Картина с деревом на переднем плане: Пейзаж с деревом на переднем плане 1888 — Картина маслом

Содержание

Сочинение по картине Шишкина «Утро в сосновом лесу»

Главная  › 

Сочинения по картинам  › 

Шишкин И.И.  ›  Сочинение по картине Шишкина «Утро в сосновом лесу»

Картина Шишкина «Утро в сосновом лесу» — это на редкость реалистичное полотно, которое показывает нам, как тонко чувствовал автор живую природу. Только человек внимательный и аккуратный мог так передать забавы маленьких медвежат, которые играются на поляне, как маленькие дети в песочнице.

На переднем плане картины художник поместил четырех резвых медвежат. Два медвежонка забрались на обломок дерева, а третий — робко пытается присоединиться к товарищам. Четвертый малыш — это настоящий отщепенец. Он отошел от играющих друзей в сторону, встал на задние лапы — и стоит так, всматриваясь вдаль. Играющиеся медвежата совсем не похожи на свирепых животных, какими их привыкли все изображать, а больше напоминают безобидных котят.

На заднем плане картины можно увидеть деревья, которые робко выглядывают из тумана. Они кажутся необычными, сказочными, что придает всей картине легкий налет волшебности. В какой-то момент начинает представляться, что на полянке играют не медведи, а заколдованные братья.

Картина написана с большой любовью и нежностью. Сразу становится ясно, что художник любит и ценит родной край. Старается показать остальным его красоту и неповторимость. Мне картина понравилась, но с медведями в лесу встретиться не хотелось бы.

Сочинение по картине Шишкина «Утро в сосновом лесу»

«Утро в сосновом лесу» — одна из известнейших картин великого русского художника И. И. Шишкина, которую он написал в 1889 году.

На полотне изображена глухая лесная чаща на рассвете, пробуждающаяся ото сна. Солнце еще только позолотило верхушки старых сосен, и в овраге все еще висит туман. Мастер поразительно точно смог передать состояние природы.

Лесные обитатели – медведица со своими детенышами — уже проснулись и принялись резвиться на большом стволе упавшего дерева, которое, видимо, было вывернуто из земли ураганом вместе с корнем. Ствол переломлен пополам, и его верхушка перекинута через овраг. Видно, что медвежата сытые и веселые. Но на бревне только двое медвежат, третий засмотрелся вглубь леса — возможно, на сизый туман или на ранние солнечные лучи. Они играют, а мама внимательно следит за их шалостями, охраняя и оберегая своих малышей-непосед, ведь в лесу кроется множество опасностей.

О том, что это место глухое и далекое от человеческих поселений говорит то, как свободно здесь чувствует себя медвежье семейство, а еще могучие сосны, растущие вокруг.

Картина очень позитивна, она написана в теплых тонах, много зеленого цвета. Художник смог создать ощущение восхищения первозданной, дикой природой родного края. Она погружает зрителя в атмосферу свежего лесного утра, можно услышать птичьи голоса и забавный рев медвежат, а если постараться, то можно почувствовать запах хвои. Это все становится возможным благодаря таланту великого пейзажиста.

Когда я смотрел на эту картину, она сначала вызвала у меня радость и подъем, а потом легкую грусть потому, что я подумал о том, сколько диких животных живет в неволе, когда их место в дикой природе. Глядя на это полотно, можно лишний раз убедиться, насколько гармонично они выглядят в естественной среде обитания.

Сочинение по картине «Утро в сосновом лесу» Шишкин И.И.

Иван Иванович Шишкин – российский художник, картины которого полностью пронизаны настоящей любовью к природе родного края, к его животным и птицам. Больше всего мне нравится его картина «Утро в сосновом лесу», которая каждый раз, когда я на нее смотрю, вызывает в моем сердце ощущение радости и душевного подъема.

На этой картине нарисована большая бурая мама-медведица со своими тремя забавными и веселыми медвежатами, которые ранним утром решили порезвиться на лесной полянке. Солнце еще только-только начало подниматься над горизонтом, его лучи еще только начали освещать верхушки сосен и не осветили еще лес полностью, но мишки уже полны сил и энергии, они уже готовы исследовать всю округу, как обычные непоседы-детишки.

На этот раз мишутки облюбовали место для игр возле сосны, которая видимо пострадала после ночного урагана, который выдернул ее из земли вместе с корнем. К тому же дерево переломилось пополам и его верхушка оказалась переброшенной через овраг, над которым клубиться серый утренний туман. Но мишкам не страшно из-за тех бедствий, которые причинил ураган их лесу, наоборот, это вызывает у них интерес и любопытство. Поэтому и залезли они на сломанную сосну, и играются с ней.

А за детскими шалостями внимательно следит мама-медведица. Сама она не залезает на сломанную сосну, ведь медведица уже видела немало таких деревьев. Но все же она внимательно следит за своими тремя медвежатами зорким взглядом, чтобы в случае опасности прекратить их шалости и защитить своих детишек, ведь самое главное для нее – их безопасность и здоровье, как, в принципе, и для любой мамы на свете.

Эта картина изображает природу такой, какая она есть и какой должна быть. Глядя на это медвежье семейство становится очень жалко тех зверей, которых держат в клетках в зоопарках и очень хочется сделать что-то, чтобы освободить их и отправить в заповедник.

Сочинение по картине Шишкина «Утро в сосновом лесу»

Пожалуй, самая известная картина выдающегося русского пейзажиста И. И. Шишкина – «Утро в сосновом лесу». Картина была написана в 1889 году.

Считается, что замысел картины был подсказан Шишкину известным художником Савицким К. А. Рукой именно этого художника, кстати, были написаны медведица и играющие медвежата. Однако Третьяков, который приобрел полотно, решил закрепить за ним авторство Шишкина, поскольку считал, что основная работа сделана именно им.

Возможно, именно занимательный сюжет картины способствовал ее популярности, однако настоящая ценность полотна определяется точно переданным состоянием природы. Перед нами – не просто сосновый лес, а глухая чаща, которая начинает пробуждаться ранним утром. Солнце только-только всходит. Его смелые лучи уже позолотили верхушки огромных деревьев и проникли вглубь чащи, но над глубоким оврагом еще не рассеялся влажный туман.

Проснулись обитатели чащи – три медвежонка и медведица. Похоже, малыши сыты и довольны. Они беззаботно и неуклюже возятся на сломанном стволе упавшей сосны, а медведица внимательно наблюдает за их игрой, чутко реагируя на шорохи пробуждающегося леса. Могучая сосна, которую ураган когда-то выдернул с корнем, и медвежье семейство, резвящееся на нем, — все это рождает у нас ощущение глухости и отдаленности этого уголка дикой природы.

Картина «Утро в сосновом лесу» показывает, как умело Шишкин решает проблему взаимодействия цвета и света в живописи. Колорит заднего плана полотна – прозрачный, неопределенный, а переднего – глубокий, красочный, хорошо разработанный. В картине, которая заслуженно считается для многих поколений людей образцом пейзажа, в полной мере передано восхищение художника красотой и богатством первозданной природы.

Помимо описания картины И. И. Шишкина «Утро в сосновом лесу», на нашем сайте собрано множество и других описаний картин различных художников, которые можно использовать как при подготовке к написанию сочинения по картине, так и просто для более полного ознакомления с творчеством прославленных мастеров прошлого.

КАРТИНЫ

«Учись находить в жизни радость — вот лучший способ привлечь счастье», —  говаривал Франклин.

Искусство эту радость способно подарить — и детям и взрослым. Здесь вы найдёте работы на разные темы, и в разных стилях.

Можно оформить заказ на портрет своего домашнего любимца, а также заказать своим детям кукольный театр,

в котором они смогут ставить постановки сказок и придумывать собственные истории.

«Август» 2011

 

Размеры 40х50 см

Холст / акрил

 

Картина выполнена в жанре постимпрессионизм. Лунная ночь, домик в лесу, спрятанный за деревьями, и игра отражений. Основные цвета – синий и оранжевый.

 

Доступна к заказу

 

«Вечер в городке» 2009

 

Размеры 40х50 см,

Холст / акрил

 

Картина выполнена в жанре импрессионизм. Зритель смотрит на город сверху, на разноцветные черепичные крыши, старую башню и кусочек моря.

 

Доступна к заказу

«Набережная» 2019

 

Размеры 50х60 см

Холст / акрил

 

Картина выполнена в жанре импрессионизм и изображает приморский город с моря. Пришвартованные лодки, небольшие строения и горы.

 

Доступна к заказу

«Поцелуй под дождем» 2018

 

Размеры 50х50 см,

Холст / акрил

 

Картина выполнена в жанре импрессионизм. Молодая пара на переднем плане прячется под зонтом от дождя и окружающих. Но окружающие тоже заняты собой, а город тает на заднем плане.

 

Доступна к заказу

«Сенбернар» 2017

 

Размер 40×50 см,

Холст / акрил

 

Картина выполнена в анималистическом жанре. Основным объектом является щенок породы Сенбернар.

Картина выполнена также в жанре портрета – здесь ничто не отвлекает внимания от самой собаки, которая выведена на передний план за счет черного фона.

Сенбернары известны своей преданностью и заботой – именно они помогали искать заблудившихся в буране путешественников, спасая их от обморожения. Также они являются одним из символов Швейцарской Конфедерации.

 

Находится в частной коллекции

«Мопс» 2016

 

Размеры 40х50 см,

Холст / акрил

 

Картина выполнена в анималистическом жанре. Основным объектом является собака породы мопс.

Сюжет проработан в горизонтальной плоскости – спрятавшись за подарком умильный мопс одной лапкой старается подкатить к себе баночку со столь популярной сегодня органической косметикой.

Мопсы известны своими складками и здесь есть игра слов – на банке, которую собака держит лапой, написано, «wrinkle balm» что означает «крем от морщин».

Фирма-производитель собачьей косметики реальная. С разрешения автора фотография картины была выставлена в аккаунте @naturaldogcompany в Instagram, где тут же набрала несколько тысяч лайков.

 

Доступна к заказу

«Корги» 2017

 

Размер 40×50 см,

Холст / акрил

 

Картина выполнена в анималистическом жанре. Другое название работы «Pumpkin Latte please». Работа излучает заряд бодрости и позитива, настоящее спасение от зимней хандры. По красивой легенде корги впервые появились в Уэльсе – добрые эльфы подарили ушастого щенка заблудившимся в лесу фермерским детям. Задний план проработан в стиле паттерна, чтобы не отвлекать внимание от любимца королевы Великобритании.

 

Находится в частной коллекции

«Самоед» 2019

 

Размеры 40х50 см,

Холст / акрил

 

Картина выполнена в анималистическом жанре. Работа вдохновлена ранними фильмами Вуди Аллена. Пес-интеллектуал, улыбаясь, смотрит на зрителя. На столе стопка книг, крафтовый стаканчик с эспрессо и настроение плодотворного дня.

 

Находится в частной коллекции

«Французский бульдог» 2020

 

Размер 30х40 см,

Холст / акрил

 

Картина выполнена в анималистическом жанре. Портрет французского бульдога в шарфе.

 

Находится в частной коллекции

«Джек-Рассел» 2020

 

Размеры 40х50 см,

Холст / акрил

 

Картина выполнена в анималистическом жанре. Портрет джек-рассела в шарфе.

 

Находится в частной коллекции

«Корги» 2016

 

Размер 30х40 см,

Холст / акрил

 

Картина выполнена в анималистическом жанре. Всем нам сложно начать рабочий день, особенно после входных. Корги потягивается, жмурясь, но вполне готов к новому дню. На столе стаканчик с раф-кофе, на шее бандана.

 

Находится в частной коллекции

«Геометрия» 2017

 

Размеры 80х80 см,

Холст / акрил

 

На картине геометрический узор, повторяющийся в белом и черном цветах.

 

Доступна к заказу

«Фантазия» 2020

 

Размер 40х50 см,

Холст / акрил

 

Картина выполнена в жанре наивного искусства.

Детали особенно ярко выделяются на черном фоне и можно проследить отсылки к разным сказкам, причем каждый зритель увидит что-то свое. Здесь и золотая рыбка, и дракон, и снеговик, и отсылка к Миядзаки.

 

Доступна к заказу

«Скоморохи» 2015

 

Размеры 70х90 см,

Холст / акрил

 

Картина выполнена в жанре наивного искусства. Здесь изображены скоморохи из детских сказок. Вокруг конфеты, подарки, леденцы и воздушные шарики, создающие внутреннюю раму для самой работы. Прекрасное украшение детской.

 

Доступна к заказу

«Детский рисунок» 2012

 

Размер 100х100 см,

Холст / акрил

 

Картина выполнена в жанре абстракционизма. В детской манере изображены слон, ракета, лошадь, рыбы, звезды и домики.

 

Находится в частной коллекции

«Лев» 2016

 

Размеры 40х50 см,

Холст / акрил

 

Картина выполнена в анималистическом жанре и изображает портрет льва крупным планом, который смотрит прямо на зрителя.

 

Находится в частной коллекции

«Лев» 2015

 

Размер 60х60 см,

Холст / акрил

 

Картина выполнена в анималистическом жанре и изображает задумчивого льва.

 

Находится в частной коллекции

«Львы» 2017

 

Размеры 50х80 см,

Холст / акрил

 

Картина выполнена в анималистическом жанре и изображает пару львов, прижавшихся друг к другу.

 

Находится в частной коллекции

«Девушка в шляпе слауч» 2012

 

Размер 50х70 см,

Холст / акрил

 

Картина в жанре фэшн-иллюстрации, изображает загорелую улыбающуюся девушку.

 

Доступна к заказу

«Девушка в широкополой шляпе» 2012

 

Размеры 50х70 см,

Холст / акрил

 

Картина в жанре фэшн-иллюстрации, изображает девушку в огромной шляпе.

 

Доступна к заказу

«Лев и стрекоза» 2018

 

Размер 90х70 см,

Холст / акрил

 

Картина выполнена в анималистическом жанре и изображает льва, лежащего на спине у дерева и любующегося стрекозой.

 

Находится в частной коллекции

«Цветущий сад» 2015

 

Размеры 80х100 см,

Холст / акрил

 

Картина выполнена в жанре постимпрессионизм и вдохновлена работами Ван Гога.

 

Находится в частной коллекции

«Хлопок» 2017

 

Размер 50х70 см,

Холст / акрил

 

Натюрморт с хлопком в вазе.

 

Находится в частной коллекции

«Букет тюльпанов» 2018

 

Размеры 50х70 см,

Холст / акрил

 

Натюрморт. Букет тюльпанов.

 

Доступна к заказу

«Бенгальский кот» 2021

 

Размер 40х50 см,

Холст / акрил

 

Картина выполнена в анималистическом жанре и изображает бенгальского кота .

 

Находится в частной коллекции

«Серия городов» (Лондон/Париж/Москва/Берлин) 2017-2020

 

Размеры 50х60 см

Холст / акрил

 

Жанр – абстрактный конструктивизм.

 

Доступны к заказу

 

Диптих Лондон-Париж

Доступен к заказу

 

Картины выполнены в жанре городского пейзажа и изображают наиболее известные памятники архитектуры и культуры двух европейских столиц.

Представлены в виде диптиха, поскольку задуманы и выполнены в одной цветовой гамме, поддерживаются строгими формами и оформлены идентичными рамами.

На картине «Лондон» художница изобразила лондонские достопримечательности, собранные из геометрических фигур, связав их между собой пересекающимися плоскостями. Центром композиции служит известное здание архитектора Нормана Фостера, небоскреб Мэри-Экс (30 St Mary Axe). Справа от него мы видим часовую башню Вестминстерского дворца, с 2012 известную как Башня Елизаветы, но более популярную под названием Биг-Бен (Big Ben).

Красная кирпичная кладка дает отсылку к «краснокирпичным университетам» (Red Brick Universities) и мы переходим к «ливерпульской четверке», шагающей по Abbey Road. Оттуда мимо вышколенного и чопорного королевского гвардейца мы можем пройти к телефонной будке, по пути выпив чашечку чая. Для тех, кто предпочитает более крепкие напитки, приготовлена пинта Гиннеса или сидра. Метро призывает к приключениям, корона и ноты не случайно находятся рядом (Помните песню Sex Pistols “God Save the Queen”?). В левом верхнем углу картины располагается Лондонский глаз (London eye), с которого открывается отличная панорама на всю картину. Тауэрский мост приводит нас к красному даблдекеру (doubledecker), который отвезет нас в отель. Или же на картине было вовсе не метро, а поезд в Евротоннеле?

Прокатившись под Ла-Маншем и едва сойдя с поезда, мы попадаем в столицу куда более расслабленную. Центром композиции в данной работе является базилика Святого Сердца (Basilique du Sacré-Cœur), на одном уровне с которой расположены вход в Лувр и Эйфелева башня. Можно полюбоваться шедеврами мирового искусства или нервюрным сводом Собора Парижской Богоматери (Notre-Dame de Paris) и пойти в кафе или brasserie, чтобы выпить бокал вина. После apéritif можно смело идти в бутик Chanel, или, захватив хрустящий багет, бежать к Эйфелевой башне. Там можно снять свое маленькое кино, а затем выпить кофе, который принесет заносчивый garçon в тельняшке. Или это будет мим? А в сумерках можно отправиться к триумфальной арке и слушать la vie en rose.

 

Задумка автора оригинальна, работа может считаться авангардной, стилистически картины можно отнести к жанру абстрактного конструктивизма.

Размеры 155х112х52 см

 

Выполнен из фанеры и березовой доски, покрашен акриловой краской на водной основе наивысшего качества.

На фасаде изображен оркестр, всегда готовый поддержать маленьких артистов и самые доброжелательные зрители – родственники, друзья и верная собачка.

Время на часах можно установить любое, а на меловой доске написать афишу сегодняшнего спектакля.

 

Театр делается на заказ. Время исполнения – три недели.

 

Доступен к заказу

Топ-7 таинственных картин – ARTandYou.ru

Искусство не всегда является синонимом прекрасного, будучи отражением реальности объективной,  часто оно создается, чтобы передать и отрицательные стороны человеческого бытия – людские пороки, нравственное разложение. Иногда искусство обращается к изображению мифологических сцен, иногда художник создает собственные притчи, иногда просто фиксирует события, невольным свидетелем которых он оказался. Но существуют также картины, которые не несут нравственной задачи перевоспитания общества, не освещают какие-либо трагические события, не поражают сознание зрителя отвратительными сценами и образами, и часто выглядят на первый взгляд вполне обычно, но есть в них что-то такое таинственное, фантастическое, жуткое, тревожное, что заставляет замирать от леденящего душу саспенса.

