Любое произведение искусства, будь то картина, симфония или же кино, несомненно требует того или иного построения, структуры. Иначе говоря — композиции или компоновки. В музыкальных произведениях — это расположение нот, в кино — это тщательно составленный сценарий, ну а в иллюстрации, фотографии и живописи — это расположение объектов на рабочей поверхности.
Именно о композиции в рисовании и пойдёт речь в этой статье.
Любая иллюстрация или рисунок состоит из объектов, которые, в свою очередь состоят из линий и форм. Композицию в целом определяют также цвета, тени, контраст, текстура, формы и пропорции объектов.
Задача художника расположить объекты, цвета и тени в определённом порядке, чтобы это всё складывалось в гармоничную картину.
Существует несколько основных правил при составлении композиции. Давайте рассмотрим основные из них на наглядных примерах.
Правило трёх третей
Разделение рабочей поверхности на 9 равных квадратиков, как показано на рисунке.
Делается это для того, чтобы расположить центральный объект максимально гармонично с другими элементами композиции, видя таким образом чётко центр рабочей поверхности,и её периферийные зоны.
Итак, центральный объект присутствует в каждой композиции. В данном случае это парусник. Как мы видим, часть кораблика выступает в центральную зону фотографии, а его остальные части приходятся на верхнюю и среднюю правые зоны.
Давайте рассмотрим другой пример:
Здесь вступает в силу ещё одно правило — любая композиция, будь это фотография или рисунок, всегда более выигрышно смотрится с центральным объектом, смещённым хоть немного от центра в какую бы то ни было сторону. Буквально несколько сантиметров от центра в край — и композиция уже превращается из посредственной в интересную и живую.
Угол или ракурс объектов
Порой художник выбирает нестандартное положение объекта. То есть, рисует его таким образом, что он будто расположен под неким углом, например “вид сверху” или же наоборот “вид снизу” — возможности безграничны. Есть в рисовании такое понятие как перспективное сокращение — изменение размера объектов с целью придать рисунку эффект трёхмерного пространства.
Здесь-то и начинаются сложности у художников — ведь определенный ракурс требует сокращения отдельных пропорций предмета в перспективе. Иными словами, если рисуется например человек в положении “вид сверху”, то его голова будет большой, а тело и ноги очень маленькими, так как происходит сокращение в перспективе — чем дальше от зрителя та или иная часть объекта, тем меньше она будет в размерах, и наоборот. Давайте рассмотрим на примере:
Мы видим, что голова девушки на первом рисунке имеет огромный размер, тогда как её руки очень малы по сравнению с головой, а тело и вовсе видно не целиком. А всё потому, что художник расположил её таким образом, чтобы создался эффект “вид сверху”. Тело объекта словно уходит “вниз”. На второй картинке дорога уходит вдаль от зрителя, создавая эффект дальнего расстояния, сужаясь вдалеке.
Работа с перспективой сама по себе нелегка и требует постоянной практики. Здесь важно поделить лист на условные линии, которые уходят как бы “вглубь композиции”, в зависимости оттого, какое направление художник выбрал для построения объекта.
Таким образом, на первом рисунке линии уходят вниз, имея наибольшую дистанцию между собой вверху, становясь всё уже до тех пор, пока не пересекутся где-то в районе ног девушки (даже если в данном рисунке ног не видно).
На второй же композиции линии уходят от зрителя в даль. Работая с расстоянием, можно и даже нужно не ограничивать себя только двумя линиями, их количество может быть каким угодно. Главное помнить, что условные линии рано или поздно пересекутся между собой в единой точке, в этом направлении и стоит сокращать все объекты в композиции. Это будет поначалу очень даже нелегко, однако, овладев успешным применением перспективного сокращения, художника ждет стопроцентный успех в составлении любой композиции. Так что игра стоит свеч!
Правило нечётности
Правило гласит, что композиция с нечётным количеством предметов всегда смотрится интересней и выигрышней, нежели композиция с чётным количеством. Это связано с тем, что смотрящий подсознательно группирует композицию с чётным количеством элементов, таким образом теряя центральный объект.
Казалось бы, на обеих картинах лошади, но картина с тремя смотрится более интересно по сравнению с композицией, где присутствует два коня.
Помимо расположения центральных и вспомогательных объектов, соблюдения пропорций и перспективы, художнику надо учитывать цветовые решения, свет-тень, а также контраст. Практика, эксперименты и любовь к искусству — важные составляющие, которые помогут преуспеть на этом поприще. Результат не заставит себя ждать — вы увидите, как ваши работы будут только расти в плане качества и профессионализма. Смело экспериментируйте, импровизируйте, иначе какое же это искусство. А главное, ничего не бойтесь — и тогда всё у вас получится!
Источник: say-hi.me
Фото на обложке: ShutterStock
Композиция в изобразительном искусстве – объемная, сложная и важная тема с одной стороны, но с другой, ее не стоит воспринимать, как нечто крайне необходимое, обязательное к исполнению. Понятие о композиции помогает сформировать чувство прекрасного, гармонии и эстетики. Но не дает гарантии, что у Вас будет идеальная работа, если Вы будете следовать композиционным правилам. Однако, если у Вас будет понятие о композиции, Вы будете подходить к своим работам более грамотно, более гармонично компоновать предметы в листе, с большей выразительностью доносить свои идеи и задумки до зрителя.
Итак, композиция происходит от латинского слова compositio — «сочинение; составление; связывание; примирение» и этим все сказано. Я скажу просто, это то, как Вы здорово, или может не очень здорово, организовали изображаемые Вами предметы на листе.
Про композицию очень много всего написано, причем одно может противоречить другому. Я выделила такие основные положения, которые следует знать, и соответствуют такому базовому, школьному уровню. Я подобрала для Вас примеры не из абстрактных конструктивных картинок, а из произведений нашего культурного наследия.
Композиционный центр
В удачной композиции всегда есть композиционный центр, в котором расположен главный акцентный предмет. Все остальные предметы расположены вокруг и имеют второстепенное значение по отношению к композиционному центру.Композиционный центр — то место в Вашей композиции, куда в первую очередь притягивается внимание зрителя. Это самое важное, самое главное место. Все остальное, все другие элементы композиции должны быть подчинены композиционному центру и тому акцентному предмету, который в нем находится.
Акцентный предмет может выделяться:
— Размерами.
Например, большой кувшин в окружении разных предметов, причем, обратите внимание, какая яркая драпировка на переднем плане, но все ж таки в первую очередь мы обращаем внимание на кувшин, потому что он самый крупный из предметов.
— Формой.
Например, в этом пейзаже домик является акцентным предметом, и не по тому, что он практически в центре, а потому что выделяется среди деревьев прямыми и геометрически правильными линиями.
Помогают нам также сразу обратить внимание на него линии деревьев, сходящиеся в перспективе и линии деревьев на заднем плане, лежащие в уровень с домиком. То есть у нас есть направляющие к нему.
Да простит меня Сислей, я позволила себе немного пофотошопить его шедевр и убрала этот домик. И что получилось, что стало акцентом, как Вы думаете?
Человечки! Да, мы сразу обратили большее внимание на фигурки людей.
— Человеческие лица и фигуры являются самыми притягательными объектами для человеческого взгляда.
Казалось бы, все линии ведут нас в горизонт! Но человека мы замечаем быстрее, чем то, что у нас на горизонте.
Помогают нам так же вот эти тропки, на пересечении которых находится человек.
А вот пример с лицом Гюстава Климпта «Поцелуй».
Очень декоративная композиция, очень много мелких, ярких деталей, много золота. Казалось бы! Затеряться в этой декоративности очень просто. Но мы сразу бросаем взгляд на лицо девушки, оно для нас притягательнее всего, никакое золото нас так не заставляет зависнуть на работе как ее лицо. Композиционно здесь все держит нас вокруг этого лица, наш взгляд никак не может выбраться из этого окутавшего лицо кокона. И это один из моментов, почему «Поцелуй» обладает такой притягательностью.
— И последнее, чем можно выделить акцентный предмет, это цвет (или тон в графике) и контраст.
Например, пейзаж со скалой.
Наш взгляд ни секунды не колеблется по картине – сразу приковывается к темной скале на фоне желтого неба! Очень яркое, контрастное сочетание делает это место центром композиции.
А вот лошадка.
Ее сильно освещенная морда на фоне черной двери моментально притягивает взгляд, хотя спина у нее освещена не меньше, но там нет такого контраста.
А вот картина Петр I.
Здесь много средств, усиливающих впечатление, что Петр не просто центральная фигура, а он огромный, величественный.
Во-первых, размер – он больше других людей. Во-вторых, сильный контраст его фигуры на фоне неба. В-третьих, все визуальные линии в картине направлены на него.
Птички — расположены по линии в направлении Петра.
Облака — в направлении Петра.
Лодка — направлена к Петру.
Даже непонятные мазочки в нижнем правом углу тоже в направлении к нему. Со всех углов нас направляют к Петру.
Плюс низкая линия горизонта еще больше усиливает впечатление о его размерах, о его значении.
В композиционном центре может быть также несколько предметов. Но они должны смотреться единой, целой группой, а не разрозненно сами по себе в одном месте листа. Тот же самый пример с натюрмортом.
Голландцы любили изображать в натюрморте очень много всего и посуды, и фруктов и даже дичи. Вот такой довольно скромный пример.
Однако, композиционных центров может быть несколько. Лучше – не больше трех.
И все равно, один из них по отношению к другим будет доминантным. Он будет крупнее, ярче, значительнее, выразительнее.
И опять натюрморт, два белых блестящих объекта в окружении какой-то черноты.
Один доминирует над другим. Но наш взгляд цепляет как один, так и другой.
А как Вам такая куча мала!?
«Утро стрелецкой казни» Сурикова. Честно скажу, в этой картине очень много всего, о чем можно поговорить. Но согласитесь – центр это вот этот стрелец.
На него в первую очередь падает взгляд. Он контрастный и возвышается над массой. Но он не один здесь такой. Вторая фигура — молодой Петр.
Мы его замечаем не сразу, но как только мы его видим, он приобретает не меньшее значение, хоть и на заднем плане, хоть и не такой четкий, как стрелец. Он является вторым композиционным центром, потому что автор принял все меры, чтобы его выделить. Он так же возвышается над массой и контрастно выделен на фоне стены, просто в сторонке. Среди множества фигур здесь таких только две. Остальные все сливаются в общей массе.
В таких композициях обычно все предметы расположены довольно равномерно, имеют определенную однородность и сливаются в массе по отношению к пустому пятну, в котором расположен композиционный центр.
Итак: чтобы Ваш рисунок был как минимум интересным, всегда думайте, какой у Вас будет композиционный центр, что будет в нем расположено и каким образом Вы его выделите.
Как гармонично расположить композиционный центр в листе
Существует несколько композиционных приемов, по которым можно выстраивать композиция.
Правило третей в композиции
Это самый простой и популярный способ компоновать предметы. Его очень любят фотографы(не зря на фотоаппаратах и телефонах часто есть функция разбивки на девять клеточек, как раз, чтобы искать композиционный центр). По правилу третей идеальное расположение композиционного центра на пересечении этих линий или прямо на них.
Это, естественно, работает не только в фото, но и в рисунке и в живописи.
«Купание лошади» Серова.
Все по клеточкам.
