«Мягкий автопортрет с жареным беконом» (1941). Сальвадор Дали — шедевры Театра-музея
Картина «Мягкий автопортрет с жареным беконом» (1941, масло, холст) выставлялась в галерее Жюльена Леви в Нью-Йорке в апреле-мае 1941 — и, несмотря на растущую славу Сальвадора Дали и его очевидную популярность в США, распродажи представленных на выставке работ не случилось. По словам Жюльена Леви, бизнес тогда не то чтобы шел плохо — никакого бизнеса, особенно в сфере искусства, не было вообще. Эта ремарка далеко не случайна, поскольку имеет прямое отношение к нашему собственному методу в «далиеведении», о котором мы не раз уже упоминали: «Для того, чтобы лучше понять картину Дали, нужно знать, при каких жизненных обстоятельствах она была написана.»
Правило это действует безотказно, поскольку «обстоятельства» жизни Сальвадора Дали вольно или невольно прорывались в его работы — что мы и наблюдаем на примере «Мягкого автопортрета».
Пусть не лишенные приятности, но все-таки скитания четы Дали по Европе закончились бегством в США, где будущее поначалу тоже представлялось окутанным мраком неизвестности. Ситуация в огромном внешнем мире, равно как и в персональном мирке Сальвадора Дали не давала никаких поводов для оптимизма — что и обусловило темный, откровенно пессимистичный колорит полотна.
По словам самого Сальвадора Дали, в этом «антипсихологическом» автопортрете он изобразил себя в виде куска кожи с головы, лишенной черепа. Из-за отсутствия твердой костной основы образ, и
так весьма расплывчато-мягких очертаний, стремится окончательно «обесформиться» и «стечь» аморфной грудой на пьедестал, на котором по-английски (дань приютившей его американской земле)
изображено название картины.
Здесь на секунду прервемся и воздадим дань тщеславию Дали — так свойственному ему качеству. По замыслу каталонского усача, у всякого при виде этой «кожаной» головы должна возникнуть мгновенная и прочная ассоциация с Микеланджело, изобразившим себя в виде содранной кожи в Сикстинской Капелле, на фреске «Страшный Суд».
Напомним, Микеланджело Буонаротти всегда был одним из главных кумиров Дали, которым он не переставал восхищаться даже в тот период, когда начисто отрицал в живописи все, созданное не им самим. Дали часто обращался к творчеству Микеланджело в разные периоды своей карьеры, да и вообще любил подчеркивать свое сходство с великими мастерами эпохи Возрождения, заявляя: «Подобно им, челюсти моего мозга находятся в беспрерывном движении.»
Тот факт, что Микеланджело изобразил себя в виде кукска кожи, позволял Сальвадору Дали утверждать, что именно кожа, как ни странно, является самым стойким и долговечным элементом человеческого
естества — и как раз о «стойкости» идет речь в этой картине.
Источник фото: сайт Фонда Гала-Сальвадор Дали
Единственная причина, по которой автопортрет не «теряет лицо» — это большие и малые костыли, всегда выступавшие в работах Дали символом поддержки. В данном случае, можно не сомневаться — речь идет о поддержке финансовой, поскольку денежные дела Сальвадора Дали в то время не были блестящи, а оказаться на мели, в чужой стране, в военное время — тут всякий, даже Сальвадор Дали, озаботится!
Неосознанно, или, напротив, намеренно, Дали с полотна явно взывает к американским толстосумам: «SOS! Я уже привык к определенной роскоши, и тем более к ней привычна моя обожаемая супруга. Нас вовсе не прельщает перспектива скатиться в нищету, с которой начиналась наша совместная жизнь — так что прошу помощи!»
О том же страхе нищеты, и, как следствие, голода и смерти свидетельствуют и муравьи — одна из главных фобий художника — поедающие его кожаную плоть. В работах Дали муравьи чаще всего
символизируют именно разложение и смерть, мысли о которых неизбежно посещают любого в периоды депрессии.
Собственно, из этой же области и бекон, который, к тому же, Дали регулярно подавали на завтрак в пятизвездном отеле Сейнт-Реджис, где они с Гала остановились и жили — разумеется, в долг, который впоследствии вырос до размеров астрономических. Голодный человек постоянно думает о еде. Голодный художник выражает эти навязчивые мысли посредством живописи — говоря «голодный» я, разумеется, утрирую, о настоящем голоде нищего Дали образца 1930 речь не идет — но суть, думаю, понятна.
Впрочем, Дали вовсе не просит милостыню. Само расположение аморфной головы-лица: на пьедестале, подобно бюсту, статуэтке или скульптуре — то есть, объекту искусства, выставленному на продажу — как раз заявляет о том, что Дали обменять свой талант, причем в любой форме, на финансовые блага, а уж сама эта «форма» напрямую будет зависеть от пожеланий покупателя и толщины финансового «костыля».
Да, искусство в современном мире — не магия, доступная лишь избранным существам с Олипа, но, прежде всего, объект купли-продажи, как, например, тот же бекон — и не случайно, думается,
голова Дали и сало расположены рядом.
Как я уже сказал, картины с этой выставки распродавались из рук вон плохо, и, к тому же, были изрядно раскритикованы искусствоведами — так что страхи, фобии и опасения Дали имели под собой реальную почву.
Но не станем забывать — мы говорим не о каком-то там «художнике» — но о Сальвадоре Дали. Неудачи только подстегивали его врожденное трудолюбие и жажду преодолеть их во что бы то ни стало. Именно сверхактивность Дали под чутким руководством Гала в этот тяжелый период вскоре привела к тому, что все наладилось и дела, как творческие, так и финансовые, пошли в гору!
Свяжитесь с нами:
Тел, WhatsApp, Viber, Telegram
+34 630917047
Мы на Facebook
Мы в Instagram
9 портретов Сальвадора Дали | Artrue
Самые известные и необычные портреты Дали.
Портреты Дали
9. Автопортрет с «Юманите» (1923)
Автопортрет с Юманите был написан в 1923, когда Дали учился в Мадридской академии искусств.
Подобно многим художникам, Дали был автором большого количества автопортретов, которые отражали его жизнь во время их написания. Здесь мы видим Дали почти лишенным индивидуальных особенностей, если сравнить с реалистическим «Автопортретом с рафаэлевской шеей». Информацию о своей человеческой сущности Дали сообщает через то, что он читает. На этой картине у Дали нет рта — этот прием характерен для многих его более поздних произведений и символизирует потерю контроля и страх.
8. Автопортрет с рафаэлевской шеей (1921–1922)
«Автопортрет с рафаэлевской шеей» писался в течение 1921–1922 годов. маслом на холсте. Стиль этой картины вписывался в рамки неоимпрессионизма (или пуантилизма).
7. Портрет Бунюэля (1924)
Дали встретил Луиса Бунюэля в академии искусств (Мадрид), где обучался с 1922 по 1926 и откуда, в дальнейшем, был исключен. Бунюэль входил в число друзей-интеллектуалов, сильно повлиявших на Дали; среди них был Федерико Гарсиа Лорка, поэт и драматург, которому предназначался воспроизведенный здесь автопортрет.
«Портрет Бунюэля» был создан, когда модели было 25 лет. Он выглядит очень серьезным, погруженным в свои мысли человеком, сосредоточенно смотрящим вдаль, не на зрителя. Палитра портрета ограничена, она состоит из нескольких мрачных цветов. Подобное колористическое решение позволяет сделать акцент на выражении лица, помогая создать серьезную атмосферу.
6. Мадам Риз (1931)
Дали писал портреты почти в течение всей творческой карьеры, начав в ранние годы с членов своей семьи и быстро перейдя к моделям, готовым за это платить, как только понял, какие требования предъявляются к его работе. Другие сюрреалисты критиковали его за то, что он в качестве моделей выбирает клиентов, готовых за это платить. Они смотрели на подобные работы как на снижение творческих стандартов, считая, что художники должны изображать только то, что их вдохновляет, не обращая внимания на традицию портретной живописи.
Как это часто было в творчестве Дали, модель изображена на фоне пустынного каталонского пейзажа с холмами вдалеке. Здесь также есть другие, типичные для Дали мотивы, такие, как здание с куполом и сквозными проемами и мужчина, сидящий верхом на вздыбленной лошади.
Мадам Риз освещена солнечными лучами, которые падают из плотных облаков. На ней вечернее платье и жемчуг, что говорит о том, что она принадлежит к финансовой элите общества, представителей которой часто Дали писал.
5. Портрет миссис Джек Уорнер (1945)
Модель — Энн, жена Джека Уорнера, который был главой Warner Brothers Studios. В это время Дали жил в Калифорнии, где он и Гала обзавелись богатыми друзьями, став, в свою очередь, представителями общественной элиты.
В 1940-е портреты Дали были очень элегантны, его заказчики — состоятельные и знаменитые люди, такие, например, как Елена Рубинштейн. Портрет жены настолько потряс Джека Уорнера, что он обратился к Дали с просьбой написать и его; на это потребовалось пять лет. После завершения работы Уорнер сказал, что этот портрет представляет собой великолепное изображение его собаки, и, чтобы доказать это, повесил произведение в собачьей конуре.
На этой картине Энн Уорнер кажется строгой; ее кожа имеет нездоровый цвет с оттенками серого. На заднем плане изображена безлюдная местность с нагромождением развалин и несколькими крошечными фигурами. Пейзаж слева от Энн совсем иной, более зеленый.
4. Портрет Галы с бивнями носорога (1954)
В работе присутствуют бивни носорога, как в картине «Взрыв рафаэлевской головы».
По мнению Дали, в природе не существует лучшего примера «логарифмической спирали, чем кривые, образованные бивнями носорога «.
В этом портрете голова Галы появляется над испанским заливом. Интенсивный синий цвет неба и моря контрастирует с ярко красной каймой, очерчивающей ее бюст. Ее шея и грудная клетка сформированы из носорожьих бивней. Одна из прибрежных скал слева от Галы также составлена из носорожьих бивней. Скала распалась на составные части, но все еще угадываются общие очертания.
3. Портрет моего отца (1925)
Отец Сальвадора был строгим, авторитарным человеком, старавшимся в течение многих лет направлять непокорного сына вплоть до отречения от него (1930 год). Хотя по прошествию лет они на время помирились, их взаимоотношения всегда были трудными. Дали считал, что отец больше любит первенца, умершего до его рождения. Художник писал, что «когда он смотрел на меня, он видел меня и моего двойника. В его глазах я был наполовину одним человеком, наполовину чем-то большим».
Работа изображает Дали-старшего, сидящего в повседневной одежде, в его руках трубка. На более ранних портретах он изображен в официальном темном костюме в горделивой позе, смотрящим вдаль. Эти различия указывают на то, что данная работа носит более личный характер. Фигура смотрит на зрителя пристальным взглядом. Из-за положения его головы создается ощущение, будто он осуждает свою аудиторию.
2. Портрет Хосе Торреса (ок. 1920)
Одно из ранних произведений Сальвадора Дали «Портрет Хосе Торреса» написано не в сюрреалистической манере, столь характерной для произведений художника 1920-х годов. Тем не менее в творчестве. На пиджаке Торреса прикреплен значок в виде каталонского национального флага. Дали придавал большое значение своему каталонскому происхождению, подтверждение этому можно найти во многих его работах, например, в «Открытии Америки Колумбом» (1959).
«Портрет Хосе Торреса» отмечен легким влиянием кубизма, заметным в написании головы и плеч.
Обратим внимание на другие любопытные детали: черты лица Хосе. Его лоб кажется неестественно широким, непропорциональным по отношению к глазам, что напоминает о работах Амедео Модильяни (1884–1920), особенно о портрете испанского художника Хуана Гриса.
1. Портрет моего умершего брата (1963)
Брат Дали, которого тоже звали Сальвадор, умер в возрасте двух лет, за год до рождения художника. Дали был очень похож на своего умершего брата и говорил, что его «вынужденное отождествление с умершим человеком означало, что истинный образ моего тела был связан с разлагающимся, гниющим, мягким и червивым трупом…». Это единственное изображение брата, созданное Дали, хотя здесь мальчик старше, чем брат перед смертью. Дали чувствовал, что этой картиной он изгоняет душу своего брата.
Лицо мальчика выполнено точками. Этот прием был широко распространен в поп-арте 1960-х. Подобная техника усиливает ощущение призрачности мальчика, он иллюзорен, к тому же его изображение включено в пейзаж.
Волосы мальчика образуют крылья ворона; птица часто рассматривалась как вестник смерти. Слева от мальчика находится миниатюрное изображение «Анжелюса» Милле. По мнению Дали, с помощью рентгеновского луча можно доказать, что первоначально Милле изобразил не корзину, а гроб ребенка.
Автопортрет с рафаэлевской шеей картина Сальвадора Дали
«Автопортрет с рафаэлевской шеей» — один из самых известных автопортретов испанского художника Сальвадора Дали (1904-1989). Картина была написана в 1921 году. Холст, масло. Размеры: 41,5 × 53 см. В настоящее время находится в музее Фонд «Гала-Сальвадор Дали» в Фигерасе, Испания.
Сальвадор Дали больше известен именно как художник-сюрреалист, однако данная работа создана в стиле импрессионизм. В это время Дали был вдохновлён творчеством художника Рамона Пичота, который писал картины в стиле нео-импрессионизм. Под его влиянием он пытался создать необычные эффекты живописи. Стоит отметить, что Дали на момент создания картины было всего 17 лет, но молодой художник уже делал успехи в живописи и пробовал себя в различных техниках.
В центре картины автопортрет самого Сальвадора Дали с длинной шеей, о причине которой мы поговорим ниже. На этой картине Дали попытался передать ощущение меланхолии и грусти, так как в 1921 году умерла его мать. Как рассказывал сам художник, смерть матери для него стала одним из самых тяжёлых переживаний в жизни. На заднем плане видна рыбацкая деревня Кадакес, которая расположена на побережье Коста-Брава. В этой деревне семья Сальвадора Дали проводила лето.
Картина называется «Автопортрет с рафаэлевской шеей» по той причине, что здесь Дали создал изобразительную отсылку к известной картине великого итальянского художника эпохи Возрождения Рафаэля Санти (1483-1520) «Автопортрет». На картине Рафаэля бросается в глаза несоразмерная с головой и телом шея, которая кажется неестественно толстой и удлинённой. Эту деталь картины великого итальянского художника и заимствовал Сальвадор Дали, сделав свою шею длиннее и крупнее, чем положено. Таким образом Дали пытался завершить тот меланхоличный и грустный образ, что пытался передать в своей работе, поместив в картине символ — отсылку на произведение Рафаэля.
«Автопортрет с рафаэлевской шеей» картина Сальвадора Дали
«Автопортрет» картина Рафаэля Санти
Уникальные изделия из серебра в интернет-магазине «Золотая паутина». Заходите на сайт kubachi-zp.ru, чтобы ознакомиться с выбором. Украшения, вазы, сервизы, кувшины, турки и многое другое.
Автопортрет с беконом и квантовая Мадонна. Гид по выставке Сальвадора Дали в Манеже
Культурно-исторический фонд «Связь времен» и санкт-петербургский Музей Фаберже в сотрудничестве с Департаментом культуры города Москвы продолжают серию выставок известных художников XX века. Первой из них стала ретроспектива «Viva la vida. Фрида Кало и Диего Ривера».
В новой экспозиции, которая поможет проследить творческий путь одного из самых неординарных художников прошлого столетия, — больше 180 работ, созданных мастером в разные годы. Картины предоставили музей «Гала — Сальвадор Дали», национальный музей «Центр искусств королевы Софии», а также европейские коллекционеры.
Два шедевра покажут в нашей стране впервые.
«Главная сложность состояла в том, чтобы собрать все эти работы в одно время в одном месте. Изначально речь шла о 70 экспонатах, но путем долгих переговоров с музеями удалось увеличить это число до 180. Еще одна трудность была связана с транспортировкой — вся коллекция не могла перемещаться одним видом транспорта одномоментно. Мы разбивали ее на три партии. Затем, уже в выставочном зале, картины должны были отстояться в кофрах, а мы внимательно следили за температурой, влажностью в помещении, это одно из главных требований музеев», — рассказал Владимир Воронченко, директор Музея Фаберже, выступившего организатором выставки.«Автопортрет с рафаэлевской шеей»
Импрессионистский «Автопортрет с рафаэлевской шеей» — одна из первых работ Сальвадора Дали. Он написал ее в 1921 году, вскоре после того, как умерла его мать Фелипа Доменеч. Эта смерть стала тяжелейшим испытанием в его жизни — Сальвадор, которому на тот момент едва исполнилось 17, был очень привязан к маме.
Эта картина — отсылка к автопортрету Рафаэля Санти, созданному в 1506 году. Великий художник эпохи Возрождения, которому на тот момент было 23 года, изобразил себя как мечтательного и немного женственного юношу. Дали, ярый поклонник Рафаэля, изобразил себя в том же духе. Шея на его холсте — могучая, удлиненная — такая же, как на картине Рафаэля. Однако сам Сальвадор никогда не мог похвалиться атлетическим телосложением.
Его увлечение творчеством Рафаэля было огромным — Дали хотел походить на него внешне и в жизни: например, однажды отпустил волосы на манер своего кумира.
«Кубистический автопортрет»Таким Дали изобразил себя в 1923 году, во время обучения в мадридской Академии изящных искусств Сан-Фернандо. Художник дружил с режиссером Луисом Бунюэлем и поэтом Федерико Гарсией Лоркой, преклонялся перед талантом психолога Зигмунда Фрейда и основоположника кубизма Пабло Пикассо. К картинам последнего он питал особую страсть — настолько, что сам решил написать что-то в этом стиле.
