Искусство фотографии это: Суть художественного фото, искусство художественных фотографий

Фотография — это искусство?

Лекторий, организованный просветительским проектом «Арзамас» и Российской государственной библиотекой, продолжается. 8 апреля в конференц-зале РГБ прошла встреча с культурологом Марией Гурьевой, преподавателем Санкт-Петербургского государственного университета.

 

 

Вопрос о том, может ли фотография быть искусством, возник вместе с появ­лением самой фотографии. В середине XIX века выражались серьёзные сомнения в том, что «машина» может заменить художника, а искусство может быть технологичным. В начале XXI века вопрос «является ли фотография искусством?» разворачивается уже по-другому: есть ли смысл в исканиях фотографа-художника, когда фотографическая технология доступна каждому и мир переполнен изображениями?

Почему фотографию сложно назвать искусством, что означает термин «художественная фотография», можно ли считать произведением искусства фотографию из семейного альбома, а также чем отличается «фотография художников» от «искусства фотографов» — об этом и многом другом рассказала Мария Гурьева.

Мария Гурьева — кандидат наук, исследователь истории и теории фотографии, преподаватель Санкт-Петербургского государственного университета и Санкт-Петербургского государственного института культуры, соорганизатор международной конференции по визуальным исследованиям «После (пост)фотографии».

К каждой встрече сотрудники специализированных отделов Российской государственной библиотеки готовят мини-выставку по теме лекции. 8 апреля слушатели лектория увидели фотографии из фондов отдела изоизданий и отдела рукописей, созданные в разные годы: от дагерротипа 1840—50-х годов до снимка Моисея Соломоновича Наппельбаума с портретом Сергея Есенина 1924 года. Очень интересны образцы ранней фотографии — это оригинальные отпечатки с видами Санкт-Петербурга и Москвы 1860—70-х годов, особенно редкий снимок, показывающий интерьер фотографического павильона на знаменитой Политехнической выставке 1872 года. Впечатление о старой фотографии дополнят вид монастыря в Венеции, раскрашенный акварелью, и альбом любительских фотографий.

Начало лекций — в 16:00. Читательский билет и регистрация не нужны, но напоминаем, что в зале всего 400 мест, поэтому рекомендуем приходить заранее — когда все места заполнятся, вход будет закрыт.

Лекции транслируются в режиме реального времени в сети Интернет, а позже можно будет посмотреть запись.

 

 

---

СМОТРЕТЬ ПОЛНОЕ РАСПИСАНИЕ ЛЕКЦИЙ

---

К лекции «Фотография — это искусство?» сотрудники отдела изоизданий и отдела рукописей РГБ  подготовили мини-выставку из фондов библиотеки.

 

 

 

 

Фотография как искусство

Фотография фотографии рознь.

Снимки часто делаются только для того, чтобы остановить какие-то мгновения, сохранить память о событиях или местах, где человек побывал — мы называем этот жанр «Я и пальма». Но иногда хочется снять нечто такое, что будет пробуждать эмоции независимо от воспоминаний, хочется сделать снимок, который будет висеть на стене так, как будто он открывает окно в какой-то другой мир, — туда, где мы еще не были и вряд ли уже будем. Окно в мир искусства.

Да-да, это будет именно искусство, которое вы создали сами – не Микеланджело, не Сарьян и не Малевич — именно вы. А почему нет? Это доступно каждому. Надо только захотеть.

Именно тем, кто стремится делать такую фотографию, и пригодится наша Азбука. Для фотосессий класса «Я и пальма» все эти знания абсолютно не нужны – современные цифровые камеры настолько просты в обращении и настолько сложны внутри, что позволяют снимать «хроники жизни» без малейших усилий, без духовной перегрузки — и с великолепными результатами, которыми можно под завязку набить толстенький альбомчик 10х15.

Как определить — искусство или нет?

Если при взгляде на чужую фотографию вам жаль, что не вы ее сделали – это искусство. Шутка. Но только почти.

Положим, свои шедевры мы всегда знаем — только не нужно пытаться убеждать себя в обратном. Некоторые фотографы так упорно стараются добиться абсолютного совершенства, что простыми рядовыми удачами пренебрегают. И тем самым обедняют и себя, и нас. Другие же, напротив, каждый свой снимок видят только в розовом фильтре и лишают себя роскоши критической оценки.

Если вам удастся избегнуть таких крайностей (а крайности всегда крайне вредны), то останется только прислушаться к внутреннему голосу. Своему. Он вас никогда не обманет. Ведь главное — чтобы снимок нравился вам самому. Создателю.

И если вам снимок нравится — это искусство. А настоящее искусство достойно выхода в массы — в печать и в свет.

 Печать как заветный результат

Ваш замечательный снимок станет настоящим шедевром лишь после того, как Вы его представите на суд зрителя. Хотя, уже на пороге времена, когда в галереях или на стенах квартир будут висеть плазменные панели для демонстрации картин (настольные электронные рамки уже вовсю продаются в магазинах), но  самым простым способом овеществления шедевра все-таки остается печать.

После появления более-менее дешевых струйных принтеров стало возможно печатать фотографии прямо на дому, а главное — стало возможно управлять качеством и процессом печати.

Управлять процессом — это очень важно. Наверное, каждый владелец камеры хотя бы раз оказывался в такой ситуации: приходите вы в лабораторию получать фотографии, а они…

• слишком красные…
• слишком синие…
• слишком мутные!
• …да это вообще не ваши фотографии!!!

Поэтому печатать снимки дома — надежнее. Придется потратиться на бумагу (которая чем лучше – тем дороже!) и на чернила (которые бывают оригинальные — т.е. от производителя вашего принтера, а бывают дешевле — т.е. не от производителя вашего принтера).

Сделать качественный отпечаток дома не так уж просто. Прежде всего, принтер и монитор нужно откалибровать, для чего придется воспользоваться специальным оборудованием. Понадобятся также навыки в управлении цветом (color management), изменении контраста, цвета, насыщенности и многих других характеристик изображения. Обо всем этом можно прочитать в нашей Азбуке.

Впрочем, можно и не заниматься всем этим самому — достаточно найти профессионалов, которые за разумные деньги сделают все за вас. В последнее время таких сервисов появляется все больше и больше. Здесь важно не ошибиться в выборе. И для этого вам опять-таки полезно будет дочитать до конца нашу Азбуку — ведь если даже вы будете обрабатывать и печатать свои шедевры не сами, то знакомство с этими технологиями позволит вам осознанно выбрать наиболее профессионального исполнителя ваших заказов.
 

Источник: photoscape.ru

 

«Фотография – это фундамент для развития искусства XX века»

Первая коллекция семьи Романовых, собственная фотостудия Ивана Шишкина и всемирно известный фотохудожник из Казани

Очередным мероприятием в рамках совместного проекта «БИЗНЕС Online» и ЦСК «Смена» под названием «Современное искусство в России: истоки, герои, контекст» стала лекция искусствоведа Ирины Чмыревой «Как фотография стала современным искусством?». По ее окончании мы поговорили с московской гостьей о том, как фотография превращалась в вид искусства, главных современных отечественных фотографах и причинах отсутствия специалистов-искусствоведов в этой сфере.

Ирина Чмырева Фото: Ирина Ерохина

КОГДА ЛЮДИ, СЧИТАЮЩИЕ СЕБЯ ФОТОГРАФАМИ, СТАЛИ СЕБЯ ОСОЗНАВАТЬ ТВОРЦАМИ?

— Ирина, исходя из 

названия вашей лекции «Как фотография стала современным искусством?» можно ли говорить сейчас о том, что это разные специализации — фотография и другие виды изобразительного искусства, как считалось прежде? Сформулируйте, пожалуйста, чем художник отличается от фотографа , или это некорректный вопрос?

— По большому счету говорить о том, что это разные специализации, не совсем верно. Речь идет о творчестве художников, а дальше мы можем подразделять: этот художник занимается живописью, а этот — фотографией. Это не означает, что живописец не может заниматься фотографией, а фотограф в какой-то момент не может обратиться к печатной графике или к скульптуре, — таких примеров множество. Это, на самом деле, явление достаточно недавнего времени, и в международном масштабе этот процесс идет с начала 70-х годов. У нас в стране, если судить по тому, что происходило на выставках в годы перестройки, историю проникновения фотографии в современное искусство можно отсчитывать от неформальных, а потом от первых официальных выставок, на которых появились странные вещи, сделанные художниками, обратившимися к фотографии и фотографами, решившими расширить свой арсенал выразительных средств. Начинались эти поиски, естественно, до этих выставок, потому что иначе к моменту выставок было бы нечего показывать.

Но по-настоящему историю этого процесса можно разделить на несколько важных этапов. Первый этап — когда люди в принципе занимающиеся фотографией, и считающие себя фотографами, стали себя осознавать творцами. В нашей стране это совпадает со временем развития фотоклубов, когда человек, пришедший из инженерной профессии или рабочего класса, вдруг начинает понимать, что его в этой жизни волнует не количество положенного кирпича и не чертежи космических аппаратов, а другие проблемы — например, как он может передать полет голубя или ка́к то, что он сфотографировал, вырвал из контекста повседневности, будучи помещенным в рамку кадра, приобретает новый смысл. Такие примеры были и в Казани: фотоклуб «Тасма» открыл несколько очень ярких авторов — в первую очередь Лялю Кузнецову, всемирно известного фотографа, и, безусловно, художника. И абсолютно неважно, кем она была до того, как взяла в руки камеру и осознала себя творцом.

Второй важный этап — это 80-е и та богемная среда, в которой музыканты, художники, исполнители, модельеры, дизайнеры, люди без определенного занятия, но с очень хорошим чувством вкуса, не знавшие, что их влечет, брали в руки камеру и потом оказывалось, что это именно то, чем они должны были заниматься.

Похожий процесс происходил в начале XX века, когда в художественную фотографию (в отличие от профессиональной коммерческой фотографии) люди приходили от избытка комфорта. Был такой американский фотограф Энн Бригман, она по разводу от мужа получала достаточное содержание и не знала, чем себя занять, стала дружить с художниками и, чтобы не быть чужой в их среде, взяла в руки камеру. Опустим период ее становления, но она стала одним из классиков американской фотографии начала XX века. Это буквально история того, как человек, попав в художественный круг, испытывает чувство неловкости от того, что он сам ничего творческого не делает, но атмосфера, в которую человек попал, начинает его вдохновлять на эксперименты. И выяснилось — Бригман как раз таки может. Это не значит, безусловно, что любой взявший в руки камеру человек станет обязательно известным или что он сможет «говорить» с помощью фотографии, — это, безусловно, искусство; так же, как не любой человек, поющий за столом после принятия определенного количества чарок, сможет стать певцом.

— А как это развитие происходило уже в современной России?

— Cледующий этап становления фотографии на сцене современного искусства в нашей стране — это 90-е годы, когда развитие пространства современного искусства в России стало не только соприкасаться, но и пересекаться с мировым художественным процессом. Сейчас, когда мы оборачиваемся назад, понимаем, что это было время невероятной широты возможностей, все, кто об этом писал в то время, говорили: «Мы в самом начале пути; то, что у нас происходит, — этого недостаточно». Но сегодня кажется, что это был золотой век, который мы случайно пропустили, несмотря на то, что сами были участниками этого процесса.

В 90-е был пик экспериментальной активности людей, которые работали с фотографией. Как ни странно, приход цифровой техники и развитие интернета расширили аудиторию, но понизили градус эксперимента, и теперь должно пройти еще какое-то время, чтобы возгонка алхимического процесса творчества стала набирать силу.

«ВОПРОС НЕ В ТОМ, В КАКОМ СТИЛЕ РАБОТАЕТ ФОТОГРАФ ИЛИ ЧТО ОН ИСПОЛЬЗУЕТ…»

— Думаете, она будет?

— Обязательно. Это волновая ситуация, когда мы в какой-то момент находимся в состоянии спада, а потом снова начинается движение. Отнюдь не обязательно, что это будет волна по той же синусоиде, которую мы ожидали, что новые формы, которые появятся, будут коррелировать с тем, что нам известно. Они могут оказаться в другой форме и в первый момент для нас быть неочевидными. Но я уверена в том, что мы сейчас находимся в том состоянии, когда не совсем понятно, что именно происходит. Интернет нас своей массовостью очень сильно расхолаживает и снижает ценность информации, которую мы получаем. Когда мы просматриваем тысячи изображений, уловить в этом потоке одно-два важных бывает иногда очень трудно. Только со второго-третьего просмотра оказывается, что действительно в отвале интернет-руды есть частицы золота.

Наверное, профессиональные редакторы меня поймут, потому что, когда ты читаешь текст по третьему разу, видишь, что там есть важные мысли, вложенные автором, но ты читаешь сотни страниц за день и перестаешь фокусироваться на мысли, начинаешь рассматривать внешнюю форму. Интернет нас приучает скользить по поверхности, количество новой ежесекундно поступающей информации практически не дает возможности вернуться и пересмотреть заново. Но, я думаю, сейчас то время, когда происходят интересные вещи. Я уверена, что в ближайшие годы, оборачиваясь на то, что создается сейчас, мы по достоинству оценим и этот этап.

— А вы разделяете расхожее мнение, что интернет и новые технологии фотографию убили?

— Не думаю, что это так. На самом деле в последние лет десять как в нашей стране, так и во всем мире идет возврат интереса к старым и даже старинным техникам фотографии, которые оказываются иногда очень интересными способами для реализации художников. Бывает, что кто-то, обратившись к старой технике, становится профессионалом ее воспроизведения, замечательным мастером, владеющим редким ремеслом, а кто-то идет дальше, открывает новые пути, такой художник — мыслитель, а старая техника оказывается лишь точно подобранной формой для выражения его идеи. Вопрос не в том, в каком стиле работает фотограф или что он использует: камеру-деревянный ящик, сделанную мастером в XIX веке, и старинную оптику, купленную на аукционе за тысячи евро, или не менее дорогую современную технику. Безусловно, техника создания произведения интересна, но это второй вопрос, а первый заключается в том, насколько автор в состоянии точно сформулировать свое сообщение зрителю. Если художник в состоянии перевернуть мое представление о мире, оно сначала перевернется, а потом, успокоившись немножко, я буду смаковать, как это было сделано: с помощью техники дагерротипа или новейшим цифровым отпечатком.

