Картина энди уорхола: 404 | Артифекс

Знаменитые картины Энди Уорхола с описанием

Настоящее имя знаменитого и одиозного американского дизайнера, художника и режиссёра, основателя поп-арта Энди Уорхола — Андрей Варгола. Он родился в 1928 году в Питтсбурге в семье русинов-эмигрантов из села Микове (в то время Словакия, а теперь украинское Закарпатье). После первой мировой его семья решила найти лучшую долю в Новом Свете — в США. В период учёбы Андрей Варгола американизировал своё имя и стал Энди Уорхол. Будучи уже великим мастером поп-арта, он доказал, что любая вещь может стать объектом искусства.

Cамые впечатляющие картины Энди Уорхола:

1

 Диптих Мэрилин (1962)

Смерть Мэрилин Монро сразила Энди Уорхола. Диптих был создан практически сразу после внезапной смерти актрисы. На каждом полотне диптиха изображено пятьдесят одинаковых изображений Мэрилин, за основу которых был взят кадр со съёмок фильма «Ниагара». Один диптих состоит из цветных портретов, второй — из тающих и исчезающих чёрно-белых портретов, как символа смерти и исчезновения из бытия прекрасного образа. Техника исполнения работы — шелкография, изобретение автора. Диптих «Мэрилин» стал культовым. Он был продан за 80 миллионов долларов и сейчас находится в британской галерее Tate.

2

 Банки супа «Кэмпбелл» (1962)

Вслед за знаменитым диптихом «Мэрилин», Уорхол создал знаковую работу на тему еды со странным названием «Супы Кэмпбел». Прежде всего, Уорхол предложил зрителю задуматься о безликости обычных товаров массового потребления. Эта новая идея получила название «поп-арт». Она твердит, что абсолютно любой предмет может стать предметом искусства, понятным для каждого человека.

Изображения банок с томатным рисовым супом (Энди Уорхол его обожал), стали «штамповаться» в больших количествах. Всего создано 32 шелкографии (51×41 см). Самый дорогой вариант банки с открывалкой ушёл за 24 миллиона долларов сразу после смерти метра поп-арта. При жизни Энди Уорхол продавал эти картины по сотне долларов за штуку. Тогда он и представить не мог, насколько изображение обычного супа будет популярным и востребованным.

3

 200 однодолларовых купюр (1962)

Этот знаменитый денежный дождь на холсте был символом большой любви к деньгам. Да кто их не любит? Энди Уорхол изображал всё, что обожал или любил. Художник переводил на кальку купюры номиналом в 1–2 доллара и затем использовал их для печати на холсте. В 2009 году эта картина ушла с аукциона за рекордно большую сумму. Изначальная стоимость лота была объявлена в размере 12 миллионов, а картину продали за $43,7 млн. В своё время Энди был абсолютно прав, когда сказал, что искусство — это прибыль, и оно отлично продаётся.

Кстати, на нашем сайте most-beauty.ru есть интересная статья о самых красивых банкнотах в мире.

4

 Восемь Элвисов (1963)

Кому-то может показаться, что картина изображает лишь многократное фотографическое изображение знаменитого певца. Но редакция most-beauty обращает ваше внимание на то, что в этой картине есть тонкий философский подтекст. Каждый образ Элвиса — это отпечаток, и каждый последующий такой отпечаток накладывался на предыдущий. Постепенно они наслаиваются и собираются в правой части картины. Все знают, что жизнь Элвиса Пресли, культового певца, оборвалась в самом расцвете лет от употребления наркотиков. Эта картина — размышление о страхе смерти, образе жизни, славе и забвении даже самых выдающихся современников. Для картины Уорхол взял кадр из фильма, в котором снимался молодой певец. Первоначальный вариант картины предполагал 16 изображений, но Энди Уорхол оставил лишь 8, создав параллельно двойного и тройного Элвиса. В 2009 году «Восемь Элвисов» ушли к тайному покупателю за $100 млн.

5

 Бирюзовая Мэрилин (1964)

От Энди Уорхола не ускользнула ни одна значимая звезда современности. Мэрилин Монро — это символ женственности и красоты всех времён и народов. Энди тиражировал ее изображение много раз, но одним из удачных изображений является «Бирюзовая Мэрилин». Ярко-жёлтые волосы, томный взгляд, бирюзовые тени, приоткрытый рот, яркая помада на губах, призывная родинка на лице — желанный образ женщины-богини для большинства мужчин. Сегодня эта картина воспринимается совсем иначе, чем в конце 1960-х, так как современный зритель знает, какой сложной была творческая и личная жизнь актрисы, сколько душевных мук она испытывала, и каким трагическим был её конец. Этот образ окрестили своеобразной Джокондой XX века. В 2007 году этот портрет ушёл за $80 млн.

Читайте также: Самые красивые актрисы мира всех времен.

6

 Банан (1967)

Картина «Банан» стал одним из самых расхожих образов в мировой торговле. Ярко-жёлтый банан, с характерными изменениями на кожуре, словно был только что оторван от спелой банановой грозди. Этот образ можно встретить на майках, брелоках, чашках и других предметах быта. Его часто используют в своих работах фотографы и художники.

В 1967 году Уорхол продюсировал группу Velvet Underground, и решил им помочь в оформлении первого альбома. Группа пользовалась скандальной славой из-за своего репертуара. Поначалу банан был приклеен поверх ещё одного, очищенного и с явным намеком в сопроводительном тексте «Медленно сними кожуру и смотри». Этот скандальный символ стал самым узнаваемым не только среди музыкальных дисков. В этом весь Энди Уорхол. Из простого предмета он создал эпический символ, закрепив за ним особый подтекст.

Читайте также: ТОП-10 малоизвестных и немного шокирующих фактов о бананах

7

 Мао (1973)

Энди Уорхол изображал известные личности всего мира. От Елизаветы II до Ленина. Он обожал изображать политиков, в том числе и Мао Цзедуна. Одно и то же изображение Мао растиражировано в различных цветах. «Красный Мао» ушёл с молотка за 12 млн долларов анонимному азиатскому покупателю.

8

 Пистолет (1981-1982)

Лето 1968 года для Энди Уорхола выдалось непростым. Валери Соланас, его бывшая коллега, трижды выстрелила ему в живот из пистолета. Клиническая смерть, множество тяжёлых операций не сломило художника. К тому же, он не дал показания против человека, который его чуть не уложил в могилу. Этот случай наложил сильный отпечаток как на дальнейшую жизнь, так и на всё творчество Уорхола. Через четырнадцать лет было создано полотно «Пистолет», изображавшее копию того самого пистолета. Возможно, таким образом, художник пытался избавиться от страха смерти.

9

 Зебра (1983)

Картина «Зебра» входит в цикл шелкографий под названием «Вымирающие виды». Эту серию художнику заказали защитники животного мира. Существует альтернативное название этой серии — «Животные в гриме». Серия изображает 10 самых редких и исчезающих животных планеты: зебру Греви, орангутанга, амурского тигра, чёрного носорога и других животных.

Зритель видит перед собой развёрнутую голову зебры. Техника исполнения — шелкография. Тонкие красно-сине-желто-белые линии, переплетаясь создают изящный образ зебры. Картина очень динамичная, яркая и сразу привлекает к себе внимание. Можно часами рассматривать изящный узор переплетающихся линий.

10

 Красный Ленин (1987)

Знаменитая икона поп-арта. Не удивительно, что Энди Уорхол обратил свой взор на лидера русской революции, который перевернул жизнь самой огромной страны на планете. Это одна из последних картин художника. Автор очень точно подметил черты характера Ленина, выбрав именно этот образ: Ленин ещё молод, его взгляд строг, губы решительно сжаты, его можно сравнить с хищником перед броском. Лик изображён на огненно-красном фоне, как символе кровавой и беспощадной революции. Это некий штамп, икона, которая 70 лет смотрела со стен и страниц учебников когда-то великой страны СССР.

По иронии судьбы картина принадлежала одиозному и опальному российскому олигарху — Борису Березовскому. Перед смертью он продал её за 200 тыс. долларов. Ещё один вариант картины «Чёрный Ленин» был продан за 110 тысяч долларов неизвестному покупателю.

Послесловие

Энди Уорхол — великий творец, который использовал в своём творчестве философский подтекст. Он всегда приглашал зрителя подумать о жизни людей, о бытие и смерти, подчёркивал тонкую грань между популярностью и забвением.

Это были лишь некоторые самые известные картины Энди Уорхола. Ниже мы решили добавить ещё несколько из множества его работ:

Зелёные бутылки кока-колы (1962)

Расовые беспорядки (1964)

Застреленные Мэрилин (1964)

Обои с коровой (1966)

Большой электрический стул (1967)

Мона Лиза (1978)

После вечеринки (1979)

Оранжевый принц (1984)

Королевство королев (1985)

Тайная вечеря (1986)

Серия окисленных картин

На этом пока всё! Спасибо за внимание. Редакция Most-Beauty ждёт от вас комментариев о вашем отношении к творчеству Энди Уорхола.

Энди Уорхол как культурное явление: нелогичный успех или феномен поп-арта

Приветствую вас, друзья и ценители искусства!

Сегодня я хочу поговорить с вами об Энди Уорхоле — культовом художнике столь же великом, сколь и неоднозначном. Это имя слышали многие. Еще бы — это же мастодонт поп-арта! Но чем он знаменит?

Что сделал такого, что спустя 30 лет после смерти его все еще превозносят его поклонники, а завистники, наоборот, пытаются втоптать память о нём в грязь? Давайте разбираться с феноменом Энди Уорхола!

 «Я — это именно то, что говорит обо мне моя коллекция газетных вырезок»

 Для большинства людей искусства он — противоречивый пример. Но для кого-то — пример подражания, а для кого-то — пример того, как не нужно делать. Взять только такое противоречие: Уорхол более всего известен, как художник, при этом из сотен тысяч его работ лишь единицы нарисованы лично им от руки. Кстати, а задумывались ли вы, как живут, чем дышат эти современные художники? Кто они и зачем нужны, читайте сами, уверена, вам будет интересно узнать «о людях не из мира сего»

Зато он сделал невероятно популярными трафареты и коллажи. Собственно, с их помощью и были созданы многие известные и популярные картины художника-феномена. А еще именно Энди Уорхол превратил закрытое и уединенное искусство живописи в открытую вечеринку.

Но обо всем по порядку… о поп — творчестве и популярных высказываниях по этому поводу….

 Будущий гений родился в беднейшей семье американских иммигрантов-русинов (восточнославянское население в Европе), на территории современной Словакии 6 августа 1928 года. Мальчика назвали Андрей Вархола. Он был четвертым ребенком в семье, ходил в обносках, был болезненным и совершенно не ладил с окружающими.

