Как рисовать композицию: Рисование Композиции — Как Нарисовать Композицию

Содержание

Несколько уроков рисования от преподавателя университета

Творчество

Несколько уроков рисования от преподавателя университета

24 апреля 2015 12 550 просмотров


Екатерина Ушахина

Выходные — время, которое стоит посвятить любимому хобби. Если вы любите рисовать  — рисуйте! Вот несколько уроков, которые вам помогут.

Урок 1. Композиция

Как только вы нанесли первый штрих на чистый лист, вы начинаете построение композиции в пределах пространства рисунка.

Рисунок может иметь замкнутую (тектоническую) или открытую (атектоническую) композицию. Начнем с открытой. Вы можете рассматривать лист как открытое пространство и создавать композицию, которая будет казаться бесконечной, пренебрегающей границами листа или каким-то образом растворяющей их. Такая композиция называется атектонической.

Открытая композиция

Или вы можете принять края листа в качестве жестких рамок, строго ограничивающих композицию (тектоническую). Изображение удерживается внутри такой замкнутой композиции. Часто при замкнутой композиции элементы идут параллельно границам листа. Внутренние элементы взаимодействуют с краями, но действие не выходит за них.

Закрытая композиция

Упражнение:

Сделайте две зарисовки вращающегося столба, похожего на торнадо. В одном используйте замкнутую композицию — нарисуйте торнадо параллельно вер- тикальным краям листа, и пусть стихия остается в пределах границ. В другом создайте открытую композицию, нарисовав его так, чтобы казалось, что торна- до пытается выйти за пределы листа.

Урок 2. Правило третей

Правило третей — это часто используемая художниками, фотографами и дизайнерами техника построения композиции. Она основана на применении асимметрии для создания зрительного интереса и баланса.

На практике главная цель правила третей — уберечь художника от расположения фокусной точки в центре композиции или от такого распре- деления объектов на листе, при котором композиция делилась бы изображаемыми объектами пополам. Обычно это приводит к дроблению композиции, а не к созданию фокусной точки.

Вот как это работает: сетка, разбивающая лист на девять секторов, помогает вам расположить фокусную точку или главные графические элементы композиции вдоль линий решетки или на их пересечении. Фокусная точка располагается в месте пересечения одной пары линий и уравновешивается второстепенными объектами на противоположном пересечении. Горизонтальные линии решетки также могут представлять линию горизонта в пейзаже.

Урок 3. Планы

С плоскостью изображения можно поработать так, чтобы была создана иллюзия пространственной глубины. Плоскость разделяется на три основных плана:

• Передний (ближний) — часть композиции, которая находится ближе всего к зрителю.

• Средний — промежуточная позиция между передним и задним планом.

• Задний (дальний) — то, что находится вдали или лежит позади самых важных элементов композиции рисунка.

Для того чтобы создать иллюзию трехмерного пространства, элементы рисунка, расположенные на переднем плане, должны быть больше и ярче, могут быть более контрастными и тщательнее проработанными, чем объекты среднего и заднего планов. Эта графическая иллюзия на двухмерном пространстве имитирует способ восприятия в реальном мире: чем дальше объекты находятся от нас, тем меньше и темнее они выглядят, и наконец, совсем растворяются вдали.

Урок 4. Прикидка

Для определения относительных высоты и ширины, а также углов изображаемого предмета вы можете пользоваться таким приемом, как прикидка. Используйте карандаш в качестве измерительного инструмента для сравнения относительных размеров.

Закройте один глаз. Держите карандаш в вытянутой руке. Совместите кончик карандаша с верхушкой объекта, а большой палец используйте для определения другого его конца. Не меняя расположения пальцев, переведите карандаш на другой объект натюрморта или пейзажа и сравните размеры. Чтобы определить угол наклона, используйте тот же метод. Закройте один глаз, возьмите карандаш и вытяните руку. Поворачивайте карандаш так, чтобы выровнять его с углом, под которым расположен объект. Сравните его с другими углами или прямыми гранями. Перенесите на свой рисунок.

Упражнение:

Расположите несколько предметов из вашей кухни или кабинета на столе так, чтобы некоторые из них перекрывали друг друга. Обратите внимание на относительную высоту каждого и на то, как именно они расположены относительно друг друга.

Выгляните в окно. Внимательно изучите перекрывающиеся объекты. Есть ли на улице дерево, которое стоит перед машиной? Если да, каково их визуальное соотношение? Насколько один объект выше другого?

Изобразите, как один объект перекрывает другой. Создали ли вы иллюзию пространственной глубины?

Урок 5. Человеческая фигура

Рисуете ли вы человеческую фигуру с натуры или «из головы», понимание базовых пропорций чрезвычайно поможет вам в этом. Если вы разделите фигуру среднестатистического человека (не очень низкого и не очень высокого) на горизонтальные секции размером с человеческую голову, то разделение получилось бы такое:

1 = голова

3 головы = туловище

4 головы = ноги и ступни

Уделите внимание:

• Визуальной прикидке — сопоставлению расстояний между формами.

• Изучению негативных пространств между фигурой и фоном или окружающими объектами.

• Определению размеров одних элементов фигуры относительно других и всего тела. • Масштабному уменьшению наблюдаемых объектов для дальнейшего переноса на бумагу.

• Зрительной оценке расположения фигуры относительно линии горизонта, окружающего пространства или плоскости пола.

• Точному описанию контуров и границ.

• Определению, какие части тела или позиции передают жесты или форму фигуры человека.

• Оценке линий в качестве границ между фигурой и фоном.

• Оценке расстояний между отличительными чертами лица.

Упражнение:

Попросите друга мужского пола позировать вам или используйте нарисованную ниже модель. Используйте простые формы (овалы, прямоугольники, треугольники и т. д.) для практики в создании эскизов мужских фигур.

По материалам книги «Скетчбук, который научит вас рисовать».

Урок 21. Художественная композиция: основы, особенности и элементы

В создании композиции художник может максимально полно проявить свои творческие возможности. Независимо от того, насколько хорошо вы научились рисовать предметы, животных, фигуры людей или пейзажи, пока вы не научились правильно выстраивать композицию рисунка, удовлетворяющая вас картина может получиться только случайно. Интеллектуальный процесс определения того, как отдельные элементы картины соединяются в единое целое, — это то, что отличает хорошего художника от начинающего.

 

Есть много способов достижения эмоциональной композиции, и этот урок ни в коем случае не исчерпывает всех возможностей, но вы откроете для себя несколько освященных веками методов. Конечно, художник быстро развивает свой собственный взгляд на организацию элементов картины таким образом, чтобы результат был достаточно интересным, но существуют уже наработанные методы, с которыми стоит ознакомиться.

 

Часто особую силу композиции придает ощущение баланса или, иногда, дисбаланса. В этом уроке обсуждается, как разделить поверхность вашего рисунка таким образом, чтобы обеспечить интересный баланс форм. Глава заканчивается конкретным упражнением, позволяющим попрактиковаться в композиции, которое должно помочь вам освоить основы.

 

Разделение листа бумаги на части

Это упражнение показывает, как разделить лист бумаги так, чтобы можно было построить сбалансированную композицию. Это ни в коем случае не единственный способ добиться такого результата, но, вероятно, самый простой на данном этапе.

 

Первый шаг — взять лист бумаги формата А3 или А4 и сложить его пополам. Постарайтесь сделать это как можно точнее, потому что на этом основываются все прочие измерения. Разверните лист и проведите линию по сгибу, а затем разделите оба прямоугольника диагоналями от угла к углу. Там, где они пересекаются, проведите горизонтальную линию по всему листу от центра к центру, доходя до краев листа. Теперь у вас есть лист, разделенный пополам по вертикали и горизонтали, причем вы сделали это без каких-либо измерений — просто, но эффективно.

 

 

Теперь вы можете нарисовать две диагонали по всему листу, от обоих углов. Если вы сделали все достаточно аккуратно, эти линии должны пересекаться в центре.

 

 

После того, как вы провели последние линии, начертили горизонтали и вертикали, основная большая диагональ пересекает два набора диагоналей половинок листа. Это будет третье разделение листа, который уже разделен на половинки и четвертушки. Теперь у вас есть шаблон для разделения любого листа бумаги одинакового размера на половинки, четвертушки и трети. Дальнейшие примеры покажут вам простые способы использования этого шаблона для создания композиций.

 

Разделение листа бумаги: практика

В первой композиции дерево расположено на расстоянии одной трети листа от правого края и на две трети от левого края. Его корни находятся в самой низкой четверти листа. Поперек картины в нижней трети тянется забор примерно до середины картины. Линия горизонта на заднем плане проходит в одной трети от верха изображения. На расстоянии примерно одной трети от левого края картины стоит одинокое дерево. Как вы можете видеть, все это создает вполне гармоничное, сбалансированное изображение.

 

 

Следующая картина — натюрморт, нарисованный в аналогичном формате. На этот раз самая большая ваза располагается на вертикали, отделяющей левую треть листа, в одной четверти листа сверху и в одной четверти листа снизу. Остальные предметы сосредоточены в основном на вертикали, отделяющей правую треть листа, а некоторые из них лежат на линиях трети и половины от низа листа. И снова мы видим хорошо сбалансированную композицию.

 

Две оставшиеся картины нарисованы на листе альбомного формата. Первый рисунок — композиция с двумя людьми, один человек сидит, а другой — стоит. Стоящая фигура находится на вертикали, отделяющей правую треть листа, и почти касается верхнего и нижнего его краев. Сидящая фигура изображена у стены, которая на треть выступает из левого края картины. Эта простая композиция уже создает напряжение между двумя фигурами и выглядит достаточно интересно.

 

 

Последний пример — это городской пейзаж, в котором одно здание на переднем плане находится справа, занимая примерно одну треть листа. Основание этого здания расположено примерно в трети листа от нижнего его края. Другой основной блок изображен слева. Его ширина равна примерно трети ширины листа бумаги, верхний его край отстоит от верха листа бумаги примерно на четверть его высоты, а нижний — примерно на половину высоты листа. Затем я нарисовал одинокий блок вдали на площади на средней вертикали и чуть ниже отметки четверти листа по горизонтали. Небольшая растительность в левом нижнем углу помогла смягчить жесткие края зданий.

 

Как вы можете видеть на этих примерах, простое разделение листа бумаги на трети, четвертушки и половинки может дать вам ряд полезных композиционных схем.

 

Композиции с фигурами людей

Теперь мы намерены приступить к созданию полнофигурной композиции. Это будет сделано очень практичным способом, возможно, вы даже захотите повторить композицию, которую я здесь представлю, в своих работах или просто сделать что-то подобное, не обязательно воспроизводя мою картину. Я покажу вам, шаг за шагом, как я это делаю, и вы сможете использовать ту же систему при создании своих картин.

 

ШАГ 1

Я начал с использования двух слегка отличающихся форматов, представляя простую и хорошо известную мне сцену. Если вы решите написать свою собственную картину, изображая нечто, хорошо вам знакомое, это придаст особое правдоподобие композиции.

 

 

На одной картине я разместил три фигуры в саду. Ближайшая фигура — женщина, стоящая на коленях у клумбы, с садовым инструментом в руке. Она находится почти в центре, чуть левее от него, чтобы создать некоторое свободное пространство справа.

 

 

В этом пространстве располагаются фигура мужчины, сидящего в шезлонге в глубине композиции. Слева к стоящей у клумбы женщине приближается еще одна. Деревья в соседнем саду расположены почти от края до середины картины примерно в трети высоты листа от его верха.

 

Я снова решил нарисовать знакомую сцену — художника и его модель, добавив еще одну фигуру, чтобы немного усложнить сюжет.

 

 

Художник сидит за столом, расположенным в центре помещения, а его модель — спереди справа. Я решил, что его моделью будет девушка, а другая фигура человека, входящего в комнату, — мужчиной.

 

Фигура модели самая большая, ее ноги не видны. Она сидит в правом углу картины, занимая примерно треть композиции по диагонали. Вторая по величине фигура — художник, но его тело от пояса и ниже скрыто столом. Третья фигура находится почти в центре картины, но дальше всех; мужчина проходит через дверной проем.

 

ШАГ 2

Сделав черновые наброски, я все еще не мог решить, какой из них использовать, поэтому я нарисовал их более тщательно и с большим количеством деталей. На это может уйти достаточно много времени, но именно на этом этапе вы решаете, как все будет выглядеть. Возможно, в процессе рисования одной картины вы вдруг решите, что вы предпочитаете другую — в этом случае вы можете остановиться и просто сосредоточиться на выбранном вами варианте. Неважно, что вы переключаетесь с одного рисунка на — суть этого упражнения в принятии окончательного решения.

 

 

 

ШАГ 3

Я решил повторить работу художника, рисовавшего модель, и теперь мне нужно было рассмотреть ее более подробно.

 

Сначала я определил, как на самом деле будет выглядеть главная фигура. В идеале мне стоило найти человека, который бы позировал для меня, и нарисовал бы его после того, как он сядет и примет правильную позу для композиции. Я бы тщательно нарисовал модель с натуры. Если бы это было невозможно, я бы работал с моими ранее сделанными рисунками или использовал фотографию.

 

 

Как вы можете видеть, я дважды нарисовал голову модели в разных положениях, а также сделал набросок ее ближайшей ко мне руки. Все это станет источником полезной информации для окончательной композиции.

 

Затем я перешел к работе над двумя другими фигурами, продумывая, как будет выглядеть сидящий художник и второй человек, который входит в комнату. Как вы можете видеть, я опробовал разные положения головы входящего человека.

 

 

ШАГ 4

Изучив отдельные рисунки, я теперь поместил их все в единую композицию, составив то, что стало впоследствии картиной — это контур обобщенной картины. Это был последний момент, когда я мог, при необходимости, изменить композицию. Сохраните эту версию, чтобы вы могли исправить любые детали, когда добавите тени. Получив общую картину в линиях, я мог теперь закрасить области тени единым светлым тоном. На этом этапе важно не переусердствовать с яркостью тона, потому что вам будет труднее избавиться от лишней краски, чем добавить дополнительную. Тени показывают, откуда идет свет, и дают представление о том, насколько объемными и массивными могут выглядеть фигуры.

 

 

 

ШАГ 5

Теперь наступает заключительный этап, когда можно заняться рисованием деталей, вплоть до самых мелких. Используйте свою копию картины, чтобы убедиться, что все формы выполнены правильно, и начинайте наносить самые темные тона, чтобы вы могли видеть, как возникает глубина пространства. Не торопитесь, потому что качество всей вашей работы зависит от того, насколько внимательно и тщательно вы будете работать на этом завершающем этапе. Итак, теперь у вас есть законченная композиция со всеми предварительными набросками, которые вы сделали. Сохраняйте их некоторое время, потому что они могут быть полезны в дальнейшем. В старых художественных ателье наброски картин всегда хранились в течение довольно долгого времени, потому что их затем снова и снова использовали в других композициях.

 

 

Как рисовать окружение

Пошагово рисуем пейзаж с домиком на примере курса “Основы создания окружения”. Упражнения и советы из статьи можно использовать вне курса.


Работа Натальи Кирпищиковой с курса.

Что такое окружение и зачем оно нужно?

Окружение — это все, что находится в поле зрения зрителя. Это может быть и интерьер залитой солнцем комнаты, и горный пейзаж, и даже рубка управления космическим кораблем. Задача художника по окружению — убедить зрителя в реальности придуманного мира. Поэтому такие специалисты особенно востребованы в киноиндустрии и геймдеве — там, где нужно визуализировать новые миры, которые еще находятся в головах сценаристов.

«Для создания полноценных иллюстраций тоже нужно знать, как рисовать окружение. В противном случае каждая работа будет представлять собой персонажа или предмет в вакууме»

Иван Смирнов

Востребованность специалистов по окружению подчеркивает и эксперт мирового уровня по игровом движку Unreal Engine 4, технический художник Том Шеннон.

