Правила построения натюрморта: Натюрморт. Правила построения натюрморта (2 класс)

Содержание

Натюрморт. Правила построения натюрморта (2 класс)

Презентация по
изобразительному
искусству на тему
«НАТЮРМОРТ»
Если видишь на картине
Чашку кофе на столе
Или морс в большом графине
Или розу в хрустале
Или бронзовую вазу
Или грушу, или торт
Или все предметы сразу
Знай, что это – натюрморт!
Натюрморт-картина с изображением крупным планом цветов,
фруктов, битой дичи, рыбы и т.п. предметов.
Натюрморт – такая картина, в которой героями становятся вещи.
Слово это пришло к нам из французского языка, в переводе
обозначает «мертвая натура». Но лучше перевести его так: «тихая,
или неподвижная природа». Когда художники рисуют
натюрморты, они в своих картинах стараются передать всю
красоту окружающих нас вещей.
Изображение натюрморта обычно начинается с
составления красивой композиции. Слово
«композиция » взято из латинского языка и означает
«располагать какие либо предметы красиво».

Художники не только рисуют
натюрморты с натуры.
Иногда они придумывают
предметы. Такие натюрморты
называются декоративными.
В них предметы кажутся
сказочными, красочными.
Для того чтобы его
выполнить , надо применить
творчество, фантазию, знания
о работе над натюрмортом.
Это называется правилами
построения натюрморта.
Правила построения
натюрморта
1.Располагаем самый высокий
предмет (лучше на втором
плане).
2.Второй предмет по высоте
должен быть
приблизительно в два раза
ниже первого.
3.Он должен немножко
прикрывать первый.
4.Чтобы показать, что один
предмет ближе, а другой
дальше, надо второй предмет
расположить ниже.
Последовательность
выполнения декоративного
натюрморта для учеников
2х классов
1. Рисуем эскиз карандашом.
2. Раскрашивание фона с
передачей плоскости стола.
3. Раскрашиваем овощи и
фрукты.
4. Раскрашиваем вазу и листья.

— Этапы построения натюрморта. Анализ натюрморта

Похожие главы из других работ:

Византийский костюм и возможности использования его мотивов в современной одежде

2. АНАЛИЗ КОМПОЗИЦИОННО-КОНСТРУКТИВНОГО ПОСТРОЕНИЯ ИСТОРИЧЕСКОГО КОСТЮМА

Таблица 1. Анализ элементов композиции византийского костюма Элементы композиции Описание, изображения Схематическое изображение изделия, название…

Натюрморт

1.1 История натюрморта как жанра

В изобразительном искусстве натюрмортом (от фран. natur morte — «мертвая природа») принято называть изображение неодушевленных предметов, объединенных в единую композиционную группу. Натюрморт может иметь как самостоятельное значение…

Натюрморт как жанр живописи

1. История развития натюрморта

В изобразительном искусстве натюрмортом (от фран. natur morte — «мертвая природа») принято называть изображение неодушевленных предметов, объединенных в единую композиционную группу.

..

Натюрморт как жанр живописи

2.3 Модель выполнения натюрморта

Рассматривая жанр натюрморта, можно заметить, что он отличается своеобразными принципами. Натюрморт становится произведением искусства, если художник видит его сюжет, особенности композиции формы, цветовую гамму…

Натюрморт как жанр живописи

2.5 Композиционные особенности натюрморта

Особенности образов натюрморта, передающие через неодушевленные предметы черты и характеры людей, времени является основной композиционной деятельности художника в этом жанре. Натюрморт как таковой объективно не существует…

Натюрморт как жанр живописи

3. Средства выполнения натюрморта

Основы спичрайтинга

2. Основные правила построения публичного выступления

Рекомендации к построению публичного выступления: 1) Необходимо точно сориентироваться по объёму и полноте выдаваемой информации, с учётом поставленных целей и особенностей аудитории.

2) Важно быть точным в изложении мыслей…

Особенности построения внутрикадрового пространства в сюжетной фотографии

1.2 Специфика построения внутрикадрового пространства сюжетной фотографии

Смысл фотографирования состоит не в том, что бы собирать все предлагаемые реальностью факты, так как факты сами по себе не представляют большого интереса, важно уметь выбирать факты, выхватить из их бессмысленного нагромождения настоящий факт…

Особенности режиссуры театрализованного вечера

2.2 Законы композиционного построения тематического театрализованного вечера

Определенность и ясность выбранной темы тематического вечера неразрывно связаны с идеей, постановкой проблемы, требующей ответа на вопрос «что я хочу сказать зрителям?» Какое отношение у него (зрителя) сформируется от увиденного и услышанного…

Особенности формирования имиджа образовательного учреждения в области культуры на примере Центральной музыкальной школы им.

А.Н. Скрябина города Дзержинска

1.2. Механизмы формирования и способы построения имиджа образовательного учреждения

Под формированием имиджа образовательного учреждения мы понимаем процесс, в ходе которого создается некий спланированный образ на основе имеющихся ресурсов. Целью создания имиджа является повышение конкурентоспособности…

Скульптурная лепка при создании кованых композиций

3. Основные правила композиционного построения скульптур из металла

Литьё — заполнение чего-либо (формы, ёмкости, полости) материалом, находящимся в жидком агрегатном состоянии. В наиболее распространённом понимании — производственный процесс изготовления изделий…

Создание декоративного панно для живописных постановок

2.1 Особенности построения композиции в декоративной живописи

Культ американских автомобилей занимает важное место в сюжете фильма и нашел отражение в декоративном панно. Dodge Challenger и Charger — это культовые автомобили, производимые отделом Dodge корпорации Chrysler.

..

Состав и тенденции развития системы библиотечных каталогов

1.1 Функции и принципы построения системы каталогов в библиотеке

Библиотечный каталог- это совокупность расположенных по определенным правилам библиографических записей на документы, раскрывающая состав и содержание фонда библиотеки или информационного центра…

Способы графической подачи эскизов

1.1 Декоративное рисование натюрморта

Натюрморт — изображение неодушевлённых предметов в изобразительном искусстве, в отличие от портретной, жанровой, исторической и пейзажной…

Способы графической подачи эскизов

4 ПРИНЦИПЫ ПОСТРОЕНИЯ ДВУХ- И ТРЁХФИГУРНОЙ КОМПОЗИЦИИ

Основные принципы построения многофигурной композиции: 1 — выбор характерных элементов композиции: объединение по однородным признакам, стилю, форме, цвету…

Как нарисовать натюрморт гуашью – предметы быта

 

Этот пошаговый урок рисования научит новичков, как нарисовать натюрморт гуашью. Раскроет некоторые секреты рисования различных фактур и поверхностей. И, кроме того, продемонстрирует на практике основные правила живописи.

 

 

Что понадобится для этого урока:

  1. бумага формата А3. Отлично подойдёт ватман.

  2. гуашь художественная. Существует ещё гуашь плакатная; она очень быстро сохнет и на рисунке получаются разводы. С ней очень неудобно работать в живописи. Ну и ещё существует гуашь плохого производства, на которой не написан её класс, но ведёт она себя на бумаге плохо. В этом случае можно попасть впросак. Поэтому краски лучше покупать, пусть и не фирменные и ценой подешевле, – но в специализированных художественных магазинах.

  3. кисти. В основном будем использовать синтетические кисти и одну щетинную. Конкретно приготовьте плоские синтетические кисти большую, среднюю и маленькую. И щетинную среднего размера.

 

Сначала простым мягким карандашом делаем построение композиции. Начинаем с обозначения плоскости стола горизонтальной линией. Определяя высоту, опирайтесь на первый рисунок. С правой стороны немного виднеется дальний угол стола. Его тоже наметьте диагональной линией. Потом, соблюдая правила построения, «ставим» на наш стол объекты.  Лёгкими линиями обозначаем, где лежит ткань и её основные складки. Вам надо соблюсти соотношение предметов друг с другом и их форму.

После того, как набросок карандашом будет готов, приступим к раскрашиванию. Начнём с общего фона. Короткими мазками большой плоской кисти нанесите первичный слой краски на общий фон натюрморта, и так же набросайте основные тона на кувшин.

 

 

Примечание:

Не надо пытаться сразу полностью и на 5 баллов зарисовать весь фон,  или весь кувшин (или любой предмет). Частая ошибка новичков в рисовании, когда они пытаются сначала полностью нарисовать весь фон, оставляя белые дырки для предметов. А потом начинают закрашивать все предметы целиком по очереди. Или же наоборот, сначала сделать все предметы на чистом листе, а потом закрасить фон. Это неправильный подход к живописи. Так вы потом не сведёте воедино общее освещение, и все предметы будут выглядеть так, как—будто вырезаны из разных журналов и наклеены на чужеродный фон. Композиция, как говорят, развалится. Любая картина всегда рисуется сразу вся по чуть—чуть. Вы раз за разом будете возвращаться то к кувшину, то к бутылке, то снова к фону между ними, пока не доведёте работу до завершения. 

 

рис. 2

 

Сосредоточимся на кувшине. Будем прорисовывать его прямо поверх первого, уже нанесённого, слоя краски, делая растяжку, плавные переходы между тонами и оттенками. Гуашь нам многое позволяет. Но особенно не усердствуйте, чтобы не развести грязь. Используйте сейчас среднюю плоскую кисть.

Давайте посмотрим на рисование предметов через светоразделы: свет, полутень, тень и рефлекс. На картинке ниже наглядно изображена схема в виде сетки для лучшего восприятие темы. (Обычно особенные трудности бывают с понимаем рефлекса. Более углубленно почитать про рефлексы в живописи можно в этой статье: «Рефлекс в живописи и рисунке: наглядное объяснение»).  Обратите внимание, что на самой светлой части предмета расположены белые блики. Они тем ярче и заметней, чем более глянцевая поверхность у предмета.

 


рис. 3

 

После того, как достаточно проработали кувшин, кладём основные цветовые тона на столешницу.  Обратите внимание, что плоскости стола (имеются в виду горизонтальная поверхность и вертикальная плоскость бортика) должны заметно отличаться друг от друга силой тона. Горизонтальная плоскость в итоге должна быть нарисована более светлой, чем вертикальная, потому что она лучше освещена.

 


рис. 4

 

А сейчас приступим к изображению стеклянной бутылки. Покройте её цветом фона. Мы же помним, что она прозрачна и через неё будет видна задняя стена, в нашем случае она и есть фоновая. Поэтому основной тон бутылки будет в тон фона. Но бутылка всё—таки не невидимая, у неё есть размер и объём. Чтобы это передать в рисунке, края бутылки нужно выделить светлой краской. Добавляем на бутылку немного холодных оттенков, которые помогут передать на рисунке стекло. Для придания объёма прорисовываем рефлекс. И последний штрих – блики. Обратите внимание, что на одной бутылке изображены разные блики: некоторые очень резкие и яркие, а некоторые смягчены по краям и чуть более бледные.  Внимательно присмотритесь к тому, как нанесены краски на авторской работе.

 


рис. 5

 

Приступаем к кастрюле. Возвращаемся к рисунку №3, вспоминаем сетку светораздела, и наносим краску на кастрюлю соблюдая этот принцип. Сначала нанесите светлые и тёмно-серые оттенки. Самую тёмную краску оставьте для создания фактуры старого, потёртого и выщербленного мягкого металла.

 

Как изобразить фактуру старого потёртого металла.

Для достижения этой текстуры мы используем грубую щетинистую кисть. Она должна быть сухой! Общий серый фон кастрюльки со светотенями должен быть уже нарисован. Сухую кисть чуть обмакиваем в густую гуашь, берём не жирно. Ориентируясь на рисунок ниже делаем прямые длинные мазки сверху вниз по затенённой стороне кастрюли. Мазки должны быть такие дырявые и шероховатые, краска на кисточке должна закончится прямо во время мазка. Лучше сначала потренироваться делать сухие мазки на черновике.

 


рис. 6

 

Доводим кастрюлю. Маленькой кистью покрываем пустые места краской основного цвета. По боковому краю кастрюли надо нарисовать рефлекс (прямо поверх чёрной фактуры). Делаем ручки, прорисовываем контур кастрюли. Сильно увлекаться детализацией не надо, чтобы отдельные куски рисунка не выпадали из общего стиля. Не забывайте держать отношения между предметами.

 


рис. 7

 

Пришло время обратить внимание на драпировку вокруг кастрюли. Закрасьте её полностью краской. Покрывать ткань краской рекомендуется большой плоской кистью. Обратите внимание на то, что ткань освещена неравномерно: с одной стороны она выглядит светлее. Разнонаправленные плоскости на рисунке должны отличаться друг от друга тоном: лежащая плоскость должна быть светлее, чем вертикальная. Это же касается и ткани, которая стелется по столу.

 


рис. 8

 

Рисуем блюдце. Общий тон у него белый. Добавляя чуть—чуть серой и голубовато—серой краски придаём блюдцу объём. И только после этого очертите синим пигментом каёмку у блюдца. Но не надо делать её очень тёмной. А вот нижняя часть блюдца не должна быть слишком светлой, ведь она находится в тени.

 


рис. 9

 

Теперь, когда пространство картины в основном покрыто краской, необходимо его слегка прорисовать, уточнить и детализировать. Внимательно проработайте складки на драпировке (благо она намеренно простая, специально для новичков). Постарайтесь увидеть и использовать как можно больше лёгких оттенков на ткани, это придаст картине более натуральный и живой вид.

Посуда на столе отбрасывают тени. Рядом с каждым предметом положите тень от него краской холодного тона. Тени в данном случае не могут быть резкими и яркими. Они должны получиться рассеянными.

 

 

Далее переходим к последнему оставшемуся у нас не нарисованным предмету – яблоку. Рисовать его нужно так же в соответствии с принципом светораздела, как и остальные скруглённые предметы, которые мы уже нарисовали.

Яблоко отбрасывает на цветной отсвет на близлежащие поверхности и предметы. Добавьте розоватого оттенка на блюдце вместе с тенью, которое отбрасывает яблоко.

