неаполитанская школа натюрморта в XVII веке
26.02.2021
В Большом собрании изящных искусств ASG хранится работа Джузеппе Рекко – самого талантливого представителя целой династии неаполитанских художников, искусство которых позволило натюрморту стать не просто самостоятельным, но и высокоценимым жанром изобразительного искусства. На протяжении XVII века натюрморт в Неаполе, благодаря в том числе и семье Рекко, ранее других итальянских школ освобождается от консервативных фламандско-маньеристических традиций, обращавших внимание художника исключительно на цветы, и успешно интегрируется с различными формами жанровой живописи.
Неаполитанский натюрморт — одно из прямых свидетельств высокого уровня живописи барокко «самой важной и богатой из всех школ Италии» — был высоко ценим уже в середине XVII века. В искусствоведении сформировалась точка зрения, что в этот период натюрморт повсеместно воспринимался как наименее авторитетный жанр живописи, находящийся на последней ступеньке иерархии как своего рода антипод исторического жанра.
Форте, Лука Натюрморт с виноградом (1630-е). 31х26 см. Музей Гетти
Еще одной основополагающей фигурой в истории раннего неаполитанского натюрморта является современник Луки Форте Джакомо Рекко (1603 — до 1653). Он особенно известен своими композициями из цветов, помещенных в искусно декорированные вазы в стиле Полидоро да Кальдаро (Караваджо) (1499-1543), простого каменщика, начавшего заниматься живописью после знакомства с Рафаэлем и его учениками. Благодаря да Кальдаро и Джованни да Удине в Италии с 1520-х годов начинается обновление основных жанров живописи. В 1630 году в возрасте 27 лет Рекко заключил соглашение с художником Антонио Чимино сроком на полтора года, партнеры намеревались как осуществлять куплю-продажу картин, так и выполнять живописные работы «любого вида… от масла до фрески». Контракт оговаривает годовую арендную плату в 30 дукатов за мастерскую на улице Санто-Спирито и подробно описывает взаимные обязательства партнеров. Чимино единолично предоставил капитал для совместной мастерской: помимо оплаты аренды и материалов, он выделил 50 дукатов на приобретение картин, что было возложено на Рекко. Последний должен был на свой вкус приобрести полотна разных жанров для украшения мастерской, а после окончания договора избавиться от них за любую цену.
Рекко, Джакомо Цветы в вазе
Славой Рекко обязан своим навыкам флориста высочайшего уровня, достигшего со временем уровня Марио Нуцци, известного как Марио деи Фиори. Однако если известность последнего со временем только увеличивалась, то имя Рекко с трудом всплыло на поверхность после более чем 300 лет забвения.
|
|
Рекко, Джакомо Цветы в вазе. 62х38 см. Частная коллекция |
Цветочные натюрморты Джакомо Рекко написаны по известной схеме букета в нише. Очевидно, что художник был знаком с фламандскими натюрмортами этого периода, например, с композицией букетов Амброзиуса Босхарта старшего, а кроме того, с натуралистической манерой Караваджо и с его же густой и контрастной светотенью. Внучка Джакомо Елена Рекко (работавшая с конца XVII века до начала следующего) предпочла, вопреки семейным традициям, морскую тематику, где ей удалось добиться более чем заметных результатов. Она в 1695 году уехала в Испанию со своим родителем — Джузеппе Рекко — и работала при дворе, в описи королевской коллекции есть несколько цветочных натюрмортов, судьба которых в настоящее время не известна. Сын Джакомо — Джузеппе Рекко (1634-1695) – наиболее знаменитый представитель семьи, тоже мастер натюрмортной живописи. В его творчестве заметно влияние фламандца Абрахама Брейгеля (1631 – 1697) и итальянца Джузеппе Баттиста Рупполо (1629 – 1693).