Композиционный центр – это морда лошади и голова человека, которые выстроились в одну линию. Тело лошади заканчивается в пределах трети, горизонт на линии, уровень ног лошади по линии.
Или натюрморт.
Композиционный центр кувшин на пересечении линий, а цветы по линии, открытое окно по линии.
Центрированная композиция
В такой композиции композиционный центр обычно совпадает со зрительным центром, то есть, по сути, центр листа.
И все самое главное находится по центру листа.
В портретном жанре такой вариант композиции часто используется.
в натюрмортах, когда Вы рисуете один какой-то предмет или главный предмет в центре, а все остальное равномерно по бокам.
В центрованной композиции может быть множество фигур, но они располагаются вокруг главного центра и подчинены ему. «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи.
Все сходится к фигуре Христа, хоть здесь имеется очень много разных фигур, все линии перспективные сходятся к Христу.
Плюс центральная фигура находится на фоне белого неба в оконном проеме, очень контрастно.
Здесь стоит еще упомянуть о симметрии. Она тоже связана с зацентрованной композицией. И симметрия обычно ассоциируется с чувством равновесия, статичности. Поэтому подходит для спокойных, уравновешенных сюжетов, где отсутствует напряжение, какая-то динамика.
Золотое сечение в композиции
Все наверняка слышали об этой магической штуке, о какой-то там вселенской пропорции, которая является идеалом красоты, гармонии и самой лучшей и удачной пропорцией. Выражена она вот в такой золотой спиральке (другое название спираль Архимеда), смысл которой средним умом не понять.
«Ага! Я сейчас на свои фотки наложу такую спираль и случайной вероятностью найду там золотое сечение» — скажите Вы! И вполне вероятно! Это же спираль вселенской гармонии, она заложена в человеке на подсознательном уровне. И факт остается фактом: даже стада овец разбегаются по спирали, которая соответствует вот этой спирали Архимеда. Я Вас не буду морочить всеми аспектами этой спирали. Для того, чтобы компоновать предметы, стоит усвоить лишь основной ее смысл, который заложен именно в пропорциональном соотношении.
Еще раз, если вся длинна 100%, то меньший отрезок 38,2%, а больший 61,8%,
Как это применить в компоновке предметов.
Рассмотрим еще раз картину «Утро стрелецкой казни».
При беглом взгляде можно обнаружить сразу три места, организованных в соответствии с золотым сечением: — голова Петра, относительно вертикали
— голова Петра относительно стрельца
— и разделение картины собором
Золотое сечение, конечно, не очень удобный способ компоновать предметы. Вы ж не будете сидеть над работой с линейкой или вот с этой спиралькой, вырезанной, не знаю, каким образом, и искать – где же мне тут что расположить. Просто нужно усвоить на глаз, запомнить, какое соотношение: один отрезок чуть больше половины, другой – чуть меньше половины.
Итак: чтобы гармонично расположить композиционный центр в листе, можно использовать такие приемы, как правило третей, золотое сечение или центровать композицию. Или сочетать все эти приемы вместе в одной композиции, если у Вас какая-то сложная, объемная работа.
Динамика и статика
Еще один важный аспект композиции – определиться, какую Вы делаете работу, статичную или динамичную. Или сочетаете в ней и то и, то.
Статичные композиции, то есть без движения, часто симметрично уравновешены, они показывают предмет без какого-то события, вызывают чувство спокойствия, классической завершенности, отсутствием времени характеризуются – ведь в них ничего по сути не происходит. В статичных композициях предметы расположены устойчиво, на горизонтальных линиях, с минимальной перспективой.
А вот динамичные композиции как раз связаны с движением, с действием. На картине что-то происходит.
Подчеркивается это наклонными линиями, отсутствием симметрии, ритмом. Сильная перспектива также создает динамику. Например, графика Пиранези.
На одной картинке архитектура изображена без особой перспективы – все спокойно. На другой есть перспектива, колонны создают ритм – появляется динамика, то есть движение по этой галерее. Вы четко двигаетесь взглядом по диагонали.
Вот еще пример две картины одного автора, Веласкеса. Сюжеты схожи: всадники на лошади.
Одна статичная, другая динамичная. Почему? Слева мы видим в основном горизонтали, хоть лошадь как бы и двигается, но движения мы не чувствуем, будто она привстала и застыла, чтобы попозировать. Все наклонные линии очень вялые, не на много отклоняются от горизонтали или вертикали. Справа мы видим как бы пучок диагоналей, расходящихся от угла. Лошадь движется в нашу сторону и по диагонали, вот и ощущение другое, мы чувствуем движение.
Закон равновесия в композиции
Наверняка слышали такую фразу – «надо бы уравновесить предметы справа» ну или слева там, например. Смысл равновесия состоит в том, чтобы гармонично расположить количество цветовых пятен, количество предметов на листе. То есть, чтобы у Вас был не хаос, а какой-то порядок, гармония.
Все тот же натюрморт.
Светящиеся белизной предметы не просто центры композиции, они друг друга уравновешивают, один более яркий, другой вторит ему приглушенно.
«Девочка с персиками» В.Серова.
На переднем плане желто-розовые яркие персики с сухими листьями, а сзади окно с золотистым осенним пейзажем, как они хорошо гармонируют. Они вместе с персиком в руках и розовым лицом составляют единую угловую линию, выведенную цветом.
Кажется, что это все случайность, но на самом деле это что ни на есть чувство гармонии и баланса, которое развито у художников.
У Пиранези композиционный центр – кусочек неба, какой он яркий по сравнению со всем остальным! Он бы так и остался неким одиноким пятном, на котором взгляд бы застрял. Но нас манит галерея со светом в конце, этот свет вторит голубому пятну в своде.
И Шишкин.
Три группы деревьев, разных по массе. Почему справа самая большая масса, в центре самая маленькая и с краю средняя? Да простит меня Шишкин, опять проведу эксперимент. Может так более гармонично?
Или так?
Видимо, три группы сосен, во-первых, очень хорошее число, во-вторых, разнообразие в размерах и именно такое чередование делает композицию более интересной, живой и естественной.
Итог: равновесие достигается балансом цвета, балансом форм, количеством предметов и симметрией.
Восприятие зрителем
Есть некоторые факторы, которые усиливают психологическое воздействие работы на зрителя. Они могут появиться в вашей работе случайно, совершенно на подсознательном уровне. А можно их добавлять намеренно, чтобы усилить воздействие от своей работы.
Человеческий взгляд двигается слева на право, это связано с доминированием левого полушария мозга над правым. Исключение, конечно, левши. То есть человек больше задержит свой взгляд на работе, где композиционный центр находится слева и есть движение вправо от этого центра.
Если он видит слева что-то невнятное, то мозгу уже не хочется двигаться взглядом вправо, его внимание уже рассеивается, оно не такое сконцентрированное. И, возможно, работа произведет меньшее впечатление. С превьюшками это очень хорошо работает. По статистике превью, где вся смысловая нагрузка приходится на левую сторону, работают лучше, чем превью, где все справа.
Наглядный пример рекламы кока-колы. У них практически всегда бутылка слева находится (то есть там, где мы ее сразу видим)
Или все действо слева находится. А в отделе рекламы у них наверняка лучшие умы работаю.
Динамика в работе больше приковывает взгляд, чем статика. Если один и тот же предмет рисовать в статичном и динамичном положении, то большее внимание зрителей будет приковано к динамичному расположению объекта.
Эмоции. Всегда думайте над тем, какие чувства Вы хотите вложить в свою работу – печаль, грусть, радость, страсть, агрессия, умиротворение. Я, конечно, не говорю о той ситуации, когда Вы рисуете, например, натюрморт с утюгом в главной роли. И думаете такие: «Ага! Дайка я сделаю страстный утюг!». Нет, конечно, не та ситуация. Но усилить эмоциональное воздействие от работы на зрителя можно даже в натюрморте с утюгом.
В первую очередь я говорю о линиях, которые воспринимаются человеком на подсознательном уровне.
— Прямая горизонтальная линия
Ассоциируется с горизонтом. Чувство покоя, спокойствия.
«Московский дворик» — нет никакого напряжение, чистое умиротворение.
В этой картине очень много горизонтальных линий, которые ничем не разрываются.
— Прямая вертикальная – устремление вверх.
Волнующее чувство устремления к чему-то важному.
Очень много вертикальных линий, ведущих нас к кусочку неба в своде у Пиранези. Неимоверное ощущение!
— наклонная линия обычно ассоциируется с движением, с дорогой, уходящей в горизонт.
Поэтому вызывает волнующие чувства. Чем сильнее наклонены линии относительно горизонта, тем больше эмоций они вызывают. Я уже показывала пример с движением лошадей, когда движение подчеркнуто диагональю (наклонной линией), то это движение мы ощущаем лучше.
— ломаные, обрывающиеся и пересекающиеся линии – неуравновешенность, даже агрессия, вызывает бурные, но неприятные чувства.
Ломаные линии в батальном жанре очень хорошо работают.
Природные линии не имеют резких углов, каких-то ломанных переходов, поэтому мягкие, скругляющиеся, волнообразные линии всегда оказывают умиротворяющее воздействие.
И, конечно же, на восприятие влияет Ваши труды, Ваши старания, вложенные в работу. Если Вы творили с душой, с вдохновением, с каким-то творческим запалом, то Ваш зритель по любому это увидит, оценит, почувствует.
Итак: чтобы с композицией у Вас все было нормально, определяйтесь с композиционным центром, выделяйте его формой, размерами, цветом или контрастом. Располагайте его гармонично относительно листа, если не можете найти эту гармонию, воспользуйтесь правилом третей, золотым сечением или зацентровывайте композицию. Все остальные предметы должны быть сбалансированы относительно композиционного центра и подчинены ему.
Иллюстрации и комментарии к началу практической части: http://strg-circle.livejournal.com/172485.html
Выразительные средства композиции: ритм, контраст и нюанс, пропорции и масштаб, глубина и плоскостность, свет, цвет, фактура и текстура.
5. Ритм.
Александр Родченко, «Лестница».
Александр Родченко, плакат для Моссельпрома.
Пит Мондриан, пейзаж с деревьями.
Пит Мондриан, «Композиция».
Май Митурич, «Дорога».
Май Митурич, «В узбекском селении».
Диего Веласкес, «Сдача Бреды».
6. Контраст и нюанс.
Контраст — Анри Матисс, «Клоун».
Нюанс — Владимир Татлин, «Цветы».
Контраст — Николай Тырса, «Обнажённая».
Нюанс — Владимир Вейсберг, «Обнажённая».
Контраст — Вениамин Басов, «Смерть Ивана Ильича».
Нюанс — Константин Сомов, «Девочка Оля».
Контраст — Эгон Шиле, «Фигура с нимбом».
7. Пропорции и масштаб.
Да — Борис Семёнов, «Ленинград. Исаакиевский собор».
Да — Питер Брейгель, «Охотники на снегу».
Да — Джованни Баттиста Пиранези, лист из серии «Темницы».
Нет — иллюстрация неизвестного мне автора.
8. Глубина и плоскостность.
Большая глубина — Александр Иванов «Явление Христа народу».
Малая глубина, рельеф — Владимир Фаворский, иллюстрация к книге «Руфь».
Большая глубина — Анри Матисс, «Вид из окна в Танжере».
