Художественная фотография фото: Виды художественной фотографии

Художественная фотосъемка — РАДУГА

Наверняка вы не один раз слышали такое выражение как художественная фотосъемка. В этой статье мы расскажем, чем обычная съемка отличается от художественной и чем же так ценна именно художественная фотография.
Если вы посещали выставки различных фотографов или видели их работы, размещенные на различных сайтах всемирной паутины, то наверняка обратили внимание на особое притяжение их снимков. Выражаясь простым языком, именно художественная фотография заставляет человека концентрироваться, исследовать изображение фрагмент за фрагментом, обращать внимание на детали.

В этом и кроется отличие художественной фотографии от обычной. Делая обычные снимки мы, зачастую, фиксируем какие либо памятные сцены, которые не всегда будут понятны незнакомым людям, которые взглянут на фотографию. При создании художественного снимка фотограф хочет, чтобы на получившейся фотографии абсолютно разные люди, с разными взглядами, менталитетом, характером могли уловить ту идею, которую до них пытается донести фотограф.

Наиболее частыми примерами художественной фотографии стоит признать пейзажи, а также архитектурные объекты. Но в искусстве всегда есть исключения и фотография это лишний раз подтверждает. Настоящие фотохудожники благодаря своей камере и таланту могут делать художественные снимки в разных стилях.

Как пример, можно рассмотреть художественную портретную съемку. В этом жанре фотограф должен не просто сделать качественный портрет, он в первую очередь должен в полном объеме передать образ модели, его характер, а также настрой и эмоциональный фон, который модель испытывает в момент съемки.

Для того, чтобы сделать отличную художественную фотографию, должно сложиться много факторов, в том числе свет, образ и настрой модели, должно быть подготовлено место съемки. Конечно, сделать это крайне непросто, именно поэтому талантливых фотографов занимающихся именно художественной съемкой не так много, это отнимает много сил, времени и приводит к значительным финансовым потерям.

Итак, мы рассказали вам основные отличия художественной фотосъемки от обычной. Рассмотрели факторы, которые должны в совокупности привести к положительному результату. Однако есть еще один нюанс, о котором стоит упомянуть, а именно, обработка фотографий.

Иногда, обычную фотографию, обработанную в нестандартном стиле, принято считать художественной и это очень большая ошибка. Как мы уже упомянули выше, для того чтобы снимок стал художественным, он должен нести в себе огромный смысл. Именно поэтому правильнее будет считать, что в некоторых случаях фотографию стоит называть обработанной в художественном стиле, но, ни в коем случае не художественной.

Современные фотостудии могут предлагать вам художественную фотосъемку, поэтому обязательно уточняйте, что имеется под этим понятием – художественная обработка или действительно получение классных снимков сделанных со смыслом и душой.

Влад Шутов дает советы, как фотографу создать психологический портрет

Владимир Нескоромный

Главный редактор сайта alphapro.sony.ru

Как сделать хороший портрет? Фоторесурсы интернета наполнены огромным количеством любительских портретов. Их авторы считают, что создали если не шедевры, то работы, близкие к идеалу. И по этой причине не могут понять, почему результаты их труда не вызывают искреннего восхищения среди зрителей. Мне приходится довольно часто видеть такие работы и общаться с их авторами. С технической точки зрения, фотографии выполнены безупречно, но ощущения «Ах!» они не вызывают. Тем не менее фотографы продолжают пытать каждого рецензента: «Ну, что же здесь не так?».

Исчерпывающий и лаконичный ответ я обнаружил на мастер-классе Влада Шутова, который прошел в мае. Он показал участникам две пары фотографий — девушки и юноши. К сведению, они были сделаны во время различных фотосессий. Я испытал легкий шок. Все секреты мастерства стали понятны буквально за мгновение — «Оказывается, все так просто…».

На первых снимках была представлена фотомодель (девушка и юноша) в том состоянии, когда они пришли в студию, чтобы сделать портфолио. Вторые две пары — результаты фотосессий, которые длились несколько часов.

Первая пара фотографий это хорошие снимки, но чисто любительского уровня. Все сделано грамотно — ракурс модели, световой рисунок, резкость и проч. Казалось бы, не к чему придраться.. Но для Влада Шутова это не результат, вернее технический результат — отправная точка для дальнейшей работы. Он преодолевает рубеж, который для подавляющего большинства фотографов-любителей является финишной чертой. Потому что его итоговые работы кардинально отличаются от первых и представляют собой произведение фотографического искусства. Как же Владу Шутову удалось добиться этого результата? Как свои «любительские снимки» он превратил в маленькие шедевры?

Самый простой ответ — нужно работать с моделью. На что фотографы-любители отвечают, что они «работают с моделью». Но что же не так? Дело в том, что Влад Шутов фотографирует не человека, но образ, который он создает вместе с моделью. Художественная фотография — не документальная, в ней может и должен присутствовать вымысел.

Это тот самый момент в фотографии, который многим воспринимается как очень простой этап. Сказали представить из фотомодели женщину-вамп — пожалуйста. Попросили превратить ее в тихоню-отличницу — тоже без проблем. Только вот зрители почему-то не воспринимают этот результат. «В чем же дело? — спрашивает себя фотограф. — У меня дорогая камера, светосильная оптика, мощный компьютер. Почему не получается?».

«Чтобы убедить зрителей поверить в созданный образ, — поясняет Влад Шутов, — фотограф вместе с моделью должен создать именно правдивый образ. Вымысел должен быть жизненной правдой, иначе зритель не поверит». Книга, театр, кино — это все вымышленные миры, которые создают авторы, но зрители в них верят, сопереживают героям, смеются и плачут. Фотограф должен создать именно такой мир — выдуманный, но правдивый. Он должен научиться создавать образы и погружаться в них вместе с моделью.

Каждый фотограф немного психолог, немного режиссер, немного актер. Фотография — театр. Свет, декорации, грим, костюмы, сценарий, роли и тексты. Получается, что начинающему фотографу нужно посещать не мастер-классы, а театральные спектакли… А еще лучше самому немного поучиться актерскому мастерству. Во время этюдов придется изображать одинокий камень на берегу, зимнюю стужу, старый шкаф. И в этом нет ничего смешного!.. С подобных маленьких перевоплощений начинаются Онегины и Гамлеты. Нужно уметь перевоплощаться, чтобы объяснить фотомодели, как вести себя перед объективом. Но важны не просто слова, а именно понимание образа, его приятие, вера в него, в конце концов.

Кадр, который делает любитель, это всего лишь просто одиночный кадр. Настоящий профессионал показывает мгновение созданной реальности, фрагмент протяженного во времени действия, которое происходило на съемочной площадке. Снимок выглядит как бы вырванным из контекста. Именно в связи с такими работами арт-критики говорят о нарративности — повествовательности, о глубине и об эмоциональном наполнении. Именно подобные работы таят некую загадку, которую зрителю хочется разгадать. Мы искренне верим в то, что были определенные события до снимка, и они продолжились после. Это и есть настоящее мастерство.

Влад Шутов рассказал в общих чертах, что именно он предпринял, чтобы создать с фотомоделями образы и получить нужный результат. Пересказывать это нет смысла, поскольку любая фраза будет выглядеть вырванной из контекста и неточной. Важно то, что во время съемки он видел цель, причем это было не фотоизображение, но герой, характер, образ. И когда Влад Шутов понял, что характер героя визуально раскрыт, он нажал на спуск.

Истории вещей. Рассматриваем самый загадочный портрет Александра Скрябина

Портрет Александра Скрябина, расположенный над роялем в гостиной дома-музея композитора, привлекает внимание посетителей. На первый взгляд сложно определить, что это — фотография или рисунок, выполненный карандашом. Портрет, созданный известным московским фотохудожником Эмилем Бенделем, не только точно передает черты Скрябина, но и рассказывает о пикториализме — течении в фотоискусстве на рубеже XIX и XX веков.

Между фотографией и живописным полотном

В 1886 году британский писатель и фотограф Питер Генри Эмерсон в статье «Фотография, пикториальное искусство» высказал предположение: человеческое зрение устроено таким образом, что воспринимает четко лишь центр изображения, оставляя периферию размытой. Эта идея легла в основу метода пикториализма, который соединил фотографию, в то время относительно молодую, с классической живописью. Во многом благодаря пикториализму фотография проникла в музеи и была признана искусством.

Считается, что на пикториалистов повлияли прерафаэлиты, живописцы викторианской Англии, бросившие вызов условностям. Само название, которое они выбрали для себя, намекало на духовную связь с художниками Раннего Возрождения, которые работали до Рафаэля и Микеланджело, — Фра Анджелико, Джованни Беллини. Союз «Братство прерафаэлитов» основали в начале 1850-х семеро художников — Джон Эверетт Милле, Данте Габриэль Россетти и его младший брат Майкл, Холман Хант, Томас Вулнер, Фредерик Стивенс и Джеймс Коллинсон.

Братство существовало недолго, но оказало влияние на многие явления в культуре и искусстве, например на британское декадентство 1880-х годов, а также интернациональное течение пикториализма, сформировавшееся в европейском и американском фотоискусстве в конце XIX столетия и просуществовавшее до 1920–1930-х. Хронологически популярность пикториализма часто соотносят с эпохой модерна — характерные признаки этого стиля несут в себе пикториалистические снимки: мягкий фокус, причудливые линии. Фотохудожники добивались такого эффекта разными способами — одни капали на объектив масло, другие проводили специальную обработку на этапе печати. Классическим периодом пикториализма считается отрезок с 1885 по 1915 год. В 1920-х интерес к нему снизился — на смену размытым линям пришел резкий фокус модернистской фотографии.

Самыми известными представителями пикториализма в разные годы были Гуго Эрфурт, Франтишек Дртикол, Александр Кейгли, Робер Демаши, Кларенс Хадсон Уайт, Эдвард Стайхен, Альфред Стиглиц и другие.