«Спрос на художников по окружению гораздо выше, чем на тех, кто рисует только персонажей, например. Эта сфера очень широка — будь то концепт-арт, рекламные постеры для проекта или даже иллюстрация фейкового скриншота из еще не вышедшей игры»

Том Шеннон

Поговорим о том, как нарисовать пейзаж и на каких моментах заострить внимание.

Блок 1. Планируем наполнение

На этом этапе мы формируем идею и выдаем ее на бумагу: придумываем, какие объекты изобразим, и как они будут выглядеть.

Подбираем элементы окружения и выбираем главное

Представьте, что вы решили нарисовать вид из окна. Вы изобразите дома, деревья, машины. Все это — элементы окружения, которые в цифровом рисовании называют пропсами. Само слово «props» переводится с английского как «реквизит». Чистый холст в таком случае выступает сценой, на которой художник расставляет декорации.

Зритель редко заостряет внимание на пропсах, однако именно они создают окружение. Автор работы: Gabe Gonzalez.

На сцене должен присутствовать главный герой, к которому будет прикован взгляд зрителя. Это необязательно должен быть живой персонаж: внимание может привлечь и домик на опушке леса, и огромное старое дерево, и даже груда камней. Такой композиционно значимый объект будет «лэндмарком» — достопримечательностью в окружении.

Это частный случай пропса, который должен выделяться среди всех остальных.

«На курсе студенты рисуют домик в лесу или в любом другом окружении. Почему именно домик? Дело в том, что архитектурный объект в среде — это наиболее частый сценарий для иллюстраций окружения. Когда студенты научатся изображать простую постройку, они смогут взяться и за более сложные задачи — рисовать, к примеру, дворцы, замки или целые города»

Иван Смирнов

Подход к дизайну пропсов

Разобравшись, какими объектами мы собираемся заполнить окружение, нужно поразмыслить над их внешним видом. В концепт-арте художники обычно начинают работу с силуэта, который является базовым и самым важным элементом дизайна.

На первый взгляд нет ничего сложного в том, чтобы придумать силуэт для домика. Но проблема может возникнуть на следующем этапе — во время отрисовки. Неопытному художнику будет непросто нарисовать объект внутри выбранного силуэта, поскольку он изначально не задумывался о том, зачем добавлял те или иные элементы.


Поэтому перед работой над дизайном пропсов нужно тщательно изучить структуру объекта, который мы хотим изобразить, и формы, из которых он состоит. В этом деле помогут референсы и статья о скетчинге, где мы рассказывали о работе с примитивами, а также материал по «анатомии» дома.

Упражнение 1. Делаем эскизы из простых форм

Чтобы лучше понимать принципы работы с примитивами, студенты рисуют несколько вариантов домика. Их собирают из простых форм, словно конструктор, комбинируя кубы, цилиндры, сферы и т.д. Сначала рисуют один элемент, а потом постепенно добавляют к нему остальные (см. пример ниже). При этом важно сочетать формы так, чтобы они не были одинаковыми по размеру и весу. В гармоничном дизайне должны прослеживаться большие, средние и малые формы.

Автор: Эдуард Степусь.

Распространенные риски и как их исправить

Риск 1. Неудачное сочетание форм

Как уже говорили выше, студенты собирают домик, словно конструктор из простых геометрических фигур. В процессе они порой забывают, что объект должен содержать разные по размеру формы — в итоге получается, что формы имеют одинаковый вес и спорят между собой.

Решение

«Тщательно анализируйте референсы. Разбейте изображенные на них объекты на составные части разной формы и размера. Не приступайте сразу к прорисовке кирпичиков и окошек. Идите от общего к частному: сперва силуэт, а затем — детали»

Ольга Морозова, ментор курса «Основы создания окружения»

Риск 2. Выбран неинформативный ракурс

Строго фронтальное изображение объекта — ошибка, из-за которой зритель плохо чувствует форму и объем. Он не может представить нарисованное в трехмерном виде, поскольку для этого нужно видеть не только переднюю стену домика, но и боковую.

Решение

При работе над дизайном объектов используйте информативные ракурсы. Лучше всего изобразить пропсы в ¾ . Так будет проще передать их объем и пропорции.


Сочетание прямоугольных и округлых форм в правильно подобранном ракурсе улучшают читаемость и восприятие домика.

Блок 2. Выстраиваем композицию

На первом этапе разработки окружения мы придумали, чем наполнить сцену и выбрали конечный дизайн домика. Самое время расставить все по местам.

«Нужно задуматься, для чего мы вводим те или иные элементы в работу. Каждый из них должен направлять взгляд зрителя в нужную нам сторону. В противном случае есть риск, что часть элементов ухудшит работу просто из-за того, что мы не знаем, как ими пользоваться»

Иван Смирнов

Как удачно расположить элементы на картине

Композиция в рисовании — это способ расположения и соотношения всего, что изображено на холсте. Она нужна для гармоничного сочетания элементов окружения и контроля за вниманием зрителя. Работа с хорошей композицией выглядит целостной и понятной.

Существует много вариантов построения композиции. В качестве примера разберем один из самых популярных и поговорим о нюансах в расположении объектов.

Правило третей

Для создания композиции по этой схеме нужно разделить холст на 9 равных частей с помощью перпендикулярных линий, чтобы получилось подобие сетки. Точки пересечения этих линий — наиболее удачное место для расположения лэндмарков.

Самые значимые объекты — всадник и камень на распутье — изображены на стыке третей. Автор: Виктор Васнецов.

Нюансы — определяем положение горизонта

От того, как мы расположим условную линию, разделяющую небо и землю, зависит восприятие картины. Линия горизонта определяет точку, с которой зритель смотрит на изображенный сюжет и является основой для построения всей перспективы.

Посмотрите на пример ниже. Низкий горизонт на картине слева создает ощущение огромного воздушного пространства над землей. Небо перетягивает на себя основное внимание зрителя. Персонаж на картине справа кажется высоким и величественным не только из-за того, что он едет на лошади, но и потому, что точка зрения зрителя гораздо ниже уровня глаз всадника. Он останется выше, даже если спешится.

Слева — автор Jacob van Ruisdael. Справа — Peter Paul Rubens.

Еще один пример. Высокая линия горизонта слева перетягивает внимание зрителя с неба на землю и позволяет увидеть сцену с высоты птичьего полета. На картине справа горизонт находится на уровне глаз зрителя, что позволяет нам почувствовать себя участниками действия.

Слева — автор Pieter Bruegel, справа — Oscar-Claude Monet.

Нюансы — расположение масс

От того, как вы обойдетесь с пропсами разной массы в работе, будет зависеть гармоничность композиции. Вариантов уравновешивания масс много: например, крупный и проработанный лэндмарк можно сбалансировать меньшим объектом по другую сторону от центра холста. Подробнее о вариантах расположения масс можно прочесть в статье «15 типов композиции для художников».

Ствол дерева на переднем плане — лэндмарк. Он уравновешен группой высоких деревьев на заднем плане. Автор: Samuel Earp.

Ещё больше о композиции и ее вариантах читайте в статье «12 простых правил выгодного размещения объектов».

Упражнение 1.

Анализируем референсы и строим композицию

На этом этапе начинающим художникам будет полезно проанализировать работы более опытных коллег. Это помогает понять, как мастера решают вопросы композиции, где располагают лэндмарк и как подводят к нему взгляд зрителя. Чтобы анализ вышел более понятным и ощутимым, можно сделать простые композиционные стадики. Главное — делать это вдумчиво и подмечать нюансы композиции, а не просто срисовывать.

Затем можно приступить к простраиванию своей композиции с опорой на референсы. Лучше сделать несколько разных вариантов.

Автор: Ульяна Гусейнова.

Распространенные риски и как их исправить

Риск 1. Не соблюдается принцип равновесия

Бывает, что большая часть пропсов располагается в одной части листа, а вторая при этом остается пустой. Это портит композицию, поскольку в ней нет баланса. Объекты на перегруженной части будут плохо считываться, что утомит взгляд зрителя. А в пустой зоне отдыха ему будет не за что зацепиться.

Решение

Постарайтесь равномерно распределять визуальные массы на холсте. Объекты можно располагать группами — нарисовать рядом с домом дерево и ведущий к нему забор, стайку птиц на фоне облаков и т.д.

«Важно также помнить, что чем выше детализация, тем больше внимания привлечет объект. Например, домик должен быть прорисован в деталях, а вот кусты вокруг него — нет. Это нужно, чтобы не перетянуть фокус внимания с главного объекта на второстепенные»

Ольга Морозова

Риск 2. Выбран неудачный формат кадра

Иногда форма лэндмарка не подходит под выбранную ориентацию кадра. Попытка вписать высокую башню в горизонтальный кадр или зажать длинное строение в тесные рамки вертикального — рискованная.

Решение

Нужно опираться на уже заданное движение форм лэндмарка. Горизонтальная ориентация холста поддержит движение приземистого домика, усилит ощущение его формы. Важно рассматривать кадрирование как часть композиции, а не что-то второстепенное.

Разбор домашней работы с курса “Основы создания окружения”. Для высокого строения ментор советует выбрать вертикальную ориентацию кадра. Автор: Степанов А.

Блок 3. Добавляем цвет и освещение

На предыдущем этапе мы определились с композицией и расставили все объекты на холсте. У нас готов монохромный рисунок или очищенный от всего лишнего лайн. Теперь пришло время придать ему цвет, объем и плановость.

Композиция цвета и освещения

«Задача каждого аспекта композиции — управлять вниманием зрителя. Мы приступаем к этому с самого начала, когда ищем формы для лэндмарков и пропсов. Потом мы используем направляющие и силуэты, соотношение визуальных масс и ориентацию кадра. Цвет и свет — мощный инструмент, способный усилить эффект от всего вышеперечисленного»

Иван Смирнов

При работе с цветами важно помнить о том, чтобы они не спорили между собой. Для этого они должны отличаться по тону, яркости и насыщенности. Разной должна быть и площадь цветовых пятен, чтобы рисунок не превратился в однородную массу. В хорошей работе легко читаются база, нюанс и акцент (БНА).

Что это такое?

  1. База — цвет, который занимает на холсте наибольшую площадь. Остальные цвета художники подбирают по отношению к нему.
  2. Нюанс — дополнительный к базе цвет, обычно — сосед на цветовом круге.
  3. Акцент — цвет, наиболее контрастный к базе. Он самый заметный, хоть и имеет наименьшую площадь.

Посмотрим работу БНА на примере:

Желтый кристалл сразу же притягивают взгляд, потому что его цвет является акцентом. Желтый занимает меньший вес, чем холодный зеленый, и контрастирует с окружением благодаря тону и температуре цвета . Автор: Reza Afshar.

Цвет и свет неразрывно связаны между собой. От уровня освещенности зависит тон и насыщенность цветов, а значит и то, насколько они будут заметны. Когда мы добавляем свет на некую поверхность, мы сигнализируем зрителю «смотри сюда», а когда затеняем — наоборот.

При работе с освещением нужно соблюдать баланс. Детализация и четкость форм теряется как при недостатке, так и при избытке света. Автор: Jordan Grimmer.

Важно отметить, что глаз ищет не столько самый светлый участок, сколько самый контрастный. Поэтому черное пятно на светлом фоне привлечет не меньше внимания, чем светлое на темном.

«В рамках курса мы рассматриваем наиболее простую схему освещения, когда свет мягко концентрируется на домике, будто в ясный солнечный день. Так студенты могут свободно работать с чистыми цветами и прорисовать детали, которые не потеряются в мягких, не сильно контрастных тенях»

Иван Смирнов

Как придать работе глубину с помощью планов

Не стоит забывать про разбивку работы на планы — ближний, средний и дальний. Без них рисунок будет казаться плоским; у зрителя не появится ощущение трехмерного пространства.

Как работает плановость? В большинстве случаев достаточно соблюдать переход от темного ближнего плана к светлому дальнему. По мере удаления от зрителя тон становится светлее, а объекты теряют детализацию из-за того, что молекулы воды и пыли в воздухе становятся плотнее и мешают обзору. Это называется воздушной перспективой.

Для передачи глубины и чувства пространства используют не только тон, но и температуру цвета. Для ближних к зрителю объектов обычно выбирают теплые оттенки, а для дальних — холодные. Подробнее об этом и об исключениях из правила можно прочитать в нашей статье. Автор работы: Влад Варламов.

Упражнение 1. Подбираем цветовую палитру

Изучив теорию, переходим к практике и выбору цвета. Домашнее задание этого блока — сделать несколько вариантов цветовых композиций и освещения. Не забывайте подбирать референсы и к цветовым схемам: желательно использовать сразу несколько референсов для каждой композиции.

Нужно сделать несколько вариантов композиций с цветом и освещением, чтобы затем выбрать подходящий вариант. Автор Катя Флер.

Распространенные риски и как их исправить

Риск 1.
Используется «грязный» цвет

Блеклые цвета с примесью серого нередко портят работы начинающих художников. Цвет становится грязным при смешении исходных цветов с неподходящими параметрами насыщенности и яркости. В таком случае краски выглядят сероватыми и блеклыми.

Решение

«Не нужно бояться напортачить в учебной работе, особенно если вы работаете в цифре. На первых этапах можно брать цвета пипеткой напрямую с референсов и смотреть на их положение в цветовом пространстве или даже перетаскивать в свою работу. Но если вы хотите расти дальше, как художник, то нужно обязательно изучить теорию цвета, чтобы понять, он ведет себя в различных условиях»

Ольга Морозова

Можете прочесть статью о том, как справиться с проблемой грязных цветов.

Риск 2. Несоблюдение принципа теплохолодности

Студенты порой подбирают палитру, где присутствуют только теплые или только холодные цвета. Такая работа может выглядеть скучно.

Решение

В стандартных условиях мы всегда видим цвета разной температуры в своем окружении. Это соответствует базовому правилу живописи, согласно которому теплый свет дает холодные тени и наоборот. Оно работает в большинстве случаев за редким исключением.

В работе сочетаются освещенные солнцем теплые участки и холодные тени. Автор: Jordan Grimmer.

Блок 4. Добавляем завершающие штрихи

На данном этапе наша работа уже должна иметь приемлемый вид — все расставлено по правилам композиции, в рисунке есть плановость, точка фокуса, цвет и освещение. Пришло время финализировать рисунок.

Детали

Первый шаг на этом этапе — детализация. Не стоит тут же бросаться прорисовывать каждый листик на деревьях. Лучше отдалить работу, посмотреть на нее свежим взглядом или даже попросить посмотреть кого-нибудь из знакомых. Обратите внимание на участки, к которым вы хотите привлечь внимание зрителя — здесь и нужно заняться детализацией.

«Всегда стоит помнить, для чего мы делаем рисунок. От этого зависит требуемый уровень детализации. Если вы создаете концепт, то для него может быть достаточно лайна, цвета и освещения. А для детальной иллюстрации пригодятся навыки рендера материалов»

Иван Смирнов

Домик — самый прорисованный элемент на картине. Автор: Кулакова Виктория.

Постобработка

Доводим картинку до коммерческого вида с помощью постобработки. Например, если работе не хватает контраста, можно сделать копию рисунка на новом слое, поставить ей режим наложения Soft Light или Overlay, а затем отрегулировать прозрачность.

Для того, чтобы проверить, все ли в порядке с насыщенностью, поверх картинки можно наложить новый слой с серой заливкой. Затем нужно выбрать режим наложения Luminosity. На слое с заливкой яркие участки должны быть там, где это выгодно композиционно — например, в месте, к которому мы хотим привлечь внимание зрителя.

Здесь самые насыщенные элементы находятся на домике, к которому и нужно привлекать внимание. Автор — Anastassia Patritšnaja.

Распространенные риски и как их исправить

Риск 1.
Закапывание в детали

Часто студенты слишком увлекаются рисованием деталей. Из-за этой ошибки работа становится перегруженной, теряется центр фокуса.