В середине и второй половине XVII века неаполитанским художникам было сложно соревноваться с фламандскими и голландскими мастерами в передаче фактуры материалов и поверхностей, создании иллюзии тактильных и вкусовых ощущений. Но и они нашли свою нишу в этом популярнейшем жанре, сделав акцент на интересные и нестандартные композиции, выбор предметов, их ракурсов, освещения, реже интерпретации и обобщения. Так и Джузеппе Рекко стал мастером интересных, иногда уникальных натюрмортов, которые не «помещались» в узкие границы жанра как изображения неподвижных предметов. Считается, что первоначальные художественные навыки Джузеппе Рекко получил у отца и неаполитанского художника Паоло Порпора (1617-1673). Документально подтверждено его пребывание в Милане в 1654 году, что дало повод исследователям предположить обучение Джузеппе у ломбардского художника Эваристо Баскениса (1617-1677), известного созданием натюрмортов с музыкальными инструментами.
Рекко, Джузеппе Натюрморт «Пять чувств» (1676)
В искусстве Неаполя важное место занимали картины на темы пяти чувств человека — слуха, зрения, вкуса, обоняния, осязания. Известны картины Хосе де Риберы на эту же тематику. Осязание у Риберы олицетворял слепой скульптор, обоняние — крестьянин с чесноком, слух — весёлая девчонка с тамбурином. Для каждого из чувств была отдельная картина. Джузеппе Рекко решил эту проблему как настоящий последователь лаконизма. На небольшом столе он разложил несколько предметов, которые олицетворяли пять чувств человека: лютня — слух, тетрадь с нотами — зрение, блюдо со сластями — вкус, подзорная труба и очки — ещё одно напоминание о зрении, цветы — обоняние, для олицетворения осязания осталась небольшая шкатулка, сочетающая разнофактурные материалы Однако после своего возвращения в Неаполь, под влиянием Караваджо и его окружения, Джкзеппе Рекко переключился на создание кухонных натюрмортов с рыбой и дичью.
|
|
В Большом собрании изящных искусств ASG имеется натюрморт Джузеппе Рекко.
Рекко, Джузеппе. Натюрморт с корзиной цветов, птицами и яблоками
XVII в.
Холст, масло. 71х50 см
БСИИ ASG, инв № 04-4091
Он выполнен в характерной для художника манере: четкость композиции придает баланс горизонтальных и вертикальных линий, что считается типично неаполитанским стилем. Присевшая на выпавший из вазы цветочный стебель с двумя бутонами, которым не суждено будет раскрыться, птица свидетельствует о скоротечности всего земного. Примерно с 1670 года композиции Джузеппе Рекко демонстрируют более выраженный декоративный стиль. Ранние неаполитанские натюрморты на всегда были скромными с точки зрения масштабов и цен. Небольшое, но значительное число натюрмортов с крупными фигурами и обилием плодов приписываются Массимо Станционе (1586-1656) и Артемизии Джентилески (1593-1653). Но и у Джузеппе Рекко есть работа, на которой представлены плоды словно бы для лукуллова, если бы тот был вегетарианцем, пиршества: огромное количество яблок, разные сорта винограда, айва, арбузы, инжир, персики, гранаты, грибы и т.д.
Рекко, Джузеппе Натюрморт. 255х301 см. Музей Каподимонте, Неаполь
На данном этапе довольно редко появляются натюрморты комбинированного типа с человеческими фигурами, которые позже приведут к монументальным полотнам, исполненным Лукой Джордано в сотрудничестве с натюрмортистами 1680-х годов. Здесь мы приводим совместную работу Джордано и Джузеппе Рекко, поразившую современников.
