Портреты фэшн рисунки: Школа FASHION иллюстрации СПб on Instagram: “Закажите портрет в стиле фэшн иллюстрации! ✔️Стильное украшение интерьера. ✔️…

Рассказывать о которых мы, конечно же, не будем. Почувствовать их эффективность вы сможете уже в процессе обучения.

секретных ингредиентов

Академические учебные программы в ВУЗах и школах громоздкие, не поворотливые и не соответствуют духу времени. А свободные курсы на рынке часто недостаточно глубокие и не учитывают компонент мотивации и взаимовыгодной работы учащихся.

Портрет моды — Национальная портретная галерея

Спецификация

Этот продукт предоставлен компанией National Portrait Gallery Company Limited. Для получения дополнительной информации о компании щелкните здесь. Каждая покупка поддерживает Национальную портретную галерею.

Распродано

Эйлин Рибейро с Кэлли Блэкман

Исчерпывающий справочник по костюмам из коллекции Национальной портретной галереи, в котором в увлекательных деталях исследуется фундаментальная важность моды в портретной живописи, с экспертными знаниями и более 250 полноцветных изображений.

Описание

Костюм, портреты и представление личности были неразрывно связаны на протяжении всей истории искусства.В то время как лицо изображаемого человека часто по-прежнему напрямую доступно для нас, детали и значение его одежды может быть труднее понять.

Это прекрасное издание, богато иллюстрированное картинами, рисунками, фотографиями и другими произведениями искусства, состоит из 190 экземпляров из собрания Национальной портретной галереи. С их помощью авторы исследуют цель и исходный контекст платья
, в котором была запечатлена натурщица — дамасские, атласные, бархатные и меховые ткани великолепия Тюдоров и Стюартов, которые носили королевы Елизаветы I и Карла I, а также революционную простоту
. хлопка, льна и шерстяной ткани, принятой Мэри Уоллстонкрафт, Джоном Констеблем и Джоном Клэром.

Авторы

Эйлин Рибейро — заслуженный профессор истории искусства Института искусств Курто в Лондоне. Она всемирно известна как специалист в области истории одежды и написала множество книг и статей на эту тему, последняя из которых — Facing Beauty: Painted Women and Cosmetic Art (2011).Кроме того, она была консультантом по костюмам на крупных выставках портретов в Великобритании и США, включая Whistler, Women and Fashion в Frick Collection, Нью-Йорк (2003).

Калли Блэкман — преподаватель в Центре Сент-Мартинс (Университет искусств, Лондон), имеет степень в области дизайна одежды и истории искусства, а также степень магистра истории платья в Институте искусств Курто в Лондоне. Среди многих других публикаций она является автором книги 100 лет моды (2012).

Модный рисунок и иллюстрация в 20 веке

Жанна Пакен (1869-1936), модельер, Париж, 1907. Номер музея. E.1432-1957

1900-е

На протяжении большей части первого десятилетия 20-го века мода в основном демонстрировала сезонные модификации, а не какие-либо фундаментальные изменения. Однако по мере развития века концепция «естественной фигуры» изгнала корсетную и преувеличенную S-образную фигуру, которая была модной в начале десятилетия.Эти нововведения, явившиеся значительным освобождением для женщин, сопровождались появлением ярких и ярких цветов.

«Оригинальность и роскошь»: дом Paquin

В 1890 году Жанна Пакен (1869–1936) и ее муж Исидор Пакен открыли свой Maison de Couture Rue de la Paix в Париже, недалеко от знаменитого Дома Worth. Вскоре Paquin прославилась тем, что использовала цветную подкладку для печальных черных пальто и добавляла украшения из кружева или богатой вышивки к черным платьям.Новаторское, но в то же время тонкое использование меха стало одним из фирменных знаков дома. В эпоху, когда модная реклама только зарождалась, Жанна Пакен была первым кутюрье, отправившим манекены на модные гонки в Лоншан и Шантийи.

В 1900 году Жанна Пакен была избрана президентом секции моды Всемирной выставки, и на протяжении всей своей карьеры многие ее творения участвовали в этих международных ярмарках. Оригинальность и роскошь дизайна Paquin вскоре укрепили международную репутацию модного дома.Одним из ее величайших достижений стало открытие зарубежных филиалов в Буэнос-Айресе, Мадриде и Лондоне — она ​​была первым парижским кутюрье, сделавшим этот шаг, и многие последовали ее примеру. Она была первой женщиной в своей области, удостоенной Почетного легиона в 1913 году.

После смерти Жанны Пакен в 1936 году дом перешел в руки испанского модельера Антонио Кановаса дель Кастильо. Пакуин купил Дом Уорта в 1953 году, но закрыл свои двери 1 июля 1956 года. У V&A есть великолепная коллекция альбомов с эскизами Пакуина, начиная с 1897 по 1956 год.

1910-е

1910-е годы были периодом драматических перемен в моде. Хотя многие тенденции уходят корнями в моду предыдущего десятилетия, Первая мировая война закрепила движение к более практичной и менее строгой одежде. По мере того как женщин вызывали на фабрики и в офисы, модная одежда упрощалась и укорачивалась.

Флори Вествуд

Флори Вествуд (даты неизвестны) была лондонским дизайнером, работавшим в начале 20 века. О ней мало что известно, кроме ее рисунков, из которых мы видим, что она создавала элегантную элитную, хотя и консервативную моду.Многие сотни ныне анонимных портных и дизайнеров, подобных ей, существовали в городах по всей стране до середины 20-го века, когда в моде преобладала готовая массовая одежда.

1) Флорри Вествуд, дизайнер одежды, Лондон, 1918-9. Музей № E.1539-1977

1) Три «оригинальных дизайна» на снимке 1918-1919 годов очень типичны для конца 1910-х годов. Они отличаются высокой талией и женственными материалами и цветами. Они также предвосхищают андрогинный образ 1920-х годов с их линейными прямыми силуэтами.Рядом с описанием платьев написано следующее:

‘Слева: платье из лиловой тафты и нинона со вставкой из кружева цвета слоновой кости. Кушак выполнен из розовато-лиловой ленты в тон платью.

В центре: Простое вечернее платье из синего атласа и розового тюля. Широкий кушак представляет собой анютиную черную ленту с яркими аппликациями оранжевых цветов.

Справа: платье из креп-жоржета цвета слоновой кости с двумя глубокими полосами из самоматериала персикового цвета. Прошивка — очень тонкое кружево.’

2) На этой модной иллюстрации изображены три дизайна послеобеденных платьев, нарисованных карандашом и разноцветными красками. Подписано и датировано художником. Подобная коллекция дизайнов, рассматриваемая вместе, демонстрирует растущую тенденцию женщин отказываться от ограничительных корсетов. В первые годы 1910-х дизайнеры начали продвигать использование более легких и мягких тканей, чтобы сделать свои творения более плавными. Этот новый подход, ориентированный на плавность, контрастировал с жесткими силуэтами S-Bend предыдущих десятилетий.

3) Эти четыре разных дизайна зимних пальто от Флори Вествуд датированы 15 января 1919 года. Они подчеркивают новую моду в дизайне линейных силуэтов и длины до щиколотки. Они также демонстрируют новую форму (более высокий охват шеи и более широкий охват плеч) меховых воротников и манжет.

3) Флорри Вествуд, дизайнер одежды, Лондон, 1919. Номер музея. E.1538-1977

2) Флорри Вествуд, модный дизайнер, Лондон, 1918. Номер музея. E.1536-1977

Мелани Вермонт

Рисунки Мелани Вермонт (1897 — 1972) из ​​коллекции Виктории и Альберта были переданы музею миссис М.Голдфлейм, племянница художника. В то время Мариано Фортуни (1871–1949), испанский дизайнер из Венеции, изобрел новый специальный процесс складывания и новые методы окрашивания для своих платьев. Его новаторские проекты вдохновляли других дизайнеров, но также пользовались огромным успехом, поскольку давали женщинам свободу передвижения, которой они так жаждали.

4) Эти два дизайна вечерних платьев, выполненные карандашом Мелани Вермонт на изображении справа, являются хорошими примерами того, как в то время дизайнеры все чаще использовали струящийся материал, который позволял им создавать платья со сложными драпировками, тем самым отодвигаясь от них. от ограничительных корсетов, модных в предыдущее десятилетие.В первые годы 1910-х дизайнеры начали продвигать использование более легких и мягких тканей, чтобы сделать свои творения более плавными. Этот новый подход, ориентированный на плавность, контрастировал с жесткими силуэтами S-Bend предыдущих десятилетий. Туника правого дизайна изготовлена ​​из плиссированного материала.

5) На этой иллюстрации показаны пять дизайнов костюмов для девочек, выполненные карандашом и цветной заливкой. В этом десятилетии акцент в детской одежде изменился с талии на бедра, а платья и юбки также стали короче (выше колена), как показано на этих рисунках.На центральной фигуре зеленое дневное платье с плиссированной юбкой и замысловатым поясом, который сочетается с ее маленьким воротником и манжетами на рукавах. Также показаны два дизайна пальто. Вторая фигура слева носит бело-красное короткое пальто в клетку с пуговицами Аламо, тогда как следующая фигура справа носит бело-синюю полосатую куртку с темно-синим воротником и соответствующими манжетами.