Образ Дали на «Кубистическом автопортрете» распадается на отдельные трапециевидные сегменты. От его внешнего облика остаются разве что глаза, брови и волосы.
«Невидимый человек»«Невидимый человек» — первый сюрреалистический шедевр Дали — был создан в 1929 году. Художник уже несколько лет жил в Париже после отчисления из Академии изящных искусств Сан-Фернандо за недостойное поведение. К этому времени он успел устроить собственную выставку, которую посетил сам Пабло Пикассо. В том же году Дали участвовал в создании фэнтезийной драмы «Андалузский пес» режиссера Луиса Бунюэля.
Эта картина экспонируется в России впервые. Второе название картины — «Невидимка». В основе сюжета — контуры предметов, метаморфозы, причудливые переплетения отдельных элементов, составляющих в совокупности фигуру мужчины. В дальнейшем эти приемы станут визитной карточной художника.
«Архитектонический “Анжелюс” Милле»С самого детства Дали восхищался картиной «Анжелюс» французского художника-реалиста Жана Франсуа Милле.
Она висела в его комнате, и он мог часами разглядывать крестьянина и крестьянку, застывших в молитве в закатном поле. Дали говорил, что эта картина вдохновляет его и завораживает, как никакая другая. Он признавался, что всегда чувствовал в ней смерть. И действительно, когда полотно стали исследовать с помощью рентгена, оказалось, что вместо корзины с картофелем, над которой стоят крестьяне, Милле изначально изобразил детский гроб. Объясняется такой неожиданный сюжет просто: младенец был некрещеным, поэтому его пришлось хоронить не на кладбище, а в поле. А изменить идею художник мог потому, что без похоронной темы картину было проще продать.
Мистическое совпадение: у Дали был старший брат Сальвадор, который в младенчестве скончался от менингита. Спустя девять месяцев родился второй Сальвадор — родители не могли смириться с потерей и назвали второго сына именем первенца. Когда мальчику было пять лет, мать с отцом отвели его на могилу и сказали, что он — реинкарнация брата.
Эта версия не понравилась будущему художнику.
Еще до рентгеновских исследований Дали понимал, что в картине Милле что-то не так. Повзрослев, он переписывал этот сюжет более 60 раз, стараясь разобраться. И «Архитектонический “Анжелюс” Милле» — один из результатов проделанной работы. Крестьяне на его холсте превратились в белые биоморфные формы.
«Пейзаж с загадочными элементами»«Пейзаж с загадочными элементами» — одна из самых значимых работ Сальвадора Дали, созданная в середине 1930-х годов. Здесь присутствуют темные кипарисы — частые гости на полотнах Дали. Это отсылка к картине Арнольда Беклина «Остров мертвых», которую Сальвадор очень любил.
Спиной к зрителю изображен Вермеер Делфтский — голландский художник XVII века, творчество которого ценил Дали. Мастер представлен сидящим за мольбертом, и это напоминает о его собственной картине «Искусство живописи». Создавая «Пейзаж с загадочными элементами», Дали уделял особое внимание соотношению света и тени, точности деталей — этим отличались и работы Вермеера.
За это Дали называл его изобретателем цветной фотографии. Для того чтобы предельно точно и детально изображать людей и предметы, Вермеер использовал камеру обскура. А Дали в этом помогала лупа.
На картине есть и сам Сальвадор — в образе мальчика в матросском костюмчике, играющего под присмотром няни. Оба эти персонажа часто встречаются в работах сюрреалистического периода, так же как и огромные зерна фасоли, образующие символ инь-ян.
«Мягкий автопортрет с жареным беконом»Один из самых известных автопортретов Дали также показывают в России в первый раз. Художник создал его в 1941 году, когда переехал в Соединенные Штаты Америки. Узнать его в персонаже, лицо которого, кажется, лишено костей, можно по знаменитым тонким усам, закрученным вверх.
В своей автобиографической книге «Тайная жизнь Сальвадора Дали» художник говорит о творческом перерождении — а именно так он относился к этому автопортрету — через образ змеи, сбрасывающей кожу.
«Я убил свое прошлое, чтобы избавиться от него. Так змея избавляется от своей старой кожи — моя старая кожа в таком случае бесформенная и революционная послевоенная жизнь. Эти строки — конвульсии, которые позволят мне отбросить в забвенье последние куски прошлого, еще приставшие ко мне. Новая кожа и новая земля! Земля свободы, столь возможной, земля Америки, предпочитаемая потому, что она молода и не затронута даже тенью драмы… Речь идет не о косметической хирургии или увечье, но о возрождении. Я не отрекаюсь ни от чего. Я продолжаюсь», — писал он.
На постаменте рядом с фигурой лежит полоска жареного бекона. «Моя живопись — это жизнь и пища, плоть и кровь», — так пояснял Дали значение этого элемента.
«Безумный Тристан. Эскиз декорации»Дали очень интересовался сюжетом о Тристане и Изольде — легендарных влюбленных, героях многочисленных рыцарских романов. В 1944 году, взяв за основу оперу Вагнера «Тристан и Изольда», он создал либретто, костюмы и декорации для балета «Безумный Тристан».
Это была последняя совместная работа Дали и Леонида Мясина — хореографа и танцовщика дягилевской труппы. Сам Дали называл спектакль первым параноидальным балетом о любви до гроба.
Лейтмотив постановки — история любви и смерти. Дали снова обращается к теме «Анжелюса» Милле: голову Тристана он изобразил в виде отцветающего одуванчика, а Изольде добавил крестьянскую повозку, вырастающую из спины. Переплетающиеся между собой корни напоминают о деревьях, которые выросли на могилах героев.
1940-е годы стали для Дали достаточно плодотворными. Его картины и книга пользуются успехом, он сотрудничает с Уолтом Диснеем — создает мультфильм Destino, который, как и его полотна, наполнен сюрреалистическими фантазиями.
«Ураново-атомная меланхолическая идиллия»В 1945 году Дали вместе со всем миром пытался осознать факт атомной бомбардировки Хиросимы и Нагасаки. Эта трагедия не могла не отразиться и на его картинах.
В частности, ядерный удар стал главной темой «Ураново-атомной меланхолической идиллии» — первой работы, где главным цветом становится черный.
Дали использует мотивы, характерные для его творчества 1930-х годов: здесь и знаменитые мягкие часы, и слоны на тонких ногах-ходулях. Однако на этом холсте у них совсем иное значение: теперь это образы разрушения и страха. Единственные источники света — отрывки идиллического пейзажа, напоминающего о горячо любимой художником живописи Ренессанса.
После 1945 года в творческой жизни Дали начинается новый атомно-мистический период.
«Максимальная скорость мадонны Рафаэля»Трагедия Хиросимы стала поворотным моментом в карьере Дали. Она заставила художника задуматься о мощи атома. В это же время он серьезно увлекся мистицизмом, а также обращался к классической живописи. В 1950-х Сальвадор начинает интересоваться квантовой теорией. В результате этих увлечений появилась картина «Максимальная скорость мадонны Рафаэля».
В основе композиции — голова Марии из картины «Мадонна со щегленком» Рафаэля Санти. Дали объединяет каноны классического религиозного искусства и собственную интерпретацию физических теорий. Образ Мадонны распадается на геометрические фигуры и формы по принципу золотого сечения. Дали считал, что динамическое движение этих идеальных форм, с одной стороны, доказывает непрерывность материи, а с другой — показывает процесс ядерного распада, скрытый от глаз.
«Дали со спины, пишущий Галу со спины, увековеченную шестью виртуальными роговицами, временно отраженными в шести настоящих зеркалах. Стереоскопическое произведение»В начале 1970-х Сальвадор Дали начал экспериментировать со стереоскопической техникой письма. Он пытается получить объемное изображение, «выход в третье измерение».
Его картина «Дали со спины, пишущий Галу со спины…» напоминает шедевр «Менины» Веласкеса — еще одного художника, которого Дали очень ценил.
А расположение мастера за мольбертом спиной к зрителю — оммаж все тому же Вермееру Делфтскому.
Главная героиня картины — Гала, жена Дали. Ее настоящее имя — Елена Дьяконова, она была родом из России. Художник познакомился с ней в 1929 году, когда она была замужем за французским поэтом Полем Элюаром. Сальвадор и Гала полюбили друг друга с первого взгляда. На первое свидание Дали пришел в драной рубашке, вместо духов использовал козий навоз, а подмышки подкрасил синей краской. Гала оценила его эксцентричный вид. Вскоре она развелась с Элюаром. Через три года Сальвадор сделал ей предложение. Этот союз был идеальным — влюбленные сходились в самом главном: Дали — гений.
Гала умерла на семь лет раньше своего супруга. Он тяжело переживал эту потерю и практически перестал творить. К слову, незадолго до смерти Гала стала бояться нищеты, хотя предпосылок к этому не было никаких. Тем не менее она даже просила мужа подписывать чистые листы бумаги, чтобы в случае финансовых проблем их можно было бы продавать как автографы.
Он подчинился, хотя это было опасно: на листках недобросовестный покупатель в теории мог разместить что угодно: и рисунки, и долговые расписки.
Сальвадор Дали. Магическое искусство. Путеводитель
Текст: Татьяна Сохарева19.02.2020 23589В конце января в «Манеже» открылась выставка «Сальвадор Дали. Магическое искусство», которая день ото дня бьет рекорды посещаемости. В российских музейных собраниях нет произведений художника, поэтому ажиотаж вокруг столь масштабного проекта, посвященного самому известному сюрреалисту в мире, неминуем. Всего выставка объединила более 180 произведений, охватив путь Дали от юношеских опытов в духе импрессионистов до последних произведений 1980-х. «Артгид» рассказывает о десяти наиболее любопытных картинах и анализирует мифы, которые художник сочинял о себе на протяжении всей жизни.
Сальвадор Дали. Безумный Тристан. 1944. Холст, масло. Courtesy Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, UPRAVIS, Moscow, 2019
Сальвадор Дали был одним из главных художников-мифотворцев XX века — эгоист, мечтатель, фантазер и чудак, эксцентричные выходки которого по сей день смакуют любители искусства.
На протяжении всей жизни он старательно превращал себя в безумного гения. В своих мемуарах художник всерьез утверждал, что «если живописи суждено пережить нашу эпоху варварского механического прогресса, то эта ее живучесть будет иметь отправную точку в Сальвадоре Дали». Утверждение спорное, как и многие другие нарциссические сентенции, которыми Дали потчевал восхищенную публику, однако именно благодаря ему сюрреализм к концу XX века превратился в часть массовой культуры и породил немало любопытных феноменов.
«В шесть лет я хотел стать кухаркой, в семь — Наполеоном. С тех пор мои амбиции неуклонно росли», — так начинается «Тайная жизнь Сальвадора Дали, рассказанная им самим», одно из главных автобиографических сочинений художника. Но не только романтический образ буйного гения не давал ему покоя. Немало строк Дали посвятил другому своему таланту — умению эпатировать буржуазную публику, оставаясь плотью от плоти капиталистической культуры. Легенды о непомерной алчности художника, которого прозвали деньголюбом, тиражировались журналистами даже с бо́льшим энтузиазмом, чем скандальные подробности его личной жизни.
Халат из леопардовых шкур, выходы в свет с протухшей селедкой на шляпе, средневековый замок, приобретенный для жены и ее молодых любовников, — все это было частью бренда, тщательно сконструированного самим художником.
Похожим образом он чувствовал себя в пространстве искусства. Импрессионизм, пуантилизм, кубизм — в юности Дали был всеяден и к открытиям предшественников относился как к расходному материалу, впитывая новые для себя идеи и тут же отбрасывая лишнее. С большим восторгом он отзывался о мастерах прошлого, очевидно, желая вписать свое имя на одну доску с Рафаэлем и Веласкесом. «Им достался в наследство Рафаэль, а они поклоняются фетишам, слепленным в порыве рукой дикаря. Надо же так вывихнуть зрение!» — в гневе писал художник о современниках, ищущих вдохновение в примитивизме. Чуть ли единственным кумиром среди живущих художников для него был Пабло Пикассо. Сюрреализм Дали рассматривал как право человеческого существа грезить и упиваться своими фантазиями, его влекли изменчивость образов и свобода ассоциаций.
Сам он называл свой метод параноидально-критическим, а себя — великим параноиком.
Автопортрет с рафаэлевской шеей. 1921
Открывает выставку в «Манеже» автопортрет, написанный семнадцатилетним Дали после смерти матери, уход которой был связан с одним из самых тяжелых переживаний в его жизни. В этот период художник много размышлял о природе «артистического типа» и примерял на себя различные маски («Я “позер” в манере одеваться, говорить и даже в моей живописной манере…»). В особенности его занимала фигура Рафаэля и созданный им автопортрет, который сегодня хранится в собрании галереи Уффици. У него Дали заимствовал образ меланхоличного юноши, но придал изображению более мужественные черты, компенсируя таким образом собственную природную застенчивость. Дали запечатлел себя на фоне рыбацкого поселка Кадакес, где семья художника проводила летние месяцы. Это была одна из первых работ Дали, созданная в духе импрессионистов, которыми художник увлекался в юности.
Сальвадор Дали. Портрет моей сестры. 1925. Холст, масло. Courtesy Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, UPRAVIS, Moscow, 2019
Портрет моей сестры. 1925
Анна Мария была на четыре года младше Сальвадора и оставила подробные воспоминания об их юности и домашнем укладе: «Нрав его выносили с трудом, но все в доме его любили, потому что было за что, а капризы и прочие вредности приходилось терпеть». После смерти матери она стала главной женщиной в жизни художника и часто позировала ему. Наиболее известный ее портрет — «Женская фигура у окна» (1925) считается вершиной раннего творчества Дали. В «Манеже» показывают менее известный, но также примечательный портрет Анны Марии. В нем нашли отражение черты, свойственные метафизической живописи, и умение Дали соединять в пределах холста приметы разных реальностей — например, строгий геометрический пейзаж с реалистическим изображением, которое будто бы находится в иной плоскости.
Это произведение стало одним из последних свидетельств близости художника с сестрой — их отношения дали трещину после очередной эпатажной выходки Дали. Семья не простила увлеченному фрейдизмом художнику надпись на картине «Священное сердце» (1929): «Приятно иногда плюнуть на портрет своей матери!». Позже в книге «Сальвадор Дали глазами сестры» Анна Мария писала, что окончательно отношения разладились после появления в жизни художника Галы, в ту пору бывшей женой поэта Поля Элюара. По мнению сестры, это из-за нее Сальвадор растерял последние крупицы человечности, начал чудить на потеху публике и надел «маску Дали». Художник в свою очередь после публикации книги обвинил Анну Марию в спекуляции его именем и клевете. Больше они практически не общались.
Сальвадор Дали. Незримый человек. 1929–1932. Холст, масло. Центр искусств королевы Софии, Мадрид
Незримый человек. 1929–1932
«Незримый человек» — одно из первых произведений Дали, сделанное в соответствии с сюрреалистическим каноном.
Здесь мы впервые видим текучие формы, фантастические трансформации и эротические символы, навеянные «образами конкретной иррациональности», — все то, что Дали считал для себя основой основ. Годы работы над этой картиной перевернули жизнь художника с ног на голову. В 1929 году он прибыл в Париж, чтобы вместе со своим другом Луисом Бунюэлем трудился над фильмом «Андалузский пес». В это же время художник наконец познакомился с Андре Бретоном — лидером сюрреалистов, воспоминания о котором впоследствии будут вымараны из мемуаров Дали, несмотря на огромное влияние, которое оказал на него теоретик. Кроме того, это год его первой встречи с Галой (Еленой Дьяконовой) — женщиной, которую Дали боготворил на протяжении 53 лет со дня знакомства. О ее роли в жизни художника существует множество противоположных суждений. Многие из окружения Сальвадора не приняли ее, сравнивая влияние «алчной русской» с чумой. Сам же Дали утверждал, что лишь благодаря Гале, поверившей в его гениальность, он стал художником.
Сальвадор Дали. Чувство скорости. 1931. Холст, масло. Courtesy Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, UPRAVIS, Moscow, 2019
Чувство скорости. 1931
1930-е отмечены для Дали небывалым карьерным взлетом, что опять-таки во многом было связано с появлением в жизни художника Галы. Она стала для него не только женой, музой и любимой моделью, но и эффективным менеджером. В этот период созданы наиболее известные его произведения сюрреалистического склада — например, «Постоянство памяти» (1931), безусловный хит, о котором горюют многие поклонники художника, не обнаружившие его на выставке в Москве. «Чувство скорости», конечно, сложно назвать адекватной заменой, но тем не менее здесь тоже присутствует деформированный циферблат — пожалуй, главный символ в искусстве Дали, наравне с изысканными слонами на паучьих лапках.
Еще одним знаковым событием в жизни художника тех лет стал разрыв с Андре Бретоном.
Уверившись в собственной значимости, Дали претендовал на роль лидера сюрреалистов и при этом откровенно отвергал разработанные ими основополагающие постулаты. Ему претила идея автоматического письма и высвобождения бессознательного посредством сновидений. Он хотел обуздать безумие, отсюда и утверждение параноидально-критического метода как единственно верного. Все это, разумеется, шло вразрез с установками Бретона и его соратников, которые в конце концов изгнали Дали из своей партии, устроив ему неформальное судилище. Официально причиной разрыва послужили симпатии художника к Гитлеру. «Я сюрреалист до мозга костей, и тем не менее мы с сюрреалистами никогда не понимали друг друга», — писал Дали в автобиографии. Как бы то ни было, наработками бывших товарищей по цеху он пользовался довольно активно, несмотря на эстетические расхождения.