Российская школа пикториализма считалась одной из самых сильных и масштабных в Европе. Среди известных представителей течения были Юрий Еремин, Сергей Лобовников, Мирон Шерлинг и другие мастера. В 1930-х пикториализм в СССР был признан идеологически неверным и подвергнут разгрому. О нежных полуразмытых снимках забыли на долгие десятилетия.

Бендель и его мастерская

Среди отечественных представителей пикториализма можно назвать и Эмиля Сигизмундовича Бенделя (1870–1948). Слава фотохудожника шла по дореволюционной Москве. В его мастерской «Художественная фотография», располагавшейся на Кузнецком Мосту (если улица имеется в виду) и удостоившейся в 1908 году бронзовой медали на международной выставке в Москве, всегда были клиенты. Одним из них стал Александр Николаевич Скрябин.

Композитор зашел к Бенделю в начале 1910-х. Оригинал фотографии, которую тогда сделал мастер, тоже можно увидеть в музее — она находится в шкафу-горке, в простенке между окнами гостиной.

Первый рояль и последний фрак. Любимые экспонаты главного хранителя Музея А.Н. СкрябинаОрлы, единороги и цветы. Разбираемся в гербах Пушкиных, Скрябиных и других дворян

Создав классическое фото, Бендель избавился от ненужных деталей для конечного образа (делалось это разными способами отбеливания изображения, нанесения светочувствительной соли серебра и так далее), оставив в виде фотографического снимка лишь голову и шею композитора. Остальные детали — одежда, тени, отбрасываемые героем, — дорисовывались.

суть фотографии, жанры, стили. Известные фотографы и самые яркие фотоснимки

Фотография — разновидность изобразительного искусства, в которой художник с помощью особых технических средств воплощает свой творческий замысел в виде изображений (снимков). При создании ярких произведений фотоискусства мастер умело сочетает художественный вымысел и достоверную информацию. Фотография возникла в середине XIX века и прошла сложный путь от забавного аттракциона до полноценного вида изобразительного искусства наряду с живописью, скульптурой и кинематографом.

Фотография в течение долгих лет была доступной узкому кругу людей. Технологии печати снимков оставались весьма сложными вплоть до конца ХХ века, а хорошие фотоаппараты стоили немалых денег. Но с изобретением цифровой фотографии и массовым распространением смартфонов фотоискусство стало общедоступным явлением. Современные технологии позволяют любому человеку с хорошим художественным вкусом создавать яркие и красочные снимки.

Жанры фотографии

Фотография как вид искусства включает разделение на основные жанры.

Портрет. Самый ранний жанр фотоискусства. Изначально фотопортреты делали в строгом классическом стиле для альбомов или публикаций в печатных изданиях, а в наше время фотографы смело нарушают эти устаревшие каноны.

Пейзаж. Очень популярный коммерческий фотожанр. Очаровательными изображениями видов живой природы люди часто украшают свои дома.

Натюрморт. Нередко содержит глубокий скрытый смысл, хотя для создания произведения искусства обычно берут хорошо знакомые неодушевленные предметы.

Жанр ню. Используется творческими личностями для наглядной демонстрации красоты человеческого тела. Популярный фотожанр среди представителей богемы.

Документальное фото. Имеет огромное социальное значение. Яркие натуральные снимки оказывают сильное эмоциональное воздействие на зрителя.

Уличное фото. Часть современной городской субкультуры. Благодаря мастерству фотографов будничная жизнь мегаполиса открывается зрителю в новом свете.

Репортаж. Фотожанр профессиональных журналистов. Используется для освещения какого-то события или другого задания редакции.

Репродукция. Идеально подходит для близкого знакомства широкого круга людей с выдающимися произведениями изобразительного искусства.

Фотоохота. Позволяет людям насладиться снимками животных без ущерба для здоровья наших младших братьев.

Макрофотография. Используется для получения качественных снимков миниатюрных объектов. Позволяет человеку детально рассмотреть то, что обычно скрыто от нашего взора.

Ночная съемка. Требует особого мастерства художника и наличия специальной аппаратуры. Большим спросом у зрителей пользуются ночные виды мегаполисов.

Свадебная фотография. Времена, когда свадебное фото с молодоженами и гостями делали в салонах давно канули в лету. Современные профессиональные фотографы создают уникальные художественные альбомы о праздничном событии.

Жанров фотографии существует огромное множество. Увы, формат статьи не позволяет подробно описать каждый из них. А новые жанры в фотоискусстве появляются в нашей культуре с завидным постоянством. Помимо вышеупомянутых мы приведем ниже следующий список жанров фотографии:

Стили фотографии

Как и в других видах изобразительного искусства в фотографии существует разделение по стилям. Отличительные особенности каждого направления заметны во многих проявлениях:

• применении цвета;
• нюансах композиции;
• технике съемки;
• интерпретации основной темы.

Наиболее известны широкой публике стили, перечисленные ниже.

Поп-арт. Яркий представитель этого направления — Энди Уорхолл. Стиль создан с целью стереть грань межу высоким и утилитарным искусством. Характерные черты произведений — яркие цвета, абстрактные мотивы, обтекаемость форм и высокая контрастность предметов.

Ретро. Позволяет зрителю познакомиться с жизнью предшествующих эпох. Фотографы используют особую пленку и способы съемки. Очень часто для реализации своих идей художники отказываются от цветных снимков в пользу ностальгических черно-белых изображений.

Гламур. Возник в 20-30-х годах прошлого века во время бурного развития киноиндустрии. Этот стиль — хвалебный гимн шику и роскоши. В нем господствуют безукоризненные образы, часто используются фото с томными взглядами красивых женщин.

Винтаж. Родственный с ретро стиль, но с некоторыми особенностями. Современные технологии позволяют с легкостью добиться нужных визуальных эффектов: от поблекших цветов до еле заметных потертостей на снимках.

Гранж. Появился в 80-90-годах ХХ века. Его легко узнать по характерному признаку — нелицеприятному отображению окружающего пространства и присутствию изуродованных образов. Это — протестный стиль, популярный в среде радикально настроенных молодых людей.

Яркие фотографы

Заметный след в истории мирового искусства оставили много ярких фотографов разных стилей, жанров и эпох. Достойны отдельного упоминания десятки мастеров, но автору этой статьи придется сделать непростой выбор на свой страх и риск. Несколько известных имен представлены вниманию читателя.

Марк Рибу (Marc Riboud) — патриарх французского фотоискусства, гений репортажной съемки. В 2004 году в Музее современного искусства в Париже состоялась именная выставка работ великого мастера.

Алфред Стиглиц (Alfred Stieglitz) — американский фотограф, отчаянный борец за признание фотографии полноценным видом искусства. Его работы первыми в США стали экспонатами музеев, наряду с картинами и скульптурами.

Энсел Истон Адамс (Ansel Easton Adams) — мэтр черно-белых снимков с пейзажами американского Запада. Автор нескольких авторитетных книг по фотографии. Его снимок «Хребет Ти́тон и река Снейк» в числе немногих других фото размещен на золотой пластинке двух Вояджеров, улетевших в 1977 году к далеким звездам.

Ги Бурден (Guy Bourdin) — французский гений провокационного fashion-фото. Более 40 лет сотрудничал с журналом Vogue, разрабатывал блестящие рекламные компании для домов моды Chanel и Versace.

Синди Шерман (Cindy Sherman) — американская фотохудожница, автор самого дорогого альбома снимков в истории фотоискусства «Кадры из неназванных фильмов».

Самые известные фото

Список самых известных фото в мировом искусстве включает разные по тематике и жанрам работы. Но все они легко узнаваемы с первого взгляда.

«Эйнштейн с высунутым языком» (1951) — снимок, запечатлевший великого гения в весьма нестандартном образе. Широко используется в интернет-мемах и других проявлениях современной культуры.

«Человек, остановивший танки» (1989) — страшное по драматическому накалу изображение подвига неизвестного смельчака во время кровавых событий в Китае на площади Тяньаньмэнь.

«Террор войны» (1972) — яркое свидетельство военных преступлений США во Вьетнаме. Символ протеста против войны во всем мире.

«»Доказательство» существования Лох-Несского чудовища» (1934) — самое знаменитое изображение доисторического монстра. Несмотря на низкое качество, фото наделало много шума и было напечатано во многих странах мира.

«Мерилин Монро в развевающемся платье» (1955) — кадр из популярного американского фильма «Зуд седьмого года». Снимок был и остается символическим изображением кумира мужчин разных поколений.

Фотография занимает достойное место среди других видов изобразительного искусства и не собирается сдавать свои позиции в будущем.

На сайте Very Important Lot посетители всегда могут принять участие в аукционах, чтобы приобрести оригинальные предметы антиквариата. Здесь также можно купить произведения современного искусства напрямую у авторов.

%d1%85%d1%83%d0%b4%d0%be%d0%b6%d0%b5%d1%81%d1%82%d0%b2%d0%b5%d0%bd%d0%bd%d0%b0%d1%8f%20%d1%84%d0%be%d1%82%d0%be%d0%b3%d1%80%d0%b0%d1%84%d0%b8%d1%8f — фото %d1%85%d1%83%d0%b4%d0%be%d0%b6%d0%b5%d1%81%d1%82%d0%b2%d0%b5%d0%bd%d0%bd%d0%b0%d1%8f%20%d1%84%d0%be%d1%82%d0%be%d0%b3%d1%80%d0%b0%d1%84%d0%b8%d1%8f, последние новости про %d1%85%d1%83%d0%b4%d0%be%d0%b6%d0%b5%d1%81%d1%82%d0%b2%d0%b5%d0%bd%d0%bd%d0%b0%d1%8f%20%d1%84%d0%be%d1%82%d0%be%d0%b3%d1%80%d0%b0%d1%84%d0%b8%d1%8f, лучшие фотографии %d1%85%d1%83%d0%b4%d0%be%d0%b6%d0%b5%d1%81%d1%82%d0%b2%d0%b5%d0%bd%d0%bd%d0%b0%d1%8f%20%d1%84%d0%be%d1%82%d0%be%d0%b3%d1%80%d0%b0%d1%84%d0%b8%d1%8f

Все публикации про %d1%85%d1%83%d0%b4%d0%be%d0%b6%d0%b5%d1%81%d1%82%d0%b2%d0%b5%d0%bd%d0%bd%d0%b0%d1%8f%20%d1%84%d0%be%d1%82%d0%be%d0%b3%d1%80%d0%b0%d1%84%d0%b8%d1%8f, последние фото и новости про %d1%85%d1%83%d0%b4%d0%be%d0%b6%d0%b5%d1%81%d1%82%d0%b2%d0%b5%d0%bd%d0%bd%d0%b0%d1%8f%20%d1%84%d0%be%d1%82%d0%be%d0%b3%d1%80%d0%b0%d1%84%d0%b8%d1%8f
Latest posts and photos tagged %d1%85%d1%83%d0%b4%d0%be%d0%b6%d0%b5%d1%81%d1%82%d0%b2%d0%b5%d0%bd%d0%bd%d0%b0%d1%8f%20%d1%84%d0%be%d1%82%d0%be%d0%b3%d1%80%d0%b0%d1%84%d0%b8%d1%8f on Etoday (Events & Entertainment Today).