Вдобавок ко всему в 3 классе Андрей переболел скарлатиной, которая осложнилась хореей Сиденгама, или «пляской святого Витта» — болезнь, из-за которой ребенок часть  своего детства оказался прикованным к постели, а затем стал причиной насмешек сверстников. В итоге, у будущего гения и звезды поп-арта в детстве практически не было друзей.

Энди Уорхол — личность незаурядная

 Однако именно плохое здоровье и прикованность к постели выявили у маленького Андрея тягу к искусству. Он собирал фото звезд, делал из них коллажи, рисовал картины на простые темы: брелоки от ключей, пачки сигарет.

Наверное вы знаете, что коллаж и краски на холсте применяются в работах различных смешаных техник… От этого, многие работы получаются достаточно интересными и смотрятся достойно

В таких условиях сформировался его вкус, но вместе с ним развились мнительность, страх больниц и смерти. Но главное — юный гений точно знал, что он хочет стать художником и создавать произведения, равных которым не было и не будет.   

«Вы должны уметь находиться в одиночестве, ведь именно так в человеке развиваются особые черты, делающие его интересным»

В 1949 году Энди стал бакалавром графического дизайна и уехал в Нью-Йорк, где взялся за рекламное оформление витрин, открыток, плакатов. Тогда же он изменил фамилию на американский манер: Вархола — Уорхол.

 Его рекламные проекты сильно отличались от других. Например, специально посаженные кляксы на рекламе обуви «И. Миллер» принесли художнику выгодные контракты. Это казалось парадоксом: художник словно намерено испортил изображение нелепыми кляксами, но именно это привлекло внимание к работе.

И как мы увидим, в дальнейшем  творческий успех Уорхола во многом был результатом таких парадоксов, которых даже допустить не могли художники, мыслившие более традиционно
 

«Как только перестаешь чего-то хотеть, оно само идет в руки. Мой опыт доказывает — это абсолютная аксиома»

Баночные мотивы стали произведениями вышедшими за рамки классическтго искусства

 Позже появилась знаменитое многоцветное оформление банки Coca—Cola, и креативные  картины с ней. Затем была реклама супов Campbell’s, и в дальнейшем творчестве Энди Уорхол часто использует эти «баночные» мотивы.

 Главное ноу-хау в произведениях Энди Уорхола — использование трафаретов. Он экспериментировал с камерой-обскурой, обводил проекции реальных объектов и фотографий на холсте, а затем придумал свой собственный, достаточно сложный способ написания картин: накладывал диапозитив на смоченную фотоэмульсией нейлоновую сетку.

Когда лишнее смывалось, оставалась пленка, которая использовалась как печатная форма. Ее можно было применять сотни раз!

 Именно так появилась повторяющаяся Мэрилин Монро в ярких цветах — Энди не побоялся сделать портрет дивы с помощью своей техники, и очередным нарушением правил поднялся ещё на одну ступеньку ближе к вершине славы.

Пожалуй, это одна из самых растиражированных работ Энди Уорхола. Как говориться, у творческой фантазии нет границ….

Многоцветная Мэрилин Монро до сих пор популярна и покупаемая

 В 1963 Энди создал знаменитую «Фабрику» — выкупил дом на Манхэттене и превратил его в свою студию. И она была полностью открыта для посещений. Никакой тайны живописи, которую свято хранили мастера, никаких секретных приёмов и техник, только совместное творчество, общение и обмен опытом.

Это помогло Уорхолу не только стать проповедником нового стиля, но и превратиться в публичную личность и найти новых заказчиков с большими деньгами. Опять шаг вразрез с устоявшейся практикой, и опять успех…
 

«Создание денег — это искусство, работа — это тоже искусство, а хороший бизнес — это лучшее искусство»  

Среди своих работ, набросков и красок  феноменальный художник проводил вечеринки, которые постоянно светились в СМИ. Энди стал узнаваемой и публичной личностью.

 Подход к искусству у художника постоянно менялся. Например, одна из выставок состояла из сотен упаковок и коробок: из-под яиц, стиральных порошков, шоколадок,  бутылок кетчупа… Это был эпатаж чистой воды, но на него слетались, как мотыльки на лампу, представители богемы всех мастей.

И здесь остаться безызвестным в принципе было уже нельзя.

 А затем появилось массовое производство. Пожалуй, это главный парадокс, из которого Уорхол смог извлечь имиджевый и финансовый успех. Ведь известно, что произведение искусства может творить только мастер, талантливый, опытный, хорошо обученный.

А тем не менее, с помощью своей методики создания трафаретов, наняв рабочих, новатор начал выпускать по 80 репродукций в день руками людей, мало что смысливших в самом искусстве!

« Иногда что-то кажется красивым просто потому, что немного отличается от окружающих предметов»

До 1980 года использовались только фото из СМИ, а потом появились заготовки Полароидом. Эти кадры сортировались, лучший увеличивался и превращался в трафарет для картин Энди Улохола. Он сам делал главный вариант, а копии выполняли помощники.

Так появился бизнес-арт — искусство, в котором идею творил мастер, а воплощали их в жизнь простые ремесленники.

 Далее, Уорхол первым заявил, что «звезды» должны выглядеть на картинах без изъянов. Он активно использовал ретушь: убирал двойные подбородки, морщины, изьяны на коже, увеличивал глаза и губы… Опять же, это шло вразрез с негласными правилами искусства — на холсте нужно изображать то, что видишь или чувствуешь, а не то, что хочет видеть заказчик.  

« Красота сильно зависит от того, как она подана. Когда созерцаешь «красоту», все имеет значение: где это происходит, во что человек одет, кто находится рядом с ним, из какого именно помещения он спускается вниз по лестнице» 

Но Энди в очередной раз доказал, что правила — на то и правила, чтобы их нарушать и делать на таких нарушениях деньги. Его подход к ретуши обожали многие известные  знаменитости: Бриджит Бардо, Джон Леннон, Лайза Минелли, Мик Джаггер.

Картины со знаменитостями

И эта своеобразная лесть в портретах позволила Уорхолу стать одним из самых востребованных художников своего времени и выстроила к нему целую очередь из заказов.

 Это интересно:  Портрет Бриджит Бордо, написанный Уорхолом в 1974 году по заказу мужа актрисы, был продан на аукционе в Лондоне из коллекции бывшего мужа миллионера после его смерти в 2011 году за … 3 миллиона фунтов стерлингов! (Фото сверху слева)

Кстати, знаете ли вы, что многие известные мировые актеры рисуют?  У многих, оказывается, помимо актерского мастерства, скрыто и другое мастерство — мастерство художника! Может, в вас тоже спрятан такой дар, о котором вы не подозреваете? Попробуйте мои авторские Мастер-классы и узнайте, есть ли у вас природное притяжение к творчеству

 Как-то Энди сказал, что просто делает то, что ему нравится. И хотя странные работы вызывают возмущение или недоумение, они также вызывают и бурю эмоций!

 Хочу закончить свой маленький рассказ об Энди Уорхоле его же цитатой:

 «Художник — это человек, создающий то, в чем у людей нет необходимости, но — по какой-то причине — как он считает, это следует им дать. » 

Возможно, именно в этой фразе кроется вся суть отношения Уорхола к искусству. Как вы думаете, он прав?

Видео для размышления: Зачем нам нужны картины? 

Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в паутине интернета, сохраните ее в закладках. Так вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

Картины Энди Уорхола

Картины Энди Уорхола

В 1960-х годах Уорхол начал свой самый продуктивный период как художник. Он уже начал делать себе имя в мире коммерческого искусства, но хотел также прослыть прекрасным художником. Он начал преобразовывать темы рекламы в масштабные графические полотна. Для создания своих масштабных графических полотен Уорхол проецировал увеличенное изображение на полотно, висевшее на стене. Впоследствии он работал от руки, без карандаша, создавая живописный результат. Чтобы развить свою нишу в живописи, его друзья предложили ему рисовать то, что он любил больше всего. Результатом стал культовый Банки с супом Кэмпбелл, 1962 . Уорхол сказал о супе Кэмпбелл: «Раньше я пил его. У меня был один и тот же обед каждый день, наверное, в течение 20 лет, одно и то же снова и снова». Хотя работы напоминают массовую рекламу, они были написаны путем проецирования изображений на холст, а затем нанесены по трафарету. Таким образом Уорхол удаляет следы рук художника.

Биография Энди Уорхола

Американский художник и кинорежиссер Энди Уорхол родился Эндрю Уорхола в 1928 году. В течение многих лет существовала некоторая путаница в отношении того, где и когда родился Энди Уорхол, но, согласно двум старшим братьям Энди и свидетельству о рождении, которое было подано в Питтсбурге в 1945 году, он родился 6 августа в Питтсбурге. Неизвестно, родился он в этот день или нет, но именно в этот день он будет отмечать свой день рождения. Однако нет сомнений, что он умер в 6:31 утра. Воскресенье, 22 февраля 1987 года, в больнице Нью-Йорка после операции на желчном пузыре. Он считается основателем и крупной фигурой движения POP ART. Выпускник Технологического института Карнеги в 19В 49 лет он переехал в Нью-Йорк и добился успеха в качестве коммерческого художника. Он получил свой первый прорыв в августе 1949 года, когда журнал Glamour попросил его проиллюстрировать репортаж под названием «Успех — это работа в Нью-Йорке». Но случайно в титрах было написано «Рисунки Энди Уорхола», и именно поэтому Энди опустил букву «а» в своей фамилии. Он продолжал делать рекламу и иллюстрировать, и к 1955 году он стал самым успешным коммерческим художником Нью-Йорка, которому подражали. В 1960 году он создал первую из своих картин, изображающих увеличенные изображения комиксов, такие как Попай и Супермен, первоначально для использования в витрине.

Уорхол был пионером в разработке процесса, при котором увеличенное фотографическое изображение переносится на трафаретную печать, которая затем помещается на холст и окрашивается тушью с обратной стороны. Каждая шелкография Уорхола использовала эту технику, которая позволила ему создать серию изображений для СМИ — повторяющихся, но с небольшими вариациями — которые он начал в 1962 году. — Бутылки колы и лица знаменитостей можно рассматривать как комментарии к банальности, резкости и двусмысленности американской культуры.

Позже, в 1960-х годах, Уорхол снял серию экспериментальных фильмов, посвященных таким идеям, как время, скука и повторение; в их число входят « Сон» (1963), « Империя» (1964) и «Девочки из Челси» (1966). В 1965 году он начал работать с рок-группой The Velvet Underground, созданной Лу Ридом и Джоном Кейлом. Энди познакомил их с моделью и кинозвездой Нико, и она спела на их дебютном альбоме 1967 года «The Velvet Underground and Nico». Энди путешествовал по стране не только с The Velvets, но и с суперзвездой года Эди Седжвик и световым шоу The Exploding Plastic Inevitable.