Сальвадор Дали. Пейзаж с загадочными элементами. 1934. Холст, масло. Courtesy Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, UPRAVIS, Moscow, 2019
Пейзаж с загадочными элементами.
1934
В «Пейзаже с загадочными элементами» мы наблюдаем образный мир, берущий свое начало в метафизической живописи — еще одном источнике вдохновения Дали. Его влекли наклонные плоскости и пустынные пейзажи в духе Джорджо де Кирико. Художник насыщал их символами, служащими маркерами сюрреалистического мира. В центре композиции находится фигура живописца — это Ян Вермеер, один из любимых мастеров прошлого, к которому часто обращался Дали. Поодаль женщина с ребенком — образы материнства, детства и связанного с ним любопытства и восхищения перед открывающимся миром. Художник нередко изображал себя в виде младенца, которому доступен тайный и символический язык подсознания.
В год работы над этой картиной Дали, наконец оформив официальный брак с Галой и помирившись с отцом, впервые отправился в Америку. Нью-Йорк показался ему «похожим на огромный кусок готического рокфора». Здесь художник, быть может, впервые в полной мере реализовал свой потенциал сумасброда и деньголюба.
Ему пророчил невиданный успех директор нью-йоркского Музея современного искусства Альфред Барр, критики горячо приветствовали выставки, а публика жадно наблюдала за экстравагантными выходками. В частности Дали оформил в сюрреалистическом духе две витрины роскошного магазина Bonwit Teller, но, заметив, что его творение было «исправлено» заказчиком, разозлился и разнес все вдребезги.
Сальвадор Дали. Мягкий автопортрет с жареным беконом. 1941. Холст, масло. Courtesy Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, UPRAVIS, Moscow, 2019
Мягкий автопортрет с жареным беконом. 1941
В 1940 году Дали вновь уезжает в США, где на этот раз проведет долгие восемь лет. Америка открывала для него невиданные ранее возможности и в то же время дарила ощущение безопасности. Художник писал: «Если бы Гитлер завоевал Европу, он бы отправил на тот свет всех истериков вроде меня». От его юношеских симпатий к тоталитарным режимам не осталось и следа.
«Мягкий автопортрет с жареным беконом» по праву считается одной из самых известных картин американского периода Дали и главным хитом московской выставки в «Манеже». Художник утверждал: «Все свое время я ем, обильно питая нашу эпоху». «Мягкий автопортрет» стал для Дали символом новой культуры, частью которой он себя ощущал. Эта работа украшала обложку каталога выставки, состоявшейся в галерее Жюльена Леви, торговца произведениями искусства, который оказывал поддержку Ману Рэю, Марселю Дюшану и многим другим художникам. Восемь лет, проведенных в США, были, пожалуй, наиболее плодотворными в жизни Дали. Здесь он трудился над новыми произведениями, писал мемуары, иллюстрировал книги, создавал театральные декорации и участвовал в постановке первого в мире «параноидального» балета «Безумный Тристан», за хореографию которого отвечал Леонид Мясин — одним из главных хореографов «Русских сезонов». Не будет преувеличением сказать, что художник перепробовал все — от интерьерного дизайна (он обставлял квартиру Элены Рубинштейн) до съемок в рекламе для журнала Vogue.
Сальвадор Дали. Иллюстрация к книге «50 магических секретов мастерства». 1948. Источник: mir-dali.ru
50 секретов магического мастерства. 1948
Книга «50 магических секретов мастерства», давшая название выставке в Москве, служит прекрасным доказательством, сколь герметичный и цельный мир выстроил вокруг себя художник. Она вышла в свет в США в 1948 году, в период расцвета абстрактного экспрессионизма, когда умами американцев владели художники совсем иного склада. На этом фоне желание Дали «воздать должное подлинной живописи» выглядело не менее экстравагантно, чем он сам. Он представил на суд публики причудливую смесь мемуаров и вредных советов начинающим живописцам («Последний и главный магический секрет этой книги состоит в том, что, когда вы садитесь перед мольбертом и начинаете писать картину, совершенно необходимо, чтобы рукой вашей водил ангел»). Художник воспевал «ценность полотен Рафаэля и Вермеера», утверждал, что за успех или провал произведения отвечают «едва заметные проявления вашего либидо» и призывал каждого художника найти такую женщину, подобную Гала («Секрет этот состоит в том, что любой художник, мечтающий создать шедевр, должен жениться на моей жене»).
Сальвадор Дали. Максимальная скорость Мадонны Рафаэля. 1954. Холст, масло. Courtesy Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, UPRAVIS, Moscow, 2019
Максимальная скорость Мадонны Рафаэля. 1954
Взрыв атомной бомбы в Хиросиме и Нагасаки в 1945 году существенно повлиял на мировоззрение Сальвадора Дали. Художник писал, что это было для него «просто сейсмическим потрясением»: «С тех пор атом стал излюбленной пищей моего ума». Более всего его взволновала мистическая сторона ядерной энергии. Художник заинтересовался строением атома и написал несколько произведений, которые, по его мнению, проникали в самое средоточие реальности. Среди них — «Атомная Леда» (1949) и представленная на выставке в Москве «Максимальная скорость Мадонны Рафаэля» (1954). Последняя работа также появилась вследствие увлечения Дали христианскими мотивами — убежденный атеист, после войны он пережил мистическое озарение и с новыми силами обратился к религиозному искусству.
Основой для картины послужило изображение «Мадонна со щеглом» Рафаэля, разъятое на атомы. Дали сумел соединить практически религиозное отношение к классическому искусству («Только в прошлом я вижу гениев, подобных Рафаэлю, — они представляются мне богами… Я знаю, что сделанное мною рядом с ними — крах чистой воды») с новым увлечением «ядерным мистицизмом».
Сальвадор Дали. Дали, приподнимающий поверхность Средиземного моря, чтобы показать Гала рождение Венеры. 1978. Холст, масло. Courtesy Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, UPRAVIS, Moscow, 2019
Дали, приподнимающий поверхность Средиземного моря, чтобы показать Гала рождение Венеры. 1978
Диптих «Дали, приподнимающий поверхность Средиземного моря, чтобы показать Гала рождение Венеры» стал данью увлечению художника оптическими иллюзиями. С 1960-х Дали пытался достичь эффекта трехмерной живописи. Для этого он писал парные картины и конструировал сложную систему зеркал, которая бы позволила сделать изображение объемным.
Правда, в последние годы жизнь художника складывалась неважно. Дали мало кто поддерживал в его стереоскопических экспериментах. Кроме того, в 1981-м у художника начала прогрессировать болезнь Паркинсона, которая уже несколько лет ощутимо мешала ему работать, а год спустя умерла Гала. Дали тяжело переживал ее уход, отягченный собственной болезнью. Тем не менее популярность его только росла. Так, например, в 1981 году Дали стал самым высокооплачиваемым художником среди живущих — после того как картина «Сон» (1937) ушла с аукциона Christie’s в Лондоне за £360 000. Последние годы жизни Дали провел затворником близ построенного им театра-музея в Фигерасе. Там же был похоронен в 1989 году.
работал с мирами литературы, театра, моды, создавая имидж универсального художника. […]
Одной из ключевых работой, представленных на выставке, является «Мягкий автопортрет с жареным беконом» 1941 года. Эта картина представляет собой символ обновления и новой жизни, которая началась у Сальвадора Дали после переезда в США.
Здесь он раскрыл себя в новых сферах: работал с мирами литературы, театра, моды, создавая имидж универсального художника. «Мягкий автопортрет с жареным беконом» отражает ироничное восприятие художником своей сущности. Словно змея, меняющая кожу, автопортрет воплощает и авангардные идеи европейского общества, и принципы американского общества потребления.
По символике Дали, ломтик жареного бекона на картине означает органическую материю и повседневную природу. Сюрреалиста всегда интересовала тема кожи. Так, например, Микеланджело, которым восхищался Дали, затронул эту тему при росписи в Сикстинской капелле, и утверждал, что наиболее последовательной вещью нашего представления является не дух или жизненная сила, а кожа.
В своей книге «Тайная жизнь Сальвадора Дали» сюрреалист пишет:
«Жить! Для этого надо перечеркнуть половину своей жизни, чтобы приступить ко второй половине во всеоружии опыта. Я убил свое прошлое, чтобы избавиться от него. Так змея избавляется от своей старой кожи — моя старая кожа, в таком случае, бесформенная и революционная послевоенная жизнь.
Эти строки — конвульсии, которые позволят мне отбросить в забвенье последние куски прошлого, еще приставшие ко мне.
Новая кожа и новая земля! Земля свободы, столь возможной, земля Америки, предпочитаемая потому, что она молода и не затронута даже тенью драмы… Речь идет не о косметической хирургии или увечье, но о возрождении. Я не отрекаюсь ни от чего. Я продолжаюсь».
Сальвадор Дали. Мягкий автопортрет с жареным беконом, 1941
Изображение предоставлено пресс-службой ЦВЗ «Манеж»
Увлечения Дали открытиями в области ядерной физики и атомной материи привели его от сюрреализма к новому способу изображения окружающего мира, который обозначил следующий этап в творческой жизни художника. По словам гения, атомные взрывы в Хиросиме и Нагасаки стали поворотным моментом его карьеры: он всерьез задумался о мощности атома и важности связанных с ним физических процессов.
Примером нового этапа в творчестве Сальвадора Дали является полотно «Максимальная скорость Мадонны Рафаэля», написанное в 1954 году.
В основе композиции находится голова Марии из картины «Мадонна со щегленком» мастера эпохи Возрождения Рафаэля Санти. На картине органично сочетаются религиозные символы и элементы квантовой теории.
Фигура Мадонны мастерски составлена из мелькающих атомов, а черты лица образованы рогами носорога. Последние символизируют традиционные математические принципы (например, «золотое сечение», определяющее пространственную пропорцию), которых Дали строго придерживался в этот период.
Динамическое движение этих идеальных форм, по мнению Дали, с одной стороны, является доказательством непрерывности материи, а, с другой, позволяет показать скрытый от глаза процесс ядерного распада.
Сальвадор Дали. Максимальная скорость Мадонны Рафаэля, 1954
Изображение предоставлено пресс-службой ЦВЗ «Манеж»
Несмотря на то, что Дали является самой яркой фигурой сюрреализма, он не всегда разделял идеи представителей этого течения. Например, с его появлением в кругу сюрреалистов начинается период новых способов и форм художественного творчества.
Главным нововведением стали «двойные», или скрытые образы.
Ярким олицетворением данного периода у Сальвадора Дали может служить созданный в 1929 году «Невидимый человек» — первый сюрреалистический шедевр гения.
Это первая картина, в которой гений использовал двойные образы и оптические иллюзии. Желтые облака становятся волосами человека; его лицо и верхняя часть туловища сформированы разрушенной архитектурой, а водопад создает смутные очертания его ног. Как и многие работы Дали, написанные в данный период, эта картина раскрывает страх гения перед сексом. Под мужчиной рыщет дикий зверь — еще один из сексуальных символов Дали, который часто встречается на его картинах, как и женщина из кувшина.
Интересно, что прием оптических иллюзий был вдохновлен итальянскими художниками-маньеристами, такими как Джузеппе Арчимбольдо.
Сальвадор Дали. Невидимый человек, 1933
Изображение предоставлено пресс-службой ЦВЗ «Манеж»
В работах Дали периода насыщенного мистицизма появляется классическая строгость форм и выверенность перспективных построений, художник вновь обращается к творчеству мастеров Античности и Ренессанса.
Гений утверждает, что искусство мистицизма является единственным оружием, которое сможет спасти мир от хаоса.
Так, еще одной работой, созданной под влиянием трагических событий 1945 года в Хиросиме и Нагасаки, является «Дематериализация под носом Нерона» 1947 года. Фигуры на картине оказываются словно подвешенными в безвоздушном пространстве, они не взаимодействуют между собой непосредственно, а лишь соседствуют, порождая множество ассоциаций. Среди бескрайней сюрреалистической пустыни появляется образ разделенного на части гиперкуба, в центре которого художник помещает подобный расколотому атому спелый гранат, олицетворяющий возрождение и бессмертие. Под триумфальной аркой мы видим бюст жестокого римского императора Нерона.
Сальвадор Дали. Дематериализация под носом у Нерона, 1947
Изображение предоставлено пресс-службой ЦВЗ «Манеж»
Став одной из главных фигур течения сюрреализма, Сальвадор Дали находит себя в этой сфере и в полной мере реализует свой огромный творческий потенциал.
Увлечение психоанализом и теорией бессознательного и одновременно — Вермеером и другими старыми мастерами, создают феномен его живописи, ставший узнаваемым во всем мире. Достигнув вершин живописного мастерства, он написал наиболее известную и выдающуюся картину данного периода творчества — «Пейзаж с загадочными элементами» (1934).
Данная работа характеризуется сочетанием воображаемых и реально существующих объектов в едином пространстве. Как и большинство картин сюрреалиста, «Пейзаж с загадочными элементами» скрывает в себе большое количество символов: ребенок с женщиной в глубине пейзажа — сам Дали и няня — отсылают в детство художника; кипарисы, которые очень часто встречаются на картинах сюрреалиста, говорят об увлечении гением творчеством Арнольда Бёклина и его работой «Остров мертвых», также кипарисы символизируют время; главным элементом картины является фигура, рисующая пейзаж — это нидерландский художник Ян Вермеер, которого мастер считал одним из величайших живописцев всех времен.
Сальвадор Дали. Пейзаж с загадочными элементами, 1934
Изображение предоставлено пресс-службой ЦВЗ «Манеж»
Дали Автопортрет
Это первый автопортрет великого гения сюрреализма – Сальвадора Дали. А вообще такой автопортрет – частое явление на картинах Дали. «автопортрет с рафаэлевской шеей» — один из самых известных автопортретов испанского художника Сальвадора Дали (1904-1989). Это автопортрет Дали.
Фонд Гала-Сальвадор Дали представил вчера неизвестный автопортрет художника, полученный в результате обмена между частными коллекционерами. Автопортрет Вермеера исполнен с учётом сюрреалистического видения Дали. На обратной стороне полотна можно увидеть другую картину, написанную Дали в 1923 году, названную «Пейзаж с оливами», передающую окрестности Кадакес, но ее невозможно увидеть, потому что представлена только сторона, отражающая автопортрет.
Картина Сальвадора Дали Автопортрет в мастерской: описание, биография художника, отзывы покупателей, другие работы автора.
Art1 ручается, что ровно 36 лет 11 месяцев и 7 дней назад Сальвадор Дали не нарисовал ни одного автопортрета.
10 автопортретов Сальвадора Дали в хронологическом порядке
Взятым с фрески Леонардо жестом Иисус указывает на небеса и на фигуру (возможно, Святого Духа), распростертые руки которой как бы обнимают всех присутствующих. Эта работа нетолько входит всписок «Самые известные картины Дали», ноиявляется самым знаменитым произведением всюрреализме. Говорят о художнике, как о человеке и его черты лица.
Таким я вижу Дали. Фотопортрет художникас лупами Риццо создалв 1949-50 гг. Это было также время, когда онвозобновил интерес ккатолицизму. Сальвадор Дали написал этот шедевр запол года доначала гражданской войны вИспании. Теперь ее так и называют – мечеть-собор.
У нее был острый ум, лингвистические наклонности и писательский талант. Испания расположена на юго-западной окраине Европы, занимая практически всю площадь Пиренейского полуострова (85), а также небольшие острова Средиземного моря и Канарские острова в Атлантическом океане.
Странное дело: Елена (так звали Гала в ее прошлой, русской жизни) не то что не блистала красотой — она была женщиной вполне заурядной внешности. В Фигерасе он приобретает определенную известность. Ониспользовался художником, чтобы использовать его подсознание посредством систематической иррациональной мысли исамоиндуцированного параноидального состояния.
В 1929 г. участвует вместе с Буньюэлем в создании сюрреалистического фильма «Андалузский пёс». Гала была не просто смыслом его жизни — она стала смыслом его творчества. в Париже, а называется фотография «Сальвадор Дали, лупы».
Может, таким образом, художник хотел выделить себя из серой массы, показав свое явное превосходство среди других людей. То были странные отношения: уйдя от Поля, но еще не получив развода, Гала была с Дали. Гостеприимная и радушная Испания – интересный культурный центр Европы. Музей завораживает не только причудливостью форм, но и особой царящей там энергетикой. Слон, позднее повторяющийся образ вработах Дали, представляет собой искаженную версию «Слон иобелиск», скульптуру известного итальянского художника Джан Лоренцо Бернини.
Двойные изображения были важной частью параноидально-критического метода Дали.
Гала — русская девушка со сложной судьбой. Стиль этой картины вписывался в рамки неоимпрессионизма (или пуантилизма). Он творил с той страстью, какая может овладевать лишь двумя любовниками во время соития.
Шагнув вместе во вторую половину жизни, Дали купил своей музе замок. Это показывает спящая фигура жены художника Гала Дали, плывущая над скалой. Втом числе изображения древнегреческой скульптуры всовременном кинематографе, картина «Ловля тунца» изображает жестокую борьбу между мужчинами икрупными рыбами, как олицетворение ограниченной вселенной.
Мягкий автопортрет с жареным беконом
Их непосредственное участие просматривается в местной архитектуре. Шедевр был продан за безумные деньги. Лицо не повернуто к зрителю, в такой позе оно наоборот все больше отдаляется от него. Мечта Галы вызвана жужжанием пчелы иизображается вверхней половине полотна. Дали делал вид, что не замечает очевидного, так как не хотел этого замечать.