Решение

«Почаще отдаляйте работу. Помните, что детальной проработки требуют только фокусные точки и точки интереса, все остальное пространство нет смысла досконально прорисовывать. Важно целостное ощущение от работы»

Ольга Морозова

Вблизи видно, что работа выполнена грубыми мазками, однако на расстоянии на это не обращаешь особого внимания. Автор: Craig Mullins.

Риск 2. Некорректная разбивка на планы

При добавлении цвета и освещения может измениться тон элементов на картине. Из-за этого работа потеряет глубину и станет выглядеть плоской, станет сложно определить, что находится ближе, а что — дальше.

Решение

«Почаще переводите свою работу в ч/б, чтобы проверить, не спорят ли объекты по тону, не размылись ли планы. Помните, что объект, который находится ближе к зрителю, будет темнее и теплее по цвету при дневном освещении. По мере удаления он будет светлеть и приобретать холодный оттенок в соответствии с правилами воздушной перспективы»

Елена Ушанова, ментор курса «Основы создания окружения»

Блок 5. Превращаем дневное окружение в ночное

После того, как вы нарисовали дневной пейзаж, можете попробовать превратить его в ночной. Здесь действуют уже другие правила, о которых мы расскажем ниже. На курсе этот блок является бонусным для всех, кто дошел до конца обучения.

Меняем цветовую гамму

Пайплайн, которому учат на курсе, позволяет легко превратить дневное окружение в ночное. Изменения происходят на этапе работы с цветом и освещением. Цветовая гамма становится более ограниченной, поскольку человеческий глаз при недостатке света плохо различает цвета. Сторонние источники освещения при этом начинают активнее влиять на окружающие объекты и доминировать над собственными цветами предметов.

Свет из окна — сторонний источник освещения, который окрашивает дорогу в оттенки оранжевого и красного. Автор: Victor Hugo Harmatiuk.

Иначе работает и плановость — объекты будут темнеть по мере удаления, а не светлеть, как это бывает при дневном свете. Глазам попросту не хватает света, чтобы увидеть то, что находится на расстоянии.

«Изображая ночь, художники обычно рисуют так называемый «синий» час. Это время, когда солнце только скрылось за горизонтом или еще собирается взойти. В такие моменты небосвод остается достаточно ярким, чтобы можно было различить детали объектов окружения. В то же время зритель понимает, что изображена ночь или поздний вечер»

Иван Смирнов

Вот пример синего часа в рисунке:


Автор: Денис Истомин.

Распространенные риски и как их исправить

Риск 1. Недобор в цвете

Студенты слишком сильно ограничивают палитру цветов, отчего работа становится почти монохромной.

Решение

«Изучайте референсы и не бойтесь работать с цветом! Конечно, ночью все кошки серые, но один из крутейших навыков художника — показать, что кошка серая, с помощью фиолетового цвета!»

Ольга Морозова

Благодаря множеству оттенков ночной пейзаж выглядит не менее интересно, чем летний. Автор: Самойленко Ольга.

Как закрепить результат?

За курс каждый студент рисует одну детализированную работу. Конечно, этого недостаточно, чтобы сразу стать профи. Курс дает рабочий пайплайн, однако без регулярной практики не будет профессионального роста.

Студенты могут закрепить знания челленджем #envifive4ivan. Его суть в том, чтобы нарисовать 5 работ по пайплайну курса. Темы для челленджа можно поискать на pinterest или, например, нарисовать пять домиков разных персонажей: домик ведьмы, домик алхимика, домик кузнеца и так далее.

Что нужно, чтобы записаться на курс?

  1. Необходимо владеть навыками, преподаваемыми на курсах «Основы CG рисунка», «Скетчинг и формы», «Рендер материалов». Новичкам будет сложно создать иллюстрацию окружения без базовых навыков.
  2. Графический планшет или iPad с Apple Pencil.
  3. От 7 до 14 свободных часов в неделю.
  4. Желание и готовность рисовать.

Дополнительные материалы

Секреты композиции: 12 простых правил выгодного размещения объектов

Тон как инструмент работы с композицией

Помещаем объект в окружение. Изучаем свет и цвет

Архитектурные стили для художников. От Древней Греции до барокко

Архитектура для художников. Рококо, модерн, ар-деко

Температура цвета меняет перспективу. Правда ли это?

Урок. От ч/б наброска к цвету и как рисовать с помощью лассо

Урок: как создать кисть, нарисовать ч/б скетч и покрасить его в Adobe Photoshop

Анатомия дома для художников

Как передать масштаб и глубину в картине: разбираемся в перспективе и плановости

Несекретные материалы, или как рисовать металлы, органику, камень

Цвет. Температура и восприятие

Декомпозируй их, или как эффективно изучать работы других художников

Композиция и перспектива: простые советы

Я не учу жизни и не утверждаю, что существуется «правильный» метод рисования. Я просто пытаюсь сделать перспективу более доступной для тех, кто хочет овладеть ей.

В: Любопытен ваш подход к композиции и перспективе. Мне иногда кажется, что я дольше думаю не о том, ЧТО нарисовать, а о том, КАК это нарисовать и интересно преподнести. Ваши комиксы изумительны. Есть какие-нибудь советы/референсы для лучшего понимания композиции и перспективы? О чем вы думаете, когда касаетесь бумаги кончиком карандаша? Что происходит у вас в голове?

О: *Стандартный отказ от ответственности* Я не учу жизни и не утверждаю, что существуется «правильный» метод рисования. Я просто пытаюсь сделать перспективу более доступной для тех, кто хочет овладеть ей.

Окей. Приступим.

1. Поймите, что такое перспектива и для чего она нужна. Держитесь подальше от линеек в процессе освоения.

Муки с перспективой вызваны тем, что 1. ей плохо и мало где учат и 2. художники, как правило, видят в линейной перспективе список правил, а не набор инструментов.

Линейная перспектива – это ИНСТРУМЕНТ для создания и передачи ПРОСТРАНСТВА. Вот и все. Ничего больше. Ваша цель — не в том, чтобы «точно нарисовать линейную перспективу». Держитесь подальше от линейки и точности, сколько сможете. Ваша цель – создать иллюзию трехмерного пространства на двумерной плоскости. Перспектива – лишь инструмент, который помогает строить и корректировать это пространство.

2. Запомните раз и навсегда: вы можете научиться рисовать перспективу ТОЛЬКО практикуясь. Другого пути нет.

Возьмите лист бумаги и рисуйте вместе со мной. Если вы будете повторять за мной, к концу статьи вы станете более искусны в создании линейной перспективы и передаче пространства. К несчастью, если не будете, то и не станете.

3. Рисуйте грубые скетчи с перспективой. НИКАКИХ ЛИНЕЕК.

Давайте построим какое-нибудь простое пространство. Начнем с двумерной плоскости…

У нас есть плоское, двумерное пространство. Давайте добавим глубины, поставив в центр точку схода и сведем к ней параллельные линии. Создайте в этом пространстве плоскость-сетку.

Хорошо. Придадим пространству смысл, добавив человечка, дорогу и еще что-нибудь (опять же, параллельные линии перспективы будут сходиться в точке схода на горизонте).

И теперь у нас есть грубая иллюзия пространства. Я не пользовался линейкой, и вышло не слишком аккуратно, но мы добились глубины от этой точки схода прямо в центре страницы. А поскольку у нас там есть человечек, мы теперь знаем высоту человеческого роста, что позволяет оценить размер созданного пространства. И придает ему смысл.

Нам нужны люди, машины или какая-нибудь узнаваемая ШТУКА размером с человека в качестве ориентира, а иначе пространство мало что будет значить для зрителя. Смотрите. Мы можем сделать то же базовое пространство намного больше, вот так:

Та же точка схода в том же месте, но совсем другой масштаб и абсолютно иное ощущение пространства. Круто, да?

3. Рисуйте БОЛЬШЕ грубых скетчей с перспективой. РАССЛАБЬТЕСЬ.

Посмотрите, какие пространства и впечатления от них вы можете создать при помощи точек схода и сетчатых плоскостей на стикерах или на чем-нибудь еще. Супер-мелкие, супер-грубые. Выясните это. Выберите точку схода или расположите сетку в перспективе и СОЗДАЙТЕ ПРОСТРАНСТВО. Вперед. Нарисуйте, ну не знаю, даму с собачкой в пустыне. Я тоже это сделаю.

Хорошая работа. ВЗГЛЯНИТЕ НА СЕБЯ: вы создаете иллюзию пространства!

Любой мой рисунок начинается именно с этого. Я думаю о том, какое чувство я хочу вызвать у зрителя, а затем играю с пространством и композицией до тех пор, пока не найду подходящий вариант.

И когда у вас получится скетч, который вам нравится, и пространство, которое вы чувствуете, ТОГДА вы сможете взять в руки линейку и сделать рисунок точнее и убедительнее.

4. Рисуйте окружение с натуры.

Я не могу передать, насколько это важно. Рисуйте окружающий мир, пробуйте изображать фигуры и углы так, как вы их видите, и вы поймете, как и почему применяется перспектива. Рисуйте чем-нибудь стойким, чтобы фиксировать все быстро. Я обычно использую черный карандаш Prismacolor.

Вы будете учиться и совершествоваться с каждым рисунком. Из этого, например, я многое узнал о нескольких точках схода:

Учился на уходящем вдаль извилистом пространстве, которое я пытался изобразить здесь:

На многослойном интерьере:

В общем, вы поняли.

Рисование с натуры также поможет вам развить свою собственную стенографию, язык для изображения текстур, материалов, деталей, природных и архитектурных особенностей и т.д. Рисуйте. Все время рисуйте. Сходите в красивые или интересные места, просто чтобы порисовать их.

А сейчас быстро наскетчите комнату, в которой вы находитесь.

5. Перспектива в итоговых иллюстрациях: примените полученные знания.

1. Я всегда начинаю с поиска референсов. При создании этой локации я ориентировался на Ангкор-Ват.

2. После того как я нашел достаточно референсов, я набросал кучу мини-скетчей с очень символической передачей пространства и выбрал тот, что понравился больше.

3. Отсканировал эскиз и поверх прорисовал его немного тщательнее. Грубо обозначил пространство перед тем, как точно его проработать.

4. Усилил глубину пространства точной перспективой. Поместил в рисунок заранее созданные точки схода. Если бы я рисовал в традиционке, я бы сейчас взялся за линейку, чтобы набросать пространство ровно.

5. Нарисовал эту чертову штуку. Я могу отложить ее на потом, потому что занимаюсь поиском референсов, рисую с натуры и привык к рисованию в перспективе. Я просто от руки «строю» руины в созданном пространстве, стараясь делать это более-менее аккуратно, экспериментирую и играю с деталями по ходу дела. Стираю я тоже много: что в ФШ, что на бумаге. Так веселее.

Это и есть то, что я знаю о композиции и перспективе. Если вам нужны более точные инструкции по применению перспективы, загляните в книгу «Как рисовать комиксы в стиле Марвел» Джона Бускемы (John Buscema’s How to Draw Comics the Marvel Way). А если хотите действительно углубиться в тему, Эндрю Лумис (Andrew Loomis) вам в помощь.

Особенности преподавания рисунка, живописи и композиции детям 6

Популярное


Оксана ПИЛИПЮК (Уфа, Башкортостан, Россия),
Художник-график, директор по науке и творчеству Школы рисунка и живописи «Художка»

Доклад на II Международной конференции художников-педагогов
«Современное художественное образование детей и молодёжи»,
9-10 февраля 2011 года

Педагогика всегда уделяет особое внимание воспитанию детей младшего возраста и в представлении учителя это не обучение, а скорее ненавязчивая подача основных навыков, умений и знаний в процессе игры. К серьезному же обучению дети приходят не ранее 7-8 лет. Этот перелом был особенно резок в старой педагогике и более сглажен позднее, благодаря подготовке шестилеток, что позволило плавно вводить детей в процесс школьного образования и избежать критических моментов, возникающих из-за невозможности моментальной адаптации ребенка в абсолютно новой для него среде. В области же начального художественного образования этому наиважнейшему этапу не было уделено должного внимания. Практика моей деятельности в этой области доказывает, что процесс, начатый в качестве эксперимента, должен занимать такое же место в профессиональном художественном образовании, как и в школьном. Одним из решений этой проблемы является работа с маленькими детьми в студиях и на подготовительных отделениях художественных школ. Но зачастую мы наблюдаем или полное отсутствие какой-либо программы, или, в лучшем случае, занятия, рассчитанные на творческое развитие ребенка. Я неоднократно наблюдала недоумение и, как следствие, потерю интереса и желания ребенка (несколько лет рисовавшего по программам, отвечающим только лишь за творческое развитие и не уделявшим совершенно никакого внимания начальному профессиональному обучению) при переходе с подготовительного отделения на основное, где он «художник со стажем» отбрасывался далеко назад, к самым азам, а его предыдущая деятельность оказывалась «дилетантской».

Другой крайностью является «урок рисования», когда замечательный педагог с большой любовью и старанием обучает детей профессиональным приемам, умениям и навыкам. Но… навыки, умения и способности человека, без внутренней эстетической базы, представляют собой возможно отлаженный и великолепный механизм, но лишенный всякого топлива, он обречен на дальнейшее бездействие и, как правило, обветшание и разрушение. Творческие муки художника и музыканта доводят многих до самоуничтожения, так и не дав зачастую раскрыть возможный потенциал. Несомненно, что это происходит от неумения постигнуть и сформулировать образы, возникающие в сознании любого творческого человека. Начиная обучать ребенка рисовать, не научив его материально прощупать и осязать то внутреннее, что возникает в его фантазии, мы, возможно, сажаем птицу в клетку и навсегда теряем ключи. Сколько шансов, что в будущем, занимаясь саморазвитием, он выпустит эту птицу на волю.

Итак, на мой взгляд, творчество и обучение взаимосвязаны и остро нуждаются друг в друге.

ПРО НИХ (коротко о психологии)

Однажды ребенок берет в руки палку, садится на неё и вдруг в его голове возникает четкое осознание того, что это самая настоящая серая в яблоках с пышной гривой и длинным хвостом лошадь. Самое интересное, что в это же самое время точно такая же, только настоящая лошадь, несомненно, привлечет его внимание, но ненадолго. И, походив вокруг лошади в восторге минут десять, он вернется к своей палке, которая предстанет в его фантазии еще более реалистичной, наделенной множеством деталей и гораздо более интересной лошадью. Так и все, что окружает ребенка, его мозг впитывает жадно, как губка, затем, преломив их сквозь призму из чистого хрусталя детской фантазии, выплескивает это в действие, будь то игра или чистый лист бумаги и краски.

Каждый помнит детскую песенку про «палку – палку – огуречик», из которых получился человечек. Таким же образом дайте ребенку кусок пластилина и время на работу фантазии и, несомненно, получите результат, который наверняка удивит не только вас, но и самого ребенка. Любой дошколенок обладает мощнейшим творческим потенциалом, но не любой может без помощи со стороны, пользоваться им, направляя на реализацию. В доступном ему мире игры, он способен самостоятельно, при помощи только воображения, выплескивать свои идеи. В сферах же искусства, исчерпав все доступные ему средства и не найдя других путей самовыражения, ребенок обречен.

Юный композитор, сочинив мелодию способен донести ее до слушателей лишь, доступным ему, ля-ля-ля. Юный художник, в голове которого возникают уникальные образы, переносит их на лист бумаги. Его работы изумительны и вызывают всеобщее восхищение своей непосредственностью и мощным эмоциональным зарядом. И мы с вами боимся потревожить его своим вмешательством и «навязыванием», сложа руки ожидая новых шедевров. А может быть мы эгоистичны в своем желании?