Джордано, Лука, Рекко, Джузеппе Богатства моря с Нептуном, тритонами и двумя
нереидами (1683\4).Холст, масло. 234,5 x 296 см Художественная галерея Южной
Австралии, Аделаида
Натюрморта подобного масштаба прежде в Неаполе не видели. Его слава была такова, что его отправили в качестве дипломатического подарка в Мадрид королевскому двору. Он представляет почти энциклопедическую полноту щедрости морской продукции южных территорий Габсбургов: десятки лещей и морского окуня соперничают за внимание зрителя вместе со все больше и больше ценимыми местными деликатесами, начиная от кефали, рыбы-скорпиона и морского угря, не менее четырех лобстеров, пары головастых морских черепах и т.д. Слева — столь же экстравагантный «курган» моллюсков, в том числе десятки устриц, морские ежи, морские гребешки, увенчанные декоративными гирляндами из кораллов. Этот потрясающий улов, изобилие которого превосходит самые смелые фантазии, был специально написан для визуального наслаждения испанского короля. Картина, очевидно, весьма успешно выступала как визитная карточка, рекламирующая не только щедрость Неаполя, но и потрясающий талант художников. Через десять лет после ее написания испанский король послал приглашение Рекко стать придворным художником. Просьба представляет собой признание таланта художника и знаковый момент в международном признании натюрморта как жанра искусства. Таким же образом в Испанию был призван другой неаполитанец — Лука Джордано, всемирно известный художник историко-мифологического жанра, чьи работы на протяжении десятилетий пользовались большим спросом на Аппенинском полуострове и за его пределами. Отъезд Рекко в Мадрид стал залогом успеха его карьеры как первого неаполитанского художника-натюрмортиста. Но в возрасте шестидесяти лет и очевидно, физически слабый, Рекко получил лихорадку по пути в Мадрид и после выхода на берег вскоре умер прямо в порту Аликанте. Еще одно свидетельство первенства неаполитанского натюрморта, добившегося определенной известности у коллекционеров раньше, чем в других областях, — работы здесь стали создаваться в более крупном масштабе. В частности, на создание работ более крупного формата переходит и Лука Форте. Насколько дорогими были эти большие и амбициозные натюрморты? В случае с Лукой Форте сохранилась необычно подробная переписка с сицилийским коллекционером кардиналом Антонио Руффо (1587-1653). Руффо заказывал полотна у многих ведущих художников, в том числе Пьетро да Кортона в Риме, Гверчино в Болонье, Прети на Мальте и Рибера, Станки и Артемизии Джентилески в Неаполе. В сентябре 1649 года он также заказал натюрморт Форте. Ответы Форте на запрос Руффо о стоимости картины демонстрируют его высокое мнение о ценности своей работы. Его первым требованием было, чтобы Руффо прислал ему 50 дукатов в качестве аванса. Эта сумма значима сама по себе, поскольку напрямую указывает на высокую производительность и равняется первоначальному взносу таким мастерам, как Хосе де Рибера (1591-1652), Джованни Станки (1608-1675), другим ведущим неаполитанским художникам. Через две недели после получения аванса Форте отклонил запрос Руффо об окончательной цене, отметив, что готовая работа будет стоить около 200 дукатов. Скудность документальных свидетельств, касающихся Форте, – как и любых неаполитанских натюрмортистов 1630–50-х годов – не позволяет судить, как регулярно Форте или его коллеги могли иметь такие престижные и дорогие заказы. Однако похоже, что Форте по крайней мере привык получать высокие гонорары за свои масштабные специально заказанные картины. 27 марта 1663 года художник Маттиа Прети (1613-1699) написал дону Антонио Руффо, что он видел очень большой натюрморт Форте — около 211 x 290 см, и, очевидно, одну из самых грандиозных работ, когда-либо созданных этим художником. Картина была выставлена на рынке на Мальте. Запрашиваемая цена составляла 400 дукатов (1 дукат равнялся 3,5 граммам золота) — очень большую сумму, стоимость раннего неаполитанского натюрморта в два раза превышала цену, которую за аналогичную работу платили в Риме. Например, в 1650-х годах римскому натюрмортисту Микеланджело Пейсу, более известному как Микеланджело ди Кампидольо (1625-1669), за четыре натюрморта, которые, очевидно, были довольно большими и сложными — одна пальма размером (около 201х134 см) -, заплатили всего 20 скуди. Так же и Марио деи Фиори — безусловно, самому популярному и успешному римскому мастеру натюрморта того времени в 1671 году за четыре небольшие натюрморта кардинал Антонио Барберини заплатил 120 скуди. Чтобы уяснить реальный уровень этих цен, скажем, что кардиналу принадлежали одни из самых престижных и дорогих картин тогда в Риме. Принадлежащая ему картина Джованни Ланфранко «Венера играющая на арфе (Аллегория музыки)», теперь в Национальной галерее старинного искусства Рима, была оценена в 500 скуди, а «Взятие Богоматери на небо» Корреджо еще выше — в 1000 скуди. Тем самым подтверждается мнение о том, что римские натюрморты были «удивительно дешевы» по сравнению с римскими историческими картинами.