 

ВАЖНО:
Таким образом через цвет взаимодействуют между собой все предметы на картине. Близко расположенные предметы передают друг другу частичку своего цвета. Обязательно надо отобразить в работе таким же образом, как с яблоком, взаимоотношения каждого предмета друг с другом и с близкими поверхностями.

 

 


рис. 10

 

Ранее мы писали картину, так сказать, в общем, и оставили некоторые мелкие детали незаконченными. Теперь настало время их довести. Если карандашный набросок уже затёрся или закрасился, то можно смело нарисовать необходимые контуры ещё раз. Потом вы их закрасите, ведь гуашь непрозрачная краска.

 


рис. 11

 

Для того чтобы придать картине объём, глубину и некую монолитность, применим один специальный художественный секрет. В самом конце работы совсем чуть—чуть, очень незаметно, надо размыть контуры предметов. Мы как—бы смягчаем линию касания среды и объектов.

Авторство: А. Воронков
http://www.plakitina.ru/lessons.php?id=72
г. Екатеринбург, 2013 год



Похожие статьи

правила, соблюдение условий, образец, фото

Вы хотите научиться рисовать? С чего следует начать? С набросков? Правильно, а что дальше? Дальше следует освоить искусство постановки натюрморта. Благодаря натюрмортам начинающий художник быстрее освоит предметный рисунок, а опытный рисовальщик сможет усовершенствовать свое мастерство. Как нужно правильно собирать натюрморты?

Натюрморт должен быть интересен художнику

Что должен испытывать творец, ставя перед собой какое-нибудь задание? Вдохновение. Человеку должно нравиться то, что он делает. Поэтому так важна качественная постановка натюрморта. Художник должен быть в восторге от композиции, которую ему нужно перенести из трехмерного пространства в двухмерное.

Но что делать, если у человека пока не хватает навыков для изображения сложных предметов? Нужно рисовать что-то простенькое. Но к кубам и шарам душа лежит не у всех. Поэтому найдите дома предметы простых форм, которые вам будут нравиться. Например, вместо шара можно взять арбуз, а вместо прямоугольника принести с улицы кирпич. Художник с особым вниманием должен подходить к выбору каждого предмета.

Почему-то многие думают, что чем причудливее вещи используются в композиции, тем натюрморт будет выглядеть симпатичнее. Поверьте, это – миф. Если вы возьмете изящную статуэтку, которая вызывает у вас отвращение, вы никогда не сможете красиво ее нарисовать. Поэтому всегда составляйте композицию из тех вещей, к которым лежит душа.

Объекты должны быть свежими

Второе правило, которому художник должен следовать, – это брать для постановки натюрморта только свежие продукты. Если вы планируете рисовать что-то скоропортящееся, то вам нужно садиться за мольберт сразу же после того, как вы соберете композицию. Если вы не планируете рисовать в ближайшие дни, то не используйте в постановке ничего быстропортящегося. Лучше взять продукты, срок хранения которых не ограничен двумя-тремя днями или же заменить настоящую еду муляжами. Если нет возможности использовать муляжи, то выбирайте те съестные припасы, которые, по вашему мнению, самые свежие.

После того как вы каждому предмету в постановке найдете место и нарисуете первые наброски, следует обвести месторасположение предметов на драпировке, а сами объекты убрать в холодильник. Благодаря контуру, который останется на ткани, будет легко восстановить не только месторасположение предметов, но и расстояние между ними.

Вещи должен объединять смысл

Как собрать качественный натюрморт? Для этого следует объединять все вещи общим смыслом. Например, если вы собираете композицию, посвященную лесной прогулке, то следует использовать корзинку, грибы, ветки и листья, а также ягоды и чучела птиц. Если вы надумали собрать натюрморт с тематикой «женские штучки», следует использовать причудливые пудреницы, духи, зеркала и кисти для макияжа. В постановке натюрморта «завтрак гурмана» могут быть использованы различные фрукты, хлеб и банка с вареньем.

Тематика каждой композиции должна хорошо прослеживаться любым смотрящим. Не нужно высасывать связь предметов из пальца. Если вы очень хотите использовать серп в композиции с завтраком, то лучше положите его под стол, но не на стол. Всю картину будут портить неуместно расставленные вещи. Они будут выбиваться из композиции. А ведь натюрморт – это не склад продуктов, хаотично накиданных на столе. Натюрморт – это грамотно выстроенная композиция, которую нарушить может любая мелочь.

Гармония между схожими и различными формами

Постановка натюрморта для живописи – это целое искусство. Человек должен найти такие предметы, которые будут хорошо гармонировать друг с другом по цветовой гамме, по размеру и по форме. Особое внимание следует уделить последнему критерию. В одну композицию не нужно нагромождать множество одинаковых предметов. Если вы используете бутылки, то они должны быть разнокалиберные. Не нужно выстраивать на заднем фоне забор из баклажек одинаковой формы и размера. Следует использовать такие предметы, форма которых визуально похожа, но размер которых отличается. Например, вы можете найти прямоугольник со скругленными краями, цилиндр и шар. В подобную композицию сложно будет вписать куб или что-то граненное.

Контуры, очертания и плавность линий должны повторяться. Тогда композиция будет смотреться цельно и гармонично. Совмещать несовместимые предметы можно, ведь в искусстве не существует правил, которые нельзя нарушать. Но прежде чем переходить границы дозволенного, человек должен выучить классические каноны.

Центр композиции должен быть один

Любой, даже начинающий художник, должен соблюдать простое правило любой хорошей композиции, — центр должен быть один. Постановка натюрморта для живописи подчиняется этому правилу. Смотря на постановку, глаз должен сразу за что-то цепляться. Проще всего центр выделить размером. Поставьте большой предмет в любой угол натюрморта, и он будет бросаться в глаза.

Если не хочется выделять центральную вещь размером, можете поэкспериментировать с цветом. В этом случае оттенок предмета должен радикально отличаться от оттенков, которые используются в композиции.

И еще один способ выбелить центр – это образовать в композиции пустоту. Но подобным образом выделять центр должны только опытные художники. При неправильной расстановке предметов пустота перестанет быть центром и сделает композицию неуравновешенной. Если вы хотите добиться наилучшего эффекта, то вам следует использовать только один из вышеперечисленных способов. Все вместе их использовать нельзя, иначе натюрморт перестанет быть сбалансированным.

Игра на контрасте и нюансе

Фото натюрморта, который собран по всем правилам, представлено выше. Если вы только начинаете постигать искусство составления композиции, то выбирайте составные части постановки, которые будут контрастировать друг с другом. Подобный натюрморт смотрится сочно и броско. Но помните, что больше трех цветов лучше не сочетать. Четвертый оттенок можно использовать в драпировке. Но в этом случае он должен быть нейтральным, черным, белым или светло-пастельным. Контрастные натюрморты просто не только собирать, но и рисовать. Разница цветов художнику будет очевидна. Все, что необходимо будет сделать, — правильно подобрать оттенки.

Если вы умеете собирать красивые композиции, то попробуйте составить постановку с акцентом на нюанс. Все составляющие натюрморта должны быть выдержаны в одной цветовой гамме. Разница будет в оттенках. Ее то и нужно будет найти художнику. Подобные постановки писать сложно, так как не у всех художников получается правильно расставить акценты и выделить центр композиции.

Соразмерность

Когда человек собирается делать постановку натюрморта для рисунка, то он должен учитывать соразмерность предметов. Рядом с большой вазой не следует класть спичечный коробок. Он будет смотреться неуместно. Большие предметы с маленькими должен соединять своеобразный мостик, образованный объектами среднего размера. Массивные предметы должны стоять на заднем фоне и не перегораживать небольшие вещицы переднего плана. Кто-то может рассмотреть градацию размеров как яркий пример контраста. Подобным образом у вас получится сделать дисгармонию композиции и внести в нее динамику. Но ваш натюрморт не будет устойчивым и в глазах зрителей. Постановка будет рассыпаться на части. Если небольшие предметы стоят рядом с большими, грамотно уравновесить их невозможно. Поэтому обратите внимание на гармонию пропорций в своей композиции.

Также следует помнить, что объемные складки следует считать частью постановки. И на большую складку класть россыпь бус будет неразумно. Если уж хочется что-то туда поставить, лучше выберите массивный кувшин.

Разноплановость

Вы видели цветографические картины? Модель многопредметной постановки натюрморта в любой продуманной композиции такая: сзади — крупные предметы с минимальной детальной проработкой, а на переднем плане — что-то небольшое и рельефное. Объекты, которые лежат ближе к художнику, должны выделяться не только по размеру, но и по цвету, и по текстуре. Задний план художники вуалируют более темными красками, в то время как предметы с переднего плана всегда хорошо прописываются яркими цветами. Композиция должна быть грамотно уравновешена, и в то же время в ней должны отсутствовать грубые ошибки с детализацией.

Кого-то могут испугать предметы с ярко выраженным рисунком. Например, небольшие керамические плитки, которые являются отличным фоном, или же гипсовые головы, которые требуют детальной проработки. Ставить такие предметы на задний план можно, если все остальные вещи в натюрморте будут маловыразительными и мало детализированными.

Детали на деталях

Хотите сделать натюрморт интересным? Тогда разнообразьте его детализированными вещами. Например, используйте не простой белый сервиз, а чашки и чайники со сложным рисунком. Узор может украшать старинный рушник или же в качестве акцентов могут выступать небольшие фигурки или статуэтки. Вещи должны быть красивыми, и художнику должно захотеться рассмотреть предметы повнимательней. Подобные детали цепляют взгляд, и зритель не остается равнодушным.

Но не перегружайте композицию. Если вы используете в натюрморте декоративную посуду, значит, драпировка должна быть однотонная. Если же вы используете принтованные ткани, выбирайте нейтральные предметы, которые на фоне броского материала не смогут потеряться. Не перегружайте натюрморт. Композиции, в которых много интересных деталей, приятно рисовать. Но с подобным заданием справится только опытный художник, а не новичок. Поэтому всегда здраво оценивайте свое мастерство.

У натюрморта должен быть характер

Даже простая постановка натюрморта требует от создателя сложной мозговой деятельности. У любой композиции должен быть свой характер. Натюрморты бывают пустые, загруженные, монохромные или контрастные. В вашей работе не должно быть случайности. Используйте только те предметы, которые подходят по смыслу и по концепции. Если вы собираете натюрморт и делаете его на нюансе, то будьте внимательны к предметам, которые используете. Они должны отличаться друг от друга не только цветом, но и фактурой.

Неинтересно рисовать исключительно глянцевую посуду. Художнику приятно искать новые способы передачи поверхности вещей. Если вы собираете натюрморт с темой завтрака, то возьмите хлеб, яйцо, огурец и пирожное. Эта еда кажется самой простой, но все предметы имеют отличия в фактуре поверхности.

Фон

Собираете натюрморт? Учебная постановка требует от педагога знаний относительно специфики фона. В качестве цветовой подложки следует использовать темную материю теплого оттенка. На такой ткани все светлые предметы будут смотреться выразительно. Ученику не придется долго думать о контрастах. Фон темный, задний план средней насыщенности, а вещи на переднем плане светлые и выразительные. Именно на простых заданиях ученики познают правила композиции и все тонкости расставления акцентов.

В качестве фона можно использовать не только ткань, но и предметы из окружения. Например, в качестве бэкграунда педагоги используют угол комнаты. Подобные натюрморты помогают студенту понять, что композиция является не чем-то отдельным, а частью окружающего пространства. Если занятия проходят в режиме пленэра, то фоном может стать трава или же деревья. Предметы быта интересно писать под прямым солнечным освещением, когда задником является красивый цветущий куст розы или жасмина.

Складки

Фото постановки для натюрморта вы можете посмотреть выше. Одним из акцентов данного произведения являются складки. Их должен хорошо рисовать любой уважающий себя художник. Как выбрать материал? Для создания складок лучше использовать старую ткань, которая была в употреблении. Используется такой материал не из экономии, а по той причине, что выгоревшее полотно живописнее, чем новый отрез с принтом.

Для создания складок можно использовать как грубый материал вроде холста, так и что-то струящееся, вроде шелка. Различия будут в количестве складок и их качестве. На грубой ткани получаются массивные заломы, которые порой даже имеют острые углы. На шелке получаются мелкие складочки, которые сложно разложить по своему усмотрению.

Как правильно выбрать расцветку материала? Желательно использовать ткань тех оттенков, которые студентам придется смешивать, а не тех цветов, которые входят в стандартную палитру.

Освещение

Как рисовать натюрморт? Важную роль в любом рисунке играет освещение. Оно бывает естественное и искусственное. Начинающим художникам лучше рисовать при естественном свете. А студентам, которые уже получили начальные знания в области рисования, можно переходить на постановки, освещенные софитами. Благодаря освещению выявляется фактура и текстура предметов, а также лучше читается форма вещей.

Искусство создания натюрморта — МАУДО «Дворец творчества»

Благодаря натюрмортам начинающий художник быстрее освоит предметный рисунок, а опытный рисовальщик сможет усовершенствовать свое мастерство. Но прежде чем взяться за кисть, натюрморт нужно составить. И это целая наука!

Как нужно правильно собирать натюрморты? Как собрать живописный натюрморт? Вроде, всё просто, но это лишь на первый взгляд. Самое первое ученье — следует объединять все вещи общим смыслом, темой. Например, если вы собираете композицию, посвященную лесной прогулке, то следует использовать корзинку, грибы, ветки и листья, а также ягоды и чучела птиц. В постановке натюрморта «Завтрак» могут быть использованы различные фрукты, хлеб и банка с вареньем.

Тематика каждой композиции должна хорошо прослеживаться художнику и зрителю. Натюрморт – это грамотно выстроенная композиция. Постановка натюрморта для живописи – это целое искусство. Ведь необходимо найти такие предметы, которые будут хорошо гармонировать друг с другом по цветовой гамме, по размеру и по форме. Особое внимание следует уделить последнему критерию. В одну композицию не нужно нагромождать множество одинаковых предметов. Если взять бутылки, то они должны быть разнокалиберные. Следует использовать такие предметы, форма которых визуально похожа, но размер их должен отличаться. Контуры, очертания и плавность линий должны повторяться. Тогда композиция будет смотреться цельно и гармонично. Совмещать несовместимые предметы можно, ведь в искусстве не существует правил, которые нельзя нарушать. Но прежде чем переходить границы дозволенного, человек должен выучить классические каноны.