3 июня 1968 года Валери Соланис, отвергнутая суперзвезда, пришла на Фабрику и трижды выстрелила Энди в грудь. Его срочно доставили в больницу, где констатировали смерть, но после вскрытия грудной клетки и массажа сердца он выжил. Валери Соланис сдалась той ночью и была помещена в психиатрическую больницу. Позже она была приговорена к трем годам тюремного заключения. После выздоровления Энди Уорхол продолжал работать. Он основал журнал inter/VIEW в 1969 году (в 1919 году они изменили название на Interview).71), опубликовал книгу «Философия Энди Уорхола: от А к Б и обратно» в 1975 году и продолжал писать портреты до своей смерти в 1987 году.

Если вам нравятся гравюры Энди Уорхола, вас также могут заинтересовать современные литографии Колдера.

ЖИВОПИСЬ УОРХОЛА

В 1960-х годах Уорхол начал свой самый продуктивный период как художник. Он уже начал делать себе имя в мире коммерческого искусства, но хотел также прослыть прекрасным художником. Он начал преобразовывать темы рекламы в масштабные графические полотна. Для создания своих масштабных графических полотен Уорхол проецировал увеличенное изображение на полотно, висевшее на стене. Впоследствии он работал от руки, без карандаша, создавая живописный результат. Чтобы развить свою нишу в живописи, его друзья предложили ему рисовать то, что он любил больше всего. Результатом стала культовая Банки с супом Кэмпбелл, 1962 . Уорхол сказал о супе Кэмпбелл: «Раньше я пил его. У меня был один и тот же обед каждый день, наверное, в течение 20 лет, одно и то же снова и снова». Хотя работы напоминают массовую рекламу, они были написаны путем проецирования изображений на холст, а затем нанесены по трафарету. Таким образом, Уорхол удаляет следы рук художника.<

ФОТОГРАФИЯ УОРХОЛА

Хотя Уорхол больше всего известен своими шелкографиями и картинами, позднее в жизни Уорхол стал страстным фотографом. Он всегда носил с собой камеру, снимая все, от личных друзей до знаковых знаменитостей. Фотографии свидетельствовали о его апатии к социальной иерархии, а также варьировались от черно-белых 35-миллиметровых портретов до снимков Polaroid. Он подходил к фотографии двумя способами. В одном случае он создал более 500 «сшитых» фотографий, на которых идентичные изображения сшиты вместе в виде сетки. Это было явной демонстрацией его интереса к повторяющимся изображениям. В другом случае он выбирал только одну фотографию из набора для печати. Необычность этих работ свидетельствует о четком отделении от типичных для Уорхола тем массового производства и повторения. Таким образом, фотография предоставила Уорхолу возможность продемонстрировать как свое личное «я», так и свою публичную художественную идентичность.

WARHOL SCREEN PRINTS

О своих шелкографиях Уорхол сказал: «Причина, по которой я рисую таким образом, заключается в том, что я хочу быть машиной, и я чувствую, что все, что я делаю и делаю как машина, это то, что я хочу делать. ». Действительно, машинная точность и мимика неоднократно появляются в работах этого медиума. Процесс трафаретной печати был разновидностью трафаретной печати. У Уорхола был отлаженный процесс производства трафаретных отпечатков. Сначала он наложил фотографию на сетку шелкографии. После этого он провел по сетке покрытым чернилами ракелем. Чернила проходили через сетку и отпечатывали изображение на холсте под ним. Выбор чернил зависел от предполагаемого состава конечного продукта. Уорхол мог применять несколько цветов для создания эффекта наслоения, поэтому каждый раз можно было создавать разные цветовые композиции. Он использовал различные холсты и бумагу. Самые известные трафаретные печати Уорхола включают его культовое портфолио Мэрилин Монро: Мэрилин Монро (Мэрилин), 1967 г. и Элизабет Тейлор (Разноцветная Лиз), 1963 г. Производя искусство систематическим способом, подобным сборочному конвейеру, Уорхол создал серию или портфолио своих любимых знаменитостей. Даже сегодня эти широко узнаваемые образы служат маяком популярной культуры.

Диапазон Уорхола как художника, безусловно, проявляется в его скульптурах и инсталляциях. Как и в других его работах, его скульптуры воспроизводили коммерческие символы и идеологии. Из этого средства наиболее известными были серии «продуктовых коробок», которые копировали банки Heinz Ketchup и томатного сока Campbell. Его самая известная скульптура из этой серии, вероятно, его Коробки Brillo, 1964 год. Как следует из названия, Уорхол наносил шелкографией логотипы потребительских товаров на фанерные коробки. Получившийся внешний вид был идентичен коробкам с логотипом, которые часто можно увидеть в супермаркетах. Эти скульптуры были впервые выставлены в галерее Stable в 1964 году и поставили под сомнение то, что можно считать изобразительным искусством. Когда его спросили об этих коробках, Уорхол сказал, что «хотел что-то обычное». В целом, его скульптурные работы были сосредоточены на излюбленной идее Уорхола о коммерциализации.

Просмотрите онлайн-каталог резюме Энди Уорхола.

© Художественная галерея Masterworks. Все права защищены. Политика конфиденциальности. Наша галерея находится в Пало-Альто Силиконовой долины, Сан-Франциско, Bay Area, Калифорния, США.

Распутывание Энди Уорхола | Житель Нью-Йорка

Жизнь Энди Уорхола задокументирована лучше, чем жизнь любого другого художника в мировой истории. Это потому, что каждые несколько дней или около того он сметал все вещи на своем столе в ящик для хранения, ставил дату, маркировал их «TC» — сокращение от «капсула времени» — и затем сохранял это вместе со всеми предыдущими TC. , в специальном месте в его мастерской. В результате у нас есть его корешки от билетов в кино, его газетные вырезки, его ковбойские сапоги, его парики, его коллекция слепков зубов, его коллекция порнографии, бесчисленные полароидные снимки людей на бесчисленных вечеринках, на которые он ходил… вы называете это. У нас есть копии счетов, которые он отправлял, а также счетов, которые он получал от все более раздражающихся кредиторов, включая один (« PAY UP YOU BLOWHARD ») от Джузеппе Росси, врача, который в 1968 году спас ему жизнь после того, как женщина, которая считала, что ее недостаточно снимали в его фильмах, однажды пришла в его студию и застрелила его. В одной коробке, я слышал, есть еще и кусочек торта, на тарелке. Он хранил не только материальные предметы. Когда это было возможно, он записывал свои телефонные разговоры, а иногда ассистент печатал их. Он верил в силу банальности. Эта вера была источником картин в стиле поп-арт — консервных банок с супом «Кэмпбелл», картонных коробок «Брилло», — которые сделали его знаменитым в 1960-х и изменили вкус Америки в искусстве.

После смерти Уорхола, в 1987 году, в его родном городе Питтсбурге был основан музей, посвященный его творчеству. Капсулы времени — их шестьсот десять — были доставлены туда и выстроены на металлических полках, готовые для человека, который переработает их содержимое в богатую биографию. Семь лет назад появился он: Блейк Гопник, бывший ведущий арт-критик Washington Post . (Его брат, Адам, пишет для этого журнала.) Гопник фантастически дотошен; книга состоит из девятисот страниц, не считая семи тысяч сносок, доступных в электронной версии или в Интернете. Но вы не унывайте, ведь гопник — яркий летописец. Вот небольшой отрывок из его описания работы доктора Росси по ремонту внутренностей Уорхола после 19-го века.68 стрельба. Хирург обнаружил

два отверстия в дуге мышцы диафрагмы, пробитые справа и слева, когда пуля прошла сквозь тело Уорхола; пищевод оторван от желудка, так что пища и желудочная кислота высыпались снизу; печень, чья левая доля была раздавлена ​​и кровоточила, и селезенка, полностью разрушенная и излившая больше крови, чем любой другой орган. [] Пуля также проделала рваную дыру в кишечнике Уорхола, выпустив фекалии и повысив вероятность смертельной инфекции.

Читая это, я чувствовал себя так, как будто мне самому делают операцию.

Уорхол родился в Питтсбурге в 1928 году. Он был младшим из трех сыновей Андрея и Юлии Уорхолы, иммигрировавших в Соединенные Штаты из небольшой деревни на территории современной Словакии. Горожане были карпато-русинами, славянским народом, а семья была византийской католической. (Во взрослом возрасте Уорхол время от времени ходил на мессу. «Церковь — это веселое место», — сказал он.) Славяне пользовались большим спросом в Питтсбурге с его сталелитейными заводами, потому что они, по общему мнению, были готовы выполнять любую работу. , при любой зарплате. В результате они также были самой недооцененной этнической группой в городе. Андрей был разнорабочим; Юля домашняя. Когда ей не хватало работы, она ходила от двери к двери, часто с сыновьями на буксире, продавая декоративные цветы, сделанные из консервных банок из-под персиков. Андрей умер в 1942. Два старших мальчика бросили школу и устроились на постоянную работу. Энди остался в школе. Большую часть своей юности его баловала семья. Когда Уорхолы приобрели новую камеру Baby Brownie Special (1,25 доллара), он сразу же взял ее в руки и больше не отпускал. Его братья построили ему фотолабораторию в подвале. Кроме того, он влюбился в кино; он сказал, что хочет зарабатывать на жизнь показом фильмов. Это был необычный жизненный план для мальчика его происхождения, но Джулия сэкономила девять долларов — заработок за девять дней от уборки дома — на покупку ему проектора. Он показывал мультфильмы о Микки Маусе на стене в квартире.

Уорхол любил называть себя самоучкой, что было широко распространено. На самом деле, он учился в превосходном художественном колледже, Технологическом институте Карнеги, где ряд его учителей признали его талант и сохранили работы, которые он им отдал, как редкую дань уважения. В ту минуту, когда он вышел из школы, в 1949 году, он упаковал свои вещи в бумажный пакет и сел на ночную борзую, направляющуюся в Нью-Йорк. Ему было двадцать.

Уорхол жил в нескольких кишащих тараканами субарендах, обычно в акциях, пытаясь пробиться в коммерческую иллюстрацию. Однажды, когда он показывал образцы своей работы главному редактору Harper’s Bazaar , к его ужасу, из его портфеля выползло насекомое. Редактор так пожалела его, что дала ему задание. Уорхол не стеснялся. В Музее современного искусства он подошел к сотруднику и предложил ему разработать рождественские открытки для сувенирного магазина. (Он получил работу. ) Друг вспомнил, как видел его в книжном магазине, когда он просматривал полки с пластинками, чтобы узнать, какие лейблы выпускают самые интересные обложки. Потом он пошел домой и обзвонил арт-директоров. «Он был похож на маленький чешский танк», — сказал другой друг.