Результаты поиска:

Ничего не найдено по запросу «%d1%85%d1%83%d0%b4%d0%be%d0%b6%d0%b5%d1%81%d1%82%d0%b2%d0%b5%d0%bd%d0%bd%d0%b0%d1%8f%20%d1%84%d0%be%d1%82%d0%be%d0%b3%d1%80%d0%b0%d1%84%d0%b8%d1%8f». Вернутья на главную страницу интернет-журнала Etoday.ru.

Почему чуда не произошло — Российская газета

Люблю театр с детства. Каждая моя поездка в Москву — ожидание чуда встречи с театром. Вечером спектакли, а днем — мой любимый Бахрушинский музей. Там я пропадала часами. Выходила в уютные московские дворики музея на Павелецкой и его филиалов — Музея Островского на Ордынке, Музея Щепкина у Олимпийского дворца спорта. Опять возвращалась в залы экспозиций и выставок.

Мне посчастливилось видеть уникальные проекты Бахрушинского музея. До сих пор вспоминаю юбилейную выставку «Чехов». Какое неожиданное решение. Это был рассказ, выстроенный при помощи современных черно-белых фотографий. Выставка читалась как посвящение судьбе Чехова. Нам показывали те места, где он жил или где ему довелось бывать — Таганрог, Москва, Мелихово, Санкт-Петербург, Сахалин, Ялта, наконец, Баденвейлер. Это была не мемориальная с привычными нам мифологемами, а художественная экспозиция. Это был взгляд моих современников — кураторов проекта — на путь великого драматурга из сегодняшнего дня. Черно-белые фотографии были выполнены таким образом, что было трудно определить их принадлежность к XX веку или веку XXI-му. Это был путь Чехова к Театру, и дорога ведущая нас, посетителей выставки, к особенному залу — в нем были представлены самые яркие постановки пьес Чехова через эскизы декораций и костюмов, выполненные выдающимися мастерами сценографии. И все это богатство — коллекция Театрального музея! Выставку хотелось смотреть еще и еще. И я возвращалась, открывая новые образы, смыслы. А какие эмоциональные по настроению и глубокие по смыслу выставка, посвященная легендарному спектаклю Мейерхольда — Головина «Маскарад» в Александринском Императорском театре, поставленном в 1917 году, и выставка ко Дню Победы «Театрально-фронтовые дневники». Каждая осталась в памяти и о каждой я могла бы написать свои впечатления. Список может быть продолжен…

Сцена. Смоктуновский И.М. в роли князя Мышкина, Доронина Т.В. в роли Настасьи Филипповны Фото: Предоставлено Бахрушинским музеем

Я живу в Великом Новгороде. В последнее время из-за пандемии и ограничений давно не была в Москве. И вот радость! Читаю, что в моем родном городе, где драматический театр носит имя Достоевского, в 200-летний юбилей писателя пройдет XXV Международный театральный фестиваль Ф.М. Достоевского. Жду с нетерпением. Изучаю программу фестиваля. Не верю своим глазам. В Новгородском объединенном музее-заповеднике мой любимый Бахрушинский музей представит выставку «Федор Достоевский и театр». Жду открытия выставки. Решила — на вернисаж не пойду. Там всегда излишняя суета, а я люблю тишину музейных залов, которая располагает к созерцанию. Чем удивит меня сокровищница театральных раритетов? Мне посчастливилось видеть легендарные спектакли Товстоногова, Фоменко, Любимова, Додина. Какое слово скажет музей о великом Достоевском в год его 200-летия, как осмыслит творчество писателя, не написавшего ни одной пьесы, но являющегося одним из лидеров в мировом репертуаре?

Чуда не произошло. Что случилось с Бахрушинским музеем?! Меня ждала встреча не с эпохальной экспозицией (все-таки юбилей, да еще какой!), а, другой фразы не подберу, наспех сляпанная выставка для заштатного красного уголка. Первое ощущение от пространства — холод, отсутствие живой энергии куратора. А был ли он, куратор? Об этом ничего не сказано в текстовом материале к выставке. Странная логика, вызывающая недоумение по меньшей мере, — начать рассказ не о последнем романе писателя «Братья Карамазовы», который стал первым опытом инсценировки прозы в истории режиссерского театра (в 1910 году спектакль был поставлен на сцене Художественного театра В.И. Немировичем Данченко и В.В. Лужским), а с более поздних постановок ранних повестей и рассказов… Меня всегда восхищало умение музейных служителей выстроить связи музейных предметов, относящихся к разным эпохам, заставить экспонаты «заговорить», открыть нам, посетителям, смыслы театрального таинства. К величайшему моему сожалению — это не о новгородской выставке Бахрушинского музея. Сколько уникальных материалов, связанных с этой темой в запасниках музея. Материалов, отражающих знаковые постановки произведений Федора Михайловича на русской сцене. Где они? Когда-то я была очарована макетом Давида Боровского к «Преступлению и наказанию» в Театре на Таганке, который хранится в музее Бахрушина. Где он? Такое ощущение, что те, кто наспех отобрал экспонаты для новгородской выставки, не только не понимают значение этой работы, но не подозревают о его существовании.

Я внимательно читала материалы, опубликованные в СМИ о том, что происходит в настоящее время в Бахрушинском музее в связи со сменой руководства, о массовых увольнениях и добровольном уходе профессионалов. Грустно… Выставка, так разочаровавшая меня формализмом, равнодушием и небрежностью — непозволительными в отношении к такому таланту, каким является для нас Достоевский, — свидетельство неблагополучия Театрального музея имени Бахрушина сегодня.

Эскиз афиши Бархин С.М. Фото: Предоставлено Бахрушинским музеем

1. Профессиональное и любительское фото: в чем разница?: vsevelova — LiveJournal

Первый текст для фотошколы 🙂
Комментируйте, задавайте вопросы, начинайте дискуссии — я буду только рада.

* * *

Итак, раз этот блог будет о профессиональной фотографии (т.е. «хороших» фото),
сначала нужно разобраться — что же такое «плохие» фотографии и как они получаются сами по себе.

Сказать легче чем сделать, честное слово! И сейчас вы поймете, почему.

Разница между любительским фото и профессиональным, конечно, существует
— сравните семейный альбом и выпуск National Geographic,
но по каким именно критериям мы определяем,
какую картинку можно напечатать в журнале, а какую — нет?

Фотографии, которые не возьмут ни в один журнал:

А это — работы профессионалов, как известных, так и не очень, которые публиковались не раз:

Получается, что работы настоящих фотографов от любительских карточек отличаются вот чем:

Свет — не случаен, а падает туда, куда нужно, даже естественное освещение контролируется
(к примеру, на портрете будет освещено лицо, а не пятно на обоях позади человека или его ноги).
Нет случайных отражений вспышки от фона или черных теней за головой, если свет искуственный.
Цвет — цвета на фото натуралистичные, приятные глазу, «как в жизни или лучше».
Техническое качество самой картинки —  нет засветов, царапин на негативе, бликов оптики,
то, что должно быть в фокусе — в фокусе (чаще всего это объект на переднем плане).
Композиция — снимок сбалансирован, перспектива не искажена, вертикали не падают, горизонталь не «завалена».

Головы и другие части тел не обрезаны, самый важный объект съемки находится в кадре целиком,
внимание зрителя не рассеяно ( «сразу ясно, куда смотреть» ).

Теперь — внимание, тест: профессиональные это фото или игривый домашний самопал?

Правильный ответ: черт его знает, но это достаточно успешный в области фешн-фото  Терри Ричардсон

Получается, что все критерии, которые мы обозначили выше, сравнив фото домашние и хорошие,
довольно плохо работают (если вообще работают) по отношению к современной коммерческой фотографии,
которую принято называть профессиональной (деньги получает — значит, профессионал).
В чем же тогда сермяжная правда жизни?

А если попробовать так: профессиональное фото — это фото, сделанное профессионалом,
кто профессионал — тот сам знает ( «кто дурак — тот сам знает» к/ф Форрест Гамп).
Сомнительной логики утверждение, правда?

Или, опять же, вот вам подборка рекламы из прошлогоднего выпуска журнала «LOVE» (Spring/Summer 2011),
в которой использованы приемы (если не сказать — ошибки), типичные для любительского фото.
Дело в том, что сейчас это очень популярный коммерческий тренд, этакая «новая искренность»
(об этом мы обязательно поговорим позже, тема очень интересная сама по себе).
То есть эти фотографии были а)отобраны для рекламной кампании, б)напечатаны большим тиражом:

Итого на вопрос «чем любительское фото отличается о  профессионального» пока что можно ответить следующее:

В фотографии, как и в любом другом виде искусства, есть свои приемы и техники.
Профессионал — это человек, который знает о них достаточно, и использует подходящую ему технику или прием тогда,
когда ему нужно достичь определенного эффекта. Использует осознанно и отдавая себе полный отчет!
Либо, как вариант — когда какой-то случайный эффект получился неожиданно удачным,
профессионал может его использовать в дальнейшем постоянно в рамках собственного авторского стиля
( «любительская вспышка» Терри Ричардсона, которую сейчас заимствует любой кому не лень).