Любой, даже начинающий художник, должен соблюдать простое правило хорошей композиции — центр должен быть один. Постановка натюрморта для живописи подчиняется этому правилу строго. Смотря на постановку, глаз должен сразу за что-то цепляться. Проще всего центр выделить размером. Поставьте большой предмет в любой угол натюрморта, и он будет бросаться в глаза. Если не хочется выделять центральную вещь размером, можете поэкспериментировать с цветом. В этом случае оттенок предмета должен радикально отличаться от оттенков, которые используются в композиции.

Даже простая постановка натюрморта требует от создателя сложной мозговой деятельности. У любой композиции должен быть свой характер. Натюрморты бывают пустые, загруженные, монохромные или контрастные. В работе не должно быть случайности.

И все, что описано выше, лишь начало внушительного списка правил построения натюрморта. Еще до «дистанционные» времена юные живописцы аккуратно записали себе в тетрадь  перечень того, что станет залогом успешного составления предметной композиции.

Поэтому для закрепления пройденного материала, выполняли творческое задание – составляли натюрморт «Атрибуты искусства». То, что у них получилось, запечатлено на  фотографиях.

О.П. Аршалуйсян, педагог дополнительного образования.

comments powered by HyperComments

на Ваш сайт.

Рисование натюрморта

 

Рисование натюрморта

«Натюрморт» — от французского nature morte означает «мертвая натура«. В художественном творчестве натюрморт является одним из самостоятельных жанров, в котором воплощаются в образную форму различные окружающие нас предметы и вещи, воплощенные в произведениях графики и особенно в живописи. Его эстетическая значимость определяется не только мастерством передачи материальности и фактуры предметов, но и красотой их, характером форм, выражающих определенные эмоциональные настроения. Это может быть радость, грусть, печаль, в зависимости от поставленной задачи и от характера постановки, а также самих предметов, их смыслового значения.

Все, кто рисует с натуры, обязательно проходят через разные этапы усложнения работы. Процесс обучения рисунку на определенном этапе связан с рисованием натюрморта.

Мир природы и вещей, окружающих человека в повседневной жизни, — неисчерпаемая сокровищница форм и цветовых оттенков. Простота и пластическое совершенство бытовых предметов, утонченность и нежность цветов, своеобразное строение и сочность фруктов и овощей и многое другое всегда были объектами внимания художников. Рисунки и произведения живописи, в которых воплощаются в образную форму бытовые предметы, орудия труда, овощи, фрукты, снедь, дичь, букеты цветов и т.п., называются натюрмортами.

Натюрморты могут быть «увиденными» прямо в жизни и «поставленными» специально для решения разных изобразительных задач. И те, и другие привлекают внимание, поэтому натюрморту уделяют столь много места в изобразительном творчестве, что он стал по праву самостоятельным жанром. «Увиденный» натюрморт— это изображенное художником природное группирование предметов, а «поставленный» — составленное из сознательно подобранных предметов, необходимых для воплощения определенного замысла автора.

Рисование натюрморта дает возможность  творчески использовать ранее полученные знания правил перспективы, навыки конструктивного построения предметов на плоскости, приобретенные умения выявлять объемные формы светотенью и передавать фактуру предметов. Изображение натюрморта во многом усложняет необходимость передачи пространственной среды фона тоном. Это является важным условием увязки предметов между собой на общем фоне и приведения рисунка к тоновой, композиционной целостности и гармоническому единству.

Изображение натюрморта имеет свою определенную закономерность и методическую последовательность. Совершенно непозволительно, например, лишь начав рисунок, заняться детальной проработкой незначительных мелочей, если не определена еще основная форма, не решена тональная идея постановки. Это сразу же приводит к дробности рисунка, которую потом неопытному рисовальщику исправить невероятно трудно и подчас невозможно. Кроме того, подобная спешка ведет к ошибкам в пропорциональных отношениях, а отсюда — к неудаче, неверию в свои силы и разочарованию.

В предыдущих заданиях мы рассматривали изображение группы предметов, состоящих из простых геометрических тел, поэтому общее представление об изображении группы предметов в натюрморте у нас имеется. Переходя к изображению натюрморта, студентам следует знать, что отличие от предыдущего задания состоит в сложности самих предметов и вещей, входящих в постановку. Это, прежде всего, сложные разнохарактерные формы предметов или объектов, имеющих различную окраску и фактуру материала (стекло, керамика, гипс, металл, бумага, цветы, фрукты).

Помните, что в изобразительной практике существует проверенный метод последовательной работы над рисунками, основанный на принципе: от общего к частному и от частного вновь к обогащенному деталями общему.

Приступая к изображению натюрморта, необходимо строго соблюдать методический принцип последовательности ведения рисунка (от общего к частному и от частного к общему), без чего трудно понять основной смысл изображения. Нарушение этого принципа в работе над рисунком значительно усложняет усвоение учебного материала, поэтому весьма важно закреплять отдельные этапы. По мере усвоения учебного материала по изображению простых натюрмортов и постепенного усложнения задач можно будет переходить к более сложным натюрмортам, с включением в них драпировок.

Работа над натюрмортом начинается с отбора и размещения определенных предметов: в нашем задании — гипсовая модель призмы и деревянная ваза для карандашей, кистей и т.п. Отбор компонентов натурной постановки должен быть логически оправданным, наполненным смысловой связью. Вещи желательно выбирать выразительные по форме и объему.

После того как натюрморт поставлен, вы выбираете определенное место, откуда постановка хорошо видна (мы уже говорили о наиболее оптимальном расстоянии от рисующего до натурного объекта: оно должно составлять примерно три размера самой натуры).

Выразительность и правдивость изображения натюрморта зависят от вашей способности наблюдать, компоновать, строить рисунок, моделировать его тоном и т.д.

Перед непосредственной работой над рисунком целесообразно выполнить одну-две зарисовки постановки для поиска рациональной и эффектной компоновки изображения на бумаге. Зарисовки желательно выполнять быстро, основываясь на первом, еще очень свежем впечатлении от постановки, стремясь передать в них характерные особенности натуры, взаимосвязь и пропорции формы каждого предмета, отношение площади изображения к площади формата листа.

После того как в зарисовке вы определили композицию изображения, можно перейти к непосредственной работе на формате. Учитывая характер постановки, вы уже выбрали формат — горизонтальный или вертикальный.

Теперь перед вами стоит задача пройти несколько этапов рисования натюрморта. Таких этапов, т.е. отдельных моментов — стадий или ступеней в развитии чего-либо, в работе над рисунком обычно не более четырех.

Безусловно, начальным этапом любого изображения является композиционное размещение его на листе бумаги. У вас уже есть зарисовка, используйте которую отнюдь не механически.

Здесь главное место уделяется определению всей ширины и всей высоты предметов сразу для ограничения поля изображения, тут же намечаются легкими линиями позиции каждого из тел относительно друг друга и плоскость, на которой они поставлены.

На следующем этапе рисования натюрморта вы должны уточнить место каждого из двух предметов в изображении и определить их пропорциональные отношения. В этом промежутке работы выявляйте также конструктивную основу формы. Здесь решение всех задач данного этапа изображения основывайте на внимательном анализе постановки. Форму стройте пока одними линиями, видя свой рисунок «каркасным», но соблюдайте известную меру, чтобы они у вас не выглядели всюду одинаковой толщины.

Третий по счету этап работы проведите как дальнейшее уточнение формы тел, имеющих объемность и рельефность. Эти признаки предметов воспринимаются только при условии светотени. Поэтому вам надлежит не только наметить большой свет и большую тень, но и определить легкими штрихами все основные градации (постепенные расположения) светотени.  Нужно внимательно следить в натуре и сравнивать на бумаге, насколько один предмет темнее или светлее другого. Помимо этого не забывайте также о различии в рисунке технических приемов работы карандашом, чтобы уже на этой стадии рисования выявить различие фактур предметов. Все вместе взятое и рассмотренное с позиций перспективного построения, объемности и рельефности форм, тонового решения, материальности ведет вас к последнему этапу работы над рисунком натюрморта.

Заключительный этап предусматривает процесс завершения работы — обобщение всего линейного и тонального строя изображения. Если передний и дальний планы прорисованы подробно, оба тела постановки разрушают цельное восприятие рисунка, нет мягкости переходов в моделировке формы тоном, то такое изображение нуждается в доработке, которая и является обобщением. В таком случае необходимо смягчить дальний план, разрушить в нем четкие границы (создать впечатление глубины), «приблизить» к переднему плану один предмет и «отдалить» другой, где-то в нужном месте высветлить, в ином, наоборот, уплотнить тон и таким образом добиться цельности рисунка.

Все этапы работы над рисунком натюрморта не являются оторванными друг от друга стадиями изображения. Здесь проходит последовательный, логически обусловленный единством и неделимостью процесс, следствием которого должен быть правильно скомпонованный, верно построенный, в меру проработанный тоном, выразительный учебный рисунок натюрморта.

А теперь очень подробно рассмотрим, как протекает процесс создания рисунка натюрморта, составленного из гипсового геометрического тела — шестигранной призмы и деревянной вазы для хранения рисовальных инструментов.

После того как формат выбран, определяют, какого размера будет нанесено на бумагу изображение, тем более, что в предварительных зарисовках вы ищете пропорциональные соотношения изображения и формата. Пропорции вплетаются в зрительное восприятие в соответствии со строением глаза и принципами его работы. Каждый рисующий определяет отношения величин и, не удивляйтесь, отличает среди них отношение «золотого — сечения». Вы видите в постановке, что стоящая вертикально ваза смотрится более предпочтительно, нежели лежащая под углом к ней призма. Значит, в своем рисунке вазе вы уделите особое внимание, и размещение изображения на бумаге станете связывать с ней. Она-то и расположится в рисунке не иначе, как в отношении пропорций «золотого сечения».

Такой характер зрительного восприятия подтверждается многочисленными опытами, проводившимися в разное время в ряде стран мира.

Немецкий психолог Густав Фехнер в 1876 г. провел ряд экспериментов, показывая мужчинам и женщинам, юношам и девушкам, а также детям нарисованные на бумаге фигуры различных прямоугольников, предлагая выбрать из них только один, но производящий на каждого испытуемого самое приятное впечатление. Все выбрали прямоугольник, показывающий отношение двух его сторон в пропорции «золотого сечения». Опыты иного рода продемонстрировал перед студентами нейрофизиолог из США Уоррен Мак-Каллок в 40-х годах нашего века, когда попросил нескольких добровольцев из числа будущих специалистов привести продолговатый предмет к предпочтительной форме. Студенты некоторое время работали, а затем вернули профессору предметы. Почти на всех из них отметки были нанесены точно в районе отношения «золотого сечения», хотя молодым людям совершенно не было ничего известно об этой «божественной пропорции». Мак-Каллок потратил два года на подтверждение этого феномена, так как сам лично не верил, что все люди выбирают эту пропорцию или устанавливают ее в любительской работе по изготовлению всевозможных поделок.

Интересное явление наблюдается при посещении зрителями музеев и выставок изобразительного искусства. Многие люди, сами не рисовавшие, с поразительной точностью улавливают даже малейшие неточности в изображении предметов в графических изображениях и в живописных картинах. Это, вероятно, признаки эстетического чувства человека, которое «не согласно» с разрушением гармонии формы и пропорций. Не с таким ли требованием чувства прекрасного связывается феномен «золотой пропорции» (как только не называют эту пропорцию —«божественной» «золотой» «золотым сечением», «золотым числом»)? Не зря, видно, во все века цивилизации человечества «золотая пропорция» возводилась в ранг главного эстетического принципа.

В учебных постановках чаще всего ставятся чисто учебные задачи, направленные, как правило, на усвоение элементарной грамоты рисунка и приемов перспективно-конструктивного построения изображения группы предметов, выявления объемных форм светотенью и, главное, на обучение целостному видению группы предметов в их тоновом и композиционном единстве. Изображение натюрморта в учебном задании, по существу, является базой для перехода к серьезному изучению основных положений реалистического рисунка.

В процессе работы над рисунком натюрморта Вы приобретаете специальные практические навыки, развивают глазомер, учатся воспринимать пропорции, улавливать тончайшие светотональные градации и вырабатывают необходимое качество для рисовальщика — способность видеть предметы цельно.

Для начала следует освоить рисунок простого натюрморта, составленный из двух бытовых и одного гипсового предметов. В простой натюрморт желательно включать такие предметы, которые по форме были бы близки к геометрическим телам или их сочетаниям. Такие предметы дают возможность легче разобраться в их строении. Размеры предметов должны отличаться друг от друга, а их количество не должно превышать трех-четырех. При этом следует избегать чрезмерной разницы в размерах. Светлые и темные предметы, с учетом их цветовых сочетаний, должны быть сопоставлены контрастно. Это подчеркивает особенности каждой формы — материальность, фактуру, размеры и разнообразие оттенков, что придает выразительность постановке и во многом облегчает решение поставленной задачи.

При подборе предметов для составления натюрморта нужно учитывать следующее: все они должны быть подобраны сообразно смысловому значению и увязаны между собой, т.е. объединены тематически и близки по своему практическому назначению. Случайных предметов в постановке быть не должно. Тематические натюрморты в учебном задании способствуют развитию не только технических навыков, но и столь необходимых в будущем творческих способностей.

В постановке натюрморта следует выделить главный предмет, который наиболее значим как по смыслу, так и по форме и цвету. Остальные предметы должны подбираться согласно смысловому значению основного предмета.

Предметы в натюрморте должны быть хорошо освещены, поэтому необходимо продумать, как лучше это сделать. Если предметы осветить спереди, то они будут едва заметны из-за отсутствия на их поверхностях теней. При заднем освещении предметы превращаются в сплошные контурные очертания. Наиболее выгодное положение предметов достигается при некотором верхнебоковом освещении, когда предметы выглядят достаточно объемными.