Давайте посмотрим на это глазами ребенка, более того ребенка обучающегося в художественной школе (так как для «непрофессионалов» смена деятельности, возможно, не большая потеря: исчерпав возможности в одной области, он переключится на другую). На первых порах, ему достаточно иметь лист бумаги и карандаш для того чтобы спроецировать образ возникший в его фантазии. Затем, у него возникает желание сделать его цветным. Это тоже пока доступно – он берет краски и кисть. И все! Дальнейшее движение возможно, но лишь по кругу. Один, другой, третий… в его голове возникают все новые идеи, но все что он может – это переносить их на лист в доступной ему форме и совершенствовать моторику руки. Но вот подходит преподаватель и показывает например краски, способные создать другой эффект или новую технику, открывающую иные возможности… Как вы думаете, что произойдет? Круг разомкнется в спираль. Ребенок получил не только возможность воплотить свои идеи, но и на основе новых знаний его творческий потенциал получил новый путь реализации. Элементарные способности воображать, типа описанного выше примера с палкой, доступны и самому ребенку. Возможность же увидеть в кляксе, получившейся на сгибе листа из пятна акварельной краски, великое множество объектов вряд ли осуществится без направления педагогом или родителем. И дело не в том, что ребенок не может, а в том, что не осознает своих возможностей. Дайте ребенку почувствовать свои силы и, несомненно, вы увидите радостную улыбку на лице и, возможно понадобится даже ненавязчиво остановить бурный поток его фантазии, что неоднократно наблюдала я сама на своих занятиях.

Давайте глубже рассмотрим тот случай, когда учитель, с восторженным преклонением перед творческим энтузиазмом юных художников, отступает, боясь своим вмешательством разрушить индивидуальность и эмоциональность. При таком отношении, не только творческая реализация, со временем, попадет в тупик. Попав впервые в новую для него среду художественной школы, дошколенок получает заинтересованных единомышленников и возможность шире проявить способности, раскрыть свои идеи. Его творческий потенциал начинает фонтанировать. Пока он еще ничего не боится и с восхищающей нас непосредственностью выдает один «шедевр» за другим. Со временем он начинает осознавать свое несовершенство и свою беспомощность в способности воплотить имеющиеся у него идеи. Один, более раскрепощенный, идет к нам со словами: «у меня не получается…». Другой, обращает эти слова к себе. В результате чего возникает навязчивая необходимость защититься, что и делает ребенок неосознанно, нанося непоправимый вред той самой гутаперчивости своего восприятия окружающего мира.

И последний аргумент. Мне неоднократно приходилось обсуждать этот вопрос с педагогами. И мнение: «нельзя вмешиваться в детское творчество, надо развивать творческие способности» я слышала много раз. Но посмотрите на несколько лет вперед. Ваш «неприкасаемый гений» трудится на ниве искусства без вашего «кощунственного» вмешательства. Прошли годы – и какой результат мы увидим: рисунки уровня трехлетней давности, никаких профессиональных навыков и что самое страшное упущенное время для их самого удачного «внедрения».

Думаю, что творческие задатки есть у каждого ребенка. Может быть, нам с вами надо не «развивать творческие способности», а создавать пути для их реализации, устранять рамки и условности, которыми ребенок обрастает в процессе взросления, развивать чувства свободы и отсутствия страха в воплощении своих идей.

 

ПРО НАС

Невозможно погрузиться в мир детского творчества без того, чтобы не загореться какой-либо идеей. Впервые столкнувшись с дошколятами и начав обучение, я сразу же поняла, что это «инопланетяне». Они видят мир иначе, по-своему воспринимают его, оценивают, выдавая при этом уникальный результат. Важно не упустить этот период, а наоборот укрепить и сохранить в памяти ребенка. К сожалению, этой возрастной группе уделялось не много внимания, и каких-либо программ начального профессионального образования не существует. Все программы, имеющиеся на данный момент, составлены с точки зрения только творческого развития ребенка и носят скорее студийный характер. (Хочу отметить, что говоря о студийном характере, я имею в виду принцип работы студий, цель которых не состоит в начальном профессиональном образовании детей с художественными задатками, а именно творческое развитие любого ребенка).

Работая с детьми этого возраста достаточно длительное время, я поняла, что мы пропускаем очень важный период для того, чтобы заложить фундамент таких необходимых профессиональных основ, которым, ребенка более старшего возраста, можно лишь обучить, так как те уникальные способности которыми мы обладали в …4, 6, 8… лет, или забыты, или спрятаны где-то очень глубоко. А они — те, которым сейчас…4, 6, 8…, могут, при нашей помощи, эти способности развить и хоть часть взять с собой во «взрослый мир».

Обычная система обучения в этом возрасте не даст желаемого результата, независимо от формы подачи. Учителю, работающему с такими детьми не достаточно быть активным, ответственным и обладать энтузиазмом. При неправильном построении отношений с детьми, это может привести не к новым открытиям, а наоборот, воздвигнуть, барьеры, препятствующие дальнейшему развитию способностей ребенка. Технический энтузиазм и раскованность не могут исчерпать всего содержания развивающего обучения изобразительному искусству. Необходимо добиться и некоторого продвижения и в обучении рисованию. Требуется найти взаимосвязанное решение для всего комплекса проблем. Вариант — нахождение ряда ответов по всем вопросам, а потом объединения их к данной ситуации — не подойдет. Необходимо выработать собственную линию взаимоотношений. Недопустимо «копирование» использования «трафаретов», «вписывание» создавшихся ситуаций и проблем в готовые рекомендации. С другой стороны, недопустимо отодвигать уже имеющиеся опыты, разработки, рекомендации. Но это не должно сводиться к банальному эклектизму. Необходимо определить собственную цель и построить свою деятельность в соответствии с её задачами, опираясь на уже имеющуюся тактику.

Фундаментальным для учителя – дошколенка является умение видеть нарождающиеся способности детей, еще не развитые, порой даже вполне отталкивающей формы. Он должен быть готов к тому, что конечный результат не совпадет с ожидаемым результатом. Скорее даже, здесь не может быть ожидаемого, запланированного результата. Если процесс построен правильно, то мы как раз должны получить совершенно новый, неожиданный результат, новый «виток» творчества. И попытка подталкивания, попытки подвести к «совпадению» ожидаемого и воспринимаемого результатов породят только потребительскую или репродуктивную форму деятельности. Творческий дошколенок часто тратит время урока, казалось бы, на ненужные вещи, но именно эта экспериментаторская деятельность приводит ребенка к «ожидаемому» неожиданному результату. Вообще, урок младших групп в художественной школе не является стандартным уроком, и не должен быть таковым. И учителю необходимо быть готовым к этому. На первый взгляд, трудные задачи, рассчитанные на длительное выполнение и концентрацию внимания, дошколятами могут выполняться быстро, легко, без затруднений. Возможно и так, что задания, на взгляд учителя, способные заинтересовать учеников, не вызовут совершенно никакого интереса. Возможна и обратная ситуация. В таком обучении сложно говорить как о планировании, так и о том, чтобы придерживаться конкретных тематических планов. Учитель – дошколенок должен обладать импровизаторскими способностями. Бывало, придя на урок с конкретной темой, я меняла её, обратив внимание на настроение, разговоры детей, на их игры. Вот здесь и нужны эти способности, для того, чтобы заметить во всем этом творческий росток и, сориентировавшись, дать ребенку возможность к его росту. Дошколята сами «составляют программу». Они сами, не подозревая, «дарят идеи». Возможно, кто-то не согласится, считая, что урок должен быть тщательно подготовлен, выявлены цели и задачи, составлен план ведения. Несомненно. Но эти основные темы как манекен, на котором лоскуток за лоскутком появляется новый костюм, созданный самими детьми. Тем более что дошколята чувствуют импровизацию, но не как неподготовленный, бессистемный урок. Они чувствуют «солидарность» их ощущений, настроений с учителем. Это позволяет не скрыть, не заглушить и забыть зародившиеся, еще неосознанные желания, а дать им возможность воплотиться.

Самым трудным оказывается эмоциональное сопереживание детям, необходимость восхищаться тем, что они сами видят в своих рисунках в приливе творческого энтузиазма. Очень трудно восхищаться неумелыми пробами и каракулями. Иногда остается просто верить ребенку, его увлеченности предметом и творческим процессом. Учителю дошколят необходимо видеть способности ученика в неразвитой форме. Эти шаги к самореализации еще наивны и неразвиты, поэтому и возрастает значимость умения учителя видеть замысел там, где ребенок не может его воплотить.

Научив ребенка замечать, наблюдать окружающий мир, его надо научить видеть движения своей руки, следы карандаша и кисти. Он должен видеть натуру не как начинающий фотограф (стремясь поймать прекрасный миг), а уже светящуюся теми красками, которыми располагает его палитра. Научиться верить руке, понять, что она может быть «умнее» произвольных замыслов, когда не подчиняется сознательному контролю, а движется спонтанными и бессознательными импульсами, не направленными, а лишь слегка подправленными сознательными ориентирами. Для этого нужно начать с более абстрактных, фантастических, сюрреалистических форм. Отойти от «нормы» — одинаковые рисунки, различающиеся «правильностью», то есть соответствию образцу, в качестве которого выступает продукт деятельности другого человека. В творчестве, как я уже отмечала, всегда есть риск не гарантированности получения «ожидаемых» результатов, более того, чаще получается такой результат, которого никто не ожидает и это – явный признак того, что идет именно творческий процесс.

Необходимо сделать творческий процесс ученика спонтанным, поскольку спонтанность – главное и необходимое условие любого творчества. Но это значит, что учитель уже не может «ставить творческую задачу» ученику, поскольку постановка любой задачи – есть управление, в то же время, обучение должно оставаться управляемым процессом. То есть учитель должен как бы «управлять не управляя». Это должно быть фундаментальным при составлении программы.

 

ЕЩЕ РАЗ ПРО НИХ

Я работаю с детьми этого возраста достаточно долго. За это время, я успела и поэкспериментировать, и понаблюдать за дальнейшей учебой моих «выпускников». На первых этапах работы, составляя программу, я экспериментировала. Результаты были замечательные. Но наблюдая за ребятами после окончания отделения раннего эстетического развития, я обратила внимание на трудности и проблемы с которыми они сталкивались, в следствии некоторых упущений, недооценивания тех или иных моментов и т.д. На основе этих наблюдений вносила изменения в программу и ведение уроков. На некоторые из таких моментов, хотелось бы обратить ваше особое внимание.

Необходимо изначально дифференцировать подход к обучению дошколят. Это объясняется не только психологическими особенностями детей разного возраста, но и отсутствием сформированной системы навыков обучения у ребенка. Школьная же педагогика, в том числе и в художественных школах подходит к этому вопросу с позиции воспитания этих навыков и их последующего применения. Но нет необходимости и более того опасно опираться на такой подход с дошколятами. Гораздо важнее обучать таких детей, применяя методы, позволяющие развивать интуитивный подход.

Что касается методики преподавания, думаю, если придерживаться одной отдельно взятой методики, именно в этом возрасте, которая направлена на достижение определенных целей, то это, возможно, и даст желаемый результат, но этот результат создаст стереотип, ограничит ребенка рамками: определенный стиль, техника, восприятие и т.п. А именно в этом возрасте необходимо зафиксировать в подсознании ребенка «свободу», которая проявиться позже, после обязательной программы в старших классах. Поэтому получение лучшего результата обеспечит взаимодействие методик и одновременное применение отдельных методик к отдельным ученикам. В процессе работы я заметила, что дошколята пока не способны осмыслить профессиональных понятий («перспектива», «объем», «пропорции», «рефлекс» и т.д.). Как бы просто и доступно вы не объясняли, они примут «факт», но не его смысл. Поэтому в этот период не стоит «делать из ребенка взрослого». Рано ставить конкретную тему с конкретной задачей. Темы своей программы я продумала таким образом, чтобы сложные понятия вводились ненавязчиво. Причем к результату ребенок приходит «вынужденно» самостоятельно (несомненно, что все это должно проходить под скрытым, но четким контролем педагога).

В программе присутствуют, на первый взгляд, «не конкретные» темы, например: «Дождь», «Декабрь», «Город», «Настроение» и т.п. И здесь сыграл свою роль возраст дошколят. Можно конечно предложить и более узкую тему, но вокруг ребенка будут обозначены пределы «находиться в рамках темы». Данные же темы гарантируют самостоятельный выбор сюжета самим ребенком, что немаловажно в формировании его художественной «личности», но и позволяет оставаться в рамках концепции.

Хочется сказать несколько слов о «блочной» системе, распространенной на основном отделении и дающей неплохой результат. В работе с дошколятами у нее есть свои минусы. На первоначальном этапе я объединила преподаваемый материал в блоки: по темам и по техникам. Но очень быстро поняла недостатки этого метода: например, при длительной работе гуашью «забываются» навыки работы акварелью и один, два, а иногда, и более уроков уходит на их восстановление. В моей программе темы «перемешаны» и тематически и по техникам, что позволяет дошколенку, пока не имеющему наработанной моторики, приучиться к быстрой адаптации при смене темы или материала.

Еще один немаловажный, на мой взгляд, момент, на который практически не обращают внимания при составлении программ. А результаты мы видим, например, на просмотре, где по работам учащихся можем определить имя педагога. Это «навязывание» тем или иным педагогом своей точки зрения на искусство, на технику, и т.п. Я постаралась учесть это при составлении программы. Изучаются все возможности материалов, большое количество техник и дается самостоятельный выбор. Таким образом, не навязывается определенная техника или работа с определенным материалом (например, работа только гуашью и только декоративно, что мы наблюдаем в последнее время в некоторых школах). При этом не вызывается отторжение других, тем более академических техник. Более того, это позволяет ребенку определиться с выбором «своего почерка».

Хочу обратить ваше внимание на «разновидность» выше упомянутого момента. Когда ребенка учат одному – двум «эффектным» приемам или «обучают» его подсказками где, что и как нарисовать. Результаты на просмотре будут замечательные (я в этом убеждалась неоднократно), эффектные работы, дипломы на конкурсах. Но с чем пойдет ваш воспитанник дальше, сможет ли он самостоятельно мыслить и, как следствие – творить? Опыт показывает, что нет: педагоги основного отделения поражались неспособности, перешедшего в 1 класс «именитого лауреата» провести самостоятельно линию и просто анализировать.

Как я уже говорила ранее – уроки дошколят на 50 % импровизация. Здесь допустимы отклонения от тем. Например: придя однажды на урок, я увидела, как дети смастерили из бумаги самолетики и весело и возбужденно играли. Жаль было их останавливать, но, увы, надо было начинать урок. Так родилась тема «Самолеты», причем результаты превзошли все ожидания. Другим поводом «импровизации» является недопонимание ребенком темы или какого-либо понятия, можно дать дополнительную работу, в которой бы уделялось внимание именно этому моменту. И обратный случай: ребенок сделал кучу эскизов, среди которых трудно выбрать лучший, советую восхититься и предложить выполнить не один, причем в таких случаях я предлагаю ребенку дополнительную технику или способ, которым мы не работали (это и поощряет ребенка, и становиться стимулом для других). Я думаю в процессе работы вы сами, где интуитивно, где логически, поймете: когда и как применить «импровизацию».

Хочется отдельно остановиться и на работе над композицией или исправлением недостатков или профессиональных ошибок. Многие преподаватели просто указывают на недочет, или помогают в работе над композицией конкретным советом: нарисовать то-то и там-то. Внимание, наша цель: не просто исправить ошибку или нарисовать интересную композицию, а чтобы ребенок сам нашел и сам понял, почему здесь ошибка, научился запоминать и использовать то, что вокруг него и т.д. Поэтому я беседую с ребенком, стараясь чтобы в процессе разговора, он сам пришел к определенным выводам, научился анализировать. Поговорите с ребенком, незаметно, с помощью наводящих вопросов постарайтесь направить его в нужное русло при работе над композицией. Укажите на наличие ошибки, но не показывайте ее, задайте вспомогательные вопросы, которые помогут ребенку путем анализа увидеть её и прийти к нужному решению. Во-первых, ребенок учиться мыслить логически, во-вторых, таким образом, материал лучше усвоиться, ну и, в-третьих, я думаю, вы заметите, как возрастет самооценка ребенка в собственных глазах, а это очень важно.

