Картины в стиле энди уорхола: Заказать портрет в стиле Энди Уорхола по фото в Москве в мастерской «Дом портретов»: цены от 3400 руб.

Есть ли у вас исходник к работе?

Исходник — это файл из исходных изображений, которые использовались для создания вашей работы. Исходник позовляет лучше понять вашу работу. Он не обязателен, но работы с исходниками получают больше лайков и имеют право на участие в еженедельных конкурсах.
jpg-файл, максимальный размер 1920x1080px

Пример исходника

Выберете тэги работы:

Тэги позволяют лучше находить вашу работу другим пользователям. Подумайте какие тэги описывают вашу работу лучше всего и проставьте их. Это даст вам больше просмотров, лайков и комментариев. 

Стиль работы Тематика Ятаквижу

Стиль работы:

#{{tag.label}}

Тематика:

#{{tag.label}}

Ятаквижу:

#{{tag.label}}

Не более десяти тэгов на одну работу

Работа 18+

Отключить комментарии

Комментарии к работе будут отключены, на их месте будет выведена реклама.

После добавления работы:

Автоматически перейти в портфолио
Остаться на текущей странице

Запланировать публикацию

{{pub_dates[pub_date] || pub_dates[0]}}

Отменить планирование

Запланировать

Используя данный сайт, вы даёте согласие на использование файлов cookie, данных об IP-адрес, помогающих нам сделать его удобнее для вас. Подробнее

Стиль поп-арт

Поп-арт (английский pop-art, popular art) — возник в изобразительном искусстве США и Великобритании, как реакция на абстрактный экспрессионизм в 1950-1960 годов, который сторонники поп-арта считали слишком сложным и элитарным. Сторонники поп-арта отдавали предпочтение объектам из повседневной жизни, например, изображение супов «Кемпбелл» Энди Уорхола (Andy Warhol) и коммиксы Роя Лихтенштейна (Roy Lichtenstein), где лица персонажей напоминают героев мультфильмов, нарисованные яркими флуоресцирующими красками. Стиль высмеивает культуру и продукты общества потребления. Для поп-арта типично сериграфии (станковый способ трафаретной печати). Сторонники поп-арта отрицали модерн и его ценности заменяя их своими — разнообразием, весельем, бунтарством, создавая недолговечные одноразовые вещи.

Картина Роя Лихтенштейна «О, ладно» выглядит как увеличенный комикс. 1964.

«Джоконда XX века» Мерилин Монро Энди Уорхола. США. 1963.

Картина Роя Лихтенштейна «О, ладно» выглядит как увеличенный комикс. 1964.

«Джоконда XX века» Мерилин Монро Энди Уорхола. США. 1963.

Вдохновленные «Низким искусством» художники Энди Уорхол и Девид Хокинг (David Hockney), перенесли ценности масс культуры в дизайн интерьеров, обоев, настенную и плакатную живопись, открывая для себя новый мир, полный веселья и свободы. Искусство создания интерьера в стиле поп-арт впитало в себя цветовой и фактурный контраст попартовских полотен.

Прибытие весны в Еркшир (The Arrival of Spring in Woldgate). Масло на 32 холстах. Художник David Hockney.

Прибытие весны в Еркшир (The Arrival of Spring in Woldgate). Масло на 32 холстах. Художник David Hockney.

К середине 1960-х дизайнеры США и Великобритании занялись производством недолговечных, одноразовых вещей. Излюбленным материалом стал пластик, изделия из которого — ярких цветов и броских форм пришлись по вкусу молодежи. Упор делался на массовое потребление, а не на производство дорогих долговечных вещей. Черпая вдохновение от ар-нуво и ар деко до футуризма, сюрреализма, китча, психоделического и космического стилей сторонники поп-арта оказали огромное влияние на мир искусства и дизайна. В начале 1970-х годов в обществе возникла необходимость в рациональном подходе к дизайну и поп-арт уступил место тенденции к возрождению ремесел.

Цветовая гамма

В цветовой гамме преобладают яркие контрастные цвета. Цвета стиля «красной губной помады», «мокрого асфальта» и «калифорнийской волны» перекочевали из бунтарских шестидесятых в сегодняшние поп-артовские интерьеры. Светлое галерейное окружение — фон для мебели флуоресцентных расцветок, аксессуаров, коллажей и картин, а яркие стены — для нейтрального мебельного окружения и декора.

Культовый шоурум дизайнерской мебели, аксессуаров и тканей Marion Hall Best. Владелица шоурумов Марион утверждала, что «нежные, мягкие цвета подрывают энергию и ум». Напротив, «яркие ясные цвета бросают вызов разуму». Австралия. Woollahra. 1968.