При размещении изображения группы предметов на плоскости листа бумаги важно выдержать масштаб группы предметов по отношению к свободному полю на формате листа бумаги так, чтобы предметам не было тесно и не слишком свободно. Лист бумаги следует располагать в соответствии с характером группировки предметов, о чем уже неоднократно упоминалось. Размещая группу предметов на плоскости листа бумаги, одновременно следует верно определить композиционный и зрительный центры. Как показывает практика, в большинстве случаев студенты при решении композиционной задачи недостаточно уделяют этому внимания, из-за чего эти два центра чрезмерно отдаляются друг от друга, нарушая тем самым композиционную целостность изображения.

Следует отметить, что в действительности зрительный центр не всегда совпадает с композиционным. Это во многом зависит от характера объекта изображения. Под зрительным центром следует понимать центр картинной плоскости, его зрительную пирамиду, а под композиционным — какой-либо основной главный предмет, вокруг которого располагаются второстепенные или вспомогательные предметы. В зависимости от характера объекта изображения композиционный и зрительный центры должны быть либо на незначительном расстоянии друг от друга, либо совмещаться.

Это дает возможность в изображении подчинить второстепенные детали главному предмету и тем самым придать изображению композиционную целостность. Для решения данной задачи в изображении необходимо правильно выбрать точку зрения пространственных положений предметов относительно друг друга, так как при разных точках зрения главный предмет будет перемещаться относительно близлежащих то вправо, то влево или окажется по их центру. Для оптимального решения композиционной задачи в изображении следует для начала внимательно рассмотреть натурную постановку с разных сторон, а не довольствоваться случайно выбранным «свободным местом» для его изображения. Выбрав для себя определенную точку зрения (место), следует подумать о ракурсе (линии горизонта). Поверхность стола, на которой располагаются предметы постановки, должна хорошо просматриваться, так как она входит в компоновку, а изображенные предметы должны вызывать ощущение устойчивости.

При соблюдении всех этих условий в самой постановке предметов и их изображении натюрморт получает наибольшую выразительность, а Вы будете легче улавливать характерные особенности предметов. Этим значительно облегчается решение учебной задачи.

Для Вас композиционные основы построения рисунка натюрморта не должны быть камнем преткновения, ибо человек наделен способностью хорошо видеть окружающую обстановку в пределах поля ясного зрения (под углом 36°). Именно пропорциональные величины в пределах поля ясного зрения хорошо различаются глазами, и ваша задача распознать их, чтобы правильно построить рисунок. Дело в том, что рисующий человек видит предметный мир так же, как и не рисующий. Однако, если вы возьмете произвольную точку зрения для построения рисунка, произойдет искажение. Вам надо помнить, что в построении изображения все взаимообусловлено: точка зрения, поле ясного зрения и расстояние до предметов изображения. Значит, в процессе компоновки изображения нужно выделить такую часть замкнутого пространства (листка бумаги), которое включало бы предметы натюрморта и часть окружающей среды (фона). Объекты изображения не должны быть ни слишком большими, ни маленькими. Иначе крупное изображение «выходит» из формата, а маленькое «тонет» в нем. Чтобы подобного не произошло, старайтесь рассматривать лист бумаги и размеры изображения как единое целое композиционного решения рисунка натюрморта.

После организации плоскости бумаги предметы нужно нарисовать так, как их видит глаз и как они существуют в действительности. Для этого вы уточняете перспективные изменения формы вазы и призмы и одновременно пытаетесь сразу понять их объективное устройство, конструкцию, анализируете условия освещения. Светотень на предметах распределяется по тем же законам, с которыми вы познакомились при рисовании гипсовых моделей геометрических тел.

Каждый рисунок является одновременно новым познанием предметного мира, которое сопровождается овладением знаниями, приобретением опыта, новых навыков и моторикой движений руки. Разместив рисунок на плоскости и передав пока в легких линиях границы формы каждого из двух предметов и такими же легкими штрихами наметив объемность вазы и призмы, вы продолжаете работу, переходя к следующему этапу. Теперь вы продолжаете дальше уточнять характерные особенности формы, все время сравнивая рисунок с натурой. Затем приступаете к работе отношениями, предусматривающими определение правильных пропорций, соотношение пространственных планов, деталей и целого.

Метод работы отношениями дает возможность рисовальщику овладеть знаниями и умениями в той степени, в какой они влияют на развитие человека как художника-профессионала.

Итак, первые стадии вашего рисунка: решить задачи компоновки, наметить общий силуэт натюрморта, выделить оба предмета и показать пропорции, одновременно почувствовать связь форм, соответствие их общему строю изображения. При работе отношениями уточняют рисунок, сравнивая и сопоставляя, т.е. соизмеряя изображение с целым и частей друг с другом. На этом же этапе ведения рисунка вы должны приступить и к выявлению объемности и рельефности форм объектов изображения, прорабатывая их по принципу — от общего к частному. Только так вы будете все время видеть целое — и в строении, и в пропорциях, и в тоне.

Когда у вас появилась убежденность в верности рисунка и правильности намеченных светотональных отношений, можете смело переходить к моделировке формы постепенно насыщаемым плотностью тоном.

На этом важном этапе работы — передача правдивого изображения натюрморта, каким его видит наш глаз и как он существует в пространстве, — нужно все время видеть натуру цельно, т.е., прикасаясь карандашом к тому или иному месту в рисунке, не терять из виду всю постановку и весь рисунок в целом. Все время помните, что вы накапливаете знания, умения и навыки постепенно и последовательно и соответственно ведете работу над натюрмортом. Тональные отношения в натуре не могут быть в точности переданы в рисунке из-за несоответствия подлинного света и белизны бумаги друг другу. Передать их можно только путем следования пропорциональным натуре отношениям светотени, и вы знаете, что от такой передачи зависит качество тонального рисунка.

Во время моделирования рисунка тоном, когда вы всю работу ведете от общего к частному, непременно наступает момент, связанный с большим желанием взяться за окончательную проработку того или иного места изображения, которое очень привлекательно в постановке. Вот здесь и переходите к частному, соблюдая принципы рисования.

В практике как учебного, так и творческого рисования встречаются два часто соприкасающихся друг с другом технических способа прокладки карандашом тона на бумаге — штриховка и тушевка.

Штриховка в отличие от тушевки имеет свои ярко выраженные особенности. Опытный рисовальщик может достичь только ею передачи всех тональных и материальных свойств натуры. При этом он пользуется разнообразными по следу карандаша на бумаге штрихами — прямыми и изогнутыми, короткими и длинными, накладывающимися друг на друга в несколько слоев. Следовательно, под штриховкой следует понимать приемы нанесения тона штрихами. Направление штриховки в рисунке очень существенно. Направленными по форме предмета штрихами можно добиться объемности и, наоборот, бессистемно накладываемыми форма разрушается, изображение покрывается бесформенными пятнами.

Мастера рисунка часто пользовались тушевкой — приемом растирания карандашного слоя, плашмя нанесенного грифелем, по поверхности бумаги для получения мягкого сплошного тона с помощью либо растушевки, либо тампонов из бумаги и очень часто ваты. Таким приемом весьма часто и эффектно пользовался Илья Ефимович Репин.

В процессе работы, связанной с передачей светотеневых отношений, определяют самое светлое и самое темное места в натурной постановке и, придерживаясь их как тональных ориентиров, постепенно набирают необходимую светосилу. И все время нужно сравнивать и еще раз сравнивать рисунок с натурой. Для этого можно даже отойти от рисунка на небольшое расстояние, чтобы с несколько отдаленной точки зрения видеть свою работу. Есть еще один прием для сравнения — посмотреть на рисунок в зеркало, находясь вполоборота к изображению. В зеркале должен отражаться также натурный объект. Такое сравнение может помочь увидеть допущенные ошибки в тоне и устранить их. Прием с зеркалом эффективен еще и потому, что он позволяет увидеть свою работу с неожиданной стороны. Каждый рисующий не только привыкает к своему изображению, но и часто, в силу неопытности и еще неумелости, перестает замечать серьезные просчеты в рисунке, не говоря уже о тоне. Такой неожиданный взгляд поможет сразу увидеть тот или иной недостаток, на который оказалось трудно обратить внимание из-за неумения критически отнестись к собственному рисунку.

Последняя стадия работы над рисунком натюрморта связана с умением рисовальщика завершить изображение, т.е. привести изображение в соответствие с общим зрительным впечатлением при цельном восприятии натурной постановки.

В заключение напоминаем, что основные приемы и правила перспективного построения, пропорций, законов светотени и тоновых отношений, задачи и процесс самого изображения остаются прежними, как и в предыдущих заданиях по изображению группы предметов, состоящих из простых геометрических тел.

 

Натюрморт «Букеты цветов»

(карандаш)

 

 

Контрольные вопросы

1. Что такое натюрморт?

2. Сколько стадий работы по рисованию натюрморта необходимо пройти?

3. Что вы понимаете под термином «компоновка»? Какую роль компоновка играет в рисунке?

4. Почему натурную постановку нужно воспринимать не по частям, а цельно?

5. Что значит наносить штрихи по форме?

6. В чем состоит методическая последовательность работы над натюрмортом?

7. Как понимать термин «обобщение рисунка»?

Последовательность рисования натюрморта. Последовательность работы над натюрмортом

Работа над натюрмортом разделяется на несколько этапов. Сначала определяют размещение натюрморта на листе бумаги, т. е. создают композицию листа. Для этого на одном листе делают несколько вариантов зарисовок небольшого размера, стараясь понять, как распределяются свет и тень на всех предметах, где расположены наиболее освещенные и наиболее затемненные участки натюрморта. Отмечают также, какие предметы составляют передний план, какие отходят в глубину, какой предмет является самым темным, какой самым светлым.

Затем выполняют рисунок постановки на основном листе. В акварельной живописи рисунок не передает детально свет и тень предметов, а играет вспомогательную роль — указывает границы формы, которая в результате работы цветом кажется объемной и материальной. Выполнять рисунок можно карандашом или углем, чтобы его легко можно было ослабить, не повреждая поверхность бумаги, которая имеет очень большое значение для акварельной живописи. В рисунке выявляют общую форму, пропорции предметов, намечают основные границы света и тени объемной формы, отмечают участки бликов. Сделав рисунок и смочив бумагу водой, чтобы она не была жирной, приступают к выполнению натюрморта.


Начинают с обобщенной передачи объемов предметов. Находят цвета предметов и фона, определяя основные цветовые отношения в натюрморте. Цвета, полученные смешением красок, проверяют на палитре. При необходимости цвета уточняют. Найденные цвета накладывают крупными пятнами на соответствующие места рисунка натюрморта. Каждый цвет сравнивают с остальными и при необходимости уточняют. Цвета начинают накладывать чаще всего со светлых мест предметов, потом переходят к более темным, затем к самым темным, в нужных местах делая плавный переход от светлого цвета к более темному соответствующим приемом письма. Там, где надо, цвет усиливают повторным наложением. Таким образом отношения цветов в акварельной работе постепенно подводят к натуре. Накладывая цвет тени, выделяют цвет рефлекса, а на освещенной части — блик.


Определив основные цветовые отношения постановки, переходят к детальной про-работке объемных форм. Крупными мазками довольно густым раствором краски уточняют цвет света, тени, полутени, рефлекса. Надо следить за тем, чтобы не пересветлить цвет освещенной части. Для этого сравнивают его с белым листом бумаги, на котором рисуют. Для передачи объема одного предмета посредством постепенного перехода цвета от светлого к темному можно использовать прием письма «по сырому».


Для передачи объемности предмета нужно сравнивать светлоту и насыщенность цвета на свету и в тени каждого предмета. Живописное решение пространства передается перспективным изменением цвета. Предметы, расположенные ближе к зрителю, выделяют четче, в них яснее видны все детали формы, все переходы цвета на объеме. Чем дальше от зрителя находится предмет, тем в большей степени он теряет светлоту и насыщенность цвета и тем меньше становится контраст света и тени. Выделяя планы натюрморта, надо все время сравнивать между собой цвета предметов, расположенных на разном расстоянии от зрителя. Если все же предметы, расположенные дальше, слишком выступают вперед, необходимо уменьшить насыщенность их цветов, смягчить контуры их формы или усилить цвет предметов переднего плана.


Впечатление глубины пространства в натюрморте зависит и от трактовки фона, на котором находятся предметы. Поэтому к работе над фоном надо относиться очень внимательно. Цвет фона все время сравнивают с цветом предметов. Особую сложность представляет фон светлого цвета с большой насыщенностью, который может сильно выступать вперед. При таком фоне лучше всего взять для постановки предметы, контрастирующие с ним по цвету. Контраст будет способствовать выявлению цвета и формы предметов, обогащать живописное решение всего натюрморта, выделять положение предметов на первом плане.


Передавая детально цветовые и тоновые отношения натуры, достигают тем самым передачи материала. Для этого нужно разнообразить технику наложения мазков, т. е. класть их то крупнее, то мельче, меняя при этом направление мазков в зависимости от формы и материала предмета. Заканчивают натюрморт обобщением отдельных оттенков цветов, подчиняя их всем другим цветам. Этим добиваются целостности впечатления от постановки. Последние мазки лучше делать прозрачными и яркими красками. Выполняя натюрморт в живописи, важно все время правильно видеть натуру: цельно — при определении общих цветовых отношений и в конце выполнения работы, конкретно — при проработке деталей, т. е. следовать принципам «от общего к частному» и «от частного к общему». Это поможет найти и передать в живописи связь между предметами по цветовому тону, светлоте, насыщенности цвета, их пространственному размещению.