Малая глубина, рельеф — Джорджо Моранди, офорт.
Малая глубина, рельеф — Владимир Ильющенко «Натюрморт на сером фоне».
Большая глубина — Питер Брейгель, «Охотники на снегу».
Малая глубина, рельеф — Владимир Фаворский, «Букет».
Отсутствие глубины, плоскостность — Казимир Малевич, «Дети».
9. Свет.
Рембрандт, «Лист в сто гульденов».
Андерс Цорн, портрет.
Иллюстрация Дейва МакКина.
Михаил Врубель, «Обручение Марии и Иосифа».
Рембрандт, автопортрет.
Пастель Галины Макавеевой.
Дмитрий Горелышев, «Зима».
10. Цвет.
Фернан Кнопфф, «Жанна Кефер».
Эндрю Уайет, «Открытое и закрытое».
Андрей Мыльников, «Лето».
Андрей Мыльников, «Лето», эскиз.
Ксилография Хельмута Грисхабера.
Обложка Дейва МакКина.
Литография Джона Пайпера.
Выбирается один объект, красится на всех листах одним колером, а потом, с помощью изменения светлоты, цвета, насыщенности окружения этого объекта, меняются его качества и выразительность. В данном случае базовая фигура — оранжевый треугольник:
Активен по насыщенности и светлоте.
Отступает.
Приближается.
Сближен по светлоте.
11. Форма и контрформа.
Жан Батист Шарден, натюрморт.
Василий Чекрыгин, «Голова лошади и раб».
Владимир Ильющенко, «Крымский полдень»
Александр Ливанов, «Ангелы с трубами».
Жорж Сёра, «Черный бант».
12. Фактура и текстура.
Литография Пьера Боннара.
Александр Ливанов, «Натюрморт со стеклянной воронкой».
Ральф Стедман, иллюстрация к книге о Фрейде.
Сеймур Хваст, иллюстрация.
Елена Ненастина, пейзаж.
Дмитрий Горелышев, «Зима».
Пост скриптум. Этапы работы над композицией.
1. Понять, что изображаем, основную тему, сюжетную или пластическую. Что главное.
2. Какие ассоциации, как передать. Что слишком слабо, а что слишком в лоб.
3. Подходящий формат.
4. Какой ракурс, откуда наиболее выразительно показать.
5. Какие большие пятна (и по тону, и по цвету), их статика/динамика, пересечение, взаимодействие.
6. Пространство и форма. Насколько большая глубина, сильно ли стоит выявлять форму, откуда свет, что ближе, что дальше.
7. Степень необходимой детализации. Где, сколько. Не разрушить деталями целое.
8. Снова проверить большие массы. Лишнее убрать.
Закономерности композиции книжного оформления
7 — 2004
Николай Дубина
В статье «Шрифтовые композиции» (см. №6 2004) мы остановились на том, что современному дизайнеру необходимо хотя бы минимально разбираться в общих закономерностях построения изобразительно-шрифтовых композиций. Особенно это относится к книжному дизайну. Специалист, занимающийся оформлением книги, должен самыми лаконичными средствами показать все, на что он способен, чтобы получилась Книга с большой буквы.
Композиция объединяет все изобразительные элементы книги в одну целостную форму и создается из различных графических элементов шрифтов, рисунков и орнаментов, которые могут изменяться в процессе компоновки как в размерах, так и в изобразительном плане, складываясь в общую гармоничную форму.
Нельзя начать работу над художест-венным оформлением книги без хорошего знания ее содержания, без понимания идеи произведения, без учета назначения издания и особенностей его полиграфического воспроизведения. Степень знания содержания оформляемого издания может быть различной в зависимости от вида литературы, характера самого произведения и художественных средств его оформления. Если литература со сложной системой художественных образов требует от дизайнера самого внимательного прочтения текста, то для оформления научной литературы часто бывает достаточно лишь поверх-ностного знакомства с изданием. Кроме того, чисто шрифтовое оформление допускает менее подробное изучение содержания, чем иллюстрированное.
Начиная работать над композицией, надо в первую очередь определить в ней центральный элемент, объединяющий все другие части композиции. В качестве такого композиционного центра обычно выбирается -наиболее важный в смысловом отношении элемент, помогающий сразу определить суть издания, понять его содержание или выделить новое издание из ряда ему подобных. Таким центром в композиции могут быть как шрифтовая строка, так и орнамент или иллюстрация. Этот главный элемент композиции выделяется среди других своими размерами, цветом, обрамлением и пр. Характер, размеры и местоположение этого элемента, как правило, определяют и построение всей композиции в целом.
Соразмерность между главным и второстепенным в композиции, а также соразмерность второстепенных элементов между собой определяется с учетом смыслового содержания заголовков и содержания книги в целом и зависит и от субъективной трактовки содержания дизайнером. Отход дизайнера от общепринятых норм, желание во что бы то ни стало привлечь внимание читателя необычностью своего решения могут привести к смысловой неясности композиции.
При равнозначном решении частей композиции степень цельности всего построения понижается (рис. 1). Чтобы не происходило «спора» между этими равновеликими частями, они должны четко делиться на главные и второстепенные. Опыт оформления подсказывает, что элементы композиции по их важности для содержания стоит разделять не более чем на три группы, поскольку очень сложные композиции воспринимаются менее цельными.
Рис. 1. Трехчастная композиция
Дизайнер книги должен учитывать в своей работе и использовать при построении композиций закономерности зрительного восприятия. Например, для композиции элементов книги исключительное значение имеет тот факт, что зрительный центр листа выше его геометрического центра. Вследствие этого изображение, поставленное посередине листа на глаз, оказывается выше его геометрической середины (рис. 2). Размеры верхнего и нижнего полей у зрительно уравновешенного изображения подчиняются вполне определенной закономерности. Как видно на рис. 3, зрительный центр изображения (обозначен кружком) становится все ближе к геометрическому (обозначен квадратиком) по мере того, как высота изображения приближается к высоте листа.
Рис. 2. Геометрический (слева) и оптический (справа) центры листа
Рис. 3. Положение оптического центра изображения в зависимости от его величины и положения на листе
На размеры полей влияют также конфигурация изображения и распределение цвета по его площади. Поэтому место для изображения на книжной странице лучше определять на глаз. Обычно чем опытнее дизайнер, тем более уравновешенной у него получается композиция.
Отмеченная выше закономерность в расположении изображения на странице книги учитывается в случаях, когда это изображение должно быть уравновешено со всем листом. В случае если изображение приводится в равновесие не со всем листом, а с отдельной его частью, важным фактором становится уже не центр листа, а его края, выступающие в качестве связующего элемента между частями композиции.
Ритм строк, орнаментов и рисунков по вертикали не только организует композицию, но и выявляет различные смысловые связи между строками текста и другим изобразительным материалом. Этот ритм возникает из сложного взаимодействия расстояний между строками с вертикальными размерами букв и величиной всех других полей. Как бы ни различались расстояния между частями изображения, непрерывность связи между ними должна сохраняться. Неправильно определенный ритм ведет к зрительному разрыву между отдель-ными частями композиции и к потере ее целостности.
В случае когда композиция строится по сложному абрису и вся группа элементов воспринимается недостаточно целостной, рекомендуется применять рамку или плашку, которая визуально скрепляет все части композиции и упрощает ее внешнюю форму. Кстати, рамка часто применяется и для связи далеко отстоящих друг от друга одиночных строк.
Особая роль в организации ритма чтения принадлежит украшениям и иллюстрациям, которые, в противоположность шрифтам, не читаются, а рассматриваются. Благодаря орнаментам и рисункам, помещенным между текстовыми блоками, получается естественная пауза в чтении. Протяженность этой паузы находится в прямой зависимости от содержания и сложности изображения.
В зависимости от направленности отдельных элементов вся композиция на листе может получить общую динамику в горизонтальном, вертикальном или диагональном направлениях (рис. 4).
Рис. 4. Динамика, определяемая отдельными элементами композиции
Статичное и ровное впечатление оставляют композиции с уравновешенным сочетанием горизонтальной и вертикальной направленности. Общая динамика композиции, согласованная с форматом издания, может быть также использована для характеристики содержания.
Вышеупомянутые общие закономерности в композиционном построении элементов книжного оформления большей частью касаются симметричной композиции, до недавнего времени наиболее распространенной в оформлении книги. Но при работе над современными изданиями дизайнеры все чаще обращаются к асимметричной композиции, которая значительно обогатила оформление книги новыми формами. В асимметричных шрифтовых построениях часто используются индивидуальные композиционные качества, заложенные в каждом из шрифтов.
Внешне асимметричная композиция характеризуется тем, что в ней происходит сдвиг изображения (или его зрительного центра) относительно вертикальной и/или горизонтальной оси формата. Это приводит к тому, что вся композиция приобретает заметный импульс в некотором направлении.
До сих пор мы говорили лишь о линейном построении шрифтовой композиции и не касались ее цветового решения. Раздельный анализ этих двух составных частей композиции принят нами для удобства изложения материала, но в действительности линия и цвет находятся в неразрывной взаимосвязи, нарушение которой отрицательно сказывается на художественном качестве изображения. Если условно разделить функции линии и цвета, то можно сказать, что с помощью линейного построения определяются размеры и место элементов шрифтовой композиции на плоскости листа, с помощью цвета передаются их окраска, степень объемности и пространственное расположение изображений относительно этой плоскости.
Общая «цветность» (светлота) строки влияет на местоположение и на размеры ее в общей композиции, и, наоборот, определенные размер и место строки предопределяют ее «цветность». Изменяя в процессе компоновки место, размеры и цветность изображений, мы приводим их к такой гармонической форме, при которой смысловое и зрительное восприятие композиции окажется -наилучшим.
Между шрифтом, орнаментом и изображением предмета, объединенными в одной книжной форме, устанавливается определенная масштабная связь. В случае ее нарушения возникает впечатление, будто одна часть композиции наблюдается с близкого расстояния, а другая издалека. Однако этот эффект не имеет решающего значения при построении книжных композиций, где разномасштабность шрифта, орнамента и иллюстрации передает их сравнительную важность в отношении содержания (рис. 5).
Рис. 5. Разномасштабность надписи и орнамента создает впечатление различной удаленности их от зрителя
Изобразительной поверхностью для книжной графики служит бумажный лист, который более располагает к плоскостному, чем к трехмерному изображению. Поэтому и шрифтовые композиции (включающие орнамент и иллюстрацию) строятся пространственно на очень незначительную глубину и развертываются, по сути, в одном плане, в одной оптической плоскости. Поскольку большая или меньшая пластическая глубина изображения зависит от гаммы полутонов, примененных для его передачи, графические изображения с небольшим числом переходов от самого светлого тона к самому темному являются наиболее подходящими для книжного оформления.
При изображении двух предметов, когда перспективные сокращения не помогают выявить их положение в пространстве относительно друг друга, прибегают к приему перекрытия одного предмета другим, и тогда сразу становится ясно, какой из них ближе, а какой дальше (рис. 6).
Рис. 6. Перекрытие объектов для придания изображению разноплановости
Этот прием находит широкое применение в шрифтовых композициях, причем двумерные изображения, заслоняющие собой другие (даже изображения реальных вещей), приобретают трехмерность и становятся как бы более материальными.