В дополнение, следует отметить, что немаловажным является неспособность, в этом возрасте, долго концентрироваться на определенном занятии и быстрая утомляемость. Объяснение в начале урока занимает 3-5 минут (ребенок в этом возрасте способен воспринимать материал не более 5 минут, поэтому ваши объяснения на 20-30 минут напрасны, ребенок перестает слушать и запоминать, тем более сложные понятия), как можно меньше лишних и непонятных слов. Остальное объяснение подается порционно в течение всего урока. Основную мысль сужаю до одной «коронной» фразы и повторяю весь урок (далее в процессе работы постоянно напоминаю). Никогда не трогаю детскую работу, если возникает необходимость, показываю на отдельном листе. Все что объясняю, стараюсь показать на себе (мимику, движение), на окружающих предметах или на доступных, близких детям примерах, причем примеры стараюсь приводить постоянно, главное чтобы они были знакомы и понятны детям.

Одним из средств решения проблемы концентрации внимания может стать введение в процесс обучения элементов игры. Чтобы игра заинтересовала детей, дала результаты, она должна быть по своему характеру чисто детской, позволяющей учащимся расслабиться и отдохнуть. Но сделать это нужно не в ущерб обучающему процессу, а, наоборот, в помощь. Информация, преподнесенная в форме игры, лучше запоминается, так как учащиеся не просто получают от учителя определенную информацию, а приходят к правильному решению самостоятельно, путем поиска и анализа игры, которая запоминается автоматически. Подобная форма подачи помогает развивать воображение, фантазию, логическое и аналитическое мышление. В самостоятельной работе игры допускаются поиски, ошибки, переделки. Технические приемы могут быть весьма разнообразны. В их основу может входить: исправление ошибок (это заставляет всех задуматься и общими усилиями исправить их), выбор наиболее удачного варианта (развитие логического мышления и воспитание вкуса), составление композиции (развитие самостоятельности), характеристика заданного изображения (развитие аналитического и логического мышления), элементы спортивных игр (включающие в себя не только момент разговорного состязания, но и возможность двигаться).

И помните, что изобразительное искусство для дошколенка – это основной способ общения. Имея ограниченный словарный запас и небольшую практику разговора, ребенок попытается донести свои мысли другими способами: показать, изобразить и, наконец, нарисовать. Этот рисунок и есть его «монолог». Вот они и «разговаривают».

 


Доклад является введением к программе, разработанной Оксаной Пилипюк для студий и художественных школ.


Назад

Композиция: как поступить на архитектора

Композиция с обратной связью или без

Результаты учеников — главная цель нашей Школы. Поэтому мы переоцениваем каждый курс и каждый поток. Одним важным решением стала отмена самостоятельного прохождения курсов. Изучение предмета под чутким надзором преподавателя — единственная гарантия, что курс будет эффективен. Кроме того, работа с ним идёт в 2-3 раза быстрее.

Читать далее

Какие ошибки есть в моей композиции?

Это — рубрика разборов работ не моих учеников. Конкретно эта работа выполнена в рамках подготовки к МАрхИ. И тут присутствуют ошибки во всех четырех основных моментах, по которым оценивается композиция в этот ВУЗ: построения, компоновка, врезки, графика и тон. Очень подробный разбор — советую к ознакомлению всем учащимся!

Читать далее

Разбор ошибок в композиции № 3

Свою работу на разбор может сдать каждый желающий. Эта, например, сделана в рамках подготовки в КубГУ. Видно, что построения рисуются “на глазок”. С пропорциями, раскрытием эллипсов, перспективой. — проблемы. Например, оси ближнего основания верхнего горизонтального цилиндра (красным) не перпендикулярны друг другу на листе. Что еще и как увидеть?

Читать далее

Сокращённые программы по композиции у нас в Школе

Я не сторонник ужимать обучение композиции, ведь все части этой дисциплины нужны будут абсолютно в каждом архитектурном ВУЗе при обучении. И при возможности, советую все же брать полный марафон. Но в случае подготовки в некоторые ВУЗы это вполне возможно. В какие — читайте тут. Программы по композиции, которые занимают 1-2 месяца.

Читать далее

В композиции нет «потолка». Одна история

Нет предела совершенству. При хорошей подготовке, помимо техники, приобретаются ещё умения выходить за рамки экзамена и выбираться из нестандартных ситуаций, а также сокращаются сроки выполнения работ. Учитесь на чужом опыте. Эля попала ко мне осенью 2019 года уже с некоторыми знаниями по композиции…

Читать далее

Разнообразие стилей в портфолио МАрхИ

В 2020 и 2021 годах формат экзаменов во многих ВУЗах был заменен на дистанционный. Из-за чего появилась возможность сравнить работы абитуриентов и провести объективный анализ. Принимая во внимание подготовку у одного педагога, нельзя не удивиться тому, как ребята выражают через работы свою индивидуальность.

Читать далее

Преимущества композиции онлайн перед очной

По секрету: на практике, обучение композиции в очном формате никак не сравнится по времени, эффекту, стоимости с дистанционным форматом. Умножьте цену очных занятий на их необходимое для твёрдого изучения дисциплины количество, вычтите стоимость курса и даже продления на 3 месяца — получится сумма экономии. А ведь есть другие выигрыши — например, п…

Читать далее

Разбор ошибок в композиции №2

С одной стороны, сайт — не место для разборов работ — эта роль больше подходит для соц.сетей. С другой, жаль не поделиться накопленным опытом с вами. Напоминаю: разбор работы и исправление ошибок — это хоть и важная часть обучения, но не полностью её заменяющая. Как раз автору этой работы необходимо проходить дисциплину системно.

Читать далее

Послание бывшего ученика будущим поколениям

Полный текст послания — в статье, каждая буква реально стоит прочтения — ведь она выстрадана стёртыми пальцами и абитуриентской кровью! Цитата для затравки: «Когда вы тоскливо сидите глубокой ночью и чертите какую-нибудь экстравагантно загнутую штуковину, постарайтесь думать не о том, как бы здорово смотрелась эта синька в костре».

Читать далее

Композиция за месяц-два до экзаменов

В уроках курса по композиции у меня есть видео с описанием схемы подготовки в условиях сжатых сроков. Этот вариант идеально подходит для тех, кто изучает предмет в срочном режиме за несколько месяцев или летом после экзаменов и ЕГЭ. И единственно-возможный для получения положительного результата при таком раскладе.

Читать далее

Из истории марафона по композиции

Когда был запущен первый марафон, что было до него. Как менялась длительность и почему. Что нового добавлялось? (ну кроме обновляющихся материалов). И отзывы из первого потока, после которого окончательно закрепился современный формат. «Марафоны оставляют меньше возможности для откладывания на потом».

Читать далее

Почему марафон — лучший выбор?

При создании курсов я руководствуюсь правилом: диапазон учебных заведений, куда абитуриент может подать заявление без существенной дополнительной подготовки, должен быть максимально широк. Именно поэтому мои ребята сдают экзамены в разные ВУЗы по всей стране, да и за её пределами тоже.

Читать далее

Из композиции в абстракцию!

Почему я говорю, что зная основы композиции и имея опыт, вы можете нарисовать — буквально — всё? Композиция заложена во всем, что нас окружает. А зная как всё устроено, вы без труда можете рисовать работы абсолютно любой сложности и в разных стилях. Будь то перспектива собора, натюрморт, архитектурные детали или абстракции.

Читать далее

Ошибки в рисовании. Разбор композиции

А вы готовы к экзамену по композиции в этом году? Уверены, что до конца разобрались с построениями, компоновкой предметов на листе, устройством врезок, графикой и тоном? Если нет, читаем мой анализ работы и проверяем свои работы на наличие похожих ошибок и соответствие экзаменационным требованиям. Разбор по требованиям МАрхИ.

Читать далее

Кому подойдет марафон (композиция)?

Отвечу на два самых частых вопроса: кто может приходить учиться на курс, и почему именно ко мне. Композиция в формате марафона — один из основных курсов при подготовке ко всем архитектурным ВУЗам, где сдаётся этот предмет. Количество работ ограничено только вашей работоспособностью (проверяются все, что вы успеете сделать).

Читать далее

Почему композиция так важна архитектору

Чем страшна подготовка исключительно к экзаменам одного конкретного ВУЗа? Знания, полученные без понимания, где их можно задействовать — это лишь костыль в будущей учебе, который будет тормозить все процессы обучения. Читайте историю о важности понимания композиции в целом и об опасностях натаскивания в частности.

Читать далее

Композиция из предметов интерьера

Где черпать вдохновение на мотивацию учеников, которые уже освоили программу вступительных экзаменов? Что может получиться, если слышать их идеи, практиковать совместное творчество? Всё началось с идеи, подкинутой одной моей ученицей Лизой, о том, чтобы «вставить в обычную композицию пару стульчиков».

Читать далее

Как спланировать рисунок или картину

19 февраля

Композиция в искусстве: как спланировать рисунок или живопись

Мария

эскизный проект, искусство, рисунок, натюрморт, композиция, архитектура, пейзаж, портреты

Не знаю, как вам, а когда я слышу слово «композиция», первое, что приходит мне в голову, — где разместить старинную бутылку красного вина по отношению к вазе с фруктами в натюрморте.

Но очевидно, что тема композиции в искусстве гораздо более всеобъемлющая и важная, не только для натюрмортов, но и для пейзажей, архитектурных зарисовок, портретов и даже абстрактного искусства, как уже было представлено в моем посте о том, как победить синдром пустой страницы. в искусстве.

«Ночные ястребы» Эдварда Хоппера (1942) — пример хорошо продуманной и удачной композиции

Все великие художники, как профессионалы, так и любители, вкладывают много усилий в планирование своих основных произведений. Вы обнаружите, что многие самые известные рисунки и картины были продуманы до мельчайших деталей, и ничто не было оставлено на волю случая.

Произведение искусства начинается не с первого карандашного штриха или мазка кисти, а задолго до этого. Как только художник определился с общей темой, он придумает, как лучше всего ее изобразить.

Это включает в себя, какую часть предмета отображать, под каким углом, какой материал и стиль использовать, каким правилам дизайна следовать (или нарушать) и многое другое.

Картина начинается не с первого мазка кисти, а задолго до этого, когда художник отрабатывает композицию.

Новые и начинающие художники часто принимают эти решения подсознательно. Однако большинство из нас не рождаются со сложными знаниями о том, как спланировать интересную и успешную композицию; это навык, который нужно тренировать и совершенствовать.

Что такое композиция?

Такое простое слово, такая сложная тема. Краткая версия: композиция — это то, что вы показываете своему зрителю, и то, как вы показываете ему.

Это включает в себя больше, чем просто расположение частей вашего предмета, например, рисовать ли бутылку красного вина рядом с вазой с фруктами или позади нее или где разместить людей на этой пляжной сцене.

И этим должны заниматься не только мастера-художники. Композиция включает в себя сложные темы, такие как углы и геометрия, а также очень простые решения по кадрированию и выбору цвета.

Композиция — это не только тема для великих мастеров. Даже новички постоянно принимают решения о композиции, независимо от того, сознательны они или нет.

Если вы рисуете натюрморт, а вашим основным объектом является стол с корзиной с фруктами, вам нужно будет решить, какие части опустить (например, ножки стола), а какие показать ( например, фрукты).

Вам следует подумать о том, какую часть предмета вы хотите сделать фокусом, и с какого направления и под каким углом вы хотите ее нарисовать.

Буквально любое принятое вами решение может натолкнуть зрителя на определенные мысли и выводы, и даже мельчайшая деталь может полностью изменить ощущение и посыл произведения искусства. Но никакого давления!

В картине Боттичелли нет ничего случайного Благовещение (ок. 1490)

Другим важным решением, на которое особенно обращали внимание художники прошлого, являются правила математического дизайна, такие как правило третей и правило 70/30 (подробнее об этом ниже).

Теория цвета, если ваша работа имеет какой-либо цвет, также может сыграть важную роль в передаче сообщения, которое вы хотите передать. Так же как и стиль вашей работы, затенение, лайнворк и так далее.

Все это звучит ужасно сложно, но поверьте мне, многие люди обладают природным даром и делают это интуитивно. И все остальные могут научиться этому с помощью нескольких простых правил.

Выбор темы

Как и во всем в жизни, вкусы различаются. Некоторых художников вдохновляет пара старых лоскутных сапог, других — красивый закат над морем или хорошенькая девушка, чьи волосы развеваются на ветру.

Здесь есть только одно абсолютное правило: Если вы хотите создать интересное произведение искусства, вы должны сами выбрать тему, которая вас интересует.

Рисовать корзинку с фруктами, когда яблоки и виноград вас ничуть не интересуют, — пустая трата времени и таланта. Вы просто не сможете создать хорошее искусство, если вам все равно, что вы рисуете.

Создание искусства заключается в том, чтобы заставить других увидеть то, что видите вы, и если это «скука», то это то, что ваша законченная работа будет выражать зрителям.

Посмотреть в полном размере

Моне нравились его пейзажи

Посмотреть в полном размере

Дега любил своих балерин

Посмотреть в полном размере

Мане понравились люди

Найдите то, что вы действительно хотите нарисовать, а затем воплотите это в жизнь на своем холсте. Но я скажу так: иногда стоит немного подумать над предметом, прежде чем отбрасывать его как скучный.

Нарисовать пару ботинок, например, может показаться чересчур скучным, но при ближайшем рассмотрении их форма, материал, едва заметные потертости могут создать довольно интригующий мотив.

Перейдите по этим ссылкам, чтобы получить более конкретные советы по композиции пейзажей, натюрмортов, портретов или архитектуры.

Обрезка

Когда вы смотрите на объект, будь то пейзаж, натюрморт или человек, вы неизбежно видите больше, чем можете (или хотите) включить в свой окончательный рисунок.

Благодаря тому, как работают человеческие глаза, мы можем видеть не только то, что находится прямо перед нами, но и то, что находится немного сбоку, сверху или снизу. Однако холст представляет собой ограниченную плоскую двухмерную поверхность.

Например, если вы смотрите на свой задний сад, вам нужно решить, какие его части вы хотите нарисовать. Это может быть только небольшой пруд с кустами по краям, а может быть и вся территория от одной стороны забора до другой.

Ван Гог Натюрморт с луком (1889) интересно обрезает части бутылки слева и кофейника вверху.

Этот выбор автоматически повлияет на ваш фокус («главное событие», которое вы хотите, чтобы зритель заметил).

Если вы нарисуете весь задний сад, возможно, вы захотите, чтобы пруд был в центре внимания, потому что он естественным образом выделяется как интересная деталь. Если вы нарисуете только пруд, фокус будет его частью, например, кувшинками или небольшим водопадом.

Часто получается интригующий дизайн, если обрезать части целого. Вы можете, например, показать только части всей корзины с фруктами, а не целиком, или только верхнюю часть туловища вашей модели, а не с головы до ног.

Если вам сложно определиться с подходящим кадрированием, самый простой вариант — просто двумя руками создать квадрат, через который можно смотреть, и перемещать его дальше и ближе к объекту, чтобы увидеть, какой вид лучше всего подходит.

Конечно, вы также можете купить видоискатель или сделать его самостоятельно из картона.

Точки обзора

Угол, под которым вы показываете свою сцену, будь то сверху, снизу, крупным планом или издалека, оказывает огромное влияние на то, как зритель будет относиться к ней.

Если в качестве объекта съемки выступает семья, устраивающая пикник в парке, я могу заставить зрителя почувствовать себя частью сцены, показав ее крупным планом и с уровня глаз (в лоб).

Напротив, если я хочу, чтобы зритель чувствовал себя простым наблюдателем, я могу показать семью немного дальше и сидя ниже уровня глаз зрителя (вид с высоты птичьего полета).

Посмотреть в полном размере

с высоты птичьего полета

Посмотреть в полном размере

вид на уровне глаз

Посмотреть в полном размере

взгляд червяка

Хотя начинающему художнику ни в коем случае не следует чрезмерно усложнять вещи и слишком много думать о том, что он может нарисовать и как он может это нарисовать, всегда хорошо иметь некоторые базовые коннотации различных видов и ракурсов в в глубине души.