Выполнять живописную работу акварелью можно разными методами. Например, сначала можно прописать весь этюд цветом, не полностью насыщенным, а затем довести насыщенность всех цветов до соответствия натуре. При выполнении этюда цвет можно взять сразу полностью насыщенным, с тем чтобы в дальнейшем оставить его нетронутым. В этом случае этюд пишут по частям, цвета подбирают осторожно, обдуманно и кладут «начисто». Этот метод работы требует значительного опыта и умения. В одной работе можно использовать разные способы акварельной техники живописи: «по сырому», «по сухому», «алла прима», лессировку. Для изображения предметов, расположенных на переднем плане, чаще используют технику «по сухому», а предметы, находящиеся на дальнем плане, пишут техникой «по сырому».


Работая над различными натюрмортами, в которых сопоставляются разные по мате-риалу и фактуре предметы — твердые, мягкие, матовые, блестящие, прозрачные, плотные, легкие, тяжелые и т. д., познают их красоту и приобретают необходимый опыт в их изображении, изучают разные способы акварельной техники живописи, вырабатывают навыки выполнения сложных живописных работ, таких как изображение головы человека, фигуры человека, обнаженной и в одежде. «Рисунок и Живопись» Учебник для техникумов (СПО) Автор А.В. Секачева, А.М. Чуйкина, Л.Г. Пименова Москва, 1983 г.

В постановке натюрморта следует выделить главный предмет, который наиболее значим как по смыслу, так и по форме и цвету. Остальные предметы должны подбираться согласно смысловому значению основного предмета.

Предметы в натюрморте должны быть хорошо освещены, поэтому необходимо продумать, как лучше это сделать. Если предметы осветить спереди, то они будут едва заметны из-за отсутствия на их поверхностях теней. При заднем освещении предметы превращаются в сплошные контурные очертания. Наиболее выгодное положение предметов достигается при некотором верхнебоковом освещении, когда предметы выглядят достаточно объемными.

При размещении изображения группы предметов на плоскости листа бумаги важно выдержать масштаб группы предметов по отношению к свободному полю на формате листа бумаги так, чтобы предметам не было тесно и не слишком свободно. Лист бумаги следует располагать в соответствии с характером группировки предметов, о чем уже неоднократно упоминалось. Размещая группу предметов на плоскости листа бумаги, одновременно следует верно определить композиционный и зрительный центры. Как показывает практика, в большинстве случаев студенты при решении композиционной задачи недостаточно уделяют этому внимания, из-за чего эти два центра чрезмерно отдаляются друг от друга, нарушая тем самым композиционную целостность изображения.

Следует отметить, что в действительности зрительный центр не всегда совпадает с композиционным. Это во многом зависит от характера объекта изображения. Под зрительным центром следует понимать центр картинной плоскости, его зрительную пирамиду, а под композиционным — какой-либо основной главный предмет, вокруг которого располагаются второстепенные или вспомогательные предметы (рис.84). В зависимости от характера объекта изображения композиционный и зрительный центры должны быть либо на незначительном расстоянии друг от друга, либо совмещаться.

Это дает возможность в изображении подчинить второстепенные детали главному предмету и тем самым придать изображению композиционную целостность. Для решения данной задачи в изображении необходимо правильно выбрать точку зрения пространственных положений предметов относительно друг друга, так как при разных точках зрения главный предмет будет перемещаться относительно близлежащих то вправо, то влево или окажется по их центру. Для оптимального решения композиционной задачи в изображении следует для начала внимательно рассмотреть натурную постановку с разных сторон, а не довольствоваться случайно выбранным «свободным местом» для его изображения. Выбрав для себя определенную точку зрения (место), следует подумать о ракурсе (линии горизонта). Поверхность стола, на которой располагаются предметы постановки, должна хорошо просматриваться, так как она входит в компоновку, а изображенные предметы должны вызывать ощущение устойчивости.

При соблюдении всех этих условий в самой постановке предметов и их изображении натюрморт получает наибольшую выразительность, а студенты легче улавливают характерные особенности предметов. Этим значительно облегчается решение учебной задачи.

Рисование натюрморта дает возможность студентам творчески использовать ранее полученные знания правил перспективы, навыки конструктивного построения предметов на плоскости, приобретенные умения выявлять объемные формы светотенью и передавать фактуру предметов. Изображение натюрморта во многом усложняет необходимость передачи пространственной среды фона тоном. Это является важным условием увязки предметов между собой на общем фоне и приведения рисунка к тоновой, композиционной целостности и гармоническому единству.

Приступая к изображению натюрморта, необходимо строго соблюдать методический принцип последовательности ведения рисунка (от общего к частному и от частного к общему), без чего трудно понять основной смысл изображения. Нарушение этого принципа в работе над рисунком значительно усложняет усвоение учебного материала, поэтому студентам весьма важно закреплять отдельные этапы. По мере усвоения учебного материала по изображению простых натюрмортов и постепенного усложнения задач можно будет переходить к более сложным натюрмортам, с включением в них драпировок.

В заключение напоминаем, что основные приемы и правила перспективного построения, пропорций, законов светотени и тоновых отношений, задачи и процесс самого изображения остаются прежними, как и в предыдущих заданиях по изображению группы предметов, состоящих из простых геометрических тел.

Рассмотрим стадии рисунка натюрморта из нескольких предметов с драпировками.

Одно из важных качеств, которые хорошо развивать, рисуя натюрморты — это умение передавать общую тональную ситуацию.

Изначально, нам относительно легко сравнивать отношения в тоне (что темнее, а что светлее) внутри отдельно взятых кусочков. Нужно же развивать умение абстрагироваться от деталей (временно не обращать на них внимания) и видеть общую ситуацию в тоне.

Этому сильно помогает расфокусированный взгляд.

Если посмотреть на натуру расфокусированно, мелкие детали нам становятся просто не видны.

Зато мы приобретаем способность видеть общие тональные массы — массы светлых и темных пятен.

Итак, подобный способ смотреть на натуру очень помогает видеть главные тональные отношения. Для того, чтобы увидеть натуру таким способом, нужно направить взгляд далеко-далеко — глаза сфокусируются для дали и натура станет нечеткой.

Интересно: в фехтовальных школах Дальнего Востока, существует термин «взгляд как на далекие горы». Таким способом рекомендуется смотреть на противника во время поединка, для того, чтобы видеть одновременно всю ситуацию целиком. Подобный же способ зрения рекомендуют опытные водители — глядя вдаль, мы одновременно видим все происходящее перед нами. Мы можем констатировать, что в столь разных на первый взгляд областях, ошибкой является одно и то же — привязанность взгляда к деталям, не видение ситуации в целом. И если в поединке или за рулем ценой ошибки может стать жизнь, то в учебном рисунке — дробный, рассыпающийся на куски рисунок и запутанные, неадекватно (где темнее, а где — светлее) переданные тональные отношения.

Перед началом работы сделаем эскиз композиции. Обратите внимание — эскиз делается в тоне, ведь готовая работа у нас будет в тоне. Иначе, даже самая идеальная композиция, если она только в линиях, может оказаться неудачной и неуравновешенной к концу создания большой работы.

Желательно, чтобы наша работа над композицией будущего рисунка не ограничилась просто перерисовыванием того, что мы видим и обведением рамочкой. Желательно также, чтобы работа не ограничилась только поиском равновесия (чтобы не перевешивал ни левый, ни правый край). Это было бы задачей минимум, но по-хорошему, этого мало.

Более осознанная работа над композицией предусматривает поиск ритмического решения, какого-либо композиционного хода, «музыки» пятен и линий в рамках нашего листа.

Попросту говоря, объекты, попадающие в лист взаимодействуют, «разговаривают» друг с другом, при помощи своего расположения, при помощи ритмов, образованных их краями, линиями, направлениями и формой своих пятен, все вместе, они выстраиваются в более крупные линии и направления, и от нас зависит, увидеть это взаимодействие и подчеркнуть в своей работе или не увидеть.

На основе эскиза размечаем композицию на листе. При этом следует остерегаться «уплывания» композиции — когда мы невнимательно смотрим на эскиз и в итоге переносим композицию весьма приблизительно, теряя найденные тонкости, не говоря уже о равновесии. При этом часто происходит как бы «приближение камеры к объекту», когда все предметы в листе оказываются крупнее, а свободного пространства вокруг остается наоборот, меньше.

Начинающий художник в эти моменты часто не осознает, что хорошо найденная на эскизе (в маленьком размере, где все легче оценить) композиция, намного ценнее, чем кое-как накиданное на большом листе, зачастую не отходя на расстояние, то есть не имея возможности увидеть лист в целом.

Поэтому на первых порах разумнее внимательно переносить композицию с эскиза. Потом, когда художник приобретает больший опыт, ему становится легче охватить своим вниманием весь лист целиком и переносить с эскиза уже не механически, а стараясь перенести и приумножить ценные качества , заложенные в эскизе.

При переносе композиции с эскиза удобнее вначале перенести заметные, «опорные» точки по всему листу (наиболее выдающиеся края предметов, драпировок, стола и т.д.). Лучше всего, намечать их на глаз, и затем проверять себя измерениями. Сначала можно найти расположение 1-2 точек расположенных ближе к центру, затем еще несколько между центром и периферией. Можно сказать, что верно взяв эти точки мы сразу же делаемся хозяевами ситуации — общая композиция уже у нас под контролем.

Принципиально, что мы накидываем их расположение сразу по всему листу, это дает нам возможность сразу видеть как происходит перенос композиции в целом.

На основании таких заметных точек, мы накидываем общие очертания всех предметов.

Принципиально, что мы ничего не прорисовываем, а только накидываем, размечаем по всему листу.

Затем сравниваем с эскизом, насколько верно мы перенесли композицию. При необходимости что-то двигаем, переносим, снова сравниваем.

Такой порядок работы наиболее удобен для переноса композиции с эскиза.

Бывает, что начинающий рисовальщик начинает перенос композиции с эскиза «от куска» — вначале рисуя один предмет, затем пририсовывая к нему другой и т.д. пока весь лист не заполняется. Такой подход наименее разумен, т.к. практически полностью исключает видение художником композиции в целом — того качества, которое как раз и помогает развивать данный этап работы. Ценен ведь не столько сам учебный рисунок, сколько те качества, которые мы развиваем, работая над заданием. И, конечно при таком способе работы композиция всегда переносится неверно.

Вывод: начинаем одновременно по всему листу!

Убедившись, что композиция на листе нас устраивает, начинаем уточнять наиболее основные пропорции и характер формы предметов и драпировок. Затем вводим элементы построения.

При этом мы также стараемся действовать по всей работе, не зависая надолго ни на одном участке.

Эскиз желательно держать рядом, периодически охватывая взглядом работу целиком и спрашивая себя — нравится ли общая композиция, как смотрится работа в целом?

По мере того, как с пропорциями, характером формы и построением основных предметов мы более-менее разобрались, полезно вводить легкую светотень по всей работе.

Но вводя светотень нужно не забывать окончательно уточнять рисунок отдельных элементов.

То есть, это этап — не просто работа тоном, когда об уточнении рисунка можно забыть, а именно, дальнейшее уточнение рисунка одновременно с раскрытием листа в легкой светотени.

Почему такой подход удобен — потому, что в жизни мы видим натуру не столько в линиях, сколько в пятнах — натура не состоит из набора линий, мы видим ее в тоне. Соответственно, пока мы строим работу в линиях, несмотря на все наши усилия схватить рисунок точно, мы не имеем возможности удобно сравнить — картину, состоящую из пятен мы мысленно переводим в линии и так стараемся взять расположение этих линий наиболее точно.

Раскрывая же в тоне, мы можем наконец сравнить пятна с пятнами и как правило на этом этапе могут стать видны ошибки о которых мы не подозревали. Править же намного удобнее пока светотень легкая — она легко стирается, правится ластиком. Поэтому не стоит сильно темнить отдельно взятые кусочки, лучше вначале раскрывать в легких тонах весь натюрморт, продолжая сравнивать общую картину и уточнять абрис отдельных элементов.

Раскрывая в легком тоне весь лист, мы и на натуру «смотрим» как бы в легком тоне — представляя себе на этом этапе все тональные соотношения в натуре (что темнее/что светлее) равномерно высветленными.

Этому также способствует расфокусированный взгляд — ведь конкретные детали только мешают сравнивать общую тональную ситуацию.

На основе увиденного, мы понемногу набираем тональность по всей работе, постоянно сравнивая, что темней, а что — светлей.

И на саму работу также периодически глядя расфокусированно.

Беря общую тональную ситуацию из жизни, желательно передний план делать немного контрастнее, а дальний план наоборот — немного легче, мягче. Таким образом мы вводим в нашу работу воздушную перспективу.

Воздушная перспектива дает нам возможность убедительнее передать пространство. В реальной жизни мы видим двумя глазами две немного отличные картинки, которые совмещаются в сознании, давая нам представлении об объеме и пространстве. Это называется «бинокулярным зрением». Но наш лист — плоский и у нас нет возможности смотреть на предметы в листе одним глазом немного слева, другим — немного справа. Поэтому мы привносим в наши рисунки то, что в обычной жизни мы можем видеть на больших расстояниях, там где бинокулярное зрение как раз уже и не действует. Ведь в повседневной жизни мы предметы, которые находятся далеко от нас, действительно видим более мягко, менее резко, вследствие ограниченности нашего зрения, а также за счет толщины воздуха.

Воздушная перспектива проявляется также и в деталях — прорабатывая детали на дальнем плане, мы не позволяем им быть слишком резкими, чтобы они не вылезли вперед и не разрушили нам пространство. детали же на переднем плане делаем чуть порезче, чтобы они и воспринимались ближе.

В целом же, лучше слишком детализацией не увлекаться, лучше еще раз сравнить тональные отношения и на этом закончить работу.

Если у Вас возникают вопросы или пожелания, наш электронный адрес — Этот адрес электронной почты защищён от спам-ботов. У вас должен быть включен JavaScript для просмотра.