А вот Канарские острова утопают в лучах неугасающего жаркого солнца (среднегодовая температура 20C). Хотя картина является изображением распятия, она лишена гвоздей икрови. Две половины хлеба и полстакана вина представляют священную трапезу.
Размазал по холсту краски в хаотичном порядке. От театра, собственно, осталось здание, которое было переделано.
Сальвадор Дали – Мягкий автопортрет с жареным беконом
Замысел в голове Сальвадора породил вид плавящегося на жаре сыра. «Мягкая конструкция свареными бобами» считается одним извеличайших шедевров Дали иславится бесподобным использованием сюрреализма изображающим ужасы войны. Для изображения лица художник использовал краски оливковых, коричневых цветов. Живое изображение жирафа назаднем плане было описано Дали как «мужским космическим апокалиптическим монстром». Напротив, открываются выдвижные ящики, выступающие излевой ноги исундука фигурки.
В произведении «Сон» Дали воссоздал вид большой, мягкой головы и практически отсутствующего тела.
Он будет только спокойно, цинично оценивать и не более того. Сон и мечты – это превосходство в сфере бессознательного. Костыли всегда были торговой маркой Дали, намекая на хрупкость поддерживающих сторон, которые поддерживают «реальность», но здесь ничто, даже собака, не кажется по своей сути стабильным, так как подперто. Однако мы говорим с вами о Сальвадоре Дали, слово «как у всех» здесь не приемлемо. На полотне «Автопортрет» мы видим изображение человека с мрачным и подозрительным взглядом.
- Автопортрет с рафаэлевской шеей картина Сальвадора Дали
- Описание картины Сальвадора Дали «Автопортрет»
- Автопортреты в стиле импрессионизма
- Автопортрет с рафаэлевской шеей
- Сальвадор Дали: лучшие работы художника
- Сальвадор Дали ( ) и его сюрреалистические картины
Эта картина— портрет Гала Дали, его жены имузы. Напротяжении многих лет упорство памяти много анализировалось, поскольку Дали никогда необъяснял его работу. Тогда же он впервые встречает свою будущую жену Галу (Елену Дмитриевну Дьяконову), бывшую тогда женой поэта Поля Элюара.
На побережье всегда тепло, купаться можно все лето вплоть до конца октября. Картины Дали — визуальное воплощение его подсознания.
Дали использовал концепцию жесткой имягкой вэтой картине. Его задумали не только для предоставления исчерпывающей информации о творчестве художника, но и для определения авторства произведений, поскольку Сальвадор Дали – один из самых подделываемых живописцев. С 1934 года картина выставлена в Музее современного искусства Нью-Йорка. Достаточно вспомнить гениальные произведения «Dali Atomicus» или «In Voluptate Mors». Последнюю роль исполнял в этой паре художник.
Залив — реально существующее место рядом с Кадаком, которое, вероятно, было хорошо известно Дали с детских лет. Работу «Жираф вогне» рассматривают как выражение личной борьбы Сальвадора Дали сгражданской войной, происходящей вего родной стране. Пустил животное поползать по картине. На заднем плане видны дома Фигераса, каждый из которых значил столь много в жизни Дали: здесь он родился и вырос, его картины были впервые показаны в городском театре, позднее превращенном им в Музей Дали, наконец, здесь же он был погребен.
- Сальвадор Дали Автопортрет с рафаэлевской шеей 1920 1921
- Самые знаменитые произведения Сальвадора Дали
- Автопортрет Сальвадора Дали -Миниатюра
- Портреты в творчестве Сальвадора Дали (1904-1989)
- Картина Автопортрет в мастерской Сальвадора Дали
После этого Дали встречает Гала, ставшую его «музой сюрреализма». В том же году впервые едет в Париж, где знакомится с Пикассо. В них отобразились нереальные сцены, напоминающие ожившие картины сюрреалиста.
Картина «Метаморфозы Нарцисса» была создана Дали вовремя его параноидально-критического периода иявляется одним изего самых известных произведений. Иисус и двенадцать его учеников помещены в модернистский интерьер со стеклянными стенами. Однако, в этом случае, лицо, не является автопортретом. Выдвигалось правдоподобное предположение, что форма этой головы происходит от очертаний необычного утеса в Кадаке, где Дали построил свой дом.
- Репродукция картины Сальвадор Дали – Автопортрет с рафаэлевской шеей
- Самые известные картины Сальвадора Дали
- Портрет художника: Сальвадор Дали
- Просвещённые удовольствия 1929г
- «Автопортрет с рафаэлевской шеей» картина Сальвадора Дали
Городок называется Фигерас.
Перепечатка произведений возможна только с согласия его автора, к которому вы можете обратиться на его авторской странице. Однако сама картина безжалостно искажена рукой Дали: он сажает обоих крестьян в тачку (по-видимому, символ эротической близости) и изменяет позу женщины, усиливая сходство с атакующим богомолом, которое художник усматривал в оригинале она собирается сойтись с мужчиной и затем поглотить его. Имя художника символично.
Большой вклад в становление испанской культуры внесли соседствующие арабские страны. На невысоком плоском пьедестале с надписью по-английски «мягкий автопортрет» возвышается аморфное подобие человеческой головы. Картина отражает его беспокойство втовремя ипредсказывает ужас инасилие навойне. Все авторские права на произведения принадлежат авторам и охраняются законом.
Когда-то она переехала в Париж, где быстро вошла в узкий круг тамошнего бомонда. Некоторым необходимо выплакаться, другим — выговориться, а ему вот — вырисоваться. Это можно понять по направлению взгляда его взгляда, который до упора смотрит назад.
Гала является здесь в роли торжествующей освободительницы.
Тень умершего первенца долгие годы преследовала ребенка. Однако здесь это явно не автопортрет. Фигура автора не повернута к зрителя, он словно взирает на нас, уходя далеко вперед. Взял морскую звезду (не ту, благодаря которой он добился согласия Гала).
Мы видим муравьев, львиные головы, кузнечика, морского обитателеля в его раковине и другие аксессуары из интимного мира Дали, а наряду с ними — два более откровенно фрейдистских образа: руку, держащую (кастрирующий. ) нож и раненый женский торс. Как иполотно «Метаморфоза Нарцисса», это произведение использует отражение возере, чтобы создать двойное изображение. Но это все не то. Фонд «Гала-Сальвадор Дали» запустил онлайн-проект Catalogue Raisonn of Salvador Dal для полной научной каталогизации картин, созданных Сальвадором Дали в период с 1910 по 1983 год. Эта же фигура появится спустя тридцать пять лет в Галлюциногенном тореадоре.
- «Автопортрет» картина Рафаэля Санти
- «Постоянство памяти» – есть над чем подумать
- Интересные детали «Постоянства памяти»
- Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, засекунду допробуждения
Испания – страна гордых людей, способных радоваться каждому прожитому дню.
Вклад Дали всюрреализм включает всебя параноидально-критический метод. Дали часто работал, например, с сюрреалистом от фотографии, мастером Филиппом Халсманом (Philippe Halsman). Сальвадор пишет и иллюстрирует небольшие рассказы для местного журнала. Дали довольно халатно относился к своим заказчикам. Дали же, поглощенный своими чувствами, словно даже и не заметил, что его «муза» приехала не одна.
Галатея сосферами— одна изсамых известных картин периода ядерного мистицизма Дали. «Моя живопись – это жизнь и пища, плоть и кровь», – как говорил сам художник. Вышел на улицу из другого выхода. Еелицо состоит изгустонаселенных сфер, представляющих атомные частицы, которые придают изумительный трехмерный эффект холсту.
- Мягкая конструкция сварёными бобами
- 5 причин посетить фестиваль «Форма»
- На фестивале дизайнеры из Голландии устроят граффити-перформанс
- Чего нельзя делать Британской королевской семье
- Всемирный подниматель настроения)))
- Другие материалы из рубрики «Испанские новости»
Возможно, многие видели автопортреты, которые бы отображали в точности мельчайшие детали ее творца.
Но автором портрета с лупами был не легендарныйХалсман, как может показаться, а Вилли Риццо (WillyRizzo) итальянский и французский фотограф-документалист, снимавший Сальвадора Дали, когда тот посещал Францию. Он вообще не выказывал никаких эмоций. Гала становится его спутницей жизни и источником вдохновения.
Произведение «Постоянство памяти» считается одним извеличайших шедевров искусства двадцатого века. А произведение «Корзинка с хлебом» даже попадает на международную выставку в США. Так на фоне скалистого побережья и одинокой маслины появились «мягкие» часы. В1929 году Сальвадор Дали встретил свою музу, которая позже стала его женой. Эта знаковая имногократно воспроизведенная картина изображает сцену счасами, медленно таящими наскалах иветвью дерева, сокеаном, как задняя капля.
- Работы Филиппа Халсмана и Сальвадора Дали
- Сальвадор Дали: последние новости
Таких живых гениев очень мало. Картина называется «Автопортрет с рафаэлевской шеей» по той причине, что здесь Дали создал изобразительную отсылку к известной картине великого итальянского художника эпохи Возрождения Рафаэля Санти (1483-1520) «Автопортрет».
1921 был годом, когда умерла его мать (по признанию художника, одно из тяжелейших переживаний его жизни), а сам он в первый раз покинул дом, чтобы стать студентом Академии Сан-Фернандо в Мадриде. Главная желтая область накартине представляет собой сон художника. Эти открытые ящики могут быть отнесены кпсихоаналитическому методу Фрейда иотносятся квнутреннему, подсознательному внутри человека. В произведении «Сон» Сальвадор Дали вернулся к классическому сюрреалистическому мотиву. Онсчитал это предчувствием войны.
Может быть именно вот таким образом здесь так много известных талантливых персон. Взял холст. Они пробыли вместе 53 года, пока ее смерть не разлучила их с художником. Однако пребывание в столице Испании позволило молодому Дали завести нужные знакомства. Дали писал о картинах Пичота, что «систематическое» использование в них «сопоставлений оранжевого и фиолетового рождает во мне иллюзии и сентиментальную радость, подобные тому, что я испытываю, когда смотрю на предметы сквозь призму».
Понимая, что материя состоит изатомов, Дали заставил свои работы распасться нанесколько атомов.
Это полотно было создано втомже годуи, как полагают, отражает эротическую трансформацию, которую художник претерпел благодаря ееприходу вего жизнь. Фигура, если верить ее обнаженным портретам, соответствовала некоторым стандартам красоты. Необычные оттенки лицу, помимо перечисленных цветов, придает также золотистое напыление.
Сальвадор Дали (1904— 1989) был испанским художником, который наиболее известен своими работами всюрреализме, влиятельным движением 20-го века, прежде всего вискусстве илитературе. Помнению Дали, произведение «Ловля тунца» является его самой важной работой. Рядом сееобнаженным телом две капли воды, гранат ипчела также переносятся ввоздухе.
Дали создавал эту картину по математическим принципам, основанным на изучении искусства Возрождения и влияние Леонардо да Винчи (автора наиболее знаменитой Тайной Вечери) здесь особенно чувствуется. Пословам Дали, вдохновение картины пришло кнему через космический сон, вкотором онбыл убежден, что изображение гвоздей икрови портит его образ Христа.
Она была Женщиной его жизни, однако это была игра садиста с мазохистом. Сальвадор Дали сказал, что это произведение должно было «впервые выразить визображениях открытия Фрейдом типичного сна сдлинным рассказом, последствием мгновенной случайности, которая заставляет спального человека проснуться».
Чудовищное существо саморазрушительно, как игражданская война. Он стал навязчивой идеей Дали, который наделял его эротическим содержанием (например, считал, что мужчина скрывает своей шляпой состояние крайнего полового возбуждения). Порой даже кажется, что он смотрит на тебя презрительно, с долей цинизма и высокомерием. Готово. Онпровел два лета, чтобы создать художественные работы, вкоторых помимо сюрреализма ониспользовал такие стили как: рисование действий, поп-арт, пуантилизм, геометрическую абстракцию ипсиходелическое искусство. Также некоторую высокомерность можно заметить в стиле написания автопортрета.
Зашел в мастерскую. Как и другие религиозные картины Дали, «Тайная вечеря» вызывает у зрителей чрезвычайно разнообразные реакции: некоторые из критиков отвергали картину как трюк и банальность, в то время как другие считали, что художнику удалось на новой основе воссоздать традиционный молитвенный образ.
Общий фон картины соответствует ее главному герою, он все такой же темный.
И какая-то неведомая сила, которой поддался Дали. Она общалась с известными художниками, писателями и музыкантами своего времени. Только картины его потемнели да помрачнели, а фобии вновь стали властвовать над ним. В нижнем левом углу картины одинокая фигура торопливо удаляется вдаль. Под саранчой изображена пара фигур, отбрасывающая одну общую тень.
Трубка из которой не идет дым, художник выделяет лимонной деталью, впрочем, как и линию плеч. Руки, предплечья илицо ближайшей фигуры урезаются домышечной ткани под кожей.
Многовековая история этой страны оставила свои следы. Да, у Дали есть определенная символика, которую он же и расшифровал. Картина над дверью — Анжелюс (Вечерняя молитва) Жана Франсуа Милле, типичный образ крестьянской добродетельности и набожности. Она — несомненно, еще один портрет Галы, показанной плывущей над (а не покоящейся на) каменной плите, которая омывается морем бессознательного.
Приведённый кего периоду «Ядерный мистицизм», вкотором его произведения часто использовали идеи современной науки как средство рационализации христианской религии. Онутверждал, что знал овойне из-за «пророческой силы своего подсознания». Он, Сальвадор Второй, должен был стать заменой своему брату для безутешных родителей. Под руководством профессора художественных искусств Нуньенса Дали создает картины «Тетушка Анна за шитьем в Кадакесе», «Сумеречный старик» и другие.
Когда она умерла, Дали не плакал. Его работами этого периода стали: «Порт-Альгер», «Молодая женщина, увиденная со спины», «Женская фигура у окна», «Автопортрет», «Портрет отца». Дали использовал обширную символику всвоей работе.
Помимо этого на полотне присутствуют также яйцо (символ плодородия), нагромождение камней и (под лицом женщины) цветок каллы с фаллообразным пестиком. Они немного видоизменены, подстроены под требования современных посетителей, которые жить не могут без телефонов, телевизоров и кондиционеров.
С испанского «Сальвадор» переводится как спаситель. Кстати, в подвальном помещении, находится его надгробие.
Люди и еда – излюбленное сочетание Дали.
Портрет — Национальная портретная галерея
Джордж Ромни (1734-1802)
Ромни и его автопортрет в Национальной портретной галерее
Это текст ежегодной лекции Общества Ромни, прочитанной Чарльзом Сумаресом Смитом в 1995 г. и впервые опубликованной в «Quarto» в 1996 г. (см. Дополнительная литература )
Комната, в которой обычно висит автопортрет Ромни в Национальной портретной галерее, является одной из комнат, которые Галерея довольно часто использует для официальных мероприятий.Атмосфера зала сильно напоминает литературный и художественный истеблишмент конца восемнадцатого века: лица уверенные и авторитетные, демонстрирующие искусство Англии в его самой мирской и изысканной форме. И все же мне всегда казалось, что Ромни немного неуместен в этой обстановке.
И дело не только в том, что его Автопортрет не закончен. Есть что-то в том, как Ромни поворачивает голову к зрителю, как будто он действительно не хочет, чтобы его беспокоили, с его телом, повернутым горизонтально по холсту, его слегка сардоническим видом, намеком на агрессивность, в том, что он вопросительно смотрит на зрителя, который всегда поражал меня тем, что Ромни отличался от его современников, как будто он не хотел вступать в клуб, но ценил его обособленность.Это впечатление от портрета, который отличается по своему типу и может раскрыть аспекты личности Ромни, побудило меня захотеть узнать о нем больше.
Начну с известных фактов о портрете. Как это часто бывает даже с якобы хорошо известными картинами, существует на удивление мало достоверных фактов в отношении автопортрета Ромни . Уильям Хейли, друг и биограф Ромни, говорит, что он был написан в 1784 году в Эртхэме, загородном доме Хейли на полпути между Чичестером и Петвортом на южных холмах.По словам Хейли,
Мой ежегодный посетитель [то есть Ромни] оживил осень 1784 года особенно памятным для меня образом, поскольку он очень любезно заинтересовался украшением новой библиотеки, которую я тогда оборудовал, и начал по моей просьбе.
В этом случае поразительное сходство с ним, написанное маслом, которое можно считать лучшим из его собственных портретов, и которое помечено на фронтисписе этого тома годом его сорок девяти лет. Он хорошо выражает ту задумчивую живость и изобилие идей, которые зритель мог обнаружить в его лице, когда бы он ни сидел, погруженный в прилежную медитацию. 1
Рис. 2 Меццотинт
Джона Якобе 1779, по Джорджу Ромни, Уильяму Хейли
(Архив Национальной портретной галереи)]
Пожалуй, стоит отметить, что на самом деле это не фронтиспис, а хвостовая часть. Он также не отмечен его возрастом, а просто описан как один из «Трех портретов Ромни в разные периоды его жизни». Более того, о другом автопортрете самого себя, на котором есть также гравюра, Хейли говорит, что он был написан в 1780 году и «отмечен годом его возраста, сорок шесть лет».Ромни, родившемуся в 1734 году, было бы 46 лет в 1780 году и 49 лет в 1783 году, а не в 1784 году.
Джон Ромни, сын художника, который также написал биографию своего отца, опубликованную в 1830 году, обвиняет других биографов своего отца в неточности, особенно Уильяма Хейли, который, по его мнению, был слишком критичен по отношению к слабостям своего отца и, более того, имел — каким-то образом, четко не определенным, — вызвала долгую разлуку Ромни с женой и способствовала упадку его более поздних лет.
