Художники-авангардисты — 20 самых известных художников русского и мирового авангарда
Самые знаменитые художники-авангардисты и их картины. Казимир Малевич, Сальвадор Дали, Ричард Принс и другие.
Содержание
- Введение
- 10 русских художников-авангардистов
- Казимир Малевич
- Василий Кандинский
- Александр Родченко
- Эль Лисицкий
- Владимир Татлин
- Иван Пуни
- Наталия Гончарова
- Михаил Ларионов
- Любовь Попова
- Петр Кончаловский
- 10 художников мирового авангарда
- Герхард Рихтер
- Чжан Сяоган
- Ричард Принс
- Марк Шагал
- Сальвадор Дали
- Марсден Хартли
- Мортон Шамберг
- Джорджия О’Киф
- Стюарт Дэвис
- Джозеф Стелла
Русский авангард в живописи 20 века оказал значительное влияние на последующее искусство не только в России, но и в целом на мировое искусство и художников. Современные художники вот уже больше 100 лет признаются в любви к этому направлению, архитекторы, музыканты вдохновляются великими произведениями, создавая свои работы.
В своей большой статье про авангардизм https://nyblog.ru/avangardizm-v-zhivopisi/ мы уже писали, как зародилось это направление в 1910-х годах, какие художники стали основоположниками авангарда и какие картины считаются эталоном авангарда, как русского, так и зарубежного.
Обязательно прочтите эту статью, если еще не знакомились с историей авангарда. Так вам будет проще разбираться в направлениях, произведениях и художниках.
В этой же статье, мы поговорим о 10 русских художниках и о зарубежных, которые стали основоположниками авангарда. Также в статье вы найдете примеры их картин, которые представляют это направление.
10 русских художников-авангардистовКазимир МалевичОдин из самых знаменитых художников-авангардистов с не менее знаменитой работой «Черный квадрат». Малевич любил эксперименты, не останавливался на каком-то одном направлении, ища способы реализации своего творчества.
Создатель супрематизма – жанра живописи, в котором используются простые геометрические фигуры, такие как круг, квадрат, прямоугольник, простая линия.
Не только художники, но и дизайнеры, и архитекторы будущего, позднее, будут использовать его идеи в архитектурных и дизайнерских проектах.
«Супрематическая композиция», 1916 год «На жатву», 1928-1929 года «Черный квадрат», 1915 годВасилий КандинскийОсновоположник не только авангардизма, но и абстракции. Родился в Москве, затем жил в Одессе, учился также в Москве и Европе. Организовывал выставки, создавал творческие объединения. Одним из таких объединений стал «Синий всадник». Любил много путешествовать. Стал крупнейшей фигурой авангарда Европы.
Написал книгу «О духовном в искусстве», которая переворачивала устоявшееся представление об искусстве.
Живя заграницей, общался с русскими художниками, в том числе и с Малевичем, помогал им с выставками.
«Желтое-красное-синее», 1925 год «Композиция VIII», 1923 год «Пестрая жизнь», 1907 годС приходом революции некоторое время преподавал в России, затем уехал сначала в Германию, потом во Францию.
Русский авангардист, который рисовал слова. Работал в самых разных техниках и жанрах. Работал со скульптурой, фотографией, писал картины, работал художником-декоратором в театре и кино.
Один из советских авангардистов, основателей конструктивизма в СССР начала 20 века.
После Февральской революции руководил профсоюзом художников, организовывая нормальную жизнь и работу молодым художникам.
Плакат «Ленгиз: книги по всем отраслям знания», 1924 годРаботал над графикой, живописью и абстрактно-геометрическими произведениями. 1916 года стал активно участвовать в крупнейших выставках российского авангарда, а также всевозможных конкурсах по архитектуре.
Родченко воспринимал искусство как изобретение новых форм и возможностей, а свое творчество считал экспериментом.
«Линейно-циркульная композиция», 1915 год «Девушка с цветком», 1915 годЭль ЛисицкийЭль Лисицкий был не только художником-авангардистом, но и архитектором, конструктором, графическим дизайнером, монтировал фото, работал инженером.
Его проекты опережали время, а сам он пытался перенести основные идеи супрематизма в архитектуру. Настоящее имя – Лазарь.
В ранние годы своего творчества, Лисицкий занимался иллюстрацией детских книг. Затем, познакомившись с Малевичем, он полностью посвящает себя супрематизму и геометрическим формам, нашедшим выражение в его работах.
«Клином бей белых»Позже он создает объемные конструкции, которые называются «проунами», также вдохновляясь идеями супрематизма. Он также отдает много внимание дизайну и архитектуре, считая город не разрозненным пространством, а единым целым организмом. Помимо всего прочего, художник создал серию агитплакатов для советской власти.
Лисицкий родился в семье евреев в царской России, жил в Германии (его жена была немкой), продвигал новаторские идеи супрематизма – его судьбу не назовешь легкой. Но, тем не менее, он смог прожить насыщенную жизнь, не отступая от своих идеалов в творчестве и работе.
Иллюстрация для книги Владимира Маяковского «Все для фронта! Все для победы! (Давайте больше танков)» «Проун 1А, Мост I»Владимир ТатлинХудожник, дизайнер, декоратор, Татлин также был новатором русского авангарда в живописи 20 века.
Для него главным в творчестве были материал и конструкция произведения. Он создал «Памятник III Интернационалу». На выставке Всемирного искусства в Париже, в 1925 году его конструкция «Башни Татлина» произвела впечатление на собравшихся, но проект, увы, так и не был реализован.