Хуан Санчес Котан, «Айва, капуста, дыня и огурец», 1602, Музей искусства Сан-Диего.

Казалось бы, что может быть фантастического и таинственного в натюрморте. Но разглядывая этот натюрморт, написанный испанским художником всего лишь в начале XVII века, совершенно отчетливо прочитывается нечто сюрреалистическое. Расположение предметов и их связи друг с другом совершенно не характерны для натюрморта в классическом его понимании. Яблоко и капуста представляют собой вертикаль, парящую в воздухе, а дыни и огурец, ведут диагональ из глубины картины. Все объекты, расположены внутри странной ниши на фоне космически-черного фона и подсвечиваются откуда-то извне, таким образом, что абсолютно по-разному отбрасывают тени – айва и капуста вообще не отбрасывают тени на столешницу, они как бы поглощаются темнотой за ними, а тени дынь и огурца отбрасываются и вертикально и горизонтально, все увеличиваясь по отношению к нам. Таким образом, огурец находящийся ближе всего к зрителю, кажется настолько объемным, будто он уже вышел за рамки картины в реальный мир. Хотел ли автор передать зрителю некий метафорический смысл или просто исследовал проблемы освещения и трактовки объемов, каждый решает сам для себя.

Франциско Прадилла Ортиз. «Сумасшедшая Иоанна», 1877. Музей Прадо, Мадрид

На картине изображена вторая дочь испанского короля Фердинанда II и его королевы Изабеллы Иоанна (1479-1555). После смерти своего мужа, Иоанна, отказываясь спать, проследовала с гробом до места захоронения не смыкая глаз под проливными дождями и сквозными ветрами. Остаток своей жизни она провела в женском монастыре. Туманная погода, церковь на заднем плане, засохшее дерево создают ощущение напряжения и тревоги, которое еще больше подкрепляется отрешенным безумием в глазах Иоанны, лицо которой явно контрастирует с лицами остальных персонажей. Кажется, только ее одну волнует, происходящее. Остальные зеваки выглядят чем-то вроде фона, главным же смысловым центром картины выступают Иоанна и гроб.  Что зловещее, будто сама смерть отражается в ее глазах, заставляя картину звенеть от напряжения.

Арнольд Беклин. «Остров мертвых», 1880 Базель, музей изобразительных искусств.

Первоначальный вариант работы написан в 1880 году, в дальнейшем 3-м вариант работы принадлежал лично Адольфу Гитлеру и был выставлен в канцелярии Рейха. Перед нами остров, освещенный золотыми лучами уходящего солнца. В центре, в окружении вздымающихся скал, растут темные кипарисы. Рядом с ними – здание из белого мрамора, своеобразный «дом прощаний», символ перехода в иной мир, откуда, как известно, нет возврата. По зеркальной глади воды к острову приближается небольшая лодка с гребцом, одетым в темно-красный плащ. Перед ним стоит фигура в белом, она развернута спиной к зрителю, и потому мы никогда не увидим ее лица. Лодка перевозит саркофаг, покрытый светлой тканью. Молчание, царящее над этой мрачной вечерней сценой, практически осязаемо. Глубокое впечатление, производимое этой работой, обусловлено, с одной стороны, тем, что ее сюжет разворачивается в некоем месте, не существующем в реальности, с другой – многозначностью формы и содержания. На картине Беклина остров – это идея, фантазия, устремление. Это теневой мир, который освещают лишь неверные лучи заходящего солнца. Все в нем одновременно ясное и туманное, светлое и темное, реальное и фантастическое. Ничто не является тем, что кажется. Любая попытка зафиксировать или расшифровать его оказывается бесплодной.

Фернан Кнопф. Покинутый город. 1904. Королевский художественный музей Бельгии, Брюссель.

Покинутый город – одна из наиболее выдающихся фантастических работ Кнопфа: на ней нет людей, а ее внутреннее пространство очаровывает взгляд, одновременно внушая угрозу. С помощью реалистических художественных средств Кнопф изображает угол площади Мемлинг в бельгийском городе Брюгге. Окна и двери здания закрыты, а некоторые даже заложены кирпичом. От памятника нидерландскому художнику XV века, с которым часто сравнивали самого Кнопфа, остался лишь постамент. Сама скульптура исчезла. Море угрожающе близко подошло к площади. Низкое небо накрывает город, граница между ним и безмолвной поверхностью воды почти стерта. На первый взгляд город выглядит совершенно мирным, спокойным, словно картинка на открытке, кажется в нем не происходит ничего необычного. Однако чем дольше зритель смотрит на холст, тем сильнее «вовлекается» в водоворот молчания, в таинственный, сверхъестественный мир этого пустынного пейзажа. Почему не видно людей? Куда подевались все жители? Покинули они город или погибли? И если да, то как? На первый взгляд в работе нет никаких признаков катастрофы, и это само по себе внушает страх. Пропорционально отсутствию достоверных признаков несчастья, растет значение фантастических элементов, а вместе с ними – ощущение угрозы и опасности.  В произведении Кнопфа фантастика выражается в загадочности, туманности изображения. С одной стороны, сцена передана реалистично, однако с другой – она заставляет дрожать от предчувствия нависшей беды, природа которой остается невыясненной. Ужас здесь не является таковым в прямом смысле слова, оно ужасно не с художественной точки зрения, а таится в красоте, во внешнем благополучии и покое. Именно в этом противоречии заключается прелесть картины. Тайна остается тайной; ответы зрителю стоит искать в собственной душе. Загадки, которые задает Кнопф, не всегда удается разгадать.

Рихард Эльце. Ожидание. 1936-1936. Музей современного искусства (МОМА), Нью-Йорк.

Внутреннее пространство полотна «Ожидание» кажется туманным и призрачным; оно написано разными оттенками коричневого, серого и желтого. Основное действие (некий таинственный и невидимый нам процесс) разворачивается в небе, где проносятся освещенные летним солнцем облака. Немногочисленные кустарники оживляют холмы, полого спускающиеся вниз, к мертвой земле в центре холста. Это пространство, заполненное исключительно цветом, там ничего не происходит и ничего не возможно разглядеть, — это «слепое» пятно, которое зритель может и не заметить, так как ничто в нем не привлекает внимания, однако чем дольше на него смотришь, тем более сильное впечатление оно производит. На холме, на переднем плане в нижней части композиции стоит группа людей в городских плащах и шляпах, их взгляды направлены в одну сторону. К зрителю персонажи развернуты спиной, поэтому мы видим эту сцену как бы из-за спин. Лишь один мужчина и одна женщина смотрят в другом направлении. Напряжение, заразительное и почти осязаемое, таится в их фигурах, являющихся композиционным центром холста. Кажется, что они ждут надвигающуюся катастрофу, первые сигналы которой можно различить в отдалении. Все великие бедствия начинаются с малого, со знаков, которые порой бывает трудно заметить. С символической точки зрения, можно предположить, что данная работа немецкого художника повествует о тех немногочисленных людях, которые уже в 1935 году предвидели события, что разыграются несколькими годами позже и охватят практически весь мир. Однако, если не брать в расчет предположение о том, что эта работа предвосхищает роковые события в Германии, с эстетической точки зрения, она становится шедевром, полным разных смыслов и значений, привнесенных в нее отчасти неосознанно. Само по себе ожидание придает картине напряжение, которые выходит за рамки полотна и производит глубокое впечатление на зрителя. Несмотря на то, что никакой очевидной драмы не разворачивается, без мощной игры цвета, без прямого указания на некие события и абсолютно без какой бы то ни было поучительности, художнику удается придать произведению неповторимое ощущение трагизма.

Грант Вуд. Американская готика. 1940. Чикагский институт искусств.

Картина по композиционному решению напоминает американские фотографии конца XIX века, и на первый взгляд, выглядит портретом обычных жителей средней полосы Америки – фермера и его толи жены, толи дочери (сам художник не комментировал этот момент). Ничего трагичного или драматичного в ней на первый взгляд нет. Однако, то как воинственно фермер держит виллы в руках, как швы на его рубашке и отражение в  окнах дома на заднем плане повторяют те же виллы создает ощущение воинственности и недоброжелательности, заставляет холодок пробежаться по спине. Сдержанное выражение лиц и старомодные костюмы персонажей отчасти выражают пуританскую фанатичность, дополняемую обидой и возмущением, наполняющими их глаза. Дом представляет собой образец стиля плотницкой готики, а моделями главных героев послужили сестра художника и его зубной врач. Реальных прототипов героев никогда не существовало. Существует масса интерпретаций данной картины, сложно сказать какая из них имеет большее право на существование. В целом картина символизирует то, что видимое не всегда является истинным, обнажает определенный внутренний конфликт, который          каждый из зрителей может понимать по-своему. Тайна остается тайной, поражая воображение зрителя.

Эндрю Уайет. Мир Кристины. 1948. Музей современного искусства (МОМА), Нью-Йорк.

«Мир Кристины», широко известная картина, говорящая о том, что сельская идиллия – всего лишь прекрасная иллюзия, занавес, за которым скрывается реальность. Молодая женщина, полусидящая спиной к зрителю в море травы, кажется вполне спокойной – но это лишь на первый взгляд. В некотором удалении от нее проходит проселочная дорога, ведущая на холм, к дому, слева от которого расположен амбар. Даже не зная, что на картине изображена парализованная Кристина Олсон, соседка и приятельница Уайетов, зритель понимает, что расстояние от нее до дома слишком велико. «В изображении этого дома окна – это глаза, в них отражается душа. Для меня каждое окно символизирует часть жизни Кристины» (Эндрю Уайет). Художник тщательно переносит на холст сельский пейзаж, доступный пониманию любого зрителя. В тоже время такой реализм открывает выход в другое измерение, где царят иллюзии и тайные значения. Работы Уайета, выполненные с величайшим мастерством, говорят о неоднозначности спокойного, чуждого суеты сельского мира. Красота – это лишь покров, под которым таится суровая реальность. В идиллических пейзажах Уайета всегда присутствует противоречие, заключающееся хотя бы в том, что этой идиллии никогда не существовало.

Сочинение по картине Остроухова Золотая осень 2, 7 класс описание

Лучшие сочинения и пересказы

  • Сочинения
  • По картинам
  • Остроухов
  • Золотая осень

На картине И. С. Остроухова  «Золотая осень» изображено прекрасное время года. Деревья уже переоделись в золотой наряд, но нет еще осенних дождей и промозглой погоды.

На переднем плане предстает дерево с желтыми листьями. Это клен. Оно является частью изображенного леса. Листва с его веток еще не начала опадать, и дерево показывает нам всю красоту своего убранства. В лесу еще видны остатки зелени. Их можно заметить сквозь переплетенные ветви деревьев. На земле, из-под опадающей листвы, еще пробивается зелень травы. Это прощание с летом. Думается, что автор на полотне изобразил сентябрь. Небо уже не такое летнее и безоблачное. Сквозь осеннюю листву можно рассмотреть его неяркие краски. Однако день еще ясный. На мантии из листвы играют последние теплые блики. Пора затяжных дождей еще не наступила.

Слева от дерева художник изобразил тропинку. На ней уселись две сороки. Их черно-белый наряд ярко выделяется на фоне  начинающего погружаться в осень леса. Видимо даже птицы обсуждают наступление осени. Уже не так беспощадно жарит солнце, и сороки могут спокойно щебетать, не прячась от него в тени деревьев. С приходом осени все деревья – клены, березки, осины – сменили свое убранство. Даже дерево с криво растущим стволом кажется приветливым. Сороки словно наперебой рассказывают ему о грядущих изменениях. Оно смиренно соглашается в ними.

Можно предположить, что автору особенно по душе это  время года. Оттенки желтого подобраны очень тонко и передают всю прелесть осеннего настроения. Кажется, что у подножья деревьев созревают осенние ягоды. Опавшие листья сохраняют их тепло. Хочется прогуляться по этому месту. Ощутить все запахи осени, вдохнуть остывающий воздух. Автор передал именно то настроение, когда ощущается магия перевоплощения. Еще не все утрачено от летних дней, но и перемены неизбежны.

От произведения передается дух спокойствия и умиротворения, готовности к изменению. Все вокруг живет ожиданием. Еще немного и холодные дни захватят весь лес.  Листва начнет опадать, и ветер станет разносить ее по всем уголкам леса. Красота леса угаснет. Начнется новое время года, а с ним появится и новое убранство. Начнется ожидание возрождения жизни.

Сочинение-описание картины Золотая осень

Картина выполнена в желтых тонах. Этот яркий радостный цвет уверенно преобладает в пейзаже. Стоит погожий осенний день, нет ни дождя, ни ветра, ни один листик не шелохнется на ветке. В лесу тихо и спокойно.

На переднем плане картины изображены два больших, сильных дерева, они очень четко прорисованы, можно рассмотреть каждый листочек. Это клен и осина, которая склоняет свои ветви прямо к земле. Их черные мощные стволы сильно контрастируют с золотистой листвой. У клена листья крупные, осень раскрасила их не только в желтый, но и в насыщенный оранжевый, и чуть красноватый цвет. Клен немного закрывает осину благодаря своей широкой листве. У осины листочки очень мелкие, другого оттенка, поэтому деревья не сливаются. Осина немного робко выглядывает из-за клена.

Сквозь еще густую листву деревьев вдалеке чуть-чуть просматривается серо-голубое небо. Погода скорее пасмурная, ведь солнца не видно, но и без него на картине много желтого цвета. Лишь справа на дальнем плане есть еще немного зеленых листьев, они мягко оттеняют клен и осину.

Лес только начинает сбрасывать листву. На зеленой сочной траве видны первые опавшие листья – признаки начала осени. Они уже успели высохнуть и сменить свой цвет на темно-коричневый. Чуть выше травы выросли молодые клены, их крупные резные листья местами желтые, а местами еще зеленые. Молоденький клен в левом углу картины весь лимонно-желтый. Темный передний край с опавшей листвой, а также стволы деревьев уравновешивают слепящий огненный цвет пейзажа.

Дальний план картины немного размыт. Здесь осенние деревья прорисованы не так четко, но клены все равно легко узнать. На фоне золотого облака листьев художник черным цветом изобразил стволы старых деревьев с причудливо изогнутыми ветвями, похожими на лапы огромных пауков. За ними лес совсем густой.

Между деревьями проходит небольшая тропа, по обе стороны она густо поросла зеленой травой, которая еще не успела стать коричневой, а лишь начинает желтеть. Дорожка извивается тонкой светлой лентой и весело убегает вдаль.

Прямо посреди тропинки, на самом видном месте сидят две крупные сороки. Их легко узнать по характерному оперенью. Белая грудь и черные крылья с поднятыми хвостами выделяются на фоне золотистого пейзажа, они сразу привлекают к себе внимание. Сороки что-то нашли на тропинке и обсуждают свою находку. Людей нигде не видно, поэтому обычно пугливые птицы сейчас мирно разгуливают по дорожке в поисках пищи. Спешить им некуда: до морозов еще далеко.

Картина наполнена спокойствием и умиротворением. Золотая листва говорит о том, что еще тепло и можно спокойно наслаждаться удивительной красотой осеннего леса.

Вариант 3

Илья Семенович Остроухов, знаменитый русский художник передвижник, который работал в жанре пейзаж.  Автор имел особый талант, в природе он видел те черты, которые не могли увидеть другие. Ему удавалось перенести на свой холст не только пейзаж, но и настроение того дня.

Картина «Золотая осень», была написана Остроуховым в 80-х годах, а впервые он показал ее на всеобщее обозрение в 1887 году на выставке. Данное творение искусства, было написано художником после того, как он побывал в известнейшем поместье Абрамцево. Именно там Илья Семенович получил вдохновение для написания данного холста. На данный момент, картина находится в Третьяковской галереи.

Когда смотришь на холст, то чувствуется тепло и спокойствие. Золотистый цвет листвы очень согревает. Художник использовал немного цветов в картине, но их достаточно для того, что бы передать все настроение осеннего дня. В основном преобладает золотисто-желтый и зеленый цвет. Стволы деревьев окрашены черным и кое-где на деревьях виднеются оранжевые, красные и коричневые листья.

На переднем плане изображены два больших, могучих клена. Осень уже окрасила их в желтый цвет. Так же виднеются и совсем юные деревья клена.

Через лес идет маленькая натоптанная тропа. Если хорошо присмотреться, то можно увидеть, как две сороки стоят на ней. По левую сторону так же стоят красивые желтые деревья. Наверное, это дуб, потому что стволы очень толстые, крепкие и могучие.

Дополняет эту картину зеленая трава, которая желтеет позже листьев. Благодаря этой зелени холст становится ярче. Скорее всего, это начало осени, так как погода еще теплая и солнечная, листья не опадают.  Присмотревшись можно заметить, что зеленая листва еще присутствует на деревьях.

Видно, что Остроухов, очень любил природу родного края. В данную картину вложена его душа. Художник с трепетом души прорисовывал каждую веточку дерева, каждый листочек и травинку.

Описание настроения картины Золотая осень

Популярные сегодня темы

  • Сочинение по картине Волкова Октябрь

    Русский художник Волков Ефим, является довольно незаурядным мастером холста и кисти. Его работы по — своему всегда выходили уникальными. Сам художник родился в городе Петербург в 1844 году.

  • Сочинение по картине Левитана Золотая осень описание для 3, 4, 5, 8 класса

    Пейзаж Золотая осень написана русским художником Исааком Левитаном в 1895 году. Золотистая гамма цветов привлекает внимание зрителя. Выбранные тёплые оттенки подчёркивают приход золотой осени

  • Саврасов

    Творческая деятельность известного пейзажиста многогранна по своему содержанию. Если посмотреть ранние работы Саврасова, то среди них можно выделить такие вещи, как «Вид на Кремль от крымского моста в ненастную погоду»

  • Сочинение по картине Рылова Зеленый шум 3, 7, 8 класс

    Одно из таких творений знаменитого художника Рылова – это картина под названием «Зеленый шум». Над созданием данного полотна, Аркадий Александрович работал около двух лет.

  • Сочинение по картине Зима в лесу. Иней Шишкина 3 класс

    Великий художник-пейзажист И. И. Шишкин написал картину “Зима в лесу” в 1877 году. На картине художник изобразил красоту леса в зимний период. Перед глазами зрителя раскинулось настоящее снежное царство.