Авангардный яркий поп-артовский интерьер шоурума Marion Hall Best. Австралия. Woollahra. 1968.

Культовый шоурум дизайнерской мебели, аксессуаров и тканей Marion Hall Best. Владелица шоурумов Марион утверждала, что «нежные, мягкие цвета подрывают энергию и ум». Напротив, «яркие ясные цвета бросают вызов разуму». Австралия. Woollahra. 1968.

Авангардный яркий поп-артовский интерьер шоурума Marion Hall Best. Австралия. Woollahra. 1968.

Интерьеры Вернера Пантона

Яркий, разноцветный, наполненный светом интерьер в лучах утреннего, дневного и вечернего света настроит на позитивный лад. Для датчанина Вернера Пантона (Verner Panton) эмоциональная составляющая была не менее важна, чем функциональная. Пантон привнёс в датскую школу дизайна очень важную идею: эмоции — это часть функции.

Вернер Пантон был уверен, что истинная красота мебели — в симбиозе формы и цвета. Ресторан Варна. Орхус. 1971.

Вернер Пантон был уверен, что истинная красота мебели — в симбиозе формы и цвета. Ресторан Варна. Орхус. 1971.

Инсталляции Visiona, созданные Пантоном в 1968 и 1970 годах для химического концерна Bayer, представляли собой концептуальные проекты, исследовавшие новые принципы жилой среды. Вернер Пантон был уверен, что истинная красота мебели — в симбиозе формы и цвета.

В проекте Visiona нет четкого разделения между мебелью и самими комнатами. Новое пространство — радикальное видение интерьера XX века. Проектирование Вернер Пантон. 1971. (Сегодня интерьер восстановлен в the Vitra Design Museum Gallery).

В проекте Visiona нет четкого разделения между мебелью и самими комнатами. Новое пространство — радикальное видение интерьера XX века. Проектирование Вернер Пантон. 1971. (Сегодня интерьер восстановлен в the Vitra Design Museum Gallery).

Освещение

Осветительные приборы эклетичного попартовского интерьера могут быть и в современном стиле, а могут в ретро дизайне шестидесятых. Дизайнеские светильнники необычных форм и расцветок дополнят художественную задумку декоратора. Основное интерьерное освещение мягкое и комфортное, при этом достаточное для отдыха или общения. Каждая функциональная зона оснащена отдельным источником света. Атмосферное освещение создается за счет цветных регулируемых светодиодов и направленного света. Световой сценарий проектируется на регулирование уровня освещенности в любое время суток. Материалы для изготовления осветительных приборов: металл, стекло, дерево, пластик, перламутр и бумага.

Смелый и жизнерадостный дизайн Карима Рашида вестибюля гостинечного бренда «Prizeotel». Ганновер. Германия. 2015.

Смелый и жизнерадостный дизайн Карима Рашида вестибюля гостинечного бренда «Prizeotel». Ганновер. Германия. 2015.

Мебель стиля поп-арт

В химической промышленности шестидесятых появились прочные пластмассы и полипропилен, легко поддающиеся формовке и позволяющие создавать предметы необычных, обтекаемых форм. Мебельное производство восприняло новые материалы на ура: рынок тотчас наводнили эргономичные полукруглые кресла, странного вида столики и космические светильники.

Оригинальное кресло Ээро Арнио (Eero Arnio) Bubble, расположенное на многоуровневом терраццо, занимает центральное место в композиции интерьера кафе «Будапешт». Проектирование Biasol. Архитектор Jean-Pierre Biasol. Chengdu. China’s Sichuan province. 2017.

Оригинальное кресло Ээро Арнио (Eero Arnio) Bubble, расположенное на многоуровневом терраццо, занимает центральное место в композиции интерьера кафе «Будапешт». Проектирование Biasol. Архитектор Jean-Pierre Biasol. Chengdu. China’s Sichuan province. 2017.

Благодаря удешевлению материалов образцы мебельной промышленности и декора стали доступны каждому. В интерьерах поп-арт новинки мебельной индустрии заняли почетное место. Появились диваны с искусственной кожей, кресла с синтетическими чехлами, стулья из пластика, картона и даже бумажная одежда. В это время в домах еще не успели появиться громоздкие мебельные стенки и готовые гарнитуры. Мягкая мебель отличалась разнообразием форм: от плавных и обтекаемых силуэтов до четких геометрических линий. Появился новый тип мягкой мебели — габаритные, округлые диваны, из которых можно составить большие диванные зоны.