Можно отметить исключительную роль цвета в передаче пространства и объема. Так, более интенсивные и визуально тяжелые цветовые объекты воспринимаются глазом как близкие по сравнению с менее интенсивными по цвету и визуально более легкими объектами (рис. 7).
Рис. 7. Пространственные качества цвета
Таким образом, цветность каждого предмета на изображении должна соответствовать его пространственному положению в системе других изображенных предметов, а каждая часть изображенного предмета должна иметь свою определенную тональность, отвечающую его форме и объему.
Для располагающихся в одном плане шрифтовых и орнаментальных форм достижение плоскостности композиции с помощью визуальной тяжести имеет первостепенное значение. Ясное представление о пространственной структуре рисуемой композиции, понимание взаимного расположения и движения всех ее частных форм обеспечивают правильное цветовое решение.
Чуть выше говорилось, что различная интенсивность цвета создает пространственный эффект, в результате которого изображения с различной насыщенностью цвета (важно: термин «насыщенность цвета», применяемый нами в отношении штриховых изображений, не совпадает с его значением, принятым в цветоведении) располагаются как бы на разных расстояниях от фона. При этом части изображения или композиции, близкие по своей светлоте к светлоте фона, располагаются очень близко к нему, а изображения, сильно отличающиеся своей светлотой от светлоты фона, дальше. В отношении буквы это может означать, что ее двумерное изображение непременно будет иметь большую или меньшую иллюзорную модуляцию по глубине. И действительно, любая буква может быть представлена как совокупность штрихов различной цветовой насыщенности, стремящихся занять в пространстве определенное место. Разность в пространственной глубине отдельных штрихов буквы будет наибольшей при контрастном отношении между основным и соединительным штрихами, наименьшей при одинаковой ширине основных и соединительных штрихов.
Вследствие неравномерного распределения цвета в различных частях буквы изображения этих букв могут иметь легкий пространственный поворот относительно фона в вертикальном или горизонтальном направлении. В хорошо сконструированном шрифте эти наклоны букв не следуют хаотично, а подчиняются предусмотренному ритмическому порядку.
В отношении поворота букв в вертикальном направлении можно отметить, что их верх в большей или меньшей степени наклонен к зрителю отчасти потому, что срединный штрих у большинства букв находится выше их геометрической середины, отчего концентрация цвета в верхней половине буквы становится больше, чем в нижней. Практика дает нам немало примеров шрифтов, рисунок которых построен на использовании этой закономерности, когда вертикальные штрихи имеют в верхней части значительные утолщения. Все они достаточно хорошо читаются (рис. 8).
Рис. 8. Неравномерное распределение цвета в верхней и нижней частях букв
Шрифты, построенные таким образом, что верх букв как бы удаляется от зрителя, сейчас почти не применяются, хотя иногда такие буквы и знаки еще встречаются, особенно в рукописных начертаниях.
Различное насыщение цветом правой и левой стороны буквы, создающее впечатление поворота буквы в горизонтальном направлении, находится в полном соответствии с направленностью этих букв. У букв, рисунок которых строится в правую или левую сторону от основного вертикального штриха, наибольший -рельеф изображения будет в месте наибольшего средоточия цвета у основного штриха с понижением его в соответствующую сторону. В симметричных буквах рельеф изображения более равномерен по всей площади буквы, хотя и они, подчиняясь общему ритму слова, обнаруживают тенденцию к усилению цветности левосторонних штрихов (в соответ-ствии с порядком чтения слева направо). Упомянутые оптические развороты букв являются следствием их определенного начертания; они имеют положительное значение в организации ритма в слове, узнавании буквы среди других букв строки.
В русском алфавите основополагающим штрихом при рисовании буквы является жирный вертикальный штрих, от которого в левую или в правую сторону развертывается рисунок буквы. Не зря иностранцы говорят, что русский алфавит это сплошной частокол. При построении буквы цветовую насыщенность основного вертикального штриха также надо принять за исходную и в соответствии с ней определять цветовую нагрузку всех других штрихов буквы.
КомпьюАрт 7’2004
В любом деле есть свои принципы и законы, которым нужно следовать, чтобы достичь высоких результатов. Не исключение и изобразительное искусство. Без знания законов построения, перспективы и пр. вы не сможете сделать профессиональную качественную работу.
Всему этому нужно учиться и не забывать про постоянную отработку навыков рисования. Правильно рисовать вас научат в школе-студии «Мастер рисунка». Но уже сейчас вы сможете узнать об одном из важных принципов изобразительного искусства – композиции.
Что такое композиция, и какая она бывает
Когда мы фотографируем, то выбираем наиболее удачный ракурс, чтобы получился хороший кадр. То есть, ищем ту точку, из которой лучше всего будут видны объекты, которые мы хотим увидеть на фотографии.
То же самое и в рисунке. Здесь не менее важно найти тот удачный ракурс, который наилучшим образом передаст идею изображения. Только в отличие от фотографии мы сами можем распределять объекты на листе и менять их размеры. А для этого нужно сперва овладеть базовыми принципами, по которым строится композиция.
Итак, сперва немного теории про саму композицию. Для начала нужно понять, что же такое композиция и почему она так важна.
Композиция – расположение изображаемых объектов на холсте. То есть, распределение фигур в пространстве и их соотношение. Если правильно расположить предметы, то визуально они будут гармонировать между собой.
Композицию можно поделить на 2 вида: статичный и динамичный. Первый вид передает ощущение равновесия и спокойствия, то есть статичности, а второй наоборот – движения и эмоциональности.
Как же добиться статичности изображения? Ощущение неподвижности создают прямые линии: вертикальная ось и горизонтальная линия. То есть на листе должны быть расположены предметы, которые будут перпендикулярны линии горизонта.
Чтобы добиться динамики, нам нужно сместить угол наклона вертикальной линии, это добавит движения в нашу композицию.
Для наглядности можно привести пример со стаканом. Если вы изобразите его стоящим на столе (стакан – вертикальная прямая, а стол – линия, параллельная горизонту), то такую композицию можно назвать статичной, т.к. стакан просто стоит на столе. А если вы изобразите наклоненный стакан (то есть угол вертикальной оси сместится), то создастся ощущение, что стакан падает (динамичная композиция).
Понятие композиционного центра
Композиционный центр – это то, на чем должен зритель сфокусировать свое внимание. По задумке художника именно этот объект должен в первую очередь привлечь к себе взгляд. Этот центр нужно уметь не только определять, но грамотно сделать на нем акцент, не нарушив общую композицию. Конечно, есть варианты, когда центр отсутствует, но это уже специфические работы и скорее исключение.
Как выделить центр
Тут есть свои приемы, которые помогут выделить нужный объект на фоне остальных.
1. Контрастный центр. Он создается при помощи разницы между светлыми и темными объектами. Композиционный центр противопоставлен по цвету остальному рисунку. Он должен быть либо светлее, либо темнее остальных элементов изображения. Такой контраст сразу привлечет внимание зрителя. Но помните, что затемненные предметы визуально кажутся меньше, чем светлые. Поэтому, используя этот метод важно не нарушить пропорции, иначе можно разрушить удачную композицию.
2. Оси. Можно использовать направляющие линии. Они будут вести к центру композиции. Предметы надо расположить так, будто они нанизаны на ось и стремятся к центру. Можно использовать и просто направленные линии, если того требует задумка художника.
3. Размерность. Самый простой способ показать центр – сделать это через размер изображения. Соответственно, если объект больше остальных, то на него в первую очередь и упадет взгляд зрителя. Можно сделать и наоборот: центр композиции может быть меньше по размеру, чем все остальные предметы на листе, что поможет достичь того же эффекта.
4. Многоплановость. Но на картинке может быть изображено множество различных предметов. Тогда нам поможет многоплановость. С ее помощью можно передать глубину пространства. Композиционный центр мы выводим на передний план, а все остальные предметы – на задний. Можно сделать и наоборот, переместив центр на задний план. Принцип тот же – только один предмет на заднем плане, остальные на переднем. Усилить разницу поможет размывка изображения. Это как в фотографии, когда в фокусе остается только нужный объект.
В работе можно использовать сразу несколько приемов. Главное, при построении не забудьте учесть пропорции и законы перспективы. Все объекты на листе подчинены центру композиции, и именно от него будет зависеть размер предметов на картине в целом.
Основные принципы композиции
Мы уже познакомились с некоторыми хитростями, которые можно использовать для создания статики или движения и привлечения внимания к определенному объекту. Теперь пришло время рассказать об основах создания непосредственно композиции, которые должен знать каждый художник, приступая к работе.
Целостность
Картина – это законченное целостное произведение. При взгляде на нее должно создаваться ощущение завершенности. Все предметы должны быть объединены одним общим смыслом и находиться в одной среде. Это и делает композицию гармоничной.
«Золотое сечение»
Его еще называют «золотой пропорцией». Это понятие, которое является эталоном структурной гармонии. В количественном виде это выглядит так. Если мы берем всю длину линии за 100% и делим ее на две части, то соотношение отрезков должно быть 61,8% к 38,2%.
1. Спиралевидное сечение. Оно еще называется спиралью Архимеда. Нужно представить себе спираль на бумаге и расположить на ней объекты.
2. Диагональное сечение. Оно применимо, когда изображаются предметы разные по смыслу. Для этого мы проводим диагональ, делящую лист на два треугольника. Из одной из углов листа проводим перпендикулярный отрезок к уже имеющейся диагонали. В итоге на листе у нас получилось три разных треугольника. Все значимые объекты мы располагаем внутри них. Для создания гармоничной композиции нужно масштаб предметов соотнести с пропорциями треугольников: большой объект — в большом треугольнике, маленький — в наименьшем и т.д.
Правило третей
Упрощенная версия сложного «золотого сечения» — правило третей. Для этого нужно поделить лист на 9 равных частей перпендикулярными линиями. Самый простой вариант, чтобы создать гармоничную композицию – расположить значимый объект в центральном прямоугольнике. Если вы изображаете несколько объектов, то лучше это сделать на пересечении линий нашей прямоугольной сетки. Если нужно выделить какие-либо объекты, их лучше располагать непосредственно на линиях. Если вы рисуете пейзаж с четкой линией горизонта, то соотношения неба и земли будет 2 к 1.
Закон соотношения краев рисунка к его плоскости
Чтобы создать ощущение пространства, мы можем использовать различные приемы. Например, если изобразить предмет ближе к нижнему краю листа, то он будет восприниматься как объект, расположенный к нам ближе.
Если предмет находится далеко от края, особенно это касается центрального расположения, то кажется, будто он находится вдалеке.
Восприятие зрителем
Теперь поговорим о восприятии зрителя при взгляде на ту или иную картину. Ведь для художника самое важное – это передать свою идею при помощи живописи.
Обычно человеческий взгляд направлен слева на право. Поэтому композиционный центр лучше расположить с левой стороны. Если рисунок с динамичной композицией, то из левого края движение лучше направить вправо. Динамичные работы привлекают больше внимания, чем статичные.
При создании работы важно учитывать, какие эмоции вы хотите вызвать у зрителя. Нужные ощущения также можно создать при помощи линий. Так, горизонтальные линии создают чувство неподвижности. Вертикаль – устремление ввысь, к чему-то важному. Диагонали и наклонные линии – ощущение удаления, пути, уходящего вдаль. Обрывающиеся и пересекающиеся линии демонстрируют бурные эмоции, неприятные чувства или даже агрессию, это видно на картинках, где изображены баталии.
