Композиция в иллюстрации: Основы иллюстрации: Как построить удачную композицию — Главная

Содержание

Основы иллюстрации: Как построить удачную композицию

Любое произведение искусства, будь то картина, симфония или же кино, несомненно требует того или иного построения, структуры. Иначе говоря — композиции или компоновки. В музыкальных произведениях — это расположение нот, в кино — это тщательно составленный сценарий, ну а в иллюстрации, фотографии и живописи — это расположение объектов на рабочей поверхности.

Именно о композиции в рисовании и пойдёт речь в этой статье.

Любая иллюстрация или рисунок состоит из объектов, которые, в свою очередь состоят из линий и форм. Композицию в целом определяют также цвета, тени, контраст, текстура, формы и пропорции объектов.

Задача художника расположить объекты, цвета и тени в определённом порядке, чтобы это всё складывалось в гармоничную картину.

Существует несколько основных правил при составлении композиции. Давайте рассмотрим основные из них на наглядных примерах.

Правило трёх третей

Разделение рабочей поверхности на 9 равных квадратиков, как показано на рисунке.

Делается это для того, чтобы расположить центральный объект максимально гармонично с другими элементами композиции, видя таким образом чётко центр рабочей поверхности,и её периферийные зоны.

Итак, центральный объект присутствует в каждой композиции. В данном случае это парусник. Как мы видим, часть кораблика выступает в центральную зону фотографии, а его остальные части приходятся на верхнюю и среднюю правые зоны.

Давайте рассмотрим другой пример:

Здесь вступает в силу ещё одно правило — любая композиция, будь это фотография или рисунок, всегда более выигрышно смотрится с центральным объектом, смещённым хоть немного от центра в какую бы то ни было сторону. Буквально несколько сантиметров от центра в край — и композиция уже превращается из посредственной в интересную и живую.

Угол или ракурс объектов

Порой художник выбирает нестандартное положение объекта. То есть, рисует его таким образом, что он будто расположен под неким углом, например “вид сверху” или же наоборот “вид снизу” — возможности безграничны. Есть в рисовании такое понятие как перспективное сокращение — изменение размера объектов с целью придать рисунку эффект трёхмерного пространства.

Здесь-то и начинаются сложности у художников — ведь определенный ракурс требует сокращения отдельных пропорций предмета в перспективе. Иными словами, если рисуется например человек в положении “вид сверху”, то его голова будет большой, а тело и ноги очень маленькими, так как происходит сокращение в перспективе — чем дальше от зрителя та или иная часть объекта, тем меньше она будет в размерах, и наоборот. Давайте рассмотрим на примере:

Мы видим, что голова девушки на первом рисунке имеет огромный размер, тогда как её руки очень малы по сравнению с головой, а тело и вовсе видно не целиком. А всё потому, что художник расположил её таким образом, чтобы создался эффект “вид сверху”. Тело объекта словно уходит “вниз”. На второй картинке дорога уходит вдаль от зрителя, создавая эффект дальнего расстояния, сужаясь вдалеке.

Работа с перспективой сама по себе нелегка и требует постоянной практики. Здесь важно поделить лист на условные линии, которые уходят как бы “вглубь композиции”, в зависимости оттого, какое направление художник выбрал для построения объекта.

Таким образом, на первом рисунке линии уходят вниз, имея наибольшую дистанцию между собой вверху, становясь всё уже до тех пор, пока не пересекутся где-то в районе ног девушки (даже если в данном рисунке ног не видно).

На второй же композиции линии уходят от зрителя в даль. Работая с расстоянием, можно и даже нужно не ограничивать себя только двумя линиями, их количество может быть каким угодно. Главное помнить, что условные линии рано или поздно пересекутся между собой в единой точке, в этом направлении и стоит сокращать все объекты в композиции. Это будет поначалу очень даже нелегко, однако, овладев успешным применением перспективного сокращения, художника ждет стопроцентный успех в составлении любой композиции. Так что игра стоит свеч!

Правило нечётности

Правило гласит, что композиция с нечётным количеством предметов всегда смотрится интересней и выигрышней, нежели композиция с чётным количеством. Это связано с тем, что смотрящий подсознательно группирует композицию с чётным количеством элементов, таким образом теряя центральный объект.

Казалось бы, на обеих картинах лошади, но картина с тремя смотрится более интересно по сравнению с композицией, где присутствует два коня.

Помимо расположения центральных и вспомогательных объектов, соблюдения пропорций и перспективы, художнику надо учитывать цветовые решения, свет-тень, а также контраст. Практика, эксперименты и любовь к искусству — важные составляющие, которые помогут преуспеть на этом поприще. Результат не заставит себя ждать — вы увидите, как ваши работы будут только расти в плане качества и профессионализма. Смело экспериментируйте, импровизируйте, иначе какое же это искусство. А главное, ничего не бойтесь — и тогда всё у вас получится!

Источник: say-hi.me
Фото на обложке: ShutterStock

Композиция в рисунке или секреты удачной картины / Doodle&Sketch

Чтобы научиться рисовать, важно четко понимать, что же такое композиция в рисунке и с чем ее едят. Композиция в рисунке и живописи — это расположение предметов на вашей картине. Если говорить по-научному, то композиция — это распределение предметов и фигур в пространстве, установление соотношения их объемов, света и тени, пятен цвета. Если композиция в картине правильная, то все элементы картины будут визуально органично связаны между собой. В рисунке и живописи существуют два основных вида композиции: 1. Статичная композиция — это композиция, которая передает в рисунке ощущение равновесия, состояние умиротворения. 2. Динамичная композиция — хорошо передает движение, бурные эмоции, стихию природы. Разницу этих двух видов композиции можно отчетливо увидеть на примере рисунка ракеты ниже.

На левом рисунке ракета неподвижна. Это ощущение создается за счет статичной композиции. Статичная композиция в этом рисунке возникает за счет пересечения горизонтальной оси (линия горизонта) с вертикальной осью (ровно стоящая на земле ракета) под прямым углом. Пересечение вертикальной и горизонтальной линий под прямым углом (перпендикулярные прямые) в рисунке всегда добавляет статики и монументальности. На правом рисунке есть ощущение, что ракета летит. Это ощущение для зрителя мы создали с помощью динамичной композиции за счет смещения угла наклона. Вы можете легко проделать такой же эксперимент, нарисовав, например, чашку. Когда вы нарисуете горизонтальную линию стола и ровно перпендикулярно столу нарисуете чашку — вы увидите устойчивое состояние (статичная композиция). А теперь нарисуйте чашку под углом к столу и вы увидите, что возникло ощущение момента падения, динамики (динамичная композиция).

Мы разобрались с основными видами композиции в рисунке и живописи и теперь переходим к следующему важному элементу — композиционному центру. Композиционный центр — это объект, к которому, по задумке художника, должен стремиться глаз зрителя — центральный элемент рисунка. Художнику очень важно уметь определить композиционный центр и сделать на нем акцент в своей работе. Есть и исключения. Например, паттерны (простые повторяющиеся формы, цвета или объекты), специфические иллюстрации, поддержанные определенной концепцией, могут не содержать композиционного центра.

✔ КОНТРАСТНЫЙ КОМПОЗИЦИОННЫЙ ЦЕНТР Контраст — это яркая разница между светлым и темным. Уловка заключается в том, что необходимо противопоставить композиционный центр тональности остальной композиции. То есть сделать так, чтобы задуманный вами композиционный центр был явно темнее, или явно светлее остальных элементов на картине. Если сравнить два рисунка ниже, то вне зависимости от расположения ракеты, композиционный центр явно считывается — это, как раз, достигается за счет контраста с основным фоном. При использовании этого приема, надо учитывать некоторые моменты: темные заливки, визуально уменьшают предмет, а светлые, наоборот — увеличивают.

✔ НАПРАВЛЯЮЩИЕ ОСИ Для привлечения внимания к композиционному центру своей картины, используйте направляющие линии. Направляющие линии можно использовать как леску, на которую нанизывают бусины, только вместо бусин будут предметы, задуманные в композиции. Важно построить движение, как систему коридоров, ведущих к одной цели — композиционному центру. На левом рисунке к композиционному центру (космонавту) ведут направляющие линии с разных углов. А в правом, несмотря на насыщенность деталями композиции, за счет направляющих линий и направления движения всех элементов, композиционный центр (космонавт) также остается выделенным.

✔ РАЗМЕРНОСТЬ И МНОГОПЛАНОВОСТЬ Чем больше объект, тем больше на него внимания. Поэтому, чтобы сделать какой-то объект главным на свое картине — сделайте его большим. Но здесь есть важные исключения: если все объекты на картине крупные и лишь один маленький — он интуитивно будет играть роль «крючка», и зритель будет, неоднократно, визуально возвращаться к нему. Многоплановость — позволяет создать пространство и глубину в изображении. Чтобы выделить композиционный центр в своей работе, выдвиньте его на передний план, а все остальные элементы — на задний. Или сделайте наоборот: обозначьте композиционный центр на заднем плане, а неважные элементы — на переднем. Самое главное — чтобы композиционный центр был единственным элементом, стоящим на заднем или переднем плане. Здесь верные помощники — это размывки (blur), помогающие усилить разность планов, как на рисунке справа.

Мы уже знаем, как создать ощущение покоя или движения в рисунке за счет статичной и динамичной композиции, а также как привлечь внимание зрителя к главному объекту композиции — «композиционному центру» за счет особых приемов и «уловок». Теперь нам пора узнать, по каким правилам необходимо выстраивать гармоничную и правильную композицию в рисунке. В изобразительном искусстве существует несколько правил, по которым строится композиция. Для того чтобы научиться рисовать, вам нужно иметь представление об этих самых правилах.

Поэтому ниже я постараюсь максимально понятно и кратко рассказать о них.

“Золотое сечение” бывает двух видов: 1. Спиралевидное золотое сечение или логарифмическая спираль (левый рисунок). Свое название эта спираль получила из-за связи с последовательностью вложенных друг в друга прямоугольников с отношением сторон, равным φ (это фиксированная величина, равная 1,62), которое принято называть золотыми. Достаточно визуально представить спираль на листе и уже на ней расположить предметы. Или ориентируясь на данный рисунок, тонкой еле заметной, карандашной линией, нарисовать ее на листе. Спиралевидное золотое сечение очень распространено в природе – например, раковина улитки. 2. Диагональное золотое сечение (правый рисунок). Диагональное золотое сечение широко используется в композиции для распределения объектов разных по смыслу. В прямоугольнике проводим диагональ. Далее из вершины необходимо провести перпендикуляр к уже проведенной диагонали.

В итоге получаются три треугольника разных размеров. Значимые объекты располагаются в них. Это правило означает, что для гармоничной композиции нужно масштабы предметов соотносить с пропорциями nhteujkmybrjd (как на правом рисунке). Большой объект — в большом треугольнике «а», средний — в среднем треугольнике «b», маленький — в маленьком треугольнике «с».

Рассмотрим пример слева — спиралевидное сечение. Я расположила человечков по оси спирали. По мере закругление спирали, происходит уменьшение формы и возникает ощущение урагана или бури, а так же появляется глубина пространства и перспектива. На иллюстрации справа мы распределяем объекты (звездочка, ракета и космонавт), ориентируясь на их общий объем и массу. Чем больше размер (в нашем случае это космонавт), тем больший сегмент он занимает, соответственно, маленькая звездочка — займет самый маленький треугольник. Композиция получится интересной благодаря разным по объему предметам.

Если в композиции несколько объектов, то рекомендую их расположить на пересечении линий — композиция не потеряет выразительности. На линиях можно располагать объекты, на которые художник хочет сделать упор. Линия горизонта может пролегать по одной из горизонтальных линий, то есть, композиция делится 1 к 2 (как на правом рисунке внизу), где одна часть — это земля, а две части — это небо.

Основной рисунок и композиция. Тайные знания коммерческих иллюстраторов

Основной рисунок и композиция

Чтобы быстро нарисовать хороший чистовик, нужен эскиз. Первый набросок может быть совсем грубым, главное — наметить рамку с пропорциями будущей иллюстрации, горизонт, местоположение и масштаб объектов.

Самой лучшей основой для гармоничной композиции считается золотое сечение. Именуемое также золотой пропорцией и гармоническим делением, оно обозначается буквой «фи» (ф) и выражается формулой:

Если делить отрезок по принципу золотого сечения, следуя правилу: «А относится к B, как A+B к А», мы получим:

Отрезок, разделенный по правилу золотого сечения:

Начиная с Леонардо да Винчи, многие художники и архитекторы сознательно строили свои работы на «золотых» пропорциях. Для простоты большинство использует приблизительный вариант, когда длинная сторона изображения делится на пять частей, а короткая — на три. Через полученные точки проводятся горизонтальные и вертикальные отрезки:

Все пересечения отрезков считаются хорошим местом для расположения важных элементов на иллюстрации

На разворотах ниже показаны примеры расположения ключевых точек иллюстрации по правилу золотого сечения.

Асимметрично скомпонованные работы считаются более интересными

Центрально-симметричные композиции выглядят монументально и стабильно, но считаются банальными. Их хорошо использовать для изображения гербов, памятников, а также если надо подчеркнуть значение главного героя или элемента

Рассматривая картинку, человек первым делом ищет взглядом центральный элемент. Это главный герой сюжета или самый важный предмет. Рекомендуется располагать его на одном из пересечений отрезков в золотом сечении

Линию горизонта не рекомендуется проводить в середине. Здесь тоже лучше всего придерживаться правил золотого сечения

При этом располагать горизонт выше середины картинки допустимо, только если все самое интересное находится в нижней части и это используется как «изюминка»

Главный элемент поддерживается окружающим пространством

Слишком близкое расположение к краям картинки может испортить всю композицию

Снизу должно быть больше пространства, чем сверху, иначе возникает ощущение придавленности композиции

Однако чрезмерное приближение к верхнему краю создает впечатление, что изображение обрезано

Если нужно показать несколько равноценных элементов, пространство можно делить между ними поровну

Или по правилам золотого сечения

Важно стремиться к равновесию между светом и тьмой.