«Башня III Интернационала»Его отец был потомственным дворянином, а мать – поэтессой. Татлин с детва учился живописи, в том числе и в училище. Подростком сбежал в Одессу из-за конфликтов с мачехой, был юнгой, но живопись взяла верх: он поступил в московское училище. Но вскоре его отчислили за «неуспеваемость».
Он снова предпринимает попытки связать свою судьбу с морем, и снова выбирает творчество: в конечном итоге поступает в пензенское художественное училище.
Он стал много выставляться, а также участвовать в театральных постановках, создавая эскизы костюмов и декораций для оперы.
«Осень (лето)»Съездив в Париж, он побывал в мастерской Пабло Пикассо. Через год он принял участие в знаменитой выставке футуристов «0,10», где показал свои «материальные подборы» — пространственные конструкции, созданные из различных материалов.
Дружил с Владимиром Маяковским.
После Революции, работал с художественными мастерскими, создал ряд работ, которые приобрели Русский музей и Третьяковская галерея.
«Стул Татлина»В 1925 году в звании профессора Татлин преподает в Киевском художественном институте, в 1927—1930 годах — во ВХУТЕМАСе. Получает звание Заслуженного деятеля искусств.
В последующие годы, разочаровавшись в предметном искусстве, снова возвращается к живописи и иллюстрации. В годы войны, живя в Москве, Татлин оформил более 25 театральных постановок.
В последние годы жизни работал в мастерской, где занимались декорированием здания МГУ и созданием пособий.
Иван ПуниЕго родители были родом из Италии. Родные по отцовской линии – музыкантами. Дед балетным композитором, а отец – играл на виолончели в Мариинском театре.
В 1915-1916 года состоял в творческом союзе художников-авангардистов, которое основал Казимир Малевич.
«Композиция с гармоникой», 1914 годВ 1919 году Пуни преподавал в институте под началом Марка Шагала.
В начале 1920-х годов вместе с женой-художницей эмигрировал в Европу, сначала в Германию, а затем – во Францию. Позже, в 1946 Пуни примет французское гражданство.
Родившись в творческой семье, Иван Пуни получил художественное и музыкальное образование, также учился в военном училище, а еще брал частные уроки рисования у Репина.
«Скрипка», 1919 годВ начале 1910-х годов занимался во французской академии Жюльена. Позже, в Петербурге он знакомится с Маяковским, Бурлюком, Малевичем.
Его картины были в стиле фовизма и кубизма. Также был основателем выставки футуристов «0,10».
Иван Пуни создал манифест, который гласил, что картина должна быть освобождена от смыслового содержания.
«Натюрморт с буквами. Спектр бегство»Участвовал в выставке «Бубнового валета». В 1920 году уехал в Германию, где стал писать беспредметные картины, иллюстрировать детские книги, создавать декорации для русских театров-кабаре. Много участвует в выставках.
Переехав через 3 года в Париж, сближается с Ф.
Леже, А. Марке, Дж. Северини. Участвует в выставках и в салонах Тюильри, Независимых, Осеннем.
Русская художница, еще один яркий представитель русского авангарда. Правнучка жены Александра Пушкина. Училась в Московском училище живописи в классе у Константина Коровина, но курс не окончила.
Ее живопись формировалась под влиянием стиля примитивистов. Ее произведения составляли основу традиций архаического искусства, древнерусской иконописи. В ее работах присутствовала христианская символика, апокалиптические интонации, раскрывающие такие понятия, как, судьба, кара, возмездие, рок.
С 1910-го года художница обратилась к стилю, с элементами кубизма и фовизма. После этого был лучизм, изобретенный Ларионовым. Она стремилась создавать живописно-абстрактные работы, на основе переработки своих впечатлений.
«Соляные столпы» «Покос» «Мытье холста»«Уголок сада» «Портрет Татьяны Рябушинской»Михаил ЛарионовХудожник и график, муж и соратник Натальи Гончаровой.
Проведя детство на юге России, поступил в Московское училище живописи, где учился у Коровина и Серова, и откуда его три раза отчисляли за «художественное инакомыслие и вольность». Там же он и познакомился со своей будущей женой, Натальей Гончаровой.
С начала ХХ века он активно выставлялся как в России, так и зарубежем, в Европе. На него оказали огромное влияние французские художники. В частности, его ранний период можно назвать импрессионистским. На тот момент его картины были полны жизни и ярких красок. Его картины пользовались большим успехом.
«Волы на отдыхе», 1908 годВ последующее десятилетие Ларионов отходит от импрессионизма и начинает осваивать городской фольклор. Вдохновляется примитивистами и входит в творческое объединение «Бубновый валет».
Сотрудничая с поэтами-футуристами, он также иллюстрирует их книги, создает открытки, которые выступают тиражной копией его полотен, занимается графикой.
После «Бубнового валета» организует ряд выставок, на которых показывает свои работы в период армейской службы.
Он также устраивал экстравагантные «футуристические прогулки по Москве» и писал манифесты.
Еще один период в творческой жизни художника связан с разработанной им теорией лучизма. Он писал абстрактные картины, в которых начало стихийно создавалось неким лучом, цветовыми полосами, которые пересекались и расходились в разные стороны, а потом опять сходились в яркой линии.
«Вывеска», начало ХХ века «Казак», 1911-1912 года «Офицерский парикмахер», 1909-1910 года «Красно-синий лучизм», 1913 годЛюбовь ПоповаРоссийская и советская художница-авангардистка, работавшая в таких стилях, как супрематизм, кубизм, кубофутуризм, конструктивизм. Также занималась графикой, создавала театральные декорации как дизайнер.