Он написал, что:
Осенью этого года (1782 г.) он начал свой собственный портрет, который впоследствии подарил г.Хейли; который не позволил ему закончить его, но без промедления поспешил в Эртам. Однако голова идеальна, но остальная часть фигуры, которую невозможно было бы завершить без модели, остается в стату-кво. Однако если бы ему позволили остаться на Кавендиш-сквер еще какое-то время, появилась бы возможность, когда его можно было бы закончить; но мистер Хейли предпочел птицу в руке. 2
Какой из этих двух версий мы должны верить? Национальная портретная галерея всегда была склонна придерживаться года, данного Ромни-младшим, но, честно говоря, меня это не убедило.Для начала, рассказ Хейли немного более обстоятельный, и он связывает его с событием — то есть украшением его библиотеки в Эртеме, — которое, как известно, имело место в сентябре 1784 года и которое заставило молодого Джона Флаксмана совершить портретный бюст Ромни, а также Хейли. 3 Кажется вполне правдоподобным, что Ромни нужно было поощрять к написанию собственного портрета в то время, когда он сидел с Флаксманом.
Во-вторых, гораздо более правдоподобным кажется, что Ромни должен был заняться своим Автопортретом как формой расслабления, когда он был в Эртэме, поскольку он, как известно, проводил там свое время, работая над идеями, выходящими за рамки его художественной практики; К тому же, как признает Джон Ромни, портрет принадлежал Хейли.Затем, если проследить за передвижениями Хейли в 1782 году, Ромни приехал в августе, а не осенью. Сам Хейли всю осень был очень занят написанием пьес « для частного театра« ». Таким образом, версия Джона Ромни о дате написания Ромни своего Автопортрет не может считаться окончательной.
Если предположить, как предполагает Хейли, что Автопортрет был написан в Эртеме осенью 1784 года, то Ромни действительно было не совсем пятьдесят, так как он родился в декабре 1734 года.Глядя на его обстоятельства, не было реальной причины, по которой он не смог бы изобразить себя достаточно преуспевающим и успешным художником на пике своей карьеры.
Он вырос из относительно скромного происхождения, будучи сыном самосовершенствующегося ремесленника и ремесленника из западного Камберленда. Ему удалось стать учеником Кристофера Стила, одного из относительно немногочисленных художников на северо-западе и человека, который, несмотря на несколько разгульный образ жизни, по крайней мере, обучался в Париже у Карла ван Лоо.Тогда Ромни сумел заработать на лотерее по продаже своих тематических картин ровно столько денег, чтобы отправиться в Лондон, где он смог построить достаточно успешную карьеру в портретной живописи.
Но он постоянно сожалел о том, что не получил должного образования, и, вероятно, понимал, что его никогда не будут воспринимать всерьез как художника, если он не проведет время в Риме. Итак, когда ему было почти сорок, он отправился в Италию вместе с художником-миниатюристом Озиасом Хамфри.В Риме он смог лучше понять как классицизм, изучая античные скульптуры, так и живописную технику, изучая художников эпохи Возрождения, включая работы Тициана во время визита в Венецию и Корреджо в Парме.
По возвращении в Лондон в июле 1775 года он чувствовал себя достаточно уверенным в своих обстоятельствах, чтобы снять большой дом в фешенебельном Вест-Энде. Ранее он принадлежал Королевскому академику Фрэнсису Котсу.В доме была не только большая комната для рисования, где он мог принимать сиделки, но и галерея, где он мог демонстрировать образцы своих картин. С этого момента у него не было недостатка в модных натурщиках, которые приходили на сеансы продолжительностью от трех четвертей до полутора часов в течение дня, начиная с десяти часов утра. К 1784 году он был в состоянии взимать 20 гиней за три четверти длины, и он мог сбивать картину обычно за достаточно небольшое количество сеансов, за голову от трех до пяти.Он зарабатывал приличную сумму денег, и в 1780 году Гораций Уолпол описал его как «в большой моде».
Ромни был не только профессионально успешен, но и внешне его жизнь была очень упорядоченной. Он вставал между семью и восемью часами; позавтракайте с друзьями в Grey’s Inn, а затем вернитесь в его дом, чтобы в десять часов подготовиться к первому из его натурщиков.
По словам Уильяма Хейли, «в полдень он взял бульон или кофе и пообедал в четыре самым простым способом».После обеда он либо отправлялся на прогулку за город — в те дни это было возможно сделать с Кавендиш-сквер, — пил чай в Килберн-Уэллс, либо, если было время, ужинал в Длинном зале в Хэмпстеде , чей холм ему особенно понравился. По возвращении домой он смог провести вечер, работая над рисунками для тематических картин, что было его действительно интересным, рассматривая свою портретную живопись по существу как форму рутинной работы, необходимой для зарабатывания денег. У него были друзья.Он смог провести ежегодный отпуск за городом с Уильямом Хейли в Эртеме в Сассексе, где он возродил себе настроение купанием в море и игрой в коит. На первый взгляд его жизнь была упорядоченной и благополучной.
Но были подводные течения, которые заставили его спроецировать образ самого себя на своем Автопортрете , немного агрессивный и угрюмый, лицо, которое предполагает степень внутреннего недовольства.
Почему это было? Почему человек, достигший большей части того, чего он хотел достичь в жизни, страдал от таких тревог, что в 1790-х годах он вошел в крутой и невротический упадок?
Я подозреваю, что частично ответ был просто вопросом темперамента.Все свидетельства о нем говорят о том, что он был довольно антиобщественным, предпочитая компанию небольшой группы близких друзей, а не желал выходить в более широкое общество. Например, когда он был в Риме, Озиас Хамфри, с которым он путешествовал, описал его как «человека необычайной скрытности; никоим образом не коммуникативный. В том, что было связано с его искусством, он оставил занятия, не позволяя показывать их в Италии ». В 1778 году Джеймс Норткот, у которого, по общему признанию, не было причин любить его из-за его соперничества с Рейнольдсом, описал его в письме своему брату как « амбициозного, хитрого и подлого, а его картины жесткие, сухие и безвкусные, такие как вы не хотели бы ни в малейшей степени.И я в достаточной мере уверен, что из него никогда не выйдет первоклассный художник ».
5
И Ричард Камберленд, его первый и, возможно, самый справедливый его биограф, описал его как «застенчивого, замкнутого, прилежного и задумчивого; осознавая все недостатки и лишения очень скупого образования; по привычке ипохондрия от природы, с осиновыми нервами, что каждый вздох может волновать ». 6 Возможно, это произошло потому, что, как предполагает Камберленд, он чувствовал себя неуютно из-за отсутствия формального образования. Возможно, он чувствовал покровительство своих более мирских натурщиков.Какой бы ни была причина, он, кажется, страдал от периодических приступов уныния, которые, судя по всему, напоминают симптомы клинической депрессии.
Сын Ромни, Джон, который вырос в Камберленде в отсутствие отца и впоследствии стал священником, возлагает вину на Хейли. В своей биографии отца, опубликованной в 1830 году, он написал:
Дружба г-на Хейли была основана на эгоизме, и средством, с помощью которого он поддерживал ее, была лесть.Этим искусством он приобрел большую власть над умом мистера Ромни и хорошо знал, как использовать его в корыстных целях.
Кроме того, он умел лицемерием, искажая различия между пороком и добродетелью, и придавать поведению особую окраску, что могло и, вероятно, действительно вводило мистера Ромни в заблуждение в некоторых случаях. Точно так же он слишком увлек его из общества и почти монополизировал его самого, тем самым сузив круг его знакомых и друзей. Намекнув о намерении написать г.В жизни Ромни он очень боялся сделать что-нибудь, что могло бы оскорбить его. В общем поведении мистера Хейли была неправильность, вызванная влиянием сильных страстей, которая лишала его возможности быть рассудительным и благоразумным советником; тем не менее он всегда вмешивался в дела мистера Ромни и добровольно давал ему совет; и у меня слишком много оснований полагать, что какие бы ошибки он ни совершал, они в основном были вызваны советом или подстрекательством мистера Ромни.Хейли. 7
Что делать с этой атакой? Отчасти враждебность Джона Ромни, кажется, была иррациональной, как будто Хейли, который встретил Ромни только в 1776 году, был ответственен за то, что Ромни покинул свою жену и семью в 1762 году, а затем никогда не возвращался в Камберленд до последних стадий своего окончательного упадка, когда он вернулся к своей многострадальной жене на воспитание после почти сорока лет отсутствия.
Частично его нападение, вероятно, было мотивировано чувством обиды на то, что Хейли приобрела фотографии, которые, по мнению Джона Ромни, должны были стать собственностью семьи.Более того, Джон Ромни чувствовал, что Хейли не полностью отнесся к своему отцу в биографии, опубликованной в 1809 году, и был слегка чрезмерно склонен делать упор на слабости характера Ромни, чего хотел его сын с должным сыновним почтением. исправлять. Но все же в нападении Ромни на Хейли есть нечто большее; и, поскольку Автопортрет кажется, судя по обстоятельствам, в которых он был написан, во многом свидетельствовал о дружбе Ромни с Хейли, хочется немного лучше понять природу их отношений.
Они впервые встретились в 1776 году, когда их представил художник-миниатюрист Иеремия Мейер. Хейли переехал из Лондона в свой дом в Эртеме и хотел, чтобы портреты его друзей были на память о них. Мейер, очевидно, предложил Ромни как подходящему художнику для создания этих портретов, и через эту комиссию они стали друзьями.
22 октября 1776 года Хейли написал Ромни, приглашая его остаться в Эртеме. Письмо очень характерно для самомнения и слегка подстрекательского тона Хейли, вовлекающего себя в жизнь Ромни таким образом, что, как я думаю, возможно, понятно, что сын Ромни впоследствии должен был возмутиться.
Я умоляю вас от имени тех бессмертных сил, прекрасных и возвышенных, которым вы так страстно поклоняетесь, или, говоря языком вашего любимого Макбета, «заклинаю вас тем, что вы исповедуете», умереть ваш напряженный дух приложения, который так пагубно сказывается на вашем кадре — смените на короткое время оживленные сцены и зловонный воздух Лондона на веселое спокойствие и чистый ветерок нашего южного побережья. Чтобы утешить вас за то, что вы бросите, ежедневные похвалы льстивому Метрополису, я обещаю вам более тихое, но более теплое восхищение нескольких друзей, которые присоединятся к их уважению к вашим талантам, самую сердечную заботу о вашем благополучии. .И это не праздное приглашение отказаться, хотя бы на короткое время, от удовольствий или прибылей от вашей профессии; но стремиться и к тому, и к другому в манере, более соответствующей вашему здоровью и, следовательно, той славе в вашем искусстве, которая, я знаю, является вашей преобладающей страстью и которая действительно является единственным истинным прометеевским огнем, который может сделать анартиста бессмертным. 8
В 1777 году Хейли опубликовал свое «Послание о живописи », адресованное Джорджу Ромни , которое, по словам самого Хейли, побуждало Ромни «не тратить слишком большую часть жизни на прибыльную рутинную работу своей профессии; но стремиться к практическому совершенствованию в высшей области своего искусства.Другими словами, Хейли поддержал Ромни в слегка шизофреническом расположении духа, в котором он обесценил портретную живопись, которую Ромни смог создать с такой замечательной легкостью, и заставил его думать, что он мог бы достичь более длительного успеха, посвятив себя Сам он увлекся исторической живописью, что, судя по относительно небольшому количеству исторических картин, которые он завершил позже в своей карьере, никогда не было возможным. Итак, еще раз, возможно, есть веские причины для возмущения Джона Ромни влиянием Хейли на его отца.
Еще одна причина, по которой Джон Ромни считал, что Хейли плохо влияет на его отца, также, несомненно, была моральной. Это вводит нас в области жизни Ромни, которые относительно не отмечены на картах, но которые, если посмотреть на его персонажа, должны быть исследованы. Мое собственное мнение — и у меня нет особых доказательств этому — что Ромни была очень восприимчива к молодым женщинам в слегка вуайеристской манере, и что Хейли поощряла эту тенденцию.
Конечно, в 1782 году, за два года до того, как был написан его Автопортрет , к нему подошла юная Эмма Харт.В то время она была любовницей Чарльза Гревилла, и все свидетельства говорят о том, что Ромни влюбился в нее, боготворив весьма оригинальную внешность и манеры семнадцатилетней юной девушки. Затем, в 1790 году, когда Ромни было почти шестьдесят, он поехал в Париж с Хейли, а в следующем году заключил брак с молодой французской любовницей, известной как Телесси, связь, которую, безусловно, поддержала Хейли, которая хотела взять ее в качестве своего секретаря. Но самое дразнящее свидетельство склонностей Ромни содержится в письме, написанном после его смерти Ричардом Камберлендом, его старым другом и первым биографом, Томасу Грину, другому старому другу — действительно, вероятно, его самому старому, а также юристу. который управлял своими финансовыми делами.Камберленд писал следующее:
Мы были готовы к потере мистера Ромни: на самом деле он был потерян для нас перед своей смертью. Однако он будет жить в нашей памяти своими добродетелями и в памяти миров своими делами. Он был экстраординарным человеком, потому что ничем не был обязан Образованию, и его Искусство, как и его гений, казалось в нем даром вдохновения. Я сказал, что мы будем помнить его за его добродетели, мы также должны оплакивать его недостатки и немощи. Элегантный по своему вкусу и воздержанный в своих привычках, он был предан нечистотам, что мораль не может простить, хотя Искренность может справедливо сослаться на то, что он держал свои слабости вне поля зрения и никогда не оскорблял приличия общества и не терял свои способности. Уважение к добродетели, хотя его практика не строго соответствовала ему.Этому мы должны приписать Неровности его нрава, абстрактность его ума и все те нервные и ипохондрические привязанности, которые потопили его в собственном уважении, омрачили его конституцию, противодействовали всем симптомам старости и, наконец, поразили его. вниз в Могилу, человек, измученный до своего времени. 10
Когда кто-то записывает эту эпитафию и исследует обстоятельства, при которых был написан Автопортрет Ромни , я надеюсь, что становится ясно, почему его лоб нахмурился.Похоже, что он страдал от какой-то формы внутреннего недовольства, которое действительно выделяет его среди своих современников и заставляет во многих смыслах казаться проторомантическим художником, стоящим в стороне от общества, критикующим его, преследуемым. внутренними демонами, которых он мог выразить только в своих рисунках, с Хейли в роли злобного Свенгали, побуждающего его стать кем-то, на что он на самом деле не был подготовлен: художником литературы и воображения, а не художником того, что он действительно преуспел в блеске поверхности материалов, внешней фактуре жизни с гладким и маслянистым пигментом, который льстил и обогащал жизнь его натурщиц.
Чарльз Сумарес Смит
Директор Национальной портретной галереи
Список литературы
1. Уильям Хейли, Жизнь Джорджа Ромни, эсквайр, Чичестер, 1809, стр.96.
2. Преподобный Джон Ромни, Воспоминания о жизни и творчестве Джорджа Ромни , Лондон, 1830, с.192.
3. Об обстоятельствах строительства библиотеки в Эртеме см. Мэри Вебстер, «Покровитель поэтов 18-го века: Уильям Хейли и Джордж Ромни», Country Life , 29 января 1981 г., стр.266-7. За эту ссылку и другие советы я благодарен Джейкобу Саймону.
4. Хейли, стр.322.
5. W.T. Whitley, Artists and their Friends in England 1700-99 , London, 1928, II, p.312.
6. Мемуары Ричарда Камберленда, написанные им самим, Лондон, 1806, с.464.
7. Ромни, с.139.
8. Морчард Бишоп, Blake’s Hayley , Лондон, 1951, стр. 53–4.
9. Хейли, стр.79.
10.Стенограмма письма, выставленного на продажу в Архиве художников, НПГ.
Рембрандт ван Рейн, Автопортрет, 1659
Рембрандт был одним из самых разносторонних художников 17 века, исследовавшим множество жанров, включая исторические картины, портреты и пейзажи. Каким бы ни был предмет, его работы отражают чувство индивидуального духа и глубокую эмоциональную выразительность — качества, которыми он прославился в свое время.
Он родился в Лейдене, был самым младшим из по крайней мере 10 детей.Его отец, преуспевающий мельник, смог отправить молодого Рембрандта в Лейденскую латинскую школу, где он получил классическое образование. Впоследствии он поступил в ученики к художнику в Лейдене, у которого он учился с 1619 по 1621 год, прежде чем перейти в студию Питера Ластмана в Амстердаме, самого выдающегося художника-историка города. Рембрандт сначала копировал сочинения и сюжеты Ластмана, но вскоре разработал оригинальные интерпретации мифологических и библейских историй. В эти ранние картины Рембрандт начал вставлять свой собственный портрет в качестве стороннего наблюдателя или участника, начав пожизненную погоню за автопортретом.Сегодня ему приписывают около 80 автопортретов — картин, рисунков и гравюр.
К 21 году художник основал собственную студию и взял на себя первую из многих учениц. Объем работ, выполненных студией, и количество студентов, которые внесли свой вклад в картины, выполненные под ее эгидой, вызвали продолжающиеся дебаты относительно атрибуции многих работ.
Rembrandt добился почти беспрецедентного успеха, имея множество богатых и влиятельных клиентов.В 1633 году он женился на Саскии ван Эйленбург, племяннице своего делового партнера. Саския, образ которой знаком по многим портретам, происходила из богатой семьи. Рембрандт купил дорогой дом в Амстердаме, но использовал кредит для финансирования значительной части покупки, решение, которое позже повлияло на его финансовую стабильность. Саския умерла в 1642 году, оставив Рембрандту заботиться об их сыне Тите. Позже Рембрандт завязал отношения с няней Титуса, отношения, которые закончились язвительно, после чего он завязал отношения со своей домработницей Хендрикье Стоффельс, также известной по многочисленным изображениям Рембрандта.Рембрандт никогда не был женат на Хендрикье (пункт завещания Саскии делал повторный брак финансово невыгодным), и когда она забеременела их ребенком, она подверглась публичному осуждению. Их дочь Корнелия родилась в 1654 году.