Описание картины «рожь», шишкин, 1878

1878 г. Масло, холст. 107 x 187 см Tretyakov Gallery, Moscow, Russia

 Описание картины Шишкина И. И. «Рожь»

Пейзаж-картина под названием «Рожь» была написана художником в 1878 году, для ее создания была использована яркая манера живописи. Картина вызывает чувство покоя.

На первом плане изображено золотое поле с созревшей рожью. Плодородные колосья колышутся от легкого дуновения ветерка, уже ждут, не дождутся сбора урожая. На обочине и еще в некоторых местах золотые колосья под своим весом наклонились к земле. Такое колыхание колосьев как будто излучает аромат созревшего урожая.

Вдали виднеются голубые васильки, восхитительно украшающие весь пейзаж. На переднем плане видна извилистая полевая дорога, которая повидала на своем пути множество путешественников. Большая часть дороги заросла полевой травой, особенно белыми ромашками. Извиваясь, она направляется вглубь поля.

Вдоль извилистой дороги, на ржаном поле стоят величественные сосны, которые напоминают сторожей. Справа старая сосна низко нависает над рожью. Она совершенно голая с одной стороны, наверное, ощутила на себе воздействие холодного северного ветра.

И наоборот, деревья слева радуют нас разнообразием своих нарядов: от наиболее пышных форм, полностью одетых ветками, до совершенно голых сосен.

В небе можно наблюдать танцующих полевых птиц, которые наслаждаются летними теплыми деньками. Над ними плывут легкие воздушные облачка. А в глубине картины сгустились тучки, возможно, вскоре пойдет небольшой дождик.

Автор вложил в картину огромную любовь к природе, к родному краю. Это чувство передается зрителю, который может насладиться прекрасным творением этого художника.

Лучшие картины Шишкина И.И.

Источник: http://www.hudojnik-peredvijnik.ru/shishkin/shishkin-i-i-rozh/

Шишкин «Рожь» описание картины

История и описание картины художника Ивана Шишкина «Рожь».

Иван Иванович Шишкин (1832-1898) является одним из самых известных художников прошлого, одним из самых замечательных пейзажистов и одним из самых известных передвижников. В его творчестве немало картин, которые сегодня считаются настоящими шедеврами, прославляющими искусство русских художников. Одной из таких картин является великолепная по содержанию «Рожь».

Работа, которую мы здесь рассмотрим, была написана в 1878 году. Холст, масло. Размеры: 107 × 187 см. В настоящее время находится в Государственной Третьяковской галерее, Москва. Считается одной из тех картин, которые в лучшей манере отражают невероятную красоту и глубину искусства художника.

Идея для картины появилась у Ивана Шишкина после посещения Елабуги, где он побывал в 1877 году. Здесь, на Лекаревском поле, он увидел засеянное поле, посреди которого стоят величественные сосны.

Увиденное так вдохновило художника, что он написал картину, которая поразила зрителей своей удивительной красотой. После написания картина была представлена на VI передвижной выставке, и вскоре была куплена П. М. Третьяковым для своей коллекции.

С тех пор работа находится в Третьяковской галерее.

На картине мы можем увидеть красивый пейзаж с полем, соснами и голубым небом. На переднем плане поле, сквозь которое ведёт дорога.

Дорога, которая начинается на переднем плане и витиевато уходит вглубь чего-либо, характерна как для живописи Ивана Шишкина, так и для живописи многих других художников-пейзажистов. Такой приём предназначен для того, чтобы уводить взгляд зрителя вглубь картины.

Таким образом зритель может спокойно путешествовать по изображению, при этом не кидаясь взглядом из одной стороны картины в другую. Дорога — как указатель для следования по картине взглядом.

Жёлтую рожь оттеняют величественные зелёные сосны. Старые сосны выглядят мудрыми, пожившими, повидавшими на своём веку. Их ветви склонились будто под тяжестью лет. Деревья стоят вдоль дороги, также провожая взгляд зрителя вглубь картины, вплоть до одинокой сосны вдалеке, которая стоит в центре.

Также стоит обратить внимание на сухое, погибшее дерево, от которого остался только ствол и сухие сучья. Есть две версии, почему художник изобразил здесь засохшее дерево.

По одной версии, таким образом художник хотел сделать более натуральным этот идеальный пейзаж, приблизить его к реальности. По другой версии, засохшим деревом И. И.

Шишкин изобразил свои страдания, которые пережил после потери своего отца, жены и двух детей.

Картина прописана очень детализировано, так что можно рассмотреть каждую травинку на земле, каждую веточку на деревьях.

На картине ясный день, но художник подчеркнул, что собирается дождь. Вдалеке можно увидеть, как надвигаются грозные кучевые облака, которые несут с собой ливень и буйство стихии. Также можно обратить внимание на ласточек, которые летят низко к земле, почти у самой дороги. Как известно, низко летающие ласточки — к дождю.

Сам художник так охарактеризовал эту картину, сделав запись на одном из эскизов: «Раздолье, простор, угодье. Рожь. Божья благодать. Русское богатство».

По теме: великие русские художники, великие художники, искусство, история картины, картины, описание картин, пейзажи, русские художники, Третьяковская галерея, художники, шедевры, Шишкин

???? Блинцов | 2019-03-13, 18:11 | ???? 2 176

Источник: https://art-assorty. ru/30458-shishkin-rozh-opisanie-kartiny.html

Шишкин Иван Иванович «Рожь» — описание картины

Рожь

Картина «Рожь» Шишкина Ивана Ивановича стала серьезным событием во время выставки художников-передвижников 1878 года. Великий русский художник сумел воплотить на холсте всю неповторимость пейзажа русской природы, а картина стала знаменитым произведением искусства.

Анализ и цветовая гамма картины

Описание картины Шишкина «Рожь» следует начать с интересного сочетания голубого и золотого цветов, которое свойственно традиционной русской иконописи. Благодаря этому, полотно уравнивает красоту русской природы и возводит ее величие в ранг божественной.

Холст Шишкина «Дорога во ржи» обрамляет густая зелень и далекие верхушки сосен на заднем плане завершают это великолепие. Сосны, подчеркивают такие важные качества русского характера как выносливость, прочность и всепобеждающую жизненную силу.

Похожие на былинных богатырей, они защищают ржаное поле, символизируют надежду на лучшее будущее и несгибаемую волю.

Дорога во ржи

Чтобы лучше понять, того, кто написал картину «Рожь», следует знать, что он переживал тяжелый год в своей жизни, практически сразу лишившись всех своих близких родственников.

Об этом свидетельствует погибшее дерево, располагающееся на заднем фоне картины.

В живописи этого периода Шишкин эмоционален, что делает его творчество близким и понятным для восприятия широкому кругу почитателей его творчества.

Общая атмосфера картины

На картине все пропитано испепеляющим летним зноем — дорога делит проселок пополам, добавляет сочинению энергичности, а само полотно приобретает жизнеутверждающее значение.

Вдалеке идут мрачные тучи, готовые пролиться и оживить поле столь необходимой влагой, все живое уже давно ожидает энергичного летнего дождя, который внесет столь желанные перемены.

Посетив Третьяковскую галерею и на минутку остановившись около этого шедевра, вы самостоятельно прочувствуете увлекательную летнюю симфонию русской природы — жужжание пчел и шмелей, шелест травы.

Величавые сосны, яркий летний день, трава и поле — все это погружает нас в атмосферу знойного дня, повышает эмоциональный градус восприятия, помогает перенестись в июль и насладиться незабываемыми воспоминаниями, знакомыми с детства каждому русскому человеку! «Дорога во ржи» — уникальное творение, заслуженно пользующееся популярностью у наших современников.

Источник: http://surzhyk.org/kartina-rozh/

Сочинение по картине Шишкина Рожь 4 класс

Шишкин Иван Иванович, знаменитый русский художник, который работал в новом виде живописи, это «пейзаж настроения». Данный вид живописи смогли осилить не многие художники того времени. Именно Шишкин обладал феноменальным талантом и мог передавать настроения через холст. Одним из таких примеров, есть картина «Рожь». Картина была написана Иваном Ивановичем в середине лета 1878 года.

В данном полотне изображено самое драгоценное богатство русской земли – это рожь. Благодаря ей, у людей был на столе пахучий, пышный хлеб. Именно он давал людям силу и энергию для дальнейшей работы.

На картине изображена спокойная природа. На первом плане мы видим огромное поле золотистой ржи. Зерно в колосьях уже созрело и от своей тяжести преклоняются к земле. По всему полю разбросаны, как синие бусы, цветки необычайно красивых васильков.  Они как звездочки на небе сверкают в поле.

В средине самого поля идет извилистая проселочная дорога. Она извивается как уж, и уходит глубоко в поле, к горизонту. По этой дороге ездят не часто, так как дорога на половину покрыта темно-зеленой травой, местами виднеются белоснежные полевые ромашки.

По самому полю, стоят высокие ели. Они как-будто стражи этого поля. Шишкин очень часто изображал в своих картинах сосны и ели. Он считал их особым оберегом и символом русской земли.

По правую сторону стоит самая высокая и пышная ель. Она как стража, не дает пройти никому. Все должны обратить на нее внимания. Есть такие деревья, у которых половина ствола голая. Возможно, северные ветра погубили своим холодом дерево. Так ели уходят глубоко за горизонт.

В небе виднеются мимо пролетающие птицы. Небо особенно захватывает своего зрителя. Оно небесно-голубого цвета. Но ближе к горизонту виднеются тучки, они темнее. Такие тучи сулят, что скоро пойдет летний дождь. Возможно, он будет с грозой.

От самой картины веет спокойствием и умиротворением. Хочется стоять часами и вглядываться вдаль. Все глубже и глубже продумывать каждую деталь.

Можно только представить, что именно ты стоишь посреди данного поля, вдыхаешь этот чистый воздух глубоко – глубоко, а потом изо всех сил закричать. В этот момент можно ощутить полную свободу.

Именно это ощущение Шишкин и хотел передать данной картиной своему зрителю.

Вариант 2

Шишкин – один из русских художников, любивший изображать на своих картинах красоту пейзажей нашей России. Его картины завораживают естественностью, правдивостью и легкостью.

Каждую из них хочется рассматривать долго и внимательно. Природа русской земли поистине неповторима, щедра, красива и богата.

Именно этот художник подарил нам множество шедевров, на которых изображены прекрасные пейзажи.

На знаменитой картине «Рожь» мы видим множество колосков золотистого цвета. Теплые оттенки краски передают всю щедрость и дары матушки земли. Между колосьями ржи пробегает тропинка, уходящая вдаль и манящая за собой. По ней очень хочется прогуляться, вдыхая аромат чистого воздуха и душистого поля. По склонившимся колоскам можно определить, что рожь уже созрела и наполнилась зернышками.

На фоне луговых трав темно-зеленого цвета рожь выглядит как лучики солнца золотого цвета. По центру картины мы видим могущественную сосну. По тяжелым и густым веткам видно, что дерево уже взрослое и высокое.

Нижние ветки соприкасаются с полем и колосками, из-за чего мы видим яркий контраст цветовой гаммы. Вдали посередине поля виднеются еще несколько молодых сосенок, тонких и высоких. А на самом заднем плане можно разглядеть полосу леса.

Облака немного сгустились, что говорит нам о вечернем времени суток.

Художник очень точно и четко передал пейзаж, золотое поле ржи, силу и мощь хвойных деревьев. Картина настолько выглядит натурально, что имеет большую схожесть с фотографией.

Гениальный художник Шишкин завоевал сердца не только русских людей. Его картины очень любят и иностранные ценители прекрасного искусства.

А во многих квартирах и домах пейзажи Шишкина украшают центральные стены, создавая атмосферу уюта и радостное настроение.

В школах, детских садиках и офисах тоже очень часто можно увидеть знаменитые картины с русскими просторами, ведь Шишкин – один из любимых художников во всем мире.

Описание картины Рожь Шишкина 2

Глядя на эту картину, вспоминаются слова песни: «Поле, русское поле». Вот оно это поле. Таких полей в нашей огромной России считать — не пересчитать. Созрела рожь.

Огромное желтого цвета поле простирается до самого горизонта. Оно кажется золотым, безбрежное, как море. Отдельными островками стоят в нём вековые сосны. Они стоят до самого горизонта. Когда распахивали землю, не стали их выкорчёвывать.

Сосны стоят, как стражи-великаны и наблюдают за порядком. Они такие высокие, что кажется, подпирают небо. Оно уже не ярко-голубое, а какое-то выгоревшее от жаркого летнего солнца.

Дерево, которое изображено на переднем плане картины справа с одной стороны совершенно голое. Это наверно северная сторона. А с других сторон его могучие лапы свисают прямо до земли и, образуют небольшой островок тени.

На левой стороне картины также изображены растущие сосны. Некоторые из них имеют пышную крону. Одно «одето» только до половины. И одно дерево стоит совершенно голое, без веток и листьев, потеряло свой наряд во время грозы. И как-то диссонирует с остальным великолепным пейзажем.

По полю петляет грунтовая дорога. Видна наезженная колея от проезжавших по ней автомобилей. Кажется, что в воздухе пахнет пылью. Сейчас она пустынна. Видно, не дошла ещё очередь до этого поля. Но скоро, совсем скоро придут сюда люди, заурчат комбайны и машины, и начнётся горячая страда — битва за урожай. Убрать его надо быстро и без потерь. Поэтому, и битва.

Кое-где видна зелёная трава. Среди этого золота мелькают голубые и белые пятнышки. Это цветут васильки и ромашки.

Рожь созрела, это видно по наклонившимся колоскам. Надо срочно убирать её, пока она не начала осыпаться и не начались дожди. А тучки-то уже собираются на горизонте. Об этом и сообщают летающие низко птицы. Но пока на поле не видно ни одного комбайна.

Картина написана так реалистично, что можно даже предположить, какой изображён регион. Явно климат резко-континентальный — холодная, суровая, ветреная зима (деревья с одной стороны потеряли ветки от морозных ветров) и жаркое знойное лето.

Картина написана в спокойной, величественной манере. Тщательно прописана каждая деталь, каждый колосок, каждый цветочек и травинка. От неё веет теплом летнего дня, запахом будущего хлеба. Так и хочется лечь на спину в созревшую рожь, задрать голову к небу, ощутить на губах молочную спелость зёрен, послушать, о чём стрекочут кузнечики, и трещат в воздухе птицы.

Только влюблённый в Россию, русскую природу человек, мог рисовать такие жизнеутверждающие картины. Россияне соберут богатый урожай и будут с хлебом. Будет народ сытый, да ещё и за границу продадут. А будет хлеб, будет и песня.

Вариант 4

Работа, впервые обнародованная во время передвижной выставки, в этот же момент надёжно установилась среди публики и неповторимых изображений русской природы. В наше время крайне трудно найти подобную по известности картину, относящуюся к пейзажу России.

Шишкин заключил в представленной работе основные тона русского изобразительного искусства, которые всегда используются в написании икон: голубой и золотисто жёлтый. В чём и состоялся простой секрет успеха. Цвета православных мощей сопоставляют картину с миром, божественным и вечным. Такое символическое сочетание объединяет природу России с божественным.

Густо растущая по краям поля зелень завершает палитру работы так же, как и верхушки сосен в дальней части картины. Символическое значение деревьев придаёт смыслу картины оживлённость, силу духа и стремление. Деревья на картине воплощены богатырями из сказаний, сторожащими поле.

Противопоставлением стоит погибшее, чахлое дерево. Через это дерево автор передал личную трагедию, известную тем, кто знаком с его биографией, так как до написания картины художник простился с дорогим и родными ему людьми. Его покинули двое детей, жена и отец.

Драматургия, эмоциональная линия и символ автора в этой картине приближает зрителя к работе. Отображённое на холсте наполнено атмосферой лета с его зноем и жаждой влаги.

Просёлочная дорога аккуратно делит поле на неравные половины, внося в картину энергию, а люди придают пейзажу неповторимы интерес. 

Два небольших, казалось бы, человека представляют всю величину и пространность природы России в сопоставлении с собой. Едва выглядывающие на горизонте облака, полные величия и влаги, несут в себе прохладу и свет.

Всё, что изображено на картине, от ржаного поля и травы до каждого колоса, готово впитать дождевую воду.

Атмосфера работы помогает зрителю услышать симфонию летнего поля: жужжание и шелест, стрекотание и возгласы ласточек.

2, 4, 6, 8 класс

Описание настроения картины Рожь

Популярные сегодня темы

  • Тропинин
    Великий творец начал свою деятельность еще в ранней юности, когда учился в Академии художеств. Далее он трудится в мастерской С.С.Щукина. Наблюдая за работой учителя и вникая во все моменты рисования
  • Сочинение по картине Тутунова Зима пришла. Детство 2 класс
    Почти всю картину занимает большое окно, которое разделяет ее на две половины, на два мира. По одну сторону окна, внутри дома — тепло и уютно. Все в доме изображено в мягких, пастельных тонах.
  • Сочинение по картине Яблонской Утро 6 класс
    Рассматривая полотно Яблонской Т. Н., я вижу школьницу — девочку. Как всегда, поднялась девушка рано утром и стала выполнять гимнастику. На ней надеты однотонные
  • Сочинение по картине Тропинина Портрет сына 7 класс
    На картине можно увидеть мальчика на вид лет десяти – одиннадцати. Он явно не позирует перед своим отцом, а смотрит куда-то совершенно в другую сторону. Но взгляд, как мне кажется, не направлен на что-то определенное
  • Сочинение по картине Берега Далмации Айвазовского описание
    Это теплая картина, наполненная мягким светом солнца – то ли рассвет, то ли закат. Всё здесь очень красиво. Самую большую часть картины занимает, конечно, море.

Источник: https://sochinimka.ru/sochinenie/po-kartine/shishkin/rozh-2-4-6-8-klass

ЛитКритика.by

Многие помнят учебники «Родная речь» с изображением картины Шишкина «Рожь». Раньше я не задумывался ни о названии учебника, ни о картинках на его обложке. Сейчас понятно – это была установка: ваш родной язык, независимо от национальности, русский. Больше всех от такой установки пострадала Беларусь.

«Рожь», Иван Шишкин

Так что же изображено на известной картине Ивана Шишкина «Рожь»? Вот общепринятая точка зрения, которая тиражируется многими:

Описание картины:

Рожь – Шишкин. 1878. Холст, масло. 107х187

Впервые появившись на публике во время выставки передвижников, работа сразу закрепилась среди шедевров русской живописи. Сегодня, пожалуй, невозможно найти более популярный и знакомый каждому русский пейзаж. В чем же секрет такого успеха картины?