4) Мадлен Вермонт (1897-1972), модный дизайн, Лондон, 1913. Номер музея. E.957-1977

5) Мадлен Вермонт (1897-1972), дизайнер одежды, Лондон, 1913.Музей № E.954-1977

1920-е годы

На развитие моды после войны во многом повлияло изменение отношения женщин. Более молодые женщины были воодушевлены своей независимостью во время войны и сознательно пренебрегали стилевыми предпочтениями поколения своих матерей в отношении оборок, оборок и кружева. Они подстригли волосы и носили юбки до колен с простыми линейными платьями, которые придавали им мальчишеский силуэт.

Норман Хартнелл

6) Норман Хартнелл (1901-79), дизайнер одежды, Лондон, 1920-е годы.Музей № E.29-1943

Уроженец Лондона Норман Хартнелл (1901 — 79) основал свой дом моды в 1923 году и вскоре прославился своими роскошными и романтическими вечерними платьями и свадебными платьями. Хартнеллу приписывают введение длинных юбок, которые ознаменовали конец эры хлопушек, и его дизайн был востребован утонченной британской «элитой».

Хартнелл, очень «светский» портной, однако, возможно, наиболее известен своими давними связями с английской королевской семьей.Он разработал платье, которое королева Елизавета носила на свадьбе с принцем Филиппом, герцогом Эдинбургским в 1947 году, а также платье для коронации в 1953 году. В 1977 году Хартнелл был назначен KCVO, первым рыцарским званием, присвоенным за заслуги перед модой.

6) Хартнелл разработал это платье с учетом двух материалов: нижнее платье выполнено из твердого материала и покрыто шифоном от плеча до подола. У платья вырез «лодочка» с узкими рукавами до локтя с развеянной окантовкой «гребешок».Это соответствует подолу платья. Хартнелл дополнила дизайн поясом из бисера с кисточками, сочетающимся с полоской из бисера на рукавах. Также в дизайне изображена большая повязка на голову со сверкающей вышивкой. Простота и изящество этого платья идеально подошли бы для модных коктейльных вечеринок той эпохи.

Hilda Steward

О Хильде Стюард мало что известно, кроме ее рисунков, из которых мы можем видеть, что она создавала элегантную одежду высокого класса.Многие сотни ныне анонимных портных и дизайнеров, подобных ей, существовали в городах по всей стране до середины 20 века, когда в моде стала преобладать готовая одежда массового потребителя.

7) Это вечернее платье без рукавов, разработанное Хильдой Стюард в 1920 году, похоже, выполнено из атласа с короткой кружевной трехслойной верхней юбкой, свисающей с пояса. Пояс спереди немного выше талии и поддерживает верхнюю юбку только сбоку назад, оставляя переднюю часть полностью свободной.

На фигуре браслет выше локтя и большая повязка на голову, типичная для 1920-х годов, для удержания новой короткой модной стрижки. Подпись дизайнера появляется в правом нижнем углу в виде двух ее инициалов, пересекающихся друг с другом, включая дату, идущую рядом с ними в вертикальной полосе.

8) Это дизайн оранжевого дневного платья с верхней юбкой, образованной двумя плиссированными вставками. Фигура держит меховую накидку, похожую на соболью; он сочетается с некоторыми меховыми деталями платья, в том числе на подоле.У черной шляпы с большими полями есть два страусиных пера.

Ремень удерживается золотым орнаментом. Подпись дизайнера появляется в правом нижнем углу в виде двух ее инициалов, пересекающихся друг с другом, включая дату, идущую рядом с ними в вертикальной полосе.

8) Хильда Стюард, дизайнер одежды, Лондон, 1923. Номер музея. E.1039-1988

7) Хильда Стюард, дизайнер одежды, Лондон, 1920. Номер музея. E.1045-1988

Виктор Штибель

Виктор Штибель (1907 — 73) родился в Южной Африке в 1907 году, но поселился в Англии в 1924 году.Проработав три года в Доме Reville, он открыл свой собственный дом моды в 1932 году. Член-основатель Объединенного общества лондонских дизайнеров моды, Штибель был назначен его председателем в 1946 году. Штибель был очень успешным, и его клиентура включала ведущих актрисы дня, но также члены королевской семьи и представители аристократии. Он создал прощальный наряд для принцессы Маргарет после ее свадьбы с лордом Сноудоном в 1960 году.

Дизайны Виктора Штибеля в коллекциях Виктории и Альберта охватывают период с 1927 по 1935 год.

9) Лицо модели на этом рисунке с сильно подчеркнутыми глазами следует традиции, установленной звездой немого кино Тедой Бара, популяризировавшей слово «вампир» (сокращение вампира, которое она сыграла в одном из ее фильмы), чтобы обозначать хищную женщину, чьи глаза, обведенные холом, были ее самой запоминающейся особенностью.

Сочетание волос и ободка на шее делает акцент на глазах и кроваво-красных губах. Обнаженное левое плечо уравновешивается весом волос, находящихся также слева, в то время как обнаженное плечо и нога, одновременно обнаженные и скрытые тканевыми полосками, намекают на намерение и скрытые удовольствия.

10) Это дизайн Stiebel для вечернего платья в черном и серебряном цвете с аппликацией или вышивкой змейкой, обернутой вокруг него от неровного подола до лифа. Он поразителен и оригинален во всех деталях. Внутренняя часть платья на зеленой подкладке — это контрастирует с черным цветом снаружи.

Платье имеет квадратный вырез с широкими бретелями. На модели жемчужное чокер с соответствующими серьгами и браслетом. Короткая стрижка каре с челкой была типичной для этой эпохи.На оправе этой конструкции есть небольшой набросок платья.

9) Виктор Штибель (1907-76), модный дизайнер, Лондон, 1928. Номер музея. S.545-1983

10) Виктор Штибель (1907-73), модельер, Англия, около 1927 года. E.1077-1983

1930-е годы

После краха 1929 года и Великой депрессии новые, более приземленные взгляды, навязанные миру, открыли большие возможности для новой простоты, как это сформулировала Коко Шанель (1883–1971).В Великобритании мода стала более эклектичной, но в то же время более женственной и изящной, и к 1930 году «мальчишеский» образ исчез.

Виктор Штибель

11) Дизайн одежды Виктора Штибеля, Лондон, 1933. Номер музея. S.544-1983

С середины 19 века кутюрье одевали крупных театральных звезд. Виктор Штибель (1907–1976) создавал постановки во время учебы в университете, а затем работал дизайнером одежды в Доме Reville. В 1932 году он открыл свой собственный дом моды и вскоре стал востребован для создания современных костюмов для ведущих актрис.Мэри Эллис, для которой был разработан этот костюм, была ведущей актрисой и певицей, и одеть ее в престижный мюзикл, написанный Джеромом Керном и Оскаром Хаммерстайном II и спродюсированный Си Би Кокраном, было бы отличной рекламой для молодого кутюрье. Он разработал все ее платья в постановке и платья для ее коллеги по фильму Евы Листер, а также всю современную одежду в зоопарке и репетиционных сценах; Остальные костюмы были из гардероба Cochran и костюмерной фирмы Morris Angel & Son.

11) Платье было верхом шика, с огромными плиссированными плечами, жирным бантом, коротким жакетом и длинной юбкой. Перчатки-перчатки помогали уравновесить широкие плечи, а большой лук привлекал внимание к лицу. Хотя дизайн выполнен в бледно-оранжевом цвете, в примечаниях указано, что он должен быть выполнен из атласа зеленовато-зеленого цвета, контрастирующего с матовой тканью юбки и экзотическим мехом перчаток. Такой дизайн должен был льстить владельцу, а не подчиняться дизайнеру, и у ведущей леди было бы одобрение и, возможно, даже выбор от кутюрье.

12) Расклешенная нижняя юбка синего платья от Stiebel — образец нового кроя, представленного в этом десятилетии. Крой отличается своей простотой, и Stiebel представил воротник с бантом и высокие манжеты, украшенные разноцветной лентой, чтобы нарушить однообразие.

Эти детали сочетаются с узким оранжевым ремнем. Надпись карандашом: «Прилагаю ленточки нужного мне типа для воротника и манжет».

13) В 1930-е годы стало модным носить «домашние пижамы» — брюки с широким низом из мягкого материала.Этот дизайн Виктора Штибеля показывает, как эту концепцию можно трансформировать для более официальных мероприятий — от домашних коктейлей до круизных вечеринок.

Подобные рисунки были созданы дизайнером-сюрреалистом Эльзой Скиапарелли. Вырез на шее Stiebel, верх без рукавов прекрасно контрастируют с широким низом брюк. В дизайн входят ярко-оранжевые перчатки, шляпа с полями и подходящая обувь.