Как говорил знаменитый графический дизайнер и редактор Алекс Бродович, обращаясь к фотографам: «Удивите меня». Этот принцип работает везде — в журнальной, репортажной, новостной или художественной фотографии. Это в любом случае потрясение, которое мы испытываем, соприкасаясь с неожиданным произведением искусства. То же самое происходит и в отношении живописи, только в области изобразительного искусства принимается как данность то, что существует очень много скучных художников, а на их фоне выделяются интересные художники, и это считается нормальным; в фотографии же до сих пор большое количество скучных авторов является доказательством того, что как будто бы совсем мало интересных. Увы, такое существует предубеждение.

«В ПОСЛЕДНИЕ ГОДЫ ОЧЕНЬ МНОГО ФОТОГРАФИЙ С ВОЗВРАТОМ К ОЧЕНЬ СТАРЫМ ТЕХНИКАМ»

— Могли бы вы дать краткую характеристику современной фотографии? Какая она, какие у нее признаки?

— У меня к современной фотографии специфическое отношение. Дело в том, что я в каком-то смысле всеядна. Я понимаю, что кто-то из моих коллег может сказать, что определенная стилистика — современна, а другая стилистика, бывшая в употреблении, часто публиковавшаяся 5 — 10 лет назад, всем надоела и сейчас несовременна. Я стараюсь смотреть немного по-другому — если человек снимает, например, Сабантуй, то у самого этого события есть своя стилистика выражения. И вопрос в том, чтобы фотограф сумел это событие транслировать, показать его стилистику самовыражения. И если его фотография будет очень искусственна по отношению к той реальности, которую он снимает, то этот разрыв содержания и формы меня отвратит, нежели подскажет, что найдена новая современная идея. При этом я понимаю, что стилистика, которая сделает это событие понятным зрителю и даст возможность «войти» в него, скорее всего, будет соответствовать стилистике самого события, а оно очень традиционно. И это значит, что мы видим стилистически очень хорошую фотографию, подобно, возможно, той фотографии, которая была сделана 10 или 50 лет назад, и в этом и есть некий завершенный фотографический продукт.

Я могу сказать, что в последние годы очень много фотографий с возвратом к очень старым техникам и к тщательности исполнения отпечатка. Возможно, был период, когда кажущаяся легкость фотографии и игра в эту легкость профессиональных авторов привела к тому, что было очень много неряшливости в изображениях, и это казалось современным языком. Мне кажется, сейчас подобных изображений становится меньше и, наоборот, тщательность исполнения, композиционная, цветовая или тональная точность — формальная завершенность — все это становится знаком качества, и это возврат к тем категориям оценки, которые были 20 лет назад. Поэтому говорить о том, что есть совершенно новые категории оценки современной фотографии, я не могу.

И все-таки новые знаки есть. Существует такая новая тенденция, как авторская фотокнига, с которой экспериментируют множество совсем молодых людей. У некоторых из них это не просто первая фотокнига, которую они сделали из своих фотографий, а вообще первая законченная работа. Стремление к превращению своих фотографий в книжки наблюдается последние лет 5 — 10. Но когда это становится повальным увлечением, то из художественной тенденции уже имеет место переход в массовую моду.

Мне кажется, что сейчас время противостояния тщательности и рукодельности и, наоборот, возможности некоторых авторов дать фотографии работать самостоятельно, минимально вмешиваясь в этот процесс. По сути, это отношение к фотокамере — как к старой аналоговой, так и к цифровой — как к партнеру, который может высказываться самостоятельно, и художнику предстоит интерпретировать это высказывание, но не строить, не создавать его. Такое отношение к техническому объекту как к личности — это новая тенденция, которой раньше не было. Те эксперименты, которые проводились в 20-е годы, предполагали, что процесс фотосъемки неуправляем, но тем не менее в нем автор остается автором. А сейчас существует понимание того, что есть искусственный интеллект, с которым мы вступаем в диалог. Происходит перенос этих отношений и на фотографическую технологию.

— Кого вы можете выделить, каких крупных мастеров последних двух десятилетий, зарубежных и отечественных, которых нельзя не знать человеку, мало—мальски интересующемуся фотографией?

— Тут вопрос в том, что фотография очень разнообразна. Это как музыковеда спросить — кого в музыке надо знать. Музыковед, может быть, скажет, что надо знать Шнитке, но, с другой стороны, надо ведь знать и Боба Дилана. Если говорить о фотографии, то и здесь такая же ситуация, как в музыке. Если говорить о классической фотографии и русских авторах, я бы сказала, что надо знать в фотожурналистике, с одной стороны, Владимира Вяткина, Юрия Козырева, Татьяну Плотникову. Если же говорить о классической фотографии как об идеально выстроенной композиции, то здесь нельзя обойтись без упоминания Александра Слюсарева и Николая Кулебякина, хотя в жизни они были явными антагонистами. Это замечательный композитор изображения Игорь Мухин, а также совершенно невероятный Стас Клевак, Александр Гронский — именно как люди, которые создают свои «магические кристаллы» абсолютно без привязки к нашим социальным реалиям.

В модной фотографии мне нравится, что делает Алексей Кузьмичев, хотя сам он считает, что работа в модной индустрии — это всего лишь хлеб. Но его знание истории искусства и ощущение себя художником дает ему невероятную свободу, которой у многих нет. Из молодых я назову Никиту Пирогова… у меня была презентация книги в Петербурге (Никита оттуда родом) и местные фотографы меня спрашивали: «Он правда наш? Мы никогда о нем не знали». Иногда так бывает: тот, кого потом назовут знаковой величиной нашего времени, может быть не известен широкой публике…

Но тут весь вопрос в том, что, с одной стороны, я как зритель сопереживаю, начинаю любить произведение и через него и самого автора, начинаю следить за его творчеством, а, с другой стороны, я как профессионал собираю мнение других профессионалов и зрителей, за которыми всегда наблюдаю с большим интересом. И когда я вижу, что люди очень далекие от фотографии и не понимают даже, на что конкретно они реагируют в этих изображениях, но все-таки реагируют, я понимаю, что такие фотографии сделаны тем самым «властителем дум» нашего времени, хотя внешне они могут быть сделаны чрезвычайно просто.

«ПЕРВЫЕ ЧАСТНЫЕ СОБРАНИЯ — ЭТО СОБРАНИЯ МОНАРХОВ»

— А как возникла, с чего началась ваша любовь к фотографии и ее изучению?

— У меня на этот вопрос есть заготовленные ответы для фотографов и для людей, которые далеки от фотографии, а правда — где-то посередине. С одной стороны, я из семьи, где оба дедушки — фотографы. Я росла с дедушкой-фотолюбителем и в окружении альбомов по искусству, которым увлекалась моя мама. Cо вторым дедушкой — профессиональным фотографом — я никогда лично не встречалась, и я узнала о том, что он известный фотожурналист, когда уже выросла.

С другой стороны, я профессиональный искусствовед, и когда в институте занималась русской средневековой иконографией, занималась философией искусства, мне казалось, что это будет навсегда. Потом я влюбилась во французский постимпрессионизм и в первую очередь в Пьера Боннара. Когда я изучала его биографию, обнаружила, что он очень недолго занимался фотографией. И во всех книгах, посвященных его творчеству, написано, что было недолгое увлечение, он потом несколько своих композиций перевел в гравюры. И все. Но будучи фантазером по натуре, я стала смотреть на его занятия фотографией чуть более пристально. Тогда же я стала сама учиться фотографировать и печатать — так же, как я брала уроки живописи: не для того, чтобы стать художником, но для того, чтобы понимать, как физически создается произведение, чтобы понимать, что в нем от техники, а что — от автора. И когда эти знания соединились в моем интересе к Боннару, я увидела, как его занятия фотографией изменили его представление о возможностях художника и насколько это повлияло на изменение его палитры, на его новую экспериментальную технику живописи.

Я поняла, что фотография — это фундамент для развития искусства XX века, неважно, в каком направлении мы это искусство рассматриваем. Для меня фотография — фундаментальная вещь современной культуры, поэтому я ей и занимаюсь. Но при этом я очень люблю архитектуру, по самому первому образованию я дизайнер промышленных интерьеров, и для меня возможность работать еще и в качестве художника с чужими произведениями, делая выставки, — это очень важно. Когда у меня есть возможность войти в пространство и начать его строить заново с помощью фотографии, сделанной другим автором, но в контакте с ним, стараясь его идеи высказать наиболее понятным способом для зрителя, — для меня это счастье.

— Вы на лекции упомянули, что у нас в стране совсем недавно стали собирать фотографические коллекции в музеях, даже в крупных. С чем связано это опоздание?

— Были периоды, когда их начинали собирать. Первая публичная коллекция в Российской империи начиналась благодаря известному художественному и музыкальному критику Владимиру Стасову в Императорской публичной исторической библиотеке. Насколько в 60-е годы XIX века понимали фотографию как важнейший визуальный документ эпохи — именно такие фотографические изображения тогда и стали собирать. До начала XX века в библиотеке была очень приличная коллекция — замечательная коллекция фотографий первого века ее истории хранится в Политехническом музее. И это не только некие артефакты работы техники, а произведения крупнейших авторов того времени, художников, работавших с фотографий… Позже, в cоветский период нашей истории, фотографию как отпечаток не собирали. В архив передавался только негатив, слайд — как некий исторический документ, который поступал в архивное хранение. А отпечаток, авторское законченное высказывание как форма игнорировался… За рубежом первые публичные коллекции — это тоже вторая половина XIX века.

Первые частные собрания — это собрания монархов, и у нас Романовы собирали фотографическую коллекцию, и она начиналась как коллекция портретов большой семьи. Позже они стали собирать фотографии мест, которые посетили, и лишь потом пришли к пониманию того, что есть изображения отвлеченные, не связанные непосредственно с историей их семьи. То же самое у британской королевской семьи: первая фотография — не семейная, а купленная как произведение искусства, это знаменитая фотография Оскара Густава Рейландера «Два пути жизни» 1857 года. Эта фотография, похожая на картину, была куплена за ту же цену, за которую можно было купить живописное произведение, написанное масляными красками на холсте.

Кроме того, позднее начало собирания фотографии можно связать и с тем, что фотография как новый вид искусства была признана достаточно поздно. Только модернизм после Первой мировой войны уравнял все виды медиа, которые использует художник: все — даже коллаж из газет — становится предметом коллекционирования в музее, потому что это акт творчества определенного художника. И точно так же фотография в конце 20-х годов начинает попадать в коллекции музеев в США. Но это не значит, что там все было гладко с коллекционированием фотографии на протяжении всего XX века. Например, когда в 1971 году Анна Такер пришла в музей изобразительных искусств Хьюстона, где был фотографический отдел, на тот момент в нем хранилось 200 фотографий. Когда два года назад Такер, будучи уже знаменитым куратором, покидала пост директора отдела фотографий и первого вице-директора музея, в нем уже было 200 000 фотографий, включая несколько крупнейших в мире частных коллекций, приобретенных музеем.

У нас музеи и библиотеки пытались собирать фотографию в начале XX века как искусство. Но революция изменила очень многое. Например, я в Краснодарском художественном музее обнаружила, что основатель музея Федор Коваленко покупал фотографии и таким образом в коллекции музея появились фотографии очень хороших авторов начала XX века. Но потом на них никто не обращал внимания, они были переданы в библиотеку музея и там пролежали до конца 90-х годов, когда я их в первый раз увидела. У нас в художественных музеях фотографию как искусство стали собирать только в 80-е годы, и это уже после того, как были основаны в СССР первые музеи фотографии. Если бы Виктор Мизиано не пришел работать в ГМИИ имени Пушкина, там не было бы фотографической коллекции.

— А в Эрмитаже есть коллекция фотографии?

— Есть, причем существует замечательная часть, собранная еще в XIX веке, — собственно, это часть коллекции Романовых, и есть та часть, которую стали пополнять в самом конце 80-90-х годов. В Русском музее была первая выставка русской фотографии в 1993 году, часть работ по окончании выставки авторы передали музею. В начале все это, как и в других местах, хранилось в отделе графики, а сам отдел фотографии был создан только в конце 90-х годов. Тогда же в Русском музее стали проводить музейные фотобиеннале. Последние лет 25 идет активное строительство музейных коллекций. Другое дело, что не хватает специалистов и люди, которые для музейных коллекций покупают или принимают в дар фотографии, не знают ее истории и не могут верно определить место материала, который им предлагается. Например, когда Пушкинский музей в честь своего 100-летия делал выставку фотографий современных авторов, несколько очень важных фотографов были отвергнуты, потому что показались выставочной комиссии слишком простыми, это была удивительно анекдотичная ситуация.

Фото: Ирина Ерохина

«Я ЗНАЮ КУРАТОРОВ, КОТОРЫЕ ДЕЛАЮТ ЗАМЕЧАТЕЛЬНЫЕ ВЫСТАВКИ, НО ПРИ ЭТОМ ОНИ СЧИТАЮТ, ЧТО ФОТОГРАФИИ — ЭТО ОТКРЫТКИ»

— А с чем связан явный дефицит специалистов?

— Их практически нет. Студенты, которые сейчас пишут дипломные работы по фотографии на факультетах искусствоведения, находятся в положении студентов, которые во времена СССР писали дипломные работы по современной критике: казалось, что это самое простое и может быть доверено самым слабым, кто потом не собирается строить научную карьеру. Сейчас интерес к фотографии есть, но нет учебников, специальных курсов, да и экономически молодым искусствоведам трудно выживать, а тут еще надо много времени посвящать самообразованию… Из авторов тех работ, которых я за последние годы рецензировала, я знаю всего лишь пару людей, которые остались работать с фотографией, но и они пока не ведут научной работы, не имеют отношения к музейным институциям.

— Почему? Это же парадокс, учитывая востребованность фотографии.

— Ситуация очень неустойчивая — как правило, заниматься историей фотографии приходят очень любознательные молодые люди, но потом они понимают, что это поле, не паханное до горизонта, и это не та маленькая деляночка, где можно цитировать предшественников и чувствовать себя уверенно. Территория фотографии — это тектонически подвижная платформа, на которой интересно, но очень тяжело удержаться, и в научных кругах это по-прежнему не выглядит респектабельно. Фотография для некоторых до сих пор кажется документом, а не произведением визуального искусства. Я знаю кураторов, которые делают замечательные выставки, но при этом они считают, что фотографии — это открытки.

Представьте себе: одно дело вырасти в окружении фотографии и осознавать, что это такое, и другое — вырасти в художественной среде, когда ты с детства окружен живописью, графикой, книгами. Для тебя фотография находится в двух шагах, она неблизко. Далеко не все люди думают о том, как они дышат, как происходит этот процесс. Есть те, кто задумывается об этом и затем становится физиком или биологом, а есть остальные — они просто дышат и не пытаются изучать это явление. Так же и с фотографией.