Плавные линии, изгибы символизируют покой, что явно ощущается в пейзажах.
Составляем композицию предметов на листе в натюрморте
Итак, мы разобрались с теорией. Теперь посмотрим классическую композицию, такую как натюрморт, и покажем какие из приемов мы можем использовать при создании работы.
Изначально важно продумать, что мы будем изображать и из чего будет состоять наша работа. Даже если это просто учебная постановка, предметы не должны быть расположены хаотично, а должны быть подчинены единой идее и тематике.
Составляя композицию предметов, учитываются три момента:
1. Формат (горизонтальный, вертикальный или квадратный)
2. Симметрия или асимметрия
3. Композиция (схема): треугольник, диагональ или круг.
А теперь посмотрим все по порядку. Начнем с формата.
Горизонтальный наиболее распространен. Он позволяет расставить большее количество предметов на столе. Для создания глубины нередко добавляют ниспадающую драпировку.
При вертикальном расположении предметов создается ощущение роста. В таком формате хорошо смотрятся цветы, высокие вытянутые вазы. Квадратный формат помогает сконцентрировать внимание зрителя на центре и создает ощущение стабильности.
Округлый формат не особо распространен, т.к. не очень удобно располагать предметы.
Теперь посмотрим схемы, по которым лучше расставлять предметы.
Треугольник. При такой схеме в центре будет находиться самый высокий предмет, а в основании треугольника – более мелкие.
Круг. Такое расположение хорошо, когда вы используете формат «квадрат». При такой схеме нет главного предмета, который бы выделялся на фоне остальных.
Диагональ. В натюрморте такие наклонные линии будут создавать ощущение дисбаланса. Так же при помощи такой схемы можно создать акцент на пустой части листа, например, расположив там окно.
Правильное и неправильное расположение предметов
Предметы могут быть расположены симметрично, что создаст ощущение стабильности. Также статичности натюрморта можно добиться, если скомпоновать предметы близко друг к другу. Асимметричная композиция покажет динамику. Но тут важно сохранить композицию в целом, точнее равновесие в ней. А свободное расположение создает ощущение света и свободы.
Создавая композицию, можно пользоваться правилами «золотого сечения» и третей.
Предметы тоже надо подбирать особым образом. Лучше использовать три размера: большой, средний и малый. Не выстраивайте объекты в одну линию и следите, чтобы оси и контуры разных предметов не сливались. Для создания глубины лучше перегораживать один предмет другим.
Как видите, законов много, и их нужно не только знать, но и применять. Чтобы научиться создавать целостные гармоничные работы, записывайтесь на курсы в нашу школу, и опытный преподаватель научит вас создавать законченные картины, которые смогут в полной мере передать заложенную вами в них идею.
Похожие записи
Курс дизайна в Юниум. Длительность — 2 полугодия (1 год).
Курс дизайна в Ю — это второй этап в траектории развития творческого направления в Юниум, а для кого-то может стать отправной точкой в творческом развитии.Тем, кто только собирается учиться рисовать, стоит начинать именно отсюда. На занятиях можно ознакомиться с популярными художественными приемами, изучить законы построения изображения и освоить базовые законы рисования, при этом протестировав разные материалы и техники, определиться с дальнейшими творческими планами. Но задания будут полезны и тем, кто уже имеет опыт создания рисунков — курс позволит обновить базовые знания и отработать все необходимые навыки на разнообразных упражнениях.
Нас будут ждать новые интересные темы, разные задания, работа в группах, небольшие проекты в завершении учебного года. Не обойтись и без творческих работ и небольших тестирований для понимания уровня развития в рамках курса и возможности его скорректировать.
Цель сегодняшнего занятия: За занятие изучить основные законы композиции и применить их на практике, создав творческую работу на формате А4.
Что нас ждет сегодня:
- Входная творческая работа (упражнение №2)
- Небольшое творческое тестирование.
Для того, чтобы понять, кто на каком уровне пришел на занятия в Юниум и составить индивидуальную траекторию развития внутри нашего курса.
Основы композиции.
Композиция — это расположение предметов в листе: какие предметы будут в работе, каких размеров, как они расположены друг относительно друга, и на каком формате. «Форматом» в живописи называют размеры и пропорции сторон того листа, холста и другой основы, на которой вы будете писать.
Композиция далеко не всегда символический, литературный рассказ. Она и не должна обязательно быть таковым. Часто композиция создана просто для удовольствия. Художнику может приносить удовольствие смотреть на ту композицию, что он создал. Он может создавать композицию только ради этого. Это похоже на музыку: иногда голосом пропевают слова, стараясь донести какой-то смысл, идею, а иногда — просто поют без слов, ради музыки. Если Вы научитесь чувствовать «музыку» картины, не ища в ней литературу, Вы откроете для себя живопись с новой стороны.
Умение составлять композиции- это тоже искусство. И также для овладения искусством компоновки- как способа создавать композицию, потребуется развитие композиционного видения, чутья, развитие чувства прекрасного. А основа прекрасного- это как вы думаете что? Конечно, вы уже поняли, это- гармония.
Как создать композицию?
- Определить задачи и цели
- Изучить натурную постановку и определить точку зрения
- Определить масштаб и характер предмета и правильно расположить лист бумаги
- Разместить и уравновесить предметы на плоскости листа
- Определить центр композиции . Вводим два понятия в рисунке- композиционный центр и зрительный центр: Зрительный центр — центр картинной плоскости. Композиционный центр это какой- либо основной главный предмет, вокруг которого располагаются второстепенные или вспомогательные предметы. В зависимости от характера объекта изображения композиционный и зрительный центры должны быть или на незначительном расстоянии друг от друга, или совмещаться. Так достигается композиционная целостность. Именно по этому нужно выбирать правильно точку зрения, потому как главный предмет будет перемещаться относительно второстепенных при обзоре. Что касается предметов с падающими тенями, то композиционный центр в этом случае располагается примерно посередине, между предметом и тенью, в зависимости от освещенности предмета, контраста, и направления самой тени. При компоновке отдельных предметов с незначительными падающими тенями композиционный центр попадает на середину предмета.
- Построить предметы с учетом перспективы, пропорции и передача характера
- Выявление объема предметов
Завершение и обобщение работы над рисунком Задание №1
Составление небольших композиций в 6-ти квадратах размеров 10*10 см. Используется при этом геометрические фигуры трех цветов (штриховка).
Законы композиции.
Закон целостности.
Целостность как явление, объединяющее элементы, части в единое целое, проявляется везде в природе и обществе и выступает как диалектический закон. Благодаря соблюдению первого закона композиции — закона целостности — произведение искусства воспринимается как единое и неделимое целое.
Сущность закона можно раскрыть, проанализировав основные его черты или свойства. Главная черта закона целостности — неделимость композиции означает невозможность воспринимать ее как сумму нескольких, хотя бы в малой степени самостоятельных частей. Неделимость закладывается в композиции через нахождение художником так называемой конструктивной идеи, которая способна объединить в одно целое все компоненты будущего произведения.
Закон контрастов.
Закон контрастов — один из основных законов композиции. Термин «контраст» обозначает резкую разницу, противоположность сторон.
Если не будет противоположностей, не будет контрастов, то не будет их борьбы и единства. Таким образом, без контрастов не может быть борьбы, а стало быть, и движения, изменения, развития. Значит, контрасты в глобальном значении этого понятия — это одно из главных, неотъемлемых условий зарождения, существования, развития материи, а значит, самой жизни.
Поскольку действие контрастов проявляется в законах и природы, и общества, то, безусловно, и во всех областях общественного сознания. В искусстве (в том числе и изобразительном), как одной из форм общественного сознания, также находит свое отражение действие контрастов.
Основными контрастами в изобразительном искусстве являются тоновой (светлотный) и цветовой природные контрасты. На их основе возникают и действуют другие виды контрастов — контрасты линий, форм, размеров, характеров, состояний, а также контрасты, связанные с идеями (контрасты идей, положений), контрасты в построении сюжета (контрасты в нахождении конструктивной идеи) и т. д. Контрасты являются законом композиции, они выражают собой борьбу противоположностей.Без контрастов нельзя создать не только произведения искусства, но даже простое. изображение. Без контрастов изображение сольется с фоном.Контрасты создают выразительность произведения искусства и поэтому выступают воздействующей силой композиции.Контрасты в композиции выступают как композиционная сила не только с точки зрения «механики» построения, т. е. построения композиции как какой-то структуры, но и с точки зрения творческого процесса создания художественных образов: большая часть творческого процесса создания художником произведения связана с определением характера контрастов.
Закон подчинённости
Закон подчиненности всех средств композиции идейному замыслу обязывает художника создавать свое произведение цельным по замыслу и воздействию на зрителя. В работе над произведением художник через композицию выражает то, что его заинтересовало, увлекло, показывает свое отношение к изображаемому, его понимание, т. е. дает нравственную и эстетическую оценку. Таким образом, все, что изображает художник, в особенности по воображению, становится художественным явлением лишь тогда, когда оно одухотворено идейным замыслом, реализованным через композицию. В противном случае это будет ремесленное, фотографическое копирование объектов реальной действительности. Этот закон требует учета соотношения объемов, цвета, света, тона и формы, а также передачи ритма и пластики, движения или состояния относительного покоя, симметрии или асимметрии.
Закон воздействия
Полностью закон формулируется как закон воздействия «рамы» на композицию изображения на плоскости. Предмет, изображенный на однородном поле близко к «раме», в результате привычки у зрителя к ощущению глубины картины (антиципации), вызванной наличием «рамы», воспринимается лежащим близко к плоскости «рамы» или даже частично слитым с ней. Предмет, расположенный не близко к «раме», и особенно в центральной зоне картины, воспринимается лежащим в глубине. Ровное плоское поле благодаря наличию «рамы» становится пространством, перспективно и метрически еще совершенно неопределенной.
Упражнение №2.
На формате А4 создать иллюстрацию. Эта работа должна иллюстрировать определенный момент фильма/кино/сериала/ТВ-передачи.
Этапы выполнения задания:
- Мозговой штурм (определяемся с идеей)
- Эскизирование (разработка 3 — 5 идей на небольших форматах)
- Промежуточный просмотр, советы от ребят и преподавателя
- Корректировка и работа в цвете
Тестирование общее, на знания, которые есть (5 минут).
Отвечая на эти вопросы, не думай о правильности ответа. Здесь важно преподавателю понять, что ты уже знаешь на момент начала обучения, чтобы понять, каким образом строить твою траекторию развития внутри курса.
- Какие есть основные цвета, из которых смешиваются все остальные?
- Чем отличается натюрморт от пейзажа?
- Сколько голов укладывается в рост среднестатического взрослого человека?
- На твой взгляд, что такое стилизация?
- Чем отличается рисование мульт.персонажа от наброска человека с натуры?
Довольно часто встречаю статьи о законах композиции, но постоянно там чего-то не хватает, то есть это либо основные принципы, либо рассказ о каком-то одном законе и так далее. Я постаралась собрать все доступные знания о композиционном построении и рассказать о них доступным языком, не углубляясь в психологию, цвето- и световосприятие.