Автор соединил в своей работе два главных цвета русского изобразительного искусства: голубой и золотой. Это сочетание было характерно для православных икон, связывалось с изображением мира Горнего, Божественного. Исходя из этого символического цветового значения, художник уравнивает русскую природу с природой божественной.

Густая зелень травы на окраине поля, кроны сосен на заднем плане подчеркивают основную цветовую гамму и завершают палитру работы.

Символическое значение сосен – выносливость, сила жизни и прочность. Деревья на картине представляются былинными богатырями, охраняющими ржаное поле. Диссонансом выглядит погибшее дерево.

Скорее всего, автор, таким образом, постарался обозначить личную трагедию: незадолго до создания этой работы, художник потерял родных и очень близких ему людей (отец, жена и двое детей).

Это символическое присутствие автора в работе расширяет драматургические рамки картины, делает ее эмоциональней и ближе зрителю.

Работа наполнена летней, знойной атмосферой. Проселок, разрезающий поле на две части, вносит в композицию энергию, присутствие человека в пейзаже, особый ритм. Две крошечные фигурки людей, позволяют зрителю оценить всю грандиозность и величие русской природы.

Тяжелые, полные живительной влаги облака, едва появившиеся на горизонте, несут с собой обновление и свежесть. Ржаное поле, сосны, трава – все готово впитать теплую летнюю дождевую воду.

Удивительным образом работа заставляет зрителя «слышать» летнюю симфонию русского поля: жужжание шмелей, стрекотание ласточек, шелест ветра.

 

***

Неплохое описание, но эмоциональное. Выводы ничем не подтверждаются. Даже предположение совпадения потери художника и засохшей сосны. Что же на самом деле изображено на картине. Обращаюсь к данности.

Сразу бросается в глаза, что «главным героем» картины являются сосны, а не рожь: они занимают две трети картины.

Известно, что рожь на полях ниже пшеницы. Здесь она почти вровень с ростом людей, заметных на дороге посередине поля.   

Если внимательно рассматривать картину, то видно, что в ближайшем окружении нет лесов. Вдали заметны лишь кустарники.

На открытых пространствах стволы сосен прямые. Трудно понять, от чего они могут быть кривыми в этих широтах.

Присмотримся к ближней, самой мощной сосне с ветвями до уровня ржи. Видно, что рожь засеяна почти до ствола. Хотя тогда тракторов не было в России, однако и лошади не были размером с козу, полагаю.

Еще заметно, что рожь перезрела.

Какие выводы можно сделать? Конечно, с определенной вероятностью, полагая, что И.Шишкин не создал виртуальную картину, а видел подобный или этот пейзаж.

Откуда на поле появились сосны? Не могли же выкорчевывать лес под культурную делянку и оставить для красоты некоторые деревья. Понятно, что поле засевается давно. Значит, деревья раньше были невысокими, и их можно было легко убрать. Однако этого не сделали, хотя они очень мешают земледелию.

Создается впечатление, что пейзаж нереальный. Действительно, это может быть образ, созданный автором, причем деревья взяты из какого-то леса: там они могут быть кривыми. Но такой образ указывает на обычную бесхозяйственность и леность. Теперь, если добавить немного эмоций, то описание картины может разительно отличаться от приведенного выше.  

Почему обратился к этой картине? Да она висит на стене рядом с моим рабочим местом…

Алесь Новікаў

Источник: https://www. litkritika.by/categories/2413/5036.html

Сочинение по картине Шишкина «Рожь»

Все давно свыклись с мыслью, что хлеб приходит в наши дома из магазина, а раньше все происходило совсем по-другому. Чтобы хлеб появился на столе, нужно было посеять рожь, ухаживать за ней, собрать урожай — и только тогда из муки можно будет испечь свежий, ароматный хлеб. Наверное, из-за сложности процесса получения хлеба он считался головой на столе, его очень ценили.

На картине Шишкина «Рожь» изображено бескрайнее поле ржи, которое уходит за линию горизонта. Кажется, что вдали рожь и небо сливаются в одно целое, дополняют друг друга.

Для изображения ржи автор выбрал желтый, золотистый оттенок. Он ассоциируется с солнцем и золотом, поэтому поле кажется золотым, драгоценным.

Между полем плутает дорога, которая уходит вдаль, теряется между спелыми колосьями.

Художник показал, что за полем присматривают немые стражники — деревья. Они темными островками возвышаются над золотым полем и, словно докладывают небу о готовности к сбору урожая. За всем происходящим наблюдает чистое, беззаботное небо, которое помогает скорейшему дозреванию драгоценных колосьев.

Картина понравилась своей простотой и оригинальностью. Если внимательнее посмотреть на это полотно, то становится ясно — художник создал живописный гимн трудолюбию и гармоничности окружающего мира.

Передо мной картина великого мастера живописи – И.И. Шишкина, которая называется «Рожь». На многих его работах мы видим живописные уголки нашей страны, которые он с любовью запечатлевает на своих холстах.

На переднем плане мы видим огромное поле, засеянное рожью, она уже поспела, ее созревшие колосья медленно качаются из-за легкого ветерка. Некоторые уже опустились к земле, они уже не могут удержаться из-за тяжести зерен.

От них благоухает нежным ароматом. Также мы видим извилистую дорогу, которая ведет вдаль, в глубину поля.

По ней редко кто-то ездит, потому что она начала зарастать цветами, среди них виднеются синие цветочки и белоснежные ромашки, которые украшают золотое поле.

За полем стоит сосновый лес, мощные сосны-великаны сторожат богатый урожай. Сосен не так уж и много, и все они разные, есть сосны с богатыми пушистыми ветками, а есть и совсем худенькие сосенки, почти без веток. Одна, пушистая сосна, наклонила свои нижние ветки так близко к колосьям, что вот-вот придавит их своим весом.

День, изображенный на картине ясный и теплый, небо светлое, легкое, почти без облаков, почти нет ветерка. Хорошо слышен щебет птиц, которые летают над полем, где-то далеко видать небольшие темные тучки, наверное, скоро они принесут теплый дождик.

Величественность и красота русской природы точно прописана великим художником, он рисует свою картину с огромной любовью к Родине, с нежностью и аккуратностью приписывает каждую деталь. Смотря на картину, наслаждаешься мастерством художника и его талантом.

Иван Иванович Шишкин, бесспорно, является самым сильным среди русских пейзажистов. Рассматривая его картину «Рожь» замечаешь, что художник с тонким пониманием воспроизводит растительные формы: как основные объекты, так и самые мелкие черты породы дерева, колосьев ржи.

Без преуменьшений, но и без прикрас художник в своей работе отразил климат, в котором приходится выживать центральным растениям картины — это и суровые ветреные, морозные зимы; это и жаркий летний полуденный зной.

Но именно благодаря кисти Шишкина на картине «Рожь» мы понимаем, как тяжело приходится не только работнику, ухаживающему за будущим урожаем, но и как сам урожай стремится не упасть под тяжестью зерен, с таким трудом вызревших.

Деревья, растущие в поле, создают двойственное впечатление: они вроде и будут мешать при уборке урожая, а вроде и дают тень для отдыха во время уборки урожая. Еще одна мысль закрадывается при взгляде на деревья: а не русская ли лень мешает срубить эти деревья? Ведь одно из них явно давно уже не питается соками земли — засохло.

На дальнем плане еле видна стая птиц. Кто это — грачи, вороны, голуби? Понятно, что это довольно крупные птицы, желающие полакомиться созревшим ароматным зерном. Для чего автор изобразил их на своей картине? Возможно для того, чтобы выразить свое недовольство теми, кто пользуется плодами чужого труда, а сам ни на йоту не готов продвинуться ради собственного же блага.

Тяжелое небо на горизонте, скорее всего, не предвестник дождя, а предвестник пыльной бури: в это время года (скорее всего, август-сентябрь) влажность очень низкая, поэтому ветер тоже угрожает готовым к уборке полям.

Но от границы горизонта глаз все равно скользит к золотому покрывалу из колосьев — они, кажется, вот-вот тяжело вздохнут.

Шишкин настолько четко прорисовал каждый колосок, что кажется, будто с картины сейчас посыпятся зерна!

Кроме ощущения веса колосьев невольно начинаешь осознавать, что улавливаешь запах поля, запах понятой колесницей пыли (дорога, разбивающая поле на две части, указывает на свою нужность людям), аромат полевых цветов (их немного, но они являются неотъемлемой частью любого возделываемого участка земли).

В заключении хотелось бы сказать, что картина Шишкина «Рожь» сочетает в себе не только науку форм, но и науку колорита, став сильной и гармоничной композицией. Этот гимн трудолюбию на холсте пронесет через века любовь русского человека к земле и ее дарам. Сочинение по картине Шишкина «Рожь» 6-7 класс

Источник: http://porusskomu.net/sochinenie-po-kartine/shishkin/po-kartine-540

Иван Шишкин. Рожь. Описание картины. | Русские художники. Russian Artists

Танаис Галерея


Иван Шишкин. Рожь.

1878. Холст, масло.


  • Третьяковская Галерея, Москва, Россия.

В своем творчестве Шишкин предпочитает ясность, полдень, яркий солнечный свет, лето, полноту жизни –
Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии
(1872),
Рожь
(1878),
Среди долины ровныя
(1883),
Лесные дали
(1884) и другие.

В некоторых произведениях художник достигает высокого поэтического обобщения при сохранении присущей его творчеству тщательности в передаче деталей. Для семидесятых годов такой картиной стала
Рожь
(1878).

9 марта 1878 года распахнулись двери Общества поощрения художеств. Здесь в то время разместилась шестая выставка передвижников, на которой экспонировались такие выдающиеся полотна, как «Протодьякон» И.

Е. Репина, «Кочегар» и «Заключенный»
Н. А. Ярошенко
, «Встреча иконы»
К. А. Савицкого
, «Вечер на Украине» А. И. Куинджи. И даже среди них выделялся пейзаж Шишкина
Рожь
.

Картина писалась после совершенной художником в 1877 году поездки в Елабугу. На протяжении всей своей жизни он постоянно приезжал в отчий край, где словно черпал новые творческие силы. Найденный на родине мотив, запечатленный в одном из карандашных набросков с лаконичной авторской надписью: «Эта», и лег в основу картины.

Само название «Рожь» в известной степени выражает сущность изображенного, где все так мудро просто, и в то же время значительно. Это произведение невольно ассоциируется со стихами А. В. Кольцова и Н. А. Некрасова — двух поэтов, которых Шишкин особенно любил.

Все рожь кругом, как степь, живая, Ни замков, ни морей, ни гор. Спасибо, сторона родная,

За твой врачующий простор.

Так писал Некрасов после возвращения из-за границы в стихотворении «Тишина».

Ширь безбрежная. От края до края золотятся хлеба. Сосны — великаны как бы застыли на страже, охраняя покой этой доброй хлебородной земли. С детства знакомая картина родной природы. Полотно Ивана Шишкина «Рожь» одно из классических произведений русской реалистической пейзажной живописи.

Спелая рожь, наполняющая картину золотым отливом, с шумящими, колышущимися от ветра колосьями, бесконечным морем разлилась вокруг. Будто бы из-под ног зрителя убегает вперед, извиваясь и прячась за стеной ржи, полевая тропа.

Мотив дороги, как бы символизирующий у художников обличительного направления трудный и скорбный путь народа, приобретает у Шишкина совершенно иное, радостное звучание. Это светлая, «гостеприимная» дорога, зовущая и манящая вдаль.

Жизнеутверждающее произведение Шишкина созвучно мироощущению народа, связывающего с могуществом и богатством природы представление о «счастии, довольстве человеческой жизни».

На обороте подготовительного рисунка Иван Иванович написал:
«Раздолье, простор, угодье, рожь, благодать, русское богатство». То же чувствует и зритель, глядя на это полотно.

«Рожь» — одна из удачнейших вещей Шишкина вообще», — писал И. Н. Крамской
в своем письме к Илье Репину.

Благодаря широкой линейной перспективе и цветовому обобщению в передаче поля спелой ржи и почти безжизненной воздушной среды, живописец достигает монументальности повествования. Пейзаж намеренно статичен, словно запечатлен художником для вечности.

Это ощущение не перебивают даже ласточки, скользящие над дорогой во ржи. Шишкин восхищается величием и мощью русских просторов и передает свой восторг нам. Верный себе, он даже сосны выбрал для этой картины (как, впрочем, и для многих других) не случайно.

Ему хотелось показать богатырей-долгожителей — вечнозеленые хвойные деревья, а не трепещущие на ветру березы. И композиционное и чисто живописное решение картины под чинены одному — воспеванию силы и богатства родной природы.

Картиной «Рожь» завершаются в семидесятых годах завоевания Шишкина — пейзажиста эпического склада. В контексте русской пейзажной живописи второй половины XIX века картина имеет значение этапного произведения, лучше всего выразившего в тот период путь передвижнического пейзажа, в котором конкретный национальный образ русской природы приобрел особую социальную значимость.

Назревшая в искусстве критического реализма проблема утверждения положительных идеалов нашла в этом жанре наиболее полное решение в картине «Рожь».

Иван Саввич Никитин. Поле 1810. Раскинулось поле волнистою тканью И с небом слилось темно-синею гранью, И в небе прозрачном щитом золотым Блестящее солнце сияет над ним; Как по морю, ветер по нивам гуляет И белым туманом холмы одевает, О чем-то украдкой с травой говорит И смело во ржи золотистой шумит. Один я… И сердцу и думам свобода… Здесь мать моя, друг и наставник — природа. И кажется жизнь мне светлей впереди, Когда к своей мощной, широкой груди Она, как младенца, меня допускает И часть своей силы мне в душу вливает.

Алексей Васильевич Кольцов. Урожай 1835.
Выше пояса
Рожь зернистая
Дремит колосом
Почти до земи, Словно божий гость,
На все стороны
Дню веселому
Улыбается. Ветерок по ней
Плывет, лоснится,
Золотой волной
Разбегается. Косарь 1836.
Раззудись, плечо!
Размахнись, рука!
Ты пахни в лицо,
Ветер с полудня!
Освежи, взволнуй
Степь просторную!
Зажужжи, коса,
Как пчелиный рой!
Молоньей, коса,
Засверкай кругом!



Особенный, тихий, погожий выдался день. Величаво, просторно раскинулась нива спеющих хлебов, и среди этого океана золотой ржи, словно сторожа русского богатства, встали великаны-сосны, вознеся свои гордые вершины к самому небу. Невероятная тишина царит в пейзаже. Кажется, слышно, как дышит каждая былинка.

До слуха долетает ровное, неспешное дыхание поля. Только щебет малых пташек — ласточек, над самой землей пронзительно режущих воздух, — нарушает покой. В сизом мареве у самого горизонта толпятся громады кучевых облаков. Парит. И, несмотря на то, что ветерок не колышет ни один колосок, ни одну веточку сосен, душа чует — быть грозе…

Неясное состояние тревоги усиливает обгоревший одинокий скелет дерева, нелепо и дико торчащий среди этой чарующей благодати. Может, удар молнии сжег сосну? Странно и тоскливо маячит она, напоминая зрителю о случайностях, невзгодах, бедах самого автора полотна. Не так идиллически спокоен этот ландшафт.

Серьезная, почти минорная нота сложной, трудной жизни, не всегда ясной и постижимой, слышна в картине. Ее раскрывает и поддерживает тема дороги, утопающей во ржи, по которой бредут два путника, а над ними высоко, высоко в голубом зените кружат птицы. Искусство Ивана Шишкина требует долгого, внимательного, вдумчивого разглядывания.

Тогда только станет понятен тот внутренний, поэтический, далеко не простой ключ картины. Живопись мастера зовет осмыслить сотни подробностей, которые предлагает художник зрителю. И только тогда ты увидишь бездонную глубину «простоты и наивности» Шишкина.

К тебе потянутся венчики полевых цветов, ты услышишь запах дорожной пыли, и вдруг дорога уведет в самую гущу нивы — туда, в благоухающее царство хлеба. Тогда станет доступен тот мелодичный тихий звон, который издают мириады пчел и шмелей, ты почувствуешь до самой глубины сердца чары средней полосы.

Современники Шишкина, наглядевшиеся вдоволь на романтиков, упрекали Ивана Ивановича в прозаизме. Это глубокое заблуждение… Ведь поэзия бывает разная. Глядя на его „Рожь», слышишь строки Никитина, Кольцова, Некрасова, Фета…

Медленно встают из-за неоглядных далей громадины туч.

Источник: http://www.tanais.info/art/shishkin19more.html

Описание картины «Рожь» И.Шишкина

Художник: Иван Иванович Шишкин Название картины: «Рожь» Картина написана: 1878 г. Холст, масло.

Размер: 107 × 187 см

По рассказам, на творчество И. Шишкина в свое время оказала влияние картина «Девятый вал» — он несколько провел несколько часов, рассматривая полотно Айвазовского на выставке в Москве.

Но более удивительно то, что сын древнего купеческого рода из Елабуги не пошел по стопам предков, а стал художником-пейзажистом.

Видно, Шишкин сделал такой выбор не зря – в его лице русская живопись получила одного из самых выдающихся пейзажистов.

Поразительна точность и детализация растительного мира на его картинах. Он рисовал любимые сосны и ели, травы и цветы именно такими, какими они вырастают в природном климате. Причудливые переплетения ветвей, почва у корней, сухие травы изображены так натуралистично, как порой не сделает самый сильный современный фотообъектив.

Слава пришла к художнику еще во времена его учебы в Петербургской Академии Художеств – он получал серебряные и золотые медали на выставках, а работы стали узнавать и покупать.

Чуть позже Шишкин уехал в Мюнхен, познакомился там с анималистами Бенно и Францем Адамами, а уже в Цюрихе начал учится изображать животных. Надо сказать, этим мастерством И.

Шишкин овладел в совершенстве – медвежата на одной из его самых известных картин кажутся настолько живыми, что у каждого из вас непременно возникнет желание дотронуться до них.

Живописец рисовал не только маслом по холсту, он умел еще работать карандашом, пером и гравировать «царской водкой», был одним из самых лучших аквафортистов своего времени. Шишкин – автор более сотни картин и этюдов, умерший за мольбертом. Многие из его работ на сегодняшний день находятся в Третьяковке, а вы можете оценить их фантастичный реализм.