Родилась в семье богатых предпринимателей. Первые уроки живописи ей преподавал художник Орлов. В 1906 она поехала в Москву, чтобы получить среднее образование, а также брать уроки живописи в художественной школе.
После, едет в Италию, также обучаться живописи. Также как и многие на тот момент художники, стала участницей группы Малевича «Спуремус».
«Пространственно-силовое построение»После выставки своих абстрактных работ, ее пригласили на работу в театр. Оформляла несколько спектаклей в театре им. Мейерхольда.
Расцвет ее конструктивисткой деятельности пришелся на время после Революции. Она оформляла массовые революционные праздники, делала плакаты, создавала макеты книг, делала эскизы для одежды и рисунки для текстиля. Попова также преподавала во ВХУТЕМАСе.
«Живописная архитектоника»«Путешественник»Петр КончаловскийХудожник также сначала стоял у истоков русского авангарда, а затем, соцреализма.
Ему с детства нравилось рисовать, однако, по воле отца он поступил на факультет естественных наук МГУ.
Учеба, конечно же не задалась, и Кончаловский уехал в Париж заниматься живописью в Академии Жюлиана.
«Натюрморт. Поднос и зеленая картонка» «Автопортрет»Вернувшись на родину, художник поступил в Академию художеств, а затем, получив звание художника, отправился во Францию, снова, где его вдохновили и впечатлили постимпрессионисты.
В 1911 году совместно с еще тремя художниками-эксперименталистками, Кончаловский основал творческое объединение «Бубновый валет», знаменитое своим авангардным обществом и работами.
После Революции занимался преподаванием и административной работой, оставшись в России. От авангарда он постепенно перешел к новому течению – социальному реализму, характерному для советского творчества.
10 художников мирового авангардаГерхард РихтерНемецкий художник, крупнейшая фигура авангарда Европы среди современных художников.
Получив образование в сфере соцреализма, он совмещает его с концептуальным авангардным искусством США и Европы.
Обычно, молодые и современные художники постоянно говорят о «смерти» традиционной живописи, отдавая предпочтение концептуальному искусству. Рихтер, наоборот несмотря на то, что был современным художником, считал, что живопись все еще имеет значение и может двигать те образы, которые превалируют в искусстве.
Его творчество сочетает в себе историю, очень реалистичную образность, на гране фотографии и стремление к абстракции.
Однако же, Рихтер не считает себя и не причисляет себя к какому-то определенному, одному, основному течению: он не «реалист», не «минималист», не увлекается концептуализмом, хотя и следует им в отдельных своих произведениях.
Сейчас Рихтера можно назвать одним из самых дорогих художников-авангардистов из Германии. Он стал популярным, благодаря своим знаменитым абстрактным произведениям.
Одна из его работ, «Абстрактный образ», была продана на аукционе на 46 миллионов долларов. Она была написана строительным шпателем вместо кисти.
Кстати, сам художник не считает свою живописью картинами, а называет их декоративными работами. Совсем как у нас на курсе по интерьерной живописи))
Чжан СяоганЕще один современный художник, чьи необычные картины так нравятся коллекционерам и любителям авангардисткой живописи.
Будучи родом из Китая, Чжан Сяоган начинал свой творческий путь во времена культурной революции. Суровый режим, репрессии, подавление инакомыслия – именно в такой атмосфере работал художник.
Но, как это ни странно, политический уклон не взял верх над его творчеством. Его работы никогда не имели какого-то призыва, наоборот, его больше волновала психология.
Почему люди боятся проявлять индивидуальность? Почему им нравится жить в ограниченном и жестоком мире? Художник пытался с помощью своего творчества найти ответы на все эти вопросы.
Отличительная особенность его творчества – это написание картин сразу сериями, а не отдельными работами.
Ричард ПринсСовременный американский художник, работающий в стиле авангард.
На свои довольно эпатажные работы его вдохновляло творчество Сальвадора Дали. Принс не только писал картины, но и создавал обложки для книг.
Его основная тема – темные стороны общества, мораль, осуждение рекламы.
Художник прославился в 80-е годы прошлого века, используя рекламные образы и перефотографирование (а когда появился инстаграм, то он не стеснялся брать оттуда фото пользователей для своих работ). Некоторые скриншоты фотографий пользователь он продал более чем за 100 000 долларов
«Медсестры» 80-х годах благодаря двум приёмам: использованию рекламных образов и пере-фотографированию.
Последнему приёму Ричард Принс не изменяет вот уже много лет. Недавно он продавал скриншоты чужих фотографий с Instagram по цене около 100 тысяч долларов.
Также художник использовал тему бульварного чтива в своих произведениях. Его знаменитая серия «Медсестры» как раз основана на серии романов о медработниках.
Он использовал обложки книг, как исходный материал, меняя фон на более мрачный, надевая на медсестер маски, создавая тем самым зловещую атмосферу.
«Ковбой»Еще одна любопытная серия работ – «Монохромные штуки», была создана Принсем в 1985 году. Они выглядели как холст, покрытый однотонным слоем краски, на которых тушью был написан текст. Обычно это были шутки и анекдоты, в которых Принс затрагивал такие темы, как гендер, семья, сексуальная озабоченность.
Была у художника еще одна интересная серия работ – «Знаменитости». Она включала в себя портреты известных и знаменитых личностей Америки с их автографами. Какие-то из подписей были настоящими, какие-то художник сделал сам.
Так он хотел показать, как незначителен может быть автограф по сравнению с самой личностью человека и его масштабом.