12) Виктор Штибель (1907-76), дизайнер одежды, Лондон, 1934-5. Музей № E.1075-1983

13) Виктор Штибель (1907-76), дизайнер одежды, Лондон, 1934-5.Музей № E.1074-1983

Норман Хартнелл: моделирование королевской семьи

14) Дизайн одежды, Норман Хартнелл, Лондон, 1936-9. Музей № E.37-1943

В 1935 году Норман Хартнелл получил свой первый королевский заказ, и с этого момента вплоть до своей смерти в 1979 году он продолжал создавать оригинальные дизайны для королевской семьи, важных членов британского общества, а также международных деятелей. Коллекции V&A содержат множество примеров довоенного дизайна Хартнелла, отражающих его очень изысканное, элегантное и непревзойденное использование материала и вышивки.Эти два платья After Six были созданы для Ее Королевского Высочества принцессы Елизаветы; оба очень женственные и нежные.

14) Это вечернее платье было разработано для H.M. Королева Елизавета. Карандашная надпись «Гала» внизу страницы говорит о том, что она была создана для важного события. Платье полностью покрыто множеством цветных последовательностей и, несомненно, ослепило бы других гостей. Горловина-лодочка также отделана пайетками; рукава три четверти длины и вышиты до кончика плеча.

На спине — длинный отдельный шлейф, также полностью расшитый синих и розовых пайеток в форме пирамид. Королева изображена в бриллиантовой тиаре. Этот ансамбль дополнен замысловатым жемчужным ожерельем и подходящими серьгами. На левом плече Королева также изображена с королевским поясом, поддерживаемым драгоценными камнями с рубинами и бриллиантами. Это платье демонстрирует мастерство Хартнелла в создании платьев со сложной вышивкой.

15) Этот дизайн представляет собой ярусное платье с пышной юбкой, с тонкой талией и многоярусной кокеткой, образующей объемные короткие рукава.Юбка нанизана голубой лентой, которая подчеркивает разные слои. К платью подходят подходящие украшения и перчатки.

Вторая модель из розовой сетки с заостренной талией, которая удерживает пышную юбку из сетки, перевязанную бледно-голубой лентой. Боди украшено небольшим декольте в форме сердца, обшитым такой же голубой лентой, а рукава преувеличенно короткими и объемными. Вдобавок на левой стороне шеи есть украшение из цветов.

16) Этот дизайн формального вечернего платья был специально создан для H.М. Королева Мэри. Платье ниспадает прямой линией с небольшим шлейфом на спине. Удлиненная линия v-образного выреза отделана кружевом.

Поверх платья он создал свободный жакет с рукавами, отороченными мехом норки и отороченными кружевом. Завершает этот роскошный ансамбль великолепный ряд драгоценных камней на шее и сверкающая диадема.

16) Норман Хартнелл (1901-79), дизайнер одежды, Лондон, 1930-е годы. Музей № E.19-1943

15) Норман Хартнелл (1901-79), дизайнер одежды, Лондон, 1930-е годы.Музей № E.15-1943

1940-е

Вторая мировая война сильно повлияла на моду, и она стала регулироваться и оформляться правительственными постановлениями. Однако, несмотря на эти строгие правила и жестокие потрясения, вызванные войной, дизайн от кутюр, возглавляемый группой талантливых портных, процветал.

The New Look

«Я создавала одежду для женщин, похожих на цветы, с округлыми плечами, широким женским бюстом и широкой талией над огромными широкими юбками.’

Этими словами Кристиан Диор (1905 — 57) описал влияние своей первой коллекции весной 1947 года. В то время все еще действовало нормирование и использовались строгие военные стили. Dior представила силуэты песочных часов и роскошные ткани, смягчив ранее квадратные подплечники и подтянув талию, создав ярко выраженный женственный образ. Его первая коллекция была настолько популярна, что пресса окрестила ее «New Look» и сразу же подражала дизайнерам со всего мира.

17) Дизайн одежды Марджори Филд для Field Rhoades, Лондон, 1940-е годы. Музей № E.426-2005

17) Этот рисунок Марджори Филд изображает женщину в сшитом на заказ костюме с принтами и большой шляпе, украшенной перьями с обеих сторон. По линии талии жакета нашиты двухрядные пуговицы, создающие впечатление узкой талии. В правой руке она держит зонтик, сделанный из того же материала, что и костюм. Марджори Филд была высококлассным лондонским дизайнером, которая быстро применила модный силуэт Dior New Look в своих нарядах.

18) Рене Грюау, уроженец Италии (1909–2004), переехал в Париж в 1924 году и начал свою карьеру в качестве иллюстратора моды в самых престижных журналах, включая L’Officiel и Marie Claire. Его сотрудничество с Christian Dior началось в 1947 году, и Грюау, который в совершенстве уловил суть New Look, вскоре стал признанной фигурой в мире Haute Couture. Этот рисунок был заказан для журнала мод «Femina» примерно в 1949 году.

19) Это дизайн Бернарда Блоссака (1917–2001).Блоссак был иллюстратором моды, который регулярно рисовал для Vogue, L’Officiel и Harper’s Bazaar. На этом рисунке изображено черное болеро с цветочным узором в стиле New Look.

18) Рене Грюау (1909–2004), модная иллюстрация, Париж, 1949. Номер музея. E.397-1986

19) Бернар Блоссак (1917-2001), модная иллюстрация, Париж или Лондон, конец 1940-х. Музей № E.167-1987

Марджори Филд

Марджори Филд (Филд Роудс), дизайнер одежды, Лондон, 1940-е.Музей № E.430-2005

V&A имеет значительную коллекцию высококачественных дизайнов, выполненных Марджори Филд для модной фирмы Field Rhoades. Происхождение этих дизайнов можно проследить до Гвен Мандли, художницы и друга дизайнера. Field Rhoades был зарегистрирован в лондонских уличных каталогах по адресу 77, South Audley Street, London W1 в течение 1948–49 годов; это соответствует дате дизайнов, найденных в этой коллекции. Марджори Филд также разработала дизайн под названием или для фирмы «Матита».Matita была компанией готовой одежды высокого класса, которая регулярно рекламировалась в Vogue в 1940-х годах.

20) Дизайн одежды, Урсула Штернберг-Герц, Лондон, около 1947 года. E.844-1989

Урсула Штернберг-Герц

Урсула Штернберг-Герц была уважаемой художницей, которая много выставлялась в Европе и США. В 1940-х годах она подала заявку на участие в конкурсе в текстильную фирму Ascher в Лондоне, которая была известна своей работой с художниками по созданию узоров и дизайнов для шелковых шарфов и мебельной ткани.Она выиграла 3-е место, но проработала в Ascher Studio год и много лет внештатным дизайнером.

20) Этот нарисованный эскиз модно одетой женской фигуры украшает переднюю панель папки с рисунками для тканей и одежды Урсулы Штернберг Герц, первоначально представленной Ашеру в рамках конкурса. Эта смелая и красочная доска демонстрирует важность, которую дизайнер придавал общей презентации. Надписи выполнены акварелью и гласят: «Sender Ursula Sternberg-Hertz London 30 Ch.Де Бойсфорт Брюссель и Асер Вигмор-стрит в Лондоне ». Папка скреплена зеленой бархатной лентой.

1950-е годы

Пятидесятые годы, которые часто ассоциировались с подъемом молодежной моды прет-а-порте, были плодотворным и успешным десятилетием для модного «истеблишмента», воплощенным в модных домах и традиционных портнихах. Фэшн-иллюстрация продолжала процветать во множестве издававшихся в то время журналов.

Сигрид Хант

Сигрид Хант (позже Розен) была иллюстратором и редактором моды.Она приехала в Англию из Берлина в начале 1930-х годов и работала в престижных изданиях, включая Vogue, Tatler и The Sketch. С конца 1950-х по 1971 год она работала в Германии в компаниях Sudkurrier Welt der Frau и Die Mode.

Различные подготовительные этапы, показанные для обложки журнала Tatler от 5 мая 1954 года, иллюстрируют здесь хороший пример процесса и различных этапов журнальной иллюстрации.

Сигрид Хант, карандашный набросок, Великобритания, 1954 год. E.687-1986

Передняя обложка Tatler, оформленная Сигрид Хант, 5 мая 1954 г.Музей № E.684-1986

Сигрид Хант, цветной дизайн, Великобритания, 1954. Номер музея. E.685-1986

Жан Демарчи

Жан Демарчи (даты неизвестны) был иллюстратором моды 1950-х годов, который работал в мягкой пастели для создания романтических, абстрактных образов высокой моды. Возможно, такие иллюстрации больше соответствовали роскошному и женственному идеалу моды, чем фотография. Эти иллюстрации, особенно из коллекции Stiebel 1953 года, демонстрируют часть этой общей эстетики в том, как они передают мягкую, тактильную природу тканей.