Многие люди, встречавшиеся с ним в те годы и позже, находили его странным — «странным маленьким ублюдком», по словам одного из них. Он был беззастенчивым гомосексуалистом, а в начале пятидесятых это было достаточно странно. Он любил рисовать обнаженных мальчиков, их соски и промежности были усеяны маленькими сердечками, похожими на нежные поцелуи. Если бы он встретил мужчину, который ему понравился, он мог бы сказать, что любит фотографировать пенисы, и не будет ли этот мужчина против? «Нет, конечно, нет», — ответил один хладнокровный британский куратор. — Для чего ты собираешься их использовать? «О, я еще не знаю, — сказал Уорхол. — Я просто фотографирую. Мужчина расстегнул молнию.

Через три года после того, как Уорхол приехал в Нью-Йорк, на пороге его дома появилась его мать. Она объяснила одному из его друзей: «Я прихожу сюда, чтобы позаботиться о моем Энди, и когда он в порядке, я иду домой». Она прожила почти двадцать лет. В доме была большая вонючая коллекция сиамских кошек. Сообщается, что в какой-то момент их было семнадцать, в основном по имени Сэм. (Но Джулия, указывая пальцем, могла бы представить их по отдельности: «Это хороший Сэм, это плохой Сэм, это тупой Сэм…»). ее своим друзьям. С другой стороны, один бойфренд сказал, что, по его мнению, Уорхол был благодарен за ее присутствие, потому что это давало ему предлог не заниматься сексом. Он объяснял своему гостю, что не хочет шуметь в спальне, пока его мать находится в пределах слышимости.

Карикатура Джека Зиглера

Уорхол утверждал, что был девственником до двадцати пяти лет, и некоторые люди сказали бы, что это неудивительно. Всю жизнь его мучила его внешность. У него была ужасная кожа, не только прыщи, но и нарушение распределения пигмента, так что его цвет лица был то светлее, то темнее. У него также был выпуклый нос, или он так думал, и ему сделали операцию на носу. К тому времени, когда ему было за тридцать, он потерял большую часть своих волос. После этого каждое утро он приклеивал парик к своей голове. Его самым знаменитым париком был серебряный, который он обычно носил с бахромой каштановых волос, выглядывающей из-под шеи. Эти трудности не предвещали ничего плохого для его сексуальной жизни, и многие говорили, что он паршив в постели. По словам друга, он считал секс «грязным и неприятным». Он делал это с тобой раз или два, и все. Гопник, как и его практика, также приводит конкурирующие доказательства: «Через несколько лет Уорхолу сделали операцию по поводу анальных бородавок и разрыва, а десятилетие спустя он принимал пенициллин от венерического заболевания». Друг и соратник Уорхола Тейлор Мид сказал, что Уорхол «веет как сумасшедший».

Уорхол лгал постоянно, почти для развлечения. Он солгал о своем возрасте даже врачу. Он рассказал Who’s Who , что родился в Кливленде, в семье «фон Уорхол». (Вскоре после прибытия в Нью-Йорк он сменил Уорхолу на Уорхола.) Он изобрел нежный шепот, в который потом мог бросить маленькую гранату. Если кто-то спрашивал, как он себя чувствует, он мог сказать: «Я в порядке», а затем, подойдя ближе, добавлял: «Но у меня диарея». Некоторые считали его глупым. Не те, кто хорошо его знал. «Уорхол только прикидывается тупицей, — сказал друг. «Он невероятно аналитический, интеллектуальный и проницательный».

Его коммерческой специализацией были рисунки для рекламы женской одежды, прежде всего обуви. В 1955 году высококлассный сапожник И. Миллер заключила с ним контракт на работу как минимум на двенадцать тысяч долларов в год, большие деньги по тем временам. Он также занимался оформлением витрин, особенно для Бонвита Теллера. Но он уже смотрел дальше этого: он хотел быть галерейным художником. Учителя и одноклассники из Технологического института Карнеги предоставили некоторые связи, а гей-сообщество Манхэттена предоставило больше. Было у него и несколько особенных крестных отцов, привлеченных к нему, кажется, его обаянием (не все считали его жутким) и его драйвом. Возможно, его самым важным проводником был Эмиль де Антонио, агент художников, который знакомил его со всеми; он знал Джона Кейджа, которого уважал Уорхол, и многих коллекционеров. («Я устроил небольшую вечеринку для одной ужасно богатой женщины, которую знал, — вспоминал де Антонио, — и подал только марихуану и Дом Периньон, а Энди составил красивое меню по-французски».) Другим полезным человеком был Иван Карп, директор в галерее Лео Кастелли, самом престижном арт-рынке Манхэттена. Через Карпа Уорхол в конце концов познакомился с Генри Гельдзалером, ассистентом куратора в Метрополитен-музее, чья работа заключалась в том, чтобы выяснять, кто такие новые популярные художники, и рассказывать об этом кураторам.

В пятидесятые годы в Соединенных Штатах уже был карман концептуального искусства, но звездными художниками были абстрактные экспрессионисты, прежде всего Джексон Поллок и Виллем де Кунинг, с их натужными мазками и импасто. За Ab Exes шли молодые Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс, отчасти концептуальные, отчасти живописные, переходящие в «поп», стиль, в котором использовались образы массовой культуры — комиксы, фильмы, реклама — и применялся легкий, игривый стиль. тон, полная противоположность тяжелой работе абстрактных экспрессионистов. Уорхола тоже интересовали эти популярные темы и манеры, и его раздражало, что другие люди, по его мнению, опережали его. Согласно известному рассказу, однажды ночью он пожаловался на это друзьям и спросил, может ли кто-нибудь придумать образы поп-культуры, которые никто другой не использовал. Декоратор по имени Мюриэль Латоу сказала, что у нее есть предложение, но она хочет пятьдесят долларов вперед, прежде чем объявить его. Невозмутимый Уорхол сел и выписал чек. Затем Латоу сказал: «Вы должны найти что-то, что будет узнаваемо почти всеми. . . что-то вроде банки супа Кэмпбелл».

Гопники называют это «моментом эврики» Уорхола, и для изощренности книги типично то, что решающую, зародышевую идею поп-арта Уорхола следует без извинений приписывать кому-то другому, а не Уорхолу. Часто художники, которых хвалят за рождение новой тенденции, являются не ее создателями, а теми, кто сделал ее привлекательной для широкой публики. У Уорхола было столько же последнего дара, сколько и первого; Гопники называют его «Великая Губка». В любом случае, на следующий день после того, как Латоу поделилась с ним своей маленькой мозговой бомбой, Уорхол (или его мать, по другой версии) пошел в супермаркет «Финаст» через дорогу и вернулся домой с одной банкой супа Кэмпбелл всех видов, которые там продаются. К следующему году 19В 62 году он выпустил «Банки с супом Кэмпбелл», монтаж всех тридцати двух разновидностей. Сегодня эта картина висит в Музее современного искусства — «Обнаженная, спускающаяся по лестнице» движения поп-музыки, по словам Генри Гельдцалера. Это и пощечина, и великая радость: такая свежая, такая дерзкая, такая красно-белая, такая уверенная, что она покрыла все виды супов в мире, от перцового горшочка до шотландского бульона.

В быстрой последовательности за «Супами Кэмпбелл» последовали другие ныне известные поп-картины Уорхола: «Зеленые бутылки кока-колы» (1962), «192 однодолларовых банкноты» (1962), «Коробка мыльных подушечек Brillo» (1964), Мэрилин Монро и Элизабет Тейлорс, Марлон Брандос и Элвисы. Для некоторых вы можете легко построить фоновое повествование. «Мэрилин Диптих», состоящий из пятидесяти шелковых экранов с изображением Монро, переходящих от ярких цветов к призрачным черно-белым, был выставлен сразу после ее смерти. Но я не вижу никакой истории, скрывающейся за Лиз Тейлор или Элвисами, или, если уж на то пошло, за панелями двадцати четырех статуй Свободы (1962) или тридцати Мона Лиз (1963). Все эти дамы, не говоря уже об Элвисе и Брандо, были звездами, а Уорхол с детства и до самой смерти был очарован знаменитостью.

Вскоре он сам стал знаменитостью, пусть и необычной. Когда ему было за тридцать, он прославился в телеинтервью тем, что прикладывал два пальца к губам и произносил что-то вроде «э-э» или «гм», но не более того, пока работали камеры. (Вы можете увидеть это на YouTube. Смотреть неприятно.) Для интервью в прямом эфире он часто брал с собой Джерарда Малангу, который работал с ним, и говорил: «Почему бы вам не задать несколько вопросов моему помощнику Джерри Маланге? Он написал много моих картин». В этом была доля правды. Из перечисленных выше работ все, кроме 1962 «Банки с супом Кэмпбелл» представляли собой трафаретную печать, обычно основанную на фотографиях, сделанных кем-то другим и сделанных Малангой с ракелем. С 1963 по 1972 год — период, когда он создавал большую часть своего поп-арта — Уорхол не создавал рисованных работ.

Параллельно иконоборчеству Уорхола по поводу авторства было известное хладнокровие по отношению к его героям. «Для художника с репутацией подлизывающегося к звездам, — пишет Гопник, — Уорхол обладал пожизненной способностью создавать искусство, подчеркивающее их недостатки и пустоту». Вероятно, самые важные дискуссии о творчестве Уорхола — это книги и эссе, которые философ Артур Данто писал о нем с середины шестидесятых годов. Это не совсем художественная критика. Их область применения шире. Данто говорит, что работа Уорхола, отказавшись от утверждений модернизма о том, что живопись должна быть о природе живописи, дала ей свободу идти своим путем, в то время как искусствоведы остались в школьных классах, споря. Данто не говорит, что ему нравились работы Уорхола, но я думаю, что да. Мне жаль, что ему нравилась коробка Brillo — она дала название его книге «По ту сторону коробки Brillo» — больше, чем банки супа Кэмпбелл, но ему, вероятно, нравилась ирония, что коробка Brillo, увековеченная Уорхолом, была разработана абстрактным экспрессионистом. художник Джеймс Харви, подрабатывающий деньгами. Ab Exes смотрели на Уорхола с ненавистью. На вечеринке в конце шестидесятых пьяный де Кунинг сказал Уорхолу: «Ты убийца искусства, ты убийца красоты, ты даже убийца смеха».

Уорхол не убил смех — он был бы менее известен, если бы сделал это, — но его юмор приглушен, невозмутим. В 1964 году он создал серию из девяти трафаретных изображений лица Жаклин Кеннеди, основанных на фотографиях для прессы: на одном она была изображена в знаменитой шляпке-таблетке незадолго до того, как Джон Ф.К. был застрелен; второй, когда Линдон Джонсон приводился к присяге в самолете обратно в Вашингтон; третий на похоронах Кеннеди. В этих произведениях не было ничего откровенно насмешливого. Но в 1964 году, когда в общественном сознании тело Кеннеди еще не остыло, возник вопрос: что же говорил Уорхол? Зрители могли спросить то же самое о его более ранней серии «Смерть и катастрофы» (1962-65), составленный из фотографий окровавленных трупов, вывешивающихся из разбитых автомобилей, изувеченных тел людей, прыгнувших насмерть, электрического стула, на котором были казнены Этель и Юлиус Розенберги, осужденные за шпионаж в пользу Советского Союза, и так далее. Подобно суповым банкам, шелковые ширмы часто весело размножались и, как Мэрилин и Лиз Тейлор, покрывались яркими красками: синими, красными, фиолетовыми, желтыми.