Художник принял участие более чем в 100 выставках, в том числе и международного масштаба, например, на Венецианской биеннале современного искусства.
Сам художник тоже любит современное искусство и является коллекционером.
Серия «Монохромные шутки»Марк ШагалШагала, как, впрочем, и большинство художников из первой части нашей статьи, можно отнести к зарубежным, международным художникам.
Художника можно назвать предшественником такого стиля, как сюрреализм. В Париже он начал впитывать стиль кубизм в свой экспрессионистский стиль.
Настоящее имя художника-еврея – Мойша Сегал. После эмиграции в Париж, он меняет имя и сближается с ведущими авангардистами того времени.
«Юбилей» 1923 годК сожалению, во время войны ему пришлось покинуть Францию, в которую он вернулся только в конце 1940-х.
Надо сказать, что Париж очаровал художника, во всем городе он видел поэтическое.
Он посещал художественные занятия в нескольких академиях, изучая творчество Делакруа, Ван Гога, Гогена. Но, несмотря на занятия в академии, художник утверждал, что больше извлек из простых прогулок по городу и своих личных наблюдений.
«Над городом»Ему было тяжело в Париже, денег постоянно не хватало. Холсты стоили очень дорого, поэтому он писал на кусках ткани от скатерти, которые натягивал на подрамник, а также на ночных рубашках и простынях.
Продавал он свои работы тоже дешево и сразу по несколько картин. На минуточку, в 1990 году, его работу «Юбилей» продали на аукционе за 14, 85 миллионов долларов.
«Скрипач»Сальвадор ДалиЭтот человек не нуждается в особом представлении. Даже если вы не знакомы с миром живописи, вы наверняка видели его работы, хотя бы на этикетке чупа-чупса. И уж точно слышали про эксцентричного художника с необычными острыми усами.
Несмотря на то, что знаменитым он стал благодаря сюрреализму, художник работал в самых разных жанрах от кубизма до неоклассицизма.
Так что его тоже можно причислить к числу авангардистов, которые искали новые формы выражения своего творчества.
В юности и начале своего творческого пути Дали вел довольно затворнический образ жизни, а вместо вечеринок ходил в музеи и изучал работы известных мастеров.
После исключения из университета, Дали уезжает в Париж, чтобы познакомиться с авангардным искусством. Дали успешно вливается в атмосферу. Его работы имеют спрос, и благодаря своей эксцентричной натуре он становится известным, его перформансы становятся популярными.
Дали ждет долгий и интересный творческий путь. К концу жизни его состояние насчитывало более 10 миллионов долларов, а его имя вошло в историю.
«Слоны», 1948 год «Девушка у окна», 1925Марсден ХартлиАмериканский художник, работающий в стиле классического модернизма, один из представителей американского авангарда.
Уехав в 1912 году в Париж, попадает в общество Гертруды Стайн, где знакомится со многими известными людьми мира искусства и литературы.
Затем, он переезжает в Берлин, где отходит от написания привычных пейзажей и натюрмортов. Там же он знакомится с Кандинским и Францем Марком. Перенимает их манеру живописи. В тот период он создает серию картин, которая в последствии становится классикой американского авангарда.
Из-за напряженной политической обстановки, художник возвращается на родину в Америку. Далее он селится в своем родном городе и продолжает работать как пейзажист, маринист и автор жанровой живописи.
«Секстант», 1917 годМортон ШамбергАмериканский художник-модернист и авангардист, а также фотограф.
Одним из первых начал исследовать эстетику промышленных предметов. Также считался одним из первых американцев, использовавших идеи кубизма в своем творчестве.
На его первой выставке работы представляли собой портреты и пейзажи. В 1912 году он начинает работать фотографом и зарабатывать на жизнь созданием портретов.
«Механическая абстракция», 1916 годПод влиянием архитектуры Нью-Йорка в его картинах появляются механические формы и фигуры.
Ему также импонировали и дадаисты, Марсель Дюшан и Фрэнсис Пикабиа.
Последующие его работы были выполнены на стыке таких жанров, как кубизм, фовизм, футуризм.
Из-за своего пацифизма и начавшейся Первой мировой войны, он отказался использовать изображения механизмов в своих картинах, отдав предпочтение акварельной живописи.
«Телефон», 1916 год «God», 1917Джорджия О’КифАмериканская художница-модернистка, знаменитая своими картинами с большими цветами.
Она очень сильно любила природу и большие пространства, поэтому не смогла долго жить в Нью-Йорке (где познакомилась со своим мужем, знаменитым фотографом, Альфредом Стиглицем). Поэтому, после своего путешествия в Нью-Мексико, она покупает ранчо, где будет творить и жить до конца своей долгой жизни.
Черный ирис III, 1926 год Череп коровы: красное, белое, синее, 1931 год Восточные маки, 1928 годВ начале творческого пути О`Киф занимала абстракция, но потом она переключилась на цветы, которые стали ее визитной карточкой.
Любила также писать пустынные пейзажи, черепа и кости животных.
Стюарт ДэвисАмериканский художник, писавший в основном в стиле кубизм и поп-арт.
Изучал живопись в Нью-Йоркской школе живописи. Под влиянием музыки, а особенно джаза, пишет картины, с такой художественной темой. Принимал участие в знаменитой выставке «Армори шоу», как самый молодой участник.
Работал как художник-иллюстратор, создавая обложки для журнала «Харперс Уикли».
Художник также преподавал на курсах студенческой лиги искусств, участвовал в таких крупных выставках, как Венецианское биеннале и выставка Музея современного искусства в Нью-Йорке.