В любом виде искусства ключевую роль играет правильное расположение элементов произведения, позволяющее наиболее точно передать идею этого произведения. То есть выделить ключевые сюжетные линии, передать необходимое настроение и соблюсти при этом гармонию. Композиция (от латинского compositio) и является соединением (сочетанием) этих элементов в единое целое.
Композиционный и геометрический центр.
Вне зависимости от того строите ли вы композицию на бумаге, через фотообъектив или на мониторе компьютера, две диагональные линии при проведении из угла в угол, дадут точку пересечения — геометрический центр композиции. Любой предмет вписанный в этот центр будет смотреться гармонично.
Композиционный центр служит для фокусировки внимания зрителя на деталях композиции. В фотографии, живописи и рисунке, как правило, выделяются сюжетно-композиционные центры. То есть, в композиционном центре находится основной сюжет произведения. Композиционный центр и геометрический центр композиции могут не совпадать. Композиционных центров в композиции может быть несколько, в то время, как геометрический центр один.
Иногда композиционный центр нарочно смещают, например, для придания композиции динамики.
Способы выделения композиционного центра.
Динамика и статика.
Слева статика, мы видим прочно стоящую композицию с надежным основанием. Справа динамика, композиция наклонена относительно линии горизонта, композиционный центр смещен.
Благодаря нашему удивительному ассоциативному мышлению, разные динамические композиции вызывают разные ассоциации. Например, мячик справа вот-вот скатится, а слева уже скатился по перекладине.
Симметрия и асимметрия в композиции. Равновесие.
С симметричной композицией, как правило, не возникает проблем, статична она или динамична, нам «удобно» на нее смотреть, она понятна. Различают несколько видов симметрии: зеркальная, осевая, вращательная (поворотная), центральная и скользящая симметрия.
В случае с асимметрией необходимо правильно уравновешивать композицию. Для большинства людей равновесие — это психологическая необходимость для правильного восприятия всего образа в целом. Равновесие может достигаться противопоставлением размеров, форм пятен цвета и тени.
Хорошая композиция не позволяет произвести какие-то добавления или, наоборот, что-нибудь убрать, так как это в свою очередь приведет к глубоким изменениям ее характера.
Метр и ритм.
В графическом дизайне существует понятие метрических и ритмических композиционных рядов, на практике этими законами композиции пользуются почти каждый мастер.
Ритм — важное средство организации элементов формы, которое реализуется как многократное закономерное чередование элементов ряда с целью их упорядочивания.
Чувство ритма — это врожденное чувство людей. Ритм легко воспринимается и воспроизводится. Первобытный человек ощущал цикличность природных явлений и жизненных процессов, их ритмы. Это оказало существенное влияние на формирование первых орнаментальных образов.
Принято выделять метрические, ритмические и метроритмические ряды в зависимости от характера и количества изменений.
Метрический ряд — закономерное повторение равных элементов через равные промежутки. Метрический ряд сообщает целому статический характер. Метрический ряд может быть простым и сложным. Простой метрический ряд основывается на повторении одного элемента через равные интервалы. Сложный метрический ряд возникает при сочетании нескольких простых метрических рядов, то есть когда развивается несколько метрических повторов.
Ритмический ряд — закономерное повторение, которое основано на изменении элементов ряда, интервалов между ними или тех и других одновременно. Поэтому выделяют также простой и сложный ритмический ряд. Ритмический ряд сообщает целому динамический характер за счет возможного характера изменений (нарастание или убывание интервалов между элементами, нарастание или убывание размеров элементов, изменение цвета и так далее). Для построения ритмического ряда необходимо 4-5 элементов, так как еще 3 элемента не создают впечатления закономерного повтора.
Метро-ретмический ряд характеризуется наличием нескольких простых рядов, которые складываются в композицию.
Перспективное сокращение.
Существует очень интересный способ составления композиции путем привязок к угловой или фронтальной перспективе. Мы рассмотрим на примерах несложных перспектив. В отличии от аксонометрии размеры предмета в перспективе не вычисляются, используют один реальный размер, который является отправной точкой.
Фронтальная перспектива рассчитана на фиксированную точку зрения и предполагающий единую точку схода на линии горизонта. Предметы уменьшаются пропорционально по мере удаления от переднего плана.
Угловая перспектива всегда имеет 2 точки схода, все плоскости стремятся к этим точкам.
Все остальное разнообразие перспектив изображения являются производными от двух основных угловой и фронтальной, к ним относятся: линейная обратная перспектива, сферическая перспектива, плафонная перспектива, билатеральная перспектива, аспектива и перцептивная перспектива. Особое место хочется уделить воздушной (тональной) перспективе. Она характеризуется исчезновением четкости и ясности очертаний предметов по мере их удаления от глаз наблюдателя. При этом дальний план характеризуется уменьшением насыщенности цвета. Цвет теряет свою яркость, контрасты светотени смягчаются, таким образом, глубина кажется более светлой, чем передний план.
___________________________________________________________________________________________
Я намеренно не упоминала такой способ построения композиции, как Золотое сечение, на мой взгляд, золотое сечение — отдельная большая тема, и познакомиться с ней вкратце просто не получится. На Ярмарке Мастеров и так множество прекрасных статей о золотом сечении, например «Золотое сечение. Божественная пропорция» (автор — Даша Самаркина).
__________________________________________________________________________________________
В заключении хочется добавить, что законы композиции не обязательно строго исполнять, они часто противоречат друг другу, но прежде чем их нарушать, стоит научиться ими пользоваться.
Спасибо за внимание!
От автора: все композиционые схемы и примеры (на сером фоне) отрисованы лично мной, пожалуйста при использовании этого материала не забывайте ссылаться на авторство. Спасибо.
Использованные материалы: Выразительность графических и семантических средств в орнаменте. Литвинович Е.И.;
Основы композиции в дизайне. Tanya Flower; Перспектива — Виды перспективы. Шедевры Омска.
Композиция в искусстве
Композиция, пожалуй, самый недооцененный аспект творчества. Это также один из самых важных аспектов, чтобы получить право. Если ваша композиция слабая, то ваша работа также слабая. Даже если у вас есть полный диапазон значений, ваши пропорции верны, и вы использовали носитель в качестве мастера — если ваша композиция плохо спланирована и исполнена, то ваше искусство может считаться неудачным.К счастью, композиция — это одна из тех вещей, которую мы можем исправить, если немного потренироваться и получить знания.Это не требует «таланта», и это определенно не о «догадках». Есть несколько «правил», которые мы можем учитывать при планировании наших работ, чтобы каждый раз добиваться успеха.
Что такое композиция в искусстве?
Очевидно, что создание успешных произведений искусства — это нечто большее, чем просто создание знаков и среднее мастерство. Наша композиция играет важную роль в том, как наши работы рассматриваются и воспринимаются нашей аудиторией.
Но прежде чем мы определим композицию с точки зрения искусства, давайте рассмотрим смежный предмет.
Если вы музыкант, то вы знаете, что музыкальные произведения можно также назвать «композициями». В песне есть структура. Каждый музыкант играет «свою роль». Если музыкант играет не в то время или играет не те ноты, песня становится беспорядочной. Каждая часть тщательно продумана, чтобы песня была лучшей, какой только могла быть. В некоторых песнях гитара может иметь больше частей и доминировать в песне. В других это может быть пианино.
Мы можем сравнить эту музыкальную аналогию с искусством.Как и песня, каждое произведение искусства, которое мы создаем, имеет структуру (или должно иметь структуру). Как художники, мы планируем эту структуру и выполняем ее, создавая искусство.
Если мы не будем тщательно планировать элементы, которые мы включаем, наше искусство может стать настоящим беспорядком.
Таким образом, когда дело доходит до искусства, композиция — это расположение элементов в живописном пространстве (или трехмерном пространстве со скульптурой). Расположение и расположение элементов в работе влияет на то, как зритель взаимодействует с тем, что мы создаем.
Как и в случае с песней, возможности безграничны. У нас есть полная творческая свобода относительно того, как мы размещаем элементы в наших работах. Но даже если возможности безграничны, это не значит, что мы можем подходить к композиции беспорядочно, без планирования. Мы должны создавать свои произведения так же, как это делал бы опытный композитор.
В некоторых работах конкретный элемент может доминировать. В других, другой элемент может доминировать. Тем не менее, мы всегда должны следить за тем, чтобы у нас не было слишком много элементов, конкурирующих за внимание.В песне мы не ожидаем, что соло на гитаре, соло на фортепиано и соло на ударных будут происходить одновременно. В произведении искусства мы также не ожидаем, что все элементы, которые мы включим, будут бороться за внимание.
Вместо этого мы должны сосредоточить внимание нашего зрителя на одном или двух элементах сцены. Эти элементы становятся центром (ами). Все остальные элементы в работе становятся вспомогательными актерами.
Создание координационных центров
Фокусная точка — это область или области внутри сцены, которые командуют визуальным вниманием зрителя.В большинстве случаев фокусы включают основной предмет. У каждого произведения искусства должен быть хотя бы один фокус.
Координаторы должны быть ограничены. Во многих случаях требуется только один координатор. У вас может быть несколько фокусных точек, но любое число, кроме трех, будет трудно осуществить. Если в вашей работе более одного фокусника, то должен быть один, который доминирует над остальными. Другими словами, должен быть один главный координационный центр и, возможно, вспомогательный или вторичный координационный центр.
Координационные центры могут быть созданы в работе с использованием различных методов. Эти методы включают в себя…
- Контраст
- Изоляция
- Размещение
- Конвергенция
- Unusal
Хотя мы кратко рассмотрим каждый из этих методов здесь, мы рассмотрим их более подробно в этих уроках …
Теперь давайте кратко рассмотрим каждую технику создания координационного центра.
Контраст
Контраст имеет дело с разницей.Это может быть разница в значении, цвете, текстуре, размере и т. Д. Когда мы включаем область с сильным контрастом, это притягивает взгляд зрителя к этому месту в работе и создает фокус.
Изоляция
Если в детстве у вас были проблемы, и учитель загнал вас в угол, тогда вы знаете, что такое изоляция. Когда тебя отправляют в угол, на тебя смотрит каждый ребенок в классе. Какое ужасное наказание!
Когда мы изолируем предмет или элемент на чертеже или картине, этот элемент, естественно, привлекает внимание и становится центром внимания.
Размещение
Мы визуально тянем к центру фигур. Если мы думаем о плоскости изображения нашей работы как о форме, такой как прямоугольник, то мы можем ожидать, что наш зритель будет вытянут в центр. Если мы поместим объект близко или точно в центр нашей плоскости изображения, то этот объект становится фокусом.
Ван Гог «Голова женщины» 1882
Хотя этот метод работает для создания сильного фокуса, обычно это не лучший метод для создания визуально стимулирующей композиции.Когда мы помещаем предметы в центр работы, результат, как правило, статичен и скучен. Лучше поместить объект немного смещенным от центра, или еще лучше — на одну из третей. Подробнее об этом через минуту.
Конвергенция
Конвергенция — это акт, направляющий взгляд зрителя в произведение с использованием визуальных подсказок. Это могут быть линии, формы, контрастные цвета и т. Д. Каждый элемент, который мы включаем, может направить взгляд зрителя на фокус. Иногда нас привлекает область внутри произведения просто потому, что художник манипулирует элементами, чтобы заставить нас обратить внимание на определенную область.Мы тоже можем это сделать!