Кроме того, искусствоведам до сих пор не читают курс истории фотографии, они вообще не знают, что у фотографии есть история. Родченко, слава богу, сейчас известен как художник, известно также, что он занимался фотографией. А то, что за фотографией Родченко стоит философ искусства Александр Родченко, который некоторые свои идеи мог выразить только с помощью фотографии, — это уже закрыто для программы художественного вуза.

Для художников тоже историю фотографии не читают, потому что в академической среде очень долгое время считалось, что это вредное знание, что художники перестанут рисовать, и из-за этих заблуждений, отсутствия анализа, как на самом деле развивалось искусство в XIX–XX веках, все приходит к тому, что художники сами интуитивно начинают интересоваться фотографией, постепенно, теряя драгоценное время осознают то, что иногда фотография им нужна, — и не только для того, чтобы с нее рисовать, а потому, что она позволяет им по-другому взглянуть на их собственный процесс творчества.

Когда я сдавала экзамен в аспирантуру, приемная комиссия долго спорила о том, поставить мне 4 или 5, потому что гранд-дамы были оскорблены тем, что я упомянула занятия Ивана Шишкина фотографией и наличие у него собственной фотостудии. Это было воспринято как оскорбление великого русского художника-пейзажиста. Хотя такой поворот биографии любого большого европейского художника был бы безумно интересен исследователям, студенты бы писали дипломные работы, анализируя, как два совершенно разных подхода к изображению позволили этому человеку достичь невероятных результатов. Но это уже особенности консервативного хранения знания в нашей старой школе искусствоведения.

Фотография как искусство

22 августа 2016г.

Современный мир невозможно себе представить без самого, пожалуй, распространённого на сегодняшний день вида искусств – фотографии. Однако не стоит отождествлять истинное творчество в этом жанре с бесчисленным количеством личных снимков. Настоящее искусство фотографирования – это нечто гораздо большее, чем пресловутые селфи.

Подлинное умение создать настоящее высокохудожественное произведение заключается не просто в фиксации кого-либо объекта, а в причудливой игре света и тени, в передаче (иногда в намеренно искажённом виде) некоей ауры, витающей над местом или субъектом съёмки.

Известно, что люди, всерьёз увлекающиеся фотографированием, смотрят на мир совершенно иначе, чем «простые смертные». Профессиональные фотографы рассматривают окружающий мир через чёрно-белый видоискатель, давая волю своей фантазии, мысленно раскрашивая будущую композицию. И нередко им удаётся создать произведение искусства, которое способно вызывать даже слуховые ассоциации – например, с шумом ветра или ударом грома.

Начинающим фотографам или далёким от этого искусства людям порой всё кажется достаточно простым – поймал в объектив, нажал кнопку… Но так ли это?

Во многом создание фотографий действительно упростилось – ещё пару десятков лет назад для изготовления шедевра нужно было чуть ли не купаться в химикатах, часами сидеть под красным фонарём в тёмной комнате, использовать громоздкие фотоувеличители, резаки и глянцеватели. Теперь это всё в прошлом: достаточно цифрового фотоаппарата и хорошего фотопринтера. Однако всё это – всего лишь инструменты. И искусство настоящего мастера состоит отнюдь не в механическом использовании современной техники. Посредством обычных физических и химических процессов фотограф, используя своё воображение, создаёт картину живого мира, который на некоторых работах кажется нереальным.

Некоторые основные аспекты технического процесса создания фотографий становятся понятными из перевода этого слова с греческого языка. Оно обозначает «светопись», то есть создание изображения с помощью света.

Собственно говоря, всё действо состоит из подбора нужной композиции, правильного и подходящего для художественного замысла освещения, и самого процесса фотографирования. Всё это определяется фотохудожником, исходя из его технических познаний, опыта и художественного замысла.

В наше время практически каждый человек периодически делает фотоснимки – неважно, камерой старенького телефона или профессиональной «зеркалкой». И каждый придаёт фотосъёмке свой смысл, свою необходимость. Для кого-то это просто фиксация людей и событий, а для кого-то – создание высокохудожественной картины. Для многих фотография – способ самовыражения и общения, возможность высказаться и заявить о себе: социальные сети просто завалены миллионами самых разномастных работ. 

Искусство фотографии сегодня стало не просто созданием высококачественных (во всех смыслах) снимков, но и приобрело новое наполнение – самопознание, самовыражение и общение. В современном мире выдающийся фотоснимок моментально становится достоянием огромного количества людей, вызывая дискуссии и широчайшее обсуждение.

Искусство фотографии имеет уникальное свойство (присущее ещё, пожалуй, разве что музыке) – вызывать ассоциации и воспоминания. Даже совершенно незнакомая местность или личность на фотоснимке зачастую напоминает нам о каких-то моментах собственной истории, а иногда даже вызывает нечто вроде дежавю. 

Подтверждением того, что фотографирование давно уже стало самым настоящим видом искусства, может служить вполне сформировавшееся направление в искусствоведении – фотокритика. Конечно же, профессионал и сам способен оценить свою работу, подметить все её черты – как положительные, так и отрицательные. Однако критика окружающих тоже важна, может быть, даже ещё важнее, чем самокритика. Взгляд со стороны позволяет сформировать минимальный стандарт профессионализма и высокой художественности. Именно объективная критика, возводя фотографию в ранг тонкого искусства, позволяет ей очиститься от шелухи дилетантизма и мещанского критиканства.

Конечно, фотография, как и любое другое искусство, прежде всего является не предметом потребления, а концентрированной формой самовыражения мастера. И как раз этим объясняется иной раз поразительное отличие простой фиксации окружающей действительности на фотографический носитель от создания по-настоящему шедевральных фотопортретов, пейзажей и стоп-кадров. 

Фотография как процесс получения и сохранения личных снимков давно уже вышла за пределы наших домов и частных фотоальбомов. Как вид искусства она стала достоянием человечества, и шедевры признанных мастеров по праву занимают свои места в частных коллекциях и крупнейших галереях.

Информационный портал «Новый Ракурс», 2016.

Фотограф: Геннадий Дьячук

Специальность Техника и искусство фотографии

О специальности:

Сегодня нам ничего не стоит достать из кармана мобильный телефон и сделать пару десятков снимков. А весь процесс получения картинки максимально доведен до автоматизма и среднестатистический человек с фотоаппаратом в руках по этой самой причине даже не задумывается о том, что происходит, когда он одним нажатием кнопки активирует затвор фотоаппарата.

«Днем рождения» фотографии принято считать 7 января 1839 года. В этот день Парижская Академия наук заслушала сообщение об открытии художника Луи-Жака Манде Дагера. Он предложил надежный способ проявления и закрепления скрытого изображения на серебряной пластинке. Дагером был сделан фотонатюрморт, который был отдан на хранение в Лувр. Достижению Дагера предшествовали опыты Жозефа Нисефора Ньепса и Вильяма Фокса Генри Тальбота, имена которых также неразрывно связаны с изобретением способа получения прочного изображения на светочувствительном слое.

Исторически первым видом фотографий были черно-белые. Затем появились цветные снимки. Это произошло в середине XIX века. Тогда снимки получались благодаря так называемой трехцветной технологии. На протяжении многих лет этот метод усовершенствовался, вносились определенные существенные изменения. Делалось это для того, чтобы повышать чувствительность, получать более качественные снимки. Первые фотоаппараты были пленочные. Считается, что профессиональные и наиболее качественные снимки можно получить именно пленочным аппаратом.

Несмотря на это, сейчас получили широкое распространение цифровые фотоаппараты. Появилась технология цифрового фото относительно недавно – в 1981 году. Но полноценная цифровая камера вышла в свет еще позже – в 1990 году. В таких аппаратах есть специальная матрица, которая фиксирует поток света и преобразует его в цифровую форму.

 

Live Photos

 

На первый взгляд всё выглядит как обычная фотография.
Но если установить в свой телефон нужное приложение и активировать QR-код, а потом навести телефон на бумажное фото, то фотография «оживает».

Напоминает двигающиеся фотоснимки из «Гарри Поттера».

Подробнее узнать и, если понравится технология, то и заказать оживающее фото можно здесь — Фабарт.ру.

 

Фотография — настоящее искусство. Тонкостей в нем не меньше, чем в живописи или музыке.

В отличие от живописи, где для создания картины нужен талант, в нынешней фотографии каждый может почувствовать себя творцом, нажимая на единственную кнопку. Профессиональный фотограф отличается от новичка не только качеством камеры. Творить чудеса можно и с «мыльницей».

Доступность этой техники ещё конечно не означает, что каждый, кто его имеет, владеет искусством фотографии. Часто имея ОЧЕНЬ хороший фотоаппарат можно делать ОЧЕНЬ посредственные снимки. И наоборот, имея простую мыльницу, можно делать поистине шедевры, которые тянут на настоящее искусство фотографии. Почему так происходит?

Дело в том, что человек фотографирует так, как он видит мир.

От фотографа-художника требуется тщательная избирательность, особое личностное «видение», позволяющее отличать достойное внимания от внешнего, случайного, неполного. Не каждый отснятый кадр становится художественным произведением и, очевидно, не каждая плёнка даёт удачное фотопроизведение. Так же, как художник постоянно, ежедневно делает эскизы, фотохудожник тренирует свой глаз, своё фотовидение мира. Ежедневная работа позволяет отшлифовать технику исполнения и выработать устойчивые принципы морально-этического и эстетического отношения к возможным объектам фотоискусства.

Фотохудожник должен обладать множеством качеств. Он должен быть психологом, постигать характер портретируемого, уловить момент его самораскрытия, уметь находить сокровенное самоизъявление в позе, мимике, выражении лица, фоне и ракурсе подачи, чтобы полнее раскрыть его внутренний мир и своё отношение к нему.

Фотограф должен обладать глубоким знанием жизни, различных её сторон. Нельзя высокохудожественно снять разливку стали в мартеновском цехе, не представляя себе, хотя бы в общих чертах, технологии этого процесса. Фотограф обязан быть исследователем.

Искусству фотографии нужно учиться. Для того чтобы снимки стали оживать и передавали атмосферу того события, которое на них запечатлено, фотограф просто обязан обладать чувством стиля, видеть то, что невидно никому из окружающих, находить нестандартные, необычные моменты в самых заурядных на первый взгляд вещах.

Настоящее искусство фотографии — это уникальное фото, а не гора дублей

В процессе обучения студент освоит:

• историю изобразительного искусства;
• рисунок с основами пластической анатомии;
• компьютерные технологии в фотографии;
• технику и технологию фотосъемки;
• экономику и управление фотоорганизацией;
• художественную фотографию;
• рекламную фотографию;
• бизнес-планирование.

8 советов для идеального снимка • Сибдепо

Делайте акцент на главном в фото

В первую очередь нужно выделить сюжетный центр – акцент, то, что вы хотите показать в первую очередь на фото. Например, если вы делаете портрет человека на фоне чего-то, то сюжетный центр будет на человеке. Если это пейзаж гор, к примеру, то акцент, как правило, делается на какой-то конкретной горе. Это должен быть какой-то объект, который как-то выделяется, который притягивает больше всего внимания. Акцент может быть сделан с помощью света или композиции.

Очень помогает правило золотого сечения – кадр делят на три части по горизонтали и по вертикали в определённом соотношении сторон: 3/8 к 2/8 к 3/8. Сейчас во многих фотоаппаратах и телефонах есть эта функция – специальная «сетка». С ними очень удобно на самом деле: нужно строить кадр вдоль этих линий.

Уберите из кадра всё лишнее

Если мы делаем постановочный кадр, то нужно убрать все лишнее. Например, если фотографируем в кафе, нужно убрать все куртки из кадра, надкусанные пончики, грязную посуду, ждать, пока пройдут официанты. Когда все лишние детали убраны, кадр сразу становится чистым и притягательным, мозг не отвлекается на всё лишнее, на все ненужные детали.

Если это внезапный порыв, то нужно подождать, пока пройдут люди, проедут машины и т.д.

Следите за сочетанием цветов и светом

Для меня еще важным при съемке является гармония цветов в кадре. Новички иногда на занятиях в нашей фотошколе PROPHOTO показывают кадры, на которых запечатлено что-то ядовито-зелёное с ядовито-синим. Смотреть такой кадр очень сложно, потому что такие яркие цвета отвлекают внимание от главного на фото, они перетягивают взгляд на себя. Нужно стараться следить за тем, чтобы визуально какой-то цвет не отвлекал внимание от сюжетного центра. Приведу пример, почему это важно. Мы фотографируем красивую девушку бежевом платье в кафе, на нее падает красивый тёплый свет. И тут сзади проходит мужчина в ядовито-зелёной футболке. Этот мужчина сразу отвлекает внимание от сюжета и выбивается из общей цветовой схемы фотографии. Нужно стараться минимизировать количество цветов в кадре. Как правило, многие известные картины нарисованы с помощью всего трёх цветов и их оттенков.

Также стоит обращать внимание на свет. Например, если вы хотите сфотографировать человека в яркий солнечный день, то нужно зайти в тень, потому что свет очень жесткий. В помещении надо работать от окна. Окна рассеивают его, поэтому в помещениях свет всегда мягкий и даёт красивые тени.

Делайте кадры в движении

Многие знают, что существуют определенные позы, которые наиболее выигрышно смотрятся на фото. Их легко можно найти в интернете и попытаться скопировать. Но сейчас популярнее делать непринуждённые, случайные фотографии, в движении. Такие кадры, на мой взгляд, выглядят куда более удачными. Непринуждённый небольшой прыжок вперёд, ходьба всегда получаются выигрышно. Даже если смотреть популярных девушек инста-блогеров, у них все фотографии как бы случайные, ненавязчивые. Понятно, что никто не ходит за ними целый день с камерой или смартфоном, не ждёт удачный кадр. Вот она сидит, смеётся непринуждённо, но на самом деле её заставляли смеяться, делали много кадров. Нужно пытаться создать и поймать момент.

Не бойтесь снимать в общественных местах

Многие люди бояться фотографироваться в общественных местах. Приходят в кафе, вроде бы хочется сделать снимок, но человек стесняется. Не нужно бояться, нужно просто делать! Если видишь красивый кадр и его удаётся запечатлеть, то это того стоит.

Я, например, немного стесняюсь делать снимки на телефон, мне комфортнее с камерой. Кажется, что все на тебя смотрят. Но со временем к этому привыкаешь и не обращаешь внимания.