«Дерево и урна», 1921 год «Лаки Старйк», 1921 год «Колокольня и улица», 1923 год «Гараж №1», 1917 годДжозеф СтеллаХудожник Америки, имевший итальянские корни. Работал в том числе в таких стилях, как футуризм и абстракционизм.
Переехав в Америку, начинает серьезно заниматься живопись, поступив в Студенческую художественную лигу, а затем в знаменитую школу дизайна Парсонс в Нью-Йорке.
Вскоре он становится художником-иллюстратором, рисуя для американских журналов.
«Бруклинский мост»В 1910-х года уезжает в Европу. После года жизни в Италии, уезжает в Париж. Там он знакомится с такими известными художниками, как Матисс, Пикассо, Умберто Боччони.
Через 2 года он возвращается в Нью-Йорк, и сразу же выставляет свои работы на той самой знаменитой выставке «Армори шоу», на которой были уже половина наших художников.
«Дева»Работы, написанные в Италии, меняют его стиль. Модернистское направление, которым он интересовался помогло ему войти в круг художников-авангардистов, которые были близки выставке «Армори шоу».
Стелла вдохновляется также промышленным дизайном, в частности, Бруклинским мостом. Это направление тоже найдет отражение в его творчестве.
До 1920-х годов Стелла пребывает под влиянием художников-футуристов. В последующие годы он также, как и многие его современники, сменит несколько направлений: реализм, сюрреализм, абстракционизм.
В конце же творческого пути он вообще перейдет на коллажное искусство.
Ну что же, вот мы и закончили наш обзор на 20 самых ярких и знаменитых художников-авангардистов Европы, Азии, России, США и их картины.
Конечно, это далеко не все примеры художников и тем более их работ, на самом деле авангардистов было гораздо больше, просто не о всех дошли сведения, либо их слишком мало.
Но, в любом случае, с основными представителями вы сегодня познакомились, и, надеемся, эта статья вас заинтересовала, чтобы начать изучать творчество авангардистов, или какого-то конкретного художника, самостоятельно.
Не забудьте поставить 5 звезд этой статье, мы очень старались, чтобы вам было интересно читать!
А в комментариях пишите, творчество и работы какого художника-авангардиста вам больше всего понравились? Или не понравились =)
Самые дорогие и известные картины русских авангардистов — «Лермонтов»
Знаменитые картины русского авангарда- Картина К.
Малевича «Черный квадрат» - Картина В. Кандинского «Композиция VII»
- Картина М. Шагала «Я и деревня»
- Картина М. Ларионова «Петух (лучистый этюд)»
- Картина М. Ротко «Оранжевый, красный, желтый»
- Картина Н. Гончаровой «Автопортрет с желтыми линиями»
Малевича «Черный квадрат»
Многие века картины художников демонстрировали реальность почти с фотографической точностью. Всех, кто пытался рисовать вне рамок академических канонов, остро критиковали и объявляли безграмотными художниками. Однако живопись требовала развития, новых взглядов и многочисленных экспериментов, что стало возможным благодаря появлению авангардистов. Это плеяда художников, которые не боятся быть непринятыми, идут впереди своего времени и делятся с миром своим оригинальным видением. Русский авангардизм сформировался под влиянием западных веяний и был широко представлен многочисленными течениями: абстракционизмом, супрематизмом, лучизмом, и многими другими.
Знаменитые картины русского авангарда
Картина К. Малевича «Черный квадрат»
Об этом произведении слышал каждый и видел его на репродукциях, хотя с оригиналом знакомы немногие. Именно картина «Черный квадрат» прославила Казимира Малевича на весь мир и до сих пор не дает покоя современникам. Казалось бы, в чем искусство изобразить на картине черный квадрат? Такая задача посильна каждому. Однако за простотой сюжета стоит нечто большее, ведь тем самым Малевич бросил вызов всему искусству, объявив отказ от старой и переход к новой живописи. Свою новую живопись художник назвал супрематизмом, в котором предметность уступала место вначале цвету, а затем простейшим фигурам — супремам (см. самые известные картины Малевича).
Само рождение гениального творения проходило в сложных условиях. В 1915 году в Петербурге должна была пройти выставка под названием «0,10», на которой Малевич планировал представить обществу открытое им направление супрематизма.
Нужного количества картин у него не было, поэтому мастер трудился не покладая рук. В один из моментов такого творческого погружения ему внезапно пришла в голову идея, что не цвет, а именно черный квадрат должен стать основной фигурой супрематизма — главным символом отказа от традиционной живописи. Художника так потрясло это открытие, что долгое время он не мог ни спать, ни есть, и продолжал обдумывать эту идею. Сама же картина была в итоге размещена в так называемом красном углу выставки (на самом видном и почетном месте).
К. Малевич. «Чёрный супрематический квадрат». 1915 г.
«Черный квадрат» принес Малевичу мировую славу, а его идеи вдохновили многих зарубежных авангардистов. Однако на родине его картины долгое время оставались под запретом и были представлены общественности лишь в конце 1970-х годов, а после этого были показаны и на зарубежных выставках. Эта картина волнует многие умы и сегодня, причем нередко на выставках для нее выделяют отдельный зал, чтобы зрители могли сполна насладиться удивительным произведением.
Картина В. Кандинского «Композиция VII»
Василий Кандинский внес огромный вклад в развитие абстракционизма и по праву считается одним из его основателей. Его заслуга заключается не только в изображении абстрактных полотен, но и активной деятельности: создании различных художественных организаций и музеев, активном участии в выставках, преподавании, кропотливом описании своих идей в книгах, организации охраны памятников и многом другом. Вся эта работа способствовала активному распространению его взглядов.
