Термины в искусстве. — artanta — LiveJournal
Будучи на семинаре Павла Косенко, недавно прошедшего в Москве, я была прилюдно опозорена своим незнанием итальянского). О чем речь: Павел задал вопрос, у кого из присутствующих имеется художественное образование. Я и еще одна девушка подняли руки. Тогда он задал хитрый вопрос, в какой манере, стиле написана картина, показанная видео-проектором на стене. В общем-то то, что это свето-теневой рисунок я не сомневалась, но думала, что какой-то хитрый конкретный стиль используется.
Оказалось, что свето-теневой рисунок называется кьяроскуро.
Кьяроскуро (ит. chiaroscuro – светотень) – распределение света и тени в живописи. Этот термин возник в Италии в 16 в. в качестве названия одного из видов гравюры на дереве, который в оттиске напоминает рисунок кистью, выполненный в колористической гамме из близких цветовых оттенков. Кьяроскуро как особую манеру светотеневой моделировки применяли в своих работах Леонардо да Винчи, Корреджо и венецианские мастера.
Голландские живописцы, особенно Рембрандт, использовали кьяроскуро для передачи атмосферных эффектов, создания иллюзии пространства и трехмерного объема.
В 1516 г. итальянский гравер Уго да Карпи (ок. 1480—1532) подал прошение венецианскому Сенату о даровании ему привилегии на печатание цветных гравюр в изобретенной им технике, которую сам мастер назвал «новым способом печатать светом и тенью» (итал. «chiaro е scuro»). При этом способе гравюра печатается с нескольких досок (печатных форм) — для каждого цвета своя доска; изображение создается наложением нескольких цветных пятен без черного рисующего контура (цв. ил. 26). Цветную печать применяли ранее немецкие граверы Северного Возрождения, но их способ заключался в соединении черного штриха с цветной подкладкой (см. также гольддрук). Уго да Карпи первым отказался от контура и штриха и стал использовать широкие пятна локального цвета, напоминающие заливки кистью. Венецианский гравер работал по оригиналам Рафаэля, Караваджо, Пармиджанино.
Живописное мышление в разных видах искусства свойственно венецианцам. Поэтому закономерно, что кьяроскуро появилось в Венеции и что своими гравюрами Уго да Карпи предвосхитил свободный стиль рисунков Дж. Б. Тьеполо и многих художников итальянского Маньеризма. В то же время можно сказать, что цветная гравюра кьяроскуро создана естественным развитием Классицизма эпохи Высокого Возрождения, в частности творчеством художников римской мастерской Рафаэля, где традиции строгого рисунка флорентийской школы постепенно вытеснялись живописными и атектоничными приемами трактовки формы (см. римский классицизм). В искусстве Маньеризма осязательная ценность уступила место экспрессивным приемам «pittura di tocco e di macchia» (итал., «живопись ударом и пятном»; см. генуэзская школа; маккьяйоли). Последователями Уго да Карпи в Италии были Антонио да Тренто, А. Андреани, Д. Беккафуми, Дж. Дзанетти, в Англии — Э. Кёрколл. Во многих произведениях мастеров кьяроскуро, как и в рисунках Пармиджанино, заметны «рыхлость» формы, вялость и разрушение композиции.
Поэтому некоторые граверы вновь возвращались к использованию черного контура и штриха. В лучших произведениях, при живописности техники, градации света и тени мощно «лепят форму» (см. скульптурность), иногда, по-барочному, «под рельеф» (см. Барокко). Отсюда французское название этой разновидности графики — «камайо́» (франц. camaïeu — «камейная»; см. камея; геммы).
Не помнили мы с девушкой такого слова из нашего худ. образования).
Зато мне всегда нравились термины:
Гризайль (фр. Grisaille от gris — серый) — вид однотонной (монохромной) живописи, выполняемой в разных тонах одного цвета, чаще всего сепии, а также техника создания нарисованных барельефов и других архитектурных или скульптурных элементов.
Сфумато (итал. sfumato- — затушёванный, буквально — исчезающий как дым) — в живописи смягчение очертаний фигур и предметов, которое позволяет передать окутывающий их воздух. Приём сфумато разработалЛеонардо да Винчи в теории и художественной практике.