Законом фотографироваться в общественных местах не запрещено и на самом деле, если не мешать людям, большинство очень понимающе и по-доброму относятся к съемке.

Снимайте то, чем занимаетесь

Многим кажется, что фуд-фотография сейчас на пике популярности, но это не так. Популярность подобных фото уже отходит. У нас в городе модно делать семейные снимки, устраивать новогодние, осенние, зимние фотосессии. Мне хотелось бы, чтобы у нас больше развивалась fashion-фотография, но это настоящее искусство, а людям иногда хочется чего-то попроще. Надеюсь, мы с PROPHOTO и нашим модельным агентством сможем показать, что fashion-фото – это интересно.

Еще сейчас популярно такое направление в фотографии как life style – фотосъемка своего образа жизни. Люди часто фотографируют как они живут, проводят свой день, рассказывают о своих увлечениях. И это хорошо, это мотивирует: человек задумывается, что бы ему показать, что бы сфотографировать. Он проводит время не только на работе с 8 до 17 и дома, но и ходит на какие-то мероприятия, занимается спортом, чем-то еще. С помощью этого направления фотографы (и не только) передают своё отношение к жизни. Мне нравится смотреть аккаунты, где люди чем-то увлечены. Например, парень, который смастерил себе велосипед с мотором, ездит на нём, рассказывает о местах, где бывает. Или астроном, который выкладывает астрофотографии. Или девушка, которая выкладывает фотографии того, что приготовила с рецептами – я всегда думаю «Ага, надо тоже приготовить». Людям нравится смотреть в соцсетях за увлечениями других, это вдохновляет.

Еще хочу про обработку сказать. Сейчас популярно обрабатывать снимки под «плёнку» – тёплые ламповые цвета с «зерном», шумом плёночным. Такая обработка подходит и для снимков в Instagram: есть специальные программы, которые позволяют сделать такой фильтр.

Смотрите работы известных фотографов

Это первое, о чем мы говорим на курсах в PROPHOTO. Пожалуй, это самое важное. Нужно каждый день смотреть снимки других фотографов, но тут стоит отметить, что следить нужно за творчеством признанных профессионалов или изучать снимки классиков фотографии. Потому что это развивает вкус. Если долго смотреть работы профессионалов, то ты сам автоматически будешь стоить кадр как любимый фотограф. Такое подражание в минус не будет, потому что как любимый фотограф снимать всё равно не получится – у тебя несколько другой взгляд и плюсом багаж тех фотографов, которых смотришь еще. В итоге получается своеобразный синтез, свой стиль.

На занятиях в нашей фотошколе мы каждый раз смотрим работы известных фотографов, классиков фотографии и современных. Потом анализируем, как он строил кадр, какой свет и т.д. Основная цель – воспитание эстетического вкуса к фотографии. Потому что как правило многие преподаватели не обращают на это внимание, даже не знаю почему. А это в первую очередь нужно делать – развивать вкус в фотографии. Тогда у тебя самого кадры станут хорошими, будешь видеть, что с твоим кадром не так, сравнивать и подгонять кадр под свои какие-то внутренние стандарты. Еще мы очень много внимания уделяем работам с моделями. У нас есть например, курс «Студийная фотография», где только первое занятие теоретическое, а всё остальное – практика. Работа с профессиональными моделями помогает фотографу быстрее понять в чем суть, какой кадр красивый. Потому что не отвлекаешься во время обучения на то, что человек не знает как ему встать.

Сейчас просто огромный выбор фотографов и бывает, что работы у них действительно очень плохие. Понять что хорошо, а что плохо как раз помогут классики фотографии. К тому же по сути всё из них и вытекает: сейчас другие одежда, какие-то образы, но в целом то всё то же самое. Потом стоит начинать смотреть современных фотографов. Уже зная, как должно быть, понимаешь, чьи работы тебе нравятся, кто действительно профессионал.

Конечно, бывает наоборот – сначала тебе нравится кто-то из современных, а потом открываешь для себя классиков. Так со мной было. Мой самый любимый фотограф – Питер Линдберг. Еще мне нравятся работы раннего Марата Сафина, Ирины Воротынцевой, Анвара Норова, Льва Ефимова. Из классиков – Анри Картье-Брессон, прародитель фотожурналистики и уличной фотографии, Хельмут Ньютон.

Делайте сюжетные снимки

Нет каких-то универсальных сюжетов, которые можно сфотографировать и получить тысячу «лайков» в соцсетях. Потому что даже невероятной красоты закат можно снять так, что кадр будет скучным и не привлечёт совершенно никакого внимания – всё зависит от фотографа. Есть условия, в которых снимать проще, режимное время. Конечно, есть кадры, которые нравятся многим – это дети и котики. Просто потому что это мило.

Понять, что этот кадр удачный достаточно просто: если ты его запоминаешь, он прям «западает» в душу, его хочется посмотреть еще раз, то это хороший снимок. Я так раньше ориентировался на свои ощущения. Сейчас я уже обращаю внимание на техническую составляющую, хорошо ли выполнен кадр, грамотно ли он отретуширован, а также на художественную часть.

Важно, чтобы кадр был не только правильно снят технически, хорошо отретуширован, но и в нём был какой-то смысл, чтобы человек, который его посмотрел не пожалел о потраченном времени. Для этого на фотографии должен быть какой-то сюжет, какая-то идея. Старайтесь задумываться каждый раз, что хочется передать этим снимком, что он несёт.

Тридцать вопросов о фотографии Аббасу Киаростами

— Когда-то вы занимались живописью и рисованием. Как соотносятся, на ваш взгляд, эти формы изобразительного искусства и фотография?

-Думаю, что вы спрашиваете меня не о том, в каком смысле живопись может или не может походить на фотографию. У каждого из этих двух способов художественной выразительности своя специфика. Ваш вопрос труден, он может повлечь за собою массу других. Например, какие конкретно типы живописи и фотографии мы имеем в виду? Очевидно, что между реалистической живописью и ландшафтной фотографией есть нечто общее. Они предполагают рассмотрение объекта природы, которая во все времена была источником вдохновения, и это может быть их точкой соприкосновения.

— Занятие фотографией может каким-то образом воздействовать на кинорежиссуру и наоборот?

— Неподвижная мизансцена фактически подобна фотографии. Когда при перемещении камеры мизансцена начинает усложняться, она все равно остается фотографией, но только в движении. Видоискатель кинокамеры работает, как простой фотоаппарат. Поиск кадра является постоянным занятием, которое в конечном счете помогает режиссированию фильма. Я сделаю одно признание: мне хотелось бы родиться с прямоугольными ограничителями для глаз, ведь тогда я все время видел бы мир в этом священном кадре…

— Как появились эти фотографии, вошедшие в ваш альбом?

— Первый образ, который запечатлел человеческий глаз, нужно было бы уподобить первому фотоснимку. Говорят, Ева поддалась дьявольскому соблазну и вкусила запретного плода, чтобы стать такой же красивой, как образ, который прячется в глубине колодца. Она заглянула в колодец и впервые в жизни увидела изображение — свое собственное. Можно сказать, что изобретение фотографии состоялось из подобного желания увидеть образ другого. Это создание вечного образа.

— Когда вы увлеклись фотографией и начали снимать?

— В начале революции работы стало гораздо меньше, и однажды, когда мне нечего было делать, я купил дешевый фотоаппарат — «Ясика» и пошел снимать. У меня было желание слиться с природой и она повела меня за собой. Но кроме того, я хотел разделить радость увиденного с другими. Вот почему я начал фотографировать. Таким образом я хотел увековечить преходящие мгновения страсти и страдания.

— Из всех жанров — портрет, натюрморт, ню, документальное фото, уличные сцены, реклама — вы выбрали для своего альбома только пейзажи. Почему?

— Мне кажется, я уже ответил на этот вопрос. Я снимаю не из любви к фотографии, а из любви к природе. Это вроде подарка или сувенира на память.

— Но все-таки пытались ли вы снимать что-то иное, кроме пейзажных фотографий, и если да, то остались ли довольны?

— У меня есть опыт в рекламной фотографии. Я не мог бы с уверенностью сказать, что доволен результатом, однако иной раз посмотришь на эти фото и кажется, что они не так уж плохи. Во мне всегда остается чувство радости от фотосъемки, коммерческой или какой-либо иной. Но фотографирование природы дает двойную радость.

— Вы начинали как график-дизайнер и однажды сказали, что графический дизайн — начало всех искусств. Что вы имели в виду?

— Если и вправду я так сказал, то, конечно же, это было преувеличение. Может быть, я имел в виду что-то другое? Возможно, я рассуждал о минималистском аспекте графического дизайна, может быть, хотел подчеркнуть его творческие особенности. Этот вид искусства доносит до зрителя художественный замысел минимальными средствами и максимально сдержанно. Графический дизайн — важный вид искусства.

— При съемке фильмов вы делаете очень мало дублей, и из всех отснятых, как правило, первый оказывается для вас лучшим. Происходит ли то же самое при фотосъемке? На чем основан ваш выбор?

— Метод работы в кино отличается от методов фотографии. В кино все заранее подготовлено и организовано. Каждый эпизод, хотя и самодостаточен, тем не менее зависит от предыдущего и последующего. Автор фильма имеет в голове некую идею и во время съемок пытается снимать так, чтобы эпизод соответствовал его общему видению.

— Какую фотокамеру вы предпочитаете и используете ли несколько разных объективов, как это делаете при съемке фильмов?

— Когда-то у меня была «Ясика F100» с 50-мм объективом. И, естественно, мои фотографии тогда были резче тех, которые я делаю сейчас «Кэноном» или «Никоном», потому что снимая фотокамерой, у которой объектив с постоянным фокусным расстоянием, неизбежно получаешь более резкое изображение. Однако есть еще один недостаток. Уменьшение расстояния при приближении к объекту может порой искажать желаемую композицию изображения. Но в некоторых случаях именно глубина резкости помогает получить тот самый искомый образ. В течение пятнадцати лет я использовал штатный объектив, и сегодня, когда оглядываюсь назад, снимки, сделанные тем объективом, нравятся мне больше.
Как-то раз, снимая своей «Ясикой», я смотрел на пейзажи через окно машины. Когда я приблизился к интересующему меня объекту, мне показалось, что можно получить и лучший результат. Я вышел из машины, но этого было мало, и я стал подходить все ближе и ближе, пока не получил оптимальный образ. Я нажал на пуск и вдруг понял, что машина осталась далеко позади. Оказалось, для получения нужного мне эффекта я прошел существенное расстояние и воспринял это как очень приятное приключение. Сегодня же, пользуясь зум-объективом, я лишен подобной возможности.

— Какую пленку вы используете?

— На пленке «Кодак» получается изображение более теплого оттенка. Но в Иране пункты по проявке и печати работают в основном с пленкой «Коника». С нее получаются фотографии с преобладанием зеленого цвета. Это все, что я знаю о фотографической технике. На самом деле я пользуюсь той пленкой, которая имеется в продаже в супермаркете или в ларьке на углу. Я только проверяю срок ее годности, и всё.

— Где вы снимаете ландшафты? В Мазендеране у Каспийского моря?

— Везде. Но отправной пункт всегда Тегеран. Могу уехать километров на 300 севернее, к Каспийскому морю, а могу и в Курдистан, как недавно. Это в 700 километрах от Тегерана, рядом с иракской границей.

— Отправляясь на съемки, вы знаете заранее, что хотите снимать, или полагаетесь на случай?

— Вовсе нет. Я никогда не ищу какой-то особый ландшафт. Однако естественно, если, например, в сумеречный осенний день я нахожусь в степи, на моих фотографиях будут присутствовать приметы осенней природы. На самом деле сам ландшафт заставляет меня остановиться и запечатлеть его на пленке. Композиция, цвет и, прежде всего, свет определяют красоту образа, а также его особый характер.

— Самый известный ваш ландшафт в кино — это последний кадр в фильме «Под оливами». Много ли
времени вы тратите на поиск подобных видов, когда делаете фотографии?

— Я не занимаюсь подбором видов. Я просто останавливаюсь перед природным объектом, который приглашает меня к его созерцанию. Но иногда я медлю какое-то время, чтобы найти идеальный образ, и все заканчивается сожалением о том, что я не прибыл сюда несколькими минутами раньше. Подобные ощущения я испытывал многократно и во время съемок фильмов. Очевидно, потому что свет в них играет определяющую роль. Все дело в свете. Свет имеет такое же значение, как и сам объект.

— Можете ли вы назвать ваше отношение к ландшафтам, которые вы снимаете, созерцательным?

— А можно ли иначе?

— При съемках фильма приходится долго дожидаться нужного освещения ландшафта. А как это происходит, когда вы фотографируете?

— Действительно, я трачу много времени на поиски нужной диспозиции. Без преувеличения, я могу потратить на это и полгода, и больше. Я не считаю, что сам по себе поиск должен занимать столько времени, однако эти прогулки исключительно важны для меня. Созерцание ландшафтов приводит к тому, что я делаю нужные мне фотографии.
Мимо какого-нибудь природного объекта можно пройти тысячу раз, и вдруг однажды он привлечет твое внимание и очарует. Ландшафт будет все тот же, но освещение сделало его более выразительным. То же самое происходит, когда смотришь в зеркало и видишь, что сегодня лицо кажется красивее, чем вчера.

— Для съемки последнего эпизода в фильме «Вкус черешни» вы дожидались прихода весны. Испытываете ли вы как фотограф расположение к определенным временам года?

— Для фотографии любое время одинаково хорошо. Но лично мне работать весной труднее. Весна обладает своей эстетикой, которая не может нравиться всем. В весенних фотографиях довольно трудно избежать клише. В это время года цвета резки, кроме того, преобладает зеленый.
Я хотел бы иметь альбом весенних фотографий, хотя среди сотни моих негативов мне нравятся лишь несколько. Погода весной столь хороша, что камера не справляется с заданием. Я люблю осень и зиму и в это время делаю массу фотографий.

— Для французского рекламного постера «Вкуса черешни» вы выбрали одну из ваших видовых фотографий. Чем вы руководствовались?

— Этот снимок одиноко стоящего дерева я сделал несколько лет назад. Возможно, тогда мы созерцали последние лучи заходящего солнца, исчезающего за склонами гор. Потом недалеко от этого места я снимал «Вкус черешни». Во время съемок мой взгляд случайно упал на это дерево, и оно показалось мне знакомым. Это было все то же дерево, которое я когда-то уже снимал. И я понял, что такое совпадение не может не иметь отношения к главной теме фильма, и потому выбрал это дерево для постера.
Этот постер некоторым образом удовлетворил мое самолюбие как фотографа: никогда прежде мои фотографии не публиковались и не расходились по всему миру. Между нами говоря, фотография-то неплохая. Она не очень рекламная и довольно адекватна кинематографическому пространству. В то же время я порадовался встрече со старым другом — деревом, потерявшимся между двух никому не известных холмов.