Одним из ярких примеров абстрактного видения художника стала картина под названием «Композиция VII». Она считается вершиной его творчества и ярко характеризует всю серию его абстрактных композиций.
В. Кандинский. Композиция VII. 1913 г.
При первом создании беспредметных полотен Кандинский пришел к выводу, что они могут быть различными и зависеть от того, в каком именно состоянии с ними работать. Так, под влиянием только что пережитых впечатлений рождается одна форма абстракции, при обдуманном выражении переживаний — другая.
Наивысшей формой абстракции он считал композицию. Так как в композициях сюжета как такового не было, художник не давал им названий, а только добавлял номера. Тем не менее, сюжетные линии в его произведениях были. Например, шестая композиция стала плодом его размышлений и переживаний на тему Всемирного потопа, творения и рождения нового на месте старого.
Картина «Композиция VII», по словам художника, оказалась самой сложной за всю его творческую деятельность. Она стала продолжением предыдущей композиции, но включила в себя еще больше тем библейского характера. Чтобы полно выразить все свои чувства и представления на эту тему, Кандинский вначале подготовил примерно три десятка эскизов, а само полотно было впечатляющих размеров 2 на 3 метра. Находясь рядом с таким монументальным произведением, зрители были поражены необычными формами и цветами, их переходом друг в друга, а также сложной текстурой мазков, которые вблизи создавали еще более глубокое впечатление. Работа «Композиция VII» считается пиком абстрактного творчества Василия Кандинского.
Картина М. Шагала «Я и деревня»
Одним из самых известных представителей художественного авангардизма двадцатого столетия считается Марк Шагал. Он всегда хотел выражать себя в живописи особым образом, но наталкивался на непонимание русских коллег и зрителей. В заграничных поездках он был весьма впечатлен зарубежной живописью и решил, что русское искусство нуждается в серьезном обновлении.
Одним из показательных примеров его необычного живописного видения является работа «Я и деревня». В ней художник отходит от традиционного способа построения композиции: зритель может одновременно видеть пересечение разных плоскостей и образов, прямые и перевернутые объекты и в этом причудливом слиянии чувствовать передаваемые художником эмоции. А последние были глубокими, ведь даже на чужбине Шагал изображал столь дорогие его сердцу сельские виды. Картина «Я и деревня» в то же время символична, так как в ней показано несколько важнейших жизненных круговоротов «человек-животное», «мужчина-женщина» и других.
М. Шагал. «Я и деревня». 1911 г.
Картина М. Ларионова «Петух (лучистый этюд)»
Михаил Ларионов внес немалую лепту в развитие живописного авангардизма. Одним из значительных его открытий стало создание нового направления под названием лучизм. Согласно его теории, основным элементом живописи признается луч как первооснова всех пространств и форм. Именно из отражаемых предметами лучей и стоит строить картину, отказавшись от изображения самих этих предметов. Тем самым и зритель уводится больше в ощущения, чем простое рассматривание. По словам самого художника, лучизм стирает границы между натурой и плоскостью холста и в этом смысле он похож на мираж в знойном воздухе пустыни.
Одной из самых известных картин Ларионова в стиле лучизма стала работа «Петух (лучистый этюд)». При изображении птицы художник отказался от идеи скрупулезного изображения каждой ее детали.
М. Ларионов. «Петух (лучистый этюд)». 1912 г.
Картина М. Ротко «Оранжевый, красный, желтый»
Марк Ротко стал очень популярным благодаря собственному оригинальному стилю цветовых полей. Познакомившись с произведениями многих других авангардистов, среди которых были абстракционисты, сюрреалисты и другие, художник все более хотел в живописи погружаться в эмоции.
Одним из ярких примеров его живописи цветовых полей является картина «Оранжевый, красный, желтый». Она же прославилась еще и тем, что стала самой дорогой картиной русских художников, которые продавали на торгах с 2000 года. Сумма ее ухода с аукциона составила баснословные 87 млн долларов. Изображая на больших холстах целые цветовые поля, Ротко обратил внимание на то, какие сильные эмоции испытывает. Это привело его к желанию погружать в такие же эмоции и зрителей. С этой целью он создавал огромные полотна, а края всех своих прямоугольников делал размытыми, чтобы у зрителя создавалось ощущение их невесомости в пространстве. В частности, на названной картине представлен яркий красный, который художник считал цветом жизни и изображал на многих своих холстах.
М. Ротко. «Оранжевый, красный, желтый». 1961 г.
Чтобы ничто не отвлекало зрителя от влияния такого огромного красочного холста, и он мог всем телом ощутить влияние на себя цвета, художник создавал в выставочных залах специальную атмосферу: окна тщательно закрывались, свет был неярким, а сами картины размещали без рам.
И ему это удалось с лихвой, так как зрители испытывали на его выставках глубочайшие эмоции.
Картина Н. Гончаровой «Автопортрет с жёлтыми лилиями»
Наталья Гончарова пробовала себя в разных стилях. В разные периоды в ее работах можно встретить элементы лучизма, кубизма, неопримитивизма и других. Но характерным стилем художницы стало смешение модных в то время направлений с неизменной преданностью родине. Какой бы стиль она ни выбирала для очередной работы, сама картина отражала дух, традиции, быт, сказания русского человека. За самобытность и смелость ее даже прозвали амазонкой авангарда. Кстати, талантливая художница является родственницей Натальи Гончаровой — жены А.С. Пушкина.