Олег Торопыгин

Методика представлена на Всемирный конкурс рисунков и методик ART LESSON
Верным признаком дара учительства служат: искренняя любовь к детям, любовь к учительскому труду, и особенно радость и духовное наслаждение, которые испытывает учитель в своей деятельности. Игумен Георгий (Шестун)(1)

Преподаю предметы «рисунок», «живопись», «композиция станковая» по программе «Академические основы изобразительной грамоты» и предмет «Основы изобразительной грамоты» по программе «Старт» с 2002 года. За годы работы в художественной школе и школе искусств я убедилась в правоте кандидата педагогических наук Евладовой Е. Б.,которая через анализ особенностей дополнительного образования детей, его функций и ценностей сделала вывод, что наша сфера является наиболее благоприятной для развития духовно-нравственного воспитания школьников. Об этом весьма убедительно говорится и в работах Бруднова А.К.: «Дополнительному образованию принадлежит социально-историческая миссия воссоединения и сотрудничества светского и духовного образования детей… , в сложившейся ситуации дополнительное образование располагает значительно большими возможностями, так как ориентировано на самоопределение личности, свободный выбор самих детей, их интересы». Дополнительное образование детей строится на принципах гуманистической педагогики, впитавшей в себя многие ценности христианской антропологии. Философы, педагоги и психологи, стоявшие у истоков этого учения (К.Д.Ушинский, В.В.Зеньковский, С.И.Гессен), утверждали право ребенка идти своим путем, иметь свои вкусы и интересы, а от педагога требовали относиться к своему воспитаннику с уважением, ценить его внутренний мир и право на свободу выбора, поскольку «все подлинное в человеке может быть только свободным, идущим изнутри».(3)
Я думаю, что в работе художника-педагога в рамках дополнительного образования несомненными плюсами является возможность творческого сотрудничества руководителя и учеников, организация сотворчества обучающихся, что влияет на развитие общения и взаимоотношения детей, возможность неразрывности обучения и воспитания в процессе обучения, сплочение и единодушие классного коллектива по интересам. Считаю особенной и очень непростой роль настоящего учителя и классного руководителя в формировании общечеловеческих ценностей у учащихся.
С Юлией Поповой мы знакомы с 7 лет, в таком возрасте она пришла учиться на художественное отделение по программе «Старт». Девочка сразу проявила себя, как вдумчивый, серьезный, внимательный и трудолюбивый художник. В первом классе на среднем звене в 11 лет Юля написала достойную работу по карело-финскому поэтическому эпосу — дева воздуха качает в колыбели огонь Укко. Рисунок прошел республиканский отбор в рамках международного проекта «Калевала XXI век» и участвовал в выставке детского творчества в Санкт-Петербурге в 2014 году. Работы Юли постоянные участники различных выставок и конкурсов всех уровней и это возможно только благодаря Юлиному трудолюбию и терпению. Активную творческую позицию ученица проявляет и во внеурочной, внешкольной деятельности: это и пленэрные выезды в Троице-Стефано-Ульяновский монастырь, в село Ыб, Ростов Великий. И участие в новогодней кукольной постановке для младших групп «Снежная королева», участие в показе коллекции костюмов на открытии Республиканской молодежной выставки народного художественного творчества «Зарни кияс» в национальном музее Республики Коми; рисование на мастер-классе преподавателя школы С.Андрияки в Национальной галерее РК, показ этнокостюмов в рамках Финноугорского транзита в Драмтеатре им.Савина.


Тема: «Тональный рисунок натюрморта».
Задание рассчитано на 9 академических часов.
Предметы в натюрморте подобраны по деревенской стилистике.
Освещение верхнее, боковое. Материал — графитные карандаши различной мягкости, ластик, клячка.
Цель: знакомство с последовательностью ведения тонального натюрморта с натуры в графике.
Задачи:
формировать умение последовательной работы над графическим натюрмортом с натуры;
закрепление знаний, умений, навыков в линейно-конструктивной работе над натюрмортом;
изучение выразительных возможностей графического материала;
формирование у учеников навыков владения материалом при выполнении штриховки;
развивать навыки рисования от общего к частному;
развивать способность видеть градации светотеневого тона;
развивать художественный вкус, наблюдательность,
развивать творческие способности;
воспитание аккуратности и эстетического вкуса.
Первый год обучения на художественном отделении по предмету «Рисунок» посвящен анализу геометрических форм и линейно-конструктивному рисунку, представленное задание – это первый опыт полного тонального рисунка натюрморта с натуры во втором классе. Юлии Поповой на момент выполнения задания 13 лет.
Особенностью предложенной методики ведения рисунка является подготовительная работа со всем листом одновременно, предварительная плоскостная тональная разработка предметов и пространства натюрморта, что развивает у учащихся цельность видения и наглядно демонстрирует академическое правило ведения работы от «общего к частному».
При выполнении натюрморта должна соблюдаться методическая последовательность работы. Весь ход работы следует разбить на этапы, которые имеют последовательно поставленные задачи.
Фото №1


Композиция. Композиционные поиски группы предметов карандашной линией в различных форматах: горизонтальный, вертикальный, квадрат – выбор наиболее выразительного варианта. Важно скомпоновать группу предметов так, чтобы формат был заполнен равномерно. Выполнение форэскиза в тоне. Юлия выбрала композицию натюрморта в горизонтальном формате.
Фото №2



Линейный рисунок. Начиная работу на основном листе, намечаем общую форму, в которую вписывается силуэт всего натюрморта, уточняем соотношения общих масс предметов и их пропорций. На этом этапе следует прорисовывать как видимые, так и невидимые части предметов. Юле показались сложными предметами в натюрморте лапти и чаша в виде птицы, поэтому больше времени было потрачено на анализ их форм и пропорций.
Фото №3



Плоскостная разработка тональных отношений в натюрморте. Заполнение легким штрихом всего листа – направление штриховки под одним углом, расстояние между штрихами 1-2 мм, степень нажатия на карандаш одинаковая. Карандаш НВ. Юля старалась справиться с задачами на этом этапе, но как не удивительно, ученики чаще всего именно на тонировании всего листа штрихом испытывают дискомфорт.
Фото №4



Плоскостная разработка тональных отношений в натюрморте. Второй слой штриха по предметам, которые темнее светло-серого фона. Штриховка выполняется с одинаковой степенью нажатия, направление одинаковое. Карандаш НВ. На данном этапе работы ученикам даются рекомендации, как не запачкать графитом рисунок: необходимо минимально касаться рукой поверхности листа, используя опорой мизинец или подкладывать небольшой лист под ребро ладони. Юле штрих на небольших участках формата удается лучше, эта часть работы выполняется аккуратно, направление и промежутки штриха получаются одинаковыми.
Фото №5


Плоскостная разработка тональных отношений в натюрморте. Третий слой штриховки по самым темным предметам и темной драпировке. Направление штриха можно изменить на несколько градусов, степень нажатия одинаковая, карандаш В.
Фото №6



Работа с падающими тенями. Юля наметила тени сначала линейно – нашла местоположение каждой, заштриховала плоско, сравнивая тени в натюрморте по тону, затем усложнила каждую падающую тень градациями, которые появляются по мере попадания на разные поверхности, меняются в соотношении с источником света. После проведения работы с падающими тенями в рисунке появилась иллюзия пространства.
Фото №7



Работа над передачей объема. Определив основные тональные отношения, приступаем к дальнейшей лепке формы предметов тоном. Начинаем работу с самого темного предмета. В процессе работы над рисунком натюрморта для достижения цельности необходимо постоянно сравнивать предметы друг с другом, соблюдать тональные отношения между предметами и фоном. На данном этапе используем знания о закономерностях светотеневых градаций. Юлия проанализировала и тонкими линиями наметила границы светотеневых переходов на предметах, выявляя их форму. Мы отметили, что источник света находится не только сбоку, но и сверху, поэтому все горизонтально расположенные плоскости светлее вертикальных плоскостей.
Фото №8



Работа над передачей объема и материальности предметов: керамика матовая, дерево, береста плетеная. В процессе этой работы необходимо выявить не только объем, но и разность фактур. Например, нельзя изображать поверхность кувшина и лаптей, используя один и тот же технический прием. В первом случае штрих должен быть более четким и сплавленным, во втором — более свободным, фактурным. Во втором классе, предваряя тональный натюрморт, мы выполняем творческое упражнение по рисунку на передачу фактур разных поверхностей. Поэтому Юлия не растерялась и смогла использовать выразительные особенности графического материала.
Фото №9



Обобщение и детализация.
Последовательность рисования натюрморта «основана на принципах академической школы: от общего к частному и опять к общему. На завершающем этапе, когда рисунок в основном закончен, обобщаем все его части. Сравнивая рисунок с натурой, необходимо добиться цельности и выразительности, обобщая второстепенные детали и дальний план. Предметы на первом плане требуют тщательной прорисовки. При проработке деталей может проявиться дробность в изображении, поэтому на этапе завершения работы, мы вывешиваем рисунок на стену в классе на уровне глаз и, отойдя на 2 метра, проверяем изображение — отмечаем достоинства и недостатки. За время тональной работы затерлись веревочки в самих лаптях, их необходимо высветлить; не хватает контраста рядом с головой чаши –птицы; необходимо еще раз пройти штриховкой части натюрморта, удаленные от света. Проводится работа по исправлению недостатков, рисунок проверяется с удаленного расстояния.
В учебной программе задания по рисунку расположены по нарастающей степени сложности; соответственно повышаются из года в год и требования к качеству исполнения рисунка. Поэтому педагогически правильным будет считать рисунок оконченным в том случае, если в нем решено основное содержание задания и если исполнение рисунка отвечает требованиям данного класса.
Итак, цель урока была достигнута: Юлия на практике изучила последовательность работы над тональным натюрмортом с натуры в графике, работу можно считать завершенной. Полученные на уроках знания, умения, навыки будут строительными кирпичиками для дальнейшего обучения на художественном отделении и повысят возможности юного художника.
Литература:
1. Игумен Георгий (Шестун) Православная педагогика. Онтологические и историко-теоретические основы педагогики православной цивилизации (издание 4-е) Про-Пресс, Москва. 2010
2. Духовно-нравственное воспитание школьников в системе дополнительного образования. Положение о Всероссийском конкурсе авторских образовательных программ по истории и культуре для дополнительного образования детей и молодежи./ Внешкольник,1999,№3 Евладова Е.Б.к.п.н, доцент, зав. лаб.дополнительного образования ИОО МО РФ.
3. Зеньковский. Проблемы воспитания в свете христианской антропологии. М., 1993, с. 29

Три простых совета, которые помогут выделить вашу натюрмортную фотографию

Поначалу обычно думают, что фотография натюрморта — это просто и легко. Но вы быстро поймете, что правильная компоновка и компоновка объектов имеет решающее значение для превращения изображения из посредственного в великолепное. Вот несколько простых советов, которым вы можете следовать.

Фотограф Эд Вероски (Ed Verosky) быстро и легко объяснил, как подходить к настольной фотографии натюрморта в видео выше.Но эти советы можно применить к широкому спектру жанров, включая пейзаж, еду, портрет и т. Д. Натюрморт поначалу может показаться несколько сложным, но его легче освоить, если вы будете следовать этим рекомендациям по композиции.

Правило третей

Это не была бы статья о композиции, если бы она не начиналась с верного Правила третей. Это фотография 101, но о ней всегда приятно помнить, даже если вы самый продвинутый фотограф.

Правило третей — это четырехстрочная направляющая, которая делит изображение на девять квадратов, которые определяют рекомендуемые области для размещения объекта на изображении.Все четыре пересечения представляют собой отличную область для размещения вашего объекта в вашей окончательной композиции.

Основа правила третей уводит фотографа от необходимости всегда центрировать фокус или объект на конечном изображении. Это побуждает фотографа поместить объект в небольшую правую или левую сторону изображения, в результате чего получается более естественная и привлекательная композиция, как на изображении выше.

Г-образная конструкция

Если немного углубиться в то, как добавить аромат в ваши композиции, мы рассмотрим L-образную структуру.Вероски называет это одним из почти «надежных» способов создания неподвижной композиции. Это делается путем размещения высокого объекта вдоль одной стороны пересечения Правила третей, в то время как поддерживающие объекты размещаются вдоль основания (см. Ниже). Объекты, составляющие основу, в большинстве случаев будут располагаться по нижней горизонтальной линии.

Правило шансов

Моя любимая композиция — «Правило шансов». Эта композиция в некотором смысле как бы нарушает правила, но все же имеет чувство баланса и применяется к Правилу третей.Это отличная композиция для ситуаций, когда ваши натюрморты собираются группами. Это правило показывает, что нечетное количество элементов лучше, чем четное (см. Ниже).

Verosky предполагает, что это правило композиции помогает избежать потенциальной тусклости симметрии, при этом добавляя баланса к окончательному изображению. Сохраняя асимметричность, изображение выделяется и становится интригующим.

Другие мысли и соображения

Verosky подчеркивает, что по мере того, как вы разрабатываете и практикуете эти принципы, композиции становятся менее осознанными и более привычными, позволяя фотографу выразить себя и больше сосредоточиться на том, что изображено на изображении, и на его общем тоне.

Всегда хорошо помнить, что это всего лишь рекомендации, и их можно нарушать. Вам, как фотографу и создателю, дается лицензия, чтобы почувствовать изображение и применить свой вкус.

Учебник по рисованию натюрморта — rachelshirleypaintings

Умение составить натюрморт жизненно важно для успешной масляной живописи. Например, цветочные произведения искусства и изображение еды могут быть испорчены несбалансированностью предметов и, следовательно, композиции.Так как же художник оформляет натюрморт?

Создание натюрморта

Некоторые великие художники, такие как Шарден, тратили много часов на тщательную компоновку предметов, прежде чем рисовать их. Многие считают, что композиционный аспект натюрморта не менее важен, чем сама картина.

Советы по созданию натюрморта

Для новичка установка натюрморта может быть сложной задачей.Несколько рекомендаций могут помочь.

  • Не исключайте самые обычные предметы для натюрморта. Часто самые обычные предметы, такие как банка кока-колы или даже ложка, под определенными углами и условиями освещения приобретают интересные аспекты.

  • Поместите два контрастных объекта рядом друг с другом. Металлическая кружка рядом с розой, например, предлагает интересные контрасты фактур.

  • Поместите два контрастных цвета рядом друг с другом.Например, сопоставление желтого и фиолетового объектов создаст точку фокусировки.