Хотя Рембрандт продолжал получать заказы на портреты в 1650-х и 1660-х годах, он не мог выполнять свои финансовые обязательства и терпел личные неудачи, когда и Хендрикье, и Титус умерли от чумы в 1660-х годах. В последние годы своей жизни он находился в финансовой зависимости от Корнелии и даже продал могилу Саскии в Ауде Керк, чтобы расплатиться с долгами.Рембрандт умер в 1669 году и был похоронен в неизвестной могиле в Вестеркерке, Амстердам.
Еще автопортреты Рембрандта
Винсент Ван Гог — Автопортрет в образе художника
Амстердам, Музей Ван Гога, Онгекенд. Verhalen rond 10 jaar aanwinsten. , 5 февраля 2021 г. — 12 сентября 2021 г.
Амстердам, Музей Ван Гога, На картинке. Kunstenaarsportretten , 21 февраля 2020 г. — 30 августа 2020 г.
Амстердам, Музей Ван Гога, Ван Гог и Япония , 24 марта 2018 г. — 24 июня 2018 г.
Киото, Национальный музей современного искусства (Киото), Ван Гог и Япония , 20 января 2018 — 4 марта 2018
Токио, Токийский музей Метрополитен, Ван Гог и Япония , 24 октября 2017 г. — 8 января 2018 г.
Саппоро, Музей современного искусства Хоккайдо, Ван Гог и Япония , 26 августа 2017 г. — 15 октября 2017 г.
Амстердам, Музей Ван Гога, De waanzin nabij.Van Gogh en zijn ziekte , 15 июля 2016 — 25 сентября 2016
Амстердам, Музей Ван Гога, Мунк: Ван Гог , 24 сентября 2015 г. — 17 января 2016 г.
Музей Мунка, Ван Гог + Мунк , 9 мая 2015 г. — 6 сентября 2015 г.
Париж, Музей Орсе, Ван Гог / Арто. Le suicidé de la société , 11 марта 2014 г. — 6 июля 2014 г.
Амстердам, Музей Ван Гога, Van Gogh aan het werk , 1 мая 2013 г. — 13 января 2014 г.
Амстердам, Эрмитаж Амстердам, Винсент.Музей Хета Ван Гога в Эрмитаже, Амстердам, , 29 сентября 2012 г. — 25 апреля 2013 г.
Генуя, Palazzo Ducale (Генуя), Van Gogh e il viaggio di Gauguin , 12 ноября 2011 г. — 30 апреля 2012 г.
Museu Picasso, Devorar París. Пикассо 1900–1907 , 1 июля 2011 г. — 16 октября 2011 г.
Лондон, Королевская академия художеств, Настоящий Ван Гог: художник и его письма , 23 января 2010 г. — 18 апреля 2010 г., нет. 68
Нью-Йорк, Neue Galerie, Ван Гог и экспрессионизм , 23 марта 2007 г. — 7 июля 2007 г., нет.zonder nr.
Амстердам, Музей Ван Гога, Van Gogh en het Expressionisme , 24 ноября 2006 г. — 4 марта 2007 г.
Нагоя, Художественный музей префектуры Айти, Ван Гог в контексте , 26 июля 2005 г. — 25 сентября 2005 г., нет. 59
Осака, Национальный художественный музей, Ван Гог в контексте , 31 мая 2005 г. — 18 июля 2005 г., нет. 59
Токио, Национальный музей современного искусства (Токио), Ван Гог в контексте , 23 марта 2005 г. — 22 мая 2005 г., нет.59
Амстердам, Музей Ван Гога, De keuze van Vincent. Музей Ван Гога Imminaire , 14 февраля 2003 г. — 15 июня 2003 г.
Амстердам, Музей Ван Гога, Ван Гог ан Гоген. Het atelier van het zuiden , 9 февраля 2002 г. — 2 июня 2002 г., № 54
Чикагский институт искусств, Ван Гог и Гоген. Студия Юга , 22 сентября 2001 г. — 13 января 2002 г., № 54
Музей изящных искусств Бостона, Ван Гог.Лицом к лицу , 2 июля 2000 г. — 24 сентября 2000 г.
Музей искусств округа Лос-Анджелес, Ван Гог «Ван Гоги». Шедевры из музея Ван Гога, Амстердам, , 17 января 1999 г. — 16 мая 1999 г., вып. 39
Национальная художественная галерея, Ван Гог Ван Гоги. Шедевры из музея Ван Гога, Амстердам, , 4 октября 1998 г. — 3 января 1999 г., вып. 39
Hamburger Kunsthalle, Ван Гог. Die Pariser Selbstbildnisse , 17 марта 1995 г. — 28 мая 1995 г., нет.zonder nr.
Амстердам, Музей Ван Гога, Parijse zelfportretten van Vincent van Gogh , 10 июня 1994 г. — 9 октября 1994 г.
Амстердам, Музей Ван Гога, Винсент Ван Гог en de moderne kunst 1890-1914 , 16 ноября 1990 — 18 февраля 1991, нет. 14
Амстердам, Музей Ван Гога, Винсент Ван Гог. Schilderijen , 30 марта 1990 г. — 29 июля 1990 г., нет. 34
Париж, Musée d’Orsay, Van Gogh à Paris , 2 февраля 1988 г. — 15 мая 1988 г., no.68
Берн, Художественный музей Берна, Винсент Ван Гог. Коллекция Национального музея Винсента Ван Гога в Амстердаме , 25 января 1973 — 15 апреля 1973, нет. 17
Страсбург, Музей современного искусства Страсбург, Винсент Ван Гог. Коллекция Национального музея Винсента Ван Гога в Амстердаме , 22 октября 1972 — 15 января 1973, нет. 17
Музей изящных искусств (Бордо), Винсент Ван Гог. Собрание Национального музея Винсента Ван Гога в Амстердаме, , 21 апреля 1972 г. — 20 июня 1972 г., нет.16
Париж, Institut Néerlandais, Cent dessins du Musée Kröller-Müller , 1 декабря 1971 — 1 января 1972, no. 54
Нью-Йорк, Бруклинский художественный музей, Винсент Ван Гог. Живопись и графика, , 14 февраля 1971 — 4 апреля 1971, № 24
M.H. Мемориальный музей де Янга, Винсент Ван Гог. Живопись и графика, , 11 декабря 1970 — 31 января 1971, № 24
Художественный музей Балтимора, Винсент Ван Гог.Живопись и графика, , 11 октября 1970 г. — 29 ноября 1970 г., вып. 24
Филадельфия (Пенсильвания), Художественный музей Филадельфии, Винсент Ван Гог. Живопись и графика, , 28 февраля 1970 г. — 5 апреля 1970 г., № 24
Сент-Луис, Городской художественный музей Сент-Луиса, Винсент Ван Гог. Живопись и графика , 20 декабря 1969 — 1 февраля 1970, нет. 24
Музей искусств округа Лос-Анджелес, Винсент Ван Гог.Живопись и графика, , 14 октября 1969 — 1 декабря 1969, вып. 24
Лондон, Галерея Хейворда, Винсент Ван Гог. Живопись и графика Фонда Винсента Ван Гога, Амстердам, , 23 октября 1968 г. — 12 января 1969 г., вып. 99
Вольфсбург, Штадтхалле Вольфсбург, Винсент Ван Гог. Gemälde, Aquarelle, Zeichnungen , 18 февраля 1967 г. — 2 апреля 1967 г., нет. 38
Гетеборг, Гетеборгский музей, Винсент Ван Гог.Målningar, akvareller, teckningar , 30 декабря 1965 г. — 20 февраля 1966 г., нет. 27
Стокгольм, Moderna Museet, Винсент Ван Гог. Målningar, akvareller, teckningar , 23 октября 1965 г. — 19 декабря 1965 г., нет. 27
Museum voor Schone Kunsten (Gent), Vincent van Gogh. Schilderijen, aquarellen, tekeningen , 19 февраля 1965 — 28 марта 1965, no. 12
Шарлеруа, Дворец изящных искусств (Шарлеруа), Винсент Ван Гог.Schilderijen, aquarellen, tekeningen , 9 января 1965 — 9 февраля 1965, no. 12
Нью-Йорк, Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Винсент Ван Гог. Живопись, акварель и рисунок , 2 апреля 1964 — 28 июня 1964, № 22
Вашингтонская галерея современного искусства, Винсент Ван Гог. Живопись, акварель и рисунок , 2 февраля 1964 — 19 марта 1964, № 22
Хумлебек, Музей современного искусства Луизианы, Винсент Ван Гог.Malerier og tegninger , 24 октября 1963 — 15 декабря 1963, no. 22
Амстердам, Stedelijk Museum Amsterdam, 150 jaar Nederlandse Kunst. Schilderijen, beelden, tekeningen, grafiek 1813-1963 , 6 июля 1963 — 29 сентября 1963, no. 101
Канзас-Сити, Галерея искусств Уильяма Рокхилла Нельсона и Музей изящных искусств Мэри Аткинс, Винсент Ван Гог. Живопись, акварель и рисунок , 7 февраля 1963 — 26 марта 1963, № 31
Детройтский институт искусств, Винсент Ван Гог.Живопись, акварель и рисунок , 11 декабря 1962 г. — 29 января 1963 г., № 31
Питтсбург (Пенсильвания), Институт Карнеги, Винсент Ван Гог. Живопись, акварель и рисунок , 18 октября 1962 г. — 4 ноября 1962 г., № 31
Музей изящных искусств Бостона, Винсент Ван Гог. Живопись, акварель и рисунок , 22 марта 1962 г. — 29 апреля 1962 г., № 31
Художественная галерея Олбрайт, Винсент Ван Гог.Живопись, акварель и рисунок , 30 января 1962 — 11 марта 1962, № 31
Кливленд, Музей искусств Кливленда, Винсент Ван Гог. Живопись, акварель и рисунок , 5 декабря 1961 — 14 января 1962, № 31
Художественный музей Балтимора, Винсент Ван Гог. Живопись, акварель и рисунок , 18 октября 1961 г. — 26 ноября 1961 г., вып. 31
Торонто, Художественная галерея Торонто, Винсент Ван Гог.Картины-рисунки / Картины-рисунки , 10 февраля 1961 — 12 марта 1961, вып. 35
Виннипег, Художественная галерея Виннипега, Винсент Ван Гог. Картины-рисунки / Tableaux-dessins , 29 декабря 1960 — 31 января 1961, вып. 35
Оттава, Национальная галерея Канады, Винсент Ван Гог. Картины-рисунки / Tableaux-dessins , 17 ноября 1960 — 18 декабря 1960, вып. 35
Монреаль, Монреальский музей изящных искусств, Винсент Ван Гог.Картины-рисунки / Картины-рисунки , 6 октября 1960 г. — 6 ноября 1960 г., вып. 35
Центральный музей, Винсент Ван Гог schilderijen en tekeningen, verzameling Ir. В.В. Ван Гог , 18 декабря 1959 — 1 февраля 1960, нет. 27
Сиэтл, Художественный музей Сиэтла, Винсент Ван Гог. Живопись и графика , 7 марта 1959 — 19 апреля 1959, № 29
Портленд (Орегон), Портлендский художественный музей (Орегон), Винсент Ван Гог.Живопись и графика, , 28 января 1959 — 1 марта 1959, № 29
Музей искусств округа Лос-Анджелес, Винсент Ван Гог. Живопись и графика, , 10 декабря 1958 — 18 января 1959, № 29
M.H. Мемориальный музей де Янга, Винсент Ван Гог. Живопись и графика , 6 октября 1958 — 30 ноября 1958, № 29
Монс, Museum voor Schoone Kunsten, Винсент Ван Гог (1853-1890). Son art et ses amis , 22 марта 1958 г. — 5 мая 1958 г., нет.18
Museum De Waag, Schilderijen van Vincent van Gogh , 31 января 1958 — 20 февраля 1958, no. 13
Schiedam, Stedelijk Museum Schiedam, Vincent van Gogh , 21 декабря 1957 — 27 января 1958, no. 15
Museum De Lakenhal, Винсент Ван Гог , 9 ноября 1957 — 16 декабря 1957, нет. 15
Марсель, Musée Cantini, Винсент Ван Гог , 12 марта 1957 — 28 апреля 1957, no.36
Cultureel Centrum De Beyerd, Винсент Ван Гог , 2 февраля 1957 — 24 февраля 1957, no. 42
Ньюкасл-апон-Тайн, Художественная галерея Лейнг, Винсент Ван Гог. Живопись и графика, в основном из собрания Ир. В.В. Ван Гог , 11 февраля 1956 — 24 марта 1956, нет. 33
Манчестер (Англия), Художественная галерея Манчестер Сити, Винсент Ван Гог. Живопись и графика, в основном из собрания Ир.В.В. Ван Гог , 17 декабря 1955 — 4 февраля 1956, нет. 33
Ливерпуль, Художественная галерея Уокера, Винсент Ван Гог. Живопись и графика, в основном из собрания Ир. В.В. Ван Гог , 29 октября 1955 — 10 декабря 1955, нет. 33
Амстердам, Stedelijk Museum Amsterdam, Винсент Ван Гог , 24 июня 1955 — 1 сентября 1955, no. 113a
Antwerp, Zaal Comité voor Artistieke Werking, Vincent van Gogh , 7 мая 1955-19 июня 1955, no.208
Нью-Йорк, Wildenstein & Company, Выставка займов Винсента Ван Гога , 24 марта 1955 г. — 30 апреля 1955 г., нет. 25
Берн, Художественный музей Берна, Винсент Ван Гог , 27 ноября 1954 — 30 января 1955, no. 37
Kunsthaus Zürich, Винсент Ван Гог , 9 октября 1954 — 21 ноября 1954, no. 27
Толедо (Огайо), Художественный музей Толедо, Винсент Ван Гог 1853-1890 , 7 марта 1954 — 30 апреля 1954, нет.64
Филадельфия (Пенсильвания), Художественный музей Филадельфии, Винсент Ван Гог 1853-1890 , 2 января 1954 — 28 февраля 1954, нет. 64
Сент-Луис, Городской художественный музей Сент-Луиса, Винсент Ван Гог 1853-1890 , 17 октября 1953 — 13 декабря 1953, нет. 64
Амстердам, Stedelijk Museum Amsterdam, Eeuwfeest Vincent van Gogh , 23 июля 1953 — 20 сентября 1953, no. 65
Kröller-Müller Museum, Eeuwfeest Vincent van Gogh , 24 мая 1953-19 июля 1953, no.65
Гаага, Gemeentemuseum Den Haag, Винсент Ван Гог , 30 марта 1953 — 17 мая 1953, нет. 96
Эйндховен, Van Abbemuseum, Винсент Ван Гог , 22 марта 1952 — 4 мая 1952, no. 34
Rijksmuseum Twenthe, Винсент Ван Гог , 20 февраля 1952 — 16 марта 1952, no. 34
Alkmaar, Stedelijk Museum Alkmaar, Tentoonstelling schilderijen van Vincent van Gogh , 1 декабря 1951 — 1 января 1952, no.10
Арль, Musée Réattu, Vincent van Gogh en Provence , 5 мая 1951 — 27 мая 1951, no. 26
Гренобль, Музей Гренобля, Винсент Ван Гог , 30 марта 1951 — 2 мая 1951, no. 26
Nijmegen, Waaggebouw, Tentoonstelling schilderijen van Vincent van Gogh , 3 марта 1951 — 27 ноября 1951, no. 10
Лион, Лионский музей, Винсент Ван Гог , 5 февраля 1951 — 27 марта 1951, no.26
Raadhuis Hilversum, Tentoonstelling Vincent van Gogh , 7 октября 1950 г. — 5 ноября 1950 г., no. 14
Чикагский институт искусств, Картины и рисунки Винсента Ван Гога. Специальная ссудная выставка , 1 февраля 1950 г. — 16 апреля 1950 г., нет. 61
Нью-Йорк, Метрополитен-музей, Картины и рисунки Винсента Ван Гога. Специальная ссудная выставка , 21 октября 1949 г. — 15 января 1950 г., нет. 61
Гаага, Gemeentemuseum Den Haag, Винсент Ван Гог.Коллекционирование ir. В.В. Ван Гог , 12 октября 1948 — 10 января 1949, нет. 106
Kunstnernes Hus, Винсент Ван Гог , 24 апреля 1948 — 15 мая 1948, no. 22
Берген (Норвегия), Kunstforening, Винсент Ван Гог , 23 марта 1948 — 18 апреля 1948, no. 22
Городская художественная галерея, Винсент Ван Гог 1853-1890. Выставка живописи и рисунка , 21 февраля 1948 — 14 марта 1948, № 31
Городская художественная галерея, Винсент Ван Гог 1853-1890.Выставка живописи и графики , 24 января 1948 — 14 февраля 1948, № 31
Лондон, Галерея Тейт, Винсент Ван Гог 1853-1890. Выставка живописи и рисунка , 10 декабря 1947 — 14 января 1948, № 31
Groningen, Museum van Oudheden, Vincent van Gogh , 18 октября 1947 — 16 ноября 1947, no. 43
Musée Rath, 172 произведения Винсента Ван Гога (1852-1890) , 22 марта 1947 — 20 апреля 1947, no.77
Париж, Musée de l’Orangerie, Винсент Ван Гог , 24 января 1947 — 15 марта 1947, no. 77
Монс, Museum voor Schoone Kunsten, Винсент Ван Гог , 27 декабря 1946 — 1 января 1947, no. 75
Брюссель, Paleis voor Schoone Kunsten, Винсент Ван Гог , 9 ноября 1946 — 19 декабря 1946, no. 75
Museum voor Schoone Kunsten, Винсент Ван Гог , 12 октября 1946 г. — 3 ноября 1946 г., no.75
Копенгаген, Шарлоттенборг, Винсент Ван Гог. Udstilling af malerier og tegninger , 22 июня 1946 — 14 июля 1946, no. 43
Мальмё, Музей Мальмё, Винсент Ван Гог. Utställning anordnad till förmån för svenska hollandshjälpen , 29 мая 1946 — 16 июня 1946, no. 41
Гетеборг, Гетеборгский музей, Винсент Ван Гог. Utställning anordnad till förmån för svenska hollandshjälpen , 3 мая 1946 — 26 мая 1946, no.41
Стокгольм, Национальный музей (Стокгольм), Винсент Ван Гог. Utställning anordnad till förmån för svenska hollandshjälpen , 8 марта 1946 — 28 апреля 1946, no. 41
Heerlen, Raadhuis Heerlen, Винсент Ван Гог , 8 февраля 1946 — 24 февраля 1946, no. 40
Bonnefantenmuseum, Винсент Ван Гог , 12 января 1946 — 28 января 1946, no. 40
Амстердам, Stedelijk Museum Amsterdam, Винсент Ван Гог , 14 сентября 1945 — 1 декабря 1945, no.zonder nr.