(публикуется в сокращении)
Светлана БОРОДИНА
Источники:
Marshall C.R. «More beautiful than Nature
Itself»: the early Commercial and
critical Fortunes of neapolitan
baroque still-life painting //
Open Arts Journal.- 2017-18.-№ 6.- P.129-145.
Поделиться:
Будьте в курсе последних новостей из мира искусств:Натюрморт в древние и средние века — HiSoUR История культуры
Натюрморт — это произведение искусства, изображающее преимущественно неодушевленные предметы, обычно обычные предметы, которые являются естественными (еда, цветы, мертвые животные, растения, камни, ракушки и т. Д.) Или искусственные (очки для питья, книги, вазы, ювелирные изделия, монеты, трубы и т. д.).
С истоками средневековья и древним греко-римским искусством живопись натюрмортов возникла как особый жанр и профессиональная специализация в западной живописи к концу XVI века и с тех пор осталась значительной. Форма натюрморта дает художнику больше свободы в расположении элементов внутри композиции, чем картины других предметов, таких как пейзаж или портреты. Натюрморт, как особый жанр, начинался с нидерландской живописи XVI и XVII веков, а английский термин «натюрморт» происходит от голландского слова stilleven. Ранние картины натюрморта, особенно до 1700 года, часто содержали религиозную и аллегорическую символику, связанную с изображенными объектами. Некоторые современные натюрморты ломают двумерный барьер и используют трехмерные смешанные среды и используют найденные объекты, фотографии, компьютерную графику, а также видео и звук.
Термин включает в себя живопись мертвых животных, особенно игру. Живые считаются животным искусством, хотя на практике их часто рисуют из мертвых моделей. Категория натюрморта также разделяет общие черты с зоологической и особенно ботанической иллюстрацией, где между художниками наблюдается значительное совпадение. Как правило, натюрморт включает в себя полностью изображенный фон и ставит эстетические, а не иллюстративные проблемы как первичные.
Натюрморт занял самую низкую ступень иерархии жанров, но был чрезвычайно популярен среди покупателей. Помимо самостоятельного предмета натюрморта, живопись натюрморта включает в себя другие виды живописи с видными элементами натюрморта, обычно символическими, и «изображениями, которые полагаются на множество элементов натюрморта, якобы для воспроизведения« кусочка жизни » «». Картина тромпе-л’иля, которая намеревается обмануть зрителя, считая реальную сцену, является специализированным типом натюрморта, обычно показывающим неодушевленные и относительно плоские объекты.
Антецеденты и разработка
Натюрморты часто украшают интерьер древних египетских гробниц. Считалось, что предметы пищи и другие предметы, изображенные там, в загробной жизни станут реальными и доступными для использования умершим. Древнегреческая ваза также демонстрирует большое умение изображать повседневные предметы и животных. Пейникос упоминается Плинием Старшим как художник-панно из «низких» предметов, таких как выживание в мозаичных версиях и провинциальных настенных росписях в Помпеях: «парикмахерские магазины, сапожники, ослы, съедобные предметы и тому подобные предметы».
Стеклянная миска с фруктами и вазами. Римская настенная роспись в Помпеях (около 70 г. н.э.), Национальный археологический музей Неаполя, Неаполь, Италия
Подобный натюрморт, более просто декоративный по смыслу, но с реалистичной перспективой, также был найден в римских настенных росписях и мозаиках на полу, обнаруженных в Помпеях, Геркулануме и вилле Боскореале, включая более поздний знакомый мотив стеклянной чаши с фруктами.Декоративные мозаики, названные «emblema», найденные в домах богатых римлян, продемонстрировали ассортимент продуктов, которыми наслаждались высшие классы, а также служили признаками гостеприимства и празднования времен года и жизни.
К 16 веку еда и цветы снова появятся в виде символов времен года и пяти чувств. Также, начиная с римских времен, традиция использования черепа в картинах как символ смертности и земных останков, часто с сопровождающей фразой Omnia mors aequat (Смерть делает все равным). Эти изображения ванитов были пересмотрены за последние 400 лет истории искусств, начиная с голландских художников около 1600 года.