  • Обратите внимание на освещение. Попробуйте переместить объекты по отношению к источнику света, чтобы увидеть, как тени объединяются и как это может выявить текстуры объектов.

  • Опять же, тени часто упускают из виду, но на самом деле они являются частью композиции и могут казаться такими же твердыми, как и сами объекты. На это стоит обратить не меньшее внимание.

  • Фон также легко не заметить.Считайте, что фон имеет такое же значение, как и сами объекты. Простота и сдержанность часто бывает эффективна, но экспериментирование даст интересные результаты.

Помните о негативных формах. Отрицательные формы — это форма фоновых областей между объектами.

.

Что такое положительное и отрицательное пространство

Когда дело доходит до создания натюрморта, необходимо учитывать две основные части.

Секрет хорошей композиции натюрморта состоит в том, чтобы уделять одинаковое внимание отрицательному и положительному пространству.

Создание картины

При создании натюрморта следует задать вопрос: не слишком ли много негативного пространства в одной конкретной области или наоборот. Хорошая композиция — это общее распределение отрицательного и положительного пространств по всему сеттингу. Эту мысль иллюстрируют три натюрморта.

Здесь слишком много объектов справа, оставляя слишком много пустого места слева.

На этой картине большие участки композиции пусты, поэтому композиция выглядит плоской.

Предметы на этой картине расположены по порядку, что делает обстановку неестественной.

Как создать натюрморт

Можно дополнительно рассмотреть вопрос о том, выглядит ли настройка естественным образом.Уловки могут быть не очевидны для того, кто потратил много времени на настройку натюрморта. Спросить мнение другого или пересмотреть композицию в другой день может помочь прояснить проблемы.

Иногда идеальный натюрморт может появиться случайно, например, выброшенные игрушки в саду или инструменты на верстаке. Секрет заключается в повышении осведомленности о таких повседневных возможностях для рисования.

15 Основные инструменты для рисования

Определенные виды бумаги лучше всего работают с определенными носителями, поэтому стоит сопоставить чертежный инструмент с опорой.Есть три различных бумажных поверхности.

Шероховатая, как следует из названия, представляет собой бумагу с ямками и сильно текстурированной поверхностью. Лучше всего он подходит для более смелых, выразительных работ с использованием угля, мелков, пастельных карандашей и мягкого графита.

Бумага с очень гладкой поверхностью известна как «горячее прессование» из-за того, что при сушке лист целлюлозы пропускается через горячие стальные валки. Эта бумага лучше всего подходит для работы с пером и тушью, стирки рисунков и тонкой работы карандашом и менее удовлетворительна при использовании с мягко пигментированными инструментами для рисования, такими как уголь и мел.Это связано с тем, что пигментная пыль должна прилипать к текстурированной поверхности.

Бумага со средней текстурой поверхности известна как «холодное прессование» или «НЕ» (то есть не горячее прессование). Бумага из этой группы хорошо сочетается с большинством материалов для рисования и, возможно, является наиболее широко используемым типом бумаги.

Высококачественная бумага, обычно имеющая маркировку «не содержащая кислоты», нейтрализована, чтобы противодействовать кислотности, и не станет коричневой или хрупкой. Картриджная (стандартная чертежная) бумага — это тип бумаги, наиболее часто используемый для рисования.Он может быть белым, кремовым или цветным и доступен в различных весах, размерах и качествах. Бумага для акварели бывает разной плотности и подходит для всех видов рисунков.

Пастельная бумага бывает разных оттенков и имеет «зуб» или зерно, предназначенное для улавливания и удержания крошечных цветных частиц. Одна сторона бумаги обычно текстурирована, это та сторона, на которой рисуют большинство людей, но вы можете использовать и другую сторону, если хотите. Пастельная бумага бывает двух плотностей; более толстая бумага требует более сильного трения и доработки, чем более легкая бумага.

Бумагу можно приобрести в виде отдельных листов или в виде альбомов и блокнотов. Отдельные листы позволяют опробовать несколько различных типов бумаги, их можно разрезать или разорвать по размеру. Однако при рисовании зданий на месте вы найдете бесценным использование альбомов для рисования. Они сделаны из бумаги разной поверхности, цвета и плотности, бывают разных размеров и переплетов как в портретном, так и в альбомном форматах. Карманные книги можно носить с собой куда угодно, но они могут оказаться ограничивающими при работе с более крупными предметами.Большие альбомы для рисования утомительно держать, но они предлагают адаптируемое пространство с возможностью сделать несколько исследований на одной странице.

Знаки и ярлыки на картинах: справочник специалиста

От истории аукционов и выставок и происхождения до заметок художника о том, каким образом «ВВЕРХ», детали, найденные на «оборотной стороне», могут значительно повысить ценность картины.

1.Кто, что, когда … и где

Прежде всего, вам нужно знать, кто нарисовал вашу картину. Художники начали подписывать свои работы примерно в 15 веке, и хотя их подписи чаще всего находятся на лицевой стороне, в последнее время они стали применяться на оборотной стороне.

Специалисты Christie’s могут проверить подписи, просмотрев их в резюмированном каталоге художника, а иногда даже сузить дату написания работы на основе эволюции подписи с течением времени.

Адрес Николсона в Корнуолле был добавлен в левом нижнем углу задней части фотографии

Художник обычно также указывает название или дату.А иногда и больше.

«Помимо подписи, наименования и датировки своих работ на реверсе, британский художник Бен Николсон (1894–1982) часто указывал свой адрес», — говорит Элис Мюррей, специалист по современному британскому и ирландскому искусству Christie. «Это прекрасное дополнение, которое поможет вам рассказать историю, стоящую за произведением искусства».

2. Материалы могут сузить происхождение картины

Художники начали переходить от работы с деревянными панелями к холстам в 15 и 16 веках, потому что это позволяло создавать более крупные картины.Роспись на медных листах также вошла в моду в 17 веке.

Марки и этикетки поставщиков этих материалов могут содержать названия и адреса их предприятий. Списки литературы — например, Справочник поставщиков материалов для американских художников Александра Катлана — можно использовать для их отслеживания и, в свою очередь, сужения того, когда и где была сделана работа.

Реверс масляной живописи XVI века, изображающий бренд Антверпена — пара рук над замком.Знак датируется 1617 годом, когда в новом регламенте, разработанном гильдией столяров Антверпена, говорилось, что «каждый столяр с этого момента обязан штамповать свой знак на сделанных им рамах и панелях под страхом штрафа в размере 3 гульденов»

.

Сравнение даты покупки материалов с датой подписания художником готовой работы может даже дать вам представление о том, сколько времени потребовалось для завершения.

Типы материалов, из которых изготовлена ​​рабочая доска, колыбель или носилки, а также способ их изготовления также меняются со временем и в разных местах.

Мягкая древесина, такая как тополь, использовалась в Италии, а твердая древесина, например, дуб, использовалась в Великобритании и Нидерландах. Еще один ключ к разгадке можно получить из того, как полотно крепится к подрамнику — после 1940-х годов гвозди заменили скобы.

3. Этикетки указывают происхождение и историю выставки

Когда галерея или музей демонстрируют произведение искусства, они часто прикрепляют этикетку к его обратной стороне, в которой указывается имя художника, название картины и, как правило, дата, инвентарный номер и адрес.

«С появлением Интернета стало намного проще исследовать эти этикетки», — объясняет Вероника Скарпати, специалист по импрессионистам и современному искусству. «Например, еще в 1929 году Музей современного искусства оцифровал все свои каталоги выставок, пресс-релизы и списки кредиторов».

Оборотная сторона картины Пьетро с трафаретами, наклейками и этикетками, в том числе лондонского дилера Thomas Agnew & Sons и нью-йоркской галереи Wildenstein & Co.

К другим ключевым игрокам, на которых следует обратить внимание, относятся такие учреждения, как Королевская академия или Музей искусств Метрополитен, а также такие дилеры, как Ричард Грин, The Fine Art Society или Wildenstein & Co., как показано в правом верхнем углу на оборотной стороне картины. показано выше.

Другие лейблы, на которых записано путешествие картины, могут поступать от консерваторов, таможни и пограничного контроля, или даже от несуществующих бюрократических механизмов, таких как нацистская палата культуры, которая нанесла свой логотип с двуглавым орлом на обратной стороне украденного произведения искусства.

4. Надписи также могут рассказать историю

Частные коллекционеры на протяжении всей истории добавляли свои имена на обороте работы. Например, король Англии Карл I (1600–1649) заклеймил свои инициалы «CR», увенчанные короной, на реверсе произведений из своей королевской коллекции.

Ивон Хитченс (1893-1979), Холмы и темное небо: дождь над холмами .Масло на холсте. 12½ x 18½ дюймов (31,7 x 47 см). Продан за 32 500 фунтов стерлингов 23 января 2020 года на Christie’s в Лондоне. Работа: © Поместье Ивона Хитченса. Все права защищены, DACS 2020

Рукописное происхождение Аллена Фрира находится на дне носилок для Hills и Darkening Sky

«На обратной стороне этого пейзажа [вверху] Ивона Хитченса (1893–1979) есть печать его жены Молли, а также более поздняя рукописная записка, помещающая ее в коллекцию Аллена и Берил Фрир», — поясняет Элис Мюррей.

На оборотной стороне картины Конки есть написанная от руки надпись, указывающая, что она была подарком некоему Д.Доменико Гуастаферро

В 2019 году Christie’s продал картину [вверху] Себастьяно Конка (1680-1764), которая содержит старую рукописную заметку, в которой описаны ее название, дата и тот факт, что это был bozzetto — или набросок — для живописи, а также предоставляет сведения о происхождении — что он был подарен некоему Д. Доменико Гуастаферро в июле 1748 года.

Если вы решите добавить опору к обратной стороне вашей картины, возможно, стоит использовать Perspex, чтобы этикетки оставались видимыми, или попросить консерватора бумаги аккуратно перенести их на новую доску.

5. Инвентарные номера показывают историю аукциона работы

С начала 19 века Christie’s маркирует обратную сторону фотографий инвентарным номером. Первоначально эти числа были нанесены по трафарету черными чернилами, в то время как другие аукционные дома использовали мел. (Сегодня вместо цифр, нанесенных по трафарету на оборотной стороне изображений, чаще применяется наклейка со штрих-кодом.)

«Эти числа соответствуют записям, которые говорят нам, когда и где что-то было продано, а иногда и кто это продал и какая цена была заплачена», — объясняет библиотекарь и архивист Christie’s Линда Маклауд.«Архив Christie’s в Лондоне содержит подробную информацию о большинстве продаж, проведенных за 254 года существования аукционного дома».

«При каталогизации картин эти трафареты позволяют нам не только собрать воедино происхождение, но и увидеть, приписывались ли работы разным художникам в прошлом», — добавляет Оливия Гош, каталогизатор отдела старых мастеров Christie’s.

Реверс картины Рембрандта «Человек с мечом » с изображением его аукционных трафаретов, а в центре — этикетка выставки Амстердама 1898 года

В 2013 году Christie’s продал портрет Рембрандта (1606–1669) и его студии, на оборотной стороне которого был нанесен трафарет «272ER».«Это указывало на то, что в 1928 году на Christie’s состоялся аукцион коллекции, принадлежащей сэру Джорджу Линдси Холфорду, — объясняет Гош.

«Отсюда мы проследили происхождение картины до его отца, Роберта Стейнера Холфорда, который был основателем Burlington Fine Arts Club и владел тремя другими Рембрандтами, которые теперь находятся в музеях. Знание этих деталей может повысить ценность картины ».

6. Если покраска была облицована, возможно, ремонтные работы проводились

Если тыльная сторона холста имеет следы клея по краям или кажется толстой и новой, картина могла быть облицована.Это относится к процессу прикрепления дополнительного слоя холста к исходной поверхности для устранения дыр и разрывов и стабилизации картины.

«Подкладка холста была и остается обычной практикой для картин старых мастеров», — говорит Гош. «Раньше это часто выполнялось тяжелой рукой, но теперь это можно сделать, не повредив поверхность краски».

Ф.СиБи Каделл оставил на обратной стороне своих работ четкие инструкции о том, как за ними ухаживать в будущем

‘Шотландский колорист F.C.B. Каделл (1883-1937) оставил четкие инструкции относительно того, как поддерживать состояние своих работ на их оборотной стороне, — говорит Алиса Мюррей. «На обратной стороне проспекта , Auchnacraig [вверху] есть слова« Впитывающий грунт / НИКОГДА не покрывайте лаком », потому что Каделл считал, что меловое качество его поверхности краски имеет первостепенное значение.’

7. Деформированные носилки могут свидетельствовать о том, что их подвесили во влажных условиях.

Серьезные трещины на изделии могут указывать на то, что его повесили в жарком и сухом месте, например, над камином, а покоробленные носилки могут указывать на то, что он жил в ванной. «И то и другое не рекомендуется», — утверждает Гош.

Оборотная сторона картины Дибенкорна помогает понять, в каком направлении ее следует повесить.

Не решаясь даже указать, где их следует повесить, некоторые художники, такие как Ричард Дибенкорн (1922–1993), услужливо оставляют заметки, указывающие на их правильную ориентацию.На обратной стороне работы выше Дибенкорн написал карандашом «TOP» со стрелкой, направленной вверх.

Зарегистрируйтесь сегодня

Интернет-журнал предоставляет лучшие функции, видео и аукционы
новостей на ваш почтовый ящик каждую неделю

Подписывайся

8.В редких случаях на оборотной стороне картины можно увидеть даже другое произведение искусства

Время от времени на оборотной стороне картины можно обнаружить что-то, что может сравниться по важности с произведением искусства на лицевой стороне, например, рукописную заметку художника или даже вторую картину.

«Исторически материалы были дорогими, поэтому бедные художники, как известно, пробовали разные композиции на одних и тех же подставках», — объясняет Гош.

На заднем плане сцены с птицами на ферме Писсарро 1878 года — совершенно другая работа, изображающая двух женщин, стирающих белье.