Темные пятна всегда выглядят тяжело и давят на композицию

Большое количество деталей создает ощущение «шума»

Отсутствие тяжелых и плотных (достаточно больших и темных) элементов делает композицию раздробленной, глазу не на чем остановиться

Здесь стоит прислушиваться к собственным ощущениям и пробовать разные варианты.

Данный текст является ознакомительным фрагментом.

Продолжение на ЛитРес

10 «простых» шагов к созданию иллюстрации

Рецепт такой: берете целеустремленного человека, добавляете к нему горы переживаний, кипы бумаги, краски и немного разочарования, и ждете 25 лет, пока это «тесто» поднимется.

Иллюстрация – это просто!

Я считаю, что любая хорошая иллюстрация стоит на плечах своих удачных и провальных предшественниц. В основе способности к самосовершенствованию лежит наше учение на собственных ошибках и счастливые случайности, благодаря которым мы открыли что-то новое для себя. Нам всем знакомо то чувство, когда мазок кисти ложится именно так, как мы хотели, или когда ряд штрихов неожиданно создает нужный нам эффект или образ, за которым мы гоняемся неделями, месяцами и годами.

Постепенно мы составляем список вещей, которые должны решить или, по крайней мере, принять во внимание, чтобы профессионально заняться карьерой иллюстратора. Здесь представлен мой перечень таких вещей. Я пытаюсь удержать их в своей голове, пока рисую.

1. История

В иллюстрации что-то должно происходить. Картинка показывает нам часть истории, пойманной в «тот самый» ключевой момент. Это гораздо лучше, чем брать моменты до или после события. К примеру, мы говорим: рыцарь и дракон. Какое изображение возникает в вашей голове? Может это события после битвы, когда дракон мертв и раненый рыцарь пытается отдышаться? Или может та часть, когда рыцарь входит в пещеру и дракон просыпается, чтобы принять вызов? Или, как я предпочитаю, когда рыцарь, уклоняясь от пламени из пасти дракона, напрягает все тело, чтобы нанести смертельный удар чудовищу.

Я не говорю, что другие два образа не содержат в себе истории. Но я считаю, если истории нет вообще, то бесполезно использовать остальную часть моего списка. История – вот, где начинается иллюстрация! Без нее вы всего лишь рисуете предметы.

Elminster´s forgotten realms

2. Композиция

Композиция – это все то, что инсценирует историю. Это выделение сути события, и «пересказ» его на бумаге при помощи наброска из нескольких незначительных линий. Очень полезно зарисовывать миниатюры и композиции в серых тонах, это основа ясности и понятности. Этот шаг самый сложный для меня, больше всего энергии я трачу именно здесь. Я много раз тщательно просматриваю 10-15 готовых миниатюр, прежде чем решиться на что-нибудь.

3. Действие

Много лет назад я показывал сцену боя, которую нарисовал, знакомому художнику Тодду Локвуду. Он был очень вежливым и сказал, что ему нравится, но.. «Ты знаешь что, Джеспер? Я всегда пытаюсь поймать фигуры за пределами равновесия в сражении, как если бы они были в процессе движения».

Я заметил, что когда рисовал бой варваров, их ступни стояли на земле ровно. Если вы хотите поймать событие, в тот момент, когда оно происходит, то вам нужно уловить само действие.

Иллюстрация к настольной игре «Decent journeys in the dark»

4. Постановка позы

Чтобы показать действие, вам нужно правильно расставить фигуры. Я всегда был фанатом экстремальных ракурсов, однако, если перестараться, фигуры будет невозможно прочесть. Нахождение правильной и особенно интересной позы, требует создания множества зарисовок. И когда, наконец, сумел найти подходящую, без сил сползаешь на пол или, наоборот, прыгаешь от радости. Я помню, однажды мы обсуждали, как много всякого хлама таскают персонажи ролевых игр. Затем мы экипировали меня кольчугой, повесили рюкзак на спину и прицепили на пояс мечи, топоры и щит. В итоге получилось так, что я вообще был неспособен двигаться, не говоря уже о том, чтобы встать в крутую позу.

Когда я пытаюсь найти подходящую позу для фигуры, то сосредотачиваюсь на эмоции персонажа и пытаюсь избежать слишком неестественных вариантов.

Мензоберранзан

5. Выразительность

Выразительность это явно самая моя уязвимая точка. Я завидую художникам, которые способны поймать эмоцию в жестах и выражении лица. Мой брат говорит мне, что все мои фигуры имеют какой-то хмурый облик. Но, по крайней мере, я могу утверждать, что лица, которые я рисую, передают какие-то эмоции.

Wren’s Run Vanquisher

6. Дизайн

В фэнтези есть наборы типичной экипировки, которую носят различные классы. Они указывают на то, кем или чем является персонаж. Жезлы для священников, посохи для магов и т.д. Хотя изменять правилам порой намного интереснее. Думаю, тут главное узнать и изучить исторические костюмы и различное оружие. Если знаешь, как пользоваться тем или иным предметом, то сможешь создать свою собственную версию персонажа.

Персонаж для обложки Paizo

7. Детали

Я слышал, как Пол Боннер однажды сказал: «Если сомневаешься, добавь больше деталей». Детали позволяют глазам совершить маленькое путешествие в происходящее событие. Излишне говорить, что есть тонкая грань между «просто добавить деталей» и «сильно переборщить» и создать излишне детализированную картинку. Но я все же считаю, что детали добавляют фигуре убедительности. Например, кто бы мог подумать, что Конан сможет самостоятельно справиться там в снегах, одевшись только в набедренную повязку и какие-то сапоги?

Plots that span centuries

8. Цвета

Цвета создают настроение. Оставаться в пределах серых или темных цветов это самый легкий путь. Но я всегда пытаюсь заменить темные и черные области на яркие цвета. Создание цветовых схем, применение их на многочисленных цветовых черновиках – это то, что лучше всего подходит для меня.

9. Силуэт

Все в рисунке должно иметь ясный и понятный силуэт. Неважно, светлая это фигура на темном фоне или темная фигура на светлом. Я понял это очень рано, когда раскрашивал комиксы. Сфокусировавшись только на цвете, я смог изобразить историю очень ясно и понятно, ведь кто-то уже привел в порядок силуэты и очертания.

Vow of Malice

10. Собственный стиль

Когда вы смешиваете все пункты вместе, это все еще немного простовато. В чем ваш собственный стиль? Ваша фишка, ваша особенность? Все, что знаю об этом: как только я перестал обращать на это внимание, так сразу люди начали говорить мне, что они стали узнавать мой стиль.

Играя на своих слабостях, подчеркните свои сильные стороны, я думаю это и есть начало собственного стиля.

Beast Token, Magic The Gathering

Как нарисовать иллюстрацию, которая будет цеплять за живое?

Недавно у нас на марафоне День Крокодила победила работа к стихотворению “Буренка по прозвищу Мурка”. Это единственный рисунок, который все члены жюри выбрали единогласно. Обычно мы долго спорим, и отстаиваем своих любимчиков. Но в этот раз споров не было. Мы все влюбились в эту Мурку с первого взгляда. И вроде не было в этом рисунке ничего особенного. Очень простая композиция, незатейливая техника, но СТОЛЬКО настроения, теплоты и озорства! Посмотрите на этих кур! И на пчел! И сама Мурка – просто милашка! Как нарисовать такую иллюстрацию?

Создательница этого очарования – замечательная Оля Голубева. У Оли отлично получилось уловить суть стихотворения. Его атмосферу и настроение. Я спросила, как ей это удалось, и у нас завязалась очень интересная беседа о том, что же делает иллюстрацию ЖИВОЙ и ЦЕПЛЯЮЩЕЙ. Это очень важная тема, которая волнует большинство начинающих, и уже профессиональных иллюстраторов и художников.

И оказалось, что Оля целую диссертацию на эту тему написала. Я ее уболтала поделиться своими умозаключениями в нашем блоге. Статья получилась ОЧЕНЬ интересная, вдохновляющая, содержательная, важная. Если вы тоже задумывались над этим вопросом, вам обязательно нужно ее прочитать!!! Обещаю, вы не пожалеете! Дальше передаю слово Оле. Наслаждайтесь!!!!

“Сегодня я хочу поговорить не тему, которая меня безумно волнует и не даёт спать по ночам, а именно – что делает иллюстрацию ЖИВОЙ?

Для начала давайте разберёмся что же такое иллюстрация?

По словам Ури Шулевица, «главная функция иллюстрации – освещать текст, проливать свет на слова… иллюстрация в средневековых книгах называется иллюминацией, термин иллюстрация происходит от латинского глагола “illustrate” означающего «освещать» , «светить»»

Ежедневно, листая ленту Инстаграм я вижу огромное количество всевозможных картинок. Большинство, словно морской песок, проскальзывают между пальцами, особо не запоминаясь, но бывает, попадаются обалденные жемчужины! На таких находках залипаешь надолго, жадно разглядывая и смакуя каждый штришок, каждую линию и каждое пятнышко! Создаётся ощущение, что картинка действительно «светится» жизнью, она как будто дышит, вот-вот задвигается и заговорит. Смотришь на такие иллюстрации и думаешь, как же круто! Я тоже так хочу!

Но каким образом художник добился такого результата? В чем секрет? Что это за таинственная магия, которая способна «оживить» рисунок?

Что бы отыскать заветную изюминку, я решила провести небольшое расследование и попытаться ответить на извечный вопрос: как зарождается жизнь? В нашем случае – в иллюстрации! 😉 Ну что друзья, вы со мной!?

Раньше я была уверенна, что бы картинка по настоявшему заиграла, совершенно необходимо соблюдать анатомические пропорции персонажа, учитывать законы перспективы, хорошо прорисовывать фон, обязательно передать все нюансы света и цвета, и, конечно, не забыть сделать акцент на деталях. Простыми словами – картинка должна быть идеальной!

Руководствуясь этими правилам, я старательно и скрупулёзно корпела над своими иллюстрациями, иногда по несколько десятков часов, что бы добиться желанного перфекционизма. Однако, зачастую, после всех титанических усилий, финальная картинка, возможно, и становилась безупречной, но теряла ту неуловимую лёгкость, и эмоциональную окраску, благодаря которым зритель впадает в гипнотическое умиление и восторг.

Вы замечали, что нередко первоначальный набросок, выглядит намного выразительнее и живее конечного результата?

Ури Шулевиц писал: «Перегруженное изображение, напоминает многократно переработанный полуфабрикат (переработанную пищу) – жизненно важные ингредиенты были утрачены во время процесса… Читабельность иллюстрации имеет высокое значение, и некоторые компромиссы для достижения таковой, оправданы. Однако, если цена читабельности – безжизненность, то результат можно рассматривать как неудачу».

Я решила провести небольшой эксперимент.

Взяв за основу нехитрый сюжет, я быстро сделала несколько черновых набросков, весь процесс у меня занял не более 10 минут.

Затем я перерисовала те же самые наброски гораздо старательнее, потратив втрое больше времени.

Я показала свои эскизы профессиональным иллюстраторам, а так же людям, деятельность которых не связана с рисованием или живописью.

К моему удивлению большинство опрошенных обеих групп предпочли черновые наброски более аккуратным рисункам. Свой выбор они объяснили тем, что черновая версия выглядят более правдоподобной и вызывает необъяснимую эмоциональную привязанность.

А вам какая больше нравится?

Всё глубже погружаясь в иллюстрацию детских книг я постепенно поняла, что этот мир живёт по своим, совершенно уникальным и порой парадоксальным законам! Искусство иллюстрации детской литературы не приемлет правил, напротив, оно всячески приветствует и настоятельно поощряет творческую свободу и эксперименты.

Подробнее о том, как делать быстрые наброски –
смотрите в видео-лекции по Скетчингу – Искусству Живого Рисунка

Иллюстрация не обязана быть безупречной с точки зрения рисунка, или демонстрировать инженерно-точное построение перспективы, анатомически пропорциональных персонажей, или тщательно прорисованные детали. Избыток всего вышеперечисленного может «заморозить» картинку, сделать её безжизненной. Часто, именно изъяны и несовершества наделяют изображение особой индивидуальностью и придают неповторимую эмоциональную окраску, привлекая внимание зрителя и вызывая у него неподдельный интерес.

Итак первый, и горячо любимый мною закон иллюстрации детских книг (но который у меня никак не получается соблюдать), это – «Закон Наивности», он гласит: отключи мозги и просто кайфуй от того, что ты делаешь!

Превратись на время в ребёнка, который впервые рисует деревце, собачку, дракончика и т. д. Не думай о том, что этот рисунок нужно вставить в портфолио или выложить в Инстаграм. Наслаждайся процессом а не зацикливайся на результате. И, если так случится, что финальное творение твоих спонтанных почеркушек тебе понравилось, но до портфолио или соцсетей этот мини шедевр, как тебе кажется не дотягивает, просто повесь его на холодильник и радуйся каждый раз, когда будешь брать от туда пирожок!

Оксфордский словарь описывает слово «наивный», относящееся к искусству, так: «Наивное искусство – это искусство, созданное в стиле, который намеренно отвергает сложные художественные приёмы и обладает смелой прямолинейностью, напоминающую работу ребёнка, как правило, в ярких цветах и без особого соблюдения перспективы».

Особенно хорошо детская наивность и непосредственность просматривается в работах знаменитой Бэатриче Алеманья.

Признаюсь, первое знакомство с творчеством Беатриче вызвало у меня различные внутренние протесты. Несмотря на то, что меня совершенно покорили обалденные навыки цветопередачи, я никак не могла совместить их с её «примитивной» манерой рисования, в частности, с совершенно безумным и анти логическим подходом к перспективе. Как такое вообще возможно?

Но чем больше я анализировала творчество Беатриче, тем быстрее росла моя любовь к её удивительным работам.

Ее иллюстрации очень точно передают атмосферу и подлинную ауру сюжета. Они действительно наполнены жизнью и излучают какую то необъяснимую теплоту.

Не прибегая к сложным анатомически-структурированным дизайнам, используя довольно простые и понятные формы, Беатриче удивительным образом удаётся раскрыть характер и различные эмоциональные настроения своих персонажей.

Своеобразная «детскость» в технике рисования создаёт иллюзию простоты и невероятной беззаботности исполнения. Беатриче как будто включает своего внутреннего ребёнка, который интуитивно, без особых усилий, менее чем за пару часов рисует прикольные и на редкость гармоничные картинки.