Однако привилегированный статус модного рисунка быстро сошел на нет в 1950-е годы, и фотография вскоре стала более заметной в послевоенных журналах, которым требовались более резкие снимки.

21) Это изображение было нарисовано для Harper’s Bazaar примерно в 1955 году. На нем изображено гламурное вечернее платье от Christian Dior (1905–1957) с пышной юбкой и сложным бантом.

22) На этой иллюстрации изображено вечернее платье лондонского модельера Виктора Штибеля (1907–1976), нарисованное для Harper’s Bazaar в 1953 году.Штибель любил использовать смелые контрастные полоски в своем дизайне, а также обычно ссылался на исторические платья с объемными корзинами и сумками.

21) Жан Демарши, модная иллюстрация, Париж или Лондон, около 1955 года. E.685-1997

22) Жан Демарши, модная иллюстрация, Лондон, 1953. Номер музея. E.686-1997

1960-е

До конца 1950-х и 1960-х годов подростки должны были одеваться и вести себя так же, как их родители. Однако в «Swinging Sixties» возник новый молодежный рынок, поскольку подростки восстали против эстетики и ценностей поколения своих родителей и установили свои собственные тенденции в моде и музыке.

Среди прочего была представлена ​​мини-юбка, и мода считалась очень старомодной. Лондон, а не Париж, теперь был ведущим в моде, чему способствовали школы моды и колледжи города, которые создавали творческую среду для молодых и талантливых дизайнеров.

Мэри Куант

23) Мэри Куант (род. 1934), дизайнер одежды, Лондон, середина 1960-х. Музей № E.520-1975

Дочь учителей валлийских школ Мэри Квант (род. 1934) получила диплом в области художественного образования в Голдсмит-колледже в Лондоне.Там она познакомилась с Александром Планкетом Грином, который впоследствии стал ее деловым партнером и мужем. Поступив в ученичество к модистке, Квант начала шить себе одежду. На них повлияли битники из «Челси», которых она знала, и танцевальные костюмы, которые она помнила с детских уроков.

В 1955 году, когда «мода не была предназначена для молодежи», Куант открыл Bazaar, бутик на Кингс-роуд. Она изобрела привлекательные витрины, чтобы привлечь клиентов. Ее одежда была простой формы в сочетании с яркими цветами, такими как алый, чернослив и зеленый.Цены были низкими по сравнению с ценами от кутюр.

Известный популяризацией мини-юбок, в 1966 году Quant был удостоен награды OBE. В начале 1960-х годов ее изделия были куплены сетью магазинов J.C. Penney для массового производства для американского рынка. Лейбл Quant начал появляться во всем мире на аксессуарах и косметике.

23) Этот дизайн имеет свободный лиф, длинные узкие рукава и переднюю вертикальную молнию. Юбка очень короткая, оторочена по краю желтым цветом.Носятся колготки такого же цвета. Есть маленький детский воротник и очень узкий пояс с пряжкой спереди. Мини-юбки и платья были очень модной новой тенденцией в конце 1960-х годов и продолжались довольно долго после этого.

24) Этот смелый дизайн мини-платья цвета баклажана из замазки сделан с небольшим лифом liberty с прикрепленной к нему полной мини-юбкой. Верх платья имеет коровий вырез из желтого материала внутри, а снаружи — бежевый с желтым.

Имеется соответствующий головной платок, пояс и манжеты.Мини-юбки и платья были очень модной новой тенденцией в конце 1960-х годов и продолжались довольно долго после этого.

25) В этом дизайне Мэри Куант решила не обращать внимания на талию и добавила очень короткую юбку с оборками, прикрепленную к телу платья, создав эффект «мини». Рукава очень короткие и окаймлены красной кожей Glace kid. Основное платье выполнено из трикотажной шерсти розового цвета.

Воротник и передняя прорезь окаймлены такой же кожей Glace kid, что и рукава. Кожа имеет латунные проушины, позволяющие продеть ленту с шнурком для обуви.Мини-юбки и платья были очень модной новой тенденцией в конце 1960-х годов и продолжались довольно долго после этого.

24) Мэри Куант (род. 1934), дизайнер одежды, Лондон, середина 1960-х. Музей № E.525-1975

25) Мэри Куант (род. 1934), дизайнер одежды, Лондон, середина 1960-х. Музей № E.523-1975

1970-е

1970-е были десятилетием пионеров, когда мода превратилась в провозглашение индивидуальности. Одним из следствий этих изменений в одежде было то, что мода все в большей степени становилась предметом заботы как мужчин, так и женщин.

Модель «Manly Sweater», дизайн Патрика Колфилда для Ritva, Лондон, 1972 год. E.413-2005

Ритва и Патрик Колфилд

Трикотажная фирма Ritva была основана Майком и Ритвой Росс в 1966 году и производила революционную женскую одежду машинного трикотажа ярких цветов и облегающих форм. Они продавались в одних из самых модных универмагов и бутиков на Кингс-роуд, а с 1972 года — в собственном магазине Росс.

Новое направление в мужской трикотажной одежде появилось в 1969 году, когда Майк Росс разработал линию свитеров Ritva Man’s с аппликациями, вдохновленную бейсбольными рубашками (коллекция V&A включает прототип под номером Museum.Т.14-2000). Каждый свитер был уникальным, со своей расцветкой.

Это привело к созданию Коллекций художников 1971 и 1972 годов, когда Росс пригласил друзей художников, включая Дэвида Хокни и Элизабет Фринк, для создания «носимых произведений искусства».

Свитер «Manly Sweater» художника Патрика Колфилда (1936-2005) с аппликациями из кожи и трубкой trompe l’oeil — ироничная версия традиционной мужественности 1950-х годов. V&A также приобрело оригинальные рисунки Колфилда для свитера, и вместе они представляют собой необычный документ сотрудничества искусства и моды.

Этот рисунок на бумаге цветным карандашом содержит элемент коллажа. Один меньший лист бумаги с одним рисунком крепится к большему листу с дополнительными рисунками. На рисунках изображены различные варианты трубки и нагрудного кармана. На одном из рисунков нагрудного кармана также изображено изображение птицы. Несколько примечаний на черном карандаше, включая имя художника и титул «P C Manly sweater».

Патрик Колфилд (1936-2005) для Ritva, дизайн одежды Manly Sweater, Лондон, 1972.Музей № E.414-2005

Патрик Колфилд (1936-2005) для Ritva, «Manly Sweater», Лондон, 1972 год. T.18-2000

Джон Бейтс

Плодовитый и новаторский дизайнер, Джон Бейтс (род. 1938) часто использовал металлические, пластиковые и прозрачные ткани в своих творениях. Его, пожалуй, больше всего помнят как дизайнера гардероба Дайаны Ригг для телесериала «Мстители» в 1965 году.

26) Это шелковое платье 1978 года интересного дизайна с квадратными плечами, блузонным телом и пышной юбкой сложного кроя.На талии завязан пояс, а рукава имеют расклешенные манжеты, похожие на высокий воротник.

27) Этот дизайн 1974 года предназначен для длинного набивного кафтана с волнистым низом. Боковые стороны отделаны кисточками. Принт особенно красив и индивидуален, здесь можно увидеть детализацию стилизованных цветов и птиц. Это дополняется отстрочкой по краю вокруг кафтана. Экзотический элемент этого дизайна делает его особенно ярким.

26) Джон Бейтс (род. 1938), дизайнер одежды, Лондон, 1978.Музей № E.570-1975

27) Джон Бейтс (р. 1938), дизайнер одежды, Лондон, 1974. Номер музея. E.569-1975

Зандра Роудс

Выпускница Королевского художественного колледжа Зандра Роудс (род. 1940) прославилась своими принтами на шифоне и использованием ярких ярких цветов. Британские производители сочли ее дизайн слишком экстравагантным, и в 1969 году она открыла собственный магазин на Фулхэм-роуд в Лондоне. Экстравагантный внешний вид и стиль Родса часто привлекали широкую огласку.Ей приписывают то, что она представила моду в стиле панк индустрии моды своей коллекцией 1977 года под названием Punk Chic.

Зандра Роудс (род. 1940), дизайн шубы, Лондон, 1970-е. Музей № C.282-1974

Зандра Роудс (род. 1940), дизайн шубы, Лондон, 1970-е. Музей № C.286–1974.

Билл Гибб

28) Билл Гибб (1943-88), дизайнер одежды, Лондон, 1970. Номер музея. E.123-1978

Билл Гибб (1943–88) был модельером, чьи творения определили образ 1970-х годов.Он открыл свой бутик Alice Paul в Кенсингтоне в 1967 году. Он был спроектирован специально для молодежного рынка с чистыми линиями, несущими отпечаток современных тенденций. В 1970-е годы его стиль развивался в эклектических и романтических направлениях, вдохновленных сценой хиппи, средневековой живописью и живописью прерафаэлитов.