В том же году, что и «Девять Джеки», Уорхол обнародовал шелкографию своих «Цветов» — больших пятнистых цветков гибискуса на фоне травянистого поля. Они выглядели как обои или, как предполагают гопники, ткани для платьев Marimekko. В любом случае, это было то, что, в отличие от изображения электрического стула, вы могли бы повесить над диваном в гостиной. Очевидно, именно для этого они и были созданы, потому что Уорхол (или Маланга) выпустил более четырехсот пятидесяти экземпляров в разных версиях — разных размеров, разных цветовых решений, если использовать вдохновенное слово Гупника, — и они продавались как горячие пирожки. Уорхол утверждал, что гордится ими. Если не ошибаюсь, гопники ему не верят. Он цитирует Уорхола, объявившего в следующем году, что он уходит с карьеры художника. «Цветы», пишет Гопник, были «в значительной степени его последними известными поп-картинами». Но, как автор не прямо говорит, но неоднократно намекает, они также были в значительной степени последними заметными картинами Уорхола, и точка. «Я ненавижу картины, — сказал он репортеру в 19 лет.66, добавив: «Вот почему я начал снимать фильмы».

Свой первый фильм он снял в 1963 году. Он назывался «Сон» и длился пять с половиной часов, и все, что в нем было показано, — это спящий его бойфренд Джон Джорно. В следующем году он продолжил это с «Империей», восьмичасовой ночной съемкой Эмпайр-стейт-билдинг, снятой из окна соседнего здания «Тайм-Лайф». После этого, вплоть до середины семидесятых, он снял множество фильмов, некоторые из которых были чистыми и суровыми, как «Сон» и «Империя», а другие, такие как «Девочки из Челси» и «Одинокие ковбои», неуклюжие, забавные и неуклюжие. грязный, с трансвеститами, сидящими вокруг и облизывающими бананы, или людьми, ведущими неторопливые разговоры о сексе или занимающимися сексом.

Но фильмы были не просто фильмами. Они были кинематографическим крылом того, что к настоящему времени стало целой «сценой». В 1964 году Уорхол перенес свою профессиональную штаб-квартиру в обширное помещение, которое он стал называть Фабрикой — до того, как он сюда переехал, здесь располагалась шляпная фабрика — на Восточной Сорок седьмой улице, к западу от Организации Объединенных Наций. Место было грязным, но друг Уорхола Билли Нейм (в девичестве Билли Линич, но Линич был именем, верно? Так почему бы просто не называть его по имени?) переехал сюда с группой других помешанных на скорости людей и преобразил пространство с помощью фольги и аэрозольной краски. , так что в конце концов каждая поверхность была серебристой.

Так же, как фильмы Уорхола были не просто фильмами, Фабрика была не просто местом, где производились вещи. Это также было витриной для определенной группы людей, собравшихся вокруг Уорхола. Билли Нейм был одним из них; Жерар Маланга другой. Также важной была Ундина (Роберт Оливо), дикая и порочная. Наиболее известной посторонним была Эди Седжвик, миловидная и довольно несчастная богатая девушка, которая в черных трико и дорогих свитерах часто сопровождала Уорхола на прогулках в качестве его «свидания» и оплачивала счет. Эти и некоторые другие были суперзвездами Уорхола, как он их называл.

В 1966 году он также стал менеджером протопанк-рок-группы The Velvet Underground, инкубатория Лу Рида, Джона Кейла и других, в то время почти неизвестных. Один из его членов описал типичное шоу: «Некоторые моряки или что-то в этом роде были в аудитории из пяти человек, и мы что-то сыграли, и они сказали: «Вы включите это еще раз, и мы выбьем из вас дерьмо». опять таки.» «Нашей целью было расстроить людей, — сказал один из основателей группы, — вызвать у них рвоту». Уорхол мало знал о музыке, и менее чем через год они с The Velvets расстались. («Всегда оставляй их хотеть меньшего», — сказал Уорхол.) Но какое-то время кинопоказы и перформансы Уорхола, особенно «Взрывающаяся пластмасса, неизбежность» и «★★★★», представляли собой мультимедийные мероприятия, в которых суперзвезды прыгали в беспорядочная мода на диссонирующие звуки Бархатных, в то время как два или более фильма проецировались рядом или даже накладывались друг на друга.

Энди Уорхол | Gagosian

Энди Уорхол, Piss Painting , 1978

моча на Gesso на холсте, 78 × 194 дюйма (198,1 × 492,8 см)

Эндо Уорхол, Серебряные Cloud , Размеры варьируются

Энди Уорхол, Автопортрет , 1964

Синтетическая полимерная краска и чернила для трафаретной печати на холсте, 20 × 16 дюймов (50,8 × 40,6 см)

Миниатюры

Около

Разве жизнь не представляет собой серию образов, которые меняются по мере того, как они повторяются?
—Энди Уорхол

Искусство Энди Уорхола (1928–1987) охватывает период с 1960-х по 1980-е годы в Нью-Йорке. Подражая знакомой эстетике средств массовой информации, рекламы и культуры знаменитостей, Уорхол стирал границы между своей работой и миром, который ее вдохновлял, создавая образы, которые стали столь же распространенными, как и их источники.

Уорхол вырос в рабочем пригороде Питтсбурга. Его родители были иммигрантами из Словакии, и он был единственным членом семьи, который учился в колледже. Он поступил в Технологический институт Карнеги (ныне Университет Карнеги-Меллона) в 1945, где он специализировался в изобразительном дизайне. После окончания учебы он переехал в Нью-Йорк с сокурсником Филипом Перлштейном и нашел постоянную работу в качестве коммерческого иллюстратора в нескольких журналах, в том числе Vogue , Harper’s Bazaar, и New Yorker . На протяжении 1950-х Уорхол сделал успешную карьеру в качестве коммерческого художника, получив несколько благодарностей от Клуба арт-директоров и Американского института графических искусств. В 1919 году состоялась его первая персональная выставка в галерее Хьюго. 52, показывающий рисунки, основанные на произведениях Трумэна Капоте; три года спустя его работы впервые были включены в групповую выставку в Музее современного искусства.

1960 год стал поворотным моментом в плодотворной карьере Уорхола. Свои первые работы он писал по комиксам и рекламе, увеличивая и перенося исходные изображения на холст с помощью проектора. В 1961 году Уорхол показал эти раскрашенные вручную работы, в том числе Little King (1961) и Saturday’s Popeye 9.0006 (1961 г.) на витрине универмага Bonwit Teller; в 1962 году он нарисовал свои знаменитые банок с супом Кэмпбелл, тридцать два отдельных холста, на каждом из которых был изображен консервированный суп с разным вкусом. Вскоре после этого Уорхол начал заимствовать не только тематику печатных СМИ, но и технологии. Используя технику шелкографии, он создал сетки марок, бутылок Coca-Cola, этикеток для транспортировки и обработки, долларовых банкнот, этикеток для кофе и многого другого, разбив изображения на их основные графические компоненты.

В 1963 году Уорхол основал студию на Восточной 47-й улице, которая стала известна как Фабрика и служила культурным центром для художников, моделей, исполнителей и светских деятелей. В его ближайшее окружение входили его суперзвезды, которые играли важную роль как в его работе, так и в его общественной жизни. Заинтересованный в производстве славы, Уорхол начал трафаретную печать изображений знаменитостей и общественных деятелей, от Мэрилин Монро и Элвиса Пресли до Джеки Кеннеди и Мао Цзэдуна. Расширяя свою практику, а также культурное влияние, он выпускал пластинки ( The Velvet Underground & Nico ), основал журнал ( Interview ) и снял авангардные фильмы, такие как Chelsea Girls (1966), Blow Job (1964) и Empire (1964). , ставшие классикой андеграундного жанра.

После близкой встречи со смертью, когда Валери Соланас застрелила его в 1968 году, Уорхол вступил в более сдержанный, изолированный период, работая в основном по заказу и рисуя портреты для различных покровителей, а также возвращаясь к темам из своих более ранних работ. Затем он начал проявлять новый интерес к абстракции, сначала с его Oxidations (1977–78), сделанный тем, что позволил друзьям и знакомым помочиться на холсты, окрашенные металлическими пигментами, а затем с его картинами  Rorschach (1984) и Camouflage (1986).

К началу 1980-х Уорхол с новой силой работал в СМИ, ведя получасовые программы на MTV, издавая книги и сотрудничая с более молодыми художниками, включая Жана-Мишеля Баския, Франческо Клементе и Кита Харинга. Его абстрактная серия совпала с крупномасштабными работами, восходящими к шедеврам Леонардо да Винчи: он печатал изображения 9-го века методом трафаретной печати.0005 Мона Лиза (1503) и создал несколько монументальных полотен Тайная вечеря (1495–98). Способность Уорхола органично сочетать исторические отсылки к искусству, абстрактные узоры и средства массовой информации установила новые стандарты роли художника, навсегда стирая границы между коммерческим и изобразительным искусством.

#ЭндиУорхол

Выставки

Энди Уорхол

Вышел зимний выпуск Gagosian Quarterly за 2019 год, в котором представлены подборки из 9 выпусков Кристофера Вула0005 Westtexaspsychosculpture серии на обложке.

Видения себя: Дженни Сэвилл о Рембрандте

Дженни Сэвилл рассказывает о процессе своего нового автопортрета, написанного в ответ на шедевр Рембрандта Автопортрет с двумя кругами .

Энди Уорхол: Все хорошо

Ричард Хелл пишет о «трансцендентном лагере» Поп-художник, портретист повседневной жизни.

Уже в наличии

Вышел весенний выпуск журнала Gagosian Quarterly  за 2019 год, на обложке которого изображен Red Pot with Lute Player #2  Джонаса Вуда.

Разговор

Биограф Пикассо сэр Джон Ричардсон беседует с Клодом Пикассо о фотографиях Клода, его увлечении гонками на старинных автомобилях и будущем стипендии, связанной с его отцом, Пабло Пикассо.

Гагосян Ежеквартальный Зимний 2018

Доступен зимний выпуск Ежеквартального журнала Гагосяна за 2018 год. Наша обложка этого выпуска взята из  High Times , новой работы Ричарда Принса.