В действительности мы все прекрасно знаем, что отключить мозги во время рисования, нам взрослым, не так то просто. Тонны изрисованных и измятых листов бумаги или дигитальных слоёв летят в корзину, прежде чем удаётся добиться такой непосредственной лёгкости.

М. Сендак говорил: «… это чертовски трудная вещь, очень похожая на сложную поэтическую форму, которая требует абсолютной концентрации и контроля. Вы всё время должны быть в курсе ситуации, чтобы наконец достичь чего-то настолько лёгкого».

У меня на этот случай есть незатейливое упражнение, во время длительных телефонных разговоров я беру карандаш в НЕ ведущую (это важно) руку и начинаю что то бездумно чёркать на бумаге. Иногда «почеркушки» выходят довольно симпатичные 😉

Ну хорошо, скажете вы, а что если я не хочу рисовать примитивные картинки, неужели, только детские наивные «каракули» имеют право называться живыми?

Что ж доля правды в этом есть, дело в том что как и любая сфера искусства , иллюстрация подвержена модным веяниям и современным тенденциям. Сейчас, действительно больше востребована непосредственность, лёгкость и наивность, но это совершенно не значит, что более «серьёзная» техника рисование не может привлечь своего зрителя.

И тут вступает в силу второй закон иллюстрации. Я его называю – “Закон Наблюдателя!”

Признайтесь как часто вы выходите со своим блокнотиком, что бы понаблюдать и, внимание, зарисовать увиденное? Большинство из нас предпочитает пользоваться фотографиями.

Попробуйте провести небольшой эксперимент, сначала нарисуйте близкого вам человека по памяти, а затем с натуры (но так, что бы человек не знал, что вы его рисуете). Что бы немного усложнить задачу ограничьте себя во времени, выделите на оба наброска не более 1 минуты.

Затем сравните ваши рисунки. Я уверенна, что картинка с натуры получилась намного фактурней и интересней.

Проделайте это с другими объектами. Лучше всего это упражнение удаётся в местах скопления людей: кафешки, торговые центры, рынки, публичный транспорт, парки, и т.д.

В качестве примера иллюстраций, которые никак нельзя назвать наивными, но это не делает их менее живыми и завораживающими, хочу привести работы английского иллюстратора Пэм Смай из книги «Торнхилл».

В поисках своих сюжетов Пэм неоднократно выезжала на всевозможные локации, делала бесчисленное множество набросков, что бы потом с лёгкостью рисовать нужные ей детали по памяти.

В одном из своих интервью Пэм рассказывает о том, что ей было необходимо нарисовать садовый бак для воды, она стала зарисовывать все садовые баки, которые встречались ей на пути, в итоге собралась довольно внушительная коллекция баков всевозможных форм, размеров и конфигураций! Зато потом Пэм с легкостью выбрала именно тот, который наиболее удачно вписывался в композицию задуманной ею иллюстрации.

Наброски с натуры невероятным образом развивают наблюдательность, и в разы улучшает навыки рисования!

Попробуйте в вашей повседневной жизни подметить простой, незамысловатый сюжет, ловите суть момента и переносите в свой скетчбук. Если вам удастся поймать настроение этого самого момента, отбросив не столь значимые детали, то иллюстрация непременно будет иметь эмоциональный отклик у зрителя!

И тут мы плавно подходим к третьему закону живой иллюстрации. Закон – «Чем меньше тем лучше»!

“…совершенство достигается не тогда, когда уже нечего прибавить, но когда уже ничего нельзя отнять.”

Антуан де Сент-Экзюпери, Планета людей

Скажите, вы обращали своё внимание на работы художников, которые пишут в технике суми-э? У меня почти всегда замирает дыхание при виде этих необыкновенных творений.

Особая философия суми-э заключается в том, чтобы уловить и передать дух и жизненную сущность предмета, оставив в стороне все ненужные детали.

Хасэгава Тохаку, “Сосновый лес, правая сторона”

Около года назад я открыла для себя иллюстрации Джона Классена. Впервые увидев его работы я мысленно провела параллель с живописью суми-э.

Джону невероятным образом удаётся уловить суть и передать настроение происходящего момента, при этом совершенно не перегружая изображение лишней визуальной информацией.

Джон является одним из моих любимых иллюстраторов, поэтому всем, кто ещё не знаком с его творчеством, я настоятельно рекомендую посмотреть, какие удивительные вещи творит этот парень.

Самыми знаменитыми его книгами являются: «I Want My Hat Back” и «This Is Not My Hat», но я хочу обратить ваше внимание на другую книгу под названием “House Held Up By Trees”, что на русский можно перевести как «Дом, поддерживаемый деревьями», она была написана американским поэтом Тэодором Коузером (Ted Kooser) и проиллюстрирована Д. Классеном.

В прошлом Джон работал аниматором, и в этой книге он прибегает к трюку кинематографического построения композиции (кадра) с использованием необычного угла перспективы (камеры).

Такой своеобразный ракурс делает изображение «широкоэкранным», придавая ему драматизма. Читатель как будто становится оператором. Есть ощущения, что картинка движется, это оказывает сильное эмоциональное воздействие.

Подробнее о ракурсе, композиции, работе со светом и цветом для создания атмосферы рисунка – смотрите в видео-лекции “Секреты Иллюстрации”

Я обожаю каждую иллюстрацию из этой книги без исключения, но одну из них мне хочется особенно отметить и проанализировать.

Вот текст, сопровождающий изображение.

«Так продолжалось год за годом, дети, как и положено детям, понемногу росли, и со временем превратились в молодого мужчину и молодую девушку, готовые покинуть родительский дом. К настоящему моменту они стали слишком взрослыми, чтобы лазать по деревьям и кустам, которые росли по соседству, но иногда они подходили и стояли у самого края, и вспоминали, как они веселились, играя там, когда были маленькими».

Мне очень нравится, как четко, всего двумя предложениями автор задаёт эмоциональный фон текущего момента, а так же даёт достаточный объем информации, чтобы мы могли глубоко проникнутся происходящим.

Теперь посмотрите на иллюстрацию.

Я не перестаю удивляться, с каким необычным решением Джон подошёл к оформлению этого текста, в итоге у него получилась очень сильная, наполненная скрытым смыслом иллюстрация.

Классен НЕ показывает нам детей, которые любили «лазать по деревьям», НЕ показывает само место, в котором они играли, когда были маленькими, он так же оставляет для нас загадкой, как выглядят персонажи повзрослевшими? Однако, Джону удаётся уловить самое важное, удивительным образом он передаёт звенящее напряжение. Ощущение какой-то необъяснимой потери. Классен принимает решение показать лишь нижнюю часть персонажей, предоставляя свободу нашему воображению додумать всё остальное. Мужчина и женщина неподвижно стоят у опушки леса, но не смеют сделать шаг к тому месту, где когда-то давно они играли и были по настоящему счастливы. Молодой человек снял шляпу, а девушка держит в руке зелёный листочек. Словно они стоят у могилы своего детства.

Иллюстрация нарисована с точки зрения (роста) ребёнка. Я думаю, что такой ракурс Джон выбрал намерено. Дело в том, что маленький читатель переживает этот момент иначе, не так как взрослый. Ребёнок по прежнему может бежать сломя голову туда, в лесную чащу, смеяться и радоваться, лазая по деревьям и кустам!

Этим изображением Джон, как будто, напоминает нам, что счастье, оно близко, просто нужно сделать всего один шаг ему на встречу.

Удивительная иллюстрация!

После небольшого лирического отступления я хочу отметить ещё один закон, который очень похож на предыдущий, это закон «Недосказанности».

В свои иллюстрации я часто запихиваю как можно больше информации, так как переживаю, а что, если зритель не поймёт, что я хочу сказать? На самом же деле именно недосказанность может привлечь внимание. Перегруженная и всё разъясняющая картинка не даёт зрителю шанса использовать воображение, ему быстро наскучивает такая иллюстрация, так как в ней нет места для его собственных фантазий, и наоборот, если рисунок заставляет немного додумать сюжет, то это становится своеобразной игрой, и неким общением!

На мой взгляд, одним из таких художников, который предлагает зрителю задействовать своё воображение и пофантазировать, является Виктория Семыкина.

Рассматривая Викины иллюстрации, у меня иногда создаётся ощущение, будто это не финальные изображение, а наброски из блокнота, такая лёгкая техника исполнения! Хотя на самом деле Вика проделывает колоссальную работу, для достижения эдакой «невесомости».

Посмотрите на эти чудесные иллюстрации из книжки «Переход» (А. Гиваргизов). Все выполнено очень лаконично, но от этого мы не теряем сути происходящего. Мальчик Дима едет в трамвае. А вот Дима на вокзале, среди суетливой толпы.

В этих иллюстрациях нет ничего лишнего, наоборот многие вещи мы сами додумываем и дорисовываем благодаря своему воображению. И знаете, что здорово? У каждого из нас получается своя уникальная картинка!

А это Викины иллюстрации из книжки М. Аромштам «Маленький кораблик». Посмотрите сколько в них динамики!

Иллюстрируя эту книгу, Вика не ставила перед собой задачу детально прорисовать корабли или пляж, она стремилась передать больше. Она хотела, чтобы читатель оказался на море и полностью ощутил всю его(моря) красоту, почувствовал запах солёного ветра, услышал шум волн и крики чаек, наблюдал безграничную синеву горизонта.

Слышите как кричат эти неугомонные птицы, кружась в хаотичном танце над сияющей водой?

На мой взгляд, Вика отлично сумела воплотить задуманное в жизнь. Иллюстрации выглядят очень атмосферными и полны энергии, которая как нельзя лучше передаёт дух моря!

Думаю настало время подвести некоторые итоги.

«Зорко одно лишь сердце. Самого главного глазами не увидишь»

Антуан де Сент-Экзюпери

Постепенно раскрывая для себя бесконечно-удивительную вселенную иллюстрации детских книг, я пришла к выводу, что хорошую книжку с картинками можно сравнить с произведением искусства.

М. Солсбери говорит: «Самые лучшие иллюстрированные книги навсегда становятся домашними мини художественными галереями . Совокупность высокого-художественного замысла и физического его воплощения, которая доставляет удовольствие и стимулирует воображение как детей, так и взрослых. »

В этой статье я задавалась целью отыскать секреты, благодаря которым иллюстрация «оживает». Проводя своё мини расследование я открыла для себя несколько забавных приёмов, такие как: детская наивность, смелость в экспериментах, наблюдательность , лаконичность.

Несомненно все эти составляющие, могут наделить изображение определённым шармом и подчеркнуть индивидуальность художника. Однако после тщательного анализа я пришла к выводу, что на самом деле иллюстрация «светится жизнью» благодаря своему эмоциональному наполнению и правдивости художника.

Если иллюстратор искренне проживает свой рисунок и через него делится частью своей души, зритель удивительным образом это чувствует и глубоко проникается изображением. Это похоже не песню певца, который, возможно, не обладает самым сильным голосом, но слова льются из глубины его сердца, такое исполнение не оставляет равнодушным.

Так что же всё-таки нужно, чтобы иллюстрации «засияли жизнью»?

Просто слушай свой внутренней голос. Наберись терпения и слушай внимательно, он обязательно тебе всё подскажет. Освободи разум для чувств, и твори без страха быть непонятым или отверженным. Получай удовольствие, экспериментируй, и вдохновляйся процессом! У тебя всё получится! “

Автор статьи – Оля Голубева.

Надеюсь она вам смогла донести что-то важное и нужное. Смогла заставить вас задуматься, что на ваш взгляд делает иллюстрации живыми.

Что бы вы хотели добавить к этому списку? На каких иллюстраторов вы ориентируетесь? Давайте обсудим в комментариях. Буду рада нашему общению!

И не забывайте сохранять в закладки полезности! В моменты, когда опускаются руки, эта статья может очень пригодиться, чтобы поймать креативное настроение! Делитесь с друзьями – давайте приумножать прекрасное! Заранее спасибо!

Поделиться с друзьями:

Композиция и основы иллюстрации — Онлайн курс

ПЕРВЫЙ МЕСЯЦ

Лекция 1. Введение

Знакомство с курсом. Определение понятий курса.
Неоднородность графического листа.
Центр и периферия.
Пазлы и интервалы.
Элементы перспективы, светотени и пропорций в графике.
Знакомство с текстом книги.

Домашнее задание:
Знакомство с автором и литературным текстом. Сбор референсов. Первые схемы композиции книжной иллюстрации.

Лекция 2. Грубые ошибки на периферии

Ошибка или «я так вижу»?
Ошибки в углах.
«Шипы» в композиции.
Магнитная линия периферии.
Почему зритель «выскакивает» из композиции?
Закрытые, открытые и полуоткрытые композиции.
Упражнение на поиск ошибок.

Домашнее задание:
Работа с текстом. Составление библиотеки референсов. Набросок книжной иллюстрации. Коллаж композиции.

Лекция 3. Грубые ошибки в центре

Как делать «стадо» предметов?
На какие предметы можно накладывать фигуры персонажей?
Непластичная работа.
Близкие маленькие предметы и далекие большие.
Когда можно отрезать персонажу голову?
Ошибка «глазок».
Как исправлять ошибки?

Домашнее задание:
Упражнение на поиск ошибок композиции. Исправление ошибок коллажа и наброска книжной иллюстрации.

Лекция 4. Замысел

Композиция идеалистическая и гармоничная.
Драма и трагедия.
Жанр, поджанры.
Основы драматургии.
Масштабность и идея.

Домашнее задание:
Знакомство с брифом рекламной иллюстрации. Сбор референсов. Мозговой штурм. Наброски рекламной иллюстрации. Построение фона рекламной иллюстрации с помощью трехточечной перспективы. Упражнение на построение перспективы.

ВТОРОЙ МЕСЯЦ

Лекция 5. Линейная графика

Однотолщинная линия.
Как избавиться от «проволочности»?
Разнотолщинная линия.
Поисковая линия. Декоративные линии.
Характер линии.

Домашнее задание:
Упражнение на три вида однотолщинной линии. Упражнения на различные виды линий. Поправка фона рекламной иллюстрации.