Как техники живописи эпохи Ренессанса могут улучшить дизайн вашего интерфейса
Когда вы видите вдохновение, что именно вы ищете? Технику, цветовую палитру или конкретную форму?
Как дизайнер, я каждый день стараюсь выкроить время на поиск вдохновения. И когда я наблюдаю за тем, что меня вдохновляет, я пытаюсь уловить суть концепции или метода, лежащих в его основе, и думаю о том, как применить это в своем дизайне. Я считаю, что лучший способ идти в будущее – это смотреть в прошлое, и именно так в эпохе раннего итальянского возрождения я обнаружил отличные приемы применимые к стилю моей иллюстрации и разработки пользовательского интерфейса. Это четыре известных техники живописи, которые характеризуют раннее современное итальянское искусство, так называемые «четыре канонические техники рисования эпохи Возрождения». Их называют сфумато (sfumato), унионе (unione), кьяроскуро (chiaroscuro) и кангьянте (cangiante).
Сфумато
Сфумато – это живописная техника, в которой цвета смешиваются вместе.
Это означает, что мы не начинаем с нуля, когда хотим создать что-то новое. Мы улучшаем то, что уже существует. Мы начинаем с того, что имеем, и добавляем исследования и знания, чтобы выбрать путь, по которому идти. Именно так я представил концепцию сфумато для улучшения наших иллюстраций и дизайна. Я начал использовать ее на персонаже, который хорошо известен нашим пользователям по имени Chamoso. Он является ключом к общению с потребителями в нашем интерфейсе, и, естественно, мы прежде всего, сосредоточили свое внимание на создании новой версии этого «парня». Слева: старая версия Chamoso; Справа: новый Chamoso Обратите внимание, что форма Chamoso одинакова в обеих версиях. Но, как и при сравнении Боттичелли и Да Винчи, я сначала отбросил контуры вокруг объекта. Несмотря на то, что я использовал плоский стиль, я применил оттенки, которые делают форму единой. Это также относится к элементам интерфейса. Хороший пример – карточка. Очень часто можно увидеть карточку в обычном состоянии с ненужными контурами или тенями.
Унионе
Второй прием называется унионе и очень похож на сфумато. Фактически, это ответ Рафаэля на сфумато Леонардо. Унионе также пытается создать медленную цветовую градацию, но в отличие от сфумато, использует яркие и более насыщенные цвета. Вы можете увидеть это ниже на картине Рафаэля. Как и Леонардо, Рафаэль не использует контуры, но в отличие от Леонардо, Рафаэль использует яркие цвета. Слева: Мона Лиза (1503) кисти Леонардо да Винчи; справа: Святая Екатерина Александрийская (1508) кисти Рафаэля Посмотрите на цвета каждой картины в отдельности и проверьте, насколько цветовая палитра Рафаэля насыщеннее, чем у да Винчи Я использовал эту концепцию (правда не с такими яркими цветами, как в картинах Рафаэля), чтобы создать более унифицированный дизайн интерфейса, используя немного синей насыщенности в градации цветов.
Кьяроскуро
Это одна из моих любимых техник и та, которая удивила меня больше всего, когда я увидел перед собой картину. Кьяроскуро – это техника, в которой художник создает высокий контраст между светом и тьмой. Ночной дозор (1642) Рембрандт Картина с использованием техники кьяроскуро имеет глубокие темные тени и яркие блики рядом друг с другом. Кьяроскуро создает драматический эффект, который иногда выглядит так, как будто на фигуру проецируется прожектор, а также делает фигуру более объемной. Эта техника широко использовалась в эпоху Возрождения и Барокко. Караваджо станет известен благодаря использованию еще более драматического подхода к кьяроскуро, называемого тенебросо. Это тип кьяроскуро, который создает более интенсивный контраст света и тьмы.
«На самом деле этот интенсивный контраст является рассказчиком истории, находящейся за пределами полотна».
Может быть, когда вы увидели первую версию персонажа Chamoso, когда я говорил о технике сфумато, вы подумали, что его тело было чистого цвета для чистоты, а не для заметности. Это потому, что я использовал технику кьяроскуро. Это очень важно, потому что я создал глубокий контраст, и он защищает слой (который я назвал информационным) для более четкой передачи информации.