— Однажды Ролан Барт написал: «То, что фотография воспроизводит бесконечное число раз, случилось только однажды». Как вам кажется, относится ли это суждение к ландшафтной фотографии?

— Я полностью согласен с Бартом. Фотография является единственным средством, дающим возможность навсегда запечатлеть уникальные мгновения жизни. Однажды я снял огромное дерево, которое росло между двумя горами. В лаборатории негатив поцарапали, и дня через два я отправился снимать то же дерево, в то же время суток, тем же объективом и в том же ракурсе. Сравнив оба кадра, я увидел, что они даже непохожи. Можно фотографировать один и тот же вид несколько раз подряд — снимки могут получиться очень красивыми, но никогда не одними и теми же. Разве не утверждал Гераклит, что нельзя войти в одну реку дважды? И река не остается прежней, и мы меняемся.
Как-то я переснимал эпизод в одних и тех же условиях и получил разные результаты. Может быть, вы отнесетесь к моим словам с недоверием, но мне казалось, что в тот день даже деревья выражали эмоции и меняли их.

— Ландшафтная фотография вызывает в вас мечтательность?

— Нет. Как я уже говорил, фотографирование ландшафтов является для меня приглашением к созерцанию природы. Даже если вы и не фотограф и камеры у вас нет, красота ландшафта вызовет в вас восхищение. Я чувствовал себя гораздо лучше в те годы, когда не жил в городе. Наблюдение окружающего пространства действовало на меня успокаивающе — оно было почти магическим. Я совершал короткие путешествия, не имевшие какой-либо цели. Вдруг оказывался где-то в сельской местности, иногда в компании, чаще один. Но в одиночестве трудно созерцать небо, затянутое облаками, и массивный ствол дерева в магическом освещении. Невозможность разделить радость от великолепия пейзажа может наполнить переживание мукой. Фотокамера дает мне возможность поделиться ощущениями с другими людьми. Мне очень нравится овладевать красивым образом, упрятывать его в коробочку, чтобы потом показывать его тем, кому захочется его увидеть.
Хотя фотография необязательно должна вызывать мечтательность, она может обладать этим свойством. Если в мечте заключается желание бежать от городской действительности и ее несвободы, если в ней есть возвращение к началу — к природе, то тогда ландшафтную фотографию можно рассматривать как приглашение к мечте. Для того, кто родился в городской квартире, привык к высотным зданиям, автомобилям, дорожным пробкам, подземным туннелям, языку рекламы, чья жизнь протекает под серым облачным небом, природа имеет совершенно иное значение. По моему мнению, городской ландшафт противоположен человеческой натуре и ее потребностям. Мы слишком часто забываем об этой правде.

— Не думаете ли вы, что ландшафтная фотография оставляет более сильное впечатление, чем движущиеся образы. Они, как говорит Сьюзен Зонтаг, «срезают тоненький ломтик с действительности, вместо того чтобы подражать текучести времен»?

— Должен признать, что мотивы моих занятий просты и не столь интеллектуально высоки. Я не способен дать такой анализ отношений между фотографией и течением времени, какой дает Сьюзен Зонтаг. Единственное, что я могу сказать: для меня фотография является чем-то таинственным и сентиментальным, а кинообразы слишком эксплицитны. В них нет тайны. В своей истории и предопределенности эти движущиеся образы создают нечто одноплановое и в конце концов банальное и клишированное. Более творческим и более разнообразным мне кажется создание образов протяженного бытия из состояния неподвижности.

— Ваши фотографии свидетельствуют об интересе к атмосферным явлениям, отражениям, к трансформациям оттенков на расстоянии. Что вы при этом чувствуете? И не является ли для вас ландшафтная фотография способом объяснить пространство через его отношения с естественным светом?

— Перед тем как стать фотографом, я занимался живописью, но никогда не считал себя художником. Живопись была для меня чем-то вроде терапии. Более или менее регулярно я посещал курсы Школы изящных искусств. Прежде чем взяться за живописную работу, я долго оставался наблюдателем. Я имею в виду, что я рассматривал детали, решительно не важные для других. Мне было интересно все, что окружало меня, но я не мог заставить себя писать то, что видел. Я чувствовал свое бессилие перед холстом, и оно подстегивало меня к продолжению занятий живописью. Когда я открыл для себя искусство фотографии, оно заменило живопись. Природа — великий художник, у которого на вооружении множество стилей и методов. Иногда достаточно одного щелчка затвора, чтобы мгновение жизни на этом величественном полотне стало вечностью. Вот, собственно, что я пытаюсь делать — не часто, в нужный момент, но всегда с огромной радостью.

— Свидетельствует ли ландшафтная фотография о месте человека в природе?

— Я не хочу давать исчерпывающее определение фотографированию ландшафтов. Но, может быть, с помощью некоторых примеров я лучше выражу суть моих размышлений. Паскаль сравнивал человека с думающим тростником. А Мовлана\1\ — тростник со страдающим человеком. Мовлана в своих притчах заходит иной раз так далеко, что у него человек и дерево сливаются воедино. В иранской мифологии Гильгамеш на треть человек, а на две трети — бессмертное божественное существо, то есть он несет в себе сочетание человеческого и небесного, устремляясь к бессмертию. Мистика ислама не предполагает конфликт между небом, землей и деревьями. Наоборот, между ними осуществляются близость и единение. Именно по этой причине я предпочитаю размышлять о примирении человека и природы.

— В какой мере ваши фотоландшафты отражают ваши эмоции?

— Вообще, в работе любого художника отражаются его чувства, такие, какие у него есть, или их полная противоположность. На самом деле мы или походим на свою работу или нет. Даже если я отношусь ко второй категории, совершенно очевидно, что мои фотографии состоят из той же субстанции, что и мои мечты.

— Кто ваши любимые художники-пейзажисты?

— Мой любимый художник — природа, но если вас интересуют имена, то мне нравятся фотографии Анселя Адамса. Всю свою жизнь он фотографировал парк по соседству.

На ваших пейзажных фотографиях практически нет живых существ. Почему?

— Это ограничение возникло само собою. Может быть, стоит заглянуть в подсознание. На последних, еще не публиковавшихся фотографиях живых существ больше, чем раньше. Однако все они близки природе, это бродячие собаки, овцы, пастухи, деревенские люди. Все они часть природы.

— Вы как-то по-особенному относитесь к деревьям?

— По-моему, дерево — чудесное проявление жизни. Как-то я сам себе дал задание отразить в своих фотографиях некоторые стороны этого чуда. Форма, освещение, ракурс съемки дерева помогают раскрытию объективных сторон его существа. Но всякий раз, когда мы рассматриваем фотографии, мы можем почувствовать, что общий духовный характер и уклад одного дерева проявляются через существование самых различных видов деревьев и предполагают их скрытую классификацию: старые, молодые, раскидистые, зеленые, сухие, весной ли, осенью, с плодами или без.
Однако эти фотографии, как и сами эти деревья, сообщают нам кое-что еще: живое дерево, больное дерево, счастливое дерево, печальное дерево, обеспокоенное дерево, спокойное дерево или просто дерево, и ничего больше.
Ибн Араби говорил, что дерево — сестра человека и что пальма состоит из человеческой субстанции и потому занимает те же самые зоны теней, что и люди. В тени пальмы Мария со своим младенцем нашла убежище. Буддисты знают дерево, под которым Будда появился на свет, и оно стало равным Будде. И в персидской литературе говорится о чудесных деревьях, обладающих свойствами человека.
Дерево и жизнь человека нераздельно связаны. Эта связь коренится в нашем быту, в нашей культуре, в нашей духовности, в наших мечтах, в наших мифах и легендах, и, наконец, в тайнах и таинствах всех религий. Вот поэтому так редки случаи, когда человек не чувствует — явно или подсознательно — своей интимной связи с деревьями. Возвращаясь к сравнению, сделанному Ибн Араби, я должен признаться, что могу скучать по дереву больше, чем по своей сестре. Я могу прожить без сестры, но не могу без дерева. И я не имею в виду блага, которые дерево может мне дать. Я люблю его само, а не за кислород или плоды.

— В ваших ландшафтах обнаруживаются соразмерные композиции: пять шестых — поле, одна шестая — небо, или одна четверть ландшафта внизу, вторая четверть — горы, третья — синее небо, четвертая — облака… Вы ищете геометрический порядок в природе?

— В природе всегда существовали геометрия и искусство пропорции. Даже в вещах, по видимости непропорциональных. Просто нужно найти пропорцию и понять ее значение или, по крайней мере, как-то объяснить. Соотношение 1:6 между небом и землей в фотокомпозиции очень эстетично и, я думаю, не случайно. Сам мир обладает такой пропорцией.
Когда на фотографиях мы видим небо, то светлые и темные облака смогут находиться в отношении 5:1 или 4:2. Вместе с тем мы можем связать пропорцию неба и земли с некоей тайной или неким смыслом. Соотношение неба и земли и архитектуры 5:1 может подвести нас к более глубокому смыслу. Это вопрос выбора, и та или иная интерпретация образов — дело зрителя.
На фотографиях, где небо занимает пять шестых всего пространства, мы замечаем пустоту неба, а земля становится центром мира. И зрители могут давать разные трактовки увиденного.

— На ваших фотографиях снег играет более важную роль, чем в фильмах. Вас и в кинематографе интересует белизна в ландшафте?

— Мне всегда хотелось снять фильм, действие которого происходит зимой. Зимний фильм — вот подарок зрителю, удобно усевшемуся в кинотеатре. Снег всегда вызывает у меня ностальгические переживания. Он ассоциируется с детством. Мне кажется, что тогда снега выпадало больше, чем сейчас, бывало, из-за него даже школы не работали. Может быть, именно поэтому мы были так счастливы, когда шел снег? Или снег сам по себе вызывает чувство радости? Ведь и малыши, которые еще не ходили в школу, радовались падающему снегу. Я думаю, дети более тонко, чем взрослые, воспринимают снег. Так или иначе, они выказывают больше радости. Зима начинается снегом, и для Рождества снег очень важен. Другие времена года наступают не так решительно. Снег же в мгновение ока может изменить ландшафт. Белизна совершает переворот, который приносит с собой чистоту и благоприятность. Но несмотря на все это, я избегаю съемок зимой. Это чудное создание — снег — очень хрупко и изменчиво под лучами солнца, что может добавить проблем в длительный процесс съемки. Покрытые снегом ландшафты могут терять детали и преображаться новой красотой. Эта красота имеет минималистский характер. Объемы белого цвета благодаря серым оттенкам образуют новые, нефункциональные формы: «жучок-фольксваген» под сугробом больше походит уже не на машину, а на современную скульптуру. Что-то вроде живописи Фонтаны. Зимой многоцветная природа делается черно-белой. Может быть, поэтому одежда детей зимой кажется ярче. Но разговор о белизне и чистоте снега — это слишком большая тема.

Перевод с английского Наталии Волковой
*
Беседа опубликована на французском, английском и итальянском языках в фотоальбоме Аббаса Киаростами под заголовком Trente questios a Abbas Kiarostami sur ses photographies par Michel Ciment (Edition Hazan, 1999). Издание было приурочено к премьере его фильма «И унесет нас ветер».
\1\ Персидский поэт XIII века.

Что делает фотографию искусством? | Художественная фотография

Учитывая огромное количество фотографий, как вы можете определить, являются ли ваши изображения произведениями искусства? Что делает фотографию искусством?

Снять и отретушировать фото может практически каждый. Интернет пестрит креативными селфи и абстрактными композициями. Есть даже изображения, на создание которых ушли годы.

На самом деле, социальные сети зависят как от профессиональных, так и от откровенных фотографий.

Что такое художественная фотография?

Все мы видим красоту в разных местах.То, что вам выделяется, может показаться кому-то непривлекательным, и наоборот.

Художественная фотография не имеет собственного определения. Но он привлекает тех, кто разделяет определенное видение.

Художественные фотографии создаются так же тщательно, как и живопись. Их часто бывает сложно создать за один сеанс. Они выделяются своими деталями, композициями и смыслами.

Самое главное, что это видения, которые представляют собой нечто большее, чем простые снимки.

Эти описания звучат расплывчато, потому что само изобразительное искусство постоянно меняется.Вот несколько примеров, которые могут дать вам лучшее представление о том, что это за жанр.

Многие концептуальные фотографии, особенно сюрреалистические, считаются искусством. Некоторые включают оптические иллюзии, тщательно размещенные объекты или даже сильно отредактированные композиции. На их совершенствование уходит много времени.
Но вам не нужно быть мастером Photoshop, чтобы создать концептуальное изображение. Олег Оприско находит и создает привлекательные композиции вне зависимости от монтажной программы.
Другие фотографы, например Алекс Стоддард, предпочитают делать наоборот.

Изобразительное искусство — это не только портреты или сюрреализм. Иногда фотография изобразительного искусства просто фокусируется на простом объекте, таком как лист, который имеет много интересных деталей.

Мои фотографии — искусство?

Ваши фотографии могут быть такими, какими вы хотите их видеть. Ваша вера в собственную работу поможет ей превратиться во что-то еще более великолепное, чем вы себе представляли.
Это может показаться действительно пушистым, но это помогло мне довериться собственным творческим инстинктам.
Еще одна вещь, которая мне помогла, — это задать себе простые вопросы о моих фотографиях.Вот несколько вопросов, которые вы можете задать себе, изучая свою собственную работу:

• Какие чувства вызывает у меня эта фотография?
• Сколько времени у меня ушло на планирование этой фотосессии?
• Какое освещение на этой фотографии? Это искусственное или естественное, контролируемое или спонтанное?

Мы часто фотографируем, не задумываясь о своих способностях и не оценивая их. Ваши ответы не дадут вам каких-либо конкретных результатов, но они дадут вам лучшее представление о том, какую работу вы создаете.
Потратьте время на изучение своей работы, чтобы развить этот инстинкт художественной фотографии.