На самом деле, особенно когда предмет уже был нарисован много раз (например, обязательная корзина с фруктами), использование другого вида может сделать готовую работу намного интереснее, несмотря на «скучную» тему.

Правила математического проектирования

Мы не будем здесь вдаваться в подробности, так как это довольно сложная тема, о которой можно говорить неделями. Для начинающих и художников-любителей совершенно нормально знать только некоторые ключевые элементы и беспокоиться о более мелких деталях на более позднем этапе.

Как только художники прошлого придумали некоторые основные геометрические правила для создания сбалансированных и приятных композиций, пути назад уже не было. На самом деле, мы все еще используем их сегодня, иногда интуитивно, иногда преднамеренно.

Одним из наиболее часто используемых правил дизайна в искусстве и фотографии является Правило третей .

Правило третей, показанное в фильме Тернера «The Fighting Temeraire»

Холст разделен на девять частей, три по горизонтали и три по вертикали. Фокус, а часто и горизонт, располагаются на воображаемых разделительных линиях или их пересечениях, а не прямо посередине холста. Это часто делает произведение более интересным.

Другим популярным принципом проектирования является правило 70/30 . Различия и противоположности добавляют интереса как к жизни, так и к искусству. Этот принцип диктует, что должна быть разница между одной большей частью вашего произведения искусства (70%) и одной меньшей частью (30%).

Эта разница может заключаться во многих вещах, таких как маленькие фигуры и большие фигуры, детализированный рисунок и грубый заполнитель, прямые линии и изогнутые края, динамическая композиция и состояние покоя и так далее.

Правило 30/70 в картине да Винчи Голова девушки . 70% рисунка — это фон или грубый набросок, а 30% — сложные детали.

Естественно, есть много других, гораздо более сложных правил проектирования, которые придумали великие математики прошлого, но давайте не будем слишком усложнять.

Кроме того, иногда нарушение правил может привести к очень интересному произведению. Если вы чувствуете, что ваша фокусная точка находится посередине, вместо того, чтобы придерживаться правила третей, следуйте своей интуиции.

Цвета

Это еще одна тема, которая может стать настолько сложной, насколько вы позволите, но для новичка или любителя вполне достаточно просто знать некоторые полезные основы.

У большинства из нас в школе была хоть какая-то теория цвета. Я уверен, вы помните, что узнали о цветовой температуре .

Некоторые цвета, такие как красный, оранжевый и желтый, имеют естественное «ощущение» тепла, потому что они напоминают нам о теплых вещах, таких как солнце или огонь. Другие, такие как синий, фиолетовый или зеленый, кажутся холодными, потому что напоминают нам о «холодных» вещах, таких как трава или вода.

Но дело не только в ощущениях. Теплые цвета, как правило, выделяются на картине, в то время как холодные цвета отступают (из-за воздушной перспективы, создающей иллюзию того, что предметы, находящиеся дальше от нас, становятся более голубыми).

Основные цвета (чистый красный, синий и желтый) также привлекают внимание. Вторичные цвета смешиваются из двух основных цветов (например, оранжевый, зеленый и фиолетовый) и будут смешиваться еще немного. А третичных цветов , которые смешиваются из одного основного и одного вторичного цвета, еще менее бросаются в глаза.

Не случайно знаки остановки выполнены в теплых основных тонах, а ковры в офисах или стены спальни часто окрашены в более спокойные холодные тона. И, конечно же, это работает в искусстве так же хорошо, как и в реальной жизни.

Затем идет более широкая цветовая психология , где каждый цвет имеет определенное значение, например, зеленый представляет природу, а красный означает любовь или страсть.

Однако будьте осторожны с этим, так как это значение может различаться в зависимости от культуры, в которой вы живете. Белый цвет в Великобритании считается чистым и невинным, тогда как в Индии, например, он тесно связан со смертью и смертью. традиционно носят на похороны.

Существует дополнительных цветов , которые противоположны друг другу в цветовом круге. Размещение этих цветов рядом друг с другом может создать весьма драматические эффекты, особенно сочетание красного и зеленого привлечет много внимания.

Если вы ищете больше гармонии в своем произведении, вы можете вместо этого выбрать аналогичные цвета , которые расположены рядом друг с другом в круге, например, зеленый и синий или красный и оранжевый.

Разница между оттенками, оттенками и тонами — вот где все становится очень сложным. Честно говоря, большинство людей используют их взаимозаменяемо, поэтому вам совершенно не обязательно знать их точное значение на данном этапе. Тем не менее, вот краткий обзор для полноты:

Оттенок: На самом деле просто другое слово для обозначения цвета. Это включает в себя любой цвет в колесе, например. красный, оранжевый, бордовый, но не черный или белый, так как их нет в колесе. Все эти цвета чистые и более или менее яркие, в зависимости от того, является ли это первичным, вторичным или третичным цветом.

Оттенок: Любой оттенок/цвет с добавлением черного, делающего его темнее и тусклее.

Оттенок: Любой оттенок/цвет с добавлением белого, делающего его светлее и пастельнее.

Тон: Добавление белого и черного (так серого) цвета. Можно сделать светлее или темнее, но всегда тусклее.

Конечно, есть и другие компоненты хорошей композиции, такие как освещение, техника или негативное пространство, о многих из которых мы поговорим более подробно позже.

Хотя важно знать все аспекты композиции, а знание правил дизайна и теории цвета может оказать огромную помощь, когда вы застряли и ваша работа выглядит не совсем правильно, не менее важно не переусердствовать Это.

Если вы планируете сложный рисунок или картину, на которую у вас уйдут часы или даже дни, обязательно просмотрите контрольный список.

Но если вы просто делаете наброски для тренировки или развлечения, часто лучше просто, так сказать, «плыть по течению» и делать то, что кажется естественным.

Вам понравилась эта статья или вы хотите что-то добавить? Не стесняйтесь оставлять мне комментарии ниже!
Если вам понравился этот пост, пожалуйста, поделитесь им, чтобы другим он тоже понравился!

Показать 2 комментария

Мэри

Привет! Я Мэри, блогер и художник этого сайта. Я пишу обо всем, что связано с рисованием и живописью: упражнениях, техниках, материалах и многом другом.

Я изучал искусство и дизайн в Лондоне, но днем ​​работаю в сфере цифровых технологий. Я живу в Глазго, Шотландия, и я люблю пешие прогулки, японскую кухню и супер-преувеличенные книги о выживании.

Темы

  • архитектура
  • искусство
  • художники
  • сочинение
  • Рисование
  • упражнения
  • пейзаж
  • жизнь и хобби
  • материалы
  • перспектива
  • портреты
  • эскизный проект
  • натюрморт
  • городской скетчинг

Последние статьи

Вот 9 простых шагов для создания лучших композиций

0005

Великие композиции не возникают случайно. Они требуют планирования, терпения и знания всех визуальных элементов, находящихся в вашем распоряжении. Самое замечательное то, что независимо от того, насколько вы талантливы, вы всегда сможете улучшить свое искусство, набросав хорошую композицию, прежде чем начать.

Имея это в виду, вот 9 шагов для создания лучшей композиции:

1. Выберите хороший объект сочинять! Очевидно, что ваша композиция во многом зависит от того, что вы на самом деле рисуете или рисуете, поэтому выберите что-то интересное (по крайней мере, визуально) и всегда следите за тем, чтобы был хороший источник света с одного направления, чтобы дать объекту сильный свет и тень. Мне нравится рисовать вещи с большим количеством цветов, текстур, острых углов и т. д., так как это повысит интерес зрителя.

2. Выберите нужный размер

Насколько большим вы хотите изобразить объект? Масштаб искусства может изменить все его ощущение, поэтому важно иметь цель сделать объект больше или меньше, чем жизнь.

Например, большая картина диаметром 6 футов, которая увеличивает объект как пенни, будет иметь гораздо большее значение и значение, чем картина нормального размера с копейкой. Увеличивая объекты, вы увеличиваете их важность; уменьшение размера обычно уменьшает важность. Если вы не уверены, какой размер сделать, просто оставьте его как можно ближе к натуральному размеру.

3. Создайте свой собственный кадр

Часто самые сильные линии в произведении искусства — это четыре линии, которые большинство художников даже не думают контролировать. Края вашего холста или бумаги отвечают за содержание и форму вашего окончательного произведения искусства. Зачем довольствоваться рисованием внутри чужих линий? Сделай свой собственный! Если вы планируете рисовать небоскреб, обрежьте бумагу до высоты и ширины, необходимых для вашего объекта. Рисовать пейзаж? Почему бы не сделать холст шире для панорамного обзора? Это можно использовать для улучшения практически любого произведения искусства, поэтому обязательно подумайте об этом, прежде чем использовать стандартный холст или бумагу.

4. Подумайте о размещении

То, как вы размещаете фигуры на двухмерной поверхности, придает изделию важность, смысл и баланс. Центрирование объекта по вертикали, горизонтали или по обоим направлениям всегда придаст большей стабильности вашей работе, но в конечном итоге может показаться немного скучным или типичным.

Обрезание части вашего объекта по бокам, сверху или снизу обычно добавит визуального интереса, так как один объект заполнит все пространство. Следите за объектами, которые едва касаются краев, или за объектами, которые едва касаются границ вашей работы. Этот тип размещения неудобен, и его следует избегать.

5. Управляйте своими линиями

Любой выбранный вами объект будет иметь как минимум контур, а также другие линии, придающие ему глубину, текстуру и детализацию. Наши глаза естественным образом следуют линиям, так что используйте это в своих интересах, чтобы поймать взгляд зрителя. Пусть ваши линии текут к центру вашей работы или к местам, на которые вы хотите, чтобы зритель смотрел. Наклонные или изогнутые линии, как правило, добавляют больше визуального интереса и движения, но слишком много может быть хаотичным. Горизонтали и вертикали придают силу, солидность и внушительность, но могут быть скучными.

Не позволяйте линиям делить рисунок ровно пополам; например, с линией горизонта, проходящей через середину, или вертикально с деревом. Это вытянет зрителя из созданного вами пространства и отвлечет от изображения.

6. Сбалансируйте положительное и отрицательное пространство

Положительное пространство — это любой объект или форма, которые выделяются на фоне и воспринимаются глазом как «что-то». Негативное пространство — это фон или пространство вокруг объектов. Обычно рекомендуется оставлять примерно одинаковое количество положительного и отрицательного пространства, чтобы работа выглядела более сбалансированной. Если у вас недостаточно негативного пространства, ваше искусство может показаться перегруженным и переполненным, но слишком много негативного пространства может привести к тому, что работа будет казаться пустой и подавленной.

С другой стороны, вашим намерением может быть занятая, многолюдная картина, и использование большого количества негативного пространства часто помогает сфокусировать внимание на положительном пространстве, которое там есть. Вы можете выбрать, как вы хотите, чтобы ваше искусство чувствовалось, поэтому выберите баланс, который подходит для вашего предмета и стиля.

7. Добавить контраст

Визуальное искусство должно иметь полный диапазон значений от темного до светлого. Без ярких бликов и темных теней изображение часто кажется серым или размытым и менее интересным. Более темные области в преимущественно светлой части будут выделяться и привлекать внимание, то же самое справедливо и для обратной стороны. Используйте это, чтобы привлечь внимание, но следите за тем, чтобы не сделать это непреднамеренно. Убедитесь, что вы не добавляете акцента углу или краю картины, если ваш фокус должен быть в центре.

8. Упростите отвлекающие элементы

Слишком большое количество форм, линий или цветов может отвлекать или сбивать с толку зрителей. Если вы хотите, чтобы зритель постоянно обращал внимание на одну часть картины или возвращался к ней, упростите остальную часть. Решите, на чем должен быть фокус, и если ВАШ глаз отвлечется, измените его! Еще один способ упростить свое искусство — приблизиться к одному объекту. Опуская периферийные устройства и увеличивая масштаб до тех пор, пока весь кадр не будет заполнен только одним объектом, вы всегда будете привлекать внимание туда, куда вам нужно. Конечно, это резко изменит ваш положительный/отрицательный баланс.

9. Выбирайте цвета обдуманно

Насыщенный цвет привлечет внимание, поэтому используйте его целенаправленно там, где вы хотите, чтобы люди смотрели. Любой цвет, который находится в одиночестве в окружении другого цвета, также будет выделяться. Как и в случае с контрастом, это может произойти непреднамеренно, поэтому проверьте его в своей композиции.

Также имейте в виду, что теплые цвета (желтый, оранжевый и красный) будут делать объекты ближе к зрителю, поэтому используйте их для создания глубины и пространства. Холодные цвета (синий, фиолетовый и немного зеленого) заставят объекты отдаляться. Когда объект на «заднем плане» вашей картины слишком теплый, он будет отвлекать от общей композиции и привлекать внимание туда, где вы этого не хотите.

Наконец, я убежденный поклонник создания набросков в начале каждого творческого процесса, поэтому я всегда рекомендую рисовать разные композиции до тех пор, пока вы не почувствуете, что исчерпали все возможности. Если наброски вам не по душе, вы можете сделать кучу фотографий, а затем изменить их в цифровом виде, чтобы найти наилучшую композицию для вашего объекта.

Что бы вы ни делали, не беритесь за то, на что вы возлагаете большие надежды, не проработав каждый из вышеперечисленных шагов. Я гарантирую, что если вы будете следовать приведенным выше рекомендациям, вы будете поражены разницей между вашей окончательной композицией и тем, какой на самом деле была ваша первоначальная идея.

ПОЛУЧИТЕ EMPTYEASEL В СВОЙ ВХОДЯЩИЙ ЯЩИК

Мы будем присылать вам статьи и руководства сразу после их публикации, чтобы вы никогда не пропустили ни одной публикации! Отписаться здесь можно в любое время.

Этот пост может содержать партнерские ссылки.

Элементы дизайна при составлении чертежа

Композиция относится к организации, расположению и сочетанию объектов в границах пространства чертежа. Для отличного рисунка вам нужно направить взгляд зрителя в центр вашего интереса в рамках эстетически приятной композиции.

Хорошо составленный рисунок привлекает ваших зрителей. Многие «правила» определяют хорошую композицию, но эти правила — всего лишь рекомендации. Ваши личные предпочтения и природные инстинкты также важны.

При планировании общего вида чертежа необходимо знать следующее:

  • Фокус: Главный центр интереса (или фокуса) на рисунке.
  • Перекрытие: Визуальное разделение рисунка на передний план, средний план и удаленное пространство путем наложения (или наслоения) объектов.
  • Негативное пространство: Пространство на вашем рисунке, не занятое фокальной точкой, важным предметом или интересующей областью.
  • Линии: Инструменты навигации, используемые для навигации по различным элементам чертежа.
  • Баланс: Стабильное расположение предметов в композиции.
  • Контрастность: Крайности светлых и темных оттенков, которые создают формы и узоры в вашей композиции.
  • Пропорция: Количество места, выделенного для различных компонентов чертежа.

Подчеркивание фокуса

Рисунок становится гораздо более интересным, когда он имеет фокусную точку
— конкретную область, на которой зритель должен сосредоточить большую часть своего внимания при взгляде на рисунок.

Ваши рисунки иллюстрируют выбранные вами предметы с вашей собственной уникальной точки зрения. Подумайте о том, что вы хотите, чтобы ваш рисунок сказал, и выберите фокус, который поможет вам выразить это сообщение.

В портрете фокусом могут быть глаза, а в пейзаже это может быть одно конкретное дерево или цветок. Вы можете выбрать более одной области фокусировки на своем рисунке; в этом случае у вас есть первичный фокус и вторичный фокус(ы).