Слой за слоем
Все еще используя концепцию трех слоев, первый слой является фоном. Он должен быть привлекательным, чтобы удерживать внимание пользователя. Второй слой создает пространство для четкого отображения информации.
В дизайне это называется негативным пространством или пробелом, и в этом случае тело персонажа является пробелом. Оно не только определяет границы объектов, но и создает необходимые связи между ними в соответствии с принципами гештальт психологии и создает эффективную визуальную производительность. Что касается последнего слоя, я смогу объяснить это лучше, рассказав о последней канонической технике рисования.
Кангьянте
Техника кангьянте характеризуется изменением оттенка или цвета, чтобы изобразить тени и блики. Фрески Микеланджело на потолке Сикстинской капеллы являются отличным примером этой техники. Пророк Даниил — Сикстинская капелла (приблизательно1508–1512) кисти Микеланджело Посмотрите на одежду пророка Даниила. Вы можете видеть, что заштрихованная часть одежды окрашена в зеленый цвет, но выделенная часть – желтая. Я использовал оттенки синего во всех иллюстрациях в композиции первого слоя (фон) и второго слоя (контент).
Но я использовал другой цвет в третьем слое, потому что это информационный слой. Я подготовил поле для работы над этим последним слоем. Это важно, потому что я могу использовать его во многих ситуациях, чтобы информировать и создавать связь с пользователями. Вот так появились на свет эти ребята, пожалуйста, поприветствуйте отряд Chamoso: Я также использовал эту концепцию в интерфейсе. В карточках, которые я показывал вам ранее, ETA (расчетное время прибытия) и статус доставки являются основной информацией, которую пользователь должен знать, чтобы принять решение. Вот несколько примеров финальной иллюстрации и дизайна интерфейса: Если вы хотите увидеть больше, проверьте наш Dribble Как видите, канонические техники эпохи Ренессанса включают не процесс творения, а процесс эволюции. Сфумато – это принцип «больше значит меньше». Унионе касается последовательности и согласованности. Кьяроскуро – негативного пространства. А кангьянте касается эффективного использовании противоположных цветов.
Перевод статьи Lincoln Soares
Светотень в живописи — что это такое и как рисовать самостоятельно
Светотень в живописи — это использование сильных контрастов между светом и тьмой. Этот термин часто используется как художниками, так и историками искусства для описания использования светлого и темного контраста для достижения ощущения объема в картине. Это смелый световой контраст, который влияет на всю композицию. Однако этот термин также может быть расширен для описания освещения в фотографии и кино.
Рембрандт, Караваджо, Леонардо да Винчи и Вермеер, известные своими разработками в технике светотени.
Основной принцип техники светотени заключается в том, что плотность формы лучше всего достигается за счет падающего на нее света.
Содержание этой статьи
- Как применить светотень к своим картинам?
- Setting up a Chiaroscuro still life
- How to set up the lighting for a Chiaroscuro Still Life
- Real Life Example of using the Box Cutout Method
- Chiaroscuro Painters
- Kathleen Speranza
- Bruce Kurland
- Caravaggio
- Рисование фигуры светотенью
- Заключение
- Рекомендуемые ресурсы
- Караваджо: Полное собрание сочинений
- Рекомендуемые краски
Как применить светотень к своим картинам?
Если вы хотите создать картину с сильным контрастом между светом и тьмой, вам необходимо создать правильную обстановку. Что бы вы ни рисовали — будь то человек или натюрморт — все дело в освещении. Вам нужно создать сфокусированный поток света с большим количеством теней, чтобы добиться четкого контраста.
Создание натюрморта с светотенью
Если вы ищете уникальный подход к написанию натюрморта, простой и практичный способ создать натюрморт с освещением «светотень» — найти картонную коробку с открытой передней частью. Вы можете прихватить себе использованную коробку или ту, которая валяется у вас дома. Разрежьте его, чтобы внутрь проникал свет. Если вы хотите сделать все возможное, я предлагаю вам покрасить коробку внутри. Однако, если вы рисуете, просто убедитесь, что это более темный цвет. Я просто прикрепил несколько кусочков ткани внутрь коробки, чтобы создать темный фон.
Натюрморт внутри коробки Кроме того, вам нужно будет сделать надрез сбоку коробки, чтобы создать небольшое отверстие для входа света. На изображении ниже вы заметите маленькое окошко, которое я вырезал, чтобы свет в коробку. Небольшое отверстие сбоку впускает контролируемое количество. Наличие небольшого количества света позволяет получить много теней, которые создадут драматический контраст.