В следующих постах мы эти самые изобразительные техники и начнем разбирать — stay tuned! (:

PS: конечно, камера тоже имеет значение — но не в первую, вторую, или даже третью очередь.

советов по изданию и ценообразованию фотографий изобразительного искусства

Освоение профессиональной фотографии изобразительного искусства может быть сложной задачей, особенно для начинающих фотографов. Особенно сложно определить, как оценивать и редактировать работу. Существует несколько жестких правил, помимо аксиомы, что вы всегда можете поднять цены, но никогда не должны их снижать, потому что вы подрываете ценность своей работы. (Ни один коллекционер, покупающий гравюру, не захочет, чтобы позже его предлагали по более низкой цене.)

К счастью, имеется много доступной информации, которая может помочь фотографам принять осознанное решение об издании и ценообразовании, а коллеги, галеристы и другие люди с большим опытом часто готовы дать совет.

Из книги Зоры Дж. Мерфф « Ни в какой промежуточной точке». © Зора Дж. Мерфф

Ключевым моментом является отсутствие страха — и смущения — признать, что у вас нет ответов на все вопросы, — говорит Зора Дж. Мерфф. «У вас всегда такое чувство, будто я просто должен знать это, но каждый учится у кого-то другого», — говорит он.Мерфф говорит, что налаживание связей с другими людьми, работающими в области изобразительной фотографии, было очень важно. Он многому учится, просто «общаясь с людьми, у которых больше опыта».

Когда коммерческий фотограф Рубен Ву решил продавать свои личные проекты в качестве изданных отпечатков, он посоветовался с директорами галерей. «Я сказал: вот мой прайс-лист», — вспоминает он. «Они сказали: у тебя слишком много размеров». Ему посоветовали предлагать оттиски только трех или четырех размеров, предлагать более крупные оттиски тиражом по пять или меньше, «и убедитесь, что у вас есть доказательства художника», — говорит он.

Когда он впервые продавал свою работу, Рафаэль Сольди знал галеристку из Сиэтла Гейл Гибсон достаточно хорошо, чтобы спросить ее совета. После того, как он предложил выпустить пять тиражей по определенной цене, она предложила увеличить тираж до десяти и предлагать их по несколько более низкой цене за один экземпляр. Сольди говорит, что логика была такова: «Может быть, вы берете немного меньше, но вы все равно зарабатываете примерно такую ​​же сумму денег, и вы можете продавать отпечатки большему количеству людей в начале своей карьеры».

Когда он впервые определял свои цены и размеры тиража, Сольди смотрел, как другие художники, которые были «на аналогичном уровне и выполняли аналогичную работу», оценивали свои гравюры.Он отмечает, что практически на любой выставке в галерее есть чек-лист.

Престон Ганнауэй говорит, что обзоры портфолио могут быть хорошим ресурсом, «если вы можете себе их позволить». Она говорит, что ходила бы к одному или двум в год и «спрашивала о главных моментах» продажи работ в дополнение к показу своих фотографий. «Обзоры портфолио и нетворкинг очень помогли мне узнать, что люди делают, чего хотят галереи и кураторы», — говорит она.

Сиг Харви говорит, что профессор посоветовал ей быть «лучшим хранителем своей работы».При оценке и редактировании своих работ она придерживалась долгосрочной перспективы, задавая себе вопрос: «Где я хочу быть через десять лет?» © Сиг Харви

Сиг Харви говорит: «Молодому художнику без денег может быть заманчиво» продавать открытые тиражи или большое издание по сниженной цене. Она сопротивлялась этому в начале своей карьеры, отчасти благодаря совету, который ей дал профессор аспирантуры Арно Минккинен. Он сказал ей быть «лучшим хранителем своей работы». Она пошла в AIPAD, посмотрела на цены и размеры изданий более авторитетных фотографов и подумала: «Где я хочу быть через десять лет?» По ее словам, по мере того, как она стала более известной, ее цены выросли, но ее издания не сильно изменились.

Дженнифер Гарза-Куен говорит, что она допустила «несколько серьезных ошибок», когда впервые придумывала, как оценивать и редактировать свою работу. Она участвовала в благотворительном аукционе, когда была аспирантом, и установила свой тираж на 100. Несколько других аспирантов сделали нечто подобное, вспоминает она. Пока она была на аукционе, она увидела работы «всех профессионалов», которые были тиражом по 10, 7 или 5. «Я подумала:« Боже мой! Потому что я поняла, что основывала свое решение на устаревшей информации », — вспоминает она.К счастью, она была в «безопасной ситуации», — говорит она, — «но это было для меня большим уроком».

Коллекционер

Ларри Ротман дал фотографу Дженнифер Колтен «хороший разговор о моих ценах», — говорит она. Ротман купил гравюры у Колтен после встречи с ней на групповой выставке в Денверском художественном музее. Когда Колтен доставил отпечатки Ротману, «он сказал мне, что я сильно занижала цены на свои работы», — вспоминает она. «Ларри был действительно прямым: он сказал мне: женщины недооценивают себя, и тебе не следует этого делать.Я слышал его и ценю это, а также его честность ».

Гарза-Куен говорит, что в молодости она не продавала много работ, что, как оказалось, было для нее хорошо. По ее словам, ее работа стоит дорого, и она чувствовала, что для нее не имело смысла «продавать работу дешевле, чем она стоит». Она говорит, что всегда спрашивала цену, «основанную на стоимости производства».

Сольди говорит, что «в молодости может быть очень сложно покрыть расходы на создание произведения».Например, если вы знаете, что распечатать и смонтировать работу стоит 100 долларов, создание рамы — 250 долларов и отправка — 150 долларов, ваши затраты только на изготовление работы составляют 500 долларов. «Но тогда [если] ваша работа оценена в 1000 долларов, а галерея занимает 50 процентов, вы окупитесь, вы не зарабатываете никаких денег». Когда вы только начинаете, «возможно, вы не в том месте, где можно продать свою работу» по цене, которая позволяет вам реально заработать на этом что-нибудь. Сольди говорит, что попросил галерею помочь ему каким-то образом, оплатив доставку или оформление, или предоставив ему 60% от продажной цены.Он также считает, что за раму должен заплатить коллекционер. «Когда вы обрамляете работу, и галерея занимает 50 процентов, для меня это всегда 50 процентов от стоимости печати, а не цена рамы», — объясняет он. «Если я выставляю 400 долларов на создание рамы, то почему галерее остается оставить 200 долларов из них?» Если галерея настаивает на том, чтобы указывать только цены в рамке, он удвоит цену за рамку. «Если печать стоит 800 долларов, а рама стоит 200 долларов, и это составляет [общая цена] 1000 долларов, я сделаю раму стоимостью 400 долларов, [увеличив стоимость работы] до 1200 долларов, так что когда галерея заберет свои 50 процентов Я верну свои деньги на раму.”

Хотите еще PDN ? Нажмите здесь, чтобы подписаться на нашу рассылку новостей по электронной почте и получать самые свежие новости недели прямо к вам.

По теме:
Фотографы изобразительного искусства о ключевых решениях, которые помогли им построить карьеру

Фотографы изобразительного искусства о выборе карьеры

Как продать свои репродукции изобразительного искусства: Букварь

Что (и как) Коллекционеры фотографий покупают сейчас

Статьи по теме

© Бенджамин МакМахон

Редакционная фотография

6 декабря 2019 г.
Еще в 2015 году, когда лондонский фотограф-портретист Бенджамин МакМахон строил свою карьеру, его наставник, фотограф Джулиан Брод, дал ему ценный совет: «Не начинай менять свой стиль.Просто продолжайте делать то, что вы хотите сделать, и создавайте те фотографии, которые вы хотите сделать. К вам придут нужные люди ». МакМахон поймал его на слове …
Подробнее »

Все фото © Vinhay Keo

Художественная фотография

15 ноября 2019 г.
Если все сделано правильно, уникальный процесс печати может придать фотографии дополнительный смысл.Винхай Кео, чья работа ссылается на травмы поколений и его место в художественном каноне, был удивлен глубиной, которую алюминиевые принты ChromaLuxe добавили изображениям на его персональной выставке «Танцы во тьме» в галерее Moremen в Луисвилле, Кентукки, во время … .
Подробнее »

© Хосуэ Ривас

Художественная фотография

29 октября 2019 г.
художников в этом году возглавили серию протестов, в которых ставятся под сомнение источники финансирования искусства, что свидетельствует об изменении отношений между художниками и меценатами.
Подробнее »

Где продать художественную фотографию

Где продать свою художественную фотографию www.sleeklens.com

Я продаю свои репродукции художественной фотографии уже несколько лет. Первые несколько из них были потрачены на эксперименты, чтобы увидеть, что работает, а что нет. К счастью для вас, я расскажу вам о том, где и как, чтобы вы могли сразу приступить к работе!

Можно ли продать вашу работу? Поиск рынка сбыта

Прежде чем даже начать продавать, спросите себя: «А моя работа вообще востребована?» Снимаете ли вы пейзажную фотографию, профессиональную фотографию обнаженной натуры или делаете сюрреалистические фотоманипуляции, всегда полезно знать о спросе.Даже если ваша работа востребована, поиск подходящей клиентуры может занять некоторое время. Вы можете начать с создания небольшой партии отпечатков. Затем спросите окружающих, не хотели бы они повесить это на стену. Подумайте о том, чтобы предлагать их по низким ценам или даже раздать несколько тем, кто заинтересован. Маме всегда будет нравиться ваша работа, теперь пора наладить личные контакты с такими экспертами, как галеристы и покупатели произведений искусства. Когда я говорю о личных связях, я имею в виду встретиться с ними лично.Эти люди слишком заняты, чтобы отвечать на холодные звонки незнакомцев. Спросите их, знают ли они о подходящих платформах для вашей работы. Помните, что не все виды искусства будут иметь одинаковую маркетинговую стратегию.