Museum of Art & Design. Зал Вернера Пантона. Копенгаген. Дания.

Museum of Art & Design. Зал Вернера Пантона. Копенгаген. Дания.

Когда-то революционные образцы мебельной промышленности и декора 50-60 годов сегодня приобрели статус классики дизайна. Многие модели выпускаются до сих пор или возвращаются спустя несколько десятилетий в первоначальном или модернизированном виде. Образцы мебельной промышленности недолгой эпохи поп-арта — яркое дополнение интерьеров проектируемых сегодня.

Культовая дизайнерская мебель шестидесятых:

Создавая мягкое чашевидное кресло Bowl Chair Лина Бо Барди (Lina Bo Bardi) ввела моду на округлые формы предметов интерьера. 1951.

Кресло Чарльза и Рэй Имз (Charles & Ray Eames) Lounge Chair из формованной фанеры с отделкой шпоном и кожаной обивкой. 1956.

Вешалка Hang It All дизайнеров Чарльза и Рэй Имс (Eames) с разноцветными шариками из дерева с глянцевым покрытием. 1953.

Светильник Пола Хэннигсена (Poul Henningsen) Artichoke похожий на абстрактную скульптуру. 1958.

Стул Cone Вернера Пантона (Panton Verner). 1958.

Стулья и стол 1968 года Tulip (Тюльпан) Ээро Сааринена (Eero Saarinen) в ресторане Circus. Проектирование Tom Dixon. Лондон. Великобритания. Photographer: Leon Chew. 1958.

Кресло Egg в форме яйца Арне Якобсона (Arne Jacobsen). 1958.

Кресло CUBO из мягких параллепипедов братьев Кастильони (Castiglioni). 1958.

Кресло Swan Арне Якобсона (Arne Jacobsen) напоминающее очертания лебедя. 1958.

Кресло Ball Chair. Eero Aarnio. Finland.1963.

Пенополиуретановое кресло UP-5 Гаетано Пеше (Gaetano Pesce), сделанное в форме женщины, «сидящей» по-турецки. 1967.

Складной стул из картона Spotty Chair — иллюстрация лозунга шестидесятых: «сегодня использовал, завтра выбросил». Дизайн Питер Мердок. International Paper. Италия. 1963.

Настольный светильник Fun дизайна Вернера Пантона. Декоративные диски ручной работы изготовлены из перламутровых раковин. 1964.

Пластиковое кресло Panton Chair Classic Вернера Пантона из единого куска формованного пластика. 1967.

Форма надувного кресла Blow, вдохновленная поп-артом и персонажем Michelin Bibendum, иллюстрирует влияние рекламы на дизайн. Дизайн Ж. де Пас, Д. Д’Урбино, П. Ломацци.1967.

Чашевидное кресло Bow Chair 1951

Создавая мягкое чашевидное кресло Bowl Chair Лина Бо Барди (Lina Bo Bardi) ввела моду на округлые формы предметов интерьера

Вешалка Hang It All 1953

Вешалка Hang It All дизайнеров Чарльза и Рэй Имс (Eames) с разноцветными шариками из дерева с глянцевым покрытием

Кресло Eames Lounge Chair 1956

Кресло Чарльза и Рэй Имз (Charles & Ray Eames) Lounge Chair из формованной фанеры с отделкой шпоном и кожаной обивкой

Люстра Артишок (Artichoke) 1958

Светильник Пола Хэннигсена (Poul Henningsen) Artichoke похожий на абстрактную скульптуру

Стулья и стол Tulip 1958

Стулья и стол Tulip (Тюльпан) Ээро Сааринена (Eero Saarinen)

Стул Cone 1958

Стул Cone Вернера Пантона (Panton Verner)

Кресло Egg 1958

Кресло Egg в форме яйца Арне Якобсона (Arne Jacobsen)

Кресло Swan 1958

Кресло Swan Арне Якобсона (Arne Jacobsen) напоминающее очертания лебедя

Кресло Ball Chair

Eero Aarnio. Finland. 1963.