Вероника Скарпати приводит пример.«В феврале этого года Christie’s продал работу Камиля Писсарро (1830–1903), у которой была вторая, подписанная Писсарро, на реверсе», — поясняет она.

‘Художественные мастера Christie’s установили его на изготовленной на заказ подставке, чтобы обе стороны были видны во время предварительного просмотра аукциона. Если бы он висел на стене, никто бы не догадался, что скрывается за спиной ».

10 лучших советов по созданию лучшего художественного портфолио

Вы решили серьезно отнестись к художественной школе.Но прежде чем вы сможете подготовиться к увлекательному путешествию, которое отточит ваши навыки и подтолкнет к достижению того, о чем вы никогда не думали, вам нужно сделать первый важный шаг в процессе поступления: создать свое портфолио.

Изучив бесчисленное количество портфолио студентов, мы хотели предложить несколько советов по составлению вашего портфолио. Этот совет поможет вам создать портфолио, которое продемонстрирует ваши технические, творческие и концептуальные способности и выделит вас среди других кандидатов.

1. Внимательно ознакомьтесь с критериями

В каждой школе есть свой набор требований к портфолио. Внимательно изучите, что каждая школа, в которую вы подаете заявление, требует от абитуриентов — сколько предметов, какой формат, срок и т. Д. Убедитесь, что ваше портфолио соответствует всем требованиям.

2. Эффективно систематизируйте примеры

То, как вы расставляете различные части своего портфолио, влияет на ваши навыки презентации и мыслительный процесс. Если вы внимательно относитесь к порядку, в котором представлена ​​ваша работа, консультанты по приемной комиссии смогут лучше понять повествование о вашей работе и сосредоточиться на вашем наборе навыков.

3. Пишите четкие и лаконичные этикетки

Большинство художественных школ хотят получить некоторую базовую информацию о выбранных вами материалах. Название, дата и описание носителя являются стандартными. Если требуется дополнительная информация, уточните, но не чрезмерно.

4. Будьте готовы обсудить каждую часть

Будь то во время собеседования, презентации портфолио или даже по электронной почте, вам, возможно, придется отвечать на вопросы или объяснять части своей работы. Вам не нужно запоминать детали каждого выделения, но не помешает еще раз вернуться к работам и запомнить процесс их создания.Это особенно важно, если вы включаете работы, написанные много лет назад.

5. Рассказывайте истории

Демонстрация ваших технических способностей очень важна, но вы также должны включить в свое портфолио работы, которые демонстрируют ваши навыки повествования. Подумайте о более глубоком значении каждого примера. Еще лучше, если вы можете связать это значение с конкретным опытом или уникальным атрибутом, который отличает вас от других кандидатов.

6. Не зацикливайтесь на количестве

. Если вы в целом соответствуете минимальным требованиям, указанным в школьной заявке, вам не следует слишком беспокоиться о том, сколько работ находится в вашем портфолио.Больше деталей может помочь, но не за счет ваших стандартов качества.

7. Получите совет со стороны

Создание художественного портфолио заставляет вас много думать о своей работе. Легко запутаться в своем восприятии и позволить ему затуманить ваше суждение. Обращение за советом и мнением о вашей работе к надежному консультанту расширит ваши взгляды и поможет вам увидеть свое портфолио в новом свете. Посещение Национального дня портфолио в вашем районе — отличный способ получить информацию о своем портфолио.

8. Продемонстрируйте свои технические способности

Технические навыки — это то, что позволяет художнику передать сообщение или значение произведения. Они также дают консультантам по приемной комиссии представление о вашем потенциале. Художественные школы понимают, что молодые ученики все еще должны расти и учиться, но они также хотят видеть базовый уровень техники, который можно развивать в школе.

9. Не выбирайте клише

Ваше портфолио должно включать в себя работы, которые художественные школы не увидят от каждого другого абитуриента.Один из видов работ, которые мы часто видим в портфолио, — это портреты натюрморта: хотя изображения фруктов или цветов могут демонстрировать технические способности, они вряд ли расскажут историю или имеют «концепцию». Вы должны включить их, просто включите вместе с ними еще несколько примеров.

10. Покажите, как вы хотели бы развиваться.

Художественные школы знают, что даже наиболее квалифицированным кандидатам еще предстоит многому научиться, и они ценят будущих студентов, у которых есть чувство направления. Это не обязательно, но если есть области, в которых вы хотели бы направить свою будущую художественную карьеру — например, анимация или графический дизайн — включите эти виды работ в свое портфолио.Если возможно, объясните эти основные направления и почему вы их выбрали.

Ваше портфолио показывает художественным школам, что вы творческий, разносторонний, технически способный художник. Если вы не торопитесь, внимательно редактируете и ищете помощи извне, вы можете составить замечательное портфолио, которое продемонстрирует ваши способности и поможет вам попасть в художественную школу своей мечты.

История техники светотени и ее самостоятельное использование

Фото: Stock Photos from kvasilev / Shutterstock

Если вы когда-либо гуляли по художественному музею и наблюдали работы мастеров эпохи Возрождения и барокко, вы, вероятно, трепетали перед их впечатляющим стилем.Художники, такие как Rembrandt и Caravaggio , рисовали с использованием техники chiaroscuro , которая представляет собой метод, который использует тени и один источник света для создания глубины и драматизма. Например, натюрморты были написаны в темных комнатах, освещенных одним окном, а лица на портретах освещались золотым светом при свечах.

Этот стиль может показаться устаревшим по сравнению с ярким современным искусством, которое мы часто видим сегодня; Однако многие современные художники обращаются к старым мастерам как к вдохновению для создания собственных атмосферных произведений искусства и фотографий в стиле светотени.

Что такое светотень?

«Натюрморт с фруктами» Караваджо, около 1603 г. (Фото: Wikimedia Commons [Public Domain])

Термин «светотень» происходит от итальянских слов chiaro (что означает «чистый» или «яркий») и oscuro ( означает «неясный» или «темный»). Техника фокусируется на тенях и единственном источнике света для достижения фотореалистичной глубины и тона. Художники эпохи раннего барокко, в основном используемые для написания масляных картин, продемонстрировали, насколько поразительным может быть этот метод, поэтому многие художники сегодня продолжают применять технику светотени, несмотря на то, насколько сложно и требует много времени.

История кьяроскуро

«Богоматерь с младенцем, святой Анной и Иоанном Крестителем» Леонардо да Винчи, между 1499 и 1500 гг. (Фото: Wikimedia Commons [Public Domain])

Термин светотень стал широко известен в эпоху барокко благодаря таким художникам, как Караваджо. и Рембрандт, но на самом деле этот стиль восходит к 5 веку в Древней Греции. Греческий художник, известный как Аполлодор Скиаграфос, рисовал штрихованные тени, чтобы создать трехмерную глубину.Хотя ни одно из его произведений не сохранилось, техника скиаграфия (или «рисование теней») вдохновила будущее поколение художников.

В 15-16 веках мастера эпохи Возрождения начали попытки улучшить более ранние техники затенения. Одним из художников, который перенял стиль светотени, был Леонардо да Винчи . Начав с темной коричневой бумаги, он добился размеров своих рисунков, переходя от темных тонов к светлым. Он использовал уголь или черный мел для рисования своих предметов, а затем создал иллюзию теней и света, постепенно наращивая более светлые слои мела.В завершение да Винчи часто добавлял блики белой гуашью или мелом.

«Портрет фра Антонио Мартелли» Караваджо, около 1608 г. (Фото: Wikimedia Commons [Public Domain])

Стиль эпохи Возрождения должен был проливать мягкий свет на предметы для создания безмятежных сцен. Однако художники периода барокко разработали стиль светотени, используя резкий свет для создания драматизма и интенсивности, а также масляную краску для смешивания и создания постепенных тонов цвета. Возможно, самым известным художником кьяроскуро является итальянский художник 17-го века Микеланджело Меризи да Караваджо .Он часто затемнял большие участки фона в своих сценах и ярко освещал объекты на переднем плане.

Как использовать технику светотени дома

Фото: Stock Photos from Andrew Stripes / Shutterstock

.

Технику светотени легко испугать, поскольку с этим стилем связаны некоторые из самых известных мастеров искусства в истории. Однако все, что для этого требуется, — это подходящие материалы, хорошее освещение и много практики. Вот как начать:

Ваши принадлежности

Масляная краска — лучшая среда для наложения и смешивания цветов, поэтому мы рекомендуем покупать базовый набор.Ознакомьтесь с нашим руководством по лучшим масляным краскам для начинающих и профессионалов.

Вам также понадобится:

  • Кисти
  • Холст
  • Палитра для смешивания красок

Этапы работы с Chiaroscuro

1. Выберите тему

Традиционно стиль светотени хорошо подходит для натюрмортов и портретного искусства. Почему бы не собрать вместе свои любимые предметы, изучить содержимое холодильника или попросить друга позировать?

2.Настройте освещение

Освещение — самая важная часть вашей установки, и для достижения наилучших результатов полезно думать как фотограф. Чтобы создать один источник света, который попадает на объект (-ы) только с одной стороны, мы предлагаем создать небольшой лайтбокс из картонной коробки. Покрасьте внутреннюю часть коробки в черный цвет и сделайте небольшое отверстие с одной стороны. Установите его рядом с окном и позвольте естественному свету проходить через отверстие и освещать объект.

3. Сделайте фото

После того, как вы подготовили установку, мы предлагаем сфотографировать вашу сцену и использовать ее для работы.Попробуйте увеличить контраст изображения, чтобы лучше видеть тени и светлые участки. Если вы не можете сделать снимок, просто прищурив глаза — отличный способ улучшить светлые и темные оттенки.

Готовы приступить к покраске? Ознакомьтесь с этим полезным руководством.

Это сообщение может содержать партнерские ссылки. Если вы совершите покупку, My Modern Met может получать партнерскую комиссию. Пожалуйста, прочтите наше раскрытие для получения дополнительной информации.

Статьи по теме:

15 величайших художников всех времен, чье влияние живет сегодня

8 картин Караваджо, нарушающих все правила (и где их посмотреть)

25 терминов по истории искусства, которые помогут вам умело описать произведение искусства

8 лучших техник масляной живописи, которые должны знать все новички и профессионалы

Советы по фотосъемке натюрмортов для начинающих

Диапазон натюрмортной фотографии.

Натюрморты исторически делались в классических фотостудиях или классах изящных искусств. Но камеры меняются, как и фотография натюрмортов. Конканнон объясняет: «В эпоху Instagram все занимаются натюрмортами. Теперь натюрморт — это разработка собственного стиля. И поэтому я бы посоветовал нарушить правила! »

«В эпоху Instagram все занимаются натюрмортами. Теперь натюрморт — это разработка собственного стиля.И поэтому я бы посоветовал нарушить правила! »

Арт-директор и фотограф Алекс Стр говорит: «Есть много действительно интересных натюрмортов, которые только что обнаруживаются в окрестностях или в дикой природе… много времени, самое интересное — это то, чего вы не видите. ежедневно.» Найденный натюрморт — это новый подход, который может побудить фотографов использовать имеющиеся в их распоряжении инструменты для создания потрясающих фотографий. Такой подход может быть импровизированным — никогда не знаешь, когда найдешь идеальный натюрморт.

Путешествие — это прекрасная возможность исследовать найденные натюрморты и поэкспериментировать с ними. Сосредоточьтесь на мелких деталях, с которыми вы сталкиваетесь в своих путешествиях. Или соберите небольшие предметы из поездки, например брошюры и билеты на поезд, и сделайте их объектами своих натюрмортов позже. Отточить и прояснить цель и замысел вашего натюрморта — вот что может сделать его успешным.

Фотографии еды и продуктов — другие примеры натюрморта.Хотя цель фотографий продукта — задокументировать и продать что-то, применяются те же правила: освещение, композиция и глубина резкости — все это сильно влияет на ваш результат. Подумайте также об экспериментальном подходе к фотографированию продуктов. Осветите продукты под необычным углом или неожиданно попадите на этикетку. В результате получилась потрясающая композиция.

Советы профессионалов.

Прежде чем начать свой набег на мир натюрморта, примите во внимание следующие советы профессионалов отрасли:

1.Не теряйте время зря. «Если вы проводите час или два, делая один натюрморт, и этого достаточно, чтобы двигаться дальше, тогда вам обычно следует прислушиваться к себе в этот момент», — говорит Стр. «Потому что многие люди могут достичь 80 процентов в течение первого часа и получить то, что им нравится, но не идеально. Затем многие люди потратят следующие четыре часа на работу над этими дополнительными 20 процентами, чтобы сделать его идеальным ». Ни один фотограф никогда не будет по-настоящему идеальным, но с помощью практики и экспериментов вы сможете постоянно совершенствовать свои навыки и становиться лучше.

2. Развивайте свое творчество. Лонг добавляет: «Испытайте свои навыки композиции. Если вам нужно вдохновение, вернитесь к другим работам. Иди копайся в журналах ». Вдохновение окружает нас повсюду, поэтому не забывайте использовать имеющиеся в вашем распоряжении ресурсы для изучения новых идей натюрморта.

3. Найдите подходящие инструменты. «Одна вещь, которая полностью изменила мою фотографию натюрморта, — это съемка объектов на бархатном фоне», — говорит Конканнон. «Не мятый бархат, а настоящий черный, синий или красный бархат.Что делает этот материал, так это то, что он поглощает свет, поэтому вы можете поместить объект натюрморта под прямыми солнечными лучами, но вы не увидите тени на бархате ». Продолжайте экспериментировать; вы можете найти неожиданные приемы, которые могут улучшить вашу фотографию натюрморта.

Фотография натюрморта включает в себя множество стилей — будь то классический сюжет, снятый в студии и напоминающий натюрморты эпохи Возрождения, или зернистое изображение брошенной обуви, найденной на пешеходной дорожке. Делайте выбор осознанно, и натюрморт может стать питательной средой для красивых фотографий и творческих идей.Все, что вам осталось — это начать.

.
Правила построения натюрморта: Натюрморт. Правила построения натюрморта (2 класс)

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *

Пролистать наверх