей д’Орсе, Париж, Франция/ Жиродон/ Художественная библиотека Бриджмена
Кредит: The Gare St.
Лазар, 1877 г. (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
©Музей Орсе, Париж, Франция/ Художественная библиотека Бриджмена
© Музей изящных искусств, Бостон, Массачусетс, США/ Коллекция Томпкинса/ Художественная библиотека Бриджмена
Кредит: Grainstack (Закат) 1891 (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Музей изящных искусств, Бостон, Массачусетс, США/ Коллекция Джулианы Чейни Эдвардс/ Художественная библиотека Бриджмена
Кредит: St Иоанн Креститель, 1513–1516 (холст, масло) Винчи, Леонардо да (1452–1519)
© Лувр, Париж, Франция/ Художественная библиотека Бриджмена
Кредит: Бурное море в Этрете, 1883 (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
©Musee des Beaux-Arts, Лион, Франция/ Жиродон/ Художественная библиотека Бриджмена
Кредит: Ecce Homo (холст, масло) Миньяра, Пьера (1612-95)
© Музей изящных искусств, Руан, Франция/ Лаурос / Жиродон/ Художественная библиотека Бриджмена
Кредит: Святая Анна, ведущая Богородицу к храму, c.