Натюрморт на мозаике 2 века, с рыбой, птицей, финиками и овощами из Ватиканского музея
Популярная оценка реализма живописи натюрморта связана с древнегреческой легендой о Цуисисе и Паррасиусе, которые, как говорят, когда-то соревновались, чтобы создать самые реалистичные объекты, самые ранние описания истории тромпе-л’иля. Как Плиний Старший, записанный в древнеримские времена, греческие художники столетий назад были уже продвинуты в искусстве портретной живописи, жанровой живописи и натюрморта. Он выделил Пейрайкос, «чья артистичность превзойдена лишь немногими … Он рисовал парикмахерские и сапожники, ослы, овощи и т. Д., И по этой причине стал называться« художником пошлых предметов »; все же эти работы совершенно восхитительны, и они были проданы по более высоким ценам, чем самые большие [картины] многих других художников ».
Средневековье и раннее возрождение
К 1300 году, начиная с Джотто и его учеников, живопись натюрморта была возрождена в виде выдуманных ниш на религиозных настенных росписях, в которых изображались предметы повседневности. Через средневековье и эпоху Возрождения натюрморт в западном искусстве оставался главным образом дополнением к христианским религиозным предметам и созывал религиозный и аллегорический смысл. Это было особенно актуально в работе художников Северной Европы, чье увлечение высоко детализированным оптическим реализмом и символизмом привело их к тому, что они обратили большое внимание на общее послание их картин. Художники, такие как Ян ван Эйк, часто использовали элементы натюрморта как часть иконографической программы.
Ганс Мемлинг (1430-1494), Ваза цветов (1480), Музей Тиссен-Борнемиса, Мадрид. По мнению некоторых ученых, Ваза цветов наполнена религиозной символикой.
В позднем средневековье элементы натюрморта, в основном цветы, а также животные, а иногда и неодушевленные предметы, были нарисованы с растущим реализмом в границах освещенных манускриптов, разрабатывая модели и технические достижения, которые использовали художники более крупных изображений. Между художниками, создающими миниатюры для манускриптов и панелей для рисования, было значительное совпадение, особенно в ранней нидерландской живописи. Часы Кэтрин Клевес, вероятно, сделанные в Утрехте около 1440 года, являются одним из выдающихся примеров этой тенденции, с границами, имеющими необычный диапазон объектов, включая монеты и рыболовные сети, выбранные для дополнения текста или основного изображения при этом конкретный момент. Фламандские мастерские в конце столетия еще больше укрепили натурализм пограничных элементов. Готические майлефлевские гобелены — еще один пример общего возрастающего интереса к точным изображениям растений и животных. Набор «Леди и единорог» — самый известный пример, спроектированный в Париже около 1500 года, а затем сплетенный во Фландрии.
Разработка техники масляной живописи Яна ван Эйка и других художников Северной Европы позволила покрасить повседневные предметы в эту гиперреалистичную манеру из-за медленных сушки, смешивания и наслаивания масел. Среди первых, кто освободился от религиозного значения, Леонардо да Винчи, который создал акварельные исследования фруктов (около 1495 года) в рамках своего неугомонного изучения природы, и Альбрехта Дюрера, который также сделал точные цветные рисунки флоры и фауны.
Портрет невесты и жениха Петра Христоса, посещающий ювелира, является типичным примером переходного натюрморта, изображающего как религиозный, так и светский контент. Хотя в основном это аллегорическое в сообщении, фигуры пары реалистичны, а показанные предметы (монеты, сосуды и т. Д.) Точно нарисованы, но ювелир на самом деле является изображением святого Элигия и объектов, сильно символических. Другой подобный вид живописи — семейный портрет, сочетающий фигуры с хорошо поставленным столом пищи, который символизирует как благочестие людей, так и их благодарность за обилие Бога. Примерно в это же время простые натюрморты, развевшиеся с фигурами (но не аллегорическим смыслом), начали расписываться снаружи ставней частных преданных картин. Еще одним шагом к автономному натюрморту была картина символических цветов в вазах на светских портретах около 1475 года. Якопо де Барбари сделал еще один шаг вперед с его Натюрморт с Партридж, Железными перчатками и Арбалетными стрелами (1504), среди самые ранние подписанные и датированные натюрмортные картины тромпе-л’иля, в которых содержится минимальный религиозный контент.