28) Это модный дизайн для длинной юбки со складками, блузки с длинными рукавами, кружевной куртки и шляпы-клош с двумя прикрепленными образцами ткани. Этот дизайн был показан в Vogue в 1970 году и в Sunday Times среди других журналов.Этот дизайн показывает, как используются разные шерстяные ткани с контрастным цветом и рисунком.

29) Жакет дизайн с беретом.

30) Это дизайн куртки с принтом из кожи и замши с капюшоном. Кажется, что на Узоры повлияли этнические узоры. В других дизайнах в конце 70-х годов начали использовать смесь разных тканей и цветов, например, кожа с шифоном). Этот дизайн является хорошим примером того, как в этот период кожа обрабатывалась более модным и красочным способом.

29) Билл Гибб (1943-88), дизайнер одежды, Лондон, 1976. E.127-1978

30) Билл Гибб (1943-88), дизайнер одежды, Лондон, 1976. E.128-1978.

1980-е

Возрастающее значение женщин на рабочем месте потребовало новой эстетики моды, и это десятилетие ознаменовалось появлением «Power Dressing». Широкие плечи с мягкой подкладкой стали модными, а женская одежда была вдохновлена ​​мужской модой и традициями пошива одежды. В этот период также была представлена ​​роскошная вечерняя одежда, примером которой являются роскошные платья Oscar de la Renta.

Олег Кассини

Олег Кассини (1913–2006) был известным американским модельером, который прекрасно одевал Джеки Кеннеди во время ее пребывания в Белом доме. Кассини также был прибыльный готовый к износу и лицензирования бизнеса с широким спектром фирменных аксессуаров и косметики.

Дизайн одежды, Олег Кассини, США, 1988. Номер музея. E.25-2000

Мода дизайн, Олег Кассини, США, 1988. Музей нет. E.24-2000

Билл Гибб

Билл Гибб (1943–88) был модельером, чьи творения определили образ 1970-х годов.Он открыл свой бутик Alice Paul в Кенсингтоне в 1967 году. Он был спроектирован специально для молодежного рынка с чистыми линиями, несущими отпечаток современных тенденций. В 1970-е годы его стиль развивался в эклектических и романтических направлениях, вдохновленных сценой хиппи, средневековой живописью и живописью прерафаэлитов. Его романтическая эстетика была менее успешной в 1980-е годы, и он представил свою последнюю полную коллекцию в 1985 году.

На рисунке внизу справа показан дизайн для поп-звезды Линси де Поль для ее выступления на Королевском варьете в 1986 году.Выполнена в цвете, черной тушью и фломастером. К этому времени бизнес Гибба разваливался, и этот проект может стать одним из его последних.

Дизайн одежды Билла Гибба, Лондон, 1986. Номер музея. E.522-1993

Эскиз костюма Билла Гибба, Лондон, 1986. Номер музея. E.523-1993

Антони и Элисон

Лондонский дизайнерский дуэт Антони и Элисон — это Антони Бураковски и Элисон Робертс. Они познакомились в 1982 году, когда изучали моду в колледже Святого Мартина.Они известны своим эклектичным и игривым дизайном, в том числе множеством лозунгов и футболок в вакуумной упаковке.

Антони и Элисон, дизайнер одежды, Лондон, конец 1980-х. Музей № E.679.2-1997

Антони и Элисон, дизайнер одежды, Лондон, конец 1980-х. Музей № E.680.2-1997

Антони и Элисон, дизайнер одежды, Лондон, конец 1980-х. Музей № E.679.2-1997

Маноло Бланик

Маноло Бланик (р. 1942) — один из самых известных и успешных дизайнеров обуви своего времени.Его творения были увековечены в эпизодах сериала «Секс в большом городе», а его имя теперь стало синонимом роскошной обуви с изысканным дизайном. За заслуги перед британской индустрией моды он был удостоен почетного звания главнокомандующего Британской империи в списке награжденных королевой 2007 года по случаю дня рождения.

Эти модели предназначены для женской обуви, возможно производство Zapata Shoes Ltd, Лондон, 1980.

Маноло Бланик (род. 1942), дизайн обуви, Великобритания, 1980. Номер музея.E.1334-1979

Маноло Бланик (р. 1942), дизайн обуви, Великобритания, 1980 г. E.1331-1979

Маноло Бланик (р. 1942), дизайн обуви, Великобритания, 1980 г. E.1332-1979

Руководство по модной иллюстрации для новичков

2. Выберите тему.

Для Кармана «выбор чего-то странного, необычного или интересного — всегда хорошо, потому что, если это известный классический предмет (как женщина на картине Лестера), он не будет столь убедительным, как то, чего люди раньше не видели.«И если вы хотите, чтобы ваша иллюстрация выглядела без усилий, сделайте ее простой. «Тема не должна быть слишком сложной», — советует Карман. «Я считаю, что лично мне не нравится, когда в пьесе много чего происходит. Простота сильнее ». Женская фигура в изумительной шляпе, обувь со сложной вышивкой или фактурная футболка — все это может стать началом чего-то прекрасного.

3. Изучите пропорции тела.

В модной иллюстрации фигура, которую вы рисуете, обычно делится по размеру головы.«Общий рост взрослого человека в среднем составляет от 7 до 8 длин головы. Модные модели в среднем имеют рост от 8 до 9 голов. Иллюстрации с модными фигурами еще больше преувеличивают это, используя от 9 до 10 голов, даже доходя до 11 голов для очень преувеличенных стилей », — говорит Хонг. В истории моды фигура с 10 головами была стандартной удлиненной фигурой для женских фигур. Но Хун подтверждает, что есть место и для нарушения традиций: «Мы определенно начинаем использовать разные типы телосложения.Пропорция 8½ головы — более реалистичная длина тела, и в наши дни она выглядит намного современнее ».

4. Примите позу.

Думайте об позе своей фигуры как об основе вашего дизайнерского рисунка. Он определяет, как одежда будет свисать с формы, оживляя различные ткани и силуэты. Сначала поиграйте с кривыми и другими геометрическими фигурами, чтобы создать элементы тела, затем потренируйтесь рисовать разные позы, чтобы увидеть, какие из них наиболее реалистично передают внешний вид вашего персонажа.

5. Нарисуйте одежду.

Представьте, как одежда будет выглядеть на вашей фигуре, — это дает возможность безудержно творчески. «Если я решу сделать предмет одежды центром моего творчества, он, как правило, будет иметь интересные пропорции или красивую цветовую комбинацию. Это то, что я могу представить, как воплощаю на бумаге, например, изображаю перья определенным мазком кисти или снимаю шифоновый материал с помощью легкой смывки краски, — говорит Карман.Всегда помните о ткани, которую вы демонстрируете, и оставайтесь верными ее текстуре и рисунку, чтобы ваша модная иллюстрация выглядела реалистично.

Иллюстраторы часто используют разные материалы для рисования, чтобы вызвать определенное настроение. «Цель состоит в том, чтобы привнести энергию, поток или индивидуальность, которые, возможно, не были частью первоначального видения дизайнеров», — говорит Карман. Внесите свою чувственность в свою модную иллюстрацию, используя карандаш, уголь и краски по отдельности или в смеси.

5 обязательных модных иллюстраторов в Instagram

Алекс Ким весь день работает в Anthropologie, затем приходит домой и рисует, сидя на диване, в своей кровати или в любом другом месте, по крайней мере, за несколько минут до этого. засыпать. У 23-летней девушки скромная обстановка дома в Индианаполисе, но когда она публикует свои творения в Instagram, она привлекает внимание тысяч подписчиков, в том числе Джо Джонаса, Уитни Порт, Даниэль Бернштейн, Джереми Лин, и ее абсолютный фаворит, Gigi Hadid.

Ким — внештатный иллюстратор моды, одна из многих, кто использует социальные сети, чтобы возродить забытое искусство, благодаря которому модная фотография становится популярной. Фотография никуда не денется — невозможно представить мир без показа слайдов с подиумов и снимков в уличном стиле (как еще мы, смертные, могли бы получить представление о комбинезоне-кюлоте?). Но модная иллюстрация — постоянно растущая сила, с лидерами как Дэвид Даунтон и Дональд Робертсон — берет Тейлор Свифт и ее команду «Плохая кровь» и превращает их в мультяшные иконки, узнаваемые по их фирменному внешнему виду.Он переосмысливает пару Лабутенов как мистические объекты. Иллюстрация позволяет моде говорить сама за себя; он вдыхает новую жизнь в знакомые формы.

Между тем Instagram — это питательная среда для голодных и питательная среда для творческих людей. «Раньше вам приходилось искать людей, которые принимают решения о том, кто имеет отношение к делу или кто достоин иметь аудиторию», — говорит Кэти Роджерс, художник Paper Fashion, сотрудничавший с Armani, Cartier, Saks Fifth. Авеню, Дисней, American Express и многие другие.«Но теперь люди могут взять эту возможность в свои руки. Это такая предпринимательская вещь, но она также открывает множество возможностей для творчества «.