Продавайте свои фотографии в Интернете

Продажа отпечатков в Интернете становится все более распространенной. Преимущество этого в том, что вы можете продавать произведения искусства прямо из своей студии. Один очевидный элемент для продажи большего количества работы — привлечь больше людей на ваш сайт. Подумайте о том, чтобы разместить свою работу на других веб-сайтах, связанных с искусством, со ссылкой на ваш собственный веб-сайт.Это может увеличить посещаемость вашего сайта.

Автоматизированные интернет-магазины

Существуют веб-сайты, на которые вы можете загрузить свои распечатки, которые делают большую часть работы за вас. Клиенты могут покупать принты и продукты, созданные автоматически из загруженных произведений искусства, в виде кружек, футболок, скинов для ноутбуков и мобильных телефонов, одежды и т. Д. Это может быть отличным источником пассивного дохода. Процент продаж выплачивается художнику автоматически после продажи продукции. Недостатком является то, что на этих сайтах обычно продаются распечатки открытого тиража по более низкой цене, что снижает ценность вашей фотографии.Процент, который получает артист таким образом, намного меньше, чем независимая продажа (около 10%), поэтому, даже если ваши продукты продаются в больших количествах, вы не зарабатываете здесь миллионы. Я рекомендую создавать или выбирать работы из своего инвентаря специально для этих веб-сайтов в дополнение к вашим отпечаткам ограниченного тиража, которые вы можете продавать на других платформах.

Некоторые примеры автоматизированных магазинов художественной печати: Curioos, Society 6, Zazzle, Red Bubble, Cafe Press, Threadless, iCanvas, Eye Buy Art, 500px и Art of Where.

Магазины ограниченного выпуска и онлайн-магазины произведений искусства

В отличие от вышеперечисленных магазинов, эти магазины продают репродукции ограниченным тиражом, как правило, по более высокой цене. Продавцами часто занимается художник, а это означает, что при продаже предмета вы несете ответственность за печать, оформление, упаковку, отправку и обработку запросов клиентов. Вы можете установить свою цену, номер редакции и сохранить больший процент продаж.

Примерами печатных веб-сайтов с ограниченным тиражом являются Etsy, Saatchi Art, Mammoth and Co, Stampa, 20 x 200, Art Fido и Foxsly.

Ваш веб-сайт

У вас всегда должна быть возможность для покупок на вашем веб-сайте. Существует множество шаблонов веб-сайтов, которые позволяют создать интернет-магазин, например, магазин электронной коммерции Squarespace, который отлично выглядит и прост в настройке. Выберете ли вы страницу интернет-магазина или страницу контактов по поводу распечаток, зависит от того, что подходит вам и вашей фотографии. Вашим клиентам должно быть ясно, что фотографии на вашем сайте продаются.

Продавайте свои фотографии на художественных выставках

Art Fairs

Один из лучших способов продать свои работы — через различные художественные ярмарки. Вы можете начать на местном уровне и, возможно, расшириться на международном уровне, если и когда увидите, что ваша работа будет востребована. Художественные ярмарки отличаются от галерейных выставок, потому что они обычно длятся несколько дней, имеют большую посещаемость и проводятся в большом общественном месте, таком как площадь или конференц-центр. Есть художественные ярмарки исключительно для галерей и другие, посвященные отдельным художникам.В летний сезон самое большое количество ярмарок произведений искусства на открытом воздухе для отдельных художников, и участие в выставках на открытом воздухе обычно дешевле, чем на выставках в помещении. Одним из преимуществ арт-ярмарок является то, что после оплаты выставочного стенда 100% продаж достается художнику. В этих выставках может принять участие любой желающий: покупатели произведений искусства, галеристы, художники и многие другие. Это делает арт-ярмарки отличным способом познакомиться с людьми, работающими в сфере искусства. Никогда не знаешь, кто зайдет к тебе в будку. Кроме того, в этой ситуации окупается долголетие.Присутствие из года в год может помочь узаконить вашу работу, показывая покупателям, что вы постоянно занимаетесь искусством и что покупка у вас является хорошей инвестицией.

Я настоятельно рекомендую изучить ярмарки искусств в вашем городе и даже связаться с участвующими художниками, у которых есть работы, похожие на ваши, и спросить об их опыте.

Фотография Алисы Зильберберг

Торговые галереи изобразительного искусства

Торговые галереи — часто первое, о чем думают художники.Поиск коммерческой галереи может оказаться долгим процессом, и перед подписанием контракта необходимо учесть множество вещей. Наличие источника, который продает вам ваше искусство, безусловно, является преимуществом. Галерея может повысить узнаваемость ваших работ, выставив их на аукционах и художественных ярмарках для галерей. Однако галереи берут на себя большой процент (обычно 50%) продаж. С дополнительными расходами, такими как печать и обрамление, художникам остается еще меньше в конце. Эта модель может работать, если в галерее продается большой объем работ.Некоторые галереи имеют эксклюзивные контракты, что означает, что клиенты могут покупать работы только у них, а не у художника напрямую. Неисключительные контракты позволяют художникам продолжать продавать работы независимо или через другие галереи в дополнение к работам, проданным в галерее.

Выбор галереи — это полностью индивидуальный процесс, требующий проб и ошибок. Помните, что читать мелкий шрифт, контролировать продажи и разбираться в юридических вопросах — это ваши обязанности при сотрудничестве с галереей.

Индивидуальные арт-дилеры

Помимо галерей, у которых есть физическое галерейное пространство, есть также индивидуальные дилеры, которые могут представлять ваши работы и помещать вас в различные пространства, такие как групповые выставки. Они также могут продавать своим клиентам. Иногда они забирают меньший процент от продаж, чем коммерческие галереи.

Фотография Алисы Зильберберг

Аукционы

Аукционные дома и благотворительные аукционы — это хорошее дело.Некоторые просят художников пожертвовать произведение искусства или взять процент от продажи. Преимущество аукционов для фотографов состоит в том, что если ваш отпечаток будет продан, проигравший участник торгов может прийти непосредственно к вам, чтобы купить следующий доступный отпечаток ограниченного выпуска для этого произведения.

Мыслите нестандартно

Вы не ограничены перечисленными выше платформами. Будьте изобретательны! подумайте о других способах продажи вашей работы. Ваша работа связана с женскими проблемами? Может быть, вы можете обратиться в женскую больницу, чтобы узнать, заинтересованы ли они в покупке вашей работы для своего помещения.Вы снимаете туристическую фотографию? Может быть, туристическая компания заинтересована.

Рейтинг: 012345 4,00 на основе 11 оценок

Следующие две вкладки изменяют содержимое ниже.

Алиса Зильберберг — отмеченный наградами фотограф и художник, родилась в Эстонии, выросла в Израиле, а сейчас живет в Торонто, Канада. Выпускница программы фотографии Университета Райерсона, она выставлялась в галереях Канады, США и Японии, а также публиковалась на международном уровне, в последнее время в журнале PHOTO + Magazine в Сеуле, Корея.Ее работы продавались в аукционных домах и благотворительных аукционах, в том числе Waddingtons, Snap! и ОРТ. Зильберберг объединяет традиционную фотографию и компьютерную иллюстрацию, создавая изображения, соединяющие платформы фотографии и живописи. Ее работы сочетают реальность и фантазию, перекликаясь с элементами сюрреализма и искусства барокко. Ее работы исследовали пересечение женственности и сущности женской силы, связанной с окружающей средой. Исследуя традиционную женскую иконографию, работа лишает эти повествования устаревших представлений о женщинах как о слабом полу и подчеркивает расширение прав и возможностей женщин.Ее последняя серия пейзажей исследует темы идентичности, перемещения и принадлежности, объединяя образы двух мест, которые она называла своим домом.

Самые популярные сообщения в октябре

Глоссарий терминов в области художественной фотографии

подсветка
Описывает освещение от источника позади объекта. Обычно используется вместе с другими источниками света, но сам по себе может отделить объект на темном фоне или создайте вокруг него эффект ореола.

Двери сарая
Насадка, которая устанавливается на передней части студийного светильника и позволяет фотографу контролировать распространение света.

Bitmap / Bmp
Формат изображения, популярный в первые дни ПК, но все еще используемый в качестве собственный формат операционной системой Windows .

фильтра размытия
В Photoshop есть семь фильтров размытия: Размытие, Больше размытия, Объектив Размытие, размытие по Гауссу, размытие в движении, радиальное размытие и интеллектуальное размытие.Все работают путем объединения цветов смежных пикселей, чтобы дать визуальное впечатление нерезкости.

брекетинг
Метод экспонирования одной или нескольких экспозиций по обе стороны от прогнозируемой выдержка для получения наилучшего результата.

трос разблокировки
трос, позволяющий спускать затвор с минимальной вибрацией или камерой встряхнуть; необходим для длительных выдержек.

калотип
Фотографический процесс, запатентованный Уильямом Генри Фоксом Талботом в Англии. и Уэльс 8 февраля 1841 года, также известный как Talbotype.Процесс был значительное улучшение фотогеничного процесса рисования Талбота и использование йодид серебра в сочетании с галловой кислотой повышает его чувствительность. После экспонирование бумага была разработана для получения негатива, а затем химически исправлено, чтобы сделать его постоянным. Калотип был первым отрицательным / положительным процесс, и он лег в основу современной фотографии. См .: Искусство гравюры.

угол камеры
Описывает положение камеры относительно объекта.Где камера размещена, и тип используемого объектива будет определять, как зритель воспринимает предмет.

camera lucida
Оптическое устройство, используемое художниками, которое использует призму для наложения виртуальную сцену или предметное изображение на чертежную доску так, чтобы контур можно проследить на бумаге. Он был изобретен Уильямом Хайдом Волластоном в 1807.

камера-обскура
Оптическое устройство, пришедшее в употребление в эпоху Возрождения.Он состоит коробки или затемненной комнаты с отверстием с одной стороны, изображение на лицевую сторону. Он использовался Старым Мастера в качестве вспомогательного средства для рисования, потому что сохранились перспектива. К 18 веку использование линз и зеркала в 45 градусов для портативной камеры-затемнителя меньшего размера.