Кресло CUBO 1958

Кресло CUBO из мягких параллепипедов братьев Кастильони (Castiglioni)

Люстра Orient 1963

Люстра Orient от Lightyears

Стул из картона Spotty Chair 1963

Складной стул Питера Мердока из картона Spotty Chair — иллюстрация лозунга шестидесятых: «сегодня использовал, завтра выбросил»

Люстра Fun дизайна Вернера Пантона 1964

Декоративные диски ручной работы Люстра Fun дизайна Вернера Пантона изготовлены из перламутровых раковин

Кресло Panton Chair Classic 1967

Пластиковое кресло Panton Chair Classic Вернера Пантона из единого куска формованного пластика

Пенополиуретановое кресло UP-5 1967

Пенополиуретановое кресло UP-5 Гаетано Пеше (Gaetano Pesce), сделанное в форме женщины, «сидящей» по- турецки

Надувное кресло Blow 1967

Форма надувного кресла Blow, дизайна Ж. де Пас, Д. Д’Урбино, П. Ломацци, вдохновленная поп-артом и персонажем Michelin Bibendum

Отделочные материалы

В период расцвета поп-арта в отделке жилых и общественных помещений появились новые бюджетные искусственные материалы для отделки стен, потолка и пола: пластмасса, алюминий, искусственная кожа, линолеум и другие. После триумфального полета Гагарина в космос в 1962 году в интерьерах поп-арт появляются сферические, космические, футуристические мотивы. Космическая тема интерьеров оформилась в самостоятельное направление «оптического искусства» или оп-арта (optical art). Стены окрашивались и украшались обоями с ритмичным геометрическим, растительным или полосатым рисунком. Кирпичные стены могли оставаться необработанными.

Яркие поп-артовские акценты, бетонные стены и резиновый пол стоматологической поликлиники Linsenmayer and Merchant в здании бывшего фарфорового завода. Проектирование Jessica Helgerson Interior design. Портленд. США. 2012.

Яркие поп-артовские акценты, бетонные стены и резиновый пол стоматологической поликлиники Linsenmayer and Merchant в здании бывшего фарфорового завода. Проектирование Jessica Helgerson Interior design. Портленд. США. 2012.

В декорировании помещений стиля поп-арт учавствуют пестрый текстиль, стилизованные аксессуары, глянцевые и хромированные поверхности. Посуда и вазы из цветного стекла добавят пространству завораживающих бликов и цветовых акцентов. Интерьер в стиле поп арт можно смело дополнить модными азиатскими изделиями (хиппи 60-70-х годов увлекались культурой востока): марокканскими пуфами, коврами и другими экзотическими аксессуарами.

Деревянные куклы, созданные звездой американского дизайна Александром Жираром для собственного дома в Санта-Фе. Производитель Vitra. 1963.

Ковер ручного плетения. Производитель дуэт Assume Vivid Astro Focus. Швейцария. 2013.

Деревянные куклы, созданные звездой американского дизайна Александром Жираром для собственного дома в Санта-Фе. Производитель Vitra. 1963.

Ковер ручного плетения. Производитель дуэт Assume Vivid Astro Focus. Швейцария. 2013.

Украшением интерьера будут постеры и живописные работы классиков художественного мира поп-арта: Энди Уорхола (Andy Warhol), Ройя Лихтенштейна (Roy Fox Lichtenstein), Дэмиена Херста (Damien Hirst), Класа Олденбурга (Claes Oldenburg), Девида Хокни (David Hockney), Тома Вессельмана (Tom Wesselmann), Кита Харинга (Keith Haring), Роберта Раушенберга (Robert Rauschenberg), Джаспера Джонса (Jasper Johns), Джеймса Розенквиста (James Rosenquist), Алекса Каца (Alex Katz).

Коллекция поп-арта дизайнера Томми Хилфигера (Tommy Hilfiger) в гостиной особняка в Майами. Проектирование Martyn Lawrence Bullard. США.

Коллекция поп-арта дизайнера Томми Хилфигера (Tommy Hilfiger) в гостиной особняка в Майами. Проектирование Martyn Lawrence Bullard. США.

Стиль поп-арт для людей, стремящихся к свободе и счастью, готовых жить в ярком графичном интерьере, наполненном дизайнерской мебелью и декором.

Расскажите друзьям

ДРУГИЕ СТИЛИ

ДРУГИЕ СТИЛИ

Хай-тек в дизайне интерьера

История стиля хай-тек в дизайне интерьера. Интерьеры хай-тек, цветовая гамма, окна, мебель, освещение и декор.

Минимализм

История стиля минимализм в дизайне интерьера, цветовая гамма, окна, мебель, освещение, декор.

Скандинавский стиль

История скандинавского стиля в дизайне интерьера, материалы, цветовая гамма, узоры, окна, стены и потолок, мебель и декор.

На страницу блог

Энди Уорхол: картины. Портреты Энди Уорхола

В шестидесятые годы Энди Уорхол считался одним из самых известных художников Америки. Но простых людей привлекало не столько его творчество, сколько стиль жизни. Скандалы, смелые высказывания в прессе. Все это работало на имидж короля поп-арта. Казалось, что он родился и вырос в этой среде, где царила вечная атмосфера праздника, и каждый день загорались новые звезды.