Пошаговое руководство по рисованию натюрморта смотрите в разделе Как нарисовать натюрморт.
Как настроить освещение для натюрморта с светотенью
Свет является наиболее важной частью картины со светотенью, так как правильное освещение для вашей картины очень важно. Тем не менее, ваша установка будет зависеть от того, что позволяет установка вашей студии. Естественный свет всегда лучше, но если ваша студия находится в подвале или гараже, вы можете попробовать использовать лампы дневного света. Это не будет идеально, но будет хорошей заменой.
Диармуид Келли, Гобелен из Байё , 2018Каким бы ни был ваш источник света — будь то окно или электрический свет — старайтесь, чтобы только один источник света шел с одного направления. Итак, если у вас в студии два разных окна, закройте одно из окон темной тканью или занавеской. Чем более сфокусирован ваш источник света, тем лучше.
Например, у меня в студии два окна. Один раз смотрит на север, другой смотрит на восток.
Я закрываю окно, выходящее на восток, и использую источник света только из окна, выходящего на север. Если у меня есть два направления света, падающего на мой натюрморт, у меня не будет сильных отбрасываемых теней, и драматический эффект света/темноты будет ослаблен.
При использовании вырезанной коробки, как показано выше, для размещения натюрморта. Расположите вырезанное окно напротив источника света, чтобы свет мог освещать вашу установку. Небольшое окошко в коробке помогает лучше сфокусировать свет и создать еще более драматичный эффект света/темноты.
Если вы еще этого не сделали, возьмите мое БЕСПЛАТНОЕ руководство по смешиванию цветов для масляной живописи!
Реальный пример использования метода вырезания коробки
Я рассказываю вам об этом методе вырезания коробки не просто для развлечения. Я сам им пользуюсь и он работает!
Элизабет Ларсон Келер, Лимоны на салфетке Ikea Выше мой недавний натюрморт, который я нарисовал из набора, который я создал внутри той же вырезанной коробки, что изображена в начале этой статьи.
Если бы я хотел, я мог бы настроить так, чтобы была еще более резкая разница между светлым и темным. Однако я хотел, чтобы распределение света было немного более тонким. Может быть, в следующий раз я сделаю все возможное и сделаю очень драматичную светлую/темную картину! 😉
Художники светотени
Вот несколько реальных примеров современных и прошлых художников, которые используют этот метод светотени!
Кэтлин Сперанца Кэтлин Сперанца, Розы для ПарижаЭто работа современной американской художницы Кэтлин Сперанца. Она рисует красивые цветочные натюрморты, которые часто выполнены в стиле светотени, как картина, изображенная выше. Чтобы добиться сильного эффекта света/темноты, она использует описанную выше вырезанную коробку для своих настроек.
Брюс Курланд
Брюс Курланд (1938-2013), Персики и движущаяся фигура , 1991; масло на панели Вот еще один натюрморт с изображением светотени художника Брюса Курланда.
Картина демонстрирует как экстремальные темные, так и светлые значения. Свет на фруктах контрастирует с темным черным фоном.
Караваджо
«Призвание святого Матфея» Караваджо, 1599-1600Караваджо, пожалуй, один из самых известных художников-кьяроскуро. Драматический эффект от использования глубоких темных тонов с прорезыванием яркого света — одна из его отличительных черт. Выше его работа «Призвание святого Матфея». Обратите внимание, что на этой картине есть только один источник света — идущий с верхней правой стороны картины.
Рисование фигуры в светотени
Йоханнес Вермеер, Девушка с жемчужной сережкойТеперь, когда мы рассмотрели, как нарисовать собственный натюрморт в светотени, мы рассмотрим, как это выглядит при рисовании фигуры/портрета. Процесс практически идентичен, за исключением того факта, что человека сложнее поместить в коробку! Технически вы можете построить коробку, чтобы вместить кого-то, но это не очень практичный путь.
При рисовании человека в стиле светотени убедитесь, что у вас есть только ОДИН источник света (так же, как при рисовании натюрморта).