откровенные фотографии
Неэкспонированные изображения часто делаются без ведома объекта. Они стали возможными благодаря небольшим ручным камерам; по общему мнению, первый был взят в 1892 г.Этот термин впервые был использован в 1930 году в журнале Weekly Graphic .

углеродный отпечаток
Ряд углеродных процессов был описан до того, как сэр Джозеф Свон запатентовал процесс в 1864 году. Swan’s был введен в следующем году и обнаружил коммерческий успех за счет предоставления фотографу готовых материалов. Его патенты выкупила компания Autotype. Процесс произвел печать с использованием карбона, что сделало ее стойкой и не выцветшей.Карбоновые отпечатки обычно имеют матовую поверхность от черного, серого до сепии и другие тона.

CCD
Это датчик изображения; CCD означает «устройство с зарядовой связью».

хромогенный отпечаток
Хромогенный отпечаток, также известный как печать на красителях. Процесс был разработан в середине 1930-х годов и является основа большинства современных цветных фотоматериалов на основе серебра, например Kodachrome , Ektachrome , Kodacolor и Agfacolor производя как отрицательные, так и прямые положительные результаты.Отпечатки часто неправильные называется C- [Type] отпечатки, что относится, в частности, к негативно-позитивным хромогенная бумага под названием Kodak Color Print Material Type C, доступная от 1955-1959 гг.

хронофотография
Метод анализа движения путем создания серии неподвижных изображений на регулярные промежутки. Он был разработан отдельно Этьеном-Жюлем Маре. и Эдверд Мейбридж среди других с начала 1870-х годов.В 1877 году Мейбридж удалось подтвердить с помощью хронофотографии утверждение Марея о том, что лошадь при беге рысью поднимал с земли все четыре копыта сразу.

Кисть клонирования
Это инструмент, используемый графическими программами для ретуширования изображений.

объектив для макросъемки
Дополнительный объектив, устанавливаемый на объектив камеры, который изменяет фокусное расстояние. Для макросъемки положительная линза эффективно сокращает фокусное расстояние. так что при заданном расстоянии от объектива до объекта ближний предел фокусировки уменьшен.

Режим изображения CMYK
Голубой, пурпурный, желтый и черный (называется K, чтобы не путать с синим) — это режим изображения, используемый для лито-репродукции. Все журналы печатаются чернилами CMYK.

процесс коллодия
Сухой — или чаще — мокрый процесс с использованием коллодия в качестве среды для поддерживают светочувствительную эмульсию. Описан процесс мокрого коллодия. Фредериком Скоттом Арчером в 1851 году и после доработки использовался многочисленными 19 века фотографы из гр.1854 г. Он оставался доминирующим до тех пор, пока середина 1870-х гг. Коллодий также использовался для получения прямых положительных результатов на стекло (амбротипы) и олово (тинтипы).

коллотип
Процесс без трафаретной печати, изобретенный Альфонсом Пуатевеном в 1856 году и был коммерчески популярен с 1870-х по 1920-е годы.

глубина цвета
Количество цветов в коэффициенте изображения. Это определяет качество ваши изображения.

цветовая температура
Шкала для измерения качества света в кельвинах.

комбинированная печать
Техника использования двух или более фотонегативов или отпечатков для изготовления единое изображение. Это было предложено Ипполитом Баярдом в 1852 году для улучшения появление небес. Впервые его показал Уильям Лейк Прайс в 1855 году. 0.G. Rejlander’s Two Ways of Life 1857 года и Генри Пич Робинсон Fading Away 1858 года — самые известные примеры. Техника возрождался в 1920-х и 1930-х годах, часто создавая сюрреалистические произведения.Цифровой методы сделали его устаревшим.

CompactFlash
Популярная карта памяти, используемая в некоторых цифровых камерах.

составная линза
Линза, состоящая из двух или более отдельных элементов, обычно скрепленных вместе.

контактный лист
Метод печати негативов того же размера, что и пленка, чтобы фотограф можно выбрать изображения для увеличения.

современное искусство
охватывает конец 20 века современное искусство направления искусства в живописи, скульптуре и архитектуре, а также как новые медиа, такие как искусство инсталляции, (включая звук), концептуализм и видеоарт.

медная пластина
Печатная пластина, используемая любым методом глубокой печати, травленая или гравированная. взять чернила для переноса на бумагу. Хотя термин медная пластина широко используется, пластины обычно изготавливают из меди или цинка.

кадрирование
Изменение границ фотографии, негатива или цифрового изображения на улучшить композицию, удалить ненужные элементы или подобрать метод дисплея.

голубой
Сине-зеленый свет; дополнительный цвет к красному.

цианотип
Процесс, изобретенный сэром Джоном Гершелем и описанный в 1842 году. принты также известны как чертежи. Процесс прост и производит характерное синее изображение на бумаге или ткани. Был популярен в 1840-х годах. и 1880-е гг. Его основное использование было для воспроизведения архитектурных или технические чертежи.

дагерротип
Объявлен 7 января 1839 г. и представлен миру в августе 1839 г. (кроме Англии и Уэльса, где он был запатентован), дагерротип произвел уникальное изображение на покрытой серебром медной пластине. Процесс был популярны до середины 1850-х годов, хотя и дольше в США, пока он не был заменен более чувствительным процессом влажного коллодия. Для подробнее см .: История фотографии (1800-1900).

темная комната
Помещение, в котором полная темнота или ограниченное освещение красным или оранжевые предохранительные фонари, чтобы светочувствительные материалы, такие как пленка или с бумагой можно обращаться, обрабатывать или печатать, не подвергая ее воздействию нежелательных свет.

глубина резкости
Расстояние перед точкой фокусировки и расстояние за ее пределами приемлемо резкое. Манипулирование этой зоной путем расширения или уменьшения это может быть важным аспектом творческого контроля, и камеры обзора могут эволюционировал, чтобы облегчить это.

цифровая печать
В фотографии это относится к фотографии, полученной с помощью обычного негатив или цифровой файл на цифровом принтере. Это включает в себя различные техника цифровой печати изобразительного искусства, струйная и лазерная печать. Смотрите также: Компьютерное искусство .

цифровое увеличение
Способ увеличения изображения с помощью программных средств. Вместо того, чтобы тянуть ваш объект ближе, небольшой участок пикселей увеличивается или интерполируется чтобы деталь выглядела больше, чем она есть на самом деле.

дизеринг
Метод имитации сложных цветов или оттенков серого с использованием небольшого количества цветов ингредиенты. Рядом чернильные точки могут создать иллюзию нового цвет.

документальный photography
Фотографическое изображение реального мира, предназначенное для демонстрации объекта. буквально и объективно. Ранние примеры включают работу Максима дю Камп в записи Ближнего Востока, Роджер Фентон в Крыму; Мэтью Брэди в Гражданской войне в США и парижанин Евгений Атже (1857-1927) в Париже.Важный поджанр — документальный фильм. фотография, которая фиксирует состояние человека в более широком контексте. Примеры варьируются от Томаса Аннана в 1860-х годах в Глазго до Якоба Рииса в 1890-х годах. Фотографы Америки и Управления безопасности фермы 1930-х годов, как Walker Evans (1903-75).

с двойной экспозицией
Запись двух наложенных изображений на один и тот же кусок фоточувствительного элемента. материал. Это может быть из-за ошибки или как часть творческого процесса.

dpi
Точек на дюйм — это мера качества напечатанного изображения.

сухой пластинчатый негатив
Хотя они производились с конца 1850-х годов, они были более успешно внедрены с начала 1870-х годов и быстро вытеснил пластины с влажным коллодием. Сухой пластины соответствовали и превосходили по чувствительности мокрые пластины и были более удобно использовать.

Dusseldorf School
Группа студентов, которые учились в Kunstakademie Dusseldorf в середина 1970-х годов под руководством влиятельных фотографов Бернд и Hilla Becher , обеспечивающие четкое, объективное, черно-белое изображение. изображения промышленных сооружений и архитектуры.Среди самых известных студентов в этом инновационном центре постмодернистских арт — это Thomas Struth и Andreas Гурский (р. 1955).

Код DX
Штрих-код на кассете 35 мм, который содержит такую ​​информацию, как светочувствительность пленки. Это считывается внутри камеры, которая автоматически настраивается.

Печать с переносом красителя
Это субтрактивный процесс изготовления цветных отпечатков с цветных позитивов. или негативы.Были процессы с 1875 года, но смыв Eastman Kodak процесс облегчения 1935 года, который был улучшен и повторно введен в 1946 году как процесс переноса красителя был наиболее успешным. Хотя это сложно производила привлекательные перманентные отпечатки с яркими цветами. Также: Цвет в Живописи .

динамический диапазон
Показатель того, как датчик регистрирует светлые и темные области в цифровом формате. фотографическое изображение.

лучших книг по искусству фотографии, биографии и монографии фотографов

×

Майкл Леси

Издатель: Blast Books

2021 | 232 страницы

Летом 1971 года Майкл Леси и его друг нашли большую часть снимков из «Снимков 1971–77» в мусорном контейнере позади гигантского завода по обработке фотографий в Сан-Франциско.Фотографии были выброшены в корзину, потому что машины, которые их печатали, делали их настолько быстрыми — дублирующими, трехкратными, четырехкратными, — что люди на технологической линии не могли их остановить. Неделя за неделей Леси забирала домой тысячи снимков из мусорного контейнера. Он изучал их, как если бы они были археологическими свидетельствами. К концу лета он собрал собственную коллекцию изображений американской жизни. Он взял эту коллекцию с собой, когда вернулся в Висконсин, чтобы закончить дипломную работу по американской истории.Его понимание снимков из Калифорнии как отражения тревожного состояния американского общества повлияло на докторское исследование, которое он проводил в Висконсине — исследование, которое стало американской классикой Wisconsin Death Trip (1973). В течение следующих шести лет Лези добавил в свою коллекцию снимков Калифорнии сотни снимков, которые остались невостребованными, а затем были отброшены фотопроцессором в Кливленде. Пока Леси просматривала чужие жизни на картинках, мир разрывался по швам.Война во Вьетнаме, кровавое буйство семьи Мэнсонов и восстание в государственной тюрьме Аттики заполнили заголовки новостей — и широкая публика продолжала свою жизнь с надеждой и отчаянием и всем остальным: хаос, жестокость, семейные узы и разрывы, материализм. беспредел, невольный юмор. Коллекция снимков 1970-х годов — это капсула времени знакомых и чуждых вещей. Теперь, пятьдесят лет спустя, в нашей жизни все и ничего не изменилось. В «Висконсинском путешествии смерти» Лези отдернул завесу «старых добрых времен», чтобы показать суровую реальность американской жизни с 1890 по 1910 год.Анонимные изображения в Снимках 1971-77 служат пророчествами о сегодняшних разбитых снах, трудах и невзгодах.