Детские и юношеские годы будущей знаменитости

Лишь немногие знали, что еще около двадцати лет назад Энди Уорхол, картины которого стали безумно популярны, был совершенно другим человеком. Он родился в промышленном Питсбурге в тысяча девятьсот двадцать восьмом в простой семье эмигрантов из Словакии. И он часто задавался вопросом о том, почему к нему так несправедлива жизнь. Кто-то купается в роскоши, а ему приходится донашивать одежду за старшими братьями. Ведь он ничем не хуже детей богачей. Тем более, природа наградила его талантом. Он замечательно умел рисовать.

В тысяча девятьсот сорок седьмом году будущий художник Энди Уорхол поступил в технический университет на факультет дизайнерского искусства. На его обучение родители отдали все свои сбережения. Энди был просто счастлив. Он, наконец, попал в творческую атмосферу.

Более того, многие сокурсники и педагоги восхищались талантом, которым обладал Энди Уорхол. Работы его были полны энергии, они буквально дышали жизнью. И никто не догадывался, что у этого способного парня далеко идущие планы. Он хотел не просто рисовать, а зарабатывать на этом огромные деньги.

Начало творческой деятельности

Сразу после окончания университета в тысяча девятьсот сорок девятом Энди переезжает в Нью-Йорк. Это был город, в котором, как он считал, каждый мог стать звездой. И первое, что он сделал – это купил белый элегантный костюм и принялся за поиски работы. Все полученные заказы Энди Уорхол выполнял талантливо и в срок. И все его руководители были им очень довольны.

Неожиданно у скромного юноши обнаружилось еще одно уникальное качество. Он лучше многих художников улавливал коньюктуру рынка. И интуитивно чувствовал, как подать рекламный образ талантливо и красиво.

Его первой профессиональной работой было создание иллюстраций к статье «Успех». Это была работа для журнала «Гламур». Через год он сделал плакат против наркотиков для малоизвестной молодежной радиостанции. Рейтинг прередачи о проблемах молодежи сразу повысился, а сам плакат был признан лучшей рекламой года.

Полная смена образа

Гонорары Энди резко поползли вверх. Но ему хотелось славы, признания общественности и светской жизни. Тогда Энди Уорхол, картины которого на сегодняшний по праву считаются лучшими в искусстве поп-арта, решает полностью изменить свой имидж и стилистику работы.

Теперь он не пропускал ни одной модной вечеринки. Вскоре он становится своим среди богемной публики. Его считали забавным парнем, подающим большие надежды художником. Но Уорхола это не устраивало. Таких, как он, было много, а ему хотелось быть единственным.

Возникновение нового направления в искусстве

В это время в Америке начал зарождаться поп-арт. Направление, где объектом для живописи могло стать все что угодно. Газетные вырезки, кричащие рекламы или герои мультфильмов. Энди никогда не боялся экспериментов. И начал трудиться в этом направлении.

В тысяча девятьсот пятьдесят втором в Нью-Йорке прошла его первая персональная выставка. Но она не имела успеха. Энди не отчаивался. Он продолжал искать новые образы и приемы, пробовал новые сочетания цветов и продолжал посещать многочисленные вечеринки.

В тысяча девятьсот шестьдесят втором в Лос-Анджелесе открылась очередная выставка работ, которые создал Энди Уорхол. Картины, находящиеся на ней, озадачили многих пришедших зрителей. Экспозиции напоминали полки супермаркетов. На стенах висели рисунки с изображениями кока-колы, долларов, банок супов. Причем повторяющихся неоднократно.

Но шок мгновенно сменился восторгом. Это было именно то, чего все ждали. Глянцевые этикетки товаров, красота по-американски. Как ни странно, но до Энди Уорхола никому в голову не приходило изобразить то, перед чем преклонялись миллионы американцев: мир денег и вещей.

Рождение нового короля

Так всего за несколько часов из мало кому известного художника рекламы, пусть и зарабатывавшего около ста пятидесяти тысяч в год, Энди Уорхол, картины которого произвели настоящий фурор, превратился в короля поп-арта.

Прямо на выставке ему задали вопрос о том, что он намерен теперь рисовать. И Энди не задумываясь, ответил, что возможно даже и электрический стул. Но нарисовал Мерлин Монро. Краски для печати он выбрал кислотные.