Изобразительное искусство должно заставить вас что-то почувствовать

В своем подкасте об искусстве фотограф Мартин Бейли прекрасно описал изобразительное искусство. Независимо от того, насколько необычным или простым является предмет, он заставит вас почувствовать вещи.
Необязательно вдохновлять вас покорять мир. Но он может говорить с вашим сердцем своей красотой, цветами или позой объекта.
Некоторые фотографии изобразительного искусства вообще не будут говорить с вами через что-либо.Их простое существование просто напомнит вам о личном опыте. Они могут вызывать чувство ностальгии, печали, радости или чего-то совершенно другого.
Вот пример.

Хотя эта фотография была сделана в Джорджии, она напоминает мне о моем родном городе, месте, которое находится далеко от Грузии. Благодаря коту и летней атмосфере я вспоминаю детство. Я чувствую себя как дома, когда смотрю на этот портрет.
В зависимости от вашего жизненного опыта, вы, вероятно, почувствуете что-то другое, когда посмотрите на это изображение.
Что вы чувствуете, когда смотрите на него? Какие фотографии больше всего влияют на вас?

Откройте для себя свои версии изобразительного искусства

Определение красоты гибкое. Никто не может сказать вам, что должно или не должно быть изобразительным искусством. Лучший способ создавать фотографии изобразительного искусства, которые вам нравятся, — это подвергнуть себя вашей версии искусства .
Изучите фотографии своих любимых фотографов. Найдите художников, чьи работы вызывают у вас чувство, независимо от того, насколько малоизвестен или популярен их жанр.
Чем больше изображений вы откроете для себя, тем легче вам будет раскрыть свой вкус. Не беспокойтесь о подсознательном копировании их идей или стилей.
Когда вы лучше поймете, чем вы восхищаетесь в искусстве, вы сможете делать фотографии, которые точно и уникально отражают это восхищение.
Если вы не знаете, с чего начать, вот несколько фотографов, чьи работы многие художники считают искусством:

1. Поль Апал’Кин фотографирует людей в студиях.
2. Рози Харди фотографирует людей в волшебных местах.
3. Даниэль Флейшхакер передает истинную красоту природы.
4. Александра Софи делает атмосферные фотографии женщин.
5. Юичиро Мияно фотографирует людей в квадратном формате.

Идеи художественной фотографии

Вы можете больше узнать об изобразительном искусстве, работая над различными фото-проектами.
Вот несколько, которые помогут вам познакомиться с жанром:

1. Moody Lighting

Сфотографируйте объект при плохом освещении.Ваше освещение не обязательно должно быть профессиональным. Он может быть прямым или тонким, естественным или искусственным.
Это позволит вам работать исключительно со светом и раскрыть потенциал в деталях.

2. Играйте с цветами

Играйте с цветами. Фотографии изобразительного искусства не обязательно должны быть реалистичными. Если вам нравится корректировать цвета и редактировать фотографии, поэкспериментируйте с неестественными тонами.
Это побудит вас выйти из зоны комфорта и принять необычные темы.

3.Использовать простые фоны

Делайте снимки в простых местах. Чтобы выделить объект съемки, фотографируйте его в месте, где мало отвлекающих факторов.
Это может быть поле в пасмурный день или белая комната без мебели.

4. Образцы фотографий

Найдите закономерности и симметрию в природе. На свежем воздухе можно увидеть множество предметов изобразительного искусства, включая деревья, пляжи и небо.
Симметрия, изгибы и даже кривизна — все это можно использовать для создания привлекательной фотографии.

5. Попробуйте больше творческих ракурсов

Эксперимент с углами и поворотом. Простое вращение может полностью изменить смысл вашего изображения. Небольшое изменение перспективы может превратить простое место в такое, которое кто-то захочет повесить на стене.
Не бойтесь экспериментировать с углами и поворотами во время фотосессии и в программе редактирования.

Заключение

Так что же делает фотографию искусством? Ответ на этот вопрос зависит от вашего стиля фотографии, от того, где вы черпаете вдохновение и от того, как вы фотографируете.

На мой взгляд, искусство фотографии — это воображение, целеустремленность и время, которое вы вкладываете в свою работу. Это время, когда вы инвестируете в исследование, понимание и восхищение жанром изобразительного искусства.
Многие фотографы согласны с тем, что то, что делает фотографию искусством, — это то, что каждый захочет выставить в галерее. Это произведение искусства, которое заставит почти любого что-то почувствовать.
Это то, что вы хотели бы увидеть на стене, в галерее или на обложке книги.
Как вы думаете?

5 причин, почему фотография — это форма искусства

До того, как в 18 веке была сделана первая фотография, реалистичные изображения того, что могут видеть глаза, могли быть созданы только талантливыми художниками.В наше время и в эпоху фотографии картины были действительно особенными, потому что большинство из нас могло просто представить себе работу и усилия, которые художник потратил, чтобы создать такое реалистичное изображение. Это с учетом того, что этим опытным художникам пришлось конкурировать с эпохой, когда инструменты фотографии больше не роскошь, а необходимость. услуги ретуши фотографий

Запечатлеть красоту природы доставляет огромное удовольствие. Вы также можете начать фотографировать с мобильного телефона. Все, что вам нужно, — это мобильный телефон и лучший штатив для телефона.

Художественный глаз
Прежде чем мы перейдем к атрибутивным факторам, которые делают фотографию искусством, нам необходимо рассмотреть отношения визуальной оценки между двумя людьми, художником и не-художником. Большинство людей на самом деле не считают себя творческими людьми и рассматривают художественный глаз как талант, завещанный им при рождении. Для большинства из нас конец истории либо у вас, либо у вас нет.

Однако любой может обладать художественным чутьем, и вам не нужно быть таким, чтобы ценить искусство своими собственными глазами.С практикой и некоторыми методами вы можете развить глаза художника, и да, это очень достижимо.

Тренировка глаз
При достаточной практике и обучении вы сможете смотреть на искусство с более широкой точки зрения. Конечно, отчасти это связано с наличием пары здоровых глаз. И если вы сейчас носите корректирующие очки, всегда есть лучший способ сделать это. Для лучшего зрения без препятствий, создаваемых очками, используйте эти контакты.

Один из способов научить свои глаза артистичности — это научиться смотреть и видеть.Эти двое часто воспринимаются как одно и то же, но взгляд отличается от зрения. Каждый день мы поглощаем визуальную информацию, но никогда не пытаемся понять, что она означает. Мы просто смотрим на них, не пытаясь понять их значение. автомобильный фон удалить

Фотография раскрывает в нас художника
Опять же, вам не нужно быть профессиональным художником, чтобы изучать и ценить искусство. Один из способов художественно выразить себя — через объектив камеры.Мы видим величественный горизонт, фотографируем его. Мы видим, как наш отец проводит время с нашим сыном, мы фиксируем его одним щелчком мыши. Используйте эти контакты, чтобы четко найти лучшие ракурсы и создать лучший образ каждой истории.

Может быть, у нас разные причины, когда мы фотографируем, но общая тема здесь — желание создать момент, запечатлеть его на другом холсте. Это творение в чистом виде явно делает нас художниками.

Фотография как искусство
Википедия определяет искусство как «разнообразную человеческую деятельность по созданию визуальных, слуховых или исполнительских артефактов, выражающих творческие или технические навыки автора, которые должны быть оценены за их красоту или эмоциональную силу.”

Уже по приведенному выше определению можно сказать, что фотография — это искусство. Возможно, это не требует навыков, требующих таких усилий, как рисование или скульптура, но ключевым элементом здесь является намерение ценить красоту и выражать эмоции. Вот и другие веские причины, по которым фотография — это больше, чем просто ремесло:

● Фотография требует воображения и творчества.
Для получения идеального снимка требуются разный уровень творчества и много воображения, и это широко признанное знание.Фотографы знают, что они должны снимать обычные вещи и находить множество способов представить их миру с помощью необычных фотографий.

● Фотография запечатлевает эмоции.
Что отличает художественные фотографии от обычных снимков, так это своевременность и ожидание мелких деталей важных моментов. Эти мелкие детали являются источником сильных эмоций, и опытные фотографы это знают. Самое главное — это спокойные моменты в шумном мире.

Идеальные улыбки, затишье перед бурей, капли воды и сверкающие глаза перед тем, как жених целует невесту; это некоторые из кратковременных эмоциональных моментов, о которых мечтает каждый фотограф.

● Фотография требует аналитических навыков
Чтобы зафиксировать идеальные моменты и сохранить их навсегда, необходимы технические навыки, которые каждый фотограф приобретает за годы практики. Подобно художникам-художникам, которые используют разные наборы кистей или медиумов, у фотографов есть выдержка, диафрагма и другие числовые аспекты, которые следует учитывать при съемке снимков.

Тип объектива, фильтры и глубина резкости — это также некоторые проблемы, которые фотографы должны решать немедленно.В противном случае возможность сделать снимок будет потеряна и больше не может быть воспроизведена.

● Фотографы разбираются в физике.
Опытные фотографы знают, что они также должны понимать, как работает оптика, камеры, ракурсы и освещение. Использование науки, лежащей в основе фотографии, будет огромным преимуществом для каждого фотографа.

Это похоже на художников-рисовальщиков, скульпторов и художников, которые хорошо понимают элементы, которые могут повлиять на сообщение, которое они хотят передать через свои работы.

● Фотографы понимают абстракцию.
В общих чертах, абстракция — это процесс, при котором информация тщательно, но намеренно не учитывается, в результате чего получается кадр, открытый для различных интерпретаций. Абстракция также требует понимания геометрических форм, текстуры, линий, цвета и некоторых других связанных элементов.

Как упоминалось ранее, любой может развить художественный глаз, и великие фотографы со временем развили свое понимание изоляции и видения за пределами оригинала. Перспектива снимков.

● Могу ли я превратить фотографию в персонализированный набор раскраски по номерам?

Теперь вы можете превратить свою любимую фотографию в персонализированную краску под номером и создать свою собственную картину. Вы можете себе это представить? Изготовленная на заказ краска по номерам — самый удивительный подарок, который вы можете подарить любимому человеку.

Если вы получите свою собственную персонализированную краску по номерам из Personalize Everything , вы получите полный набор со всем необходимым, чтобы нарисовать шедевр.В него входят 3 кисти, 24-36 цветов и холст.

Чего вы ждете, сразу же настройте свой холст, потому что спрос велик, а их очень часто заканчиваются.

Вот несколько советов по раскраске по номерам , которые помогут вам улучшить внешний вид вашей краски по номерам. Честно говоря, сейчас это лучший способ рисовать по номерам.

Заключение
Мы обсудили причины, по которым фотография считается видом искусства, но также важно осознавать, что все фотографии носят художественный характер.Правильная фотография сама по себе является искусством по причинам, о которых говорилось выше.

Что такое художественная фотография?

Меня часто спрашивают, что такое фотография изобразительного искусства? Прежде чем ответить, я обычно делаю глубокий вдох и готовлюсь ответить на вопрос за то время, которое требуется, чтобы проехать несколько этажей в лифте, поскольку они обычно ожидают быстрого ответа. И, несмотря на мои опасения ответить на их вопрос, я пришел к выводу, что самые хорошие ответы — это те, которые являются простыми и прямыми.Поэтому я начинаю с пояснения, что фотография изобразительного искусства действительно имеет объективные критерии, несмотря на то, что она находится в субъективной и обширной сфере искусства.

Горбатый — составлен на островах Сан-Хуан, WA
NIKON D810 + 70-200 мм f / 2,8 @ 200 мм, ISO 200, 1/2000, f / 5,0

Основным и основополагающим критерием, который отличает фотографию изобразительного искусства от других областей фотографии, является что фотография изобразительного искусства — это не цифровая запись объекта. Использование камеры для документирования того, что именно появляется перед фотографом, обычно относится к категории фотожурналистики и часто встречается в публикациях, в которых представлены чистые изображения, сделанные с помощью камеры, чтобы запечатлеть сцену, которая точно существовала в определенный момент времени. .

Bold Coast — недалеко от Бар-Харбора, штат Мэн (почетное упоминание, International Photography Awards 2016)
NIKON D810 + 70-200mm f / 2.8 @ 200mm, ISO 31, 1/1, f / 16.0

С другой стороны, художественная фотография , прежде всего о художнике. Речь идет не о том, чтобы запечатлеть то, что видит камера; это о том, чтобы запечатлеть то, что видит художник. Поэтому в художественной фотографии художник использует камеру как еще один инструмент для создания произведения искусства. Камера используется для создания произведения искусства, которое раскрывает видение художника и излагает это видение, а не документирует объект перед объективом.

Canyon Spiers, WY
NIKON D810 + 70-200 мм f / 2,8 @ 70 мм, ISO 80, 1/1000, f / 5,0

Например, знаменитые картины Джорджии О’Киф в пустыне являются выражением ее видения ландшафта Нью-Мексико. ; с другой стороны, если дюжина фотографов со штативами установит свои настройки на требуемую экспозицию после замера освещенности и сделает снимок пейзажа рядом с мольбертом миссис О’Киф, результатом будут изображения, которые запечатлели бы сцену, но не представили художественное заявление, требуемое от фотографии изобразительного искусства.Следовательно, фотография изобразительного искусства должна содержать элементы управления, аналогичные элементам управления, которые миссис О’Киф и все художники используют при создании произведения искусства. Ансель Адамс лучше всего выразил это в приведенной ниже цитате:

Искусство подразумевает контроль над реальностью, поскольку сама реальность не обладает чувством эстетики. Фотография становится искусством, когда применяются определенные элементы управления.

Итак, фотография изобразительного искусства должна выходить за рамки буквального представления сцены или объекта. Он должен глубоко выражать чувства и видение фотографа и ясно показывать, что он был создан художником, а не только камерой.Должно быть ясно, что это было оригинальное, преднамеренное создание и что каждый аспект создания фотографии в полевых условиях и в цифровой студии фотографа после обработки, включая печать, является индивидуальным выражением самого художника. Фотографии изобразительного искусства, которые вы видите в статье, являются примерами недавно завершенных мною работ. Пожалуйста, наслаждайтесь и поделитесь своими мыслями или, возможно, примерами своей работы в разделе комментариев ниже.

Шкура игуаны в племенных цветах — (Победитель Art Wolfe, Inc.Конкурс «Фотография как искусство»)
NIKON D810 + 200-500 мм f / 5,6 @ 390 мм, ISO 250, 1/1250, f / 5,6

---

Этот гостевой пост был отправлен Брайаном Риверой Ункафером. Чтобы узнать больше о Брайане, посетите его веб-сайт или просмотрите его ленту в Instagram.

Что такое художественная фотография?

После восьми часов экспонирования французский изобретатель Нисефор Ньепс успешно сделал снимок своего загородного поместья. (И вы думали, что вам нужно много времени, чтобы разместить ваше мороженое в Instagram.Снимок был сделан в 1826 году с использованием его адаптации камеры-обскуры и теперь считается первой созданной фотографией.