Специальность по художественной фотографии — Syracuse.edu

Студенты имеют доступ к профессиональным фотоаппаратам, осветительному оборудованию и цифровым цветным и черно-белым объектам, которые позволяют им создавать фотографии музейного качества.

Ключевым преимуществом программы является тесное сотрудничество департамента с Light Work, всемирно известным современным фотоцентром на территории кампуса.Студенты имеют доступ к оборудованию учреждения и к руководству его экспертов. Сделав упор на творчество, интеллектуальное развитие и развитие навыков, вы оставите программу готовой к успеху в музеях, фотостудиях, журналах, галереях и в индустрии моды.

Центр изобразительного и исполнительского искусства в Сиракузах, VPA поддерживает творческий процесс и профессиональное развитие.Колледж разделен на шесть направлений: Школа искусств; Департамент коммуникации и риторических исследований; Школа дизайна; кафедра драмы; музыкальной школы Роуза, Жюля Р. и Стэнфорда С. Сетнора; и Департамент трансмедиа.

Курсы

Основная курсовая работа посвящена истории искусства, критике и современным моделям.Примеры курсов включают:

Практический опыт

Программа художественной фотографии может похвастаться рядом возможностей внешнего обучения для студентов данной дисциплины.

• Тесно сотрудничайте с профессионалами в Light Work, где проходит ежегодная студенческая выставка программы художественной фотографии.
• Стажер в крупных фирмах и корпорациях, включая Cosmopolitan , Museum of Modern Art, NBC Universal, Real Simple и Vogue .
• Совместите курсовую работу и стажировку с шестинедельным летним уроком в Лос-Анджелесе.
• Публикуйте фотографии для одной из студенческих публикаций в кампусе, таких как Jerk , Perception или 360 Magazine .

Учеба за границей

Добавьте в свое резюме и проверьте свою точку зрения, получив опыт обучения за границей во время вашего пребывания в Сиракузах.Сиракузы за рубежом, неизменно входящие в число 25 ведущих международных образовательных учреждений США, предлагают более 100 программ в 60 странах.

Специалисты по художественной фотографии чаще всего уезжают за границу в центры Сиракузского университета во Флоренции и Лондоне, а также в нашу всемирную партнерскую программу CET Art Photography в FAMU (Прага). Летние программы, представляющие интерес, могут включать The Constructed Photograph (Флоренция).

Жизнь после Сиракузского университета

Имея степень в области художественной фотографии, вы можете продолжить карьеру, в том числе:

• Фотокорреспондент
• Художник-реставратор
• Художник-реставратор
• Фотограф
• Архивист

Или получите ученую степень в области бизнеса, художественной фотографии или кино.Прошлые выпускники продолжили свое образование в некоторых из самых престижных аспирантур США

.

Томас Додд: Сделать карьеру из фотографии изобразительного искусства

Это не было чем-то, что он планировал для этой сессии. Но внезапно все стало идеально. «Визажист привел модель, чтобы показать мне макияж, и у модели были горячие бигуди в волосах», — объясняет фотограф Томас Додд. «Я подумал:« Ой, иди сюда, иди сюда, иди сюда! »»

Модель не обрадовалась, — признается он.«Она такая:« Я не могу поверить, что он фотографирует меня »». Но портрет, сделанный им в профиль, послужил основой для того, что он считает своей первой культовой работой, «Мозговой штурм» (внизу справа). И это стало катализатором его репутации прекрасного художника.

© Thomas Dodd

В процессе постобработки Додд сделал образец фотографии, сделанной из дров, и тщательно придал форму каждому бревну каждому валику в волосах модели, а затем построил на нем стопку. «Когда я делал это, я думал о концепции, которую используют джазовые музыканты, под названием« вырубка леса », — говорит Додд.Новый артист присоединится к джем-сейшну только для того, чтобы обнаружить, что его навыки не на высоте. «Это похоже на резку головы. Они вас стыдят, — говорит Додд. «Если ты действительно хочешь поправиться, ты уходишь в свою комнату и в дровяной сарай. Ты стал лучше. Вы собираете свои отбивные ».

«Я смотрю на искусство точно так же, — говорит Додд. «В процессе эволюции художника легко увлечься [верой], что я так делаю, и так я творю, и это мой стиль. Иногда это становится лавром, на котором вы почиваете, и вы перестаете прогрессировать, и вы начинаете двигаться по инерции.»

« Мозговой штурм »был шагом вперед. «Я сделал это в 2010 году, и это привлекло ко мне внимание», — говорит он. Именно тогда художественная фотография Додда начала появляться на национальном уровне.

Во-первых, музыка

Карьера Додда как художника началась с панк-рока 1980-х, который вдохновил его на изучение гитары, основал несколько групп и, в конечном итоге, привел его к кельтской арфе и группе 1990-х годов под названием Trio Nocturna. Группа выпустила три пластинки, гастролировала и собрала фанатов, но к началу 2000-х перестала выступать.«Это были темные времена», — говорит Додд, который к тому времени уже 25 лет работал в музыке.

«Думаю, это было где-то в 2005 году, я возился в Интернете и нашел сайт под названием yafro.com, который сейчас не существует», — говорит он. На сайте был компонент, называемый модными клубами, который позволял пользователям загружать свои фотографии, которые мог редактировать кто угодно. «Я был очень заинтригован этим, и сначала это было просто весело, — говорит он. Через несколько месяцев использования Photoshop Додд понял, что редактирование фотографий клуба модников — это то же самое, что он чувствовал, создавая музыку.«Я снова нашел свою страсть», — говорит он. Поэтому в 2006 году он начал серьезно относиться к фотографии, купил свою первую камеру и начал работать с моделями. «И с тех пор я этим и занимаюсь».

© Thomas Dodd

Archetypal

Стиль Додда возник в результате тех первых манипуляций клубом модников. С этими изображениями «я хотел посмотреть, смогу ли я сделать обычное селфи и превратить его в произведение искусства», — говорит он. В то время фотографии с веб-камер, которые люди часто загружали, были сильно пикселированы, поэтому он нашел способы скрыть эти недостатки и, таким образом, разработал определенный вид.«Я думаю, что почти с самого начала — хотя, безусловно, потребовались годы, чтобы развить стиль — мой подход был с прицелом на создание предметов живописи и изобразительного искусства».

© Thomas Dodd

Додд говорит, что ему всегда нравилось рассказывать истории, опираясь на мифы и исторические предания, чтобы руководствоваться своими концепциями, созданием изображений и редактированием. В детстве он любил такие сказки, как «Румпельштильцхен» и «Рип Ван Винкль»; Став взрослым, он изучал труды мифолога Джозефа Кэмпбелла, который «все привязал к архетипам», — объясняет Додд.«Есть эти истории, есть эти символы, которые встроены в наше сознание. Если вы посмотрите на все древние культуры и цивилизации, вы увидите эти общие темы ».

Эти темы — «колодец, который никогда не иссякает», — говорит он, — проникают в искусство Додда, иногда целенаправленно, иногда нет. «Это очень обширное хранилище творческой информации. Это все равно, что иметь творческий план, который затем можно воплотить в жизнь по-своему ».

Хотя Додд часто планирует занятия — модель, гардероб, макияж, декорации — с учетом определенного мифа или истории, как только сеанс начинается, он следует своим творческим импульсам.«Мне нравится называть это импровизационным концептуалистом», — говорит он. Например, был один сеанс, который он стилизовал и подготовил, для которого требовалась модель, которая была готова побрить голову для изображения еретика, и несколько «парней среднего возраста с действительно интересными лицами», которые изобразили бы ее злых инквизиторов. Но к концу сеанса концепция трансформировалась в нечто иное: симпозиум демонстрации лоботомии, говорит Додд.

На приближающихся галереях Проведите свое исследование. Убедитесь, что вы отправляете заявку в галерею, которая заинтересуется вашим стилем фотографии. Например, Додд не отправляет свои работы в галерею, где представлены только традиционные черно-белые фотопринты в фотолаборатории. Следуйте инструкциям по отправке. Некоторым галереям требуется рекламный пакет с репродукциями и биографией. «Излишне говорить, что все они должны быть очень профессиональными и выделяться из стада», — говорит Додд. «Может быть, наклеить на него симпатичную наклейку с логотипом и сделать так, чтобы упаковка выглядела действительно красиво.” Электронная почта тоже может работать. В наши дни Додд все чаще обнаруживает, что хорошо написанное электронное письмо и пара фотографий с низким разрешением — чтобы не засорить чей-то почтовый ящик — могут оказаться препятствием. Подать заявку на групповые выставки. Групповые выставки фотографий — хорошее начало, когда вы впервые выходите на сцену галереи. Начать снизу. Подобно тому, как группа начинает играть в кафе и небольших заведениях, артисты тоже начинают играть в кофейнях и книжных магазинах, а затем продвигаются по сети галерей.«Даже не думайте связываться с самой престижной галереей города, когда начинаете», — говорит Додд. «Вы не получите этого». Ожидайте отказа. Это часть процесса.

Следуй за своим счастьем

Он также позволил своей интуиции направлять свой карьерный путь. Когда Додд начал заниматься фотографией, он подумывал о коммерческой фотографии, организовав несколько концертов в области музыки и моды. Но он чувствовал себя задыхающимся, работая над видением другого человека.