После того, как вы выбрали основную точку (или точки) интереса, вы можете использовать множество художественных приемов и приемов, чтобы выделить ее. На рисунке 1 семейство Хедде иллюстрирует следующие советы по акцентированию фокуса:

  • Всегда размещайте точку фокусировки не в центре композиции. Держись подальше от мишени. Фокусная точка, расположенная в самом центре вашего пространства для рисования, является большим НЕТ, если у вас нет особой выразительной или художественной причины для этого. Любой объект, который вы помещаете в мертвую точку, полностью захватывает внимание зрителя. Все другие важные элементы вашего рисунка могут быть проигнорированы, и рисунок потеряет свое влияние. На рисунке 1 главный член семьи Хедде показан справа от центра. Сначала ваш взгляд может интуитивно подойти к этой фигуре, но вы все равно заметите других членов семьи слева.
  • Эффективно используйте вторичные фокусные точки. Рисование менее интересных объектов вблизи основного фокуса помогает направить взгляд зрителя в центр интереса. На рисунке 1 ваше внимание привлекает небольшая группа членов семьи слева, но затем взгляды на этих фигурах направляют вас обратно прямо к основной фигуре справа.
  • Используйте объекты в пространстве для рисования, чтобы указать на фокус. Линии двух ступенек на платформе на рис. 1 направляют взгляд в точку фокусировки.
  • Определите фокус с большей детализацией и более сильным контрастом значений, чем другие аспекты вашего рисунка. Затенение волос, глаз и носа более детализировано в фокусе. Кроме того, очень темное значение используется для затенения зрачков его глаз и теней под ним.

Рис. 1: В семействе Headde первичный фокус опережает вторичные фокусы.

Перекрытие для единства и глубины

Перекрытие объектов или размещение одних объектов поверх (или впереди) других объединяет рисунок, увеличивает глубину резкости и создает эстетически приятную композицию.

Внимательно наблюдайте за своим объектом, прежде чем начать рисовать, и спланируйте места, где вы можете использовать перекрытие. Чтобы перекрыть объекты на рисунке, вы просто рисуете более близкие объекты перед более удаленными. Например, если два дерева появляются в сцене рядом друг с другом, рассмотрите возможность их рисования таким образом, чтобы одно было немного впереди другого. Когда вы перекрываете объекты, вы создаете сильную трехмерную иллюзию.

На рис. 2 более крупный ребенок (с густыми волосами) находится на переднем плане , (на переднем плане), светловолосый взрослый и младенец — на среднем плане , и темноволосый взрослый (с сварливым выражение лица) находится в дальнем пространстве (позади остальных).

Рисунок 2: Создание глубины путем наложения объектов.

Использование линий в своих интересах

В мультипликационном рисунке на рисунке 1 линии, очерчивающие членов семьи и предметы, равны 9.0037 фактических строк.
Линии ступенек, на которых стоит самый большой персонаж, указывают на него. Но, конечно, жирные черные линии, как в этом мультфильме или на рисунке из книжки-раскраски, не обводят объекты в реальном мире вокруг нас.

Репрезентативные рисунки, включающие реалистичные трехмерные объекты, могут использовать подразумеваемых линий для усиления композиции. Это означает, что линии, которых на самом деле нет, но образованы (или подразумеваются) краями форм объектов на вашем рисунке.

По ведущей линии

Эффективные направляющие линии могут приглашать и побуждать зрителя войти в пространство для рисования, изучить фокус и задержаться, чтобы исследовать множество граней композиции.

Для навигации по нерепрезентативному чертежу можно использовать как фактические, так и подразумеваемые линии. Однако в репрезентативном рисунке направляющие линии обычно подразумеваются, а не на самом деле. Например, в реалистичном пейзажном рисунке направляющей линией может быть тропинка, река, ряд деревьев или забор. При правильном отображении глаз следует за этой линией (или линиями) прямо в рисунок и сквозь него.

Большинство зрителей начинают смотреть на рисунок в левом нижнем углу, что делает этот угол лучшим местом для направляющей линии.

Размещение направляющих линий в правой части рисунка может отвлечь внимание зрителя от вашей композиции. Кроме того, не размещайте направляющие линии точно в углу. Когда направляющая линия указывает прямо на угол, она образует форму наконечника стрелки, направляя зрителя прямо за пределы рисунка, так же эффектно, как большая жирная неоновая вывеска «ВЫХОД».

Выстраивание эмоций с помощью линий композиции

Разные типы линий привносят в ваши композиции разные эмоции и настроения. Помните о следующих эффектах, которые линии могут иметь на ваших рисунках:
  • Изогнутые линии отражают красоту, нежность и спокойствие. S-образная кривая означает равновесие и изящество.
  • Горизонтальные линии создают стабильность, покой и безмятежность.
  • Вертикальные линии отражают силу, величие и достоинство.
  • Диагональные линии создают ощущение движения и силы. Когда диагональные линии встречаются, образуя стрелку, они могут направлять взгляд зрителя.

Балансирующие предметы в композиции

Большинство хороших рисунков являются результатом тщательного планирования баланса различных предметов. Сбалансированный рисунок более эстетичен и гармоничен. При создании этого баланса вы должны учитывать размеры, размещение и ценность предметов.

Игра на качелях

Подумайте о своих предметах рисования на качелях. Если ваши предметы одинакового размера, то они прекрасно уравновешиваются при одинаковом расстоянии от центральной точки, как на первом рисунке на рисунке 3. С другой стороны, крошечный объект с одной стороны уравновешивает более крупный объект с другого конца. , находясь дальше от центральной точки, как на втором чертеже на рис. 3.

Рисунок 3: Балансировка предметов одинаковой и разной массы.

Без баланса ваши рисунки могут получиться визуально однобокими и негармоничными. Конечно, если вы хотите, чтобы конкретный предмет рисования казался неприятным и раздражающим, использование несбалансированной композиции может помочь.

Расположите предметы асимметрично. Более высокие объекты обычно лучше смотрятся сбоку.

Балансировочные величины и формы

Массы светлых и темных значений становятся формами. Эти формы необходимо определить и спланировать до того, как вы начнете рисовать.

Сбалансируйте темные и светлые оттенки в пространстве для рисования почти так же, как и объекты. Группирование всех темных объектов или всех светлых объектов на одной стороне пространства для рисования может создать визуально неравномерную композицию. Иногда простое перемещение объектов немного вправо или влево в пространстве рисования или их осветление или затемнение по сравнению с их фактическими значениями может сбалансировать композицию.

Размещение в группе нечетного количества объектов (а не четного) делает композицию более художественно приятной. Балансировать три объекта с одной стороны композиции и пять с другой гораздо интереснее, чем статичное расположение четырех по обе стороны

Передача пропорций вашим подданным

Когда вы планируете рисунок, вы должны решить, насколько большим должен быть каждый объект в композиции. Соотношение каждого элемента по отношению к другим зависит от того, что вы хотите подчеркнуть в своей композиции.

Вы можете использовать свой творческий ум, чтобы помочь вам принять решение о пропорциях в вашей композиции. Задайте себе следующие вопросы:

  • Что я считаю самым важным в этой композиции? Ответ на этот вопрос может решить, какой должна быть ваша фокусная точка (центр интереса).
  • Где я должен разместить свой фокус и какую часть моего общего пространства для рисования должен занимать мой фокус? Многие новички выбирают в качестве фокуса самый большой объект на рисунке.
  • Какая часть моего формата рисунка должна быть фоном (негативным пространством)? Негативное пространство иногда рассматривается как место отдыха для глаз зрителя.

Как создать набросок композиции

Создайте набросок композиции, чтобы спланировать и упорядочить структуру вашего произведения искусства перед началом работы. Таким образом, вы можете убедиться, что пропорции правильные, а картина выглядит гармоничной и хорошо сбалансированной.

Если ваша эталонная фотография не соответствует действительности или вы рисуете по воображению, планирование эскиза композиции поможет вам объединить все различные элементы произведения искусства. Это также поможет вам спланировать, как вы будете создавать желаемые эффекты в картине. Например, хотите ли вы вызвать чувство драмы или покоя.

Отказ от ответственности. Учебники по изобразительному искусству поддерживаются читателями. Когда вы совершаете покупки по ссылкам на этом сайте, мы можем получать небольшую комиссию без каких-либо дополнительных затрат для вас.

Как создать эскиз композиции: процесс

Это пример того, как можно спланировать композицию картины. Процесс планирования композиции с помощью эскиза начинается с серии небольших эскизов, а затем переходит к изучению ценности, на основе которой вы можете основывать свое окончательное произведение.

Винсент Ван Гог: Терраса кафе ночью и два значения notan

Вы также можете создать notan перед созданием исследования стоимости. Нотан — это черно-белое изображение вашей картины. Это может быть полезно, потому что преобразует изображение всего в два значения, что позволяет художнику видеть широкие массы значений и абстрактные формы и формы. Таким образом, вы можете спланировать дизайн пространства, а также самые темные и самые светлые формы в произведении, чтобы создать ощущение баланса. Вы также можете спланировать, как вы разместите фокус на картине и направите взгляд зрителя, используя значения и размещение элементов. Это необязательный шаг, но он может быть полезен!

Шаг 1: Нарисуйте серию небольших эскизов

Нарисуйте несколько небольших прямоугольников в альбоме для рисования или Photoshop , если вы предпочитаете планировать композицию произведения искусства в цифровом виде. Хороший совет — разделить каждую коробку на сегменты, например, на трети, чтобы вы могли структурировать и располагать элементы геометрически. Сделайте столько маленьких набросков, сколько захотите, обратитесь к своему эталону картины и подумайте, как вы можете переставить элементы, чтобы создать баланс и направить взгляд зрителя в фокус.

Целью этого шага является планирование структуры произведения искусства и размещение основного фокуса. На этом этапе вам не нужно тратить время на какие-либо детали или штриховку.

Следующим необязательным шагом является создание эскиза значений.

Шаг 2. Создание исследования ценности

Ценности — это основа картины. Это не обязательно, но может быть полезно спланировать широкие тональные массы в картине и установить, где будут располагаться самые светлые и самые темные оттенки и как они будут соотноситься друг с другом. А Значение исследования можно заполнить карандашом, красками или в цифровом виде. Выберите свой любимый эскиз эскиза и нарисуйте значения, сосредоточив внимание на контрасте между тенями и бликами.

Шаг 3: Спланируйте цветовое сочетание

В зависимости от вашего стиля рисования вы можете спланировать цветовую схему , чтобы создать ощущение гармонии в вашей работе. Опять же, это необязательный шаг, но он может быть полезен, если вы рисуете в более выразительном стиле с более сюрреалистичным подходом к 9.0071 смешивание цветов или, если вы новичок и плохо знакомы со смешиванием цветов. При создании цветового исследования поэкспериментируйте с цветовой температурой, насыщенностью и тем, как это влияет на восприятие произведения искусства.

Шаг 4: Соберите свои референсы и получите картину

Используйте материалы, которые вы сделали, чтобы создать свою картину. Вы можете использовать метод сетки , чтобы масштабировать набросок композиции на холсте, чтобы создать точный рисунок. Посмотрите на свое исследование, чтобы узнать о размещении и балансе теней и бликов на вашей картине. Затем используйте свои цветовые исследования, чтобы узнать, как вы будете смешивать цвета в своей работе. Обратитесь к ссылке на фото для получения информации о деталях в живописи.

Основные принципы композиции 

Композиция  – это расположение различных визуальных элементов, обеспечивающее контекст и значение для зрителя. Идея композиции субъективна и основана на ряде решений, принятых художником о размещении различных предметов и объектов на картине, чтобы показать, как они соотносятся друг с другом.

Ван Гог: Ирисы

Визуальные элементы: линия, форма, цвет, значение , текстура, форма и пространство. Их можно расположить так, чтобы создать баланс, фокус, впечатление движения, контраста, узора и пропорции. Например, в картине Ван Гога «Ирисы» он использует форму, цветовую форму и пространство, чтобы равномерно распределить цветы по холсту, а не сосредоточить их только в одной области. Это создает ощущение равновесия и единства.

Клод Моне: Закат на Сене

Можно использовать дополнительные композиционные приемы, такие как создание симметрии, отрицательное пространство, упрощение изображения или использование элемента обрамления. Другой пример — картина Клода Моне «Закат на Сене». Моне обрамляет закат нейтральной темной травой на переднем плане; это уводит взгляд к горизонту.

Посмотреть этот пост в Instagram

Пост, опубликованный Эмили | Художник маслом (@emilyclare.art)

В этой картине французских Альп, которую я закончил в 2020 году, я использовал пропорции, чтобы горы справа отдавались вдаль. Я также решил создать драму с резким контрастом между оттенками снега и неба. Однако я использовал ограниченная палитра для создания единства. Еще одна композиционная техника, которую я использовал в этой картине, это правило третей . Это тип геометрического каркаса, используемый для создания ощущения баланса в картине.

Зачем делать набросок композиции?

Композицию можно улучшить и развить с практикой. Продумывая макет и структуру картины перед тем, как начать, художники могут гарантировать, что их картина будет максимально эстетически приятной. Сначала спланируйте расположение всех различных визуальных элементов, чтобы убедиться, что произведение передает предполагаемое значение и оказывает максимальное воздействие.

Во многих случаях требуется дополнительное планирование для достижения более эффективной композиции. Может случиться так, что вы работаете с воображением или комбинируете несколько референсов, и вам нужно спланировать картину, чтобы убедиться, что предметы соответствуют сцене. А может быть, вы рисуете комиссию. В этом случае создайте план, который поможет вам нарисовать наилучший образец для вашего покупателя.

Какие материалы вам нужны для наброска композиции?

Для создания наброска композиции не требуется много материалов. Существует также несколько способов создания эскизов композиции.

Для создания небольших набросков или эскизов вам понадобятся карандаши , альбом для рисования , ластик и точилка

Если вы хотите создать макет в цифровом виде, используйте любую программу, например Photoshop с графическим планшетом для создания рисунков или цифровых картин. Или вы можете использовать iPad с Apple Pencil и приложение вроде Procreate .

Еще один способ создания быстрых набросков композиции — гуашевая краска . Гуашь представляет собой непрозрачную водорастворимую среду, которая при высыхании смачивается. Он работает почти так же, как акварель, в том смысле, что его легко настроить и очистить, но вы можете накладывать краску, как акрил, из-за его непрозрачности. Это дает возможность работать от темного к светлому. Получите набор гуаши , небольшой размер акварельной бумаги , кисти для акварели и начните планировать свою композицию.

Редактирование фотографии: обрезка, настройка цветов

При работе с эталонной фотографией полезно, чтобы эталонная фотография точно напоминала композицию, которую вы хотите создать на своей картине. Легко изменяйте эталонную фотографию с помощью таких программ, как Photoshop , обрезая оригинал.

В качестве альтернативы внесите некоторые основные исправления, чтобы изменить значения и тона изображения. Или измените цветовую температуру, чтобы сделать цвета более теплыми или холодными — это может сделать фотографию цельной. Еще один способ спланировать цветовую композицию — использовать необработанный фильтр камеры для цветовой градации изображения.

Если вы объединяете несколько ссылок, создайте коллаж. Например, используйте инструмент быстрого выбора , чтобы выбрать определенные элементы на фотографии, чтобы вырезать их. Вы можете заменить небо на одном изображении и вставить его в новый пейзаж, используя эту технику.

Эскиз-миниатюра

Чтобы создать эскиз-миниатюру, нарисуйте в альбоме для эскизов небольшую рамку, которая имеет примерно те же пропорции, что и поверхность, которую вы будете использовать для финальной части. Наметьте, где вы хотите расположить все различные элементы изображения, и опустите любые мелкие детали. Подумайте о пропорциях и расположении главного предмета, линии горизонта и любых других преобладающих чертах картины или рисунка. Подумайте о негативном пространстве, ценностях и о том, как различные элементы соотносятся друг с другом.

Попробуйте применить некоторые композиционные приемы к своим эскизам, чтобы увидеть, как они работают. Подумайте о геометрической структуре холста, например, используйте правило третей или пространственные разделители для сегментации предметов и второстепенных предметов. Создайте несколько эскизов эскизов и решите, какой из них кажется вам наиболее эстетичным.

Создание цифрового макета

Если вы хотите создать цифровой макет, Photoshop — отличный инструмент для быстрого создания цифровых картин и рисунков.