Знаменитые картины Энди Уорхола. Фото изображений

Изображение актрисы получилось странным. Лимонные волосы, мертвенно-бледное лицо и ярко накрашенные губы. Никто и никогда не рисовал главный секс-символ Голливуда именно так. Ведь все привыкли считать ее красивой пустой куклой. А на самом деле она была глубоко несчастной женщиной. Художник вновь тонко уловил настроение миллионов.

После смерти Монро стала идолом. И все предметы, отображающие образ, стали безумно популярны, в том числе и эта работа – картина Мерлин Монро. Энди Уорхола вдохновил этот замысел, и он, решив, что движется в правильном направлении, создал целую серию портретов кумиров шестидесятых: король рок-н-ролла Элвис Пресли, актриса Элизабет Тейлор, боксер Мохаммед Али и многие другие звезды. Люди превратились в образы.

Тысячи новых портретов

Он никогда не заставлял свои модели позировать. Зачем проводить долгие часы в мастерской, если есть «полароид»? Энди совсем забросил масляные краски. Какой смысл, когда есть шелкография. Лицо, выполненное при помощи этой техники, выходило идеальным. Ни морщин, ни прыщей, ни двойного подбородка. Именно так, как нравится обывателям.

К тому при помощи этой техники можно было сделать не один портрет, а сотни и даже тысячи. Портреты Энди Уорхола стали пользоваться неимоверной популярностью. И он не скрывал, что перед ним новая цель. Он хотел поставить современное искусство на конвейер. И в тысяча девятьсот шестьдесят третьем году открыл свою фабрику.

Создание собственной фабрики

Это помещение, выкрашенное в серебристый цвет, было одновременно клубом, апартаментами и мастерской. Сюда приходили художники, музыканты, режиссеры и просто яркие личности. Кто-то танцевал, пел, другие просто обсуждали последние новости, а Энди в это время творил. Правда, львиную долю работы выполняли ассистенты. Вырезали трафареты, заливали в них краску. Уорхол лишь руководил процессом.

Он никого не звал на свою фабрику. Туда приходили сами и были счастливы, если могли быть хоть чем-то полезны Энди Уорхолу. Окружив себя странными людьми, он черпал в этой атмосфере свое вдохновение.

Однажды этому неутомимому искателю новых идей приходит в голову мысль снять на камеру своего спящего друга. После просмотра полученного материала Энди решает снимать кино. С этого дня съемка на фабрике шла постоянно.

Творческое затишье

А семидесятые стали для Уорхола годами затишья. Он делал портреты для богатых заказчиков и изображал новых кумиров: Лайзу Минелли, Дайану Росс, Джона Леннона и других звезд. Он продолжал оставаться самым высокооплачиваемым художником. Его называли человеком-легендой.

Персональные выставки Энди Уорхола проходили в Италии, Франции, Голландии. А в тысяча девятьсот семьдесят пятом он побывал даже в Москве, где было открыто собрание экспозиций современного искусства.

История искусства Энди Уорхола

История искусства Энди Уорхола

Энди Уорхол , один из самых влиятельных людей в движении поп-арт, навсегда изменил цель искусства, доказав, что искусство может быть кем угодно, начиная от знаменитости иконный портрет к росписи бытового изделия. Он начал свою карьеру в то время, когда искусство часто ассоциировалось с реализмом и красивыми объектами, и он действительно цитировал противоположное, привнося красоту в повседневные вещи.

Энди Уорхол родился в 1928 лет в Пенсильвании матери, которая разделяла страсть к рисованию и творчеству. В детстве Уорхол страдал хореей — неврологическим расстройством, поражающим лицо, плечи и бедра, — из-за чего он много дней не ходил в школу. Это часто оставляло Уорхола в одиночестве, чтобы сбежать в свой придуманный мир, вдохновленный комиксами и фотографиями. С юных лет он смотрел, как рисует его мама, и использовал искусство как выход для своей боли и внутренних мыслей. Его борьба со здоровьем привела его к развитию уникального чувства стиля и увлечения маскировкой своей внешности, используя себя как выражение искусства. Он быстро стал известен тем, что на протяжении десятилетий менял свою внешность, пробуя новую одежду, парики и макияж. Он относился к своему телу как к личному продолжению своего произведения искусства. Уорхол оставил свой след в мире искусства своей двойственностью: как художник и как бизнесмен. Он был одним из первых художников своего времени, которые увидели вопиющее пересечение, но столкновение между рекламой и изобразительным искусством, и заново изобрели то, как зрители определяют, что такое искусство.