© Thomas Dodd

Поэтому он бросил коммерческую деятельность и сосредоточился на своем искусстве — идеальном для его творческого духа, но не столь идеальном для его банковского счета. Чтобы пополнить свой доход в первые несколько лет, Додд работал в агентстве по уходу на дому, которое предлагало гибкий график, стабильную зарплату и не лишало его творческой энергии. В конце концов, он начал выставлять свои работы в галереи, и это уже само по себе искусство.

Додд дает практические советы фотографам, которые хотят отправить свои работы в галереи (см. «Приближение к галереям»), но говорит, что сетевое взаимодействие играет важную роль.Если его интересует конкретная галерея, он часто обращается к художникам, которых представляет галерея, чтобы узнать, есть ли у них совет, как привлечь внимание галериста. (Он предпочитает обращаться к художникам, а не к фотографам, потому что считает их менее конкурентоспособными.) Часто у них есть рекомендации — звоните в это время, не пишите по электронной почте, поговорите с этим человеком. А еще лучше, чтобы этот артист мог проверить ваши работы и стать вашим «уважаемым источником», — говорит Додд, — «ролью, которую мы использовали в музыкальной индустрии. Если вы хотели, чтобы вашу демо-запись послушали, вам нужен был уважаемый источник — группа, которую уважает лейбл, — чтобы сказать: «Эй, посмотрите этих ребят.«То же самое и в мире искусства».

Успех галереи зависит от социального интеллекта, говорит Додд. Галереи переполнены работами, поэтому вам нужно выделиться из толпы, не выглядя отчаявшимся. Это может быть так же просто, как пойти в галерею и начать разговор с галеристом об искусстве, которое там находится. «После 10 минут разговора об этом они могут спросить вас:« Чем вы занимаетесь? »Они будут более предрасположены любить вас, потому что вы просто не вмешивались, говоря:« Я, я, я, я, я ». что и делают многие художники.”

Еще один способ, которым Додд выделил себя и сделал свои работы более привлекательными для галерей, — это предложение уникальных фотографических работ. Он не только рисует свои изображения в цифровом виде, но и вручную раскрашивает каждый отпечаток, используя акрил и венецианскую штукатурку. Этот процесс занимает от 12 до 16 часов в течение нескольких дней. По его словам, этот последний шаг индивидуализирует каждую работу, делая ее более ценной для коллекционеров. «Если я представляю свою работу как традиционную фотографию — например, матирую и кадрирую — чего-то не хватает.Его рисунки, раскрашенные вручную, продаются быстрее и по более высокой цене. «Это очень выгодно для меня и для галерей, которые продают мои работы», — отмечает он.

На распродажах в галереях Всегда устанавливайте стабильные цены. «У вас должны быть такие же цены в Чикаго, как и в Монтгомери, штат Алабама», — говорит Додд. «Люди никогда не должны обнаруживать, что ваши цены где-то ниже». Никогда не обманывайте свои ограниченные печатные издания. Фотографы изобразительного искусства обычно продают ограниченные серии, но если вы скажете, что есть только 25 отпечатков, это означает 25 отпечатков, а не 25 8×10, 25 11×17 и 25 20×16.«Очень важно четко сообщить об этом вашим кураторам. Коллекционеры тоже должны это знать », — говорит Додд. Никогда не продавайте напрямую коллекционеру. Если ваше искусство представлено галереей, галерея получает скидку от продажной цены. Иногда коллекционер пытается купить произведение напрямую у художника и устраняет посредника. Не делай этого. Это заманчиво, но вы можете попасть в черный список в кругах галереи.

Плати вперед

Имея за плечами десятилетие изобразительной фотографии, Додд теперь делает себя доступным в качестве педагога.Он будет проводить сессию под названием «Живописное фото» на Imaging USA 2018. И он регулярно предлагает веб-семинары и индивидуальные занятия по Skype по таким темам, как маркетинг и редактирование фотографий.

© Thomas Dodd

Додд вспоминает, как один фотограф обращался за советом по поводу выхода на арену изобразительного искусства. «Я критиковал его портфолио, — говорит Додд. «Я видел, что он пытался продвигать свою модельную работу, но на самом деле его пейзажи были исключительными». Додд призвал его сосредоточиться на пейзажной фотографии, поскольку пейзажи лучше продаются, привлекают более широкую аудиторию и могут быть лицензированы дизайнерами интерьеров, отелями и предприятиями.«Это было год назад, и я думаю, что он этим зарабатывает на жизнь», — говорит Додд. «Он действительно в восторге от этого».

Наблюдать за тем, как фотографы применяют его советы и наставления в своей работе, очень приятно. Кроме того, обучение помогает Додду учиться. «Чем лучше вы учитесь, тем лучше вы овладеваете своим ремеслом», — говорит он. Это заставляет вас выявить недостатки и вернуться к работе немного усерднее. Другими словами, вы дровяной сарай.

СВЯЗАННЫЕ: См. Галерею работ Томаса Додда.

Аманда Арнольд — помощник редактора Professional Photographer.

Подвешивание и обрамление: как должна быть представлена ​​художественная фотография — АРТЮНЕР

Невозможно переоценить важность хорошего подвешивания фотографии. Если вы хотите улучшить внешний вид своего офиса, дома или магазина, вам, безусловно, может помочь хорошо оформленная фотография изобразительного искусства. С другой стороны, плохо представленное изображение никогда не оставляет благоприятного впечатления. Чтобы фотография выглядела наилучшим образом, вы должны соблюдать несколько правил.

Хорошо обрамляй

Вешать фотографию без рамки на стену — не самая лучшая идея. Это по-прежнему не мешает людям показывать картинки без рамок. В некоторых случаях это оправдано. Например, фотография может иметь металлическое крепление, то есть само изображение зажато между металлической основой (обычно алюминиевой) и прозрачным защитным слоем. В некоторых случаях красители даже печатают прямо на металлической пластине, чтобы сделать фотографию. Эти фотографии затем можно повесить прямо на стену, не повредив изображение.

Есть несколько изобретательных методов для подвешивания фотографий без рамок — лично мне больше всего нравится использование сильных магнитов, которые удерживают фотографии заподлицо со стеной. Мне нравится эта техника, потому что в отличие от клипов, клейкой ленты или (не дай бог) ленты, на изображениях или их поддерживающем слое не остается следов. Изгиб минимальный, из стены ничего не выступает, кроме небольших магнитов. Кроме того, нет нежелательных отвлекающих факторов от работы, таких как веревка или обнаженные гвозди.Наконец, угол наклона сведен к минимуму, поскольку фотография расположена ровно и прямо напротив стены. Этот тип дисплея может проработать несколько дней без какого-либо значительного повреждения фотографии. В конечном итоге, подвешивая фотографию таким образом, она подвергается воздействию тепла, влаги и загрязняющих веществ, которые могут вызвать разрушительные физические и химические реакции.

Фотографии могут свисать и со временем гнуться или отслоиться. Если фотографии сняты с места для подвешивания и не помещены в рамку, более вероятно повреждение при транспортировке.По этим причинам правильная рамка для фотографии является ключевой частью сохранения ее презентабельности, а также ее защиты.

Картины, особенно работы на холсте, иногда отображаются без защитного стекла / оргстекла (или так называемого глазури ). Этого никогда не случится с винтажными или современными фотографиями и другими видами художественной фотографии. Помимо глазури, любая хорошо сделанная упаковка каркаса также должна состоять из следующих компонентов:

Рамка сама вмещает все.Чтобы уточнить, пакет фреймов включает в себя все, что показано выше. Сама рама — это строго деревянный или металлический внешний элемент, который скрепляет упаковку и добавляет эстетику работы. Цвет оправы следует выбирать тщательно, чтобы тонко подчеркнуть то, что внутри, или гармонично смешаться с ним. Глазурь , независимо от того, используете ли вы стекло или пластик (например, акрил), должна быть защищена от ультрафиолета. Подоконник , который также называют пропуском, всегда должен отделять фотографию от стекла.Все фотографии Луиджи Гирри, представленные на ARTUNER, имеют паспорт. Матовая доска должна использоваться, чтобы фотография оставалась жесткой. Наполнитель занимает пространство между рамой, обеспечивая еще один уровень защиты. Наконец, задняя бумага защищает от насекомых и переносимых по воздуху загрязнителей. Убедитесь, что рамка хорошо сложена и что цвет рамки и паспорта хорошо сочетается с развешенной фотографией.

Техника подвешивания

Прежде всего, узнайте тип стены, на которой вы собираетесь повесить фотографию, и спланируйте ее соответствующим образом.Нет установленной высоты для развешивания изображения; высота зависит от различных элементов в комнате, в которой вы показываете фотографию, а также от того, собираетесь ли вы иметь фотографии разного размера в рамке вокруг той, которую собираетесь повесить. Вы должны знать определенные правила выравнивания, и, как правило, фотографии, которые находятся в рамке одного размера, следует развешивать на одной высоте. В общем, если вы вешаете работы на относительно глухую стену, центр произведения должен быть на высоте 145 см или 57 дюймов.Это называется высотой галереи.

Попросите друга поднести изображение в рамке к стене, на которую вы хотите повесить произведение искусства; убедитесь, что он соответствует цветовой гамме комнаты, мебели и освещения. Отметьте верхний центр рамки карандашом, используя линейку, чтобы определить, где находится центр. Задняя часть рамы, скорее всего, будет иметь подвесную проволоку по центру. Повернув изделие лицевой стороной вниз, удерживайте проволоку в натянутом состоянии и измерьте расстояние от верхнего центра рамы до высоты, на которой проволока натянута.Измерьте это расстояние от отметки, сделанной вами ранее на стене, и сделайте еще одну отметку. Просверлите или прибейте крючок для картин (а не просто гвоздь) в стене, где будет сделана новая отметка, и повесьте на нее проволоку. Наконец, используйте выравниватель поверх рамы, чтобы убедиться, что рама ровная.

Вот и все. Ваша фотография должна быть красиво оформлена и хорошо защищена.

.