Создание фотографии было формой искусства, поскольку требовало большой точности, проб и ошибок, а также желания воссоздать реальность в одном снимке. Сегодня, учитывая доступность камер и важность, придаваемую документированию реальных событий, современная фотография охватывает широкий спектр стилей, включая коммерческую, фотожурналистику и фотографию изобразительного искусства.

Возникает вопрос: что отличает художественную фотографию от фотографий вашей поездки за границу? Давай выясним.

Вскоре после того, как Ньепс сделал свою первую фотографию (позже известную как гелиограф), он сотрудничал с художником-романтиком и гравером Луи-Жаком-Манде Дагером (смеем вы говорить это пять раз подряд). Дагер, будучи художником и гравером, первым создал диораму — так что вы можете поблагодарить его за все школьные проекты извержения вулканов.

Пара приступила к миссии по совершенствованию процесса захвата изображений, но, к сожалению для Ньепса, это было достигнуто только после его смерти. В 1838 году Дагер создал подробное и единственное в своем роде фотографическое изображение на отполированном, посеребренном листе меди. Впоследствии это произведение было названо «дагерротипом». Бедный Ньепс.

Когда фотография считалась изобразительным искусством?

Камера наконец стала доступной для широких масс после изобретения простой в использовании камеры Kodak в 1888 году.Изобретение Kodak привело к увеличению количества любительских фотографий закатов и семейных поездок на озеро.

Однако примерно в это время начали формироваться определенные противоборствующие группы, которые выступали за более трудоемкие подходы. Среди тех групп, отстаивающих профессиональное мастерство в фотографии, был Photo-Secession, возглавляемый инженером, ставшим фотографом, Альфредом Штиглицем, в 1902 году. Photo-Secession проводил выставки знаменитого фотографа в галерее Эдварда Стейхена, а также издавал ежеквартальный журнал Camera. Работа .

Интересно, что Стиглиц был мужем Джорджии О’Киф, чьи картины с цветами и черепами ( a la Artfinder’s Eyedetic) стали знаковыми для периода американского модернизма. Вместе этот динамичный дуэт стал ответственным за проникновение фотографии в музеи в то время, когда фотография не считалась той же игрой, что и другие формы изобразительного искусства.

Итак, как нам отличить фотографию изобразительного искусства от повседневной фотографии?

Допустим, линии могут быть немного размытыми.Но, проще говоря, фотографию изобразительного искусства лучше рассматривать как любой другой вид искусства. В качестве примера возьмем картину.

Когда вы смотрите на картину, определенные творческие приемы — например, длинные мазки — можно использовать как способы передать намеченное сообщение. Штиглиц, пионер фотографии изобразительного искусства, известен своими экспериментами с более «живописным» подходом к съемке изображений. Пример этого прекрасно изображен на его фотографии «Терминал», где он использовал такие элементы, как дождь и пар, чтобы объединить изображение.

Сегодня манипуляционная фотография (обычно выполняется с помощью компьютера) или проявление фотографии в черно-белом цвете — это методы создания современной фотографии. Делая это, фотографы изобразительного искусства могут адаптировать изображения и делать их еще более собственными, тем самым передавая любые предполагаемые сообщения, которые они могут иметь.

Еще один способ рассматривать фотографии как произведения искусства — это посмотреть, как они распределены по категориям. Картины сортируются по направлениям в зависимости от периода времени, в который они были созданы, интересов художников или стиля произведения.То же самое можно сказать и о художественной фотографии. Например, Инна Мосина — сюрреалистический стиль, который изначально популяризировали художники. Таким образом, фотографию можно рассматривать как еще одно средство, которое художники могут использовать для исследования идей и движений, таких как сюрреализм.

Хотя фотографы изобразительного искусства работают в тех же стилях и движениях, что и художники, работающие в других средах, у них также есть возможность создавать свои собственные категории. Например, у этих художников популярна документальная фотография, которой нет в картинах.(Не путать с фотожурналистикой, узнайте почему.)

Чтобы оценить картину, вы должны также подумать о том, что выходит за рамки того, что вы видите сразу. Коммерческие фотографы и фотожурналисты снимают очевидное. С другой стороны, фотографы изобразительного искусства подходят к своему делу после долгих исследований и размышлений и пытаются уловить социальные или политические проблемы, лежащие в основе объекта изображения. Что наиболее важно, так это записать их видение предмета так, как они видят его.Следовательно, в художественной фотографии есть ощущение, что изображение снимается художником, а не только камерой.

Как проявляются художественные фотографии?

В эпоху фото-сецессиона ключевым фактором того, что отличает фотографию изобразительного искусства от массовой, была обширная забота о ее развитии. Сегодня фотографии развиваются одним из двух способов: нецифровым или цифровым.

Нецифровая фотография (менее модный родственник Polaroid) разрабатывается с использованием светочувствительной пленки для создания «негативного» изображения, с которого «позитивное» изображение может быть перенесено на фотобумагу.С другой стороны, сегодня более широко используется цифровая фотография, поскольку она хранится в файлах JPEG, TIFF и RAW, что позволяет гораздо проще распечатать их на фотобумаге. Затем фотографии можно распечатать с помощью струйных принтеров (обычно называемых жикле) или с помощью процесса c-типа, который печатает в цифровом виде, но использует светодиодные индикаторы вместо чернил.

Как и трафаретная печать, это не обычное ощущение, когда вы нажимаете и печатаете.

На первый взгляд фотографии могут показаться снимком реальности, но когда дело доходит до фотографий изобразительного искусства, это больше, чем то, что кажется на первый взгляд.Как и картину, фотографии можно анализировать и анализировать. Намного больше, чем просто фотография, не так ли? Взгляните на фотографии изобразительного искусства, сделанные художниками Artfinder, и посмотрите, что вы можете открыть для себя.

Художественная фотография

* Изображение на обложке — Филиппо Минелли

Как фотография стала видом искусства | Аарон Хертцманн

Могут ли компьютеры создавать искусство? Часть 1

Это первая часть серии сообщений на тему, могут ли компьютеры создавать искусство, адаптированных из моего более длинного эссе на эту тему .Для уроков прошлого об искусственном интеллекте и искусстве, пожалуй, нет изобретения более значимого, чем фотография. В этом первом эссе рассматривается вопрос: как фотография стала уважаться как вид искусства и какие уроки из этого можно извлечь для новых художественных технологий искусственного интеллекта?

До изобретения фотографии реалистичные изображения мира могли создавать только опытные художники. В современном мире мы настолько завалены изображениями, что трудно представить, насколько особенным и уникальным должно быть ощущение, когда мы видим хорошо выполненную реалистичную картину.И навыки профессиональных художников неуклонно совершенствовались на протяжении веков; к XIX веку такие художники, как прерафаэлиты и французские неоклассики, достигли в своих работах ослепительного визуального реализма.

Технические навыки реализма были неотделимы от других творческих задач при создании изображений. Ситуация изменилась, когда фотография автоматизировала задачу создания изображений реального мира.

Представьте, что вы жили в 19 веке, до того, как качественная фотография стала по-настоящему широко распространенной.Такие картины, как «Офелия» Милле 1852 года, были единственным способом увидеть реалистичные образы мира, и искусные художники были единственными, кто мог их создать. Эта картина имеет ширину почти четыре фута и демонстрирует прекрасные детали и виртуозность.

В 1839 году были изобретены первые два коммерчески практических фотографических процесса: дагерротип Луи-Жака-Манде Дагерра и негатив-позитивный процесс Уильяма Генри Фокса Тальбота. В основном они были представлены как способы создания практических записей мира.Из этих двух дагерротип был более популярен в течение нескольких десятилетий, в основном потому, что процесс Талбота был ограничен патентами. Усовершенствования метода Талбота в конечном итоге сделали дагерротип устаревшим и превратились в современные кинопроцессы.

«Бульвар дю Темпл» — это ранний эксперимент Дагера, фотография, сделанная за его окном в 1838 году. Поскольку экспозиция заняла несколько минут, большая часть проезжей части размыта. Однако в нижнем левом углу, похоже, есть мужчина, чей ботинок чистили.Считается, что он был первым человеком, сфотографировавшим его. Силуэтная портретная живопись

Портретная живопись была основным фактором раннего внедрения фотоаппаратов. Тогда, как и сегодня, люди любили хранить фотографии своих друзей, близких и предков. Портретная живопись была доступна только аристократам и очень богатым. В 18 веке было разработано несколько недорогих альтернатив, таких как силуэт, изображение контура человека, обычно вырезанное вручную мастером из черной бумаги.

Дагерротип предлагал экономичный способ создания реалистичного портрета. Это было очень медленно и требовало фиксации головы испытуемого с помощью подголовника на несколько минут, при этом испытуемый крепко держался за стул, чтобы не шевелить пальцами. Тем не менее, многочисленные студии дагерротипов возникли и стали обычным явлением по мере совершенствования технологий, и многие портретисты переключились на эту новую технологию.

К 1851 году портретная фотография дагерротипа стала обычным явлением и в значительной степени вытеснила старые портретные методы.Сидящим обычно приходилось позировать в течение нескольких минут, крепко сжимая стул и сохраняя жесткую позу, чтобы избежать любых движений.

В течение нескольких десятилетий фотография в значительной степени вытеснила большинство старых форм портретной живописи, таких как силуэт, и сегодня, кажется, никто особенно не сожалеет об этой потере. Как бы я ни ценил загадочность и красоту старых гравюр и портретов и даже некоторые современные портреты, я обычно предпочитаю использовать камеру своего мобильного телефона, чем пытаться рисовать все вручную.

Художник-портретист заменен фотографом в этом мультфильме 1843 года Тедора Хоземана.

Еще одним ранним использованием дагерротипа было изготовление сувениров для туристов: к 1850 году дагерротипы римских руин полностью заменили офорты и литографии, ранее приобретенные туристами. По мере совершенствования технологий фотография стала незаменимой в качестве источника записей для инженерных проектов и исчезающих архитектурных руин, а также для документальных целей, таких как фотографии ужасов гражданской войны в США, сделанные Мэтью Брэди.

Художники и критики много десятилетий спорили о том, является ли фотография искусством. Выявились три основные позиции.

Во-первых, многие люди считали, что фотография не может быть искусством , потому что она была создана машиной, а не человеческим творчеством. С самого начала художники пренебрегали фотографией и видели в ней угрозу «настоящему искусству». Даже на первых презентациях 1839 года художник-классик Поль Деларош, как сообщается, выпалил: «С сегодняшнего дня живопись мертва!» Два десятилетия спустя поэт Шарль Бодлер написал в обзоре Салона 1859 года:

Ворчливый Чарльз Бодлер

«Если фотографии позволят дополнять искусство в некоторых его функциях, она скоро вытеснит или полностью испортит его, благодаря глупость массы, которая является его естественным союзником.’’

Вторая точка зрения заключалась в том, что фотография может быть полезна настоящим художникам, например, для справки, но не должна рассматриваться как равноценная рисованию и живописи. Например, несмотря на его публичное осуждение фотографии, более поздние картины Энгра демонстрируют убедительные доказательства того, что он работал на основе фотографической референции.

Наконец, третья группа , связавшая фотографию с устоявшимися формами, такими как офорт и литография, полагала, что фотография в конечном итоге может стать таким же значительным видом искусства, как живопись.Эта группа, включая любителей и мастеров-мастеров, жадно исследовала свой потенциал.

Фотография в конечном итоге оказала глубокое и неожиданное влияние на живопись . Миметические способности художников улучшались на протяжении веков.
Многие художники XIX века, такие как прерафаэлиты, такие как Джон Эверетт Милле, и неоклассики, такие как Энгр, рисовали изображения мира с ослепляющим реализмом, больше, чем когда-либо. Однако камеры стали дешевле, легче и проще в использовании, и получили широкое распространение как среди любителей, так и среди профессионалов.К концу 19 века реалистичные фотографии стали обычным явлением. Если фотореализм можно свести к механическому процессу, тогда какова роль художника?

Ноктюрн 1875 года Уистлера был первой картиной «тонализма»: туманной и атмосферной, в отличие от резкого реализма предыдущих картин — и фотографии.

Этот вопрос уводил художников от визуального реализма к различным формам абстракции. Движение тоналистов Джеймса Макнила Уистлера создавало атмосферные, мрачные сцены; он писал: «Подражатель — плохое существо.Если бы человек, который рисует только дерево, цветок или другую поверхность, которую он видит перед собой, был художником, королем художников был бы фотограф. Художник должен делать что-то помимо этого ». Импрессионисты, которые стремились запечатлеть восприятие сцен, вероятно, находились под влиянием вызывающих воспоминания «несовершенств» ранних фотографий, таких как Boulevard du Temple, , показанная выше.

Напротив, символисты и художники-постимпрессионисты полностью отошли от перцептивного реализма.Эдвард Мунк писал: «Я не боюсь фотографии, пока ее нельзя использовать в раю или в аду. … Я собираюсь рисовать людей, которые дышат, чувствуют, любят и страдают ». Винсент Ван Гог, описывая свои художественные открытия около 1888 года, писал своему брату:

Ван Гог отказался от точного визуального изображения, поскольку это всего лишь фотография.

Вы должны смело преувеличивать эффекты гармонии или диссонанса, которые производят цвета. То же самое и в рисовании — точный рисунок, точный цвет, возможно, не являются главными вещами, к которым нужно стремиться, потому что отражение реальности в зеркале, если бы его можно было поймать, цвет и все такое, вообще не было бы изображением. , не более чем фотография.

Другими словами, Мунк, Ван Гог и многие другие художники их поколения рассматривали реализм как работу в фотографии, и цель настоящего художника состояла в том, чтобы найти способ выйти за рамки реализма — сделать что-то, что камеры не могли сделать.

В 1920 году, много десятилетий спустя, Андре Бретон, основатель дадаизма и сюрреализма, предварял заявление о дадаизм: «Изобретение фотографии нанесло смертельный удар старым способам выражения, как в живописи, так и в поэзии.… Поскольку слепой инструмент теперь заверял художников в достижении цели, к которой они себя поставили… они теперь стремились… сломить себя от имитации внешнего вида ».

На самом деле кажется вероятным, что фотография была одним из основных катализаторов движения современного искусства: ее влияние привело к десятилетиям жизнеспособности мира живописи, поскольку художники были вдохновлены фотографическими изображениями и вышли за рамки реализма. Без фотографии, возможно, не существовало бы современного искусства.