Различные сосуды на границе освещенной книги часов для Энгельберга Нассау, фламандского художника, 1470-е годы | Деталь одного из гобеленов«Леди и единорог» , c.1500 | Альбрехт Дюрер,Большой кусок турфила , 1503 | Якопо де Барбари, Натюрморт с куропаткой и рукавицами (1504), очень ранний независимый натюрморт, возможно, спина или обложка для портрета |
---|
Натюрморты в Королевской коллекции
В течение шестнадцатого и семнадцатого веков в Европе натюрморты стали чрезвычайно популярным видом искусства. На этих картинах обычно изображались неодушевленные предметы, в том числе предметы быта, цветы, фрукты и продукты питания. В это время жанр приобрел большее символическое значение, а предметы стали отражать гордость человека в повседневной жизни или его ученый интерес к науке и ботанике. Эти картины могли также действовать как memento mori , напоминающий зрителям о преходящей природе жизни.
Натюрморт на столе ©
Натюрморт на столе
©
Натюрморт получил особое распространение в Соединенных провинциях, ныне Нидерландах. Нидерланды обрели независимость от Испании в начале семнадцатого века и переживали период процветания, ныне известный как Голландский золотой век. В этот период возник большой и богатый купеческий класс, и искусство стало способом продемонстрировать их новую силу и статус. Однако вместо того, чтобы покупать мифологические, исторические или библейские сцены, обычно связанные с обучением и большими коллекциями, они приобретали картины, изображающие успешное общество, частью которого они были, и предметы повседневного обихода, которыми они владели.
Голландский рынок искусства значительно расширился в этот период, и художники-натюрморты разработали особые направления, чтобы выделиться среди своих современников, часто изображая одни и те же группы предметов, чтобы занять свою нишу. Например, Виллем Клас Хеда специализировался на изображении недоеденных блюд, часто с белой скатертью, серебряной таззой и частично очищенным лимоном, в то время как Мельхиор Хондекутер специализировался на рисовании экзотических птиц на открытом воздухе. Столы с едой и вазами с цветами давали художникам возможность запечатлеть различные текстуры и поверхности, от оловянных тарелок до отражающих стеклянных сосудов, от кожуры лимона до начинки для пирога.
Пифагор в защиту вегетарианства ©
Пифагор в защиту вегетарианства
©
Такие художники, как Дэвид Тенирс и Виллем ван Миерис, решили включить элементы натюрморта в более крупные жанровые сцены, что позволило им продемонстрировать целый ряд живописных способностей. Другие художники совместно работали над картинами, каждый из которых сосредоточился на выбранной ими специализации, чтобы создать шедевр, который содержал как роскошный натюрморт, так и идеально переданные характерные фигуры. например в Пифагор, защищающий вегетарианство , Франц Снейдерс нарисовал рог изобилия из фруктов и овощей, а Питер Пауль Рубенс нарисовал фигуры.
Натюрморт с цветами, насекомыми и ракушкой ©
Натюрморт с цветами, насекомыми и ракушкой
©
Хотя натюрморт стал популярным на континенте, в Британии в семнадцатом веке подобная традиция не развивалась. Однако этот жанр был популярен среди королевских коллекционеров. Натюрморты вошли в коллекцию во времена правления многих монархов, включая Карла I, Карла II и Георга IV, хотя Георг IV предпочитал голландские жанровые сцены натюрмортам.
Уильям и Мария, королева Анна и Георг III и королева Шарлотта также любили натюрморты, особенно цветочные картины. Описи Кенсингтонского дворца времен правления Анны, Уильяма и Марии показывают, что на выставке было представлено несколько цветочных картин таких художников, как Мария ван Остервик, Жан Батист Моннуайе и Джейкоб Богдани.
Королева Шарлотта была страстным ботаником. В 1790-х годах королева заказала художнице Мэри Мозер несколько картин с цветами и большую фреску с цветами для украшения комнаты во Фрогмор-Хаусе, ныне известной как «Комната Мэри Мозер». Королева Шарлотта и ее дочери были увлеченными художниками и учились у Маргарет Мин и Фрэнсиса Бауэра, которые специализировались на цветочной и ботанической живописи.