Одна из таких картин – «Рожь», тема для которой взята из визита в родную Елабугу, куда художник ездил вместе с дочерью. Работа была написана через год, в 1878, а на обратной стороне ее эскиза автор написал: «Простор, раздолье, рожь, русское богатство, Божья благодать».

Если вы из тех людей, у которых хороший литературный вкус, то вспомните стихотворение Бунина «И цветы, и шмели, и травы, и колосья», которое звучит очень по-шишкински.

В случае, когда знакомство с русской классикой лишь поверхностное – найдите и прочитайте эти строки, поразившись тому, насколько синхронны они с картиной.

Первое, о чем вы подумаете, увидев полотно, – какая пора года на нем изображена. Однозначного ответа на этот вопрос не могут дать ни исследователи, ни сам художник. Это, скорее всего ранняя осень или позднее лето, та пора, когда колоситься рожь. Над ее бескрайними полями начинает сгущаться тучи, а вдалеке виднеются величавые сосны.

Изображенное на холсте, кажется, уже не может существовать в нашем времени, поскольку поле, полное ржи, сейчас редкость. Колоски налились, они уже готовы к тому, чтобы их собрали.

Те, что растут вблизи дороги, лежат на земле настолько низко, что соединяются с ней в изысканных переплетениях.

Вас непременно поразит, насколько ярко передает художник трепетание ржи от ветра – вы начинаете ощущать ее запах, она кажется такой теплой и живой, что непременно захочется оставить на память колосок.

Васильки, растущие вдоль дороги, придают картине некую романтичность, трогательность и напоминают о том, что простые вещи могут быть прекрасными. Сама дорога, поросшая травой, извиваясь, скрывается во ржи. Видно, что по ней нечасто проезжают и это создает ощущение обособленности русской природы.

Сосновые деревья на заднем плане картины – символ всего творчества Шишкина. Вековые сосны расположены вдоль дороги, их ветки свисают над колосьями и рассказывают историю о том, что когда-то местность была сосновым бором.

Человек вырубил деревья, обработал землю и посадил рожь, что дает ему пищу. Такое действие нельзя назвать кощунством по отношению к природе, наоборот, сосны в поле лишь придают картине неповторимости.

Сильные искривленные стволы, верхушка, которая тянется в небо, подсознательно навеивает ассоциацию с песней «Сосны» одной из украинских рок-групп.

Помимо растительного мира, на картине изображен и животный – без этого немыслимо творчество Шишкина. Вы видите птиц, что летят среди облаков, в надежде стащить зернышки из колоска.

Вдалеке виднеются облака, которые обещают грозу. Спасительную влагу ждут и вековые деревья, и налитая колосьями рожь. Ливень, что скоро будет, должен очистить землю, наполнив мир благодатью. А пока тишина. Лишь легкое, едва заметное дуновение предгрозового ветра, что ощущается физически.

На первый взгляд, полотно навеивает спокойствие и умиротворение. Но если вы обратите внимание на одинокую погибшую сосну, то у вас появится чувство тревоги.

О присутствии неживого дерева в композиции картины существуют разные версии – от усиления реалистичности до довольно символичного.

Биографы считают погибшую сосну символом личной трагедии художника, который потерял в один миг жену, отца и сыновей.

Холст имеет границы за счет художественного приема – линейной перспективы. Пространство ржаного поля на нем основное, сосны на среднем плане подчеркивают «героя» и заставляют вас сосредотачивать на нем все внимание.

Цветовая гамма картины – одновременно сочная и пастельная. Насыщенный золотой цвет ржи, изумрудный – травы, темно-зеленый – кроны деревьев утверждает саму жизнь. Дымка грозовых туч на фоне нежно-голубого неба призывает к умиротворению и созерцанию.

Стилистика картины поражает сочетанием абсолютно несовмещаемых вещей: дорогой посреди бескрайнего поля, зеленой травой на вытоптанной земле, сосны посреди ржи. Причем последние вызывают у многих недоумение, поскольку никто не знает, как они попали сюда.

Примечательно, что картина «Рожь» известна не как произведение И. Шишкина, а как картинка с календаря или тетрадной обложки.

Это не удивительно, поскольку природа является тем необходимым моментом, который человек видит и должен видеть ежедневно.

Пейзажи психологи считают одним из самых умиротворяющих факторов нашего окружения, а художник подчеркнул те мелочи, красоту которых мы видим каждый день и оставляем без должного внимания.

Источник: https://5sec.info/kartiny/kartina-shishkina-rozh/

Описание картины Шишкина.

Рожь

Иван Шишкин. Рожь.
1878. Холст, масло.
Третьяковская Галерея, Москва, Россия.

В своем творчестве Шишкин предпочитает ясность, полдень, яркий солнечный свет, лето, полноту жизни – Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии (1872), Рожь (1878), Среди долины ровныя (1883), Лесные дали (1884) и другие.

В некоторых произведениях художник достигает высокого поэтического обобщения при сохранении присущей его творчеству тщательности в передаче деталей. Для семидесятых годов такой картиной стала Рожь (1878).

9 марта 1878 года распахнулись двери Общества поощрения художеств. Здесь в то время разместилась шестая выставка передвижников, на которой экспонировались такие выдающиеся полотна, как «Протодьякон» И. Е. Репина, «Кочегар» и «Заключенный» Н. А. Ярошенко, «Встреча иконы» К. А. Савицкого, «Вечер на Украине» А. И. Куинджи. И даже среди них выделялся пейзаж Шишкина Рожь.

Картина писалась после совершенной художником в 1877 году поездки в Елабугу. На протяжении всей своей жизни он постоянно приезжал в отчий край, где словно черпал новые творческие силы. Найденный на родине мотив, запечатленный в одном из карандашных набросков с лаконичной авторской надписью: «Эта», и лег в основу картины.

Само название «Рожь» в известной степени выражает сущность изображенного, где все так мудро просто, и в то же время значительно. Это произведение невольно ассоциируется со стихами А. В. Кольцова и Н. А. Некрасова — двух поэтов, которых Шишкин особенно любил.

Все рожь кругом, как степь, живая,
Ни замков, ни морей, ни гор.
Спасибо, сторона родная,
За твой врачующий простор.

Так писал Некрасов после возвращения из-за границы в стихотворении «Тишина».

Ширь безбрежная. От края до края золотятся хлеба. Сосны — великаны как бы застыли на страже, охраняя покой этой доброй хлебородной земли. С детства знакомая картина родной природы. Полотно Ивана Шишкина «Рожь» одно из классических произведений русской реалистической пейзажной живописи.

Спелая рожь, наполняющая картину золотым отливом, с шумящими, колышущимися от ветра колосьями, бесконечным морем разлилась вокруг. Будто бы из-под ног зрителя убегает вперед, извиваясь и прячась за стеной ржи, полевая тропа.

Мотив дороги, как бы символизирующий у художников обличительного направления трудный и скорбный путь народа, приобретает у Шишкина совершенно иное, радостное звучание. Это светлая, «гостеприимная» дорога, зовущая и манящая вдаль.

Жизнеутверждающее произведение Шишкина созвучно мироощущению народа, связывающего с могуществом и богатством природы представление о «счастии, довольстве человеческой жизни».

На обороте подготовительного рисунка Иван Иванович написал: «Раздолье, простор, угодье, рожь, благодать, русское богатство». То же чувствует и зритель, глядя на это полотно.

«Рожь» — одна из удачнейших вещей Шишкина вообще», — писал И. Н. Крамской в своем письме к Илье Репину.

Благодаря широкой линейной перспективе и цветовому обобщению в передаче поля спелой ржи и почти безжизненной воздушной среды, живописец достигает монументальности повествования. Пейзаж намеренно статичен, словно запечатлен художником для вечности.

Это ощущение не перебивают даже ласточки, скользящие над дорогой во ржи. Шишкин восхищается величием и мощью русских просторов и передает свой восторг нам. Верный себе, он даже сосны выбрал для этой картины (как, впрочем, и для многих других) не случайно.

Ему хотелось показать богатырей-долгожителей — вечнозеленые хвойные деревья, а не трепещущие на ветру березы. И композиционное и чисто живописное решение картины под чинены одному — воспеванию силы и богатства родной природы.

Картиной «Рожь» завершаются в семидесятых годах завоевания Шишкина — пейзажиста эпического склада.

В контексте русской пейзажной живописи второй половины XIX века картина имеет значение этапного произведения, лучше всего выразившего в тот период путь передвижнического пейзажа, в котором конкретный национальный образ русской природы приобрел особую социальную значимость. Назревшая в искусстве критического реализма проблема утверждения положительных идеалов нашла в этом жанре наиболее полное решение в картине «Рожь».

Особенный, тихий, погожий выдался день.
Величаво, просторно раскинулась нива спеющих хлебов, и среди этого океана золотой ржи, словно сторожа русского богатства, встали великаны-сосны, вознеся свои гордые вершины к самому небу.
Невероятная тишина царит в пейзаже.
Кажется, слышно, как дышит каждая былинка.

До слуха долетает ровное, неспешное дыхание поля.
Только щебет малых пташек — ласточек, над самой землей пронзительно режущих воздух, — нарушает покой.
В сизом мареве у самого горизонта толпятся громады кучевых облаков.
Парит.
И, несмотря на то, что ветерок не колышет ни один колосок, ни одну веточку сосен, душа чует — быть грозе…

Неясное состояние тревоги усиливает обгоревший одинокий скелет дерева, нелепо и дико торчащий среди этой чарующей благодати. Может, удар молнии сжег сосну?
Странно и тоскливо маячит она, напоминая зрителю о случайностях, невзгодах, бедах самого автора полотна.
Не так идиллически спокоен этот ландшафт.

Серьезная, почти минорная нота сложной, трудной жизни, не всегда ясной и постижимой, слышна в картине. Ее раскрывает и поддерживает тема дороги, утопающей во ржи, по которой бредут два путника, а над ними высоко, высоко в голубом зените кружат птицы.
Искусство Ивана Шишкина требует долгого, внимательного, вдумчивого разглядывания.

Тогда только станет понятен тот внутренний, поэтический, далеко не простой ключ картины. Живопись мастера зовет осмыслить сотни подробностей, которые предлагает художник зрителю.
И только тогда ты увидишь бездонную глубину «простоты и наивности» Шишкина.

К тебе потянутся венчики полевых цветов, ты услышишь запах дорожной пыли, и вдруг дорога уведет в самую гущу нивы — туда, в благоухающее царство хлеба.
Тогда станет доступен тот мелодичный тихий звон, который издают мириады пчел и шмелей, ты почувствуешь до самой глубины сердца чары средней полосы.

Современники Шишкина, наглядевшиеся вдоволь на романтиков, упрекали Ивана Ивановича в прозаизме.
Это глубокое заблуждение…
Ведь поэзия бывает разная.
Глядя на его „Рожь», слышишь строки Никитина, Кольцова, Некрасова, Фета…

Медленно встают из-за неоглядных далей громадины туч.

Источник: http://www.tanais.info/art/shishkin19more.html 

Источник: http://design-kmv.ru/zhivopis-2/russkaya-zhivopis/opisanie-kartiny-shishkina-rozh.html

Магия света на полотнах Куинджи

Архип Куинджи работал с цветом так, что его называли фокусником. Он будто переносил на свои работы настоящие солнце и луну — ведь по-другому добиться такой естественности казалось невозможным. В честь 180-летия художника вспомним пять картин с его фантастическим светом из Третьяковской галереи и сами оценим мастерство автора.

На острове Валааме


Архип Куинджи. «На острове Валааме», 1873 год, Государственная Третьяковская галерея, Москва © Public domain

Эта работа открыла художественный талант Куинджи для широкой публики. «Товарищ по цеху» Илья Репин писал, что она всем «ужасно понравилась». Ее же первой из всех картин художника приобрел Павел Третьяков.

Полотно создавалось во время поездки Куинджи на остров Валаам — Мекку художников-пейзажистов, которые часто искали вдохновения в здешней северной, уединенной природе. Была и другая причина отправиться в такое путешествие: накануне Куинджи венчался с гречанкой Верой Кетчерджи.

На картине, залитой серебряным предгрозовым светом, изображен дикий берег острова. На переднем плане — стройная чета деревьев, упрямо проросших сквозь трещину в гранитной земле. Они стоят на самом берегу небольшой речушки, впадающей в Ладожское озеро, которое виднеется позади.

Над берегом сгущаются тучи. Небо плавно переходит от розового в зловещее темное. Но такая таинственная мрачность не создает печального настроения. Верны слова Федора Достоевского: «Мгла… сырость вас будто пронизывает всего… Что тут особенного?.. А между тем как это хорошо!» — ведь скоро гроза закончится, и сквозь тучи пробьются яркие солнечные лучи.

Украинская ночь


Архип Куинджи. «Украинская ночь», 1876 год, Государственная Третьяковская галерея, Москва © Public domain

«Украинская ночь» — мост между ранними поэтическими картинами Архипа Куинджи и его экспериментально декоративной работой со светом. Она была создана специально для пятой выставки передвижников и привела публику в восторг, «украв» внимание у других картин.

Центральный элемент полотна — ярко освещенный лунным светом хутор. Он будто парит в ночи, и мы совсем не замечаем, что на первом плане протекает река с берегами, поросшими высокой осокой, и стоят два стройных пирамидальных тополя. Но все это утопает в ночной тени и становится совсем неважным.

Перед нами почти театральная композиция. Здесь декоративность, свойственная для Архипа Куинджи и в последующий работах, впервые проявляется в экзотичной контрастности и «концентрации» света в единой точке. Однако в «Украинской ночи» все еще присутствует романтизм, свойственный раннему Куинджи, который до сих пор наталкивает искусствоведов на «вдохновенные описания „дивной“ украинской ночи у Пушкина и Гоголя».

Березовая роща


Архип Куинджи. «Березовая роща», 1879 год, Государственная Третьяковская галерея, Москва © Public domain

Это полотно стало визитной карточкой Архипа Куинджи. Он создал его, будучи уже узнаваемым художником, специально для седьмой выставки передвижников. Ее открытие даже пришлось перенести из-за неготовности картин Куинджи в срок, а, как писал Крамской, они «были слишком значительны, чтобы не обращать внимания».

И полотно стоило всех ожиданий: оно сразу приковало внимание публики. Смелый контраст тени и света создал эффект присутствия настоящего солнца на картине, а нетипичная композиция с обрезанной у деревьев кроной подарила замкнутое, камерное пространство.

Сюжет прост: на первом плане — покрытая солнцем поляна с березами, позади — темный лес. Но картина не похожа на обычную пленэрную работу. Куинджи изображает деревья почти схематично, не обращаясь к деталям — лесной массив на заднем плане и вовсе превращается в декорацию. Да и все изображенное на картине будто замерло — тихо и статично. Даже зеленая речушка в центре будто остановила свое течение, чтобы не тревожить спокойствие леса.

Такое новаторство привело к критике картины и появлению разгромной анонимной статьи, где автор назвал «Березовую рощу» перезелененной, с «растыканными» деревьями, «вырезанными из картона и накрашенными каким-то грязно зеленым колером». Сочинителем этих резких строк оказался передвижник Константин Клодт. Этот неприятный эпизод отразился на всей последующей биографии Куинджи: ему пришлось выйти из Товарищества передвижников и на долгие годы закрыться от широкой публики.

После дождя


Архип Куинджи. «После дождя», 1879 год, Государственная Третьяковская галерея, Москва © Public domain

Вместе с «Березовой рощей» для седьмой передвижной выставки создавалась картина «После дождя». На полотне — несколько расположенных на холме одиноких домов. Они освещены солнечными лучами, которые с борьбой пробиваются через тяжелые, нависающие над хутором тучи. Воздух будто наэлектризован, но гроза уже позади. Природа обновлена дождем: яркая трава напиталась влагой и сейчас наполняет воздух приятным свежим ароматом.

Деталям здесь уделяется намного большее, чем в «Березовой роще», внимание. Искусствовед Петров писал: «Темпераментная живопись неба, передающая мощь грозовой стихии, сочетается в картине с поэтической проникновенностью деталей — прежде всего изображения мирно пасущейся у реки каурой лошадки». Спокойное животное и будто просыпающийся ото сна хутор противопоставлены неподвластной стихии, буйство которой на этот раз подошло к концу.

Днепр утром


Архип Куинджи. «Днепр утром», 1881 год, Государственная Третьяковская галерея, Москва © Public domain

«Днепр утром» называют «прощальной» картиной Архипа Куинджи. Она стала последней из тех, что выставлялась перед публикой при жизни автора: художника критиковали за новизну работы с цветом, и он закрылся в студии на самом пике своего творческого пути.

Здесь нет ярких световых эффектов. Словно назло критикам, картина выполнена в мягких и скромных цветах: на переднем плане бледно зеленая трава и полевые цветы с торчащим репейником, на заднем — молочная река, уходящая далеко за горизонт.

Небо занимает большую часть полотна. Оно — источник света и воздуха — делает картину легкой и почти невесомой в манере импрессионистов. Широта и бескрайность изображенного пространства заставляет вздохнуть полной грудью, не нарушая безмолвия природы.

Картина не отмечена дерзкой работой с цветом, характерной для Архипа Куинджи, но она воздействует на зрителя иначе. Художник Леонид Волынский писал: «Нет ни луны, ни багрового заходящего солнца … однако, остановясь перед этой картиной, испытываешь особую радость — так бывает, когда очутишься ранним утром на высоком берегу над рекой, над неоглядными просторами, напоенными мягким светом, и стоишь в счастливом молчании». Будто работе суждено было стать поставленной перед публикой точкой творчества Куинджи — нехарактерной для него, но не менее прекрасной.


Для справки

Познакомиться вживую с этими и другими работами Архипа Куинджи можно в Государственной Третьяковской галерее. Банк ВТБ выступает давним партнером музея и поддерживает его культурные инициативы.

Как уверенно рисовать передний план

17. 05.2018

Комментарии

 

Что делать и чего избегать при рисовании переднего плана

Частый вопрос от участников мастерской как нарисовать передний план в пейзаже . Часто я наблюдаю эту проблему и в творчестве художника. Основное внимание художника сосредоточено на фокальной области. Но передний план остается неразрешенным, и от этого страдает картина.

В этой статье я хочу решить проблему переднего плана с помощью советов, которые вы можете использовать сегодня в своих картинах. Плюс видео.