Копенгаген, Шарлоттенборг, Винсент Ван Гог. Malerier, tegninger, akvareller , 1 января 1938 — 1 января 1938, no. 25
Kunstnernes Hus, Винсент Ван Гог. Malerier, tegninger, akvareller , 3 декабря 1937 — 24 декабря 1937, no. 15
Париж, Les nouveaux musées, Quai de Tokio, La vie et l’oeuvre de Van Gogh , 1 июня 1937 — 1 октября 1937, no. 5
Калифорния Дворец Почетного легиона, Винсент Ван Гог , 28 апреля 1936 — 24 мая 1936, no.38
Кливленд, Музей искусств Кливленда, Винсент Ван Гог , 25 марта 1936 — 19 апреля 1936, нет. 38
Музей изящных искусств Бостона, Винсент Ван Гог , 19 февраля 1936 — 15 марта 1936, нет. 38
Филадельфия (Пенсильвания), Художественный музей Филадельфии, Винсент Ван Гог , 11 января 1936 — 10 февраля 1936, нет. 38
Нью-Йорк, Музей современного искусства (Нью-Йорк), Винсент Ван Гог , 5 ноября 1935 — 5 января 1936, нет.38
Амстердам, Stedelijk Museum Amsterdam, Vincent van Gogh. Werken uit de verzameling van Ir. В.В. Ван Гог, in bruikleen afgestaan aan de Gemeente Amsterdam , 14 февраля 1931 — 1 января 1931, no. 58
Амстердам, Stedelijk Museum Amsterdam, Vincent van Gogh en zijn tijdgenooten , 6 сентября 1930 — 2 ноября 1930, no. 64
Амстердам, Maatschappij Arti et Amicitiae, Tentoonstelling Nederlandsche portretkunst , 1 декабря 1929 — 1 декабря 1929, no.30
Амстердам, Stedelijk Museum Amsterdam, Vincent van Gogh tentoonstelling ter gelegenheid van het internationale jeugdfeest der S.J.I. , 15 мая 1926 г. — 15 июня 1926 г., нет. 41
Venice, Instelling onbekend, Biennale, XV Expossizione Internazionale d’Arte della città di Venezia , 1 апреля 1926 — 1 октября 1926, no. 23
Париж, Лувр, Выставка Голландия. Tableaux, aquarelles et dessins anciens et modernes , 1 апреля 1921 — 1 мая 1921, no.163
Galerie Commeter, В. Ван Гог , 1 сентября 1914 — 1 сентября 1914
Кельн, Kölner Kunstverein, V. van Gogh , 1 июля 1914 — 1 августа 1914
Берлин, Художественный салон Пауля Кассирера, Винсент Ван Гог 30. Мэрц 1853 — 29 июля 1890. Zehnte Ausstellung , 1 июня 1914 — 5 июля 1914, no. 39
Antwerp, Zaal Comité voor Artistieke Werking, L’art contemporain. Салон 1914 / Kunst van Heden.Tentoonstelling 1914 , 7 марта 1914 г. — 5 апреля 1914 г., нет. 67
Лондон, галереи Grafton, Мане и постимпрессионисты , 8 ноября 1910 — 15 января 1911
Berlin, Kunstsalon Paul Cassirer, Titel onbekend , 9 мая 1909 — 1 мая 1909
Berlin, Kunstsalon Paul Cassirer, Название onbekend , 1 октября 1908 — 1 октября 1908
Амстердам, Kunsthandel C.M. Ван Гог, Винсент Ван Гог tentoonstelling , 3 сентября 1908 — 24 сентября 1908, нет.26
Гаага, Kunsthandel C.M. Ван Гог, Винсент Ван Гог tentoonstelling , 1 июля 1908 — 1 августа 1908
Frankfurter Kunstverein, V. van Gogh Ausstellung , 14 июня 1908 — 28 июня 1908, no. 32
Берлин, Художественный салон Пауля Кассирера, VII. Ausstellung , 5 марта 1908 — 22 марта 1908, нет. 14
Париж, Galerie Bernheim-Jeune, Cent tableaux de Vincent van Gogh , 6 января 1908 — 1 февраля 1908, no.29
Rotterdamsche Kunstkring, Keuze-tentoonstelling van Nederlandsche portretkunst der laatste vijftig jaren (schilderijen en waterverfteekeningen) , 16 марта 1907 — 14 апреля 1907, no. 11
Leidsche Kunstvereeniging, Tentoonstelling van Schilderijen Door Vincent van Gogh , 7 октября 1905 — 16 октября 1905, no. 27
Vereeniging Voor de Kunst, Tentoonstelling van Schilderijen Door Vincent van Gogh , 9 сентября 1905 г. — 2 октября 1905 г., no.27
Амстердам, Stedelijk Museum Amsterdam, Tentoonstelling Vincent van Gogh , 15 июля 1905 — 1 сентября 1905, no. 89
Артемизия Джентилески (Рим 1593 — Неаполь 1652)
Артемизия Джентилески была приглашена в Лондон в 1638 году Карлом I и, вероятно, создала этот сложный и законченный автопортрет в Англии. В одной руке она держит кисть, а в другой — палитру, ловко представляя себя женским олицетворением живописи — чего никогда не могли сделать ее современники-мужчины.Артемизия Джентилески написала эту картину, вероятно, во время ее краткого пребывания в Англии (1638– ок. . 1641). В 1638 году Карл I пригласил ее в Лондон, чтобы присоединиться к ее отцу, Орацио Джентилески, который работал в Англии с 1626 года. На одном уровне работа изображает аллегорическую фигуру живописи и была описана как таковая в инвентаре Карла I. . Artemisia следует стандартному символическому справочнику того периода, Iconologia Чезаре Рипа, где Живопись описывается как «красивая женщина с густыми черными волосами, растрепанными и изогнутыми по-разному, с изогнутыми бровями, которые демонстрируют образное мышление. рот прикрыт тканью, завязанной за ушами, с золотой цепочкой на шее, с которой свисает маска, и написано спереди «имитация».Artemisia улавливает суть этого описания, опуская надписи на маске и рот с кляпом во рту, призванные символизировать, что Живопись тупа. В одежде из мимолетных драпировок она держит кисть в одной руке и палитру в другой. Однако работа также является автопортретом: как женщина-художник Артемизия идентифицирует себя как женское олицетворение Живописи. Существуют прецеденты подобного смешения идентичностей в изображениях женщин-художников. Портретная медаль, отчеканенная Феличе Антонио Касони, прославляющая кремонскую художницу Лавинию Фонтана, изображает на лицевой стороне портрет художника в профиль, а на реверсе — аллегорию живописи.Здесь Artemisia объединяет две устоявшиеся визуальные традиции в одном образе.
Лишь немногие автопортреты Артемизии сохранились, и упоминания о них в переписке художника лишь намекают на то, как могли выглядеть другие. Гравюра с нарисованного автопортрета Артемизии Джерома Давида, бронзовая медаль 1625-816 гг. И ее портрет Симона Вуэ (частное собрание, Бергамо) являются дополнительными визуальными источниками, которые могут намекать на ее сходство. Ее автопортрет был идентифицирован во многих других ее картинах, таких как ее Женщина с лютней (Curtis Galleries, Миннеаполис) и недавно приписываемый автопортрет как Женщина-мученица (частная коллекция), а также во многих из другие ее религиозные картины, которые дают некоторое представление о том, как она себя представляла.
Понятно, что изображение Артемизии пользовалось большим спросом среди коллекционеров семнадцатого века, которых привлекали ее выдающиеся художественные способности и необычный статус художницы. Римский коллекционер и антиквар Кассиано дал Поццо был одним из ее самых решительных сторонников. В письме к нему в 1630 году она отмечает: «Я написал свой портрет с особой тщательностью»; в более позднем письме она обещает, что пришлет «мой портрет, который вы когда-то просили». Некоторые ученые предположили, что эти два письма относятся к картине из Королевской коллекции, которую Артемизия по какой-то причине никогда не отправляла Далю Поццо, а вместо этого привезла с собой в Англию.В 1630 году ей было бы за тридцать, что соответствует возрасту на нынешней фотографии. Однако для Артемизии было бы странно нарушить свое обещание отправить автопортрет, упомянутый в ее письме, Кассиано дал Поццо, одному из ее самых престижных покровителей. Некоторые ученые склоняются к мнению, что автопортрет Кассиано был утерян, а это еще один, сделанный после прибытия Артемизии в Лондон в 1638 году (когда ей было 46 лет).
Артемизия носит коричневый фартук поверх зеленого платья и, кажется, опирается на каменную плиту, используемую для измельчения пигментов, на которой видно отражение ее левой руки.Нижний рисунок на ее левой руке может указывать на то, где она отметила положение для своей руки: быстрые, опытные мазки можно увидеть в том, как она изобразила эту руку, как едва предполагалось. Коричневая область позади нее была интерпретирована как фон или как чистый холст, на котором она собирается рисовать. Он выглядит как подготовленный холст и всегда был тонко раскрашен, но он изношен и может иметь большее сходство, чем это было задумано художником. Она использовала землю, оставшуюся открытой, чтобы обозначить области тени: особенно поразительным является закатанный рукав ее правой руки, где плавные белые мазки, очерчивающие край рукава, встречаются с коричневой тенью обнаженной земли.Положение пальцев ее правой руки различается при инфракрасной рефлектографии и рентгенографии, что позволяет предположить, что художница решала эту область во время работы, в конечном итоге удлиняя указательный палец.
Как автопортрет, картина особенно сложна и исполнена. Положение, в котором изобразила себя Артемизия, было бы чрезвычайно сложно передать художнику, но все же работа написана экономно, с очень немногими чувствами. Чтобы увидеть свое собственное изображение, она могла расположить два зеркала по обе стороны от себя, лицом друг к другу.Изображая себя в процессе рисования в этой сложной позе, угол и положение ее головы было бы труднее всего передать с точностью, требуя умелой визуализации.
Этой увлекательной работой Артемизия Джентилески внесла свой вклад в визуальные аргументы семнадцатого века относительно высокого статуса художника.
Запись в каталоге адаптирована из Искусство Италии в королевской коллекции: ренессанс и барокко , Лондон, 2007
Знаменитые автопортреты показывают тенденции в автопортрете на протяжении всей истории искусства
На протяжении истории искусства, автопортреты остается испытанной практикой среди ведущих художников.Превосходя технику и стиль, автопортреты преобладают в каждом крупном движении, от вдохновленного итальянского Возрождения до постмодернистского и современного периода. Чтобы проиллюстрировать распространенность этих изображений, мы собрали коллекцию из самых известных автопортретов самых известных художников мира.
В этой обширной подборке автопортретов мы исследуем любопытный обычай изображать себя через визуальное искусство. Предлагая эклектичный взгляд на работы известных деятелей, включая Рембрандта, Пикассо, Фриду Кало, Нормана Роквелла, Клода Моне и Винсента Ван Гога, непреходящая популярность автопортрета становится поразительно очевидной.И хотя может показаться, что у старых художников, таких как Микеланджело и Рафаэль, много общего с современными мастерами, такими как Энди Уорхол и Яёи Кусама, их единомышленный интерес к автопортрету в конечном итоге объединяет их — как художников, так и художников. люди.
См. Нашу подборку из самых известных автопортретов 28 известных художников ниже.
Альбрехт ДюрерАльбрехт Дюрер, «Автопортрет в 28 лет», масло на панели, 1500 г. (Фото: Wikimedia Commons, Public Domain)
Немецкий гравер Альбрехт Дюрер известен своими детализированными гравюрами на дереве и гравюрами, но на самом деле художник Северного Возрождения также создал несколько важных автопортретов на протяжении всей своей жизни.Автопортрет на 28 имеет большое значение, потому что Дюрер изображает себя таким же образом, как изображения Христа, показывая зрителю, что, возможно, его таланты даны Богом.
Картина сейчас принадлежит Музею Старой Пинакотеки в Мюнхене, Германия.
Леонардо да ВинчиЛеонардо да Винчи, «Портрет мужчины красным мелом», бумага, красный мел, ок. 1512 (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)
Создан примерно в 1512 году, Леонардо да Винчи Портрет мужчины в красном мелу , по широко распространенному мнению, является редким автопортретом мастера-художника.Поскольку Леонардо родился в 1452 году, ему было бы почти 60 лет, когда он завершил эту работу на бумаге.
Часть теперь постоянно находится в Королевской библиотеке Турина.
Рембрандт ван РейнРембрандт, «Автопортрет», холст, масло, 1660 г. (Фото: Wikimedia Commons, Public Domain {PD-US-expired})
Хотя недостатка в автопортретах Рембрандта нет (известно более 90), Автопортрет прекрасно передает характерное для художника Голландского Золотого века использование света, текстурных мазков и мрачной цветовой палитры.
Картина маслом, созданная в 1660 году, сейчас является частью постоянной коллекции Метрополитен-музея.
Гюстав КурбеГюстав Курбе, «Отчаявшийся человек», холст, масло, ок. 1843 г. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние {PD-US-expired})
Под названием « Отчаянный человек» , это произведение художника-реалиста Гюстав Курбе остается его самым известным автопортретом. Завершенный в 1845 году, The Desperate Man сочетает в себе элементы романтизма — стиля, который был заметен до середины 19-го века, — и реализма, движения, которое в конечном итоге было основано на Курбе.
Сегодня этот культовый автопортрет находится в частной коллекции.
Клод МонеКлод Моне, «Автопортрет в берете», холст, масло, 1886 г. (Фото: Wikimedia Commons, Public Domain {PD-US-expired})
Этот автопортрет Клода Моне с фирменным беретом и бородой художника-импрессиониста был написан в 1886 году. Self — Портрет с беретом демонстрирует отчетливо размытые мазки Моне, композиционное использование неокрашенного холста, и мастерски выполненный баланс между светом и тьмой.
Картина маслом находится в частной коллекции.
Поль ГогенПоль Гоген, «Автопортрет с ореолом», масло, панель, 1889 г. (Фото: Wikimedia Commons, Public Domain {PD-US-expired})
Автопортрет с нимбом и змеей by Поль Гоген представляет характерную красочную палитру французского художника-постимпрессиониста. Из более чем 40 автопортретов, это произведение 1889 года остается самым известным Гогеном благодаря своей авангардной композиции и основным религиозным темам, включая яблоки и змею.
Эту картину, написанную маслом на дереве, можно найти в Национальной галерее искусств в Вашингтоне, округ Колумбия.
Винсент Ван ГогВинсент Ван Гог, «Автопортрет с перевязанным ухом», холст, масло, 1889 г. (Фото: Wikimedia Commons, Public Domain {PD-US-expired})
Как и многие праотцы движения современного искусства, голландский художник Винсент Ван Гог неоднократно баловался автопортретами. Хотя в его коллекции таких изображений много знаковых работ, « Автопортрет с перевязанным ухом» , пожалуй, самая известная из его работ.На этой картине, написанной вскоре после печально известного инцидента, в котором борющийся художник отрезал себе ухо в 1889 году, заметно изображена его перевязанная рана.
Сегодня вы можете полюбоваться известными работами в лондонской галерее Курто.
Поль СезаннПоль Сезанн, «Автопортрет», холст, масло, 1878-1880 гг. (Фото: Wikimedia Commons, Public Domain)
Хотя он в основном известен своими горными пейзажами и натюрмортами, играющими с перспективой, французский художник-постимпрессионист Поль Сезанн также часто писал портреты.Иногда, как в случае Автопортрет , он даже изображал себя. Это произведение, созданное с 1878 по 1880 годы, отличается ярко выраженными живописными мазками кисти и уникальным использованием цвета.
Сейчас эта картина находится в коллекции Филлипса в Вашингтоне, округ Колумбия.
Эдвард МункЭдвард Мунк, «Автопортрет с перевязанным ухом», литография, 1895 г. (Фото: Wikimedia Commons, Public Domain)
Норвежский художник и гравер Эдвард Мунк известен своими мрачными и мрачными экспрессионистскими изображениями, и Автопортрет со скелетной рукой (1895) не исключение.Первоначально это оригинальное произведение было выполнено литографическим мелом и чернилами и с момента его создания несколько раз переиздавалось. В более поздних репродукциях Мунк даже решил затемнить скелетную руку и свою подпись.