Лекция 6. Закон движения

Линии на входе в композицию.
Как спрятать режиссерскую линию?
«Композиционный ветер».
Где поставить угрожающего персонажа?
Как сбросить персонажа в пропасть? Как заставить его зависнуть в воздухе?
Линия жизни, линия смерти, линия преодоления.
Ломаные линии. Линия спокойствия. Линия пафоса.
Как замедлить взгляд зрителя.

Домашнее задание:
Сбор видеореференсов. Добавление персонажей в движении на рекламную иллюстрацию.

Лекция 7. Художественный образ и новизна

Метафора.
Когда детали разрушают драматизм, а когда добавляют?
Нужен ли фон?
C-образные и S-образные линии движения персонажей.
Персонажи разного пола, возраста и характера.
Новизна композиции.
Взаимодействие режиссера и художника анимации.

Домашнее задание:
Упражнение на создание метафоры. Художественный образ двух персонажей книжной иллюстрации. Чистовой линейный набросок книжной иллюстрации.

Лекция 8. Режиссура

Юмор.
Создание карикатуры.
Основы монтажа.
Короткая графическая история.
Разработка отрывка анимационной сцены.

Домашнее задание:
Анализ анимационного фильма. Мозговой штурм. Наброски карикатуры и юмористического стрипа из четырех кадров.

ТРЕТИЙ МЕСЯЦ

Лекция 9. Композиционные центры

Величина и степень детализации.
Выбор геометрического формата.
Что делать, если формат задан заказчиком?
Геометрический центр.
Зрительные центры.
Композиционные центры.
Фризовая композиция.

Домашнее задание:
Знакомство с новым литературным текстом. Сбор референсов. Упражнение на поиск формата и центров композиции. Поправка и чистовая отрисовка карикатуры и стрипа.

Лекция 10. Расстановка персонажей и предметов фона

Гармонизация форм.
Продвинутое применение «золотого сечения» и ряда 62, 38, 24, 14, 10.
Расстановка персонажей и предметов фона.
Как добиться математической гармонии, не прибегая к калькулятору?
Ритмы.

Домашнее задание:
Создание композиции по мотивам литературного текста. Упражнение на расстановку предметов фона.

Лекция 11. Равновесие и силовые линии

Как уравновесить черное злое детализированным безразличным?
Как нарисовать драму?
«Солнечный ветер».
Геометрические формы внутри композиции.
Отличие иллюстрации от кинокадра.
Силовые линии внутри композиции.
Несколько рецептов внутреннего каркаса.

Домашнее задание:
Сбор референсов. Создание фотоколлажа портрета. Упражнение на создание силовых линий в рекламной иллюстрации. Составление наброска композиции с силуэтами.

Лекция 12. Тон и цвет

Гармонизация тона.
Выбор тонового диапазона.
Сдвиг в черную сторону.
Количество темного, светлого и среднего тона.
Живописная пластика.
Цветная графика.

Домашнее задание:
Упражнение на гармонизацию тона. Тоновые наброски книжной иллюстрации. Цветовые наброски рекламной иллюстрации.

ЧЕТВЁРТЫЙ МЕСЯЦ

Лекция 13. Закон цельности и контраста

Объединение тоном.
Объединение детализацией.
Режиссерская цельность.
Ритм.
Как показать главного персонажа и толпу? Как противопоставить одну группу другой?
Контраст, нюанс и подобие.
Бэкграунд анимационной сцены.

Домашнее задание:
Упражнение на тоновую цельность. Цветовые наброски книжной иллюстрации. Завершение журнальной иллюстрации.

Лекция 14. Пятновая графика

Силуэтная графика.
Как рисовать границу?
Виды силуэтной графики.
Три направления пятновой графики.
Две схемы детализации.

Домашнее задание:
Создание силуэтной композиции. Завершение книжной иллюстрации.

Лекция 15. Штриховая и точечная графика

Элемент графики — штрих.
Элемент графики — точка.
Спецрисунок.
Смешанные виды графики.
Материалы.

Домашнее задание:
Создание штрихового портрета на основе фотоколлажа.

Лекция 16. Печать

Книжная графика.
Журнальная и газетная графика.
Веб-графика.
Подготовка к печати.

Домашнее задание:
Финальные поправки. Подготовка иллюстраций к печати.

Композиция: вводная информация — your-scorpion

Здравствуйте. Рассмотрим немного композицию и немного цвет в композиции. Композиция для художника-иллюстратора не может иметь чётких, незыблемых законов, но определённые нюансы обязательно нужно знать.

Скажу сразу, что я не буду описывать догмы, строить схемы и приводить кучи примеров. Я собираюсь просто перечислить важные наблюдения из академической школы, которые можно учитывать на протяжении всей стадии создания иллюстрации. Но это не обязательные законы, т.к. для книжной иллюстрации свои законы композиции, для ДПИ — свои, для живописи — свои. Я постараюсь описать лишь основные средства для достижения выразительности композиции.

Самое основное, чем нужно вооружиться, это рациональность. Любая форма в композиции должна быть связана с её функцией, должна быть разработана конструктивно и структурно. Любая часть композиции должна быть соподчинена с другими элементами, составляющими общую форму, с учётом перспективы. Разумеется, в композиции будут и главные, и второстепенные элементы, но композиция должна быть завершённой минимум на 99%. 1% допустимо оставить для развития сюжета. Эти общие слова должны быть для вас основной идеей при работе над новой картиной.

Контраст. В композициях контраст можно разделить по принципам: большое-маленькое, длинное-короткое, широкое-узкое, много-мало, статичное-движущееся, горизонтальное-вертикальное, объёмное-плоское, сюжет/атмосфера и т. п., при этом не забываем про семь цветовых контрастов, тёмное/светлое, тёплое/холодное, дополнительные цвета, симультанный контраст, контраст по насыщенности, и площадь цвета. Контраст может быть не только в цвете или формах, но и, к примеру, контрасты взглядов, обществ. Да, можно конечно не сильно напрягаться и сделать композицию симметричной вместо контрастной, но грош цена такому художнику/дизайнеру.

Контраст дополнительных цветов следующий: жёлтый–фиолетовый, оранжевы–синий, красный–зелёный. В этих цветах всегда присутствуют жёлтый, красный и синий цвета (вспоминаем третий класс школы, когда мы смешиваем гуашь). Раз смесь жёлтого, красного и синего всегда равна серому, то и смесь дополнительных цветов тоже, по логике, даёт серый цвет. Но используя тот или иной цвет, помним, что каждый отдельный цвет на картине содержит свои собственные, ассоциативные качества. В цвете наиболее сильный контраст дают красный, синий и жёлтый цвета, а фиолетовый, оранжевый и зелёный значительно слабее, а наиболее сильны по своему контрасту белый и чёрный, поэтому монохромные иллюстрации могут привлекать внимание ничуть не хуже, чем цветные.

Возможны контрасты материалов — гладкого и шершавого, твёрдого и мягкого, блестящего и матового. Можно передать тактильные ощущения, есть прочувствовать и грамотно передать материал. Например, текстура может быть контрастной по принципу выразительных изящных узоров и маленьких элементов, сливающихся в однородную массу. Посмотрите на «Мужской портрет» Тинторетто, всё внимание сосредоточено на голове мужчины, одежда едва отличается от фона. Если пойти дальше и вспомнить портреты на фоне пейзажей, то легко можно понять, что пейзаж сильно проигрывал портрету по цвету, ритму и проработке.

Контраст светлого и тёмного, большого и маленького: средний по оттенку фон может быть и светлым и тёмным, в зависимости от того, чёрная фигура или белая фигура на нём изображена. Большая тёмная форма всегда будет казаться более впечатляющей, если рядом есть что-нибудь маленькое белое. А ещё контрасты важного и второстепенного очень распространены в самых примитивных студенческих натюрмортах :).

Акценты и ритм. Что такое ритм, думаю, объяснять не надо. Но как ритм использовать в композиции? Начнём с того, что ритм постоянно встречается в нашей жизни, это смена времён года, дней недели, это сложные орнаменты и биение сердца, ритм размещения столов в интерьере, ритм кирпичной кладки. Ритм — это упорядоченность, как SAP в бизнесе (ну такой, немного хаусный порядок J)). Ритм призван одновременно разделять и объединять элементы композиции, сохраняя определённую структуру. В качестве простого примера можно назвать чередование тёмных и светлых пятен для создания контраста и узнаваемости фигур. Композиция обычно строится по узнаваемой фигуре: есть правило третей, треугольная композиция, прямоугольник, ромб, окружность, но это рассмотрим в следующей статье. Если рассматривать принцип ритма в композиции, то можно начать с обычных линий, если их много то они неизбежно приведут к иллюзии глубины, соответственно, ритм можно использовать для указания перспективы, которая является если не ключевой, то как минимум очень важной частью почти любой композиции.

Целостность композиции. Есть такое слово — конструктивность. Не даром у художников принято говорить о конструктивном рисунке, о построении, в противоположность светотеневому рисунку ( Строгановка vs. Глазуновка : ). Так вот, целостность – это когда в композиции всё соединено в единое, неделимое целое, как в конструктивном рисунке. Можно проверить целостность своей композиции по следующим критериям: ни одна часть рисунка не может быть убрана без ущерба, нельзя менять местами части композиции, новые элементы лишь делают хуже.

Пространство: нельзя изображать отдельно пространство, оно напрямую зависит от предметов в иллюстрации. Например, предметы на земле обычно требуют большего пространства сверху, а висящий предмет требует больше пространства снизу. Голова человека требует больше пространства перед лицом, а горизонт нежелательно изображать в середине рабочей области. Пространство очень значимо в композиции, без него не может быть и самой композиции. Масштабность пространства в картинке – это обман, художник всегда врёт. Если нарисовать просто пейзаж по горизонтали, то он будет визуально казаться больше, если бы на этом же пейзаже по бокам были бы деревья, дома или ещё какие либо преграды. Опять же, строго горизонтальные линии придают надёжности и спокойствии в пространстве.

Ракурс — это показатель глубины, в которой успешно сосуществуют и обратная перспектива, и изометрия, фронтальная и прямая перспективы. Ракурс может добавить итоговой иллюстрации динамики, ровно также как и цветовые пятна могут добавить цветовой экспрессии. Диагонали и прочие наклонные линии придают движения, добавляют экспрессию формы.

Золотое сечение — очень кратко и максимум примитивно. Есть простая формула — a/b=( a+b )/a. Главные объекты должны находиться в точке золотого сечения. Вот есть у нас линия, где центральная точка C это золотое сечение, найденная по вышеприведённой формуле. Прикладываем «линейку по формуле» к горизонтальной и вертикальной сторонам холста и в месте пересечения двух буков C будет наше золотое сечение. Просто, не совсем правильно, но тем не менее – работает, особенно в фотографии. Многие технические специалисты берут фотку своей бабушки, применяют к сей гениальной фотографии золотое сечение, не удовлетворившись результатом начинают говорить что это всё бред и не существует никакого золотого сечения. Они забывают, что точное математическое нахождение пропорций не является гарантированно качественной основой для красивого результата. Наука не компенсирует отсутствие таланта, а лишь описывает его.

Но всё это не важно. Важно то новое, что создаёт иллюстратор. Всё выдающееся – это новое. Всё новое – важное качество композиции. Ещё тут важен закон подчинённости. То есть общий учёт сразу и цвета, и света, и ритма, объёма, соразмерности, динамики/статики и многих других нюансов, важных для создания качественной иллюстрации. Это использование сразу всех средств композиции для создания законченной работы. Думается, на этом можно завершить вводную статью. Ну и да, никогда не забывайте о пропорциях сторон холста, всегда помните про источник света и про няшечек. ..

Основы иллюстрации: Как построить удачную композицию

Любое произведение искусства, будь то картина, симфония или же кино, несомненно требует того или иного построения, структуры. Иначе говоря — композиция или компоновки. В музыкальных произведениях — это расположение нот, в кино — это составленный сценарий, ну а в иллюстрациях, фотографии и живописи — это расположение объектов на рабочей поверхности.

Именно о композиции в рисовании и пойдёт речь в этой статье.

Любая иллюстрация или рисунок состоит из объектов, которые, в свою очередь, состоят из линий и форм. Композицию в целом определяют также цвета, тени, контраст, текстуры, формы и пропорции объектов.

Задача расположить объекты, цвета и тени в установленном порядке, чтобы это всё складывалось в гармоничную картину.

Существует несколько основных правил при составлении композиции. Давайте рассмотрим основные из них наглядных примерах.

Правило трёх третей

Разделение рабочей поверхности на 9 равных квадратиков, как показано на рисунке.

Делается это для того, чтобы расположить центральный объект максимально гармонично с другими элементами композиции, таким образом, чётко центр рабочей поверхности, и периферийные зоны.

Итак, центральный объект присутствует в каждой композиции. В данном случае это парусник. Как мы видим, часть кораблика выступает в центральной зоне фотографии, а остальные части приходятся на верхнюю и среднюю правые зоны.

Давайте рассмотрим другой пример:

Здесь вступает в силу ещё одно правило — любая композиция, будь это фотография или рисунок, всегда более выигрышно смотрится с центральным объектом, смещённым хоть немного от центра в какую бы то ни было сторону .Буквально несколько сантиметров от центра в край — и композиция уже превращается из посредственной в интересную и живую.

Угол или ракурс объектов

Порой художник выбирает нестандартное положение объекта. То есть, рисует его таким образом, что он создан под неким углом, например «вид сверху» или же наоборот «вид снизу» — возможности безграничны. Есть в рисовании такое понятие как перспективное сокращение — изменение размера объектов с целью придать рисунок эффект трёхмерного пространства.

Здесь-то и начинаются сложности у художников — действительно ракурс требует сокращения отдельных пропорций предмета в перспективе. Иными словами, если рисуется например человек в положении «вид сверху», это то, что его голова будет в перспективе, чем дальше от зрителя та или иная часть объекта, тем меньше она будет в размерах , и наоборот. Давайте рассмотрим пример:

Мы видим, что голова девушки на первом рисунке огромный размерА всё потому, что создался эффект «вид сверху». Тело объекта словно уходит «вниз». На второй картинке дорога уходит вдаль от зрителя, создавая эффект дальнего расстояния, сужаясь вдалеке.