Почему трудно рисовать передний план?
Ответы на этот вопрос помогут объяснить дилемму. При разработке композиции вы знаете, что:

  • Взгляд зрителя должен быть направлен в фокус;
  • Зритель не должен быть направлен к краям или углам картинной плоскости;
  • Вы должны избегать отвлекающих факторов, которые ослабляют композицию.

Но если передний план лишен содержания, то картина кажется слабой или незаконченной. Не говоря уже о тяжелых. Как решить дилемму слишком много или слишком мало внимания к переднему плану?

Что должен делать передний план
Я смотрю на передний план как на введение. Приветственное сообщение. Обещание прекрасного опыта. Если вы подумаете о книгах или фильмах, вы увидите, что начало захватывающее. Это тоже интересно и вовлекает в основной сюжет.

Начала не слабые, но и не доминирующие. Ты хочешь больше. В случае с картинами ваш глаз ищет фокальную область через передний план. Затем глаз перемещается и возвращается на передний план, чтобы снова начать путешествие.

Важные указатели переднего плана
При рисовании типичного пейзажа вы хотите передать трехмерную плоскость. Передний план — начало этого плана. Если в нем отсутствуют пространственные индикаторы, ваш взгляд будет двигаться вверх, а не внутрь. Вот почему дороги, например, иногда выглядят так, будто они движутся вертикально вверх по картине. Как это исправить?

Советы по улучшению переднего плана:

  1. Используйте пространственные маркеры, такие как дороги, тропинки и подобные устройства, чтобы отвлечь внимание от переднего плана. Они помогают передать эффект расстояния.
  2. Влияние расстояния включает, например, сужение ширины дороги, тропинки или ручья.
  3. Уменьшение размера столбов, деревьев или других маркеров по мере их удаления.
  4. Перекрывающиеся формы, такие как кусты, деревья и природные объекты.
  5. Регулировка цветовой температуры, чтобы она становилась холоднее с расстоянием. Например, цветовая температура поверхности дороги будет ниже на среднем плане.
  6. И наоборот, передние планы при солнечном свете будут иметь более теплую цветовую температуру. Это заставляет передний план подниматься к вам. Вы можете понять, почему регулировка цветовой температуры так важна.
  7. Используйте более густую краску и более крупные мазки на переднем плане, чтобы добавить текстуру и пространственные ориентиры.
  8. Использовать передний план как вход. Большая тень, падающая на передний план, приглашает вас выйти из тени на свет.
  9. Обрамите передний план прохладными и темными нависающими ветвями деревьев и кустами. Этот эффект окна приглашает вас заглянуть в залитый солнцем средний план.
  10. Используйте узор, а не плоские, мягкие поверхности. Если у вас есть большие участки желто-зеленого цвета, вы можете разбавить их жженой сиеной или более холодным, темным зеленым цветом. Это создает паттерн или ритм, который не является монотонным. Иногда это просто темная фигура или три, которые делают область интересной. Эксперимент.

Избегайте этих грубых ошибок на переднем плане

  1.  Разместите фокусную область пейзажа на переднем плане. Этот внезапный подход сбивает с толку.
  2. Не закрывайте глаза от картины. Если вы поместите высокую линию забора непосредственно на переднем плане, возможно, вы слишком рано остановите зрителя. Аналогичным препятствием являются закрытые ворота прямо на переднем плане. Скорее упростите просмотр объекта в удаляющуюся даль.
  3. Объекты переднего плана слишком детализированы. Камни, кусты и так далее должны быть очень простой формы. Предлагайте форму и объем с помощью тени и света, но не деталей.
  4. Отвлекающие вещи, которые ничего не добавляют к картине. Почему они там? Если нет веских причин, удалите их.
  5. Жесткие края. Лучше используйте мягкие края на переднем плане, чтобы не привлекать слишком много внимания.
  6. Старайтесь не выдумывать подробности. Это приводит к тому, что вещи выглядят фальшиво. Веерные деревья, причудливые скалы и своеобразные пруды являются примерами. Обычно размеры неверны и детали выглядят банально. Вместо этого используйте то, что на самом деле находится в сцене для большей точности.
  7. Не удается переместить или удалить объекты. Вы можете переместить дерево, которое находится прямо перед сценой. Или оставь это. Здравый смысл должен восторжествовать.

Цветовая температура имеет ключевое значение
Часто обыденный участок переднего плана оживает благодаря множеству теплых и холодных форм. При этом должна преобладать одна цветовая температура. Если есть большая часть прохладной тени, то несколько пятен солнечного света придают ей яркость. Если это в основном солнечный свет, то немного прохладных фиолетовых теней могут добавить блеска.

Идея в том, что вы не меняете общее значение фигуры. Вы скорее добавляете интереса к форме. Узнайте больше о правильном использовании цветовой температуры.

Будьте смелыми и решительными
Многие картины терпят неудачу из-за того, что художник слишком нервничает по поводу их завершения. Помните, что если вы правильно подготовитесь и начнете рисовать, у вас будет больше шансов на успех. Теперь завершите передний план большой кистью жирными формами. Много краски. Никогда не зацикливайтесь на следах кисти.

Final Words
Изучайте картины мастеров, которые вам нравятся, в жанре и технике, которые вы предпочитаете. Спросите себя, как они справились с передним планом. Используйте их приемы. Почему там такая форма? Почему используется этот цвет? Спросите, подумайте и попробуйте эти методы на своей картине. Вот как учиться.

Полностью изучите основы:

Получите полную картину, а не отрывочные советы тут и там . Мой полный курс Learn to Paint with Impact поможет вам.

Комментарии

    БЕСПЛАТНО Забронировать

    Советы по цвету для художников:
    Бесплатно

    Специальный набор книг
    Подробнее

    Автор

    Малкольм Дьюи: Художник. Страна: Южная Африка
    Посмотреть портфолио:

    Архив

    сентябрь 2022 г.
    августа 2022 г.
    июля 2022 г.
    июня 2022 г.
    апрель 2022 г.
    март 2022 г.
    февраля 2022 г.
    декабря 2021 г.
    ноября 2021 г.
    августа 2021 г.
    июля 2021 г.
    июня 2021 г.
    мая 2021 г.
    апрель 2021 г.
    марта 2021 г.
    февраля 2021 г.
    декабря 2020 г.
    октября 2020 г.
    сентября 2020 г.
    августа 2020 г.
    июля 2020 г.
    июня 2020 г.
    мая 2020 г.
    апрель 2020 г.
    марта 2020 г.
    февраля 2020 г.
    января 2020 г.
    декабря 2019 г.
    ноября 2019 г.
    октября 2019 г.
    сентября 2019 г.
    августа 2019 г.
    июля 2019 г.
    июня 2019 г.
    мая 2019 г.
    апрель 2019 г.
    марта 2019 г.
    февраля 2019 г.
    января 2019 г.
    Декабрь 2018 г.
    ноябрь 2018 г.
    Октябрь 2018 г.
    сентября 2018 г.
    августа 2018 г.
    июля 2018 г.
    июня 2018 г.
    мая 2018 г.
    апрель 2018 г.
    марта 2018 г.
    Февраль 2018 г.
    января 2018 г.
    Декабрь 2017 г.
    ноябрь 2017 г.
    Октябрь 2017 г.
    сентябрь 2017 г.
    августа 2017 г.
    июля 2017 г.
    июня 2017 г.
    мая 2017 г.
    апрель 2017 г.
    марта 2017 г.
    Февраль 2017 г.
    января 2017 г.
    декабрь 2016 г.
    ноябрь 2016 г.
    Октябрь 2016 г.
    сентябрь 2016 г.
    августа 2016 г.
    июля 2016 г.
    июнь 2016 г.
    май 2016 г.
    апрель 2016 г.
    март 2016 г.
    Февраль 2016 г.
    января 2016 г.
    Декабрь 2015 г.
    ноябрь 2015 г.
    Октябрь 2015 г.
    сентябрь 2015 г.
    август 2015 г.
    июля 2015 г.
    июня 2015 г.
    май 2015 г.
    апрель 2015 г.
    март 2015 г.
    Февраль 2015 г.
    января 2015 г.
    Декабрь 2014 г.
    ноябрь 2014 г.
    Октябрь 2014 г.
    сентябрь 2014 г.
    августа 2014 г.
    июля 2014 г.
    июня 2014 г.
    май 2014 г.
    апрель 2014 г.
    март 2014 г.
    Февраль 2014 г.
    января 2014 г.
    Декабрь 2013 г.
    ноябрь 2013 г.
    Октябрь 2013 г.
    сентябрь 2013 г.
    август 2013 г.
    июль 2013 г.
    июнь 2013 г.
    май 2013 г.
    апрель 2013 г.
    март 2013 г.
    Февраль 2013 г.
    января 2013 г.
    Декабрь 2012 г.
    ноябрь 2012 г.
    Октябрь 2012 г.
    сентябрь 2012 г.
    августа 2012 г.
    июль 2012 г.
    июнь 2012 г.

    Категории

    Все
    Арт Бизнес
    Заметки художника
    Книги стоят каждой копейки!
    Это жизнь художника
    размышления
    Новости
    Курс рисования
    Демонстрация живописи
    Советы по покраске
    Подкасты
    Архив популярных сообщений
    отзывов

    Посетите профиль Malcolm Dewey Fine Art на Pinterest.

    Новостная лента

Как рисовать деревья и свет — Сэмюэл Эрп Художник

Вдохновение для этой картины пришло из места всего в пяти минутах езды от моей художественной студии в Квинстауне, Новая Зеландия, где я живу. Однажды вечером я ехал по долине, когда заметил вечернее солнце, сияющее сквозь ивовые деревья. Учитывая, что была весна и на деревьях была свежая листва, разные оттенки зелени были действительно яркими. Я остановился на обочине дороги и сделал несколько фотографий. Идея картины родилась!

Посмотрите видео о рисовании, сопровождающее этот блог.

Вот несколько фотографий, которые я сделал. Пожалуйста, не стесняйтесь использовать их или копировать, если вы хотите попробовать нарисовать это произведение искусства.

Облачная ссылка


In this tutorial I will cover the following:

  1. Colours

  2. Brushes

  3. Composition

  4. Blocking in the painting

  5. Adding detail

  6. Final details

The Цвета, которые я использовал в этой картине, следующие:

  1. Титановый белый

  2. Сиенна жженая

  3. Желтый оксид

  4. Cadmium Yellow

  5. Cadmium Orange

  6. Quinacridone Magenta

  7. Ultramarine Blue

  8. Phthalo Green

Вот список кистей, которые я использовал для этой картины:

  • №6 плоская

  • №2 плоская

  • №2 фундук

  • 9 №. 0006

    Лично я пользуюсь кистями Rosemary and Co, которые можно приобрести здесь. Если вы хотите приобрести кисти Rosemary and Co, нажмите на ссылку ниже. (Примечание: если вы купите кисти Rosemary and Co по ссылке ниже, я получу небольшую комиссию).

    Дизайн этой картины основан на композиции, известной как композиция «безмен», это одна из самых простых композиций, которая особенно хороша, если вы рисуете на открытом воздухе на пленэре. Один из моих любимых художников Эдгар Пейн часто использовал этот стиль композиции в своих картинах.

    Безмен состоит из большой массы, которая уравновешивается на теоретической точке опоры меньшей массой, находящейся дальше от центра.

    Применяя композицию безмена к своей картине, я сделал иву справа самой большой массой, которую затем уравновешивают ива и хвойные деревья в середине плана с левой стороны картины.

    Перед тем, как начать рисовать, я набросал композицию, а затем окончательный набросок. Я всегда рекомендую делать наброски перед тем, как начать рисовать, чтобы вы могли создать хорошую композицию, прежде чем начать.

    После наброска я сделал небольшое цветовое исследование, чтобы убедиться, что картина будет работать, прежде чем приступить к финальной картине.

    Ивовые деревья, Квинстаун, 8 x 10 дюймов, масло, деревянная панель

    Я использую холст размером 40 x 50 см. Я подготовил его со слоем жженой сиены, которая помогает с тоном и цветом.

    Набрасываю композицию круглой кистью №1, используя сиену жженую.

    Чтобы придать рисованию более свободный вид, я выполнил всю блокировку плоской кистью №6. Я предпочитаю использовать большие кисти, так как я могу быстро покрыть большую площадь и получить более яркое ощущение от картины.

    Я начинаю эту картину, сначала зарисовывая небо, и, поскольку это одна из самых светлых зон картины, я буду использовать ее для оценки тональности остальной части картины. Что такое ценность? Значение — это в основном то, насколько светлым или темным является цвет. Передний план пейзажной картины, вероятно, будет иметь самые темные и самые светлые оттенки, но по мере того, как картина отступает вдаль, значения, вероятно, станут более средними тонами.

    Используя плоскую кисть №6, я рисую блики на облаках титановыми белилами. Затем я рисую тени от облаков, используя ультрамариновый синий, жженую сиену, хинакридоновый пурпурный и титановые белила.

    Я рисую небо комбинацией ультрамаринового синего, очень небольшого количества фталозеленого и титанового белила.

    Я начинаю рисовать в тенях в горах, используя комбинацию жженой сиены, синего ультрамарина, пурпурного хинакридона и титановых белил, тех же цветов, которые я использовал в облаках, однако, поскольку они более темные, я использую меньше титановых белил. Использование одних и тех же цветов делает рисунок более цельным, поскольку он содержит общие элементы.

    Тени среднего плана темнее, чем тени в горах, и я смешиваю тени деревьев, используя ультрамариновый синий, желтый оксид и очень небольшое количество жженой сиены в качестве основы. Для начала я использую ту же комбинацию цветов для теней на иве на переднем плане, но позже в картине я добавлю больше цветов.

    Трава в тени также была смешана с тем же цветом, что и смесь теней ивы, но с добавлением небольшого количества титанового белила для осветления значения.

    Я все еще использую квартиру № 6, чтобы заблокировать освещенные участки травы и ив. Я начинаю свою цветовую смесь с желтого кадмия и синего ультрамарина и добавляю желтый оксид, пурпурный хинакридон и титановые белила, чтобы осветлить цвет средней травы.

    Я использую те же цвета для травы на переднем плане, но я использую жженую сиену вместо хинакридонового пурпурного.

    Почему я добавляю в траву хинакридон пурпурный или жженую сиену? Ну, оба эти цвета содержат красный, так почему это важно? Красный противоположен зеленому на цветовом круге, поэтому смешивание красного или цвета, содержащего красный цвет, приведет к обесцвечиванию зеленого и уменьшению его насыщенности и яркости. Это также сделает цвет более естественным и органичным.

    Зеленый – сложный цвет для работы, правильно его нарисуйте, и вы сможете создать очень насыщенный, яркий и естественный пейзаж, но если ошибетесь, он может сильно отвлекать внимание.

    Я завершаю этапную блокировку, рисуя основные формы стволов и древесных ветвей ивы, и, поскольку они образуют темные акценты в картине, я смешиваю цвета с комбинацией ультрамарина синего и жженой охры.

    Я снова добавляю более темный тон траве на переднем плане смесью ультрамаринового синего, желтого оксида и хинакридонового пурпурного.

    После того, как блокировка в сцене завершена, я даю картине высохнуть. Блокировка на сцене просто служит картой, с которой я могу потом добавлять детали, а также средством установления тональности картины. Я могу внести изменения позже, когда картина высохнет.

    Как только картина высохнет, я могу начать добавлять детали, я возвращаюсь к облакам и уточняю формы. Я по-прежнему использую плоскую кисть №6 и те же цвета, что и при блокировке на сцене.

    Я больше подчеркиваю блики облаков, добавляя титановые белила, смешанные с небольшим количеством желтого оксида и жженой сиеной.

    Я использую кисть из фундука № 2, чтобы нарисовать трещины и выступы на скалах пика Сесил, горы на заднем плане. Я использую те же цвета, что и в микшировании теней на этапе создания блоков.

    Затем я начинаю добавлять детали к иве и хвойным деревьям на среднем плане. Для хвойных я смешиваю желтый оксид, ультрамарин синий и жженую сиену, но добавляю немного больше титановых белил, чтобы осветлить оттенок и создать текстуру. Наношу горизонтальные отметки по направлению роста листвы.

    Я начинаю формировать текстуру листвы ивы среднего плана с помощью комбинации желтого кадмия, желтого оксида, синего ультрамарина, жженой сиены и титановых белил.

    Затем я фокусируюсь на иве на переднем плане в правой части картины, которая находится ближе всего к зрителю и образует наибольшую массу.

    Я начинаю с плоской кисти №6 и смешиваю зелень, включая зелень, для теней и зон, освещенных солнцем.

    Для теней я смешиваю комбинацию желтого оксида, синего ультрамарина и жженой охры, но также меняю текстуру и тон, добавляя зеленый фтало и/или оранжевый кадмий. Я добавлю более светлый тон, чтобы создать иллюзию отраженного света, когда буду прорисовывать детали дерева.

    Для светлых участков дерева я в основном использую желтый кадмий, синий ультрамарин и оранжевый кадмий, но я также создаю текстуру, добавляя жженую сиену, желтый оксид и местами фталозеленый. Если мне нужно осветлить оттенок, я добавляю титановые белила, а если мне нужно увеличить насыщенность, я добавляю больше желтого кадмия.

    Процесс создания деталей ивы на переднем плане может занять некоторое время и может потребовать нескольких проходов, но это нормально, потому что это добавит больше текстуры и интереса к дереву и поможет установить его форму, чтобы оно выглядело трехмерным.

    По мере создания деталей я переключаюсь на использование маленьких кистей, в том числе плоских кистей №2 и фундуковых кистей №2.

    С каждым последующим слоем я добавляю более светлые тона, так как обычно я хочу сохранить самые светлые оттенки до конца рисования.

    Я заканчиваю рисунок, добавляя самый светлый тон к листьям ивы, и наношу его круглой кистью №1. Я по-прежнему использую ту же зеленую смесь, но каждый раз осветляю оттенок титановыми белилами, а также добавляю больше желтого кадмия и оранжевого кадмия, так как белый также обесцвечивает цвет. Цвета кадмия увеличат насыщенность вашей смеси.

    Я добавляю изюминку ветвям лесов на дереве с помощью комбинации титановых белил, жженой сиены и желтого оксида. Я также могу добавить немного синего ультрамарина для обесцвечивания, если это необходимо.