Необычное
Все необычное привлекает наше внимание. Точно так же все, что мы включаем в нашу работу, которое не ожидается или кардинально отличается от других элементов сцены, станет фокусом.
Создание определенного фокуса важно для создания сильной композиции, но это еще не все. Мы также должны рассмотреть несколько принципов дизайна.
Принципы дизайна в художественной композиции
Принципы дизайна касаются расположения элементов искусства в работе. Элементы искусства являются основными компонентами или строительными блоками художественного творчества.
Подробнее об элементах искусства и принципах дизайна вы можете узнать здесь…
Восемь принципов дизайна…
- Баланс
- Пропорция
- Движение
- Ритм
- Гармония
- Unity
- Акцент
- сорт
(Некоторые специалисты в области искусства также включают контраст в качестве принципа.Но поскольку контраст может создать акцент, большинство людей исключают его из списка восьми.)
Не все принципы дизайна напрямую влияют на наши композиции, но большинство из них влияют. Вот более внимательный взгляд на те, которые делают…
Баланс
С точки зрения искусства, баланс относится к общему распределению визуального веса в композиции. Каждый объект, который мы включаем в произведение, несет в себе визуальный вес. Когда мы добавляем элемент к одной стороне нашей композиции, нам нужно добавить еще один или несколько элементов, чтобы сбалансировать визуальный вес на другой стороне.
Визуальный баланс может быть достигнут путем добавления элементов или использования отрицательного пробела. (Подробнее о негативном и позитивном пространстве в данный момент.)
Мы можем сравнить баланс с качелями или качелями. Представьте, что у нас есть один большой объект (или человек) на одной стороне качелей. Качели не будут сбалансированы.
Но если мы добавим пару объектов среднего размера (или людей) на другую сторону качелей, мы достигнем равновесия. Качели теперь сбалансированы.
Если работа не сбалансирована визуально, она может быть «тяжелой».Например, если мы добавим слишком много визуального веса к нижней части композиции, этот вес притянет взгляд зрителя к основанию. Композиция будет чувствовать себя тревожно.
Но если мы противопоставим этот вес элементу или двум в верхней части композиции, тогда он станет более сбалансированным.
Мы также должны знать, как наша композиция обрезается, поскольку это также может повлиять на баланс.
Много раз, у нас будут элементы, которые выходят за пределы плоскости изображения.Если края этих элементов расположены таким образом, чтобы они были близко к краям плоскости изображения, это создаст дополнительный визуальный вес и, возможно, нежелательное внимание.
Посмотрите на изображения ниже. На изображении слева обратите внимание на то, как птица расположена слишком близко к краю плоскости изображения. Край ветви наверху также слишком близко к левой стороне плоскости изображения.
На втором изображении достаточно места с обеих сторон плоскости изображения, чтобы обеспечить немного баланса, что приведет к лучшей композиции.
Если мы расположим объекты в наших работах так, чтобы их края либо заканчивались немного дальше от краев плоскости изображения, либо простирались далеко за пределы плоскости изображения, то этот визуальный вес минимизируется.
Мы должны также рассмотреть каждый из краев плоскости изображения. Если у нас есть элементы, которые выходят за пределы плоскости изображения с двух сторон, мы можем создать слишком большой визуальный вес для этих двух сторон. Но если мы позволим объектам выходить за пределы плоскости изображения со всех четырех сторон, мы можем создать более сбалансированную композицию.
Движение
Движение может означать иллюзию фактического движения на рисунке или картине; или это может относиться к движению, которое глаз зрителя испытывает, испытывая ваше искусство. С точки зрения состава, мы больше всего обеспокоены последним.
Когда зритель взаимодействует с вашим искусством, его глаза переходят от одного элемента к другому. Обычно самый командный элемент требует немедленного внимания. После этого зритель может перейти к другим поддерживающим элементам в сцене.
Как художники, мы можем контролировать это «движение глаз», основываясь на том, как мы планируем нашу композицию. Мы можем направлять зрителя к наиболее важным элементам и много раз контролировать, как большинство людей «проглотит» наше творение. В большинстве случаев мы хотим, чтобы взгляд зрителя проходил через произведение в определенной строке.
В зависимости от предмета, заказ может выглядеть примерно так:
- Зритель втягивается в работу.
- Зритель направляется в фокус (ы).
- Зритель направляется на опорные элементы.
- Зритель направляется с работы или обратно в фокус.
Это визуальное движение обычно достигается путем создания контрастных, направляющих линий, диагоналей и перекрывающихся элементов.
Посмотрите на работу ниже. Когда вы изучите это, обратите внимание на то, как ваши глаза перемещаются по работе.
Уиллард Меткалф «Летающие тени» 1909-1910
Возможно, ваш взгляд следовал по тому же маршруту, что и мой.Я вошел в работу на дне долины, возле ручья. Я направлялся по линии более темных деревьев к центру изобразительного пространства, затем обратно в лес. Затем я последовал за линией деревьев прямо перед далекими горами. Оттуда меня направили обратно в центр.
Расположение этих элементов позволило мне увидеть все важные части в работе, в то же время оценивая каждый раздел картины сам по себе.
Мы можем использовать те же приемы, чтобы немного контролировать взаимодействие зрителя с нашим искусством.Хотя мы не можем полностью контролировать то, как люди будут смотреть на наше искусство, мы можем иметь некоторое влияние на их визуальный опыт.
Ритм
Мы понимаем ритм через повторение. Например, мы можем услышать ритм песни и ее ритм, потому что она повторяется — много раз предсказуемым образом. Без повторения нет ритма.
В искусстве то же самое верно. Мы должны иметь повторение, чтобы иметь ритм. Визуально ритм создается повторяющимися элементами. Это может быть регулярный или неправильный образец повторяющихся фигур или повторение определенного предмета.В любом случае, повторяющиеся элементы создают ритм.
Посмотрите на картину ниже. Обратите внимание на то, как оно имеет чувство ритма.
Ван Гог «Ирисы» 1889
Этот ритм создается посредством повторения. Здесь мы видим, как повторяются формы, созданные для лепестков цветов…
А также формы для меньших цветов в верхнем левом углу …
Формы, созданные для ирисов, ничем не отличаются.Они также повторяют …
Повторяющийся элемент в работе часто называют «мотивом». Включение мотива в вашу работу часто может привести к ощущению гармонии и единства.
Давайте вернемся к аналогии с музыкой. Самые популярные песни имеют постоянный ритм на протяжении всей песни. Динамика песни может измениться, но подпись времени редко меняется. И хотя ноты могут резко измениться, последовательный ритм объединяет песню от начала до конца.
Наши произведения искусства должны иметь такую последовательность, которая ведет нас к следующим принципам — гармония и единство.
Гармония и Единство
Наши художественные композиции также должны быть гармоничными и унифицированными. Гармония и единство настолько тесно связаны, что легко предположить, что это одно и то же. Они очень похожи, но каждый должен рассматриваться отдельно в наших композициях.
Unity имеет дело с чувством «единства». Это обычно достигается в произведении искусства с использованием среды в согласованном порядке и до уровня завершения.Мы также можем думать о единстве с точки зрения художественного стиля. Если стиль и использование медиа постоянно используются в работе, и работа кажется законченной и законченной, мы обычно можем сказать, что работа унифицирована.
Unity также может быть создан в работе путем упрощения. Это может быть достигнуто путем упрощения форм, предметов или цветовых схем.
Работа, представленная ниже, является унифицированной и гармоничной по ряду причин. Наиболее очевидный способ объединения — использование цвета.
Роберт Харрис «Интерьер Северной Африки» 1877
Харрис упростил цветовую схему и использовал в основном дополнительные цвета красного и зеленого.Зеленый очень землистый, но все еще присутствует.
Гармония помогает создать единство в работе. В то время как единство касается произведения искусства в целом, гармония в большей степени касается отдельных частей произведения. Если отдельные части произведения все работают вместе, то искусство можно считать гармоничным.
Другой способ думать об этом — это рассмотреть семью. Семья состоит из разных членов. Давайте посмотрим на семью в традиционном смысле этой аналогии.Семья может иметь отца, мать, сына и дочь. Каждый член семьи индивидуален и является их собственным уникальным человеком, но семья все еще является единицей. Некоторые семьи хорошо ладят друг с другом, а другие нет.
Мы можем создать гармонию и единство в наших композициях с помощью…
- Использование носителя в согласованном порядке на протяжении всей работы.
- Упрощение форм, предметов или цветовых схем.
- Использование единого стиля в работе.
- Убедиться, что работа кажется законченной.
- Обеспечение того, чтобы каждая отдельная часть произведения работала (и имела смысл) с другими частями.
Акцент
Мы часто используем акцент, чтобы определить фокус или точки в композиции. Мы уже обсуждали несколько способов, которыми художник может создать фокус в работе. Каждый из этих методов опирается на успех. Акцент, как правило, создается в работе с помощью какой-либо формы контраста.
Посмотрите на работу ниже. Как вы думаете, что подчеркивается?
Эдгар Дега «Пьющий абсент» 1876
Большинство из нас обращается к женщине на сцене, точнее — к ее лицу.Дега привлек к ней наше внимание несколькими способами. Для начала, она находится в центре в плоскости изображения. Вокруг нее также сильный ценностный контраст. Обратите внимание, как мужчина рядом с ней одет в черное, а она в белое. Прямо рядом с ее светлым лицом на стене даже темная тень.
Затем есть линии конвергенции, созданные столами и задним краем скамьи.
Вы также заметите, что лицо женщины имеет больше деталей по сравнению с другими элементами сцены.Это также помогает привлечь внимание зрителя.
Все эти характеристики помогают влиять на то, как мы взаимодействуем с субъектом.
сорт
Подобно акценту, разнообразие также влияет на разницу. Наши рисунки и картины должны включать в себя некоторое разнообразие.
Подумайте о вашей любимой еде на мгновение. Теперь подумайте, какой была бы жизнь, если бы вам приходилось есть свою любимую еду на каждый прием пищи до конца жизни. На завтрак, обед и ужин — у вас есть любимая еда и больше ничего.Это может быть здорово в первый день, но после этого вы очень устанете от любимой еды.
Мы можем думать о наших работах одинаково. Мы не хотим утомлять наших зрителей той же визуальной информацией. Вместо этого мы должны включить некоторое разнообразие, чтобы держать их вовлеченными и сделать наши художественные работы более интересными.
Хитрость здесь в том, чтобы сбалансировать гармонию и разнообразие. Если мы займемся разнообразием, работа, скорее всего, не будет гармоничной. Если мы заходим в гармонию слишком далеко, работе может не хватать разнообразия.
Посмотрите на изображение ниже. Обратите внимание, сколько разнообразия присутствует…
Василий Кандинский «Композиция IV» 1911
Кандинский создал разнообразие, используя широкий диапазон цветов, но сохранил единство живописи за счет упрощения.
Позитивное и негативное пространство
Космос — один из семи элементов искусства. Когда мы думаем о пространстве, мы часто рассматриваем его с точки зрения глубины или иллюзии глубины в чертеже или картине. Тем не менее, когда речь идет о композиции, мы можем думать о пространстве с точки зрения фактического изобразительного пространства на чертеже или поверхности рисования.