Зона Мако 2022

9–13 февраля 2022 г., стенд B115
Centro Citibanamex, Мехико
www.zsonamaco.com

Gagosian рада объявить о своем возвращении в Zona Maco México Arte Contemporáneo впервые с 2018 года; Примечательно, что это также первая художественная ярмарка галереи в 2022 году. Гагосян представляет специально подобранную подборку динамичных картин, скульптур и работ на бумаге знаковых фигур, давно связанных с галереей, в сочетании с работами ключевых современных художников. Многие из представленных артистов представлены на Zona Maco впервые.

Рэйчел Уайтрид, Без названия (ноябрь) , 2020 (фрагмент) © Рэйчел Уайтрид. Фото: Prudence Cuming Associates Ltd.

Базель Онлайн 2020

В нашей самой значимой онлайн-презентации на сегодняшний день Гагосян представляет важные работы современных мастеров через две отдельные онлайн-платформы — Gagosian Online и Art Basel Online. Эти индивидуально отобранные коллекции предлагают коллекционерам прямой доступ к произведениям искусства самого высокого уровня. Чтобы полностью ознакомиться с презентацией, зрителям необходимо посетить сайты gagosian.com и artbasel.com. Работы на gagosian.com будут чередоваться каждые сорок восемь часов, всего пять циклов.

Helen Frankenthaler, Orange Underline , 1963 © 2020 Helen Frankenthaler Foundation, Inc. /Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк

Фриз Лос-Анджелес 2020

14–16 февраля 2020 г., стенд C06
Paramount Picture Studios, Лос-Анджелес
Frieze.com

Гагосян рад принять участие в выставке Frieze Los Angeles 2020. Принимая во внимание систему автомобильных дорог Лос-Анджелеса в прямом и переносном смысле, выбор включает в себя Автомобильная скульптура Ричарда Принса в натуральную величину Untitled  (2008) и зловеще негабаритный L.A.P.D. Криса Бёрдена. Униформа (1993 г.). На стенде также представлены работы Жана-Мишеля Баскии, Джона Чемберлена, Урса Фишера, Тестера Гейтса, Пьеро Голиа, Алекса Исраэля, Салли Манн, Адама Макьюэна, Кэди Ноланд, Стерлинга Руби, Эда Руша, Тэрин Саймон, Роберта Терриена, Энди Уорхола, Том Вессельманн и другие.

Чтобы получить PDF-файл с подробной информацией о работах на стенде, свяжитесь с галереей по адресу [email protected]. Чтобы попасть на ярмарку, приобретите билеты на frieze. com.

Загрузить полный пресс-релиз (PDF)

Chris Burden, How to Shrink L.A. , 1999 Энди Уорхол

Закрытие на этой неделе

Энди Уорхол

До 2 октября 2022 г.
Dia:Beacon, New York
www.diaart.org

Энди Уорхол 9«0005 Тени » (1978–79) впервые была представлена ​​Дайей в 1979 году. Единая картина, состоящая из нескольких частей, « Тени » — одна из самых абстрактных работ Уорхола, которая, тем не менее, объединяет в себе ключевые элементы его практики, включая кино, живопись, фотографии и трафаретной печати. Инсталляция окружает зрителя серией полотен, расположенных встык по периметру комнаты, в соответствии с первоначальным видением Уорхола. Совсем недавно работа была установлена ​​Дайей в штаб-квартире Calvin Klein в Нью-Йорке.

Вид установки, Энди Уорхол: Тени , Dia: Beacon, Нью-Йорк, 2003–11. Работа © Фонд визуальных искусств Энди Уорхола, Inc./Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк. Фото: Студия Билла Джейкобсона, Нью-Йорк

На просмотре

Коллекция Уитни

Открыт 28 июня 2019 г.
Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк
whitney.org

Эта выставка из более чем 120 работ, полностью взятых из коллекции Уитни, вдохновлена ​​историей основания музея. Уитни был основан в 1930 Гертруды Вандербильт Уитни в поддержку творчества ныне живущих американских художников. Скульптор и меценат, Уитни осознавала как важность современного американского искусства, так и необходимость поддерживать художников, которые его создали. Коллекция, которую она собрала, показывает, как художники уникальным образом раскрывают сложность и красоту американской жизни. Включены работы Джея ДеФео, Виллема де Кунинга, Роя Лихтенштейна, Ман Рэя, Эда Руши, Энди Уорхола и Тома Вессельмана.

Монтажный вид, Коллекция Уитни: подборки из 1900 to 1965 , Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк, 28 июня 2019 г. – май 2022 г. Работа слева направо: © 2020 The Jay DeFeo Foundation/Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк; © Норман Льюис; © 2020 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк. Фото: Рон Амстутц

На просмотре

Нью-Йорк: 1962–1964 гг.

До 8 января 2023 г.
Еврейский музей, Нью-Йорк
thejewishmuseum.org

Финальный проект, задуманный и курируемый Джермано Целантом (1940–2020) эта выставка исследует ключевой трехлетний период в истории искусства и культуры Нью-Йорка, исследуя, как художники, живущие и работающие в городе, реагируют на их быстро меняющийся мир. Более 150 представленных произведений искусства были созданы или просмотрены в Нью-Йорке в период с 1962 по 1964 год. Включены работы Дональда Джадда, Роя Лихтенштейна и Энди Уорхола.

Энди Уорхол, Империя , 1964 (до сих пор), Музей Энди Уорхола, Питтсбург © Музей Энди Уорхола, Питтсбург, музей Института Карнеги. Все права защищены

На просмотре

Мечта о музее

До 23 апреля 2023 г.
M+, Гонконг
www.mplus.org.hk

The Dream of the Museum исследует концепцию найденных предметов, чтобы показать, как художники используют культуру в качестве исходного материала для обновления традиции. Начиная с четырех пионеров современного искусства — Марселя Дюшана, Джона Кейджа, Йоко Оно и Нам Джун Пайка — выставка объединяет работы двадцати семи художников из разных стран и поколений, включая Хао Ляна и Энди Уорхола, которые исследуют случай и находят объекты в своей работе.

Хао Лян, Восемь видов на Сяосян — Dazzle , 2015 © Хао Лян. Фото: предоставлено Центром современного искусства UCCA, Пекин

Посмотреть все музейные выставки Энди Уорхола

Пресс

Снова познакомьтесь с Уорхолом в этом блестящем шоу Уитни Холланда Коттера

Нью-Йорк Таймс

9 ноября 2018 г.

Онлайн

PDF

Галерея Гагосяна тренирует свой объектив на фотографии Шарля Десмаре

Хроника Сан-Франциско

2 мая 2018 г.

Онлайн

PDF

Посмотреть все Пресса

культовых портретов Мэрилин Монро Энди Уорхола могут быть проданы за рекордную сумму в 200 миллионов долларов | Умные новости

Энди Уорхол создал серию иллюстраций, которую он назвал своеобразным актом репарации9.0005 Смерть и катастрофа . Death and Disaster показывают изображения в одном цвете, репродукцию тех же изображений или те же изображения полностью без цвета.

Энди Уорхол в основном использовал повторение для передачи своих идей. Он успешно применял эту технику с целым рядом предметов на протяжении многих лет. Серия началась в 1962 году и состоит из коллекции около 70 немного похожих работ. Художник использовал элемент повторения в Death and Disaster , чтобы выявить как мотивированные, так и немотивированные цели искусства.

Уорхол начал серию в 1962 году и изображал трагедии и катастрофы, о которых сообщала полиция или которые видели в газетах по всей территории Соединенных Штатов. Исходным материалом послужили полицейские фотоархивы и газеты. Изображения обычно увеличивают изображаемые трагедии и бедствия.

Из своей серии « Смерть и катастрофа » Энди Уорхол ясно выделил мотивирующие функции искусства: искусство для пропаганды, политических изменений, коммуникации, развлечения и т. д. В то же время работа также выявляет немотивационные функции, включая ритм и равновесие, инстинкт гармонии, выражение воображения, таинственный опыт, символическую, универсальную коммуникацию и ритуальные функции.

3 мин 21 сек

Как указывалось ранее, большинство картин Энди Уорхола были вырезками из газет. В 1960-х годах страна была пронизана трагическими новостями и катастрофами, такими как трагическая смерть, самоубийства, казни и аварии.

В середине 1962 года Энди Уорхол и Генри Гельдзалер обедали вместе в Serendipity, одном из самых любимых мест художника. Гельдзалер, в то время молодой куратор, дал совет Энди Уорхолу, который набирал популярность благодаря своей работе над банками супа и кока-колы.

Гельдзалер подтолкнул многообещающего поп-исполнителя выйти за рамки потребительских объектов и начать заниматься более серьезными темами. Он сказал Уорхолу ² :

Хватит жизни, пришло время маленькой смерти.

Этот небольшой разговор привел художника к созданию некоторых из его самых влиятельных работ.

Его воссоздание первой страницы New York Mirror под названием 129 Die in Jet! , а также портреты Мэрилин Монро ³ , являются одними из его первых попыток затронуть тему смерти.

Год спустя Уорхол продвинулся дальше этих косых отсылок и начал противостоять року прямо в его мрачном лице и приступил к тому, что стало известно как серия «Смерть и катастрофа ».

Объясняя, что вдохновило его начать работу над сериалом, художник сказал: ⁴ :

Думаю, это была большая картина авиакатастрофы на первой полосе газеты: 129 Die. Я также рисовал Мэрилин. Я понял, что все, что я делал, должно быть, было смертью. Это было Рождество или День труда — праздник — и каждый раз, когда вы включали радио, они говорили что-то вроде: «4 миллиона умрут». Это началось. Но когда вы видите ужасную картину снова и снова, это не имеет никакого эффекта.

По словам Энди Уорхола, когда вы снова и снова видите ужасную картину, это не производит никакого впечатления. Он начал рисовать образы смерти, потому что его голова была занята трагическими новостями по радио, газетам и телевидению.

В своем интервью с Джином Свенсоном ⁵ в 1963 году Энди Уорхол ответил на вопрос, почему он начал с фотографий «Смерти»:умирает. Я также рисовал Мэрилин ⁶ . Я понял, что все, что я делал, должно быть, было Смертью. Это было Рождество или День труда — праздник, и каждый раз, когда вы включали радио, они говорили что-то вроде «4 миллиона умрут». С этого все и началось. Но когда вы видите ужасную картину снова и снова, это действительно не имеет никакого эффекта.

2 мин 34 сек

Смерть и катастрофа представляет собой коллекцию из более чем 70 произведений искусства, главными темами которых являются самоубийства, автомобильные аварии, испорченные банки с тунцом и электрические стулья.

Серия содержит изображения только с одним цветовым оттенком или повторение одной и той же фотографии или имело повторение, с цветом или без него.

Энди Уорхол использовал Смерть и Бедствие , чтобы попытаться убаюкать массы, заставив их принять смерть, бедствия и трагедии как неотъемлемую часть жизни.