Некоторые из самых талантливых и самых известных иллюстраторов моды — это, например, Миган Моррисон, выпускница Технологического института моды, чей бренд Travel Write Draw ведет полный рабочий день, отправляя ее в художественные приключения по всему миру в Россию. , Пуэрто-Рико, Франция, Марокко и другие страны. А есть такие, как Ким: художники-лунники, которые исследуют, творят и делятся своим хобби в нерабочее время.Как профессионалы, так и любители набирают сотни тысяч последователей, что почти не уступает их знаменитым предметам.

«Один крайний плюс — это воздействие», — говорит Ким о своей подающей надежде знаменитости. Ее кормят крошечные подписанные татуировками «It Girls» в изобилии: Тейлор, Кендалл, Кьяра, Кайли, Кара, Карли, Рози, Ванесса, Лили, Крисси, Джейми, Белла, Джиджи. «Тысячи глаз смотрят на свое искусство в одиночку».

Здесь представлены пять иллюстраторов моды, которые доказывают, что кисть может светить ярче, чем фотоаппарат.(PSA: вы захотите следить за этими художниками во время Недели моды.)

Псевдоним: akimdesigns

Домашняя база: Индианаполис, Индиана

Instagram: @akimdesigns

Подписчики: 15,5K

Разное Блейк Лайвли смотрит.

«Я всегда просматриваю Instagram, смотрю, что нравится другим людям, и смотрю, смогу ли я это изобразить», — говорит Ким. «Мне нравится делать акцент на моде и одежде, и делать так, чтобы люди уже знали, кто это, без лица.»

Команда Тейлор Свифт.

Создание портретов в стиле акварели и маркера в Illustrator

Предварительный просмотр

Ресурсы

• Портрет Лилиан Бертрам (Creative Commons Share Alike — используется здесь с разрешения)

Шаг 1. Настройте документ Illustrator

Начните с печатного документа 8,5 x 11 ″ . Обязательно измените цветовое пространство на RGB .

Шаг 2: Импортируйте контрольную фотографию

Импортируйте фотографию, которую вы будете использовать в качестве ссылки (Файл> Поместить).В этом уроке я использовал портрет Лилиан Бертрам.

При необходимости увеличьте или уменьшите размер — попробуйте подогнать его под размер артборда.

Не беспокойтесь о разрешении или пикселизации изображения, поскольку эталонная фотография является только ориентиром. Однако чем лучше качество изображения, тем больше деталей нужно использовать.

Поскольку изображение будет импортировано в первый слой, назовите его « Photo Reference », используя панель «Слои».

Ваша рабочая зона должна выглядеть так:

Шаг 3. Настройте рабочее место

Вам нужно перейти на панель Layers и создать еще два слоя.Назовите их « Outlines » и « Fill Lines ».

Идем дальше и выбираем эталонную фотографию на холсте.

Выделив фотографию, перейдите на панель «Прозрачность» («Окно»> «Прозрачность») и уменьшите прозрачность фотографии от 50% до 70%. — достаточно, чтобы вы все еще видели функции, но не настолько, чтобы затруднять рабочий процесс трассировки. .

Теперь перейдите на панель «Слои» и заблокируйте слой с эталонной фотографией, чтобы случайно не переместить его.

Также может помочь выбор предустановки рабочего пространства для Рисование (Окно> Рабочее пространство> Рисование), чтобы настроить начальное рабочее пространство и размещение панелей, которые подходят для того, что вы будете делать.

Шаг 4: Настройка кисти

Прежде чем начать, перейдите на панель «Оформление» («Окно»> «Оформление»), чтобы отобразить панель «Оформление».

Щелкните настройки (вверху слева) и в раскрывающемся меню убедитесь, что флажок New Art Has basic Appearance снят.

Затем вы можете закрыть панель «Оформление».

Теперь дважды щелкните инструмент Paintbrush Tool (B) на панели инструментов, чтобы открыть диалоговое окно параметров кисти.

Убедитесь, что у Keep Selected и Edit Selected Paths не установлен флажок, поскольку они могут препятствовать естественному процессу рисования. Установите более низкое значение для параметра Smoothness, если вы уверены в своих рисованных мазках, или более высокое значение, если вам кажется, что у вас трясется рука или вам нужны более прямые и плавные линии.Я обычно держу опцию Fidelity около 4 или 5 .

Перейдите на панель «Кисти», выберите обводку 1pt, и дважды щелкните 2 pt. Кисть овальная по умолчанию. (При желании вы можете переименовать кисть, чтобы сделать ее своей.)

Вы можете настроить параметры таким образом, чтобы они реагировали на давление и наклон планшета, а также сделали его более похожим на маркер с плоским наконечником в каллиграфическом стиле.

Если у вас нет планшета — не волнуйтесь — вы все равно можете отрегулировать головку кисти и добавить немного случайности к изменчивости мазка.Эти настройки сделают маркер более реалистичным.

Обязательно нарисуйте немного на пустом участке холста на слое «Outlines», пока ваша кисть не будет выглядеть так, как вы хотите.

Шаг 5: Начальное отслеживание

Выберите инструмент «Кисть» (B) и перейдите в область выбора цвета на панели инструментов. Убедитесь, что на кисти нет заливки, и выберите черный с серым оттенком для обводки — вы не хотите использовать 100% черный, если хотите более естественный вид.

Увеличьте масштаб холста, с которого хотите начать работу. Лично мне нравится работать от глаз наружу, но я также считаю, что не менее полезно работать с быстрым контуром вокруг всего лица и работать внутрь. Что вы хотите сделать, так это использовать короткие мазки кистью линий в аналогичном направлении. Вы хотите определить самые темные области фотографии или области с наибольшим контрастом. Для получения более толстых областей четкости используйте давление планшета. Вы захотите заштриховать штриховкой или диагональными линиями, чтобы обозначить области, которые являются полутонами.

Это ваш шанс поэкспериментировать и стилистически поэкспериментировать. Вы можете изменить способ отображения кисти, вернувшись на панель «Кисти» и изменив ранее созданные настройки. У вас будет возможность применить ваши изменения ко всем вашим мазкам, если вы измените ту же кисть, которую использовали для нанесения всех ваших предыдущих отметок.

Периодически скрывайте слой «Photo Reference», чтобы видеть, как ваша композиция выделяется сама по себе.

В какой-то момент вы захотите полностью отказаться от использования эталона, когда у вас будет достаточно ключевых функций, и сосредоточиться на стилизации портрета с вашими собственными отметками и эстетикой.

Шаг 6: Добавьте контраст

Теперь, когда ваши базовые контуры расположены по порядку, вы добавите к детали линии заливки для большего контраста и визуального сближения.

Выберите слой «Линии заливки». Перейдите на панель «Обводка» и выберите обводку между 3pt и 4pt .

Теперь пройдитесь по внешним краям и любым областям, где вы хотите выделить контраст. Это также придаст ему более городской / граффити / маркерный вид.

Шаг 7: Настройка детали

Вы также можете использовать инструмент «Ластик» (Shift + E), чтобы органично удалить ненужные отметки.

Помните, что все ваши штрихи — это просто контуры, поэтому вы всегда можете тянуть и корректировать кривые с помощью инструмента «Перо» (P) и инструмента «Преобразовать опорную точку» (Shift + C), чтобы внести коррективы.

Кроме того, вы можете использовать инструмент Group Selection Tool (белая стрелка со знаком «плюс»), чтобы выбирать и редактировать области линий путем масштабирования, перемещения или поворота по своему усмотрению.

Шаг 8: Перед тем, как начать раскрашивать

Поскольку вы хотите добиться более мягкого и многослойного вида с цветами, вы будете использовать многослойную заливку Pencil Tool (N) с пониженной прозрачностью. Для начала создайте новый слой под слоями «Заливка» и «Контур». Назовите его « Color » и заблокируйте все остальные слои, кроме этого слоя. Также не забудьте скрыть слой «Photo Reference».

Шаг 9: Настройте Pencil Tool

Дважды щелкните значок инструмента «Карандаш» на панели инструментов и настройте параметры следующим образом:

• Проверить Залить новые карандашные штрихи
• Снять отметку Сохранить выделение
• Снимите флажок Редактировать выбранные контуры

Перейдите в область выбора цвета на панели инструментов и замените цвет обводки цветом заливки, чтобы цвет обводки не оставался.

Дважды щелкните цвет заливки и выберите цвет телесного тона, который находится на более светлом конце от желтого до красного оттенка.

Затем перейдите в Window> Transparency, чтобы выбрать между 15% и 20% непрозрачностью для ваших заливок.

Проверьте свой цвет и прозрачность, нарисовав несколько перекрывающихся кругов, и посмотрите, как накапливается цветовая заливка. Если новые заливки не отображаются как прозрачные или с неправильным цветом, проверьте свои настройки, а также убедитесь, что на вашей панели «Оформление» не выбран параметр «Новое изображение с базовым оформлением» .

Шаг 10: Раскраска вашего портрета

Начните с оттенков кожи лица. Нарисуйте перекрывающиеся формы, которые очерчивают и дополняют ваши линии с помощью Pencil Tool (N).