Сегодня подлинные репродукции этого произведения искусства можно найти в многочисленных коллекциях, в том числе в Британском музее.
Пабло ПикассоВ то время как Пабло Пикассо постоянно меняющийся стиль очевиден во всем его творчестве, это, пожалуй, наиболее очевидно при сравнении его бесчисленных автопортретов.Его автопортреты, написанные, нарисованные и скульптурные на протяжении всей его карьеры, напрямую отражают эволюцию испанского художника. Из всех этих изображений его Автопортрет 1907 года наиболее точно отражает его переход от примитивизма к кубизму, два из его самых известных периодов.
Эта картина в настоящее время находится в пражской Народной галерее.
Фрида Кало
Любимый мексиканский художник Фрида Кало не испытывает недостатка в автопортретах.Тем не менее, Self — Портрет с терновым ожерельем и колибри 1940 года остается одним из ее самых ценных изображений. Картина маслом изображает несколько символов и концепций, преобладающих в ее портфолио, в том числе листву, дикую природу и страдания.
Эту культовую работу можно найти в коллекции Николаса Мюрэя Техасского университета.
Сальвадор ДалиНеудивительно, что испанский художник и мастер-сюрреалист Сальвадор Дали проявил нетрадиционный подход к изображению себя с помощью «Мягкий автопортрет с жареным беконом». На картине, написанной в 1941 году, изображен кусок бекона рядом с органической бесструктурной формой, украшенной человеческим лицом и поддерживаемой костылями. Учитывая его неоднозначный внешний вид, можно задаться вопросом, как такое лицо представляет художника. Однако приглядитесь, и вы заметите культовые вздернутые вверх усы Дали.
Сегодня этот сюрреалистический автопортрет называет своим домом Каталонский театр-музей Дали.
Марсель ДюшанКак и большая часть работы Марселя Дюшана , его автопортрет в профиле (1957) передает авангардный подход французского художника к творчеству.Только один из 137 произведений, этот силуэт экспериментально составлен из рваной бумаги, наклеенной на покрытый бархатом картон. Хотя можно предположить, что текст, написанный на белом фоне, является подписью художника, на самом деле он гласит: Marcel déchiravit, или «Марсель порвал это быстро».
Это произведение сейчас принадлежит Метрополитен-музею в Нью-Йорке.
Норман РоквеллАмериканский художник и иллюстратор Норман Роквелл известен своей восхитительной коллекцией обложек Saturday Evening Post .13 февраля 1960 года — впечатляющие 44 года после того, как Роквелл присоединился к журналу, — в газете « Saturday Evening Post » была опубликована биографическая статья об этом художнике. Для обложки номера Роквеллу было поручено изобразить себя, и, таким образом, он создал этот умный и комичный «Тройной автопортрет » .
Оригинал масляной живописи этой обложки можно найти в Музее Нормана Роквелла в Стокбридже, штат Массачусетс.
Энди УорхолКлючевая фигура в движении поп-арта, американский художник Энди Уорхол может похвастаться многочисленными хорошо известными и популярными произведениями.Среди его самых известных произведений искусства — разноцветные повторяющиеся портреты шелкографии. В дополнение к таким знаменитостям, как Мэрилин Монро и Элизабет Тейлор, Уорхол изобразил себя в этом стиле в своем Автопортрете 1966 года .
Этот портрет принадлежит Музею современного искусства в Нью-Йорке.
Патрон закрытыйАмериканский фотореалист Чак Клоуз получил известность благодаря своим масштабным фотографическим портретам.В своем метко названном « Большой автопортрет » 1968 года художник представляет реалистично выполненную акриловую картину самого себя. В очках в толстой оправе и с зажженной сигаретой во рту ясно, что художник имел в виду определенную личность, позируя для этого произведения. «Нет никаких сомнений, — заявляет Клоуз, — у меня было какое-то отношение к тому, как я хотел, чтобы меня воспринимали».
Сегодня это произведение находится в Центре искусств Уокера в Миннеаполисе.
Синди ШерманМастер маскировки Синди Шерман известна своими автопортретами, в которых она изображает разных персонажей.На фотографии « Untitled # 96», «» американского художника 1981 года « Centerfold » Шерман изображен одетой как девочка-подросток.
В 2011 году репродукция этого произведения была куплена на аукционе за рекордные 3,89 миллиона долларов. В то время это была самая дорогая фотография из когда-либо проданных, что делало Untitled # 96 одной из самых известных ее работ.
Жан-Мишель БаскияАмериканский художник Жан-Мишель Баския умело соединил стиль уличного искусства с ноу-хау неоэкспрессионизма, чтобы создать богатое творчество социально сознательного искусства.В модели Self-Portrait 1982 года Баския использует акриловую краску и цветной карандаш для создания композиции, сочетающей наивные, образные изображения с полной абстракцией.
Как и многие другие работы художника, этот портрет сейчас находится в частной коллекции.
Кейт ХарингАмериканский художник и общественный деятель Кейт Харинг известен своим вкладом в культовую уличную культуру Нью-Йорка.Харинг придал граффити оттенок поп-арта, что видно из его безымянного автопортрета 1985 года. Этот портрет воплощает графический подход Харинга к иконографии, демонстрируя эстетический и игривый стиль, похожий на мультфильм.
Это произведение сейчас находится в частной коллекции.
Люсьен ФрейдReflection (1985), автопортрет британского художника-портретиста Люсьена Фрейда , передает грубый и вдохновленный реализмом стиль художника.Картина маслом, в которой густо нанесена краска и имеет чисто образную направленность, отражает характерный и узнаваемый подход Фрейда к портретной живописи.
Reflection принадлежит частной коллекции.
Герхард РихтерОбширное портфолио немецкого художника Герхарда Рихтера ценится за широкий диапазон стилей. Помимо абстрактных работ и «перекрашенных» фотографий, он также создает портреты, которые, хотя и нарисованы, почти кажутся размытыми фотографиями.Ключевым примером хорошо известной работы этого жанра является автопортрет Selbstportrait (1996), на котором смутно изображен художник, смотрящий в землю.
Это произведение является частью коллекции Flowerman.
Луиза БуржуаЛуиза Буржуа, Автопортрет, 2007 #womensart pic.twitter.com/ndswTu0vKf
— #WOMENSART (@ womensart1) 22 июня 2018 г.
Французско-американская художница Луиза Буржуа в основном известна как скульптор и художник-инсталлятор.Однако, помимо своих трехмерных творений, художница также создавала картины, рисунки и гравюры. Буржуа не была связана с каким-либо конкретным художественным движением или группой, хотя многие из ее шедевров — например, этот любопытный Автопортрет (2007), в котором художница изображает себя в образе кошки, — предполагают влияние сюрреализма.
Этот автопортрет на кошачью тематику сейчас находится в частной коллекции.
Яёи КусамаЯпонское творчество Яёи Кусама — один из самых востребованных современных художников.Хотя ее интерактивные инсталляции часто заслуживают самой высокой оценки, она также является опытным художником, что видно из серии ее автопортретов. Это изображение 2010 года, выполненное акриловой краской, отражает характерную яркую цветовую палитру Кусамы, склонность к узорам и игривый стиль.
Этот предмет находится в частной коллекции.
В дополнение к более традиционной портретной живописи многие художники на протяжении всей истории предпочитали вместо этого включать себя в неожиданные композиции.Посмотрите некоторые из этих подлых автопортретов ниже.
Ян ван ЭйкЯн ван Эйк, «Портрет Арнольфини», панель, масло, 1434 г. (Фото: Wikimedia Commons, Public Domain)
Ян ван Эйк, «Портрет Арнольфини», масло, 1434 г. (Фото: Wikimedia Commons, Public Domain)
На своей самой известной картине Портрет Арнольфини (1434) ранний нидерландский художник Ян ван Эйк изображает богатого итальянского купца Джованни ди Николао Арнольфини и его первую жену Констанцу Тренту.На первый взгляд, это простой двойной портрет. Однако при более внимательном рассмотрении оказывается, что в выпуклом зеркале в центре композиции можно увидеть сдержанное отражение ван Эйка.
Эту картину можно найти в Национальной галерее Лондона.
РафаэльРафаэль, «Афинская школа», фреска, 1509–1511 гг. (Фото: Wikimedia Commons, Public Domain)
Рафаэль, «Афинская школа», фреска, 1509–1511 гг. (Фото: Wikimedia Commons, Public Domain)
Афинская школа , знаменитая фреска итальянского художника эпохи Возрождения Рафаэль , часто отмечается тем, что на ней изображены все без исключения великие древнегреческие философы.В дополнение к этой впечатляющей коллекции фигур Рафаэль также решил включить себя в нижний левый угол крупномасштабной композиции. Видно, как он смотрит прямо на зрителя, стоящего рядом с Птолемеем.
Эта фреска находится в Апостольском дворце Ватикана.
МикеланджелоМикеланджело, «Страшный суд», фреска, 1536–1541 гг. (Фото: Wikimedia Commons, Public Domain {PD-US-expired})
Микеланджело, «Страшный суд», фреска, 1536–1541 гг. (Фото: Wikimedia Commons, Public Domain {PD-US-expired})
В The Страшный суд , фреска, найденная в Сикстинской капелле, итальянский мастер Микеланджело заполняет безумную композицию многочисленными библейскими персонажами и святыми в сопровождении их атрибутов.Одной из примечательных фигур является святой Варфоломей, который, как и на многих христианских изображениях, изображен держащим свою шкуру. В увлекательном повороте лицо, изображенное на плоти, считается автопортретом самого художника!
Страшный суд находится в Сикстинской капелле в Ватикане.
Диего ВеласкесДиего Веласкес, «Менины», холст, масло, 1656-1657 гг. (Фото: Wikimedia Commons, Public Domain {PD-US-expired})
Диего Веласкес, фрагмент «Лас Менинас», холст, масло, 1656-1657 гг. (Фото: Wikimedia Commons, Public Domain {PD-US-expired})
Las Meninas («Придущие фрейлины»), картина 1656 года испанского художника Золотого века Диего Веласкеса , изображающая королевский двор Мадрида.Веласкес умело поставил себя позади инфанты Маргариты и ее служанок. Он изображен стоящим у мольберта с палитрой и кистями в руке.
Las Meninas является частью постоянной коллекции Национального музея Прадо.
Анри де Тулуз-ЛотрекАнри де Тулуз-Лотрек, «В Мулен Руж», холст, масло, 1892-1895 гг. (Фото: Wikimedia Commons, Public Domain)
Анри де Тулуз-Лотрек, фрагмент картины «В Мулен Руж», холст, масло, 1892-1895 гг. (Фото: Wikimedia Commons, Public Domain)
В Au Moulin Rouge («В Мулен Руж») Французский Belle Époque Художник Анри де Тулуз-Лотрек предлагает взглянуть на ночную жизнь Парижа на рубеже веков.Как частый гость ночных клубов города, Тулуз-Лотрек вполне уместен на заднем плане этой пьесы. Его можно увидеть идущим с Габриэлем Тапье де Селейраном, его двоюродным братом и врачом.
Эту картину можно найти в Институте искусств Чикаго.
Эта статья была отредактирована и обновлена.Статьи по теме:
20 известных картин из истории западного искусства, которые должен знать любой ценитель искусства
15 величайших художников всех времен, чье влияние живет сегодня
12 известных женщин-художников, о которых должен знать каждый любитель искусства
18 самых известных скульптур, которые вам нужно знать
Автопортрет, посвященный Льву Троцкому | Иллюстрация
Закрывать Фрида Кало, Автопортрет, посвященный Льву Троцкому , 1937 г .; Масонит, масло, 30 х 24 дюйма.; Национальный музей женщин в искусстве, подарок достопочтенной Клэр Бут Люс; © 2012 Banco de México Diego Rivera Museums Trust Фрида Кало, Мексика, D.F. / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк; Изображение от Google Посмотреть увеличенную версию автопортрета, посвященного Льву ТроцкомуАвтопортрет, посвященный Льву Троцкому
Фрида Кало
Как и многие картины Фриды Кало, « Автопортрет, посвященный Льву Троцкому» посвящен определенному событию в жизни художника.Он напоминает о коротком романе Кало с изгнанным русским революционным лидером Львом Троцким вскоре после его прибытия в Мексику в 1937 году. На этой картине она представляет себя элегантно одетой в длинную расшитую юбку, шаль с бахромой и изящные золотые украшения. Цветы и завитки красной пряжи украшают ее волосы, а искусно нанесенный макияж подчеркивает ее черты. Уравновешенная и уверенная в своей сценической обстановке, Кало держит букет цветов и посвящение Троцкому, в котором говорится: «Со всей моей любовью.Интересно, что Клэр Бут Люс, американский драматург, светская львица и член Конгресса США, пожертвовала Автопортрет, посвященный Льву Троцкому , NMWA в 1988 году.
Кало, как и многие мексиканские художники, работавшие после революционного десятилетия, начавшегося в 1910 году, в своем искусстве и жизни находилась под влиянием националистического рвения, известного как мексиканидад. Художники, участвовавшие в этом движении, отвергали европейское влияние и выступали за возвращение к исконным корням и народным традициям страны.Кало часто носила отличительную одежду женщин Теуантепек на юго-западе Мексики; она также искала формы и символы на своих картинах в доколумбовом искусстве и мексиканском народном искусстве. Композиционные элементы сцены и занавесок, например, основаны на мексиканских народных картинах, называемых ретабло, религиозных изображениях Богородицы или христианских святых, написанных на олове, которые собирала Кало.
Детали произведения искусства
Художник
Фрида Кало
Название
Автопортрет, посвященный Льву Троцкому
Дата
1937
Средний
Масло на мазоните
Размеры
30 x 24 дюймов
Кредит донора
Достопочтенная Клэр Бут Люс
Кредит на фото
© 2012 Banco de México Diego Rivera Музейный фонд Фриды Кало, Мексика, D.F. / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк; Изображение Google
на дисплее
да
Сообщение в блоге по теме
Связанное сообщение в блоге
Режиссерский стол: озаряя Фриду Кало
Нам повезло, что у нас есть важная Фрида Кало (р.1907) находится в нашей коллекции «Автопортрет, посвященный Льву Троцкому» (1937). Это единственная Кало в публичной коллекции в Вашингтоне, округ Колумбия. One …
Фрида Кало, Автопортрет, посвященный Льву Троцкому , 1937 г .; Масонит, масло, 30 х 24 дюйма; Национальный музей женщин в искусстве, подарок достопочтенной Клэр Бут Люс; © 2012 Banco de México Diego Rivera Museums Trust Фрида Кало, Мексика, D.F. / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк; Изображение от GoogleРафаэль сделал себе пластику носа в автопортретах, 3D-рендеринг показывает
Автор Ливии Боргезе Эми Вудят, CNN
Итальянские исследователи создали трехмерную реконструкцию лица мастера эпохи Возрождения Рафаэля, которая, по их словам, раз и навсегда доказывает, Похоронен художник в Пантеоне в Риме.Но ученые сделали еще одно, более удивительное открытие: они думают, что художник, живший с 1483 по 1520 год, при создании автопортретов использовал некоторую художественную лицензию, чтобы «усовершенствовать» свой образ.Исследователи из Римского университета Тор Вергата вместе с экспертами из Vigamus Foundation и Академии Рафаэлло в Урбино создали трехмерную компьютеризированную реконструкцию лица мастера, чтобы раз и навсегда выяснить, принадлежали ли останки римского Пантеона Рафаэлю.
В 1833 году останки были эксгумированы из могилы Рафаэля в Пантеоне, но эксперты не могли точно сказать, принадлежали ли они самому человеку — раскопки также обнаружили останки учеников Рафаэля, а также некоторые неполные скелеты.
«Повторяющиеся сомнения в идентичности останков мучили многочисленных поклонников« божественного художника », которого Джорджо Вазари назвал« смертным богом », на протяжении веков», — Маттиа Фалькони, профессор молекулярной биологии в Tor Vergata. Об этом говорится в заявлении Римского университета.
Создавая 3D-рендер с использованием гипсовой повязки, снятой с черепа после раскопок гробницы, ученые сравнили реконструкцию с автопортретами художника и картинами других авторов.
В результате они заявили, что смогли показать, что скелет, эксгумированный при раскопках 1833 года, действительно принадлежал мастеру. Отсюда и произошло откровение о носу покойного мастера.
«Нос, который появился в результате нашей реконструкции лица, определенно более заметен, чем тот, который появляется на автопортретах Рафаэля.Поэтому мы думаем, что это правда, что Рафаэль украсил себя, усовершенствовал себя в своих портретах », — сказал Фалькони CNN.
« В своем живописном видении на своих картинах Рафаэль олицетворял красоту людей. Достаточно привести в качестве примера портрет Папы Льва X, который определенно не был физически красив », — добавил Фалькони.« Рафаэлю удается извлекать красоту », — сказал он.
« Это исследование впервые дает доказательства того, что скелет эксгумированный в Пантеоне в 1833 году, принадлежит Рафаэлю и открывает путь для возможных будущих молекулярных исследований скелетных останков, направленных на закрепление этой идентичности и определение некоторых аспектов, связанных с ДНК: элементов фенотипа (цвет глаз, волос и кожа), географическое происхождение и наличие любых генетических маркеров, указывающих на склонность к заболеваниям », — пояснила Ольга Рикардс, профессор молекулярной антропологии в Университете Тор Вергата.
«Мы также нашли на слепке целые зубные ряды, и удивительно, насколько они идеально целы.