Каждое изображение в серии должно быть понято и оценено по-разному, потому что каждое из них обладает уникальностью и свободой. Разница в каждой картине определяется уникальным актом различия. Смерть и катастрофа картин привлекают внимание зрителей, чтобы их поняли

Уорхол преимущественно использовал шелкографию как метод механического повторения этих кричащих изображений на широких полосах холста. Энди Уорхол использовал разные цвета, чтобы распространять вариации, когда люди могут оценить их по собственной воле.

Например, авария зеленой машины художника и оранжевая катастрофа совершенно не случайны. Оба они предлагают зрителям возможность интерпретировать их по своему усмотрению.

В Death and Disaster художник также фокусируется на изображениях жертв, которые мгновенно стали знаменитыми из-за ужасных и необычных аспектов их смерти.

Эта статья расскажет вам о некоторых работах из этой серии и о том, как они отражают разнообразие общества.

129 Умри в самолете!, 1962

Создан в 1962 году, 129 Умри в самолете! — первая работа в серии. Она выполнена акрилом и карандашом на холсте. Художник создал картину после крушения рейса 007 авиакомпании Air France 9.0674 7 , в котором 129 человек погибли на месте, еще один позже скончался от травм (всего 130 погибших) и только двое выжили.

Нарисованное изображение было взято с обложки New York Mirror 4 июня 1962 года, всего через день после аварии при взлете из аэропорта Парижа в Атланту, штат Джорджия. В то время это была самая страшная авиакатастрофа, и для Уорхола это был первый раз, когда он включил тему смерти в свою работу.

Художественная ассоциация Атланты спонсировала 30-дневный тур по художественным сокровищам Европы, и, таким образом, 106 погибших пассажиров были меценатами, направлявшимися домой в Атланту. В туристическую группу вошли общественные и культурные лидеры из Атланты.

Это произведение напоминает нам, что искусство автономно и универсально. Этой картиной художник создал нечто новое, а именно то, что нечто большое вовсе не важно, а означает быть приверженным чему-то.

Тем не менее, 129 Умри в самолете! создает ощущение пустоты благодаря увеличению. В этом художественном произведении расширение и приверженность устраняют смысл. Хотя у него разные переводы, 129 Die in Jet! — это дань уважения тем, кто погиб в этой катастрофе.

Катастрофа скорой помощи, 1963

Казнен примерно в 1963 году. Сначала это кажется почти абстрактным представлением белого, черного и серого, медленно сливающихся в сцену дорожно-транспортного происшествия со смертельным исходом. Это произведение искусства оказало огромное влияние, когда оно впервые было показано.

Расширив свою тему, включив в нее экзистенциальные мотивы, художник переосмыслил себя как художника, работающего на более амбициозном уровне, направив свой поп-арт-бренд в поразительно новое направление.

Говоря о «Скорой помощи», арт-дилер и куратор Энтони д’Оффе сказал ⁸ :

Отвернувшись от банок с супом и кока-колы, он сделал эти необычные картины, связанные со смертью, с бедствием. Это ужасно, но в результате получается, как ни странно, что-то невероятно красивое и невероятно мощное.

Художник нарисовал эту работу так, чтобы сохранить ощущение зернистости, пришедшее из средств массовой информации.

Как сказал художник в интервью Artnews в 1963 году ⁹ :

Когда вы снова и снова видите ужасную картину, это не производит никакого впечатления.

Скорая помощь Катастрофа была первой картиной, на которой Уорхол изобразил образ мертвого субъекта, поскольку он продолжает подчеркивать суть темы vanitas — что смерть заберет нас всех — в своем творчестве.

Электрический стул, 1964 г.

Создан в 1964 г., Электрический стул — холст среднего размера, напечатанный серебристой акриловой краской методом трафаретной печати. В центре холста изображен пустой электрический стул в пустой комнате, и этот конкретный электрический стул имеет раму с высокой спинкой и кожаные ремни, а также более длинные ремни и застежки по бокам.

Перед стулом находится изогнутый кабель, идущий из-под сиденья, а за стулом — крошечная деревянная скамья, изображенная у задней стены, и едва заметные буквы «Молчание» в правом верхнем углу холста.

Пространство перед креслом просвечивает, насыщает серебряной краской, которая тускнеет, обозначая темные и пятнистые тени к углам композиции.

Одной из наиболее заметных особенностей этой картины является ее неровная поверхность, вероятно, потому, что серебряная краска, которая была нанесена под слоем ярко-зеленого оттенка, впиталась в холст в процессе печати. ​​Энди Уорхол – Двенадцать электрических стульев , 1964, Синтетическая полимерная краска и тушь для шелкографии на холсте, 88 1/2 x 84 1/4 дюйма, инсталляционный вид, Brant Foundation

Вся картина выглядит так, будто на нее наклеили другой холст. Клей, используемый для подкладки, пропитывает участки ткани холста, создавая эффект домино. Как и большинство ранних работ Уорхола, это произведение подписано и датировано на оборотной стороне.

Художник создал это произведение искусства в своей студии в Нью-Йорке, используя тот же процесс, что и для Скорая помощь Катастрофа и 129 Die in Jet!

Например, в Электрический стул , Уорхол заимствовал изображение стула из пресс-фотографии камеры смертников в тюрьме Синг-Синг в Нью-Йорке от 13 января 1953 года. Этель и Джулиус Розенберги были казнены в том же году за утечку секретной информации об атомной бомбе в Россию во время Второй мировой войны. , вид инсталляции, Венера над Манхэттеном

Описывая процесс печати, художник сказал в 1980 ¹⁰ :

Вы выбираете фотографию, взрываете ее, переносите в клей на шелк, а затем раскатываете чернила так, чтобы чернила проходили через шелк, но не через клей. Таким образом, вы получите одно и то же изображение, каждый раз немного отличающееся. Все было так просто – быстро и случайно. Я был в восторге от этого.

Позже художник создал различные варианты изображения стула, но с использованием разных цветовых композиций. Например, в 1919 году он создал на бумаге серию из десяти трафаретов на электрическом стуле.71.

Изображения в этих итерациях сосредоточены на самом стуле больше, чем на исходном принте, таким образом, что он занимает большую часть холста, и каждое изображение было напечатано жирным шрифтом, включая синий, желтый, оранжевый и розовый среди других. Энди Уорхол — Little Electric Chair , 1964–1965, акрил и тушь для шелкографии на холсте, 55,9 x 71,1 см (22 x 28 дюймов), фото: Christie’s

Green Car Crash, 1963

Между 1962 и 1964 годами Уорхол отправился в путешествие по созданию Автокатастрофа картин как часть его формирующей серии Смерть и Катастрофа .

Одним из шедевров этой серии является Green Car Crash или Green Burning Car I . Эта основополагающая картина совершенно незабываема, поскольку в ней по-разному используется то, что считается самым удивительным, странным и тревожным источником изображения из всех, использованных в этой серии.

Эта гигантская картина цвета электрик зеленого цвета представляет собой нечто большее, чем просто изображение места крушения. Его отвратительные и бесконечные загадочные образы поражают своей резкой и монотонной фотографической демонстрацией обычной жилой улицы, которая шокирующим образом превратилась в ужасающую сцену катастрофы, соседствующую с сюрреалистическим кошмаром.

Художник сделал трафаретную печать по фтало-зеленому фону и вручную раскрасил слои красками. Он использовал яркие цвета, чтобы уменьшить изображаемую кровавость.

Работа принадлежит к серии картин, которые Уорхол создал летом 1963 года. Он назвал ее Burning Car и использовал тот же источник фотографии, остальные White Disaster I , White Disaster II , White Burning Car II и White Burning Car Twice .

Изображения, используемые в Green Car Disaster , описывают ужасную аварию. Их сделал фотограф Джон Уайтхед и опубликовал в журнале Newsweek. Полиция Сиэтла преследовала оригинальный автомобиль по горячим следам, и водитель не справился с управлением на скорости 60 миль в час, врезавшись в опору электропередач.

В подписи к фотографиям в выпуске Newsweek от 3 июня 1963 года сцена описывалась как ¹¹ : « Конец погони: Преследуется полицейским штата, расследующим несчастный случай с побегом, коммерческий рыбак Ричард 24-летний Дж. Хаббард промчался по улице Сиэтла со скоростью более 60 миль в час, перевернулся и врезался в опору электропередач. От удара его выбросило из машины, насадив на шип. Через 35 минут он скончался в больнице. ”

Зеленая автокатастрофа — единственная картина из серии Burning Car , на которой художник использовал цвет, отличный от черно-белого. Но одной из самых выдающихся особенностей этого произведения является странный и необычный характер образов. Например, в одно мгновение улица превратилась в возмущающую сцену ада.

Christie’s описал обстоятельства следующим образом ¹² :

Это был поистине уникальный момент реальности, этот своеобразный момент перехода, когда все ценности трансформировались, жизнь угасла в смерть, банальное и приземленное в исключительное и необыкновенное. — это особенно очаровало Уорхола во многих выбранных им изображениях «Автокатастрофы», пленив его воображение и в то же время напугав его.

Картина находилась в частной собственности более трех десятилетий, но в 2007 году была выставлена ​​на продажу, где вызвала большой интерес. Он был продан за 71,7 миллиона долларов ¹³ , что стало рекордом самого дорогого творения Уорхола в то время.

Использование автомобиля в картинах заставило зрителей усомниться в оригинальности и нейтральности Энди Уорхола. Green Car Crash указывает на то, что художник неоднократно использовал его, чтобы донести сообщение до дома. Энди Уорхол — Green Car Crash , 1963 (деталь), холст, акрил, тушь для шелкографии, 90 x 80 дюймов (228,6 x 203,3 см), фото: Rob McKeever/Gagosian

Orange Car Crash 14 Times, 1963

На этой картине изображен оранжевый белила холста разделены по вертикали. В левом углу изображена сцена множественных автомобильных аварий, повторяющихся четырнадцать раз, а в правом — оранжевый фон. Оранжевый цвет может означать срочность или пожарную машину, что является идеальным выбором цвета для этой работы. Художник продолжает тему автокатастрофы, мрачной и мрачной.

Это одна из немногих работ серии, которая привлекла к себе большое внимание художника, хотя он использовал одну и ту же технику фотошелкографии, чтобы воспроизвести изображение автокатастрофы четырнадцать раз. В то время как повторение ужасных картин, их фрагментация и деградация выделяются, именно области вокруг холста, которые художник оставил пустыми, имеют решающее значение для создания пустоты смерти.

О включении «чистого холста того же цвета фона» художник заявил ¹⁴ , хотя это и парадоксально:

Эти два устройства предназначены для того, чтобы висеть вместе, как захочет владелец… Это просто делает их больше и, в основном, увеличивает их стоимость.