    Я заканчиваю картину, добавляя овец, что придает картине немного жизни. Тени на овцах смешаны с сочетанием ультрамаринового синего и жженой сиены, а блики смешаны с сочетанием титановых белил, жженой сиены и желтого оксида.

    Во время рисования нужно помнить, что нужно стараться использовать общие цвета, это сделает картину более целостной, а цвета более гармоничными.

    ВИДЕО НА YOUTUBE

    Посмотрите видео о рисовании, которое сопровождает этот блог.

    Как нарисовать пейзаж — картина Милфорд-Саунд

    В этой демонстрации рисования я покажу вам, как нарисовать пейзаж с изображением Милфорд-Саунд на юге Новой Зеландии. Милфорд-Саунд — это легендарное место, где горы встречаются с морем. Это природный фьорд.

    Подходит для масляных и акриловых красок.

    Как нарисовать морозный осенний пейзаж

    В этой демонстрации рисования я покажу вам, как нарисовать пейзаж морозным осенним утром с ржавыми английскими дубами и покрытыми инеем полями.

    Подходит для масляных и акриловых красок.

    Как рисовать деревья и мерцающую воду

    В этой демонстрации рисования я покажу вам, как нарисовать пейзаж с ивами и рекой, мерцающей на ярком летнем солнце.

    Подходит для масляных и акриловых красок.

    Как рисовать зимние ивы

    В этой демонстрации рисования я покажу вам, как нарисовать зимние ивы в пейзаже, вдохновленном Южным островом Новой Зеландии. Рисование лиственных деревьев иногда может быть немного сложным, потому что значения стеблей и ветвей могут быть светлее, чем когда они полностью покрыты листвой, поэтому, если вы не получите правильных значений, они могут потеряться в пейзажной живописи.

    Как нарисовать падающие волны

    В этой демонстрации рисования я покажу вам, как нарисовать морской пейзаж с разбивающейся волной, создающей взрыв пены.

    Подходит для масляных и акриловых красок.

    Как нарисовать прибрежный пейзаж

    В этой демонстрации рисования я покажу вам, как нарисовать прибрежный пейзаж с эффектами прожекторов и атмосферой. Эта картина вдохновлена ​​побережьем Веллингтона в Новой Зеландии.

    Подходит для масляных и акриловых красок.

    Как нарисовать морской пейзаж

    Морские пейзажи — увлекательное занятие. Волны, морские брызги, прибой, свет, скалы и драматичная погода — все это отличные ингредиенты для создания эпического и захватывающего морского пейзажа.

    В этой статье я покажу вам, как нарисовать этот морской пейзаж с прибойной волной, скалистым берегом и ярким светом.

    Как нарисовать пейзаж с горной рекой

    В этом сообщении блога я показываю, как нарисовать пейзаж с горной рекой. Эта картина вдохновлена ​​​​районом Фьордленд в Новой Зеландии, горным регионом, который является отличным сюжетом для пейзажных картин.

    Подходит для масляных и акриловых красок.

    Как нарисовать эпические горы

    В этом сообщении в блоге я покажу вам, как нарисовать этот горный пейзаж, и дам вам советы по рисованию гор так, чтобы они выглядели так, как будто они находятся на расстоянии.

    Этот горный пейзаж вдохновлен районом Гленорчи на юге Новой Зеландии.

    Как нарисовать лес, речной пейзаж

    В этом сообщении в блоге я покажу вам, как нарисовать этот лес, речной пейзаж, на котором изображена лесная местность с протекающим через нее залитым солнцем ручьем. На создание этой картины вдохновил красивый пляжный лес на южном острове Новой Зеландии. Мне нравилась спокойная атмосфера деревьев с протекающим через них ручьем.

    Подходит для масляных и акриловых красок.

    Сэмюэл Эрп 6 комментариев

    0 лайков

    Как рисовать различную листву с глубиной резкости

    Художник-комикс Энн Маулина объясняет, как рисовать различные типы листвы, включая кусты, траву, деревья и листья, помещенные в фоновые слои, известные как глубина резкости.

     

    Глубина резкости

    Прежде чем я покажу вам, как рисовать листву, я хотел бы объяснить концепцию глубины резкости , которая очень важна при рисовании фона.
    Вот его простая формула: передний план , средний план и фон .

     

     

    • Передний план: Содержит низкие значения и темные цвета с низкой интенсивностью/насыщенностью и большим количеством деталей. На стилизованных рисунках передний план часто рисуется в виде силуэта.
    • Средний план: Там, где находится основной фокус изображения. Он имеет самые интенсивные цвета по сравнению с другими слоями.
    • Фон:  Высокое качество, яркие цвета с низкой интенсивностью. Низкая детализация.

     

    Добавление листьев с помощью простой сплошной круглой кисти

    • На этом этапе нам не нужно беспокоиться о том, какой цвет использовать. Выберите цвет и нарисуйте окружающие листья. Не распространяйтесь слишком сильно. Убедитесь, что вы можете различить более светлые и более темные области.

    Вот несколько простых шагов для рисования кустов, растущих в первой форме.

     

     

    Рисование травы

    • Смешайте цвета с помощью большой кисти.

     

     

    • Нарисуйте немного травы простой кистью горизонтально. Так же, как мы рисуем листья на кусте. Используйте палитру цветов, чтобы выбрать тот же цвет из области смешивания и закрасьте травинки.

     

     

    • Добавьте немного дикорастущих растений.

     

     

    Рисование деревьев

    • Вот несколько шагов для рисования различных типов деревьев с различными базовыми формами.

     

     

    • Используя тот же метод, что и при рисовании травы: смешивайте цвета, а затем рисуйте группы листвы.

     

     

     

    • Как и при рисовании куста, в качестве руководства лучше использовать направления.

     

     

     

    • Добавить детали. Я сделал несколько отверстий между гроздьями листьев и добавил другой цвет на ствол.

     

     

    Рисование листьев

    Как я упоминал ранее о глубине резкости, объекты на переднем плане очень детализированы, поэтому иногда листья на переднем плане нужно рисовать по отдельности.

     

    Чтобы нарисовать отдельные листья, я обычно начинаю с центральной линии действия. Ниже приведены несколько примеров того, где можно найти эти строки.

     

     

     

    Различные листья имеют разную форму, но обычно они имеют центральную линию, как позвоночник человеческой фигуры. Эту линию можно использовать как линию действия для рисования листа. Ниже приведены несколько листьев под разными углами и в разных позах, которые я нарисовал из одной похожей центральной линии.

     

     

     

    Эти линии также можно использовать при рисовании ветки листьев.

     

     

    Разные растения имеют разветвление листьев по-разному. На изображении ниже показаны три разных узора на трех разных растениях, которые я нашел в мамином саду. Пожалуйста, используйте их в качестве руководства, если вы хотите добавить больше деталей и характеристик листве, которую вы рисуете. Обычно я просто гуглил название растения и изучал его форму и узор, прежде чем рисовать его на холсте.

    Изучение узора непосредственно с реальной ветки перед вами даст лучший результат, потому что вы можете крутить или вращать его, чтобы не упустить ни одной детали.

     

     

    Советы

    • Всегда используйте ссылки! Избегайте рисования по памяти. Есть бесчисленное множество видов травы, кустов и деревьев. Ищите несколько ссылок, чтобы создать хороший вариант и композицию.

     

     

    • Нам не нужно все детализировать. Добавляйте детали в основном в областях, на которых вы хотите сосредоточиться. Обычно фокус находится на переднем или среднем плане, но никогда на дальнем фоне.

     

     

    Заключение

    Сначала смотрите общую картину, а потом подробности. Используйте основные формы для общей формы, а затем используйте направляющие линии в качестве ориентира при добавлении деталей.

    — Энн Маулина

     

     

    Энн Маулина — художница комиксов из Индонезии. Ее комиксы — Raruurien (www.raruurien.com) и Varunair. Она также иногда работает внештатным художником по концептам игр. Она имеет степень бакалавра в области дизайна визуальных коммуникаций, что дает ей большое преимущество в художественных и дизайнерских проектах. Ей нравится создавать искусство, исследуя динамические и гармоничные цвета. Вы можете найти ее по телефону:

    • Твич
    • Артстанция
    • Твиттер
    • Инстаграм
    • Патреон

     

    Подробнее:
    • Руководство по созданию цветовых схем

     

    • Рисование неба в разную погоду и в разное время

     

    Index – The Eclectic Light Company

    Камиль Писсарро (1830-1903), Каштаны в Осни (около 1873 г. ), холст, масло, 65 x 81 см, частная коллекция. Викисклад.

    Введение – обширный обзор от Рубенса до ван Риссельберге.

    Отдельные художники перечислены в хронологическом порядке их рождения, самые старые сначала:

    Николя Пуссен (1594-1665): один из отцов-основателей пейзажной живописи, большинство его пейзажей охватывает жанры, и лишь немногие из них доминируют над деревьями. Однако он нарисовал много великолепных деревьев, особенно свои любимые дубы. В отличие от своих преемников, он редко рисовал деревья, которые были явно повреждены, или громады старых или мертвых деревьев, но идеализировал свои пейзажи во всех отношениях и аспектах. Он использовал градацию в деталях, чтобы создать впечатление глубины, эффективно расфокусируя листву, когда она уходила в глубину вида. Это предвосхитило аналогичные эффекты глубины резкости в фотографии на два столетия. Статья.

    Николя Пуссен (1594–1665), Пейзаж во время грозы с Пирамом и Фисбой (1651), холст, масло, 192,5 × 273,5 см, Штедель, Франкфурт-на-Майне. Викисклад.

    Якоб Исааксзон ван Рейсдал (1628/9-1682): мастер-пейзажист Золотого века Голландии, очень любил деревья, особенно древние дубы, которые были разбиты, искривлены и давно потеряли свои кроны. Его изображения деревьев хорошо воспринимаются и точны, и они оказали большое влияние на многих художников, включая Гейнсборо и Констебла. С его концентрацией таких старых дубов его картины также представляют собой уникальное окно во времени, обратно в средние века. Статья.

    Якоб Исааксзон ван Рейсдал (1628/9–1682), Пейзаж с мельницей и руинами (около 1653 г.), холст, масло, 59,3 x 66,1 см, Художественная галерея Южной Австралии, Аделаида. Викисклад.

    Томас Гейнсборо (1727–1788): изначально этот известный художник-портретист намеревался писать пейзажи, которые он продолжал писать на протяжении всей своей карьеры. Деревья были неотъемлемой частью его пейзажей, а некоторые из его картин являются одними из лучших образцов британского искусства. У него были повторяющиеся темы, в которых были связаны кроны деревьев и форма облаков, и он часто включал искривленную громаду дерева на переднем плане. Он был музой Констебла и соучредителем британской школы пейзажной живописи. Статья.

    Томас Гейнсборо (1727–1788), Лесной пейзаж с отдыхающим крестьянином (1747), холст, масло, 78,1 x 62,5 см, Тейт Британия, Лондон. Викисклад.

    Джон Констебл (1776-1837): на протяжении всей своей карьеры он придавал большое значение изображению деревьев. Позже они были подвержены «романтической» тенденции и чрезмерному напряжению. Его свободные живописные наброски образуют мост между старым (Гейнсборо) и современным (импрессионизм). Он остается одним из величайших мастеров рисования деревьев. Статья.

    Джон Констебл (1776–1837), церковь Сток-Погес (1834 г.), акварель с пером и темно-коричневыми чернилами и процарапывание на средней, гладкой, кремовой тканой бумаге, 21,6 x 18,1 см, Йельский центр британского искусства, Нью-Хейвен, Коннектикут. . Викисклад.

    (Жан-Батист-) Камиль Коро (1796-1875): он, вероятно, нарисовал больше деревьев, чем любой другой художник, и его стиль развивался на протяжении всей его карьеры. Ранние деревья были построены анатомически и казались вполне классическими. Позже его следы стали свободнее и жестче. В течение последних 25 лет они приобрели характерный стиль с листвой, состоящей из широкого спектра отметин, включая широкие и тонкие мазки, точки, мазки и мазки. Он выступал в качестве перекрестка к «современному» искусству, после пленэр традиции Валансьена и учение Писсарро. Он также, кажется, был первым, кто использовал ростверк . Артикул.

    Жан-Батист-Камиль Коро (1796–1875), Сувенир де Куброн (1872), холст, масло, 46 x 55,3 см, Музей изящных искусств, Будапешт. Викисклад.

    (Джейкоб Абрахам) Камиль Писсарро (1830-1903): перенес изображение деревьев из реализма в постимпрессионизм. Решетка, , в которой стволы и ветви пересекают большую часть или все более отдаленные мотивы, характерна для многих его картин. В его более поздних работах деревья построены из тонких мазков яркого, насыщенного цвета, и иногда он ориентировал свои мазки в завитки и завитки. Как старший импрессионист, он оказал большое влияние на пейзажную живопись импрессионистов и постимпрессионистов. Статья.

    Камиль Писсарро (1830-1903), Кот-де-Бёф, Понтуаз (1877), холст, масло, 114,9 x 87,6 см, Национальная галерея, Лондон. Викисклад.

    Поль Сезанн (1839-1906): по мере того, как его стиль отходил от импрессионизма, он собирал листву из цветных пятен, используя свой характерный конструктивный мазок, состоящий из параллельных мазков, обычно расположенных по диагонали. В конечном счете, его картины маслом демонстрировали нарушение формы, но в его акварелях использовались нарисованные очертания с яркими вспышками цвета внутри. Хотя он настаивал на том, что рисовал с натуры, его картины вдохновляли модернистскую абстракцию. Статья.

    Поль Сезанн (1839–1906), Grand pin et terres rouges (Большая сосна и красная земля) (1890–95), холст, масло, 72 x 91 см, Эрмитаж, Санкт-Петербург. Викисклад.

    Альфред Сислей (1839–1899): сейчас, к сожалению, заброшенный, он был самым преданным специалистом по пейзажам среди французских импрессионистов и посвятил себя пленэрным картинам. В его зрелом стиле его деревья имеют тщательно продуманную анатомическую конструкцию с тонкими мазками контрастных цветов и тонов. Они создают богатую текстуру коры и мелкую зернистость всей листвы навеса. Его серия тополиных аллей в Море-сюр-Луан не имеет себе равных. Статья.

    Альфред Сислей (1839–1899), Тополиная аллея в Море-сюр-Луан (1890), холст, масло, 62 x 81 см, Музей Орсе, Париж. EHN & DIJ Окли.

    Клод Моне (1840-1926): хотя он сосредоточился на парках, садах, море и внутренних водных путях, он написал много превосходных работ с изображением деревьев. К ним относятся полутропические виды на побережье Средиземного моря и наиболее известные серии тополей возле его дома в Живерни между 1887 и 1892 годами. Среди них одни из лучших импрессионистских картин деревьев, исследующих форму, цвет и многоуровневость. сочинение. Статья.

    Клод Моне (1840-1926), Тополя на берегу Эпте (1892), холст, масло, 88 × 93 см, Частная коллекция. Wikipaintings.org, через Викисклад.

    Винсент Ван Гог (1853–1890): его карьера художника была короткой, интенсивной, успешной лишь спустя долгое время после его смерти, но оказавшей огромное влияние. Его стиль рисования деревьев превратился в массивы мазков, ориентированных в соответствии с формой и текстурой дерева. Его серии фруктовых деревьев в цвету, оливковых деревьев и кипарисов исключительны, причем последние два считаются одними из самых замечательных работ любого художника. Статья.

    Винсент Ван Гог (1853–1890), Дорога с кипарисом и звездой (1890), холст, масло, 92 x 73 см, Музей Креллер-Мюллер, Оттерло. ВикиАрт.

    Теофиль (Тео) ван Риссельберге (1862-1926): наиболее известен своей фигуративной живописью, его стили развивались от реализма через импрессионизм и неоимпрессионизм к постимпрессионизму. Его «Канал во Фландрии » (1894 г. ) — шедевр неоимпрессионизма, исследование тополей, перспективы и отражений. Он также нарисовал серию сосен на побережье Средиземного моря, обычно с пляжем и купальщиками, последнюю из которых он закончил незадолго до своей смерти. Статья.

    Тео ван Риссельберге (1862-1926), Канал во Фландрии (1894), холст, масло, 152,4 x 203,2 см, Частная коллекция. ВикиАрт.

    Нравится:

    Нравится Загрузка…

    7 способов придать глубину пейзажной живописи — Мэрион Бодди-Эванс

    с чувством глубины. Скорее это комбинация ингредиентов; вы должны использовать несколько, выясняя, сколько каждого из них вам нужно для этой конкретной рецептурной композиции.

    1. Уменьшение детализации
    Мы видим больше деталей в вещах, которые находятся ближе всего к нам. Растения и деревья не должны быть очень далеко, чтобы мы больше не видели каждый лист по отдельности. Поэтому рисуйте больше деталей на переднем плане, меньше на среднем и предлагайте их только для заднего плана. Дайте ощущение текстуры, тона и цвета на расстоянии, а не конкретики.

    Не ведитесь на эталонную фотографию, сделанную камерой сверхвысокого разрешения, которая показывает вам каждую травинку за несколько километров. Но мы рисуем, а не воспроизводим фотографии. Поэзия заключается в том, что не сказано.

    2. Делайте элементы меньше
    То, что предметы, находящиеся дальше, кажутся меньше, чем предметы, расположенные ближе к нам, является одним из основных правил перспективы в западном искусстве. Помещая элемент известного размера на картину, например, фигуру или дерево, он мгновенно дает зрителю возможность сравнить остальные элементы, ощущение масштаба и расстояния. Наш мозг автоматически масштабирует остальную часть композиции в соответствии с этим.

    Наличие дороги или железной дороги, ряда деревьев или столбов забора, которые становятся все меньше и уже по мере того, как они уходят вдаль, — это классика. Хотя мы знаем, что дорога имеет одинаковую ширину по всей длине (или более или менее, в случае однопутной дороги, как на фотографии), кажется, что она сужается по мере удаления от нас, и, таким образом, видя это в пейзажная живопись помогает создать иллюзию глубины.

    3. Hide Bits
    Утки могут летать подряд, но как только они приземлились, они бродят повсюду. Элементы перекрываются, и наш мозг сразу же интерпретирует это как одно за другим, способствуя ощущению глубины.