Одной из известных ее работ является автопортрет с желтыми лилиями, который находится в Третьяковской галерее. Эта картина служит хорошим примером описанного выше слияния течений и тем. С одной стороны, сама художница и фон вокруг нее написаны в мягких тонах и мазках, характерных для импрессионизма.
С другой стороны, внимание зрителя буквально захватывают яркие красно-желтые лилии, написанные уже в стиле экспрессионизма. Все элементы картины выполнены в стиле неопримитивизма с характерными для него упрощенными формами и грубыми контурами. И в то же время все это многообразие стилей не мешает зрителю почувствовать в картине нечто родное и знакомое по народным сказаниям и образам.
Наталья Гончарова. Автопортрет с жёлтыми лилиями. 1907 г.
Самая дорогая живопись русского авангарда
Многие не желают признавать полноценным творчество абстракционистов, кубистов, экспрессионистов и прочих представителей авангардизма. Тем не менее, самые дорогие с точки зрения официальных аукционных продаж картины русских художников относятся именно к авангарду. Далее мы приведем примеры таких уходов за период с 2000 по начало 2022 года.
Самой дорогой на сегодня русской картиной, ушедшей с аукциона, считается описанное нами выше творение Марка Ротко «Оранжевый, красный, желтый».
До появления на торгах это полотно принадлежало известному американскому коллекционеру Дэвиду Пинкусу, который купил ее у лондонской галереи Marlborough Fine Art. Картина несколько раз появлялась на выставках и попала на торги Christie`s в мае 2012 года после смерти Пинкуса. Эстимейт был заявлен огромный и составил 35-45 млн долларов. Однако желание заполучить удивительную картину оказалось у коллекционеров столь сильным, что ставки называли более шести минут, пока цена не взлетела до космической суммы в 87 миллионов долларов.
М. Ротко. «Оранжевый, красный, желтый». 1961 г.
К слову сказать, эту продажу сложно считать счастливым случаем, так как еще несколько картин Марка Ротко были проданы по схожим суммам в несколько десятков миллионов долларов. Сам же он лидирует среди русских художников по объему продаж за период с 2000 по начало 2022 года. Его оборот за указанный период составляет 1,6 млрд долларов, в то время как у ближайших к нему художников эта цифра составляет 1,25 млрд для М.
Шагала и 0,7 млрд для В. Кандинского.
На втором месте расположился Казимир Малевич с одной из его супрематических композиций. Многие крупные работы русских художников, которые в последние десятилетия попадали на торги, имеют не простую историю и в свое время чудом избежали уничтожения. То же произошло и с картиной «Супрематическая композиция», которую в конце 1920-х годов не удалось вернуть с выставки в Германии из-за обвинений в адрес Малевича. Во времена нацизма картину едва не сожгли вместе с другими полотнами непринятого искусства, но она вовремя попала в музей, а в дальнейшем через суд вернулась к наследникам Малевича. Они и выставили ее на продажу, причем с торгов Sotheby’s в 2008 году холст ушел за 60 млн долларов, но уже через десятилетие на аукционе Christie’s эта же картина ушла за 85,8 млн.
К. Малевич. «Супрематическая композиция». 1916 г.
Топ-3 замыкает Василий Кандинский с абстракцией «Картина с белыми линиями». Этой работе тоже посчастливилось избежать уничтожения в числе работ «дегенеративного» искусства, хотя некоторые картины Кандинского все же были сожжены и сохранились только в виде эскизов и описаний.
В 1913 году необычная «Картина с белыми линиями» была представлена на выставке в Нью-Йорке, вызвала резонанс в обществе и была названа одной из самых значительных среди картин двадцатого столетия. Конечно же, такая крупная работа была встречена на торгах с большим воодушевлением и привела к жарким торгам. В результате долгого повышения ставок картина ушла с молотка Sotheby’s в 2017 году за 41,8 млн долларов.
В. Кандинский. «Картина с белыми линиями». 1913 г.
На четвертом месте самых дорогих картин русских живописцев расположилась работа «Влюбленные» Марка Шагала. Тема влюбленных ярко прошла через творчество художника, который души не чаял в своей любимой жене Белле. Шагал прожил почти целый век (97 лет) и за этот огромный период пережил немало войн и других кризисных ситуаций. Но даже в самые трудные времена он продолжал на своих картинах буквально парить в воздухе вместе со своей любимой или растворяться в ее нежных объятиях. Картина «Влюбленные» является значительным и показательным произведением его творчества и сразу привлекла внимание на Sotheby’s в 2017 году.
Владелец картины и организаторы торгов посчитали, что такая серьезная работа может претендовать как минимум на те же суммы, что и самые дорогие его полотна и выставили ее с эстимейтом 12-18 миллионов. И они не ошиблись, ведь в ходе торгов нижний порог не только был преодолен, но и превышен вдвое. Окончательная цена ухода составила 28,45 млн долларов.
М. Шагал. «Влюбленные». 1928 г.
Замыкает топ-5 сложная картина в стиле экспрессионизма Хаима Сутина «Бычья туша». Довольно неожиданный объект для изображения был выбран художником по вполне определенным причинам. С малых лет он остро переживал смерть убитого отцом животного и посещение бойни. Потрясение было столь глубоким, что повзрослевший Хаим пытался при помощи изображения туш выплеснуть из себя все накопившиеся эмоции и поделиться с ними зрителями. И ему это удалось, так как виды кровавых туш и сегодня заставляют зрителя содрогаться и испытывать глубокие переживания. Одна из картин с этим сюжетом была представлена на торгах Christie`s в 2015 году и была продана за 28,2 млн долларов при начальной цене 20-30 млн долларов.