Пространство, которое занимают важные предметы или элементы дизайна, считается положительным пространством. Области, которые окружают эти места, считаются негативным пространством. Часто именно негативное пространство предоставляет зрителю зону «покоя».
Посмотрите на изображения ниже. Сначала мы видим исходное изображение слева. На среднем изображении отрицательное пространство выделяется красным. В третьем мы видим положительное пространство, выделенное красным.
Позитивное и негативное пространство работают вместе, чтобы создать композицию.Композиция может состоять в основном из положительного пространства, равного баланса двух или в основном из отрицательного пространства.
На следующем рисунке показана композиция, состоящая в основном из позитивного пространства…
Вот пример композиции из равных частей положительного и отрицательного пространства…
А вот один, сделанный в основном из негативного пространства …
Каждая из этих композиций происходит от одного и того же предмета, и каждый может считаться «успешным».
Успешное использование положительного и отрицательного пространства в композиции зависит от баланса. То, как этот баланс будет достигнут, будет зависеть от предмета, использования среды, включенного уровня детализации, контраста и других визуальных факторов.
Лучший способ создать баланс в работе и убедиться, что положительное и отрицательное пространство работают на благо композиции, — это тщательное планирование.
Планирование вашей композиции
Планирование, пожалуй, самый важный аспект для достижения успеха с вашими композициями.К сожалению, это шаг, который большинство людей пропускают полностью.
Допустим, вы решили отправиться в путешествие в место, где вы никогда не были. Не имеет смысла просто собирать чемоданы, садиться в машину и уезжать, не зная, как добраться до места назначения. Скорее всего, вы посмотрите на карту или введете пункт назначения в навигационную систему. Вы никогда не прибудете в пункт назначения без какой-либо формы подготовки и руководства.
Таким же образом, мы должны планировать наши композиции, прежде чем пытаться их исполнить.Нам нужно знать «куда мы идем» с нашими работами. Мы должны спланировать окончательный результат, прежде чем приступить к его созданию. Мы можем изменить наши идеи, когда мы работаем, если хотим, но у нас должно быть общее представление о том, как мы хотим, чтобы законченная работа выглядела до того, как мы погрузимся.
Планируя, мы можем решить все композиционные загадки, которые входят в создание сильного произведения искусства. Когда мы делаем это, мы можем сосредоточиться на реальном процессе рисования и рисования, так как большинство наших решений относительно композиции уже принято.
В большинстве случаев планирование композиции включает создание небольших рисунков, в которых отсутствуют детали. Эти маленькие рисунки часто называют эскизами или предварительными набросками. Миниатюры должны создаваться быстро и подходить к ним экспериментально. Чем больше эскизов вы создадите перед началом работы на финальной поверхности, тем выше ваши шансы на создание удачной композиции.
Создавая свои миниатюры, будьте готовы пробовать разные вещи.Экспериментируйте с позиционированием предметов и с балансом положительного и отрицательного пространства. Подумайте, как взгляд зрителя может перемещаться в процессе работы. Попробуйте вертикальные композиции и сравните их с горизонтальными. Экспериментируйте с разными цветами. Держите свой разум открытым.
Часто мы думаем о том, что хотим создать, и естественно предполагаем, что именно это видение является наиболее успешным. Однако в большинстве случаев наше первоначальное видение является лишь «верхушкой айсберга».Немного «копая», наше оригинальное видение развивается в нечто гораздо более успешное. Это происходит только тогда, когда мы открыты для экспериментов, и мы уделяем время планированию.
Правило третей
Правило третей — это композиционная теория, основанная на размещении предметов в композиции. Он основан на Золотой Середине, которая является математической формулой, которая имеет дело с пропорциональными отношениями. Поскольку Золотая середина довольно сложна, большинство художников и фотографов полагаются на правило третей для создания аналогичного эффекта.
Вот как это работает …
Давайте возьмем композицию и разделим ее на три части — по горизонтали и по вертикали. Мы можем представить линии, которые проходят вдоль каждой из третей. Эти линии пересекаются в четырех местах в плоскости изображения. Размещая важные объекты или фокусы на этих местах пересечения или рядом с ними, мы создаем более эстетически удачную композицию.
Арманд Гийом «Лощина в снегу» 1869
Обратите внимание, как Гийомен расположил фигуру почти прямо на одной из этих точек.
Мы также можем создавать более динамичные и интересные композиции, помещая предметы прямо в эти строки.
Создание диагоналей
Композиции могут быть динамическими или статическими. Статические композиции довольно прямые и прямые. Статическая композиция имеет смысл для информационного изображения — как научная иллюстрация. Напротив, динамическая композиция создает большее чувство истории и привлекает зрителя. В большинстве случаев мы хотим, чтобы наши композиции были динамичными.
Динамические композиции могут быть созданы путем включения в работу диагоналей. Эти диагонали могут быть созданы с фактическими линиями и формами или подразумеваемыми линиями. Они также могут быть использованы, чтобы помочь зрителю взглянуть на работу, как мы обсуждали ранее.
Фредрик Ремингтон «Ковбой» 1902
Ищите интересные способы включить диагонали в свою работу. Это может означать, что вы меняете угол обзора зрителя. Вместо того, чтобы рисовать или раскрашивать предметы со стандартной точки зрения, рассмотрите вид сверху или снизу или даже под наклоном.
Нечетные числа лучше
Когда мы составляем наши художественные работы, мы также должны учитывать количество предметов или элементов, которые мы включаем. Человеческий разум находит баланс в нечетных числах. Наиболее оптимальное число для использования — 3. Это означает, что если вы пишете натюрморт, лучше всего использовать 3 объекта. Это не значит, что мы ограничены 3 объектами. Мы можем, конечно, включить больше, если мы хотим. Но если мы включим больше, лучше использовать нечетные числа.
Давайте рассмотрим изображение с двумя объектами.С двумя объектами, кажется, что-то вроде визуального соревнования между ними. Трудно решить, какой предмет является координационным центром.
Однако, когда мы включаем третий, два других субъекта действуют, чтобы создать третий, что приводит к более сбалансированной композиции.
Заключение
Композиция не является «догадкой». Великолепная композиция — это не результат удачи и, конечно, не талант. Речь идет о понимании того, как зритель будет визуально взаимодействовать с тем, что мы создаем, и тщательном планировании.
Мы довольно много здесь рассмотрели. Нужно впитать много информации. Но если вы будете практиковать эти концепции и включать их в свои художественные работы, они постепенно станут интуитивно понятными, а ваши композиции улучшатся.
,% PDF-1.5 % 5 0 объектов> поток 0 г 0 г 0 г 0 г 0 г 0 г BT / F16 10,9091 Tf 46,771 518,175 Td [(The) -250 (проект) -250 (Гутенберг) -250 (электронная книга) -250 (из) -250 (состав) -250 (by) -250 (Артур) -250 (Dow )] TJ 0 -29,913 Td [(This) -380 (электронная книга) -380 (есть) -381 (для) -380 (для) -380 (использовать) -380 (из) -380 (для всех) -381 (где угодно ) -380 (в) -380 (нет) -380 (стоимость) -380 (и)] TJ 0 -13,549 Td [(с) -327 (почти) -327 (нет) -327 (ограничения) -327 (что угодно .) — 481 (Вы) -326 (май) -327 (копия) -327 (оно,) — 346 (дача)] TJ 0 -13,549 Td [(это) -400 (прочь) -399 (или) -400 (повторное использование) -400 (it) -399 (под) -400 (the) -400 (сроков) -399 (of) -400 (the) -400 (Project) -399 (Gutenberg)] TJ 0 -13 ,549 Td [(Лицензия) -240 (в комплекте) -240 (с) -240 (с этим) -240 (электронная книга) -240 (или) с -240 (онлайн) -240 (с) -240 (http: // www. Гутен -)] TJ 0 -13,55 Td [(berg.org/license)]TJ 0 -29,912 Td [(Название:) — 500 (Композиция)] TJ 0 -27,099 Td [(Автор:) — 500 (Артур) — 500 (Dow)] TJ 0 -27,098 Td [(Релиз) -500 (Дата:) — 500 (Апрель) -500 (15,) — 500 (2014) -500 ([Электронная книга) -500 (45410])] TJ 0 -27,098 Td [(Язык:) — 500 (английский)] TJ 0 -40,648 Td [(*** START) -500 (OF) -500 (THE) -500 (PROJECT) -500 (GUTENBERG) -500 ( Электронная книга)] TJ 0 -13,549 Td [(СОСТАВ ***)] TJ 0 г 0 г 0 г 0 г ET endstream endobj 14 0 объектов> поток 0 г 0 г 0 г 0 г 0 г 0 г 0 г 0 г endstream endobj 18 0 объектов> поток 0 г 0 г 0 г 0 г BT / F16 15.7808 Tf 146,309 518,175 Td [(Состав)] TJ / F16 13,1507 Tf -90,054 -27,098 Td [(A) -251 (серия) -252 (из) -251 (упражнения) -252 (в) -251 (искусство) — 252 (структура) -251 (для) -251 (для) -252 (для использования) -251 (из)] TJ 71,932 -13,549 Td [(студенты) -262 (и) -263 (чай) 1 (ее)] TJ / F16 10,9091 Tf 6,722 -67,746 Td [(By) -263 (Arthur) -264 (Wesley) -263 (Dow)] TJ -65,519 -13,55 Td [(Профессор) -253 (of) -254 (Fine) -253 (Искусства) -254 (in) -253 (Учителя) -253 (Колледж,) — 255 (Колумбия)] TJ 59.469 -13.549 Td [(Университет) -262 (Новый) -263 (Йорк) -262 (Город)] TJ -43.351 -13,549 Td [(ранее) -256 (инструктор) -256 (in) -255 (Art) -256 (at) -256 (the) -256 (Pratt) -256 (Institute)] TJ -38,737 -13,549 Td [(Автор) -245 (из) -246 (теории) -245 (а) -245 (практика) -246 (из) -245 (Обучение) -245 (ст) -246 (а) -245 (The) — 245 (Ипсвич)] TJ 127,584 -13,549 Td [(печать)] TJ -115,8 -54,197 Td [(девятый) -254 (издание)] TJ / F19 10,9091 Tf 80,918 0 Td [(\ 024)] TJ / F16 10,9091 Tf 10,909 0 Тд [(ПЕРЕСМОТРЕНО) -254 (И) -253 (УВЕЛИЧЕНО) -254 (С)] ТДж-75,486 -13,549 Тд [(НОВОЕ) -258 (ИЛЛЮСТРАЦИИ) -259 (И) -258 (ЦВЕТ) -259 (ПЛАСТИНЫ)] TJ 0 г 0 г ET 1 0 0 1 143.471 177,716 см Q .2903 0 0 .2903 0 0 см Q 290 0 0 291 0 0 см / Im1 Do Q Q 0 г 0 г 1 0 0 1 -143,471 -177,716 см BT / F16 10,9091 Tf 134,207 152,353 Td [(Сад) -276 (Город), — 283 (Новый) -277 (Йорк)] TJ -32,536 -13,549 Td [(ДУБЛЕД,) — 266 (СТРАНИЦА) -267 (&) — 267 (КОМПАНИЯ)] ТДж 74.506 -27.098 ТД [(1914)] ТДж 0 г 0 г 0 г 0 г ET endstream endobj 15 0 объектов> поток