Работа с перспективой сама по себе нелегка и требует постоянной практики. Здесь важно поделить лист на условные линии, которые уходят как бы «вглубь композиции», в зависимости от того, какое направление художник выбрал для построения объекта.

На второй же композиции линии уходят от зрителя в даль. Работая с расстояниями, можно и даже нужно не ограничивать себя двумя линиями, их количество может быть каким угодно. Главное помнить, что пересмотреть все объекты в единой точке в этом направлении и стоит пересмотреть все объекты в композиции. Это будет поначалу очень даже нелегко, однако, овладев успешным применением перспективного сокращения, художника стопроцентный успех в составлении любой композиции.Так что игра стоит свеч!

Правило нечётности

Правило гласит, что композиция с нечётным количеством предметов всегда смотрится интересней и выигрышней, нежели композиция с чётным первым. Это связано с тем, что смотрящий подсознательно группирует композицию с чётным групповым элементами, таким образом теряя центральный объект.

Помещение центральных и вспомогательных объектов. Практика, эксперименты и любовь к искусству — важные составляющие, которые помогают преуспеть на этом поприще. Результат не заставит себя ждать — вы, как ваши работы будут расти в плане качества и профессионализма. Смело экспериментируйте, импровизируйте, иначе какое же это искусство. А главное, ничего не бойтесь — и тогда всё у вас получится!

Источник: say-hi.me
Фото на обложке: ShutterStock

Основной рисунок и композиция. Тайные знания коммерческих иллюстраторов

Основной рисунок и композиция

Самой используемой для гармоничной считается золотое сечение. Именуемое также золотой пропорцией и гармоническим делением, оно обозначается буквой «фи» (ф) и выражается формулой:

Если делить отрезок по принципу золотого сечения, следуя правилу: «А относится к B, как A + B к А», мы получим:

Отрезок, разделенный по правиламу золотого сечения:

Начало с Леонардо да Винчи, многие художники и архитекторы сознательно строили свои работы на «золотых» пропорциях.Для простоты использует приблизительный вариант, когда длинная сторона изображения делится на пять частей, а короткая — на три. Через полученные точки горизонтальные и вертикальные отрезки:

Все пересечения отрезков правильным местом для расположения важных элементов на иллюстрации

На разворотах ниже показаны примеры расположения ключевых точек иллюстрации по правилам золотого сечения.

Асимметрично скомпонованные работы считаются более интересными

Главный элемент окружающим пространством

Слишком близкое расположение к краям картинки может испортить всю композицию

Снизу должно быть больше пространства, чем сверху, возникает ощущение придавленности композиции

Усиленное приближение к верхнему краю создается впечатление.

Если нужно показать несколько равноценных элементов, пространство можно делить между ними поровну

Или по правилам золотого сечения

Важно стремиться к равновесию между светом и тьмой.

Темные пятна всегда выглядят тяжело и давят на композицию

Большое количество деталей создает ощущение «шума»

Здесь стоит прислушиваться к собственным ощущениям и пробовать разные варианты.

Данный текст является ознакомительным фрагментом.

Продолжение на ЛитРес

Композиция в рисунке или секреты удачной картины Doodle & Sketch

Чтобы научиться рисовать, важно четко понимать, что же такое композиция в рисунке и с чем ее едят. Композиция в рисунке и живописи — это расположение предметов на вашей картине. Эта композиция — это распределение показателей и фигур в пространстве, установление соотношения их размеров, света и тени, цвета.Композиция в картине правильная, то все элементы картины визуально органично связаны между собой. В рисунке и живописи существуют два основных вида композиции: 1. Статичная композиция — это композиция, которая передает в рисунке ощущение равновесия, состояние умиротворения. 2. композиция — хорошо передает движение, бурные эмоции, стихию природы. Разницу этих двух видов композиции можно отчетливо увидеть на рисунках ракеты ниже.

На левом рисунке ракета неподвижна.Это создается за счет статичной композиции. Статичная композиция в этом рисунке за счет пересечения горизонтальной оси (линия горизонта) с вертикальной осью (ровно стоящая на планета) под прямым углом. Пересечение вертикальной и горизонтальной линий под прямым углом (перпендулярные прямые) в рисунке всегда крас статики и монументальности. На правом рисунке есть ощущение, что ракета летит. Это ощущение для зрителя мы создали с помощью динамической композиции за счет угла угла наклона.Вы можете легко проделать такой же эксперимент, нарисовав, например, чашку. Когда вы нарисуете горизонтальную линию стола и ровно перпендикулярно столу нарисуете чашку — вы увидите устойчивое состояние (статичная композиция). А теперь нарисуйте чашку под углом к столу и вы увидите, что возникло ощущение момента падения, динамики (динамическая композиция).

Мы разобрались с помощью видов композиции в рисунке и теперь переходим к следующему важному элементу — композиционному центру. Композиционный центр — это объект, к которому, по задумке художника, должен стремиться глазеля — центральный элемент рисунка. Художнику очень важно уметь композиционный центр и сделать на нем акцент в своей работе. Есть и исключение. Например, паттерны (простые шаблоны, цвета или объекты), специальные иллюстрации, стандартные концепции, могут не содержать композиционного центра.

✔ КОНТРАСТНЫЙ КОМПОЗИЦИОННЫЙ ЦЕНТР Контраст — это яркая разница между светлым и темным.Уловка заключается в том, что необходимо противопоставить композиционный центр тональности остальной композиции. То есть сделать так, чтобы задуманный вами композиционный центр был явно темнее, или явно светлее остальных элементов на картине. Если сравнить два рисунка ниже, то вне зависимости от расположения ракеты, композиционный центр явно считывается — это, как раз, достигается за счет контраста с основным фоном. При использовании этого приема, следует использовать некоторые моменты: темные заливки, визуально уменьшают предмет, а светлые, — увеличивают.

✔ НАПРАВЛЯЮЩИЕ ОСИ Для привлечения внимания к композиционному центру своей картины, используйте направляющие линии. Направляющие линии можно использовать как леску, на которые нанизывают бусины, только вместо бусин будут предметы, задуманные в композиции. Важно построить движение, как систему коридоров, ведущих к одной цели — композиционному центру. На левом рисунке к композиционному центру (космонавту) ведут направляющие линии с разных углов.Детали в деталях, несмотря на насыщенность композициями, за счет направляющих линий и направления движения всех элементов композиционный центр (космонавт) также остается выделенным.

✔ РАЗМЕРНОСТЬ И МНОГОПЛАНОВОСТЬ Чем больше объект, тем больше на него внимания. Поэтому, чтобы сделать какой-то главный врач на свое картине — сделайте его большим. Здесь есть важные исключения: если все объекты на картине крупные и лишь один маленький — он интуитивно будет роль «крючка», и зритель будет неоднократно, визуально возвращаться к нему.Многоплановость — позволяет создать пространство и глубину в изображении. Чтобы композиционный центр в своей работе, выдвиньте его на передний план, все остальные элементы — на задний. Или сделайте наоборот: обозначьте композиционный центр на заднем плане, а неважные элементы — на переднем. Самое главное — композиционный центр был единственным, стоящим на заднем плане. Здесь верные помощники — это размывки, помогли усилить разность планов, как на рисунке справа.

Мы уже знаем, как создать ощущение покоя или движения в рисунке за счет статичной и динамичной композиции, а также привлечь внимание зрителя к главному объекту композиции — «композиционному центру» за счет особых приемов и «уловок». Теперь нам пора узнать, по каким правилам необходимо выстраивать гармоничную и правильную композицию в рисунке. В изобразительном искусстве существует несколько правил, по которым строится композиция. Вам нужно создать представление об этих самых правилах.Поэтому ниже я постараюсь максимально понятно и кратко рассказать о них.

«Золотое сечение» бывает двух видов: 1. Спиралевидное золотое сечение или логарифмическая спираль (левый рисунок). Свое название эта спираль получила из-за связи с последовательностью вложенных друг в друга прямых с отношением сторон, равным φ (это фиксированная величина, равная 1,62), которое принято называть золотыми. Достаточно визуально представить спираль на листе и уже на ней расположить предметы.Или ориентируясь на данный рисунок, тонкой еле заметной, карандашной линией, нарисовать ее на листе. Спиралевидное золотое сечение очень распространено в природе — например, раковина улитки. 2. Диагональное золотое сечение (правый рисунок). Диагональное золотое сечение широко используется в композиции для распределения объектов разных по смыслу. В прямоугольном проводим диагональ. Далее из вершины необходимо провести перпендикуляр к уже проведенной диагонали. В итоге получаются три треугольника разных размеров.Значимые объекты располагаются в них. Это правило означает, что для гармоничной композиции нужно масштабы предметов соотносить с пропорциями nhteujkmybrjd (как на правом рисунке). Большой объект — в большом треугольнике «а», средний — в среднем треугольнике «b», маленький — в маленьком треугольнике «с».

Рассмотрим пример слева — спиралевидное сечение. Я расположила человечков по оси спирали. По мере закругление спирали, происходит уменьшение формы и возникает ощущение урагана или бури, а так же возникает глубина пространства и перспектива.На иллюстрации распределяем объекты (звездочка, ракета и космонавт), ориентируясь на их общий объем и справа массу. Чем больше размер (в нашем случае это космонавт), тем больший сегмент он занимает, соответственно, маленькая звездочка — займет самый маленький треугольник. Композиция получится интересной благодаря разным по объему предметам.

Композиция не потеряет выразительности.На линиюх можно располагать объекты, на который художник хочет сделать упор. Линия горизонта может пролегать по одной из горизонтальных линий, то есть, композиция делится 1 к 2 (как на правом рисунке внизу), где одна часть — это земля, а две части — это небо.

Композиция и основы иллюстрации — Онлайн курс

ПЕРВЫЙ МЕСЯЦ

Лекция 1. Введение

Знакомство с курсом. Определение понятий курса.
Неоднородность графического листа.
Центр и периферия.
Пазлы и интервалы.
Элементы перспективы, светотени и пропорции в графике.
Знакомство с текстом книги.

Лекция 2. Грубые ошибки на периферии

Ошибка или «я так вижу»?
Ошибки в углах.
«Шипы» в композиции.
Магнитная линия периферии.
Почему зритель «выскакивает» из композиции?
Закрытые, открытые и полуоткрытые композиции.
Упражнение на поиск ошибок.

Лекция 3. Грубые ошибки в

Как делать «стадо» предметов?
На какие предметы можно накладывать фигуры персонажей?
Непластичная работа.
Близкие маленькие и далекие большие.
Когда можно отрезать персонажу голову?
Ошибка «глазок».
Как исправлять ошибки?

Лекция 4. Замысел

Композиция идеалистическая и гармоничная.
Драма и трагедия.
Жанр, поджанры.
Основы драматургии.
Масштабность и идея.

ВТОРОЙ МЕСЯЦ

Лекция 5. Линейная графика

Однотолщинная линия.
Как избавиться от «проволочности»?
Разнотолщинная линия.
Поисковая линия. Декоративные линии.
Характер линии.

Домашнее задание:
Упражнение на три вида однотолщинной линии.Упражнения на различные виды линий. Поправка фона рекламной иллюстрации.

Лекция 6. Закон движения

Линии на входе в композицию.
Как спрятать режиссерскую линию?
«Композиционный ветер».
Где поставить угрожающего персонажа?
Как сбросить персонажа в пропасть? Как заставить его зависнуть в воздухе?
Линия жизни, линия смерти, линия преодоления.
Ломаные линии. Линия спокойствия. Линия пафоса.
Как замедлить взгляд зрителя.

Домашнее задание:
Сбор видеореференсов. Добавление персонажей в движении на рекламную иллюстрацию.

Лекция 7. Художественный образ и новизна

Метафора.
Когда детали разрушают драматизм, а когда добавить?
Нужен ли фон?
C-образные и S-образные линии движения персонажей.
Персонажи разного пола, возраста и характера.
Новизна композиции.
Взаимодействие режиссера и художника анимации.

Лекция 8. Режиссура

Юмор.
Создание карикатуры.
Основы монтажа.
Короткая графическая история.
Разработка отрывка анимационной сцены.

Домашнее задание:
Анализ анимационного фильма.Мозговой штурм. Наброски карикатуры и юмористического стрипа из четырех кадров.

ТРЕТИЙ МЕСЯЦ

Лекция 9. Композиционные центры

Величина и степень детализации.
Выбор геометрического формата.
Что делать, если формат задан заказчиком?
Геометрический центр.
Зрительные центры.
Композиционные центры.
Фризовая композиция.

Лекция 10. Расстановка персонажей и предметов фона

Гармонизация форм.
Продвинутое применение «золотого сечения» и ряд 62, 38, 24, 14, 10.
Расстановка персонажей и предметов фона.
Как добиться математической гармонии, не прибегая к калькулятору?
Ритмы.

Лекция 11. Равновесие и силовые линии

Как уравновесить черное злое детализированным безразличным?
Как нарисовать драму?
«Солнечный ветер».
Геометрические формы внутри композиции.
Отличная иллюстрация от кинокадра.
Силовые линии внутри композиции.
Несколько рецептов внутреннего каркаса.

Домашнее задание:
Сбор референсов.Создание фотоколлажа портрета. Упражнение на создание силовых линий в рекламной иллюстрации. Составление наброска композиции с силуэтами.

Лекция 12. Тон и цвет

Гармонизация тона.
Выбор тонового диапазона.
Сдвиг в черную сторону.
Количество темного, светлого и среднего тона.
Живописная пластика.
Цветная графика.

ЧЕТВЁРТЫЙ МЕСЯЦ

Лекция 13. Закон цельности и контраста

Объединение тоном.
Объединение детализацией.
Режиссерская цельность.
Ритм.
Как показать главного персонажа и толпу? Как противопоставить одну группу другой?
Контраст, нюанс и подобие.
Бэкграунд анимационной сцены.

Домашнее задание:
Упражнение на тоновую цельность.Цветовые наброски книжной иллюстрации. Завершение журнальной иллюстрации.

Лекция 14. Пятновая графика

Силуэтная графика.
Как рисовать границу?
Виды силуэтной графики.
Три направления пятновой графики.
Две схемы детализации.

Домашнее задание:
Создание силуэтной композиции.Завершение книжной иллюстрации.

Лекция 15. Штриховая и точечная графика

Элемент графики — штрих.
Элемент графики — точка.
Спецрисунок.
Смешанные виды графики.
Материалы.

Домашнее задание:
Создание штрихового портрета на основе фотоколлажа.

Лекция 16. Печать

Книжная графика.
Журнальная и газетная графика.
Веб-графика.
Подготовка к печати.

Домашнее задание:
Финальные поправки. Подготовка иллюстраций к печати.

10 «простых» шагов к созданию выставки

Рецепт такой: берете целеустремленного человека, добавляете к нему горы переживаний, кипы бумаги, краски и немного разочарования, и ждете 25 лет, пока это «тесто» поднимется.

Иллюстрация — это просто!

Я считаю, что любая хорошая иллюстрация стоит на плечах своих удачных и провальных предшественниц. В основе способности к самосовершенствованию лежит наше учение на собственных ошибках и счастливые случайности, благодаря которому мы открыли что-то новое для себя. Нам всем знакомо то чувство, когда мазок кисти ложится именно так, как мы хотели, или когда ряд штрихов неожиданно создает нужный нам эффект или, за которым мы гоняемся неделями, месяцами и годами.

Постепенно мыем список вещей, которые должны решить или по крайней мере, принять внимание, чтобы профессионально заняться карьерой иллюстратора. Здесь представлен мой перечень таких вещей. Я пытаюсь удержать их в своей голове, пока рисую.

1. История

иллюстрации что-то должно происходить. Картинка показывает нам часть истории, пойманной в «тот самый» ключевой момент. Это намного лучше, чем брать моменты до или после события. К примеру, мы говорим: рыцарь и дракон. Какое изображение возникает в вашей голове? Может это события после битвы, когда дракон мертв и раненый рыцарь пытается отдышаться? Или может та часть, когда рыцарь входит в пещеру и дракон просыпается, чтобы принять вызов? Или, как я предпочитаю, когда рыцарь, уклоняясь от пламени из пасти дракона, напрягает все тело, чтобы нанести смертельный удар чудовищу.

Я не говорю о других сообщениях в себе истории. Я считаю, что если истории нет вообще, то бесполезно использовать остальную часть моего списка.История — вот, где начинается иллюстрация! Без нее вы всего лишь рисуете предметы.

Забытые королевства Эльминстера

2. Композиция

Композиция — это все то, что инсценирует историю. Это выделение сути события, и «пересказ» его на бумаге при помощи наброска из незначительных линий. Очень полезно зарисовывать миниатюры и композиции в серых тонах, это основа ясности и понятности. Этот шаг самый сложный для меня, больше всего энергии я трачу именно здесь. Я много раз просматриваю 10-15 готовых миниатюр, прежде чем решиться на что-нибудь.

3. Действие

Много лет назад я показывал сцену боя, нарисовал, знакомому художнику Тодду. Он был очень вежливым и сказал, что ему нравится, но .. «Ты знаешь что, Джеспер? Я всегда пытаюсь поймать фигуры за пределами равновесия в сражении, как если бы они были в процессе движения ».

Я заметил, что когда рисовал бой варваров, их ступни стояли на земле ровно.Если вы хотите поймать событие, в тот момент, когда оно происходит, то вам нужно уловить само действие.

Иллюстрация к настольной игре «Достойные путешествия в темноте»

4. Постановка позы

Чтобы показать действие, вам нужно правильно расставить фигуру. Я всегда был фанатом экстремальных ракурсов, однако, если перестараться, фигуры будет невозможно прочесть. Нахождение правильной и особенно интересной позы, требует создания множества зарисовок. И когда, наконец, сумел найти подходящую, без сил сползаешь на пол или, наоборот, прыгаешь от радости. Я помню, как мы обсуждали, как много всякого хлама таскают персонажи ролевых игр. Затем мы отправили меня кольчугой, повесили рюкзак на спину и прицепили на пояс мечи, топоры и щит. В итоге получилось так, что я вообще был неспособен двигаться, не говоря уже о том, чтобы встать в крутую позу.

Когда я пытаюсь найти подходящую позу для фигуры, то сосредотачиваюсь на эмоциях персонажа и пытаюсь избежать слишком неестественных вариантов.

Мензоберранзан

5.Выразительность

Выразительность это явно самая уязвимая точка. Я завидую художникам, которые способны поймать эмоцию в жестах и выражении лица. Мой брат говорит мне, что все мои фигуры имеют какой-то хмурый облик. Но, по крайней мере, я могу утверждать, что лица, которые я рисую, передают какие-то эмоции.

Покоритель Wren’s Run

6. Дизайн

В фэнтези есть наборы типичной экипировки, которую носят различные классы. Они указывают на то, кем или чем является персонаж. Жезлы для священников, посохи для магов и т.д. Хотя правление правил порой намного интереснее. Думаю, тут главное узнать и изучить исторические костюмы и различное оружие. Если знаешь, как пользоваться тем или иным предметом, то сможешь создать свою версию персонажа.

Персонаж для обложки Paizo

7. Детали

Я слышал, как Пол Боннер однажды сказал: «Если сомневаешься, добавь больше деталей». Детали позволяют глазам совершить маленькое путешествие в происходящее событие.Излишне говорить, что есть тонкая грань между «просто добавить деталей» и «сильно переборщить» и создать излишне детализированную картинку. Но я все же считаю, что добавить детали в фигуре убедительности. Например, кто бы мог подумать, что Конан сможет самостоятельно справиться там в снегах, одевшись только в набедренную повязку и какие-то сапоги?

Сюжеты, охватывающие века

8. Цвета

Цвета пальца настроение. Оставаться в пределах серых или темных цветов это самый легкий путь. Но я всегда пытаюсь заменить темные и черные области на яркие цвета. Создание цветовых, применение их на всех цветовых схемовых черновиках — это то, что лучше всего подходит для меня.

9. Силуэт

Все в рисунке должно иметь ясный и понятный силуэт. Неважно, светлая это фигура на темном фоне или темная фигура на светлом. Я понял это очень рано, когда раскрашивал комиксы. Сфокусировавшись только на цвете, я смог изобразить очень ясно и понятно, ведь кто-то уже привел в порядок силуэты и очертания.

Обет злобы

10. Собственный стиль

Когда вы смешиваете все вместе, это все еще немного простовато. В чем ваш собственный стиль? Ваша фишка, ваша особенность? Все, что знаю об этом: как только я перестал обращать на это внимание, так сразу люди начали говорить мне, что они стали узнавать мой стиль.

Играя на своих слабостях, подчеркните свои сильные стороны собственного стиля.

Знак зверя, Magic The Gathering

Связь композиции с литературным материалом Текст научной статьи по специальности «Искусствоведение»

СВЯЗЬ КОМПОЗИЦИИ ИЛЛЮСТРАЦИИ С ЛИТЕРАТУРНЫМ ИСТОЧНИКОМ

К. В. Макарова

Аннотация. Статья посвящена изобразительной и идейно-смысловой взаимосвязи художественной иллюстрации с литературным статей. С различных точек зрения рассмотрено понятие «реализм». Раскрывается сюжета отдельной иллюстрации и иллюстративного ряда, ритма изображения и литературного произведения. Говорится о роли ассоциаций в художественном творчестве.Статья адресована всего студентам и преподавателям ХГФ и написана с учетом художественно-педагогической направленности их профессиональной подготовки и творческой деятельности.

Ключевые слова: книжная графика, художественно-графические факультеты педвузов, взаимосвязь с литературным представлением, сюжет иллюстративного ряда, ритм в иллюстрации, реализм иллюстрации.

Резюме.Статья посвящена имитационно-идеологической связи иллюстрации и художественного текста. Понятие «реализм» рассматривается с разных точек зрения. Автор исследует связь тематики определенной иллюстрации и иллюстративного ряда, ритма изображения и текста. Статья адресована в первую очередь студентам-искусствоведам и преподавателям художественных факультетов и учитывает педагогическую составляющую их подготовки и творческой деятельности.

Ключевые слова: книжная графика, художественные факультеты педагогических вузов, связь иллюстрации и художественного текста, тематика иллюстративного ряда, ритм иллюстрации, реализм иллюстрации.

Иллюстрируя произведение, художник должен стремиться передать его образный строй.

Художественный образ — это специфическая присущая искусству форма отражения действительности и выражения отношения к ней художника, раскрывающая общее через конкретное и осуществляемая в творческом процессе.

Перевод литературного образа в зрительный — процесс всегда неоднозначный, здесь есть потери и приоб-

ретения.Современный подход к иллюстрированию произведения не может сводиться лишь к слепому пересказу, он должен выражать отношение художника к прочитанному, его индивидуальный творческий метод. Не менее подходящим к тем или иным изданиям должен быть и не имеет право подчиняться стилю, раз и навсегда выбранному для себя художником. Известный американский иллюстратор Морис Сэндак говорил: «На мой взгляд, стиль — это только

средство для достижения цели, и чем большим диапазоном стилей вы располагаете, тем лучше… Думаю, что худшее, что может случиться в учебном заведении с молодым художником, который собирается быть иллюстратором, — это сосредоточение себя на том, чтобы найти свой «стиль». [1, с. 184]. Художник должен быть разнообразен.

В. А. Фаворский, говоря о роли художника в оформлении книги, подчеркивает, что необходимо ответить не только на сюжет, но и на стиль литературного произведения. Для современного иллюстратора проблема отражения сюжета не может сводиться только к составлению изобразительного ряда, показывающего внешний ход событий, — художник должен построить закон связи между явлениями в романе, повести, поэме и уже на почве сформировать свой подход к книге.При этом необходимо помнить, что литературное произведение изображается всей книгой — шрифтом, макетом и иллюстрацией.

Раскрывая взаимосвязь пластических образов с литературной системы, остановимся на важном законе композиции — законе единства формы и содержания.

Литература — искусство мировоззренческое. Эта его сторона передается и иллюстрация. Фаворский писал: «.если мы сможем учесть в самой композиции мировоззренческого момента, то все наши разговоры о единстве формы и содержания явятся чисто« формальными »разговорами» [2, с.218].

Рассуждения многих теоретиков искусства о грани, отличающей реализм от натурализма, сводятся к тому,

что натурализм буквально копирует форму, а реализм выражает с помощью формы некоторые идеи. В. А. Фаворский в этом вопросе идет гораздо глубже, но и художественные средства того и другого. Натурализм он делит на органический и неорганический.Первый «ощущает» и передает природу и материал чувственно. Его предмет — свет, воздух, среда, масса, минутные, быстро меняющиеся состояния человека и природы (в какой-то мере это справедливо относительно импрессионистической картины). Такому натурализму присуще мироощущение, но не мировоззрение. Другое дело — натурализм неорганический, или иллюзионистический. Мы все помнимые композиции соцреализма (конечно, речь идет не о лучших из них — творениях Чуйкова, Герасимова, Иогансона и др., А о рядовых «средненьких» картинах), цель исчерпывалась иллюстрированием нравственной идеи, сохранив при этом внешнее правдоподобие изображения.Такой натурализм не содержит мироощущение. Он «не способен на искусство как действие, а только на искусство как иллюстрацию определенного мировоззрения» [там же, с. 219]. Можно выделить и натуральный, «низший» видлизма — буквальное, даже не всегда профессиональное подражание природы, срисовывание внешнего вида предметов безо всякой идеи. Таким натурализмом полны современные художественные салоны, таковы многочисленные картины с фотографиями и заказные «прилизанные» портреты.

Реализм как высшее искусство не только научает содержание, но и организует организует

материал. Здесь сама форма должна быть содержательна. Здесь не будет ничего случайного, но лишь строгий художественный отбор. Такой реализм не предполагает иллюзорность иллюстрации, оставляя художнику свободу в выборе средств для выражения своего понимания литературного произведения, но и накладывает на него ответственность, требуя правдивости, нелицемерия в нравственно-эстетической оценке действительности. (Под иллюзорностью мы понимаем, не крепкий и верный рисунок, стремление уничтожить сам художественный материал, растворить его в попытке подменить предмет изображением).В реализме едины мироощущение и мировоззрение. Кроме того, реалистическое изображение должно передать информацию не только зрительную, но и полученную от всех других органов чувств, то есть отразить предмет во всей полноте его восприятия. Высокохудожественной иллюстрации быть не натуралистичной, реалистичной в раскрытом здесь сложном понимании этого слова. Реализм складывается из реализма мировоззрения, а также целостности и органичности его художественного выражения. Тогда иллюстрация не становится лишним придатком к литературному произведению, но углубляет и расширяет его художественное звучание, эстетически воздействуя на зрителя.

Обратимся к закону контрастов. Кроме чисто изобразительных противопоставлений (светлое — темное, теплое — холодное и т.п.) есть еще и смысловые. Простые литературные контрасты персонажей (добрый и злой, трусливый и смелый, ленивый и трудолюбивый, жадный и щедрый), которые

так часто встречаются в детских книгах, или более сложные, характерные для подростковых и взрослых произведений.Используя все доступные ему средства: мимику, пластику, освещение, эмоциональную нагрузку тона, цвета и фактуры — художник выражает отношение, свое и писателя, к событиям повествования. Возможны смысловые контрасты не только одушевленных персонажей — людей и животных, но и предметы, пейзажей, интерьеров. Унылый пейзаж и радостный пейзаж, интерьер прожигателя жизни и скромного труженика — не перечислить всего богатства контрастов, находящихся в арсенале писателя и художника. Они связаны и с равновесием композиционных осей, и с выделением композиционного центра.

Писатель обрисовывает тот или иной характер словами. Он использует для этого доступные ему изобразительные средства.

1. Без пластической анатомии художник просто беспомощен. Зная закономерность строения человеческого тела и лица, можно охарактеризовать персонажа с помощью мимики и языка жестов. Поэтому необходимо постоянно совершенствовать свои познания в анатомии, делать анатомические зарисовки, целенаправленно проявлять внешние проявления эмоций.Надо изучать также закономерности расположения складок одежды на тележки.

Безусловно, нелишне представляю себе и анатомию некоторых животных — частых персонажей детских книг: собаки, лошади, кошки, птицы и т.д. Но в детской литературе животные обычно очеловечены, и художни-

ку приходится искусно совмещать в их изображениях антропоморфные и звериные черты.

2.Важную роль в создании художественного образа иллюстрация играет перспектива. Вот некоторые примеры. Низкий горизонт подчеркивает значимость изображаемых событий, монументальность персонажа. Высокий горизонт, напротив, подчеркивает незначительность или беззащитность личности перед лицом судьбы. Линия горизонта, находящаяся в средней трети картины, как мы можем оценивать его как личность со стороны, как мы бы поступили на его месте.

3. Взаимодействие персонажа со средой — очень важный аспект художественной иллюстрации. Осуществляемого человека обеспечивает не только его собственный внешний вид, но и его окружение — интерьер, натюрморт, иногда пейзаж. Наши привычки, особенности, достоинства и недостатки, возраст, род деятельности, принадлежность к тому или иному социальному слою и национальности -обо всем этом могут сказать окружающие нас вещи. По словам В. К. Лебед-ко, наиболее существенный для изображения аспект — «умение вдохнуть в. .. пространство жизнь — жизнь живущего в этом уровне человека, достигающая высокой степени выразительности, художественного воплощения, «слитности». пространства с судьбой, чувствами и мыслями его обитателя »[3, с. 33].

Прекрасный пример раскрытия литературного образа в среде его обитания — творчество Н. В. Гоголя. Его образы нашли замечательное ху-

дожественное отражение в иллюстрациях А.Лаптева.

4. Изобразительные средства рисунка, используемые на иллюстрации, -линия, штрих, пятно, фактура поверхности, тональное решение, цветовая гамма, эффекты освещения — все это вкупе должно характеризовать образ персонажа или события. Здесь нам на помощь придут некоторые сопоставления, основанные на законах человеческого восприятия, например:

• контраст и черного -противоречивая личность;

• резкие прямые штрихи, пересекающиеся под углом — «ершистый» характер;

• деликатная, «заглаженная» тональная моделировка — мягкий характер;

• контрастное освещение — драматизм события;

• контражур — таинственность, закрытость и т. п.

Названы только некоторые способы создания образной характеристики. Готовых рецептов здесь нет: художник использует те или иные средства в меру своего таланта, опыта и интуиции.

При выборе тем для иллюстраций необходимо руководствоваться, во-первых, текстом (смысловыми акцентами на определенных сценах или персонажах), а во-второй возможной «графической выразительностью» тех или другим тем.Необходимо, чтобы темы для иллюстраций наиболее полно характеризовали произведение. Например, если иллюстрируют сказку, то выбирают волшебные сюжеты, оставляя «за кадром» бытовые сценки, которые тоже есть в повествовании. Если иллюстрируют приключенческий роман, то предпочтение необ-

ходимо отдавать сценам приключений, а не пейзажам или портретам персонажей. Если художник выбирает нехарактерные для произведений темы, то нарушается гармония между текстом и изображениями.

Уместно о сюжете целого иллюстративного ряда. В картине мы видим развитие движения. Его кульминация — композиционный центр, передающий настоящий момент. Время в литературном произведении может быть прямое и обратное. Пример передвижений по всем направлениям — из будущего в настоящее и из настоящего в прошлое.

Ритм литературного произведения может быть неравномерным: например, роман посвящен 2-3 дня, а короткий рассказ охватывает жизнь нескольких поколений. В первом случае, как правило, писатель сосредоточивается на психологической стороне жизни, во втором случае — на внешнем действии. Это должен учитывать художник выбор при сюжетов и специфики иллюстраций. Возможно, в изданиях первого типа следует отдать предпочтение портретным образам, второго — многофигурным композициям.Часто ритм внутри произведений меняется, ставя перед художником новые задачи. Важен и вопрос о количестве иллюстраций: на их восприятие влияет величина и характер интервалов между ними. «Иллюстрации … должны помочь паузами, акцентами, замедлением и ускорением рассказать фабулу книги» [4, с. 287].

Художник книги должен следовать ритму текста. Здесь важная роль

играют не только сюжеты иллюстраций, но и их формат.Фаворский писал, что полосные иллюстрации заставляют читателя остановиться, задуматься, возможно, еще раз перечитать относящийся к ним текст. Полуполосные, третьполосные и небольшие иллюстрации в оборку напротив, не прерывают ход повествования, не мешают читателю за стремительным разворачиванием сюжета. Поэтому полосные иллюстрации больше подходят, во-первых, для кульминационных моментов текста, а во-вторых, для серьезных книг, требующихся и вдумчивого отношения.Для изданий более легкого жанра, очень коротких сказок или рассказов, юмористических книг, а также для изображения не очень значительных сцен в повествовании или отдельных персонажей больше подходят полуполосные и оборочные иллюстрации. Масштаб иллюстрации и ее отношение к тексту и другим иллюстрациям говорят о мере ее важности. Одна из сосредоточить внимание зрителя на иллюстрации — расположить ее «лежа».

Иногда автор буквально подсказывает художнику, какой сюжет выбрать.Но литературное произведение не обязательно «присутствует» в иллюстрации напрямую — в виде почти точно воспроизведенного сюжета. Художник-иллюстратор может пойти по пути ассоциативных ассоциаций.

Ассоциация — это связь между отдельными представлениями, образами, наиболее часто на уровне

подсознания.Она обусловлена личным чувственным опытом человека, а иногда и «генетической памятью». Ассоциативная связь может быть рожденным символом, допускаются различные толкования, в отличие от аллегории, которая всегда однозначна (аллегория — сознательное выражение отвлеченных понятий через устоявшиеся в традициях символы).

Художник не обойдется без ассоциаций, иллюстрируя текст сказки, легенды, предания, фантастическую литературу — иными словами, выходящие за пределы обыденности.Ассоциация всегда присутствует в так знакомом художникам пути создания художественного образа прямо изобразительного материала -случайных пятен, линий, точек, подтеков краски и т.п. Ведь часто изображение, в котором абсолютно все заранее продумано и преднамеренно, получается очень скучным и походит на добротное изделие.

Язык литературы и книжной графики разный. Изобразительное искусство не копирует понятия — оно открывает зрителю доселе неведомые стороны вещей.По словам Н. Гончаровой, выражение темы литературного произведения может быть сознательным (через сюжет иллюстраций) и подсознательным (через фактуру, переплет, шрифт, использовать книги и даже качество бумаги) [5]. Все это составляет образ книги, одним из важных составляющих которого является иллюстрация.

Фаворский В. А. Литературно-теоретическое наследие. — М .: «Советский художник», 1988. — 587 с .: илл. Лебедко В. К. Несколько слов будущему художнику-педагогу о изображении интерьера // Вопросы истории, теории и методики преподавания изобразительного искусства: Сб.ст.

— Вып. 1. — М .: «Прометей», 1996. -С. 33-37.

Адамов Е. Б. Ритмическая структура книги // Книга как художественный предмет.

— Ч. 1. — Набор. Фактура. Ритм. — М .: «Книга», 1988. — 382 с .: илл. Гончарова Н. Композиция и энергияоника книги. — М., 1977. — 96 с .: илл. Ковалев А. А. Формальный метод в поисково-организационном этапе работы над реалистической композицией.- М .: «Прометей», 2005. — 119 с .: илл. Шорохов Е. В. Композиция: Учеб. для студ. худож.-граф. фак. пед. ин-тов. — М .: «Просвещение», 1986. — 207 с .: илл. Шорохов Е. В. Основы композиции: Учеб. пособие для студ. пед. ин-тов. — М .: «Просвещение», 1979 — 303 с .: илл. ■

СПИСОК ИСТОЧНИКОВ И ЛИТЕРАТУРЫ

Детская книга вчера и сегодня / Сост.Э. З. Ганкина. — М., 1988.

Как нарисовать иллюстрацию, которая будет цеплять за живое?

Недавно у нас на марафоне День Крокодила победила работа к стихотворению Буренка по прозвищу Мурка . Это единственный рисунок, который выбрали все члены жюри единогласно. Обычно мы долго спорим, и отстаиваем своих любимчиков. Но в этот раз споров не было. Мы все влюбились в эту Мурку с первого взгляда.И вроде не было в этом рисунке особенного. Очень простая композиция, незатейливая техника, но СТОЛЬКО настроения, теплоты и озорства! Посмотрите на этих кур! И на пчел! И сама Мурка — просто милашка! Как нарисовать такую иллюстрацию?

Создательница этого очарования — замечательная Оля Голубева . У Оли отлично получилось уловить суть стихотворения. Его атмосфера и настроение. Я спросила, как ей это удалось, и у нас завязалась очень интересная беседа о том, что же делает иллюстрацию ЖИВОЙ и ЦЕПЛЯЮЩЕЙ .Это очень важная тема, которая волнует самых начинающих, и уже профессиональных иллюстраторов и художников.

И оказалось, что Оля целую диссертацию на эту тему написала. Я ее уболтала поделиться своими умозаключениями в нашем блоге. Статья получилась ОЧЕНЬ интересная, вдохновляющая, содержательная, важная. Если вы тоже задумывались над этим вопросом, вам обязательно нужно ее прочитать !!! Обещаю, вы не пожалеете! Дальше передаю слово Оле. Наслаждайтесь !!!!

«Сегодня я хочу поговорить не тему, которая меня безумно волнует и не даёт спать по ночам, а именно — что делает иллюстрацию ЖИВОЙ?

Для начала разберёмся что же такое иллюстрация?

По словам Ури Шулевица, «главная функция иллюстрации — освещать текст, проливать свет на слова…». , листая ленту Инстаграм я вижу огромное количество всевозможных картинок.Большинство, словно морской песок, проскальзывают между пальцами, особо не запоминаясь, но бывает, попадаются обалденные жемчужины! На таких находках залипаешь надолго, жадно разглядывая и смакуя каждый штришок, каждую линию и каждое пятнышко! Создаётся ощущение, что картинка действительно «светится» жизнью, она как будто дышит, вот-вот задвигается и заговорит. Смотришь на такие иллюстрации и думаешь, как же круто! Я тоже так хочу!

Но каким образом художник добился такого результата? В чем секрет? Что это за таинственная магия, которая способна «оживить» рисунок?

Что бы отыскать заветную изюминку, я решила провести небольшое расследование и попытаться ответить на извечный вопрос: как зарождается жизнь? В нашем случае — в иллюстрации! 😉 Ну что друзья, вы со мной !?

Раньше я был уверен, что бы картинка по настоявшему заиграла, совершенно необходимо анатомические пропорции характеристик, правильно прорисовывать фон, обязательно передать все нюансы света и цвета, и, конечно, не забыть сделать акцент на деталях. Простыми словами — картинка должна быть идеальной!

Руководствуясь этими правилами, я старательно и скрупулёзно корпела над своими иллюстрациями, иногда по несколько десятков часов, что бы добиться желанного перфекционизма. Однако зачастую после всех титанических возможностей, финальная картинка, возможно, становилась безупречной, но теряла ту неуловимую лёгкость, и эмоциональную окраску, благодаря этому зрителю впадает в гипнотическое умиление и восторг.

Ури Шулевиц писал: «Перегруженное изображение, напоминает многократно переработанный полуфабрикат (переработанную пищу) — жизненно важные ингредиенты, утрачены во время процесса… Читабельность иллюстрации имеет высокое значение, и некоторые компромиссы для достижения таковой, оправданы.Однако, если цена читабельности — безжизненность, то результат можно рассматривать как неудачу ».

Я решила провести небольшой эксперимент.

Затем я перерисовала самые наброски гораздо старательнее, потратив втрое больше времени.

Я показала свои эскизы профессиональным иллюстраторам, а так же людям, которые сотрудничают с рисованием или живописью.

К моему удивлению большинству опрошенных групп предпочли черновые наброски более аккуратным рисункам. Свой выбор они объяснили тем, что черновая версия выглядят более правдоподобной и вызывает необъяснимую эмоциональную привязанность.

А вам какая больше нравится?

Всё глубже погружаясь в иллюстрацию детских книг постепенно поняла, что этот мир уникален и порой парадоксальным законам! Искусство детской литературы не приемлет правил, напротив, оно всячески приветствует и поощряет творческую свободу и эксперименты.

Подробнее о том, как делать быстрые наброски —
в видео-лекции по Скетчингу — Искусство Живого Рисунка

Иллюстрация не обязана быть безупречной с точки зрения рисунка, или демонстрировать инженер -точное построение перспектив, анатомически изменяемых характеристик, или тщательно прорисованные детали. Избыток всего вышеперечисленного может «заморозить» картинку, сделать её безжизненной.Неправильная эмоциональная окраска, вызывающая неповторимую эмоциональную окраску.

Итак, он гласит: отключи мозги и просто кайфуй от того, что ты делаешь!

Превратись на время в ребёнка, который впервые рисует деревце, собачку, дракончика и т.д. Не думай о том, что этот рисунок нужно вставить в портфолио или выложить в Инстаграм. Наслаждайся процессом а не зацикливайся в результате. И, если так случится, финальное творение твоих спонтанных почеркушек тебе понравилось, но до портфолио или соцсетей этот мини шедевр, как тебе кажется не дотягивает, просто повесь его на холодильник и радуйся каждый раз, когда будешь брать от туда таможок!

Оксфордский словарь это слово «наивный», относящееся к искусству, так: «Наивное искусство — это искусство, созданное в стиле, которое намеренно отвергает сложные художественные приёмы и обладает смелой прямолинейностью, напоминающей работу ребёнка, как правило, в ярких цветах и» без особого соблюдения ».

Особенно хорошо детская наивность и непосредственность просматривается в знаменитой Бэатриче Алеманья .

Признаюсь, первое знакомство с творчеством вызвало у меня различные внутренние протесты. Несмотря на то, что меня совершенно покорили обалденные навыки цветопередачи, я никак не могла совместить их с ее «примитивной» манерой рисования, в частности, с совершенно безумным и анти логическим подходом к перспективе. Как такое вообще возможно?

Но чем больше я анализировала творчество Беатриче, тем быстрее росла моя любовь к её удивительным работам.

Ее иллюстрация очень точно передают атмосферу и подлинную ауру сюжета. Они действительно наполнены жизнью и излучают какую то необъяснимую теплоту.

Не прибегая к сложным анатомически-структурированным формам, используя простые и понятные формы, Беатриче удивительным образом удаётся раскрыть характер и различные эмоциональные настроения своих персонажей.

Своеобразная «детскость» в технике рисования создаёт иллюзию простоты и невероятной беззаботности исполнения.Беатриче как включает своего внутреннего ребёнка, интуитивно, без особых усилий, менее чем за пару часов рисует прикольные и на редкость гармоничные картинки.

В действительности мы все прекрасно знаем, что отключить мозги во время рисования, нам взрослым, не так то просто. Тонны изрисованных и измятых листов бумаги или дигитальных слоёв летят в корзину, прежде чем удаётся осуществить такой непосредственной лёгкости.

М. Сендак говорил: «… это чертовски трудная вещь, очень похожая на сложную поэтическую форму, которая требует абсолютной концентрации и контроля.Вы всё время должны быть в курсе ситуации, чтобы наконец достичь чего-то настолько лёгкого ».

У меня на этом случай есть незатейливое упражнение, во время длительных телефонных разговоров я беру карандаш в НЕую (это важно) руку и начинаю что то бездумно чёркать на бумаге. Иногда «почеркушки» выходят довольно симпатичные 😉

Ну хорошо, скажите вы, а что если я не хочу рисовать примитивные картинки, неужели, только детские наивные «каракули» имеют право называться живыми ?

Что ж доля правды в этом есть, дело в том что как и любая сфера искусства, иллюстрация подвержена модным веяниям и современным тенденциям.Сейчас, действительно больше востребована непосредственность, лёгкость и наивность, но это совершенно не значит, что более «серьёзная» техника рисование не может привлечь своего зрителя.

И тут вступает в силу второй закон иллюстрации. Я его называю — «Закон Наблюдателя!»

Затем сравните ваши рисунки. Я уверен, что картинка с натуры получилась намного фактурней и интересней.

Проделайте это с другими объектами. Лучше всего это упражнение удаётся в местах скопления людей: кафешки, торговые центры, рынки, публичный транспорт, парки и т.д.

В качестве примеров иллюстраций, которые никак нельзя назвать наивными, но это не делает их менее живыми и завораживающими, хочу привести работы английского иллюстратора Пэм Смай из книги «Торнхилл».

В поисках своих сюжетов Пэм неоднократно выезжал на всевозможные локации, делала бесчисленное множество набросков, что бы потом с лёгкостью рисовать нужные детали по памяти.

Наброски с натуры невероятным рисованием развивают наблюдательность, и в разы улучшают навыки развития!

Попробуйте в вашей повседневной жизни подметить простой, незамысловатый сюжет, ловите суть момента и переносите в свой скетчбук. Если вам удастся поймать настроение этого самого значимого момента, отбросив не столь значимые детали, то иллюстрация непременно будет иметь эмоциональный отклик у зрителя!

И тут мы плавно подходим к третьему закону живую иллюстрацию.Закон — «Чем меньше тем лучше»!

«… совершенство достигается не тогда, когда уже нечего прибавить, но когда уже ничего нельзя отнять».

Антуан де Сент-Экзюпери, Планета людей

Скажите, вы обращали свое внимание на работы художников, которые пишут в технике суми-э? У меня почти всегда замирает дыхание при виде этих необыкновенных творений.

Хасэгава Тохаку, «Сосновый лес, правая сторона»

Джон является одним из моих любимых иллюстраторов, всем, кто ещё не знаком с его творчеством, я рекомендую посмотреть, какие удивительные вещи творит этот парень.

Самыми знаменитыми его книгами являются: «Я хочу вернуть свою шляпу» и «Это не моя шляпа», но я хочу обратить внимание на другую книгу под названием «Дом, поддерживаемый деревьями», что на русский можно перевести как « Дом, поддерживаемый деревьями », она была написана американским поэтом Тэодором Коузером (Тед Кузер) и проиллюстрирована Д. Классеном.

В прошлом Джон работал аниматором, и в этой книге он прибегает к трюку кинематографического построения композиции (кадра) с использованием необычного угла обзора (камеры).

Такой своеобразный ракурс делает изображение «широкоэкранным», придавая ему драматизма. Читатель как становится оператором. Есть ощущения, что картинка движется, это оказывает сильное эмоциональное воздействие.

Подробнее о ракурсе, композиции, работе со светом и цветом для создания атмосферы этой рисунка — смотрите в видео-лекции «Секреты Иллюстрации»

Я обожаю каждую иллюстрацию из книги без исключения, но одну из них мне кажется особенно отметить и проанализировать.

Вот текст, сопровождающий изображение.

«Так продолжалось год за годом, дети, как и положено детям, понемногу росли, и со временем превратились в молодого мужчину и молодую девушку, готовые покинуть родительский дом. Они стали слишком взрослыми, чтобы лазать по соседству, но иногда они подходили и стояли у самого края, и вспоминали, как они веселились, играя там, когда были маленькими ».

Мне очень нравится, как четко, всего двумя предложениями автор задает эмоциональный фон в текущий момент, а так же даёт достаточный объем информации, чтобы мы могли проникнутся происходящим.

Теперь посмотрите на иллюстрацию.

Классен НЕ показывает нам детей, которые любили «лазать по деревьям», НЕ показывает само место, в котором они играли, когда были маленькими, он же оставляет для нас загадкой, как выглядят персонажи повзрослевшими? Однако, Джону удаётся уловить самое важное, удивительным образом он передаёт звенящее напряжение.Ощущение какой-то необъяснимой потери. Классен принимает решение показать лишь нижнюю часть персонажа, предоставляя свободу нашему воображению додумать всё остальное. Мужчина и женщина неподвижно стоят у опушки леса, но не смеют сделать шаг к тому месту, где когда-то они были по настоящему счастливы. Молодой человек снял шляпу, а девушка держит в руке зелёный листочек. Словно они стоят у могилы своего детства.

Иллюстрация нарисована с точки зрения (роста) ребёнка. Я думаю, что такой ракурс Джон выбрал намерено.Дело в том, что маленький читатель переживает этот момент иначе, не так как взрослый. Ребёнок по-прежнему может бежать сломя голову, в лесную чащу, смеяться и радоваться, лазая по деревьям и кустам!

Этим изображение, как будто, напоминает нам, что счастье, оно близко, просто нужно сделать всего один шаг ему на встречу.

Удивительная иллюстрация!

После небольшого лирического отступления я хочу отметить ещё один закон, который очень похож на предыдущий, это закон «Недосказанности».

В своих иллюстрациях я часто запихиваю, как можно больше информации, так как переживаю, а что, если зритель не поймёт, что я хочу сказать? На самом деле именно недосказанность может привлечь внимание. Это становится своеобразной игрой, и неким общением!

На мой взгляд, одним из таких художников, который предлагает зрителю задействовать свое воображение и пофантазировать, Виктория Семыкина.

Рассматривая Викины иллюстрации, у меня иногда создается ощущение, будто это не финальное изображение, а наброски из блокнота, такая лёгкая техника исполнения! Хотя на самом деле Вика проделывает колоссальную работу, для достижения эдакой «невесомости».

Посмотрите на эти чудесные иллюстрации из книжки «Переход» (А.Гиваргизов). Все выполнено очень лаконично, но от этого мы не теряем сути дела. Мальчик Дима едет в трамвае. А вот Дима на вокзале, среди суетливой толпы.

В этих иллюстрациях нет ничего лишнего, многие вещи сами додумываем и дорисовываем своим воображением. И знаете, что здорово? У каждого из нас получается своя уникальная картинка!

А это Викины иллюстрации из книжки М. Аромштам «Маленький кораблик». Посмотрите сколько в них динамики!

Иллюстрируя эту книгу, Вика не ставила перед собой задачу детально прорисовать корабли или пляж, она стремилась передать больше.Она хотела, чтобы читатель оказался на море и полностью ощутил всю его (моря) красоту, почувствовал запах солёного ветра, услышал шум и крики чаек, наблюдал безграничную синеву горизонта.

Слышите как кричат эти неугомонные птицы, кружась в хаотичном танце над сияющей водой?

На мой взгляд, Вика отлично сумела воплотить задуманное в жизнь. Иллюстрации выглядят очень атмосферными и полны энергии, как нельзя лучше передаёт дух моря!

Думаю настало время подвести некоторые итоги.

«Зорко одно лишь сердце. Самого главного глазами не увидишь »

Антуан де Сент-Экзюпери

Постепенно раскрывая для себя бесконечно-удивительную вселенную детских книг, я пришла к выводу, что хорошую книжку с картинками можно сравнить с произведением искусства.

М. Солсбери говорит: «Самые лучшие иллюстрированные книги навсегда станут домашними мини художественными галереями. Совокупность высокого-художественного замысла и физического его воплощения, которая доставляет удовольствие и стимулирует воображение как детей, так и взрослых.»

В этой статье я задавалась целью отыскать секреты, благодаря этой системе« оживает ». Проводя своё мини расследование я открыла для себя несколько забавных приёмов, таких как: детская наивность, смелость в экспериментах, наблюдательность, лаконичность .

Несомненно, все эти составляющие, наделить изображение определенным шармом и подчеркнуть индивидуальность художника. Однако после тщательного анализа я пришла к выводу, что на самом деле иллюстрация «светится жизнью» благодаря воему эмоциональному наполнению и правдивости художника .

Если иллюстратор искренне проникается своим изображением и через него делится своей душой, зритель удивительным образом это чувствует и проникается изображением . Это похоже не песня певца, который, возможно, обладает самым сильным голосом, но слова льются из глубины его сердца, такое исполнение не оставляет равнодушным.

Так что же всё-таки нужно, чтобы иллюстрации «засияли жизнью»?

Просто слушай свой внутренний голос. Наберись терпения и слушай внимательно, он обязательно тебе всё подскажет.Освободи разум для чувств, и твори без страха быть непонятым или отверженным. Получай удовольствие, экспериментируй, и вдохновляйся процесс! У тебя всё получится! «

Автор статьи — Оля Голубева .

Композиция в иллюстрации: Основы иллюстрации: Как построить удачную композицию

Основы иллюстрации: Как построить удачную композицию

Правило трёх третей

Угол или ракурс объектов

Правило нечётности

Композиция в рисунке или секреты удачной картины / Doodle&Sketch

Основной рисунок и композиция. Тайные знания коммерческих иллюстраторов

10 «простых» шагов к созданию иллюстрации

1. История

2.<img src='/800/600/https/demiart.ru/forum/uploads4/post-51074-1260707895.jpg' style='float: right;' /> Композиция

3. Действие

4.<img src='/800/600/https/sun9-27.userapi.com/vs50B4CDiNzaP1JrCy2ViqMofaNWvnLsosHnWQ/Rx_Gd-L1rT0.jpg' style='float: right;' /> Постановка позы

5. Выразительность

6. Дизайн

7. Детали

8. Цвета

9. Силуэт

10. Собственный стиль

Как нарисовать иллюстрацию, которая будет цеплять за живое?

Но каким образом художник добился такого результата? В чем секрет? Что это за таинственная магия, которая способна «оживить» рисунок?

А вам какая больше нравится?

И тут вступает в силу второй закон иллюстрации. Я его называю – “Закон Наблюдателя!”

И тут мы плавно подходим к третьему закону живой иллюстрации.<img src='/800/600/https/demiart.ru/forum/uploads9/post-2105475-1332404965.jpg' style='float: right;' /> Закон – «Чем меньше тем лучше»!

Думаю настало время подвести некоторые итоги.

Что бы вы хотели добавить к этому списку? На каких иллюстраторов вы ориентируетесь? Давайте обсудим в комментариях. Буду рада нашему общению!

Композиция и основы иллюстрации — Онлайн курс

ПЕРВЫЙ МЕСЯЦ

Лекция 1. Введение

Лекция 2. Грубые ошибки на периферии

Лекция 3. Грубые ошибки в центре

Лекция 4. Замысел

ВТОРОЙ МЕСЯЦ

Лекция 5. Линейная графика

Лекция 6. Закон движения

Лекция 7. Художественный образ и новизна

Лекция 8. Режиссура

ТРЕТИЙ МЕСЯЦ

Лекция 9. Композиционные центры

Лекция 10. Расстановка персонажей и предметов фона

Лекция 11. Равновесие и силовые линии

Лекция 12. Тон и цвет

ЧЕТВЁРТЫЙ МЕСЯЦ

Лекция 13. Закон цельности и контраста

Лекция 14. Пятновая графика

Лекция 15. Штриховая и точечная графика

Лекция 16. Печать

Композиция: вводная информация — your-scorpion

Основы иллюстрации: Как построить удачную композицию

Правило трёх третей

Угол или ракурс объектов

Правило нечётности

Основной рисунок и композиция. Тайные знания коммерческих иллюстраторов

Композиция в рисунке или секреты удачной картины Doodle & Sketch

Композиция и основы иллюстрации — Онлайн курс

ПЕРВЫЙ МЕСЯЦ

Лекция 1.<img src='/800/600/https/avatars.mds.yandex.net/get-pdb/231404/2b653916-e1d1-481a-869a-e53fdf141ef2/s1200' style='float: right;' /> Введение

Лекция 2. Грубые ошибки на периферии

Лекция 3. Грубые ошибки в

Лекция 4. Замысел

ВТОРОЙ МЕСЯЦ

Лекция 5. Линейная графика

Лекция 6. Закон движения

Лекция 7. Художественный образ и новизна

Лекция 8. Режиссура

ТРЕТИЙ МЕСЯЦ

Лекция 9. Композиционные центры

Лекция 10. Расстановка персонажей и предметов фона

Лекция 11. Равновесие и силовые линии

Лекция 12. Тон и цвет

ЧЕТВЁРТЫЙ МЕСЯЦ

Лекция 13. Закон цельности и контраста

Лекция 14. Пятновая графика

Лекция 15. Штриховая и точечная графика

Лекция 16. Печать

10 «простых» шагов к созданию выставки

1. История

2. Композиция

3. Действие

4. Постановка позы

5.Выразительность

6. Дизайн

2. Композиция

4. Постановка позы

И тут мы плавно подходим к третьему закону живой иллюстрации. Закон – «Чем меньше тем лучше»!

Лекция 1. Введение