Лучшие натюрморты – theartwolf
Жанр натюрморта просмотрите 10 великих картин, от античности до современности.
Поль Сезанн – Кухонный стол – 1880-90 – Musee dOrsay Г. Фернандес – theartwolf.com
Как бы мы определили натюрморт? С академической точки зрения можно сказать, что натюрморт — это картина, на которой изображены неодушевленные предметы из повседневной жизни, представленные в пространстве, ограниченном художником. Но, без сомнения, это определение слишком просто для живописного жанра, который очаровывал величайших художников от раннего барокко до 21 века. В этом кратком эссе мы собираемся сделать краткий, но интенсивный обзор истории натюрморта через 10 фундаментальных работ, от античности до современности.
«Прозрачная чаша с фруктами и вазами» – фреска в Помпеях, Италия, 1 век до н.э. – Чрезвычайно сложно определить, когда зародился жанр натюрморта. Мы знаем, что даже древние египтяне украшали гробницы изображениями фруктов, овощей и других продуктов, чтобы накормить души умерших в их загробной жизни. Этот пример, обнаруженный в древнем городе Помпеи, необычен своим натурализмом и нежностью, с которой изображен каждый фрукт, с использованием разных пигментов для каждого кусочка грозди винограда, составляющей центр картины. Примечателен также контраст между прочной прозрачной чашей (стекло было очень ценным материалом в Древнем Риме) и ощущением неустойчивости, вызванным наклонным кувшином.
Прозрачная ваза с фруктами и вазами, фреска в Помпеях, Италия, 1 век до н.э. чертополох и морковь» (Музей изящных искусств, Гранада) – Испанская живопись 17-го века имеет большое количество художников-натюрмортов, в том числе такие фигуры, как Луис Мелендес, Хуан ван дер Хамен или даже великий Франсиско де Сурбаран. Тем не менее ни один из них не был так оригинален, как художник-картезианец Хуан Санчес Котан, уникальный среди всех своих внешне простых, но полных силы и интенсивности композиций, в которых пустота, как на картине в Гранаде (другая похожая версия сейчас в Филадельфии), имеет принципиальное значение, даже конкурируя с объектом картины.Абрахам ван Бейерен (Abraham van Beijeren): «Банкетный натюрморт» , c.1660 (Лос-Анджелес, Музей искусств графства) — Ван Бейерен был почти неизвестным художником в свое время, но сегодня он считается ключевым фигура голландского натюрморта 17 века, включающая такие имена, как Ян Давидс де Хем или Франс Снейдерс. Его натюрморты, особенно банкета , представляют собой подлинные живописные феерии , необычайно богатые всевозможными элементами и деталями. Работа, проиллюстрированная здесь, является одной из его самых знаменитых композиций.
Абрахам ван Бейерен – Банкетный натюрморт – 1667Жан Симеон Шарден: «Луч (la raie)» , 1728 (Париж, Лувр) – Шарден является одним из мастеров натюрморта любой эпохи, а «Луч» — один из его бесспорных шедевров. Работа была широко опубликована, и ею восхищались такие известные личности, как Дидро, который называл Шардена «великим волшебником», Марсель Пруст и даже Анри Матисс два века спустя. Необычным элементом этого натюрморта является включение живого животного — кошки, создающей странный и завуалированный динамизм в треугольной композиции картины.
Жан Симеон Шарден: «La raie»Уильям М. Харнетт: «Скрипка (старая скрипка)» , 1886 (Вашингтон, Национальная художественная галерея) — американский художник ирландского происхождения Уильям Харнетт был одним из пионеров натюрморта живопись в США. «Скрипка» (также известная как «старая скрипка») — один из лучших примеров его стиля «trompe l’oeil» («стиль обмана глаз»), в котором нарисованные элементы могут быть ошибочно приняты за реальные физические объекты. На самом деле, когда эта картина впервые была выставлена, многие посетители пытались дотронуться до скрипки, изображенной на полотне, полагая, что инструмент представляет собой физический объект, помещенный над картиной.