Натяните жалюзи на любые другие окна в вашей студии. Я бы также зашел так далеко, чтобы закрыть часть окна, которое вы будете использовать. Удивительны результаты, которые можно получить, имея один маленький источник света. Вы можете использовать одеяла или темную непрозрачную бумагу, чтобы закрыть часть окна. Это поможет создать драматический эффект освещения, так как у вас будут более темные тени. Если к вам приходит поток света, вы получите именно это — поток света.
Также постарайтесь разместить модель не слишком близко к источнику света. Разместите модель немного дальше от источника света, это поможет создать более драматичный эффект освещения.
Заключение
Светотень — это невероятный способ исследовать мир света. Вы многое узнаете о значении и тоне, сталкиваясь с широким спектром света и тьмы. Я надеюсь, что вам понравятся эти советы по рисованию светотенью, и они окажутся вам полезными.
Рекомендуемые ресурсы
Караваджо: Полное собрание сочинений
Караваджо — квинтэссенция художника-кьяроскуро.
Откройте для себя работы Караваджо в этой прекрасной книге его картин, опубликованной Taschen.
Получите мое БЕСПЛАТНОЕ руководство по смешиванию цветов для масляной живописи
Рекомендуемые краски
Техника светотени в современной живописи
Хотите узнать, что такое светотень? Традиционно термин изобразительного искусства светотени происходит от комбинации итальянских слов, которые примерно переводятся как светлый и темный . Термин описывает поразительное использование светотени [1] контраста в живописи, рисунке или печати. Основной принцип светотени заключается в том, что цельность формы лучше всего достигается за счет эффекта падающего на нее света, позволяющего затенению придавать двухмерным фигурам ощущение объема. Благодаря цветовой градации и аналитическому разделению ярких и затененных форм художники светотени создают иллюзии трехмерных форм и света, исходящего из определенного источника, часто достигая драматических эффектов.
На самом деле, это хорошо принятая теория, что эти драматические эффекты были главной причиной, по которой художники решили использовать этот невероятно сложный метод на протяжении веков. Наиболее известными людьми, которые использовали светотень, являются такие, как Рембрандт , Леонардо да Винчи и Караваджо .
На протяжении всей истории искусства художники, кажется, были теми, кто довел светотень до ее самых впечатляющих высот. В живописи техника светотени использует особые качества 9Масляная краска 0077 , которая обеспечивает впечатляющие переходы от светлого к темному и наоборот. Масляную краску можно легко смешивать и растушевывать, наносить слоями или наносить полупрозрачной глазурью — все это чрезвычайно ценные свойства, когда речь идет о светотени. Накладывая светлые тона поверх темных, художники могли создать абсолютную иллюзию фигур, выходящих из теней. Как уже упоминалось ранее, техника светотени также может быть применена к рисунку, но только очень специфическим образом.
Такое произведение сделано с использованием исключительно темных и светлых линий, чтобы создать иллюзию третьего измерения. Что касается гравюры, гравюра на дереве светотенью делается путем печати различных блоков с использованием разных тонов, создавая в процессе эффект затенения. Теперь мы рассмотрим легендарного мастера светотени и наиболее распространенные черты этой практики, а также выясним, насколько большую роль играет техника светотени в современную эпоху.
Караваджо — Мастер техники светотени
Хотя многие известные великие художники в истории использовали сложный метод светотени, эта техника действительно достигла своего пика в картинах Микеланджело Меризи — Караваджо, конец 16 века. Знаменитый художник использовал глубокий темный фон для многих своих работ и достиг такого совершенства в технике светотени, что казалось, что он может полностью контролировать свои фигуры. [2] Отсутствие симметрии и наличие высокого контраста в этих картинах сделали их чрезвычайно мощными и драматическими произведениями искусства, которые часто превозносились как одни из величайших шедевров, когда-либо созданных.
Только потому, что Караваджо удалось вывести светотень на совершенно другой уровень, вся техника вдруг стала синонимом высокой контрастности, несмотря на то, что это далеко не полное описание этой техники.