Над более темными и затемненными участками обязательно нарисуйте цвет. Также выберите более темные оттенки в пределах того же оттенка, чтобы добавить больше контраста и теней.

Для кожи: я обычно работаю с желтыми, оранжевыми и красными. Используйте градиент для больших областей с переходом от светлого к темному и строите поверх них.Убедитесь, что ваши блики — это просто области с меньшим количеством цвета.

Если вам нужно усилить блики, нарисуйте прозрачные белые фигуры над этими областями. Держите легкую руку и рисуйте быстрые многослойные формы с меньшей непрозрачностью — это помогает сохранить акварельный и многослойный вид иллюстрации.

Также нарисуйте немного за пределами линий — в этом процессе несовершенство — наш друг.

Поскольку вы будете рисовать неправильные формы с помощью Pencil Tool (N), вы можете заметить острые края и незамкнутые контуры.Чтобы закрыть пути, удерживайте клавишу Option / Alt сразу после того, как вы начнете рисовать путь, и непосредственно перед тем, как закончить его. Это завершит любую форму, которую вы рисуете. Нестандартные формы и острые края — это нормально; вы всегда можете отредактировать их в любой момент с помощью инструмента «Ластик» или инструментов редактирования точек.

Раскрасьте остальную часть портрета, используя цвета, которые вы сочтете наиболее подходящими. Рекомендуется использовать инструмент «Пипетка» (I) и выбрать цветовую палитру из другой фотографии, которая может показаться вам эстетически приятной для пользователя.

Я также рекомендую использовать контрастные цвета, чтобы добавить немного интереса, например, круглые формы с синеватыми тенями на желтых и оранжевых участках кожи или маленькие капли более глубокого красного на синих или зеленых тонах. Они добавляют немного сложности и глубины.

Шаг 11: Завершение портрета

На этом этапе вы должны быть близки к завершению портрета. Импровизируйте, добавляйте изюминки, текст и отклоняйтесь в сторону использования собственной техники и стиля для улучшения своей иллюстрации.

Вы также можете перенести свою иллюстрацию в Adobe Photoshop для добавления эффектов, управления цветом и текстуры.

Заключение

В этом уроке вы ознакомились с некоторыми приемами использования мощного набора инструментов рисования и иллюстрации Adobe Illustrator. Мы также рассмотрели способы настройки вашего рабочего пространства для создания иллюстраций в стиле акварели и маркера. Надеюсь, вам понравился мой урок, и вы почерпнули что-то полезное для веб-дизайна, прочитав его. Вот последний кусок.Покажите нам свои работы в групповом пуле Flickr.

Скачать исходные файлы

7 иллюстраторов рисуют свои любимые образы от кутюр для Vogue

Это было 88 лет назад, в июле 1932 года, когда цветное фото впервые появилось на обложке Vogue. № На нем изображена женщина в купальном костюме, держащая мяч, и в своей графической простоте он был чем-то вроде иллюстративного. Это был переломный момент для все еще молодой среды модной фотографии, но также и для модной иллюстрации, которая так долго была языком моды.Для ясности: Vogue использовал фотографии до этого времени и продолжит использовать иллюстрации после него, но динамика власти безвозвратно изменилась. Казалось, технология восторжествовала.

Иллюстрация, конечно, никуда не делась, но, как и в случае с модой, ее сфера сузилась и стала более специализированной. Оба изделия повышают уровень ручной работы и индивидуальности, которую она приносит. Чувство близости, вызванное ручной работой, которую демонстрирует иллюстрация, стало еще более желанным, поскольку мы были изолированы друг от друга во время пандемии.

Здесь мы отдаем дань уважения искусству иллюстрации, создав рисунки образов, отобранные из архива Vogue Runway семью художниками. Так они видят кутюр.

Первый член резиденции Кехинде Уайли Блэк Рок Сенегал, Грейс Линн Хейнс, калифорнийка из Нью-Джерси, прежде чем переключить свое внимание на живопись, изучала иллюстрацию. Беря в качестве своей темы «сложные темы и стереотипы, окружающие черных женщин и женственность», картины Хейнс отличаются контрастом ярких цветов с мощно плоскими и графическими силуэтами черной краски, «сформированными, — говорит она, — чтобы изображать черные женские тела.В моей работе, продолжает она, «черный цвет выглядит вдохновляющим, достойным и возвышенным».

Работа в процессе

«Для этого проекта я выбрала показ Valentino осень 2019 года. Эта выставка запомнилась мне, потому что она установила новый шаблон для коллекций с сознанием. Пьерпаоло Пиччоли из Valentino решил показать несколько моделей Black, бросив вызов традиционному стереотипу модели Black.Его послание об инклюзивности находит отклик в мире, в котором наши лидеры, похоже, стремятся продвигать изоляционизм, инакомыслие и страх. Пиччоли сказала: «Единственный способ оживить моду сегодня — это принять различные женские идентичности и культуры». Я твердо придерживаюсь этого мнения. В нашем нынешнем политическом климате я считаю важным продемонстрировать черную женскую фигуру не только сильной, но и возвышенной и сильной, но в то же время божественной ».

В линии Джеки Маршалла, кажется, есть молния; есть позитивная энергия, которая пульсирует в ее цветных рисунках и коллажах.По образованию дизайнер, эта британка знает моду наизнанку и любит ее, о чем ясно свидетельствуют ее рисунки.

Lotka Lakwijk в Maison Margiela, весна 2020 от кутюр

Незавершенное производство

«Мне нравится эта коллекция Margiela, каждый раз, когда я смотрю на нее, я вижу что-то новое. Особенность этой коллекции в том, что для меня, получив образование как дизайнера, а не как художника, я хотел бы создать такую ​​вещь сам.Мне нравится деконструктивная сторона вещей, мне нравятся силуэты; цвета потрясающие.

Я начал экспериментировать со всем, что было вокруг меня, и коллажировать. Я буквально только что это сделал; Я просто плыл по течению. У меня есть идея, но я никогда не узнаю, пока не начну. Я не подхожу ко всему одинаково, мои линии не одинаковы для каждого дизайнера, которого я рисую. [Для этого рисунка] Я играл со слоями. Я вручную распечатываю свою бумагу для использования, и у меня получился похожий цвет, но он также был покрыт слоями цветов за ним.Когда я купил газету, они пронумеровали ее, и она мне понравилась, поэтому я оставил ее ».

Джеймс Томас обладает даром наполнять абстрактные силуэты и этюды фигур воздушной поэзией. Художник из Лондона, Нью-Йорка, креативный директор в моде на протяжении многих лет, создает крупномасштабные коллажи, вырезанные из бумаги, в которых цветные блоки синкопированы с медитативным белым пространством.

Шалом Харлоу в Givenchy от Джона Гальяно, осень 1996 г. от кутюр

Шалом Харлоу в Givenchy от Джона Гальяно, осень 1996 г. couture

«Я был вдохновлен проиллюстрировать один из моих любимых образов от кутюр от Givenchy осени 1996 года, потому что он выражает ясное повествование, грандиозную концепцию и щедрость духа — отличительные черты высокой моды.

Я создал эту иллюстрацию, построив холст в натуральную величину на световом коробе, на который я наложил коллаж на ацетатной бумаге на трех поверхностях стекла, чтобы создать глубину и тень ».

Шанель, от кутюр весна 2004

В работе Сары Сингх есть текучесть, которую она поддерживает, терпеливо накладывая ее, пока чернила, а мазки — на компьютере. Эта влажная линия более выразительна, чем точна, и Сингх, пересаженная шведка, использует ее, чтобы делать драматические заявления, которые не погружаются в детали, а напрямую затрагивают суть ее сюжетов.

Alek Wek в Chanel, весна 2004 от кутюр

«Я выбрала это платье, потому что оно выглядело пушистым и защищающим, и его носил Алек Век. У нее свой внешний вид, естественный вид — у нее нет выпрямленных волос — у нее своя красота. И она должна была надеть свадебное платье, и она была Черной, что было необычно для того времени. Я просто подумал, что это такой сильный образ.

Рисунок пером, тушью и смывкой, а затем я сканирую все рисунки и накладываю их в Photoshop.»

Christian Dior, весна 2005 г. от кутюр

На первый взгляд, рисунки Фриды Ваннербергер с изображением женщин могут показаться плавными, похожими на бумажную куклу; но посмотрите внимательнее и прочтите названия работ, и станет ясно, что это женщины, а не девушки, не игрушки, и что они используют моду, чтобы ориентироваться в своих сложных мирах. И, как и Ваннербергер, шведка из Лондона, ее женщины склонны к пышным рукавам.

Рэйчел Кирби в Christian Dior, весна 2005 от кутюр

«Я очарован тем, как платье было и продолжает быть связано с историей и тем, как мы развиваемся как общество [с точки зрения] идентичности, власти и соблазнения.[Когда я был] рос в середине 2000-х, показы от кутюр были вершиной постановочных повествований — я был очарован тем, как много мелких деталей (взгляда) работали вместе, чтобы создать образ (образ), который играет роль более широкое повествование (шоу, рекламные кампании, редакционные статьи).