Х. Сутин. «Бычья туша». Около 1923 г.
В этой статье мы привели примеры самых дорогих на сегодня картин русских художников-авангардистов, а также примеры их известных работ. При построении списка знаменитых работ мы выбирали наиболее яркие картины, характеризующие стиль каждого художника. В то же время многие из них работали в разных стилях и жанрах, поэтому по одному произведению невозможно судить об их творчестве. Для более детального знакомства мы приглашаем изучить соответствующие статьи по каждому автору в нашем разделе «Живопись». Познакомиться с другими русскими авангардистами поможет статья «Топ-100 самых известных русских художников в истории».
Что такое искусство авангарда?
Искусство авангарда — это термин, который мы часто встречаем в дискуссиях об искусстве. Но что это на самом деле означает? Термин происходит от французской военной фразы, относящейся к авангарду армии. Подобно полководцам, художники-авангардисты проложили себе путь на неизведанную территорию, по пути нарушая правила и разрушая заведения.
Термин «авангард» обычно используется для описания новаторских произведений искусства модернистской эпохи, примерно с середины XIX века.го до середины 20 века. Тем не менее, не так уж неслыханно видеть термин, используемый для описания современного искусства. Но критики всегда связывают термин «авангард» с революционными инновациями. Давайте подробнее рассмотрим историю и развитие термина.
Авангард: искусство с социалистической целью
Термин «авангард» обычно приписывают французскому социальному теоретику Анри де Сен-Симону в начале XIX в.век. Для Сен-Симона авангардным искусством было то, что имело сильный моральный кодекс и поддерживало социальный прогресс, или, как он выразился, «осуществляя положительную власть над обществом». После Французской революции появились различные художники, чье искусство стало ассоциироваться с идеалами авангарда. Самым выдающимся был французский художник-реалист Гюстав Курбе, чье искусство выступало в качестве голоса народа, иллюстрируя сцены восстания и бунта или бедственное положение простых трудящихся.
Курбе также использовал свое искусство, чтобы восстать против скучного традиционализма и причудливого эскапизма художественного истеблишмента (особенно парижского Салона), тем самым породив современную идею авангарда как мятежной формы грубого выражения. Современниками Корбе, исследующими подобные идеалы, были французские художники Оноре Домье и Жан-Франсуа Милле.
Искусство авангарда: разрыв с истеблишментом
Следуя яркому примеру Курбе, французские импрессионисты заняли революционную позицию в искусстве. Импрессионисты отвергли формализм прошлого и рисовали смело и по-новому. Несмотря на резкую критику, группа продолжила свое существование, что привело к появлению современного искусства. Еще одним радикальным аспектом французского импрессионистского стиля, который стал типичным для авангардного искусства, было их создание групповых обществ и независимых выставочных пространств, таким образом взяв демонстрацию своего искусства в свои руки.
С этого периода крупные учреждения, такие как Салон, больше не должны были решать, кого принимать, а кого нет — художники могли сами продвигать свои собственные идеи.
Искусство авангарда ХХ века
Получайте свежие статьи на свой почтовый ящик
Подпишитесь на нашу бесплатную еженедельную рассылку новостей В контексте истории искусства термин авангард чаще всего применяется к модернистскому европейскому искусству начала 20-го века. Именно в это время художники полностью порвали с прошлым, создав невероятное разнообразие различных художественных стилей. К ним относятся кубизм, фовизм, экспрессионизм, лучизм, сюрреализм, дадаизм и другие. Некоторые из самых известных художников всех времен появились в этот продуктивный период в истории искусства, в том числе Пабло Пикассо, Анри Матисс и Сальвадор Дали. В то время как стили и подходы были невероятно разнообразны, упор на инновации, экспериментирование и исследование нового сделал всех этих художников подходящими для категории авангардного искусства.
Гринберг и абстрактный экспрессионизм
Известный американский искусствовед-модернист Клемент Гринберг много сделал для популяризации использования термина «авангардное искусство» в 1930-х и 1940-х годах. В своем культовом эссе «Авангард» и «Китч », 1939, Гринберг утверждал, что авангардное искусство в первую очередь связано с созданием «искусства ради искусства» или искусства, которое отвергает реализм и репрезентацию в пользу растущего языка чистой, автономной абстракции. Среди художников, которых он стал ассоциировать с идеалами авангарда, были Джексон Поллок и Хелен Франкенталер.
Авангард | МоМА
Художественные термины
по-французски «передовая гвардия», первоначально использовавшаяся для обозначения авангарда армии и впервые примененная к искусству во Франции в начале 19 века. Применительно к искусству этот термин означает любого художника, движение или произведение искусства, которое выходит за рамки прецедентов и считается новаторским и раздвигающим границы.
Из-за своего радикального характера и того факта, что оно бросает вызов существующим идеям, процессам и формам, авангардное искусство часто встречало сопротивление и полемику.
7 примеров
Эдуар Вюйар
Парк 1894 г. (переработан в 1908 г.)Лоуренс Аткинсон
Абстрактная композиция в. 1914 г.Соня Делоне-Терк
Желтая танцовщица . Эскиз костюма к спектаклю Le Coeur à Gaz 1923 г.Александр Родченко
Пионер с горном 1930Оскар Шлеммер
Лестница Баухауза 1932 г.Марсель Дюшан
Велосипедное колесо Нью-Йорк, 1951 г.Картины художников авангардистов: Художники-авангардисты — 20 самых известных художников русского и мирового авангарда
Эскиз костюма к спектаклю Le Coeur à Gaz 1923 г.