Race Riot, 1963-1964

Уорхол создал эту картину акриловыми красками и шелкографией в 1963 году. До этого молодой фотограф по имени Чарльз Мур снимал протесты в Алабаме ¹⁵ , на котором изображены полицейские, направляющие шланги с водой на детей и мирных демонстрантов.

Эти изображения навсегда изменили будущее Америки, поскольку большинство белого населения было вынуждено принять сторону нарастающих политических волнений, охвативших страну.

Неудивительно, что Уорхол использовал такой эффектный образ в своей серии « Смерть и катастрофа ». В этот момент он все еще боролся со своей иллюстрацией культовых американских образов, и сила фотографий Мура, изображающих расовые беспорядки, была просто «слишком хороша», чтобы пройти мимо. Энди Уорхол — Race Riot , 1963 год; Pink Race Riot , 1963, инсталляция, Walker Art Center, 2005, фото: Джин Питтман Хотя ни у кого из них не было элемента смерти, художник полностью осознавал их силу и хотел включить их в свою предстоящую выставку в галерее Sonnabend в Париже, чтобы показать темную изнанку печально известной американской мечты. Тогда он сказал ¹⁶ :

Мое выступление в Париже будет называться «Смерть в Америке». Я покажу фотографии с электрическими стульями, собак в Бирмингеме, автокатастрофы и несколько фотографий самоубийств.

На этих отпечатках художник просто увеличил и перевернул исходные фотографии, но даже с этими не очень тонкими изменениями Мур подал в суд на художника за несанкционированное использование его работ.

Race Riot стал первым случаем, когда художник занялся более политической темой. Несмотря на тревожное изображение невинных афроамериканцев, осажденных властями и собаками, невозмутимая казнь Race Riot делает тон произведения двусмысленным и трудным для оценки. Энди Уорхол — Race Riot , 1964, холст, акрил и тушь для шелкографии, в четырех частях, общий размер 152,4 x 167,6 см (60 x 66 дюймов), фото: Christie’s

Silver Car Crash (Double Disaster), 1963

Уорхол является частью серии Death and Disaster . В 2013 году произведение было продано за 105 миллионов долларов ¹⁷ на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке, установив новый рекорд самой высокой цены за произведение Энди Уорхола.

Как и другие работы серии, Серебряная автокатастрофа изображает сцену автокатастрофы, в которой тело искривлено в искривленном салоне серебристого автомобиля.

Имея размеры более 13 футов в ширину и 8 футов в высоту, художник использует шелкографию, чтобы мрачно изобразить искривленное человеческое тело и деформированный металл, а отражающая серебряная краска создает игру света и тени.

Одной из самых уникальных особенностей этой работы являются два холста: один состоит из пяти рядов по три изображения, повторяющих искореженный автомобиль, а второй представляет собой просто чистую серебристую поверхность. Эта интересная техника использовалась художником только в семи работах.

Silver Car Crash (Double Disaster) был продан на аукционе Sotheby’s в 2013 году вместе с Тобиасом Мейером, руководителем отдела международного искусства в этом учреждении, который заявил в The Economic Times ¹⁸ :

With Silver Car Crash (Double Катастрофа) , Уорхол сознательно создал произведение такого масштаба и амбициозности, что оно занимает достойное место рядом с такими картинами, как « Герника» Пабло Пикассо ¹⁹ и « Плот Медузы» Теодора Жерико как один из окончательных шедевров исторической живописи.

Самоубийство (Падшее тело), ​​1962

В этой картине Энди Уорхол включает изображение упавшего тела Эвелин Макхейл в свою работу, чтобы выразить свои мысли о самоубийстве. Исходным изображением была фотография, сделанная студентом-фотографом Робертом Уайлсом всего через несколько мгновений после того, как 20-летняя Эвелин упала насмерть в черном лимузине с 88-го этажа Эмпайр-стейт-билдинг.

Юная леди, бухгалтер, была помолвлена ​​и только что вернулась с визита к своей невесте в Пенсильвании. Но она, должно быть, была подавлена, потому что вместо того, чтобы вернуться домой, она поселилась в отеле на 7-й авеню и 31-й улице, где написала предсмертную записку.

Затем Эвелин отправилась на смотровую площадку 86-го этажа Эмпайр Стейт Билдинг, где спрыгнула на землю. Студент-фотограф Ричард Уайлс был рядом и сделал пару фотографий, которые попали в журнал Life.

Ее тело, все еще в жемчуге, элегантно скрещенные ноги, Эвелин казалась мирной, как будто она спала, в результате чего получила прозвище «самая красивая самоубийца ²⁰ ».

Это можно объяснить жуткой манерой, в которой ее тело и лицо остались целыми на вершине искореженного металла лимузина, несмотря на падение с высоты 1000 футов. Уорхол использовал эту фотографию для своего Suicide (Fallen Body) 1962 года, повторяющее изображение шестнадцать раз. Он использовал реплики изображения, чтобы показать, как сообщество смешивает знаменитостей.

Оранжевая катастрофа, 1963 год

Эта картина Энди Уорхола является копией пятнадцати фотографий электрического стула. Картина указывает на неестественное увлечение художника смертью и его редкие и уникальные способы оценки природы.

У Энди Уорхола был уникальный способ превратить неприятные изображения в нечто приятное для глаз, добавив цвета, в данном случае оранжевого оттенка, который уменьшает мрачное настроение. Хотя полученные изображения имеют некоторые тона яркости и счастья, некоторые зрители все же находят их тревожными.

Причина тиражирования изображений заключается в том, чтобы они как можно дольше оставались в сознании зрителей. Но оранжевая катастрофа имела более глубокий смысл. Это был способ Энди Уорхола выразить свое мнение о смертной казни, против чего он был категорически против.

На картине были яркие контрастные цвета, а также глубоко затемненные области, создававшие рисунок. Картины Энди Уорхола понравились некоторым зрителям своей простотой и знакомым посылом, который они передавали.

Художница считала, что искусство – это скромная форма общения, где каждое сообщение имеет целевую направленность и может быть использовано для раскрытия эмоций, настроений и чувств.

Бедствие тунца, 1963

Бедствие тунца был создан Энди Уорхолом, чтобы изобразить темную сторону общества в Америке. Он был вдохновлен событием, которое произошло в марте 1963 года. Две женщины из пригорода в Детройте, штат Мичиган, едят бутерброды с тунцом на обед, наблюдая, как их дети играют.

Вскоре после этого они заболели, их отвезли к врачу, а позже они умерли от ботулизма, отравленного зараженной банкой консервированного тунца марки A&P.

Позже эти две дамы были идентифицированы как миссис Браун и миссис Маккарти в выпуске Newsweek от 1 апреля 1963 года, а их фотографии сопровождались печально известной банкой с тунцом, которая привела к их гибели.

Невзрачность двух домохозяек, средних лет и обычной внешности, очаровала Уорхола, запечатлевшего эти образы в коллекции крупноформатных серебряных картин под названием 9.0005 Tuna Fish Disaster для его оригинальной серии Death and Disaster .

Он подчеркивает тип беспокойства, лежащий в основе «веры» коллективного общества в систему, которая гордится своей эффективностью. В этой картине художник позволяет леденящему эффекту смертоносного тунца нависнуть над всей сценой, создавая атмосферу смерти, которая усиливается удивительным размером холста и нанесением серебряной краски.

Уорхол увеличивает изображение торговой марки A&P, которое было сфотографировано с высоты птичьего полета, чтобы серийные номера, отпечатанные на крышке, оставались роковым доказательством ее нечистоты. В то же время жертвы, две женщины, отнесены к крошечным фотографиям, помещенным под огромную банку с тунцом.

Повторение изображения двух женщин, умерших от поедания тунца, рядом с консервами из-под тунца отражало идиосинкразию американских ритейлеров, поклявшихся защищать потребителей от вредных продуктов. Каждый субъект отображает символы ничем не примечательной загородной жизни и улыбки в образах, не несущих никаких указаний на их трагическую судьбу.

Картина показывает, что такие бедствия, как рыба-тунец, могут случиться с любым человеком в любое время. Энди Уорхол копирует изображение, чтобы оно надолго запечатлелось в памяти зрителей. Это также захватывает воображение зрителя и заставляет его глубоко задуматься над картиной. Энди Уорхол — Tunafish Disaster , 1963, из Death and Disaster , шелкография и серебряная краска на холсте, 132,1 x 132,1 см (52 x 52 дюйма), фото: Christie’s

С помощью Death and Disaster Уорхол пытался снизить чувствительность общественность воспринимает смерть, бедствия и трагедии как неотъемлемую часть жизни. Интересно, что Уорхол очень боялся собственной смерти ²¹ , но успешно сглаживал свои страхи, создавая и культивируя непринужденный и отстраненный образ.

До сих пор неизвестно, с какой целью он повторил изображения, чтобы притупить или усилить зловещее содержание его содержания. Художник осознавал роль СМИ в анестезии публики к насилию и трагедии, о чем свидетельствует тот факт, что СМИ склонны перерабатывать одни и те же трагические фотографии знаменитостей после их смерти.

Смерть и катастрофа тесно связан с личной жизнью Энди, что делает его более понятным для зрителей, чем другие произведения искусства повторения. Пока работает с Death and Disaster никогда не собирался быть таким же привлекательным, как другие произведения искусства, он стал одним из самых восхитительных произведений искусства.

Все изображения: Фонд визуальных искусств Энди Уорхола / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк, если не указано иное.

Другие работы Энди Уорхола -серия-смерть-и-катастрофа-и-престиж

https://publicdelivery.org/andy-warhol-marilyn-monroe/

https://www.warhol.org/lessons/death-and-disasters/

https://theoria.art-zoo. com/interview-with-gene-swenson-andy-warhol/

https://publicdelivery. org/andy-warhol-marilyn-monroe/

https://en.wikipedia.org/wiki/Air_France_Flight_007

https ://www.christies.com/features/Warhol-Race-Riot-Ambulance-Disaster-and-Jackies-8648-3.aspx

https://www.warhol.org/lessons/death-and-disasters/

https://www.moma.org/learn/moma_learning/andy-warhol-gold-marilyn-monroe-1962/

https://www.washingtonpost.com/graphics/2019/entertainment/andy-warhol- white-burning-car-iii/

https://www.christies.com/en/lot/lot-4913707

https://www.christies.com/en/lot/lot-4913707

https: //www.moma.org/collection/works/79223

https://www.icp.org/browse/archive/constituents/charles-moore?north-america/1960-1969/photograph/all/0

https://risdmuseum.org/art-design/collection/race-riot-68047

https://www.sothebys.com/en/auctions/ecatalogue/2013/nov-2013-contemporary-evening-n09037/lot.16.html

https://economictimes.indiatimes.com/wealth/personal -finance-news/sothebys-to-present-silver-carcrash-by-andy-warhol-at-new-york-auction/articleshow/23527947.

Картина энди уорхола: 404 | Артифекс