    4. Получите синий цвет
    Чем дальше находятся предметы, тем светлее они по тону и холоднее (голубее) по цвету. Это не обязательно драматично, это может быть тонко, но это есть. Технический термин — «Воздушная перспектива», но прежде чем вы в панике убежите от P-слова, подумайте о том, как вы обозревали пейзаж, любуясь полосами холмов или гор, исчезающих вдали, становясь все светлее и светлее по тону. Это воздушная перспектива или изменение цвета или тона, которые дают ощущение расстояния. Подумайте:

    Передний план = «Нормальный»
    Среднее расстояние = Тон светлее и цвет синее
    Дальнее расстояние = Гораздо светлее и синее

    Добавление глазури более светлого тона к тому, что находится на расстоянии пейзажной картины, сразу увеличивает ощущение глубины. Я бы использовал титаново-белый, возможно, приглушенный серо-голубым. Что касается «цвета становятся холоднее или голубее», думайте не только об адаптации цветов на расстоянии, но и о том, что вы используете на переднем плане. Например, сделайте зеленый передний план, который склоняется к желтому, и зеленый фон, который будет более синим. Добавьте красный цвет на передний план, поскольку красный тянется вперед в глазах (и это не обязательно должно быть сплошное красное пятно, это может быть глазурь).

    Даже на этом раннем этапе работы сужение дороги придает композиции ощущение глубины.

    5. Смягчите ваше прикосновение
    Твердые края (или найденные края) кажутся ближе, потому что они четко очерчены, тогда как мягкие (или потерянные) края кажутся дальше, это скорее намек, чем определенность.

    6. Формат холста
    Легче создать ощущение глубины на холсте или листе бумаги широкого или альбомного формата, чем на высоком или портретном формате. Это потому, что мы обычно смотрим на пейзажи горизонтально, а не вертикально, поэтому наш глаз приучен смотреть вбок, а не вверх или вниз. Конечно, есть исключения; главное, чтобы это был осознанный выбор. Человеческое зрение стереоскопично и основано горизонтально (т.е. у нас два глаза рядом друг с другом), поэтому глубина автоматически связана с горизонталью; широкие картины подчеркивают это.

    7. Рассмотрите вещи в перспективе
    Потратьте время, чтобы изучить правила одно- и двухточечной перспективы и использовать их. Перестаньте убегать от него. И не забывайте о сложенной перспективе.


    Советы:

    • Воздушная перспектива применима как к небу, так и к земле. Небо прямо над вами голубее, чем на горизонте. Будьте осторожны, полагаясь на цифровую фотографию для получения информации о цвете неба, так как многие из них обесцвечивают небо.
    • Теплые объекты кажутся ближе, поэтому, если вашей картине не хватает глубины, не пытайтесь решить эту проблему, добавив маленькую фигурку в красной рубашке на расстоянии, пусть они будут одеты в синий цвет.
    • Потратьте время на обдумывание того, насколько высоко или низко вы собираетесь провести линию горизонта. Это одна из самых сильных визуальных подсказок для точки обзора и перспективы в пейзаже. Очень низко, и у вас мало места для размещения того, что будет «передним планом» в композиции. Очень высоко и у вас мало места для «неба».

    Нравится:

    Нравится Загрузка…

    Настройка сцены с темным передним планом

    01.06.2011 9:11:03 Лори Вудворд
    29 комментариев
    Темы: FineArtViews | вдохновение | Лори Вудворд

    Сегодняшнее сообщение от Лори Вудвар d. Лори получила степень бакалавра художественного образования в Аризонском университете. Как независимый писатель для различных художественных изданий, с 19 года она написала более 60 опубликованных статей для журналов American Artist, Watercolor, Workshop и International Artist Magazine.96. Ее картины вместе с учебными статьями публикуются в журнале Watercolor Magazine с 2007 года и в выпуске American Artist’s Highlights, Step by Step 2011, со статьей «Переход к акрилу». Вудворд является соавтором книги «Акварель шаг за шагом», опубликованной Уолтером Фостером, и автором главы для «Руководства по арт-маркетингу для 21 века» Кэлвина Гудмана. С 2004 года она является членом Putney Painters, небольшой группы художников по приглашению, наставниками которой являются Ричард Шмид и Нэнси Гузик.

    В конце 1990-х летом я учился у Сондры Фрекельтон и Джека Била. Сондра вела самый удивительный урок акварели, поскольку она знала все свойства акварельных материалов и техники, ее муж Джек обучал принципам композиции. Я посещал 6 лет или около того и получил невероятно ценное образование.

    В этом блоге я продемонстрирую композиционную концепцию, которой Джек Бил обучал каждое лето… то, что он назвал «Дверной косяк». По сути, это сводится к следующему: Использование затемненного переднего плана приводит к тому, что взгляд зрителя перемещается по переднему плану в средний и дальний план.  Некоторые инструкторы называют этот инструмент фольгой. В любом случае, я думаю об этом как о занавеске на переднем плане или темной ступеньке в нижней части картины, которая устанавливает основу сцены для более важных дальних областей. Кстати, после того, как я узнал об этом от Джека, я стал замечать эту концепцию в картинах повсюду — в журнальных статьях, музеях, галереях.

      

    Вверху: Две картины Эдгара Пейна , где он отбрасывает тень на передний план. Этот инструмент, «дверной косяк», заставляет зрителя смотреть вокруг или над областью сбоку или внизу картины и на более светлые элементы на расстоянии.

    Приложение дверного косяка в значительной степени вышло из употребления с живыми художниками, но я видел его то здесь, то там у репрезентативных художников. Это не уловка или что-то, что можно использовать на каждой картине — это просто инструмент, и даже исторически художники использовали его… иногда, но не все время. Я использую его, потому что мне нравится, как он выглядит, и он упрощает визуализацию подробного переднего плана, потому что, когда он отбрасывается в тень, значения тесно связаны друг с другом.

    НИЖЕ: #1 набросок на пленэре, который я сделал в Putney VT — #2, Vermont Fields  — Лори Вудворд, масло 12×18.  Вторая картина представляет собой переработанную интерпретацию этой сцены. Здесь я использовал вид дверного косяка, создав передний план и поместив его в тень. Это привлекает внимание зрителя к более светлым областям отдаленных холмов и подчеркивает дерево там, где его темный оттенок встречается с более светлыми отдаленными холмами.

      

    Внизу: #1- акварельный набросок на пленэре. # 2 —  Jordan Pond от Lori Woodward, акрил 10×15. На второй картине я разработал картину с темным косяком на переднем плане слева, чтобы горы вдалеке доминировали над сценой. Затемненный дверной косяк делает сложный передний план менее важным, чем дальний план.

       

    НИЖЕ: Розовые сумерки , Харриет Винчестер Пастель 12×18. Моя подруга Гарриет Винчестер использовала инструмент для дверного косяка в своей картине ниже. Она не только затемнила деревья слева, но и изменила дизайн картины, переместив далекую гору в поле зрения — над ручьем. На самом деле гору нельзя увидеть с этой точки зрения, но это один из способов, которыми художники могут рассказать визуальную историю по-своему.

    Розовые сумерки , Гарриет Винчестер Пастел 12×18

    Ниже: два примера: #1 от NC Wyeth, ниже: № 1. и Смеющаяся девочка ,   показывают, как художники могут формировать дверной косяк (затемненный передний план) с помощью фигур. Дверные косяки  работают как для других предметов, так и для пейзажей.

     

    Я мог бы привести здесь много других примеров, но это сделало бы информационный бюллетень слишком большим, чтобы его можно было легко загрузить. Вот еще два примера — НИЖЕ: № 1 Фредерика Малгаупта, Родом из Глостера и № 2 Генри Пембера Смита, Сбор древесины . Присмотритесь к этим картинам внизу, и вы ясно увидите силуэт дверного косяка.

     

    Похожие сообщения
    Поделиться этой публикацией

    29 ответов на Установка сцены с темным передним планом

    моя наивность проявляется, но вау, это отличная идея! Попробую на следующей картине. спасибо за прекрасные примеры. Это, безусловно, улучшило композицию ИМХО в приведенных вами примерах.

    Опубликовано mimi torchia boothby акварели · через faso.com · 135 месяцев назад

    Я так рисую уже пару лет. Я никогда не знал, что для этого есть термин или что он действительно существует как инструмент!
    Это было то, что работало над моей композицией, направлением и источником света.
    Спасибо за мой «хихиканье» дня. (Я имею в виду это в самом приятном смысле.)

    Дебби Флад

    Опубликовано Дебби Флад · через faso.com · 135 месяцев назад

    Это отличная тема, и все художники, которые рисуют, должны обратить на нее пристальное внимание.

    Старые мастера называли это порогом. Как порог двери. Это позволяет зрительной способности перешагнуть через порог изображения. Я думаю, что причина, по которой большинство пленэрных художников выглядят одинаково, заключается в том, что они не включают порог. Чаще всего в природе этого нет. Мы должны принудительно добавить тень облака или дерева в изображение.

    Будучи бывшим строителем, я думаю, что косяк — это вертикальные опоры, удерживающие дверную раму. Если мне не изменяет память??? (улыбается) Джек

    Автор: jack white · via faso.com · 135 месяцев назад

    Привет, Джек… «другой Джек» называет это дверным косяком, но я думаю, что Джек Бил часто определял его как темную рощу деревьев или фигуру сбоку на переднем плане. Он также показал, как это заставляет зрителя прыгать или идти через тень и в заднюю часть картины.

    Джек, «Порог», наверное, лучше подходит для этой концепции. Спасибо за ваш вклад здесь, Джек. Недавно я видел, как его использовал Майкл Годфри, а также Фрэнк Серрано. Удивительно, как добавление Threshold привлекает внимание.

    Мастера называют это «фольгой», но на самом деле, когда я использую это слово, я не могу думать ни о чем, кроме алюминия.
    (широкая улыбка).

    Опубликовано Лори Вудворд · через faso.com · 135 месяцев назад

    Я видел, как это устройство очень часто использовалось в пейзажной живописи старых голландских мастеров в Художественном музее Лос-Анджелеса. Довольно хороший способ свести к минимуму передний план и переключить внимание на средний план/фон. Спасибо за хорошее напоминание.

    Опубликовано Karen · через faso.com · 135 месяцев назад

    Верно, Карен… он уменьшает передний план! Поскольку мне нравятся детали, это помогло мне успокоить эту область.

    Опубликовано Лори Вудворд · через faso.com · 135 месяцев назад

    Я никогда не слышал об этой технике. Спасибо, что представили его здесь, в этом блоге. Я заметил применение этой техники в некоторых картинах, которые я видел в музеях, и я думаю, что это замечательно. Это придает картине большую глубину. Спасибо за статью, Лори.

    Опубликовано Кэрол Шмаудер · через faso.com · 135 месяцев назад

    Надеюсь, никто не обиделся на мой «хихикающий» комментарий. Я хихикала про себя, уже применив этот способ покраски.
    Что-то вроде «Ура, я кое-что понял».
    Я не хихикала над постом в блоге или его важностью.
    Я рад, что вы написали об этом.

    Всем удачной покраски!

    Дебби

    Автор: Дебби Флад · через faso.com · 135 месяцев назад

    Просто быстро просмотрел свои картины, чтобы проверить, где можно было бы использовать эту концепцию, и был удивлен, обнаружив на некоторых из них «заедания дверей». К мольберту… сейчас… с намерением и знанием! Я действительно ценю эти проницательные статьи, Лори!!

    Опубликовано Kathy Mann · via faso.com · 135 месяцев назад

    Отличный совет! Я бы добавил предложение распространить идею дверного косяка на рамку картины, призывая людей подвергнуть сомнению (сомнительное) соглашение о золотой раме для картин. Рамы из темного дерева, как правило, более подходят, отчасти по тем же причинам, по которым тени на переднем плане настолько эффективны. Более темная рамка, которая иногда беспокоит людей, будет мрачной, в подходящем, тщательно продуманном цвете и оттенке создает эффект фольги, подсвечивая изображение, создавая ощущение тени вокруг него. Натуральное дерево также усиливает мотив любования и восхваления природы. Мой магазин и галерея добились в этом большого успеха. Я ремесленник, который построил бизнес на возрождении прекрасных деревянных рам ручной работы, так что это неизбежная самореклама, но моя карьера построена на правильности этого подхода. Надеюсь, вы посмотрите, что мы сделали с пейзажами в деревянных рамах, здесь: www.holtonframes.com.

    Опубликовано Тим Холтон · через faso.com · 135 месяцев назад

    Спасибо, Лори, за эту информативную статью. Я замечал этот эффект раньше, но никогда не знал, как он называется. Я также не думал о том, чтобы перекомпоновать какие-либо из моих картин с помощью этого инструмента. Я вижу, как это может иметь очень положительное значение.

    Автор: Sue Martin · via faso.com · 135 месяцев назад

    Лори, я только что использовал это пороговое введение на пленэре в прошлые выходные. Перед бассейном отеля росла прочная темная изгородь. Я осторожно поместил его, думая, что это может разрушить ощущение легкости картины. Так получилось, поэтому в следующий раз я нарисовал бассейн без него, и теперь у картины невероятное ощущение света.

    Здравствуй, Джек Уайт
    Я думаю, что причина, по которой художники-пленэристы не любят порог, заключается в том, что у нас есть некоторая предрасположенность к тому, чтобы сделать световой путь входа в картину. Таким образом, низкий порог значения в нижней части холста блокирует эту запись в нашем представлении. Я не знаю, кому изначально пришла в голову идея пути входа, но тонны пленэрных художников следуют этому критерию для оцениваемых шоу, поскольку мы знаем, что судьи это одобряют. Я просто могу нарушить традицию с этого момента.

    Лори, увидев ваши примеры, я вижу, что все выглядит хорошо, поэтому я попробую еще раз другим способом. Я заметил, что Эдгар Пейн использует линии, чтобы провести зрителя через порог и/или вход с низким значением к свету. Осматривая свой дом на своих старых картинах, я нахожу пару примеров, использующих подобный порог. Хитрость не в том, чтобы сделать его таким очевидным, как темно-зеленая живая изгородь. Что мне теперь делать с этой дурацкой картиной? Продайте его гостю отеля по хорошей цене!
    Спасибо Лори

    Опубликовано Esther J. Williams · via faso.com · 135 месяцев назад

    Отличный пост…чем больше инструментов в нашем арсенале, тем лучше!!! Мне очень нравится драматизм, который он производит в мирской сцене. Эта техника может легко применяться к абстракциям, чтобы сосредоточить внимание на определенной области картины.

    Опубликовано Laurie Finkelstein · via faso.com · 135 месяцев назад

    Всегда открыт для изучения новых техник, мне нравится «дверной косяк». Удивительно, судя по примерам, которыми вы поделились, насколько это влияет на интерес к картине.

    Опубликовано Donna Robillard · via faso.com · 135 месяцев назад

    Это потрясающий пост, Лори, очень полезный. Использование этой техники, как в ваших примерах, действительно улучшает работу и четко устанавливает область фокусировки.

    Объяснение Тима, почему использование более темной деревянной рамы, чем золотая, имеет большой смысл для того же светового эффекта, что и темнота в дверном проеме.

    Опубликовано Bonnie Samuel · via faso.com · 135 месяцев назад

    Это отличная техника, спасибо, что поделились ею! Я вижу, как хорошо он работает с пейзажами и фигурами — действительно делает живопись более интересной. Мне интересно, как я могу перенести это на свои цветочные картины. Я часто рисую крупный план одного цветка, а не сцену. Не могли бы вы указать мне какие-нибудь примеры, где порог используется в этом типе живописи? Спасибо!

    Опубликовано Deborah Younglao · via faso. com · 135 месяцев назад

    Отличная тема, Лори! Я использую это, когда могу. Как вы сказали, вы не хотите использовать его на каждой картине. Я обнаружил, что это хорошо работает и с натюрмортами. Это как бы останавливает взгляд от падения с нижней части картины.

    Опубликовано George De Chiara · via faso.com · 135 месяцев назад

    Я приветствую ваш пост, Лори, не только за техническое напоминание, но и за исторический урок. Хотя этот композиционный прием может быть новым для некоторых, на самом деле он довольно старый, как вы показываете на примере Вермеера. По мере того как картины становились все более светскими, особенно в 1600-х годах, художники использовали композиции, выходящие за рамки фризовых и табло, для представления более сложных пространственных представлений. Многое можно узнать из любознательного обзора истории искусства.

    Ты прав, Джек, косяк на окнах и дверях — это вертикальная опора; нижняя горизонтальная опора — порог (также называемый порогом двери).

    Опубликовано Дональд Фокс · через faso.com · 135 месяцев назад

    Спасибо, Лори, еще одна замечательная статья. Я совсем забыл об этом методе значений placemecnt

    Опубликовано Барб Стахов · через faso.com · 135 месяцев назад

    Лори, Замечательный пост и примеры. Я использовал эту технику несколько раз, не понимая, что я делаю. Спасибо за все замечательные примеры.

    Опубликовано Joanne Benson · via faso.com · 135 месяцев назад

    Это прекрасный способ оживить картину. Наблюдение за техникой старых мастеров показывает, как много мы можем получить, изучая их работы. Спасибо за такую ​​познавательную и интересную статью.

    Опубликовано Jo Allebach · via faso.com · 135 месяцев назад

    Замечательное напоминание, я рано узнал, что это называется «Порог» и используется почти во всех картинах маслом и пастелью. Моей задачей обычно является яркий свет в тропических картинах, которые я создаю на месте. Без использования этой техники у меня нет глубины в картинах. Мне очень нравятся ваши статьи и отличное использование примеров.
    Cheers Филлис О’Шилдс O’Shields Fine Art

    Опубликовано Филлис О’Шилдс · через faso.com · 135 месяцев назад

    Спасибо, что поделились, никогда о таком не слышал. Я начну видеть, сколько раз я вижу, что он используется.

    Опубликовано delilah · через faso.com · 127 месяцев назад

    Я рад, что эти статьи всплывают из прошлого. Это, безусловно, хорошее напоминание о том, как сделать картину лучше. Я снова посмотрел на свои картины и вижу, где эта техника сделала их успешными, а без нее, кажется, «чего-то не хватает».

    Опубликовано jo allebach · через faso.com · 127 месяцев назад

    Концепция есть, но язык такой расплывчатый. В картинах мастера передний план «темный», а в авторской — «прохладный», а не темный.

    Опубликовано Джоан Хоффманн · через faso.

    Картина с деревом на переднем плане: Пейзаж с деревом на переднем плане 1888 — Картина маслом

    Добавить комментарий

    Ваш адрес email не будет опубликован.

    Пролистать наверх