Тем временем фотографы пытались развивать и пропагандировать свой собственный вид искусства. В Соединенных Штатах эти фотографы называли себя фото-сепаратистами, поскольку они «отделились» от обычаев и традиционных форм искусства. Они утверждали, что значительный контроль художника над созданием изображения для выражения своего видения превратил его в форму искусства.

Движение пикториалистов, начавшееся примерно в 1885 году, преследовало особую визуальную эстетику в создании фотографии как формы искусства.Пикториалисты осуществляли значительный художественный контроль над своими фотографиями. Некоторые использовали высоко поставленные предметы, как в классической живописи, и тщательно манипулировали своими изображениями в темной комнате, чтобы создать очень формальные композиции. Многие из их работ имели туманный атмосферный вид, похожий на тонализм Уистлера, что смягчало реалистичность высококачественной фотографии. Казалось, они намеренно имитируют качества живописи изобразительного искусства того времени, и сегодня большая часть их работ кажется довольно затронутой.

Движение пикториалистов имитировало традиционные техники живописи различными способами. Например, Генри Пич Робинсон поставил актеров, тщательно скомпоновал несколько кадров и отразил универсальные темы. Таким образом, эти фотографы утверждали, что фотография является такой же творческой формой искусства, как и любая другая, потому что художник руководил всем творческим процессом; камера не работала. («Исчезновение», Генри Пич Робинсон, 1848 г.)

Фото-сепаратисты использовали различные стратегии для легитимации своей работы как искусства, такие как организация фотографических обществ, периодических изданий и выставок фотографий с участием жюри.Их работы и достижения усложняли отрицание художественного вклада фотографии; кульминацией которой стало «Шоу Буффало», организованное Альфредом Штиглицем в галерее Олбрайт в Буффало, штат Нью-Йорк, первая выставка фотографий в американском художественном музее в 1910 году. Фотография прочно утвердилась как искусство.

Последующие модернистские движения в фотографии отказались от искусственных стилей пикториализма. Среди них были такие фотографы, как Group f / 64 из Сан-Франциско, которые исследовали сочетание резких, натуралистических изображений с абстрактными композициями.

Портрет Игоря Стравинского, сделанный Арнольдом Ньюманом в 1948 году. Теперь узаконенные камеры могут использоваться для изучения визуальных стилей, в отличие от предыдущих.

Эта история дает несколько уроков, которые имеют непосредственное отношение к искусственному интеллекту как художественному инструменту.

Когда впервые изобрели фотоаппарат, он выглядел как машина, автоматизирующая создание произведений искусства. Никаких навыков не требовалось. Многие художники боялись и пренебрегали этим. Они предсказывали, что это уничтожит высококачественное искусство и оставит без работы лучших художников.

Что на самом деле произошло?

1. Создан новый вид искусства: фотография. Эта форма имеет свои уникальные стили и творения.
2. Возрождение старых форм искусства. Возможно, современного искусства вообще не существовало бы, если бы фотография не вызывала вопросов о роли художника в реализме.
3. Старые технологии портретной живописи в значительной степени устарели. На практике это означало, что портретные студии должны были изучить и принять новую технологию.
4. Фотография стала доступна любителям; имиджмейкерство было «демократизировано».«Сегодня любой человек, у которого есть мобильный телефон, может сделать снимок.

Этот узор повторяется с изобретением компьютерной графики. На заре компьютерной графики Эд Кэтмелл и Элви Рэй Смит (позже основавший Pixar) пытались заинтересовать аниматоров Диснея новыми технологиями. Позже Смит сказал: «Аниматоры боялись компьютера. Они чувствовали, что это отнимет у них работу. Мы потратили много времени, говоря людям: «Нет, это всего лишь инструмент — он не способствует творчеству!» Это заблуждение было повсюду.«Сегодня компьютерная анимация — это новый чрезвычайно успешный вид искусства, который опирается на таланты огромного числа аниматоров и других творческих и технических специалистов.

Я считаю, что тот же образец повторяется с новыми инструментами художественного ИИ. Наивные зрители, которые не понимают современных технологий искусственного интеллекта или искусства (или того и другого), опасаются, что искусственный интеллект сделает художников устаревшими. Не верьте шумихе. Фактически, эти новые инструменты открывают огромные творческие возможности для искусства и культуры; они не заменяют художников, а, напротив, наделяют их полномочиями.

Я объясню больше в следующей части этой серии.

Историческая информация в этом эссе в основном основана на двух книгах: Всемирная история фотографии Наоми Розенблюм для общей истории и Искусство и фотография Аарона Шарфа для взаимодействия живописи и фотографии. Цитата Элви Рэя Смита из «Истории Pixar» Карен Пайк.

Это эссе адаптировано из более длинного эссе, которое я опубликовал в журнале Arts .

Советы по художественной фотографии, которые помогут перейти на новый уровень

Наладить связь с другими художниками

Постарайтесь построить отношения с другими художниками. Вы можете найти их в социальных сетях через группы в Facebook или через местный художественный совет. Установив связь с другими артистами, сотрудничайте и перекрестно продвигайтесь с ними. Работая вместе, вы можете показывать свою работу подписчикам друг друга. Это действительно беспроигрышный сценарий.

Принять участие в художественных конкурсах

Победа в художественном конкурсе поможет вам стать заметным.Организаторы конкурсов, как правило, отлично продвигают своих победителей (а также получают почетные упоминания), что может помочь привлечь внимание людей в художественном сообществе.

Кроме того, это награда, которую вы можете с гордостью продемонстрировать в своем онлайн-портфолио. Тот факт, что ваша работа была выбрана выше, чем работы других соискателей, является признаком вашего таланта и преданности делу.

Для начала ознакомьтесь со списком лучших художественных конкурсов и призов, а также конкурса на лучшую фотографию.

Создайте отличное портфолио

Создание отличного онлайн-портфолио — важный шаг к тому, чтобы ваши фотографии изобразительного искусства были показаны в галерее. Это место, куда люди придут посмотреть ваши работы и решить, готова ли она к выставке. Вот как это сделать!

Покажи свою художественную фотографию онлайн

Если у вас есть коллекция произведений изобразительного искусства, вы должны включить ее в свое онлайн-портфолио. Ваше портфолио похоже на вашу личную художественную галерею, где вы можете продемонстрировать свои лучшие работы именно так, как вам хочется.

Выберите подходящую платформу

Если у вас еще нет онлайн-портфолио или вы недовольны своим текущим, легко создать новое, если вы выберете правильный конструктор веб-сайтов.

Ищите тот, у которого есть встроенный интернет-магазин. Это позволяет легко продавать ваши репродукции фотографий изобразительного искусства прямо с вашего веб-сайта, что означает, что вы получаете 100% прибыли от любых продаж!

И, если вы выберете конструктор веб-сайтов, который предлагает бесплатную пробную версию, вы увидите, работает ли он для вас, прежде чем брать на себя какие-либо обязательства.

Найдите вдохновение для дизайна своего сайта

Если вы не уверены, как должен выглядеть ваш сайт, посвященный художественной фотографии, есть множество отличных примеров, которые могут вдохновить вас. Посетите сайты некоторых известных фотографов изобразительного искусства и посмотрите, как они с этим справляются.

Сколько в них фотографий? Как настроена навигация по сайту? Какова их биография художника? Включают ли они заявление художника? Это все, что может помочь вам в этом.

Узнайте больше в нашем руководстве о том, как создать веб-сайт с фотографиями.

Готовы создать онлайн-портфолио фотографии, которое положит начало вашей карьере в области изобразительного искусства? Мы вас прикрыли. Начните бесплатную пробную версию с Format сегодня!

Начать стрельбу!

Теперь вы знаете, как правильно делать художественную фотографию. Вы научились некоторым приемам художественной фотографии, которые помогут улучшить вашу игру, некоторым способам привлечь внимание к своим работам и научились показывать свои фотографии в галерее.

Итак, чего вы ждете? Хватайте камеру, выходите и начинайте создавать потрясающие фотографии изобразительного искусства!

Хотите узнать больше способов улучшить свои фотографии?
Фотография с основным освещением: руководство для новичков
Руководство для начинающих по покупке подходящего фотографического оборудования
23 Блоги о фотографии, которые нужно добавить в закладки прямо сейчас

Извините, но ваша фотография не является искусством.Вот почему

Слова «изобразительное искусство» стали одними из наиболее часто употребляемых и злоупотребляемых в фотографии. Для термина, который практически не имеет смысла, это впечатляет.

Такие компании, как Питер Лик, определенно не помогли с этой проблемой, как и бесчисленные полиграфические лаборатории по всему миру. Давайте проясним: создание чего-либо черно-белого не делает это искусством. Ручная печать — не искусство. Обнаженное тело — это не искусство. Фрукты в миске — это не искусство. И самое главное: просто потому, что вы хотите, чтобы это было изящным искусством, еще не значит, что это искусство.Художественный? Может быть. Но это не изящное искусство.

Лаборатории печати

должны многое ответить за

В мире искусства для того, чтобы что-то имело ценность, покупатель должен знать, что качество произведения искусства не ухудшится в обозримом будущем. Для художников, которые используют масло на холсте, это не проблема, и только через пару столетий ухудшение состояния начинает превращаться в проблему. Как правило, покупка произведения искусства — это финансовые вложения, частично основанные на том факте, что оно не исчезнет, ​​не рассыпется или не развалится через несколько лет.

С фотографией все немного сложнее. Если мне вдруг захочется потратиться на издание Мадонны Синди Шерман, цифровая печать от Costco не заставит меня чувствовать себя слишком комфортно, потратив 7900 долларов (без учета доставки). Вместо этого он продается как серебряно-желатиновый оттиск (выпуск 97 из 100), который, если предположить, что он не подвергается воздействию большого количества яркого солнечного света, сохранит свое качество еще долго после того, как я передал его своим внукам, и, возможно, даже после того, как они передал их своим.

Как и большинство инвестиций, приобретение произведений искусства является чисто спекулятивным, и покупатели должны знать, что цены могут как упасть, так и вырасти. (Однако стоит отметить, что гравюры Питера Лика, вероятно, упадут в цене, как только вы их купите.) Если вдруг выяснится, что Сальвадор Дали был серийным убийцей, отрицающим Холокост, со склонностью к поеданию медленных лори, коллекционеры картин с множеством плавящихся часов и невероятно высокими слонами может немного расстроить.

Долговечность чернил и бумаги — вот почему профессиональные лаборатории, такие как WHCC или Loxley Color, берут больше, чем Costco, а также причина того, что лаборатории и производители часто называют определенные типы бумаги «изобразительным искусством» — отчасти поэтому этот термин широко распространен.К сожалению, только то, что вы распечатываете свою фотографию своей кошки на бумаге Hahnemühle FineArt, не означает автоматически, что вы создали произведение изобразительного искусства. Это просто означает, что ваш прекрасный принт с изображением вспыльчивого полосатого кота Бориса прослужит очень долго, прежде чем исчезнет.

Так что же такое изобразительное искусство?

Бесконечные книги написаны о том, что делает что-то искусством, поэтому не ждите, что слегка саркастическая статья о Fstoppers даст вам простой ответ. Один элемент, который объединяет таких, как Шерман, Джефф Уолл и Дэвид Лашапель, заключается в том, что они не только создают что-то прекрасное, но и исследуют собственные производственные процессы, ставя перед нами проблемы в отношении того, как мы воспринимаем как работу, так и мир вокруг нас.Это часто глубоко опирается на историю искусства, аспект, который часто может сделать произведения искусства недоступными для тех, кто не имеет роскоши, связанной с художественными степенями, и кто изо всех сил пытается провести различие между эпистемологией и онтологией. (В замешательстве? Да, я тоже.)

Заявления художников часто не помогают. Если бы я сказал вам, что моя работа является результатом анализа предметов и их переосмысления, побуждая зрителя реконструировать предмет и пространство произведения, сравнивая различные формы и формы, чтобы определить, что каждая из них представляет, и требуя, чтобы зритель участвовал в процессе от познания искусства, вы можете закатить глаза.Но я только что описал Пикассо, и он вроде бы неплохо справился (источник).

Со стороны этот художественный пузырь может показаться ужасающе претенциозным, и в этом есть доля правды. Однако, как только вы копаете глубже и начинаете знакомиться с историей искусства, это становится источником вдохновения. Мир изобразительного искусства одновременно удивителен и ужасен, характеризуется противоречивостью, но он почти наверняка стоит вашего времени.

Эта художественная культура часто выступает в роли арбитра вкуса, решая, что хорошо, а что нет, что ценно, а что бесполезно.Подобно спекуляциям при инвестировании в произведение искусства, многое из того, что ценится, ценно только потому, что художественная культура, состоящая из кураторов, покупателей и редакторов журналов, решила, что это ценно. Если достаточное количество людей говорят, что это изящное искусство, так оно и есть.

Фотография как вид искусства представляет собой весьма проблематичную задачу в силу ее способности к массовому воспроизведению, что очаровывало таких философов, как Вальтер Бенджамин. Что может быть исключительными об этой среде является то, что, порой, упорно отказывается соответствовать этому претенциозному миру искусства белых стен, частных взглядов, Amuse-Bouches и смехотворно завышенным цен.Фотография — это демократическая и популистская среда, которая имеет тенденцию отрываться от мира искусства и становиться гораздо более посредственностью — и это беззастенчиво.

Назвать фотографию посредником — это не оскорбление. По словам доктора Фэй Киган, искусство среднего класса — это «подрывной и жизненно важный бастион культурной демократии, который радикально игнорирует устоявшиеся культурные иерархии и вместо этого выбирает собственное мнение». Многие фотографы-документалисты и пейзажисты считаются художниками изобразительного искусства, и фотография немного скользкая, когда дело доходит до создания этикеток и распределения вещей по категориям.Если это заставляет нас задуматься об эстетике и может связать нас с чем-то более глубоким, чем то, что передают только визуальные эффекты, возможно, это искусство. В правильном контексте вспыльчивый полосатый кот Борис может быть как дома.

Короче говоря, то, что делает что-то изобразительным, заключается не в реализации художественного видения, не в том, чтобы запечатлеть то, что видит художник, а не в документировании сцены, или в создании фотографии просто ради ее эстетической красоты. Дело даже не в том, напишете ли вы заявление модного художника с большим количеством длинных слов.В конечном счете, дело в том, думают ли другие люди, что это изящное искусство, и первым шагом может быть то, что вы назовете свое собственное произведение изящным искусством. Просто не ждите, что все согласятся, и это может быть хорошо.

.