Уильям Харнетт: «Скрипка (старая скрипка)»Винсент Ван Гог: «Подсолнухи (Ваза с пятнадцатью подсолнухами)» , 1888 (Лондон, Национальная художественная галерея) — «Подсолнухи» Ван Гога не только один из любимые сюжеты художника (он написал семь полотен ваз с подсолнухами, плюс три более ранние работы, изображающие только подсолнухи), но они также входят в число самых известных когда-либо созданных картин. «Подсолнух в каком-то смысле мой» , — сказал Ван Гог своему брату Тео. Проиллюстрированная здесь работа — одна из самых ярких из всей серии, с потрясающим спектром желтых пигментов. Один из таких «подсолнухов» Ван Гога побил аукционный рекорд для картины, когда 19 марта был продан японскому инвестору почти за 40 миллионов долларов.87. Недавние слухи предположили, что работа могла быть не подлинным Ван Гогом, а копией Эмиля Шуффенекера.
Винсент Ван Гог – Подсолнухи – 1888 Национальная галерея ЛондонаПоль Сезанн: «Натюрморт с корзиной фруктов (кухонный стол)» , 1880-1890 (Париж, Орсе) – Сезанн, возможно, величайший мастер натюрморта любой эпохи, и эта блестящая картина представляет собой одну из его самых амбициозных композиций. Первый элемент, который мы видим, — это деревянный стол, частично накрытый белым покрывалом, и девять фруктов на нем. Любопытно, что огромная зеленая груша справа не кладется поверх этого белого одеяла, как будто ее масштаб не позволяет разместить ее вместе с остальными кусками. Два белых керамических кувшина вместе с еще одним, расположенным позади них, образуют особую треугольную подкомпозицию. Эта группа фигур сама по себе могла бы создать исключительный натюрморт, но Сезанн оставил нам необыкновенную иллюзию: корзину с фруктами. Где эта корзина? Находится в очень неустойчивом положении в правом верхнем углу стола или, благодаря сложной перспективе, лежит на земле вместе с частью дерева, частично изображенной справа от картины? Здесь Сезанн создал двойную перспективу, чтобы нарисовать сенсационное произведение, в котором начинает проявляться кубизм.
Поль Сезанн – Столовая кухня – 1880-90 – Musee dOrsayТри кубистических натюрморта: Пабло Пикассо: «Натюрморт с бутылкой ликера» , 1909 (Нью-Йорк, МОМА), Жорж Брак: «Скрипка и подсвечник» , 1910 (Музей современного искусства Сан-Франциско), Хуан Грис: «Гитара» , 1918 — эксперименты Сезанна, как и предыдущая работа, были прологом самого влиятельного авангарда 20 века: кубизма. Первые две работы, проиллюстрированные здесь (Пикассо и Брака), являются двумя прекрасными примерами «аналитического кубизма», развившегося после работ Сезанна, сводящего нарисованные элементы к простым геометрическим формам под разными углами зрения. Более поздняя работа Хуана Гриса представляет личную интерпретацию художником «синтетического кубизма» (инициированного Пикассо за много лет до этого), выходящего за рамки простых коллаж фокусироваться на отношениях между различными элементами изображаемого объекта реальности .
Конечно, история современного натюрморта Живопись не обходится без фигуры Джорджио Моранди , итальянского маэстро чьи картины очаровали Федерико Феллини. Тем не менее, выбрать какую-то одну работу среди всех выполненных Моранди натюрмортов просто невозможно.
Том Вессельманн: «Натюрморт #20» , 1962 (Художественная галерея Олбрайт-Нокс). Яркие натюрморты Вессельмана — иконы поп-арта. Вместо фруктов и овощей, которые использовали художники барокко и импрессионисты, натюрморты Вессельмана изображают элементы, взятые из нашей повседневной современной жизни. Кроме того, натюрморт был жанром, который практиковали другие художники поп-арта, такие как Рой Лихтенштейн и Энди Уорхол, хотя его знаменитые «Банки с супом Кэмпбелл » следует рассматривать не как чистый натюрморт, поскольку в них отсутствует какая-либо связь между предметов и окружающего пространства.