Хотя Уорхол тесно связан с движением поп-арт, он искренне верил, что искусство не должно определяться временем или концепцией, а скорее искусство должно каждый раз создавать новое чувство и движение. Он поделился этой идеей: «Вы должны быть в состоянии стать абстрактным экспрессионистом на следующей неделе, или поп-артистом, или реалистом, не чувствуя, что вы от чего-то отказались… Я думаю, это было бы так здорово, иметь возможность меняйте стайлеры. И я думаю, что это то, что произойдет, это будет совершенно новая сцена». Уорхол всегда умел захватить будущее и изменить взгляды людей на искусство, напоминая нам, что искусство определяется не категорией, а интерпретацией произведения в данный момент.

Кошки по имени Сэм IV.60 Энди Уорхола

1950-е годы

Во время учебы в Университете Карнеги-Меллона Уорхол изучал изобразительный дизайн, что повлияло на линейное качество его ранних работ, а также на его раннюю карьеру в рекламе. Один из самых ранних рисунков Уорхола можно найти в статье, написанной для журнала Glamour под названием «Успех — это работа в Нью-Йорке». Название случайно отразило период, в котором находился Уорхол, сделав искусство своей основной работой и стремясь к успеху. Он нарисовал простой линейный рисунок женщины, поднимающейся по лестнице, воплощая причудливое чувство, преобладающее во многих ранних рисунках Уорхола. Его ранние работы часто были вдохновлены его матерью, которая сама была художницей и заканчивала свои рисунки курсивными лозунгами, написанными поверх. Одной из его самых ранних тем, которая оставалась постоянной темой в его работах, была обувь. Его первыми изображениями обуви были небольшие наброски, в которых фигурировали различные детали. 50 стилей каблуков и ботинок с цитатами, написанными под такими словами, как «Когда я звоню в обувь» и «Моя обувь — твоя обувь». В этот период Уорхол усовершенствовал свою технику блотированных линий, в которой он наносил чернила на бумагу и перемещал чернила, пока они были еще влажными. Это также было началом его техники шелкографии, которая произвела революцию в том, как Уорхол создавал и продавал искусство. Тема этого периода была очень непосредственно основана на совете, который Уорхол получил в начале от учителя рисования. Учитель поделился противоположным тому, что мы обычно слышим: напоминанием Уорхолу рисовать то, что нравится ему, а не другим людям. Она поделилась, что художники должны рисовать только то, что им нравится, что побудило Уорхола рисовать его любимые предметы повседневного обихода, включая обувь, банки из-под кока-колы и кошек.

Когда я звоню – портфолио обуви Энди Уорхола

1960-е

В 1960-х Уорхол создал некоторые из своих самых знаковых работ и открыл свою дебютную выставку поп-арта. Увлечение Уорхола типичными американскими предметами и фигурами, такими как кока-кола и томатный суп Кэмпбелла, привело его к тому, что он творчески представил их своей аудитории. Он переопределил концепцию того, каким должно быть искусство, создав волнение, непосредственно основанное на популярной культуре. О создании банки для супа Уорхол делится: «Я не хотел ничего рисовать. Я искал что-то, что было сущностью ничего. И это была банка супа. Именно это мышление сделало Уорхола таким влиятельным художником; он мог взять простой предмет домашнего обихода и полностью добавить ему огромную ценность, просто изменив восприятие. Способность Уорхола заставить зрителей относиться к рисунку на банке с супом с таким же уважением, как к иконе знаменитости, осуществила стремление Уорхола стереть границы между высокой и низкой культурой. В это же время Уорхол также создал свое первое исполнение «Цветочной серии» вскоре после своей «Катастрофы», создав резкий контраст между двумя сообщениями и настроениями. Цветы намекали на невинность и обыгрывали термин «Цветочная сила», часто используемый в 19-м веке.60-х, чтобы отразить движение ненасилия. На первый взгляд эти работы могут показаться просто декоративным искусством, но Уорхол оставил много смысла в выборе изображения цветов в таком красочном, поп-формате.

Уорхол создал целую культуру вокруг своего искусства, объединив творческих людей через свою студию «Фабрика». Первоначальное расположение The Factory впервые открылось в 1962 году в центре Нью-Йорка. Это место также прозвали Серебряной фабрикой, так как оно было покрыто оловянной фольгой и серебряной краской. Фабрика стала известна своими дикими вечеринками и центром творчества художников и музыкантов. Фабрика была описана как «все слои общества, от самых красивых людей до других художников, знаменитостей, музыкантов. Это действительно был центр творчества в конце 60-х в Нью-Йорке».