Источник интенсивного освещения в картине Караваджо со светотенью редко был частью композиции. Меризи так хорошо научилась применять светотень, что акцент на свете и тени иногда становился важнее самих сцен. Драматический контраст между очень мрачным фоном и эффектами света теперь считается торговой маркой искусства Караваджо. Многие авторы были гениальны со своими вариантами светотени, как, например, уже упомянутые Леонардо да Винчи и Рембрандт, но невероятные художественные высоты, достигнутые художником своим творчеством, скорее всего, навсегда останутся непревзойденными. Неудивительно, что его работы использовались как высший визуальный носитель Контрреформации католической церкви того времени.
Караваджо — Взятие Христа, 1602 г. — Изображение с wikipedia.
orgКараваджо и Караваджисти
Влияние Караваджо на весь мир искусства было, мягко говоря, экстраординарным. Его интенсивные композиции породили отдельный стиль живописи, который теперь описывается как Caravaggesque . Эта классификация стиля указывает на очень реалистичное изображение фигур с упором на драматические ситуации и предметы с высоким контрастом света и тьмы — наиболее распространенные описания того, что такое определение светотени. Однако влияние искусства Караваджо не ограничивалось только поощрением класса стиля. У итальянского живописца были последователи, которые прекрасно знали, кто ставил им идеалы, и эти авторы называли себя Караваджисты (или Каравагески ). Эти последователи, будь то итальянцы, испанцы, французы или нидерландцы, были привлечены тенебризмом своего творческого мастера, и их появление стало первым верным показателем того, насколько важным был Караваджо для развития живописи. Их тяжелая работа была особенно удачным событием для всей истории искусства, поскольку у художника никогда не было мастерской или каких-либо других средств распространения своей техники.
К счастью, его мастерское использование светотени можно было косвенно увидеть в работах Питер Пауль Рубенс , Хусепе де Рибера , Джан Лоренцо Бернини и Артемизия Джентилески.
Караваджо — Жертвоприношение Исаака — Изображение с wikimedia.org
Место светотени в современном мире искусства и художников
Сегодня термин светотень часто применяется к широкому спектру драматических световых эффектов и используется как техническое слово, связанное со многими средствами и видами искусства [3 ] . Это связано буквально с любая форма выражения, которая обладает чем-то темным и угрюмым с сильными штрихами тени [4] , которые подчеркивают драматический эффект. Интересно, что традиционная сила светотени и напряженное действие в их кадрах оказали огромное влияние на кинематографию, поскольку такие жанры, как Фильм Нуар , в значительной степени основывали свои визуальные эффекты на этом.
Многие кинематографисты заявляли, что техника светотени сформировала окончательный вид их фильмов — например, Мартин Скорсезе фактически ссылался на Караваджо как на одного из своих самых больших источников вдохновения для многих своих фильмов.
Многие современные авторы не только выбрали светотень в качестве фокуса, но и расширили возможности этой техники со всеми доступными им технологическими достижениями. Само собой разумеется, что техническое мастерство этого художника до сих пор считается crème de la crème метода, но многие художники на четыре века моложе пошли по неизведанным и оригинальным путям кьяроскуро — часто с весьма удивительными результатами.
Рэйф Файнс в фильме «Список Шиндлера» (1993) — изображение через sleeplessthought.com
Светотень Никола Самори
Никола Самори создает темные картины маслом в стиле барокко и сам по себе впечатляет, но уникальность этого художника заключается в том, что Самори целенаправленно уничтожает свои работы после того, как они завершены. . Он повреждает ключевые элементы композиции ножом или растворителем, чтобы опровергнуть классическое представление и поставить под сомнение само определение живописи, добавив сильную отсылку к раннему авангардному искусству. Никола объясняет такую практику тем, что за нанесенным уроном стоит свежесть и интенсивность, неизвестные внешним тонам . Эта концепция удивительно интригует, но место Самори в этой статье обеспечивается тем фактом, что он обладает исключительной способностью использовать стиль светотени.
Джесси Лейн — Эхо, 2016 — Изображение через jesselaneart.com
Никола Верлато
Его специальность заключается в слиянии популярных образов и традиционных техник живописи, поэтому неудивительно, что Никола Верлато удивительный живописный мир пользуется таким высоким уровнем уважения в художественном сообществе. Этот итальянский художник в первую очередь известен своим утонченным аллегорическим сюрреализмом, в котором представлены впечатляющие световые эффекты, извилистые обнаженные фигуры и плотные композиции, подчеркнутые властным применением светотени. Замечательные и причудливые, его композиции доставляют истинное наслаждение для анализа.