Загрузите несколько кистей Photoshop , которые имитируют эффекты карандаша, масляной краски или акварели для более реалистичных эффектов.

Возьмите Photoshop и графический планшет и нарисуйте на монтажной области, чтобы решить, где будут располагаться основные элементы изображения. Переключайте цвета и значения, чтобы спланировать идеальную композицию для вашего произведения. Не забудьте создать новый слой для каждого элемента, чтобы области легко отделялись или удалялись в случае ошибки. Пройдите этот курс Skillshare, чтобы освежить свои навыки на цифровая живопись в фотошопе . Полный пакет Adobe также можно использовать на iPad , если вы предпочитаете работать таким образом. Photoshop имеет множество применений для художников, помимо планирования композиций и редактирования эталонных фотографий. Используйте его для оцифровки произведений искусства, готовых к печати, или редактирования изображений, готовых для публикации в социальных сетях. Если вы заинтересованы в использовании Photoshop для решения различных задач, связанных с искусством, прочитайте наше руководство Photoshop для художников .

Отличный бесплатный инструмент для всех — Adobe Color . Спланируйте цветовые схемы , как триадные или дополнительные, для создания гармонии, баланса и контраста в вашем искусстве. Если вы являетесь подписчиком Adobe, вы можете сохранять цветовые палитры и использовать их в своих произведениях Photoshop.

Многие художники работают с iPad , Apple Pencil и Procreate для создания цифровых макетов и цифрового искусства. Procreate — отличный вариант, он интуитивно понятен и прост в использовании. Procreate имеет аналогичную функциональность Photoshop. Посмотрите этот курс о том, как создавайте красивые композиции в Procreate , чтобы научиться планировать композиции в произведениях искусства с помощью программного обеспечения.

Создание эскиза композиции гуашью

Что такое метод рисования сетки?

Метод рисования сетки заключается в простом создании сетки на исходной фотографии, а также на поверхности, на которой вы рисуете изображение. Для этого требуется использовать сетку с квадратами одинакового размера, но сетка на эталонной фотографии и сетка на поверхности для рисования не обязательно должны быть одного размера. Они просто должны иметь одинаковое количество квадратов.

Создание сетки

При создании сетки я использую несколько различных инструментов. Если я работаю над фотографией, которая находится на моем телефоне, я использую бесплатное приложение, которое накладывает сетку на фотографию. Если я использую распечатанные фотографии, я использую кусок прозрачного ацетата или конверт и несмываемый маркер, чтобы нарисовать сетку на поверхности. Затем я могу поместить эту сетку поверх своих фотографий, чтобы легко использовать ссылку на сетку. Для своих эталонных изображений я обычно использую квадраты размером ¾ дюйма или 1 дюйм, но настраиваюсь на больший размер, если использую большую эталонную фотографию.

Создание сетки на поверхности для рисования

Следующим шагом является создание сетки на поверхности для рисования. Идея состоит в том, чтобы использовать то же количество квадратов, что и в исходном изображении. Обратите внимание, что это не означает, что квадраты должны быть одинакового размера. Используя то же количество квадратов на моем рисунке, что и на моем эталонном фото, это позволяет мне легко нарисовать свое изображение.

Метод рисования сетки позволяет разбить изображение на части. Как только ваша сетка будет на месте, вы начнете с первого квадрата. Глядя на то, что находится в первом квадрате контрольной фотографии, вы можете легко нарисовать то, что видите в квадрате. Правильно рисовать в перспективе намного проще, потому что вы не пытаетесь нарисовать все изображение, а сетка дает вам ощущение масштаба. Вместо этого вы рисуете один крошечный кусочек изображения. Как только вы нарисуете то, что находится на первом квадрате, вы переходите на второй квадрат и делаете то же самое, пока не нарисуете все изображение.

Преимущества рисования по сетке

Увеличение изображения

Преимущества рисования по сетке заключаются в том, что если вы пытаетесь увеличить изображение для рисования или рисования на большей поверхности, это действительно может помочь с определением масштаба. То, что может быть 1-дюймовым квадратом на вашей эталонной фотографии, может быть 4-дюймовым квадратом на вашем холсте. Это отличный способ увеличить изображение, если вы не уверены в увеличении масштаба, рисуя от руки.

Быстрое изложение идей

Рисование по сетке также поможет вам быстро изложить свои идеи. Может показаться, что нанесение сетки на поверхность занимает много времени, но, как правило, это быстрее, чем рисование от руки, если вы новичок в рисовании. Это помогает мне обрести уверенность, поскольку мне не нужно гадать, правильная ли композиция моего рисунка.

Чем может быть полезна сетка

На одном из уроков рисования, на котором я недавно был, я увидел такой пример. Я работал на холсте размером 30 на 40 дюймов и не был полностью уверен, что смогу точно добавить свой объект на холст. Эталонное фото, которое я использовал, было изображением 8×10. Я потратил несколько минут, чтобы рассчитать размер сетки, масштабировал ее для своего холста и нарисовал сетку.

Когда я добавляю сетку на холст, я использую пастельные карандаши, чтобы сетку можно было легко покрыть краской. За пару минут я нарисовал основную форму своего животного и смог приступить к работе над своим рисунком. Это отличный способ быстро и точно изложить свои идеи, не зацикливаясь на том, верна ли ваша точка зрения.

Что было интересно, так это то, что мне потребовалось время, чтобы нарисовать сетку, закрасить базовую форму и начать заполнять области цветом; одна из других учениц продолжала бороться с композицией, потому что решила не рисовать сетку. Я говорю это не для того, чтобы критиковать, а для того, чтобы подкрепить свою точку зрения. Долгое время я считал, что рисование сетки займет слишком много времени. Часто я просматривал свою картину и понимал, что мои глаза были не в том месте. Мне приходилось закрашивать участки моей картины и начинать заново. Используя сетку, я экономлю время, нервы и, как правило, получаю лучшую композицию.

Настройка положения и перспективы

Рисование сетки также отлично подходит для настройки положения и перспективы. Если вы хотите, чтобы на рисунке или картине было меньше фона, а ваш объект был больше, это может быть так же просто, как настроить квадраты, на которые вы ссылаетесь для своего рисунка. Я обычно использую комбинацию правила третей и рисования сетки, когда выбираю и выкладываю свою композицию.

Что такое правило третей?

Как фотограф, я много лет использую правило третей в своих фотографиях. Когда я начал рисовать, я понял, как много художников не знают о правиле третей или умеют его применять. Я видел талантливых художников, которые рисовали прекрасные картины, но у них были проблемы с композицией.

Правило третей берет вашу фотографию или изображение и делит его на трети как по горизонтали, так и по вертикали. Когда вы это сделаете, у вас будет 4 точки пересечения. Эти точки считаются вашими «золотыми пятнами» в композиции. Если ваш объект касается одной из этих 4 точек или находится близко к ней, это создаст более сильную композицию. Вот почему рисунки с объектом прямо в центре кадра не всегда очень интересны.

В видео выше я показываю, как вы можете использовать правило третей, чтобы настроить изображение, чтобы сделать его сильнее. Внося небольшие изменения, можно сделать общий рисунок более интересным и динамичным.

На этой фотографии показано, как можно немного изменить сетку правила третей, чтобы сделать композицию более сильной.

Как насчет тебя?

Вы когда-нибудь пробовали использовать метод рисования сетки или правило третей в своих рисунках или картинах? Я хотел бы услышать ваш опыт с ним. Если нет, я бы порекомендовал вам попробовать. Я нашел эти методы полезными и эффективными для получения максимальной отдачи от моего творческого времени. Если у вас есть какие-либо вопросы о том, как рисование сетки может улучшить композицию, я хотел бы поговорить с вами об этом. Пожалуйста, оставьте комментарий ниже или свяжитесь со мной напрямую. Я хотел бы начать разговор или быть в состоянии помочь вам в вашем художественном путешествии.

Композиция: как привлечь внимание в кадре

Художественная разбивка

Введение

Ключевое слово — «приятный». В этой статье мы рассмотрим много теории, но, в конце концов, нам нужно понять, что мы попытаемся получить изображение, на которое приятно смотреть.

Эта статья представляет собой подробный обзор композиции, упомянутой в нашей статье о визуальном повествовании

Что делает изображение приятным для просмотра?


В Интернете можно найти множество произведений искусства. Я думаю, что первое, что художник должен сделать, прежде чем начать новый проект, — это погрузиться в Artstation, Behance, CGSociety или любую другую платформу, полную отличных форумов художников, и просмотреть все потрясающие произведения искусства, которые вы можете найти. бесчисленное количество раз я заходил на Artstation, выбирал предмет архитектурной визуализации и просто прокручивал, как будто завтра не наступит. С этого момента и далее мы войдем в область субъективности, так что каждое правило будет служить руководством и не более того.

Во время этого упражнения по просмотру произведений искусства вы обнаружите, что некоторые работы более приятны, чем другие. Конечно, этому может быть несколько причин, но даже если мы смотрим на великолепные произведения искусства, мы можем обнаружить, что в некоторых из них, в которых реализованы все технические аспекты моделирования, текстурирования, освещения и рендеринга, отсутствует ключевой элемент. — тот элемент, который удерживает нас на холсте, поэтому из-за его отсутствия путешествие нашего взгляда заканчивается кораблекрушением по кадру. Определенной точки интереса нет. Наше внимание просто бродит вокруг, и мы переходим к другому произведению искусства.

Какой магический элемент отсутствует? никто. Просто математика. Чтобы поместить всю эту идею в контекст, мы должны вернуться в пятый век до нашей эры, когда греческие математики осознали, насколько важным было золотое сечение, как мы его называем сейчас, в геометрии правильных пентаграмм и пятиугольников. Но только в 300 г. до н.э. было придумано первое известное определение:

«Говорят, что прямая линия разрезана в крайнем и среднем отношении, когда, как вся линия относится к большему отрезку, так и больший отрезок. меньшему».

С этого момента и далее в истории золотое сечение изучалось, анализировалось, интерпретировалось и чрезмерно использовалось большим количеством художников, писателей, архитекторов и так далее. Но именно Лука Пачоли опубликовал в 1509 году книгу под названием Divina Proportione , в которой иррациональное число связывается с концепцией приятного и гармоничного в художественном смысле.

Субъективность правды


Итак, кто-нибудь может сказать, хорошо ли произведение составлено с точки зрения баланса, напряжения и фокусных элементов? Да, но на основе этих руководств, которые понимались как правила приятных и гармоничных картинок. Не существует абсолютного правила, которое позволило бы нам понять абсолютную красоту, тем не менее, когда мы видим произведение искусства, то чувствуем себя хорошо, когда оно хорошо сочинено, так же, как в музыке мы слышим приятный ритм или наслаждаемся гармонией резонирующего аккорда. У нас математика давно ассоциируется с гармонией и приятностью. Почему? Что ж, это можно проанализировать в антропологической статье. Сегодня мы собираемся использовать некоторые из руководств, которые мы знаем и понимаем, как их использовать и как эти руководства улучшают нашу работу.

Направляющие композиции внутри вашего программного обеспечения


Теперь, когда я коснулся поверхности этой огромной темы, как вы можете начать тестирование в предпочитаемом вами программном обеспечении 2D/3D? Ну очень легко.

В моем случае я использую Blender, и в этом программном обеспечении вам нужно добавить камеру и найти параметры отображения области просмотра в значке камеры. Вы найдете множество руководств по композиции, с которыми можно поиграть. Я уверен, что это будет так же просто в любой 3D-программе.

Золотое сечение выражается в виде прямоугольников и квадратов, подобно тому, как выражается последовательность Фибоначчи. Схождение между последовательностью Фибоначчи и золотым сечением было замечено немецким математиком в 1564 г.

Золотое сечение и старая добрая центральная диагональ


На изображении выше вы можете видеть, как точка интереса была преднамеренно помещена именно там, где сходится золотое сечение.

Есть много способов поиграть с композицией. Я упомяну три элемента, которые вы можете использовать, чтобы повлиять на композицию кадра.

Вы можете перемещать камеру с точки зрения камеры с помощью направляющей композиции, выбранной в качестве наложения, пока не найдете хорошее кадрирование, которое вам нравится. Другим вариантом может быть фиксирование камеры в точке и игра с формами, пока вы не получите желаемое напряжение или баланс внутри кадра. Но у вас есть третий элемент — свет.

Свет является ключевым элементом для привлечения внимания к нужному месту. Он помогает показать мелкие частицы, плавающие по всей области схождения, добавляя жизни, движения, гравитации и приятного ощущения легкости.

На изображении выше вы можете видеть, как эта композиция привлекает внимание к машине. Как я уже говорил выше, свет может быть мощным инструментом для балансировки композиции. В этом случае свет будет бороться с автомобилем за ваше внимание и будет пытаться провести взгляд по этим центральным диагональным линиям.

Я, конечно, могу рисовать линии вдоль множества кусков и пытаться найти композицию под любым гайдом, но нельзя отрицать, как приятно выглядит изображение, когда фокус попадает в точку питания.

Правило третей


Первый регистр правила третей в книге был в восемнадцатом веке. В нем английский художник по имени Джон Смит обсуждал баланс тьмы и света в картине с очень разрушительной и личной точки зрения.

Субъективная точка зрения Джона Смита заявила, что в картине или произведении искусства следует избегать факта наличия двух разных одинаковых источников света. Всегда должно быть одно, подчиненное другому.

Мы можем понять этот образ мышления, если проанализируем ядро ​​империалистической цивилизации, которая считает неуместным баланс между светом и тьмой.

Но если оставить в стороне идиосинкразию правила, первоначальная концепция заключалась в попытке добиться приятного изображения, позволяя темной или светлой части картины занимать две трети всего холста.

Джон Смит также считал хорошей идеей использовать это правило, когда различные линии на изображении нарушают однородность цветов. Хорошим примером этого может быть пейзаж, когда небо может занимать две трети верха, а холм занимает только одну треть холста.

Вы можете увидеть в моем следующем материале, как это считалось, чтобы сбалансировать небо и землю после утверждений Джона.

Это так называемое правило на самом деле является руководством, поэтому не чувствуйте себя связанными им, это не законы, а простые руководства, которые можно согнуть и даже сломать.

Правило третей можно использовать для размещения предметов внутри куска. Пересечения между этими четырьмя линиями создают четыре точки внимания, которые могут быть заполнены чем угодно, что вы хотите, чтобы зритель чувствовал интерполяцию.

На изображении выше я использовал точки внимания, чтобы сфокусироваться на стуле, столе, а в левом верхнем углу я хотел сфокусироваться на отсутствии того, что должно было там быть: книжной полки. Я также пытался добиться умеренного напряжения.

В этой работе я попытался использовать диагонали, чтобы добавить драматизма сцене, используя свет для борьбы с тьмой почти в равных долях. Как вы заметили, у меня нет империалистического стержня.

Золотой треугольник

Это менее известное руководство по композиции из всех руководств, которые вы найдете внутри окна просмотра камеры в предпочитаемом вами программном обеспечении для 3D/2D.

По моему мнению, если вы сможете использовать его правильно, вы получите очень драматичный ракурс, который создаст сильное напряжение на финальном холсте.

Вам будет трудно отличить эту композицию от других художников, но если вы ее найдете, то сразу узнаете. Обычно это достигается за счет использования широкоугольных объективов камеры или сложного кадрирования.

В итоге у вас получится 4 треугольника, один из которых нужно заполнить основным предметом вашей работы. Для этого за счет диагонали, которую дает треугольник, нужно расположить объект таким образом, чтобы он плавно двигался по холсту по идеальной диагонали из одной точки кадра в противоположную.

Вы можете видеть, как я заполнил весь нижний треугольник предметами, привлекающими внимание, и как все драйверы цвета расположены по большой диагонали.

Заключение

Как и в любом аспекте жизни, вы найдете людей, которые любят руководства по композиции и живут ими, и людей, которые думают, что это мусор.

Как рисовать композицию: Рисование Композиции — Как Нарисовать Композицию

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.

Пролистать наверх