Джон Гальяно и его траектория в Сент-Мартинс были причиной, по которой я хотел учиться в CSM, так что в основном благодаря этой коллекции — и тщательному изучению Библии с дополнениями к взлетно-посадочной полосе 2003–2006 годов — я нахожусь в Лондоне! Я решил подойти к деталям здесь весьма избирательно, сосредоточив внимание на головном уборе, украшении лица через украшения и ожерелье.Изысканная пышная юбка истекает кровью.

Рэйчел Кирби в Christian Dior, весна 2005 от кутюр

Я работала тонким линером на акварельной бумаге 300 GSM. Это необычный размер, он образовался из остатков бумаги от заказанного проекта. Я привык к размеру и с удовольствием работаю с кадрированием / размещением тела на бумаге. Я всегда начинаю с глаз, затем с остальной части лица и позволяю им направлять меня вместе с остальной частью фигуры.Мне нравится просто работать с линиями; для меня это очень медитативно. Иногда я набрасываю линии индикации для различных вариантов углов тела, но мне нравится быть уверенным с маркером и смотреть, куда он меня ведет ».

Эмина Кунмулай в платье от кутюр Жан-Поль Готье, весна 2010

В своих быстрых набросках Крис Гамбрелл умеет передать характер с помощью мельчайших жестов.Его законченные работы — это капризные этюды цвета и фактуры. Попав «на глаза» в архивах Vogue Runway из своего родного города Бристоль, Англия, он сократил 50 вариантов до одного.

«Я нарисовал образ 12 из весенней коллекции от кутюр 2010 Жана Поля Готье, потому что его драматизм и красота требовали передачи чернильных текстур. Этот образ выделялся для меня своей сбалансированностью и неуравновешенностью; вес широкой плечевой части с заостренными эполетами в виде бахромы, встречающимися с удлинениями шляпы, и все, что наклоняется и раскачивается в одну сторону, вы можете почувствовать движение.Как облако на переливающемся горизонте или Икар, встречающийся со стихиями, драма привлекла меня.

Как и во всем, что я рисую, сюжет выбирает сам, темный текстурный фон, выполненный чернильной акварелью, отбрасывает защищенные белые области вперед с отметками восковых мелков — ода кутюрной природе ручной работы ».

Christian Lacroix, весна 1988 от кутюр

Katoucha Niane в картине Christian Lacroix, весна 1988 г. От кутюр

Мэри Б., которая живет в Амстердаме, использует цветные карандаши и масляную пастель для своих портретов и модных рисунков. В некоторых ее работах есть захватывающая неловкость, которая для этого зрителя вызывает в памяти незабываемый топот, который Леон Дам продемонстрировал на подиуме в Маржеле, и который был так захватывающим. Совершенство может отталкивать, несовершенство манит человека.

«Что мне нравится в моде, так это мастерство и преданность материалам и тканям. Я хотел запечатлеть это ощущение и уловить текстуры и принты в своих рисунках.Для меня важно, чтобы рисунок «жил» и дышал. Было весело нарисовать это платье от кутюр от Lacroix; это действительно положительно повлияло на меня! Я использовала цветные карандаши и выбрала этот [ансамбль] с весны 1988 года, потому что он по-прежнему очень впечатляет после стольких лет. Это одновременно шикарно и круто, с яркими цветами и красивым дизайном ».

Модных иллюстраций: 10 известных иллюстраторов моды

СВЯЗАННЫЕ С: Этичные модные бренды, от которых вы можете чувствовать себя хорошо

Что такое модная иллюстрация?

Модная иллюстрация — это искусство рисования, раскрашивания или зарисовки модных концепций, идей, нарядов или фигур индустрии.Их можно использовать для «визуализации» одежды до того, как она будет произведена, или для маркетинга бренда или линейки продуктов. Модная иллюстрация также была популярным выбором для обложек журналов — то есть до тех пор, пока модная фотография не стала отраслевым стандартом.

Модные эскизы представлены в различных средах. Иллюстраторы могут использовать традиционные инструменты, такие как тушь, маркер, гуашь и акварель, для создания своего искусства. Цифровая иллюстрация также невероятно популярна благодаря появлению Photoshop, Illustrator и другого программного обеспечения для творчества.

В отличие от модной фотографии, которая представляет собой реалистичное и точное воспроизведение модели или наряда, модная иллюстрация является более стилистической формой модной коммуникации. У каждого художника есть собственное уникальное видение и эстетика, что приводит к широкому диапазону взглядов и стилей.

Getty

Какие бренды известны своими модными рисунками?

Даже в 2019 году множество брендов все еще используют модную иллюстрацию, чтобы продвигать новые линии одежды или просто выделяться среди своих конкурентов.Dolce & Gabbana, Tiffany & Co и Коко Шанель — это лишь некоторые из имен, которые активно использовали модную иллюстрацию в последнее десятилетие.

Знаменитые иллюстраторы в области дизайна одежды на протяжении всей истории

Пауль Ирибе (1883-1935)

Карл Эриксон (1891-1958)

Рене Грау (1909-2004)

Энди Уорхол (1928-1987)

Антонио Лопес (1943-1987)

Лучшие иллюстраторы моды со всего мира

Керри Хесс

Возраст: 39

Страна: Австралия

Наиболее известна: Ее работа с Louis Vuitton и Vogue

С которыми работали бренды: Cartier, Tiffany & Co, Cartier, Lancome, Louis Vuitton, Net-a-Porter

Instagram: @kerriehessillustration

Посетите веб-сайт Керри Хесс здесь.

Меган Хесс

Возраст: 40

Страна: Австралия

Самая известная за: Работа над иллюстрациями к книгам «Секс в большом городе»

Работали бренды: Dior, Louis Vuitton, Jimmy Choo, Givenchy, Tiffany & Co, Balmain, Valentino, Prada

Instagram: @meganhess_official

Посетите веб-сайт Меган Хесс здесь.

Холли Николс

Возраст: 28

Страна: США

Самый известный: Ее популярный аккаунт в Instagram

Работающие бренды: TRESemme, Disney, Nordstrom, Saks

Instagram: @hnicholsillustration

Посетите веб-сайт Холли Николс здесь.

Джейсон Брукс

Возраст: 50

Страна: Англия

Наиболее известен за: Его культовое искусство для звукозаписывающей компании Ministry of Sound Hedkandi

Работали бренды: Chanel, L’Oreal, Cartier, Vogue

Instagram: @jasonbrooksart

Посетите веб-сайт Джейсона Брукса здесь.

Солей Игнасио

Возраст: 30

Страна: Филиппины

Наиболее известна: Сотрудничество с Forever 21

Работающие бренды: BYS, Forever 21, TRESemme, Aldo,

Instagram: @choleil

Посетите веб-сайт Солей Игнасио здесь.

Гретхен Рёрс

Возраст: 30

Страна: США

Наиболее известна: Серия «Съедобный ансамбль»

Бренды, с которыми работали: Whole Foods, Harper’s Bazaar, The New York Times

Instagram: @groehrs

Посетите веб-сайт Гретхен Рёрс здесь.

Шон Райан

Возраст: 33

Страна: Англия

Наиболее известен: Его серия «Плохо нарисованные модели»

Работающие бренды: Armani, Calvin Klein, Selfridges, Missguided

Instagram: @badlydrawnmodels

Посетите веб-сайт Шона Райана здесь.

Блэр Брайтенштейн

Возраст: 29

Страна: США

Самое известное благодаря: Her Fresh Soy Face Cleanser design

Бренды, с которыми работали: Saks Fifth Avenue, Oscar de la Renta, Louis Vuitton, Alexander McQueen, Prada, Chanel

Instagram: @blairz

Посетите веб-сайт Блэра Брайтенштейна здесь.

ДжэСук Ким

Возраст: 32

Страна: Южная Корея / Австралия

Наиболее известен: Девочки его «Susu»

Работающие бренды: Cartier, Dolce & Gabbana, Bulgari, Bloomingdales

Instagram: @jaesukkim

Посетите веб-сайт Джезука Кима здесь.

Дональд Робертсон

Возраст: 57

Страна: Канада

Самая известная за: Запуск американской версии Marie Claire

Работали бренды: MAC, Bobbi Brown, Cosmopolitan, Glamour

Instagram: @drawbertson

Посетите веб-сайт Дональда Робертсона здесь.

Букварь для начинающих по модной иллюстрации

От австралийских сестер Хесс до канадца Дональда Робертсона — иллюстраторы моды имеют разное происхождение и стили. Иллюстраторы в этом списке — лишь верхушка айсберга — сегодня в индустрии моды работает множество талантливых художников!

СВЯЗАННЫЙ: Назад в 60-е: как последние новости мужской моды ссылаются на ретро-крутость