Никола Верлато — Поселенец, 2015 — Изображение через nicolaverlato.com
Хенрик Ааррестад Улдален
Хенрик Ааррестад Улдален — художник-самоучка, чьи творения вращаются вокруг классической фигуративной живописи в современной манере. Как и Никола Самори, Ульдален, кажется, чувствует себя как дома в более мрачных условиях, поскольку он исследует темные стороны жизни, такие как нигилизм, экзистенциализм, тоска и одиночество.
Тем не менее, все его персонажи и элементы сочетаются с хрупкой красотой, обеспечиваемой фантастическим использованием светотени, используемой таким образом, что придает картинам Ульдалена вид сна или неопределенного состояния. Как и в случае с Джесси Лейном, Хенрик Ааррестад Улдален больше фокусируется на атмосфере, чем на повествовании.
Пионерские попытки перевести этот метод в словарь изображений с камеры можно проследить до раннего развития черно-белых изображений — например, Альфред Штиглиц был одним из старейших практиков, успешно использовавших форму светотени в своей работе. Степан Мазуров – Ваш ход – Изображение с сайта thephotoargus.com
Prabuddha Dasgupta
Prabuddha Dasgupta был известным фотографом моды и изобразительного искусства, родом из Индии. В основном он был известен своими ставшими культовыми черно-белыми фотографиями, на которых были изображены обнаженные тела в стиле светотени. Более трех десятилетий Дасгупта усердно работал над развитием своего подхода к затенению, что в конечном итоге привело к почти идеальному контролю над его драматическими композициями. Сегодня Прабудда Дасгупта считается вехой как в фэшн-фотографии, так и в современном использовании светотени в фотографиях.
Прабуддха Дасгупта — Женщины, 14 лет, 1982 — Изображение с prabuddhadasgupta.
comChristy Lee Rogers
Как и многие современные авторы, упомянутые в этой статье, Christy Lee Rogers также вызывает сильное чувство барочной живописи. На ее захватывающих дух фотографиях люди погружаются в воду, а ее герои крутятся и крутятся в бесконечной темной бездне. Интересно, что самоучка Кристи Ли Роджерс использует только естественный свет для создания хроматических соотношений, в конечном счете нарушая условности фотографии. То, как эта художница использует стиль светотени, не имеет себе равных, поскольку ее изображения одновременно вызывают у зрителей ощущение борьбы и очищения. Завораживающий и визуально завораживающий, Роджерс, кажется, достиг вершины фотографической техники светотени.
Кристи Ли Роджерс — Восторг, 2011 — Изображение с сайта christyleerogers.comОливье Вальсекки
Оливье Вальсекки — французский фотограф, чьи работы напоминают обнаженные тела Вильяма-Адольфа Бугро и сюрреалистические картины Сальвадора Дали.
Опираясь на эффекты стиля светотени для драматического воздействия, искусство Вальсекки сосредоточено вокруг мрачных и сложных тем смерти, рождения, возрождения и материнства. Он представил много новых концепций техники светотени в фотографии. Например, его Серия Time of War изображает замороженные тела обнаженных танцоров, покрытых пеплом, что подчеркивает их затененные силуэты. Оливье Вальсекки также экспериментировал с клексографией, создавая изображения сложных художественных симметрий обнаженных тел, переплетенных друг с другом.
Оливье Вальсекки — Time of War 3 и Time of War 13, серия Time of War, 2012 г. — изображения предоставлены художником
Совет редактора: Светотень: диалектический подход к эстетике
Светотень: диалектический подход к эстетике исследует, как художник может оживить неодушевленное, восхитить светом, успокоить тенями. Он придерживается точки зрения, подчеркивающей, что люди начали делать наброски и рисовать еще до появления языка и письменности — в этом смысле живопись является древнейшей религией человека и так же естественна для него, как воздух, которым он дышит.
И за всю историю создания картин эта книга глубоко и подробно рассматривает то, что многие эксперты считают самым сложным живописным стилем из когда-либо придуманных, — светотень. Светотень: диалектический подход к эстетике — это собрание избранных работ увлеченного художника, который пытается выяснить более глубокий смысл и основу эстетики и ее влияние на человеческое сознание, исследуя избранный им метод создания образов.
Каталожные номера:
