Законы и правила композиции: Законы и правила композиции в рисунке ⋆ Арт-Квартира

НОУ ИНТУИТ | Лекция | Основы дизайна. Принципы и законы композиции

< Самостоятельная работа 9 || Лекция 11 || Самостоятельная работа 10 >

Аннотация: Понятие композиции в графическом дизайне. Принципы и правила создания композиций.

Ключевые слова: графика, композиция, объединение

Цели занятия

• познакомить учащихся с понятием композиции в графическом дизайне;
• дать учащимся основные сведения о принципах композиции;
• познакомить учащихся с основными правилами при создании композиции.

Содержание занятия

Компьютерная графика — современное направление художественной деятельности — относится к области графического дизайна. Результат деятельности графического дизайнера должен быть не только красив, но и практичен.

intuit.ru/2010/edi»>Компьютерная графика предполагает две составные части: художественную и техническую. К первой относятся замысел (идея) и эстетическая нагрузка, которая определяется композицией, цветовым решением и шрифтовым оформлением.

Композиция в графическом дизайне — объединение всех элементов (изображений, текста и декоративных деталей) в единое целое. В композиции каждый элемент подчиняется общей художественной (образной) идее.

Удачное дизайнерское решение невозможно без соблюдения некоторых принципов композиции. Следование этим принципам, конечно, не приносит автоматически успехов, но дает указание, в какую сторону следовать. Рассмотрим только самые общие принципы и правила композиции.

Принципы композиции

Необходимо рассмотреть некоторые правила композиции, вытекающие из основных принципов (единства стиля, контраста, нюанса и ритма).

Правила композиции

• Простота решения. Из принципа единого контраста следует достаточно трудное правило, которое требует от дизайнера значительных сил для борьбы с собственной фантазией и возможностями современных компьютерных технологий. Правило простоты требует максимального ограничения в средствах выразительности и неукоснительного следования главной идее. У этого правила два аспекта.

  • Во-первых, дизайн, как правило, должен определяться единственным контрастом. Например, если основной контраст строится на крупном и мелком шрифте, то не стоит добавлять контраст по цвету. Контраст «работает» только тогда, когда он ясно читается. А множество контрастов взаимно гасят друг друга.
  • Во-вторых, дизайн должен быть «прозрачен», то есть зрителю умело преподносится содержание, а не обилие технических приемов.
• Уместность элементов. Из принципа единства стиля следует уместность, которой следует руководствоваться при выборе элементов. Удачный рисунок или декоративный элемент могут оказаться «чужими» в конкретной композиции. Уместность исходит прежде всего из назначения графического произведения и касается всех элементов дизайна (иллюстраций, цвета и шрифта). Для официального документа предпочтительны сдержанные, строгие цветовые соотношения, а для рекламного буклета вполне допустимо цветовое буйство. Выбор шрифта и его разнообразие также требует учета цели документа и его аудитории.
• Внимание к деталям. Самый тщательный отбор деталей и строгое отношение к их размещению — одно из руководящих правил. Коварство мелких деталей состоит в том, что незамеченная опечатка, неравномерные отступы и другие «мелочи» могут испортить в целом удачно решенную композицию.
• Равновесие компоновки. Правило равновесия состоит в том, что каждый элемент имеет «визуальный вес», который создается сложным сочетанием размера, цвета и положения. Например, темный цвет тяжелее светлого, а большой элемент тяжелее такого же, но маленького размера. Одним из способов достижения равновесия является симметричное расположение элементов (такая композиция считается не самой выразительной). Но соотношение элементов по горизонтальной линии, как правило, желательно иметь одинаковым («равновесным»). Если композиция имеет визуальный центр, то скорее всего это должен быть оптический центр листа (на 1/8 выше физического центра).
• Пропорциональность — это четкость замысла и точность исполнения, когда каждый элемент занимает свое соразмерное место. Достижение пропорциональности — конечный этап работы над графической композицией. Показателем пропорциональности является ситуация, когда нельзя изменить размер или положение ни одного элемента без того, чтобы это не повлияло на размеры и положение других элементов.

Примерные вопросы для контроля

1. Дайте определение композиции.
2. В чем состоит основной принцип композиции?
3. Перечислите принципы композиции. Поясните каждый.
4. Что требует от дизайнера правило простоты решения?
5. Какими средствами достигается равновесие композиции?

Дальше >>

< Самостоятельная работа 9 || Лекция 11 || Самостоятельная работа 10 >

20 законов композиции, которые сделают ваши фотографии лучше

Продолжаем публиковать подборку мощных приемов композиции, которые помогают выстраивать гармоничный кадр, управляя взглядом зрителя.

Первые 10 правил композиции, наиболее излюбленных фотографами, ищите тут же, в блоге фотошколы BLENDA.

А теперь мы разберем еще с десяток приемов, которые фотографы используют для привлечения и удержания внимания зрителя на фотоснимке.

Вот они:

• Ритм 
• Линейная перспектива
• Тональная перспектива
• Равновесие
• Направление взгляда и движения
• Формат кадра
• Геометрия
• Линии
• Контраст
• Цветовое пятно 

11. Ритм в фотографии

Ритм – это разнообразное повторение или интересное чередование элементов композиции. По неписаным законам восприятия взгляд зрителя исследует изображение, подчиняясь его ритму. Это может быть ряд фонарей, череда утят, композиция из домино – да что угодно!

Прогрессирующий ритм наблюдается тогда, когда объект, при каждом очередном повторении меняет свою форму или размер. Например, размер объекта может увеличиваться согласно геометрической прогрессии. Кстати, изменяться при повторе может не только форма или размер объекта, но и цвет, тон, интервалы, расположение и т.

д.

Также иногда можно применять «сбой» в ритме композиции. Элемент, выпадающий из ритма, сразу привлекает внимание! Ритм в композиции фотографии схож с ритмом в музыке. Стоит ему прерваться – как зритель напрягается и с удвоенным вниманием наблюдает за причиной нарушения ритма.

12. Линейная перспектива в фотографии

В изобразительном искусстве перспектива (фр. perspective от лат.  perspicere – смотреть сквозь) – это техника изображения удаляющихся объектов в соответствии с кажущимися сокращениями их размеров, изменениями очертаний формы и светотеневых отношений, которые наблюдаются в натуре. Например, два параллельных рельса кажутся сходящимися в одной точке на горизонте.

А в фотографии линейная перспектива – это прием, который используется для придания кадру глубины и объема. Удаляющаяся дорога, мост, пирс, аллея деревьев, тротуар с фонарями, коридор с колоннами или арками – все эти объекты, уменьшаясь при удалении от объектива, помогают сделать двухмерный снимок объемным, глубоким, требующем пристального внимания.

Этот прием может быть как основным (например, в стрит-фото), так и вспомогательным (к примеру, в портретной съемке). Линейная перспектива может вести к главному герою снимка, а может и служить фоном для портрета.

13. Тональная перспектива в фотографии

Тональная перспектива – это приглушение цвета и тона предметов и их контрастных характеристик при удалении вглубь пространства. Чем дальше от нас объекты, тем менее четкими становятся их контуры, оттенки светлеют и приглушаются.

Тональная перспектива зависит от влажности и запыленности воздуха и ярко выражена во время тумана, на рассвете над городом или водоемом, в горах, в лесу, в пустыне или степи во время ветреной погоды, когда поднимается пыль.

Это мощный пейзажный прием, который помогает передать объем и глубину пространства. Его можно использовать и при обработке, осветляя дальний план, например, в портретах.

14. Равновесие и дисбаланс в кадре

Равновесие (или баланс) в фотографии ощущается тогда, когда все включенные в кадр элементы сбалансированы между собой. Зрительное равновесие достигается соответствующим распределением тональных пятен, предметов и фигур в рамке кадра.

Простейшим примером композиционного равновесия является симметрия, причем визуальное равновесие по горизонтали (то есть справа и слева) гораздо сильнее для восприятия, чем по вертикали (то есть сверху и снизу). Однако для этого закона композиции важно не буквальное равновесие разных частей кадра, а их визуальный вес, то есть количество внимания, которое зритель уделяет тому или иному элементу изображения.

Используйте равновесие как прием композиции, если вы хотите передать чувство спокойствия и гармонии. Однако если вы снимаете сюжет, в котором хочется показать напряженность момента, волнение за героя, то, наоборот, лучше пошатнуть равновесие в кадре, оставить бездну за спиной скалолаза или под ногами канатоходца.

Равновесие и дисбаланс в кадре помогают нам играть чувствами и эмоциями зрителя. Поэтому практикуйтесь побольше, чтобы развить чувство визуальной весомости предметов и тональных пятен, а также, научиться распределять этот вес по всему кадру.

15. Формат кадра

Одним из базовых приемов композиции является формат кадра. И сейчас это не про RAW и JPEG, а про соотношение сторон снимка, его высоту и ширину. Ориентация кадра может быть горизонтальной, вертикальной и квадратной.  

Горизонтальный формат. Поскольку глаза у человека расположены горизонтально, мы видим мир именно в горизонтальном формате. Он нам привычнее и комфортнее. Этот формат еще часто называют пейзажным, так как просторы и панорамы мы обычно фотографируем именно горизонтально. Также горизонтальный формат повсеместно используется на проекторах и телевизорах.

Фотограф Евгений Тимашев снял одно и то же место как в горизонтальном, так и в вертикальном формате.

Вертикальный формат более динамичный и претенциозный. Он заставляет зрителя отказаться от привычного созерцания и просканировать изображение сверху вниз. Этот формат еще называют портретным, так как он часто используется для съемки людей, позволяя рассмотреть черты лица и фигуры. Но также его применяют для съемки архитектуры и пейзажа, чтобы акцентировать внимание на одном объекте по отношению к окружению. С появлением камер в мобильных телефонах этот формат приобрел огромную популярность, настолько, что уже некоторые фильмы специально монтируют под вертикальный формат! 

Евгений Тимашев: «При помощи телеобъектива все внимание зрителя переведено на небольшой кусочек этого вида со сказочным водопадом в центре кадра, горными вершинами со свежим снегом и волшебным лесом. Эта фотография заняла призовое место на одном из фотоконкурсов, в то время, как классический вид едва ли попал бы даже в лонг-лист из-за своей банальности».

Квадратный формат – завоевавший свою популярность благодаря Instagram, этот формат очень стабилен и уравновешен. Взгляд зрителя при таком формате двигается не из стороны в сторону, а по кругу, рассматривая все детали объекта. Правильная форма этого формата позволяет создавать абстрактные симметричные композиции.

Фотограф Евгений Тимашев, кадрирование наше.

Какой формат использовать?

Обычно если в кадре превалируют горизонтальные объекты, советуют выбирать горизонтальную ориентацию кадра, а если вертикальные, то, соответственно, вертикальную. Если же объект имеет правильную форму, выбирайте квадратный формат.

Однако это не всегда так. И доказательство этому – призеры пейзажного фотоконкурса The International Landscape Photographer of the Year 2019.

16. Направление взгляда и движения в кадре

Наш мозг привык читать слева направо, так же мы обычно оцениваем и любое изображение, любую картину. Поэтому считается, что смысловой центр лучше располагать в правой части фотографии. Таким образом взгляд и главный объект на картине как бы движутся навстречу друг другу. Такой прием способствует созданию гармонии в кадре.

!!!НО: если мы хотим показать много воздуха и пространства вокруг героя, его лучше расположить слева.

Снимая движущийся объект (автомобиль, идущего человека, летящую птицу), всегда оставляйте свободное пространство впереди объекта. Чтобы ему было куда идти. Эта же рекомендация касается взгляда в портрете. Оставляйте место с той стороны, куда смотрит герой, чтобы его нос не упирался в границы кадра.

!!!НО: если вы хотите передать безысходность, усталость, ограниченность, угнетенность, пусть герой снимка идет в никуда и пусть его взгляд упрется в край кадра.

На фотослете-2019 Наталья Прядко проводила воркшоп на азиатскую тему. Было отснято много кадров в разных ракурсах. Но журнал Vogue опубликовал именно тот кадр, в котором сборщица риса упирается в край кадра. Такая композиция передает ощущение усталости, большого объема проделанной работы, трудного пути, который остался позади. И нет просвета впереди. Непростая история. Сравните этот кадр с другими фото из серии.

17. Геометрия в фотографии

Геометрия в фотографии – это простые формы, такие как квадрат, треугольник, круг, прямые и кривые линии. Геометрию проще всего найти в архитектуре, однако ее много и в естественной природе: горы и скалы, линии прибоя и горизонта, листья и камни, солнце и луна.

Например, у квадрата очень активные зоны – это углы, а у круга или овала – это центр. Не случайно, с давних времен сложилась традиция портретов в овале, чтобы углы не отвлекали внимание от главного – изображения лица. 

Вообще выделяют три базовых фигуры. Это прямоугольник, треугольник и круг. Всё остальное – овал, квадрат, трапеция, ромб – всего лишь их вариации. Все они отличаются как графически, так и эмоционально.

Квадрат – это самая простая, устойчивая, законченная форма, вызывающая утверждающие образы. Он ассоциируется с такими понятиями, как порядок, стабильность, надежность, прочность. В то же время, квадрат воспринимается несколько приземленно и тяжеловесно.

Прямоугольник, расположенный большей стороной по горизонтали вызывает ощущение стабильности, покоя, основательности. Прямоугольник, расположенный большей стороной вдоль вертикали, создает ощущение легкости, воздушности.

Треугольник – самая динамичная форма, которая ассоциируется с движением, развитием, скоростью. В положении вершиной вверх треугольник (особенно равнобедренный) вызывает образы устойчивости, стабильности, спокойствия. В положении вершиной вниз треугольник (особенно неравнобедренный) создает динамичную композицию. 

Круг выражает идею природы, земли, мироздания. Данная форма направляет взгляд внутрь кадра. Круги – самые приятные глазу фигуры, которые можно смело использовать в кадре. Они сразу приковывают внимание зрителя и, благодаря своей идеальной симметричности, привносят в изображение гармонию. Поскольку у круга нет углов, он прекрасно контрастирует с прямоугольным форматом кадра.

Функции геометрических форм:

• Направление взгляда. Эту функцию выполняют реальные или воображаемые линии, которые берут начало у края кадра и идут в его глубину, чаще всего к смысловому центру снимка. Построенные по этому принципу снимки легко прочитываются, их содержание почти мгновенно доходит до сознания зрителя, а это одно из главных условий хорошей композиции.
• Разделение пространства. Разделители пространства делят снимок на отдельные зоны, несущие свою смысловую нагрузку, но работающие вместе для создания единой композиции. Простейший разделитель – линия горизонта, отделяющая небо от поверхности моря. Очень хорошо смотрятся в качестве разделителя пространства треугольники, диагонали и незамкнутые линии.
• Обрамление изображения. В качестве обрамляющих элементов отлично работают дверные проемы, арки, окна, деревья, которые притягивают взгляд зрителя и фокусируют его на основном объекте. Важно чтобы обрамление присутствовало, как минимум, с двух сторон снимка и было выполнено в спокойной тональности, желательно более темной, чем главный объект снимка.

Пробуйте, экспериментируйте и не забывайте, что в одном снимке вы можете использовать сразу несколько геометрических фигур для построения композиции.

18. Линии в кадре

• Горизонтальные линии – это про вечность, постоянство, безвременье. Чтобы фото с горизонтальными линиями (горизонт, водная гладь, кровать) не было статичным и скучным, лучше добавить в кадр какой-то объект другой формы (камень, облако, человека).
• Вертикальные линии – это про силу, энергию, рост и жизнь. Вертикальные объекты (небоскребы, скалы, деревья) выглядят мощно и жизнеутверждающе. Вертикалями хорошо оживлять горизонтальный пейзаж, хотя если вертикальные линии в кадре доминируют, то лучше выбирать вертикальный формат фотографии.
• Диагональные линии – это про движение, развитие, рост или падение. Психологи считают, что восходящая диагональ вызывает умиротворение, в то время как нисходящая – беспокойство и тревогу. Если вертикали и горизонтали обычно делят пространство на области, то диагонали его соединяют и непрерывно проводят взгляд зрителя через весь кадр. 
• Кривые линии – это про разнообразие, динамику, живость, чувственность. Дугообразные линии можно встретить в изгибах травинок, береговой линии, в архитектурных арках. Они могут приближать или отдалять объекты, а также при повторении создавать ритм в фотографии.
• Ломаные линии – про тревогу, даже агрессию. Такой эффект получается потому, что взгляд зрителя скачет от изгиба к изгибу и не может остановиться. В кадр с ломаными линиями лучше добавлять визуальный акцент, на котором взгляд будет отдыхать.
• S-образные линии – это про чувственность, изящество, красоту. Силуэт человека, изгиб гитары, устья рек – все это примеры S-образных линий.
• Но самые важные – это ведущие линии. Это линии, которые начинаются у края кадра и ведут к его смысловому центру, программируя взгляд зрителя на логическое чтение кадра. Они также служат для передачи глубины снимка. 

Линии помогают направить зрителя на путь истинный и правильно расшифровать заключенный в снимке рассказ или историю, которую фотограф хочет донести. 

19. Контраст в фотографии

Для того, чтобы на фото было не больно смотреть, изображение должно быть не слишком контрастным, но и не чрезмерно блеклым. Очень важную роль контраст играет в черно-белом фото: для ЧБ хорошо, если на снимке есть и чисто белые и провально черные зоны. Фотограф должен уметь замечать разные виды контраста:

• Света и тени;
• Разных оттенков;
• Различных текстур;
• Юности и старости;
• Богатства и бедности;
• Зелени и засухи;
• Воды и суши;
• Земли и неба;
• Минимализма и максимализма…

Все эти контрасты на фото выглядят очень фактурно. Пользуйтесь!

Смотрите также: Основные правила композиции на примерах работ Стива МакКарри (фото, видео)

20. Цветовой акцент в фотографии

Цветовое пятно в композиции –  это цветная деталь, яркий акцент, сосредоточенный в небольшой области снимка и привлекающий внимание за счет контраста с окружающими его тусклыми, приглушенными или, по крайней мере, однородными цветами. То есть цветовым пятном считается не красное платье или пальто на крупном портрете, а красный тюльпан или помада – детали, акцентирующие внимание на руках или губах модели.

Человеческий глаз инстинктивно ищет на фотографии самый яркий элемент. Помните моду, когда в кадре выделяли красный (или любой другой) цвет, а все остальное оставляли черно-белым? Сейчас такая обработка уже не в тренде, а тогда этот закон композиции был возведен в степень. 

Это и правда мощный прием, но будьте осторожны! Яркие огни или пестрые цветовые пятна в стороне от главного сюжета отвлекают внимание и могут не только затруднить восприятие изображения, но и вовсе лишить его смысла.

Схематично 20 приемов композиции в фотографии можно изобразить так:

Мы собрали для вас доску из 230 фото с применением ярких приемов композиции в фотографии. Вдохновляйтесь!

Все фото в статье взяты из открытых источников, принадлежат своим авторам и используются в целях иллюстрации.

Поделиться в социальных сетях

56282

11 правил композиции для не-дизайнеров

Наличие правильных элементов для вашего дизайна — это только половина пути к созданию потрясающего визуального образа. Теперь наступает та часть, где вы собираете все вместе, чтобы создать гармоничное сочетание форм, цветов и типографики.

Даже не являясь дизайнером, вы заметили разницу между неуклюжими визуальными эффектами, которые заставляют вас думать, что «что-то просто не так», и контентом, который настолько приятен для глаз, что привлекает вас и принуждает подробнее рассмотреть его различные элементы.

В этом посте мы рассмотрим некоторые способы применения основных правил композиции для создания более эффективного визуального контента, профессионально выглядящего, даже без опыта работы с дизайном.

 

1 Создайте фокус.

Одним из наиболее очевидных признаков эффективного дизайна является то, как он привлекает внимание к центральному фокусу.

Как и в случае любой другой формы коммуникации, каждый дизайн должен иметь основное сообщение и четкую цель. Однако этого нельзя достичь, если зритель не знает, на что смотреть в первую очередь, потому что нет ничего особенного.

Кинотеатр / Дэн Дос Сантос

Например, взгляните на два изображения выше. Что делает их эффективными элементами визуальной коммуникации, так это тот факт, что оба они имеют фокусные точки, созданные с помощью доминирующих элементов. Некоторые из различных характеристик, которые вы можете варьировать, чтобы создать доминирующее положение в дизайне, включают:

• Размер
• Цвет
• Форма
• Глубина
• Значение

В случае плаката слева размер центрального изображения и переплетенных букв больше по сравнению с остальными объектами, что помогает создать центральный, доминирующий элемент.

Его контраст с темным фоном, а также иллюзия глубины и линии, ведущие к ней, заставляют наш взгляд сразу же оттачивать эту часть плаката.

Плакат справа также привлекает внимание зрителей к четкой фокусной точке. При этом наш взгляд мгновенно останавливается на лице лежащей на полу девушки.

Помимо контраста, создаваемого зеленой рубашкой на приглушенном фоне, рисунок тротуара и рука женщины в плаще создают подразумеваемые линии, которые заставляют зрителей сначала сосредоточиться на лице объекта.

 

2 Создайте визуальную иерархию.

Цель хорошего визуального дизайна — сориентировать взгляд зрителя в определенном направлении.

Первым шагом к этому является создание визуальной точки входа в ваш дизайн с помощью точки фокуса, как описано выше. Затем вы можете указать путь, по которому будут следовать глаза ваших зрителей, применяя другие правила, такие как принципы визуальной иерархии, которые управляют расположением элементов таким образом, чтобы сообщать об относительной важности каждого из них.

Дизайн слева, например, делает именно это, варьируя определенные характеристики, такие как размер, контрастность, цвет, типографика и интервалы. Даже зритель, не обученный графическому дизайну, может сказать, что самой важной частью сообщения является заголовок «Ярмарка лагеря», написанный большими жирными белыми буквами.

Sui Tin Sung / Runner’s World Magazine

В дизайне справа достигается тот же эффект за счет применения тех же принципов визуальной иерархии. Когда вы впервые смотрите на него, ваши глаза, скорее всего, идут по одному и тому же пути от самого важного элемента к наименее: 1) Заголовок; 2) Человек ниже слов; 3) Женщина рядом с мужчиной; 4) Число «800»; 5) А потом текст в правом нижнем углу страницы разворот.

 

3 Используйте ведущие линии.

Еще одна эффективная техника создания визуального путешествия с помощью вашего дизайна — использование так называемых направляющих линий.

Либо подразумеваемые естественной формой объектов (например, протянутая рука женщины в первом примере выше), либо явно выраженные с помощью реальных линий, направляющие линии используются для направления взгляда читателей на другие элементы на странице.

Design By Day / Brian Stauffer

Прекрасным примером является дизайн слева, в котором используется эта техника, чтобы сначала привлечь внимание к фокусу («разматывание»), а затем сориентировать глаза на информацию о каждом из различных линии; сначала список имен выделен желтым, затем слова красным и так далее.

Хотя изображение справа не так бросается в глаза, как первое, оно также использует направляющие линии, чтобы сориентировать взгляд в фокусе. В данном случае ведущие линии подразумеваются формой рояля и вытянутыми стеблями цветов над крышкой рояля.

 

4 Масштабируйте элементы для создания эффектов.

Еще один способ указать относительную важность элементов — отрегулировать их масштаб. Например, самые важные элементы обычно крупнее и заметнее, чем менее важные. Таким образом, масштаб используется для установления преобладания или визуального веса объекта.

В эффективном дизайне все элементы не должны иметь одинаковую визуальную значимость; если это так, то все они будут конкурировать за внимание, и зритель не будет знать, на что смотреть в первую очередь.

Lucrezia Invernizzi Tettoni / Wilco

Например, на плакате слева используется крупногабаритный элемент для создания драматического эффекта и быстрого привлечения внимания к четкой фокусной точке.

Тот, что справа, использует тот же прием, но в данном случае он используется для того, чтобы подчеркнуть относительную малость птицы по сравнению с совой. Ведущие линии, подразумеваемые тенями, также заставляют нас переводить взгляд с совы на птицу, а затем снова на сову.

 

5 Сбалансируйте элементы.

В большинстве случаев для создания визуальной гармонии требуется сбалансированный дизайн. Но что именно означает «баланс» в контексте графического дизайна?

Согласно Smashing Magazine, концепцию визуального баланса можно сравнить с балансом в физическом мире. Подобно тому, как сцена с одним очень маленьким человеком и другим очень большим человеком, сидящими на противоположных концах идеально сбалансированных качелей, оттолкнет большинство зрителей (поскольку это физически невозможно), так и несбалансированный дизайн.

Как и в реальном мире, каждый элемент имеет визуальный вес, определяемый, среди прочего, его размером, цветом и формой. Например, большой круг будет иметь больший визуальный вес, чем маленький; или сильно текстурированный объект будет иметь больший вес, чем более плоский элемент.

Точно так же, как вы пытаетесь сбалансировать физические объекты на качелях (возможно, заставив более крупного человека двигаться к центру), вы должны отрегулировать размещение визуальных элементов на странице, чтобы достичь баланса в дизайне.

Mahya Soltani / Matt Needle

Зная это, вы можете достичь баланса в дизайне, используя либо симметрию, либо асимметрию. Хотя первый часто считается гармоничным и сбалансированным, он также может восприниматься как скучный из-за его статичного характера. Асимметрия, с другой стороны, обычно не считается привлекательной, но может интерпретироваться как динамичная и стимулирующая.

Взгляните, например, на рисунок слева. Несмотря на асимметричность, когда большинство элементов размещено в правом нижнем углу плаката, он уравновешивается иллюстрацией, которая имеет значительный визуальный вес из-за контраста с темным фоновым изображением.

Или посмотрите на плакат справа. В основном это симметричный дизайн, который, хотя и статичен и прост, подкупает драматическим эффектом, создаваемым контрастом оранжевого цвета на фоне и эффективным использованием отрицательного пространства.

 

6 Используйте контраст для отправки сообщения.

Контраст — один из самых эффективных инструментов для выделения определенных элементов дизайна. Как человеческие существа, одним из первых, что замечают наши глаза, является различие, будь то различие в цвете, форме, текстуре, размере или положении, среди прочего.

По своей природе мы склонны группировать похожие объекты и различать непохожие. Возьмем, к примеру, плакат слева. Наши глаза немедленно обращаются сначала к объекту, который выделяется больше всего: желтый прямоугольник и слова, содержащиеся в нем. Затем наш взгляд переходит на лицо субъекта, заголовок, а затем окружающий текст.

Projeto Nosotros / Alejandro Flores

На втором плакате мы видим тот же эффект. Цвет используется для создания контраста и тем самым привлекает внимание сначала к голове субъекта, а затем к его ногам и текстовому сообщению.

 

7 Создайте целостный дизайн.

Чтобы создать визуальный образ с хорошей композицией, вам также нужно связать элементы вместе, чтобы сформировать единое целое. Используя дополняющие друг друга элементы, вы можете достичь чувства единства и сплоченности.

Постер слева, например, эффективно создает единое целое, используя бегущую тему, которая действует как невидимая нить, стягивающая дизайн воедино. В данном случае этой объединяющей темой является использование форм для создания перспективы как в тексте, так и в трехмерной горной сцене, полностью состоящей из простых треугольников разных оттенков и цветов.

Justin Krout / Barthelemy Chalvet

То же самое касается дизайна справа. На протяжении всего изображения используются одни и те же белые плоские значки на ярком и красочном фоне.

 

8 Используйте повторяющиеся элементы.

Еще один способ добиться цельного дизайна — повторять определенные элементы. Таким образом, зритель распознает визуальный шаблон и знает, чего ожидать дальше, особенно при создании многостраничного дизайна.

Черновые направляющие

Например, на этом развороте журнала на нескольких страницах видны одни и те же 90-градусные треугольники, а также одинаковые шрифты и геометрические элементы, такие как круги и шестиугольники.

Черновые направляющие

Оранжевый цвет также постоянно используется повсюду, хотя на последнем двухстраничном развороте представлена новая комбинация желтого и черного цветов, которая может немного сбить зрителя с толку.

 

9 Эффективно используйте пустое пространство.

Вы, наверное, слышали это раньше, но отрицательное пространство (или белое пространство) так же важно для вашего дизайна, как и положительные элементы. В визуальном образе у него много функций: он позволяет глазам читателей отдохнуть; это дает место для зрительных путей, по которым может следовать глаз; привлекает внимание к основным элементам вашего дизайна; и это делает ваш дизайн чистым, изысканным и эффективным.

Budi Satria Kwan / Jon Klassen

Только посмотрите, как дизайн слева творчески сочетается в негативном пространстве с позитивными элементами, привлекая внимание сначала к красочному горизонту, затем к зданиям и дождю, вплоть до одинокого мужчины с зонтик.

Или рассмотрим пример справа, в котором используется значительное количество негативного пространства для создания ощущения драмы и напряжения. Кроме того, это полезно для выделения небольшого коттеджа посреди обширной и бесплодной местности.

 

10 Используйте сетки для выравнивания элементов.

Один из способов убедиться, что ваш дизайн не выглядит неорганизованным и непрофессиональным, — использовать сетки для выравнивания элементов. (Вы можете узнать, как использовать сетки в Visme здесь.)

Envato

Посмотрите, как эти два плаката используют один и тот же макет сетки для правильного размещения элементов в гармоничной и визуально привлекательной манере. Поскольку макет уже был предопределен, это значительно упрощает работу по составлению вашего дизайна.

Envato

Итак, вместо того, чтобы просто смотреть на расположение ваших элементов, попробуйте использовать сетку, чтобы ваш дизайн выглядел более организованным и сбалансированным. Они также могут помочь вам определить точки фокусировки и проложить визуальный путь, по которому должны двигаться глаза зрителей.

 

11 Следуйте правилу третей.

Наконец, есть очень важное правило третей, которому вы можете следовать, просто разделив область холста на трети, как по горизонтали, так и по вертикали, как показано выше. Согласно этому простому принципу, ваши фокусные точки должны лежать на пересечении этих линий.

Хотя это и не принцип, которому нужно следовать для каждого дизайна, правило третей полезно для создания динамичных дизайнов, которые не являются полностью центрированными и симметричными.

С правилом третей также связана последовательность Фибоначчи. В виде прямоугольника получается золотая спираль, которую можно увидеть во многих известных художественных произведениях, а также в природе, от ураганов до цветочных лепестков.

Левенте Сабо / авангард

Когда вы наложите спираль Фибоначчи на два плаката выше, вы увидите, что оба имеют элементы, расположенные в соответствии с этим золотым сечением, и имеют фокусы на пересечении невидимой сетки третей.

Как вы применили эти правила композиции для создания лучшего дизайна? Мы хотели бы услышать ваши комментарии и вопросы. Или, если вы хотите поделиться с нами своим проектом, не стесняйтесь, напишите нам в разделе комментариев ниже.

Изучение правил композиции, а затем их нарушение

Вышеупомянутая картина Джульетты Аристидес, проанализированная с помощью гармонической арматуры

На что была бы похожа жизнь, если бы вы однажды проснулись и не могли читать? Повседневные вещи, которые вы считаете само собой разумеющимися, станут невыносимыми. Вы не могли прочитать состав на этикетке коробки с хлопьями, в утренней газете, в своей электронной почте, на дорожных знаках, на рекламных щитах, в своем iPhone, в обеденном меню или в журнале в продуктовом магазине. Вы бы совсем потерялись.

Не понимать дизайн как художнику все равно, что не уметь читать. Вы не сможете интерпретировать (прочитать) структуру дизайна в картинах Эдгара Дега, Питера Пауля Рубенса, Винсента Ван Гога, Леонардо да Винчи или любого другого мастера. Другими словами, вы можете получить удовольствие от просмотра их работы, но не сможете извлечь из нее уроки.​

Я прочитал много книг и статей о композиции, и большинство из них звучат одинаково. Изучите правила композиции, а затем нарушайте их. Или, что еще хуже, некоторые художники и фотографы будут рекомендовать вообще не следовать каким-либо правилам или утверждать, что в искусстве нет правил. Чтобы подкрепить мою точку зрения, ниже приведены несколько цитат известных фотографов о правилах в искусстве и композиции.

«Правила — это глупые, произвольные, бессмысленные вещи, которые быстро поднимают вас до уровня приемлемой посредственности, а затем мешают вам двигаться дальше». — Брюс Барнбаум

«Нет правил для хороших фотографий, есть только хорошие фотографии». —Ансель Адамс

«У фотографии нет правил, это не спорт. Важен результат, каким бы способом он ни был достигнут». — Билл Брандт

«Фотограф имеет почти такой же контроль над своим объектом, как и художник. Он может управлять светом и тенью, формой и пространством, рисунком и фактурой, движением и настроением, всем, кроме композиции». — Андреас Фейнингер

Как бы интересно и «вычурно» ни звучали эти цитаты, они не основаны на логике или здравом смысле. Если нет правил для хороших фотографий, как фотография может быть хорошей? Как отличить дрянную фотографию от хорошей, если нет возможности измерить и то, и другое? Если правила глупы, произвольны и бессмысленны, то почему так много мастеров прошлого следовали строгим правилам, когда дело доходило до дизайна их произведений? Должны ли мы называть Леонардо да Винчи глупым, безмозглым и называть его искусство посредственным, потому что он использовал золотое сечение? Почему фотограф может управлять светом и тенью, формой и пространством, узором и фактурой, движением и настроением, но не может контролировать композицию?

Как пишет Жюльетт Аристидес в своей книге «Ателье классической живописи»: «Правила дизайна необходимо активно искать, изучать и применять. Существуют правила рисования, правила цвета и правила композиции. правила или ограничения любой дисциплины помогают определить ее и дают участнику этой темы свободу творчества и самовыражения. Жак Вийон (брат Марселя Дюшана) хорошо выразился, когда сказал: «В художественном хаосе этих последних лет, когда абсолютное освобождение индивидуального инстинкта довело его до исступления, попытка определить гармонические дисциплины, тайно во все времена служившие основой для живописи, вполне может показаться безумием. тайна и ее глубочайшая поэзия». Пришло время современному мастеру-живописцу начать восстанавливать навыки и раскапывать утраченные традиции этой тайной основы».

Стать великим фотографом нелегко, и никто из нас не родился художником. Необходимо изучить набор базовых навыков, а дизайн не интуитивно понятен. Как люди, мы обладаем врожденным чувством равновесия, но это не то же самое, что овладение искусством композиции. Чтобы создавать отличные фотографии, вам необходимо четкое понимание правил и рекомендаций по дизайну.