Уорхол играл с вариациями цвета и композиции одного изображения, чтобы создать отпечатки ограниченным тиражом. Портрет Мэрилин Монро 26 взят из рекламного кадра ее фильма 1953 года «Ниагара». Это портфолио является одним из десяти трафаретных отпечатков, напечатанных на бумаге и опубликованных тиражом по 250 экземпляров. «Мэрилин Монро 31» Энди Уорхола — одна из самых ярких в наборе. Цвета отражают движение поп-арта, основанное Энди Уорхолом.

В конце 1960-х годов Уорхол создал свою культовую серию фотографий Мэрилин Монро, сделав ее первым объектом своей техники трафаретной печати. Уорхол чувствовал себя комфортно в повторении, говоря: «Чем больше вы смотрите на одно и то же, тем больше теряется смысл и тем лучше и пустее вы себя чувствуете».

1970-е

1970-е оказались гораздо более спокойным периодом в жизни Уорхола, отчасти из-за того, что в конце 60-х его застрелили, что поставило под угрозу его здоровье и безопасность. За это время Уорхол действительно усилил деловой аспект своего искусства и увеличил количество узнаваемых лиц для рисования. Уорхол также вернулся к своей знаменитой серии «Цветы», но на этот раз создал их в виде гравюр, которые кажутся более плоскими и вымышленными. Этот причудливый тон оказался одним из самых легких произведений Уорхола. Уорхол также основал Журнал Interview на рубеже 70-х, журнал, открывавший окно в жизнь моделей, музыкантов и художников. Журнал вскоре получил прозвище «Хрустальный шар поп-музыки» и действовал так же, как аккаунты знаменитостей в социальных сетях сегодня действуют как более тесное взаимодействие с личной жизнью знаменитостей. Уорхол даже указал на нынешний климат поп-культуры, сказав, что «в будущем каждый станет всемирно известным на 15 минут». В буквальном смысле из названия журнала Уорхол брал интервью у культурных икон и спрашивал их о чем угодно, от того, что они ели на завтрак, до глубоких, наводящих на размышления вопросов. Для Уорхола это был еще один способ преодолеть разрыв между высокой и низкой культурой.

Цветы Энди Уорхола

Один из самых известных портретов Мао Цзэдуна Уорхола был создан в 1972 году и вызвал споры о политической точке зрения Уорхола. Когда его спросили об этом, Уорхол поделился, что не поддерживает ни одну партию и даже однажды пошел голосовать, но слишком испугался, чтобы принять окончательное решение. Он не рассматривал свои политические портреты как утверждения, а скорее смотрел на эти фигуры так же, как на картину с предметами домашнего обихода. Это десятилетие также было отмечено кругосветными путешествиями Уорхола, которые вдохновляли его делать портретные фотографии полароидами в каждом пункте назначения, а затем возвращать их в Нью-Йорк, где он воплощал их в жизнь. Некоторые из его самых известных путешествий вдохновили его на создание обширного портфолио рисунков, включая серию «Королева Елизавета», серию «Евреи 21 века» и серию «Ленин».

1980-е

К 1980-м годам Уорхол сам стал признанной культурной знаменитостью, связанной с музыкальными иконами Beatles и известными моделями, включая Мэрилин Монро и Лиз Тейлор. Большая часть работ Уорхола последнего десятилетия его жизни была заказана, так как к этому моменту у него уже был особый стиль и аудитория покупателей. Помимо живописи и гравюр, Уорхол еще с 1960-х годов увлекался движущимися изображениями. Его часто видели с камерой на шее, и он рассматривал фотографию и видео как следующий шаг в мире искусства. К 19В 80-х годах он получил возможность сняться в собственном шоу на MTV «15 минут Энди Уорхола», в котором он общался со множеством культурных икон, включая Кита Харинга, Дэвида Хокни и Палому Пикассо. Всего в пяти эпизодах Уорхол смог представить 100 гостей, что отражает огромное разнообразие людей, изображенных на его работах. Уорхол также создал серию автопортретов за год до своей смерти. До этой серии Уорхол избегал показывать свое лицо в своих работах, но на этот раз он понял, что его собственное лицо теперь тоже стало иконой.

«Искусство — это все, что вам сойдет с рук» — Энди Уорхол

Энди Уорхол был ведущим поп-исполнителем, его печально известные банки с супом Уорхола, Мэрилин Монро и цветы Уорхола — одни из самых узнаваемых изображений в мире.

Артист, создающий «новые» картины Уорхола, через 30 лет после его смерти

• Опубликовано

  000Z»> 18 октября 2017

Источник изображения, Адриан Леви