Абстрактные натюрморты: Абстрактный натюрморт с цветами в вазе и фруктами акрилом

Абстрактный натюрморт с цветами в вазе и фруктами акрилом

Эта вроде бы абстрактная картина — натюрморт с цветами в вазе и лежащими на столе фруктами — манго, яблоками, произвела на меня такое впечатление, что я решила попробовать повторить ее для себя акрилом.

Как я это делала и что из этого получилось — читайте дальше. Учтите, что рисовать я не умею, зато люблю работать с красками, создавать красивое. Если в этом мы с вами похожи, то эта статья для вас.

Натюрморт цветы и фрукты

Это найденная мною в сети фотография — абстрактный натюрморт с цветами в виде букета в вазе и фруктами на столе.

Понравилась яркостью, свежестью красок, удачной композицией, а также простотой и контурностью схемы.

Последнее для тех, кто не очень умеет рисовать, но хочет создать своими руками для интерьера картину, пожалуй, самое главное.

Цветы, даже так просто нарисованные, будут выглядеть очень декоративно.

Трафарет натюрморта с цветами для распечатывания

Далее был сделан цифровой трафарет натюрморта с помощью фильтров фотошопа. Не помню точно, чем пользовалась, но кажется выделением краев, а потом переводом черно-белый. Особая аккуратность тут не нужна, такого рисунка вполне достаточно, чтобы перевести его на холст, используя как готовый шаблон. Отчетливо видны очертания цветов, вазы, всех деталей, а больше ничего и не требуется.

Да, моя картина гораздо больше размера А4, так было задумано в самом начале, поэтому я увеличила то, что у меня получилось, до нужных мне размеров, а потом разрезала на две части, чтобы отдельно распечатать их на принтере. Ниже вы видите сначала верхнюю, а потом нижнюю детали общей схемы рисунка.

Чтобы ничего не перепутать и точно совместить два листа, я поставила в месте соединения три жирных черных кружочка. Их вы увидите, если внимательно рассмотрите нижние фотографии. На них удобно ориентироваться, когда соединяешь их вместе, чтобы не перепутались линии соединения цветов, лепестков и т.д. Обычно я склеиваю детали скотчем с обратной стороны.

Нижние две контурные схемы, составляющие вместе натюрморт, можно увеличить, скопировать и распечатать — пользуйтесь на здоровье, кому нужно.

Вот собственно основные контуры натюрморта, что у меня в итоге получилось. Деревянную раму я сделала сама, из каких-то деревяшек типа плинтусов, она не слишком хорошо получилась, решила не выставлять на всеобщее обозрение, обрезала ее на фотографии. Пока что переделать или купить новую я так и не собралась.

Как нарисовать натюрморт для начинающих

Акриловые краски, как известно, очень быстро сохнут на полотне. С одной стороны это плюс, а с другой минус — не получаются красивые плавные переходы цвета, как в масляной живописи. Зато для таких абстрактных интерьерных работ, как эта, с четкими контурными границами, этот материал подходит как нельзя лучше.

Можете для натюрморта (как, впрочем, и для других жанров живописи) воспользоваться любыми трафаретами, для витражной росписи, мозаики — все подойдет. Если деталей на трафарете много, а цветной картинки у вас нет, то советую поэкспериментировать в Photoshop-е или любом другом самом простеньком графическом редакторе, чтобы создать цветной эскиз, по нему гораздо удобней будет работать. Желательно, чтобы один элемент не граничил с другими, имеющими такой же или близкий оттенок, а на компьютере просто это изменить — сделать «заливку». По проработанному шаблону рисовать будет легче — смотрите на образец и выбираете соответствующий акрил.

Посмотрите на лепестки цветов — все они разные по цветовой гамме, если они все будут одинаковые, то рисунок будет выглядеть плоским, неинтересным.

Помните, когда вы были ребенком, то возможно, с удовольствием раскрашивали картинки в специальных книжках-раскрасках. Здесь в нашем натюрморте — то же самое. Вы справитесь! А если сомневаетесь, то позовите на помощь ваших детей. 🙂

Вас может заинтересовать:

Роспись стен натюрмортами с цветами и бабочками

Кстати, если расписать целую стену своими руками вам не под силу — нет опыта и не хочется разочароваться в таком виде деятельности, то попробуйте более мелкие рисунки. Тут приведены несколько примеров небольших росписей стен в интерьере Помпеянума (копия римской виллы) — это натюрморты с цветами и тщательно выписанными насекомыми.

Как рисовать цветы — копия натюрморта с тюльпанами акварелью

Букет весенних цветов тюльпанов. Тоже натюрморт. Опять же, как всегда, глядя на картинку, возникла идея повторения этого красочного сюжета своими руками. Оформлена работа так — паспарту и ярко-синяя рама. Впрочем, что я рассказываю, пройдите по ссылке и все увидите своими глазами.

Объемные картины из бумаги красками — натюрморт цветы в вазе

Оригинальные композиции на холсте можно сделать, применив в качестве материала обычную газетную бумагу, рекламу. Листы красятся, сминаются в цветочные бутоны, закрепляются клеем на полотне. Получается рельефный рисунок, такой, как на картинке. Осуществить такую затею несложно.

Похожие статьи:

Абстрактные натюрморты в современной живописи. Современный украинский натюрморт

Переходим к заключительной стадии этой серии постов о жанре натюрморта. Он будет посвящен творчеству художников России.

Начнем пожалуй с Федора Петровича Толстого (1783-1873). Натюрмортная графика Ф.П. Толстого, известного русского скульптора, медальера, рисовальщика и живописца, наверно, наиболее выдающаяся и ценная часть его творческого наследия, хотя сам художник говорил, что создавал эти произведения “в свободное от серьезных занятий время”.

Главное свойство натюрмортных рисунков Толстого — их иллюзорность. Художник тщательно копировал натуру. Он пытался, по его собственным словам, “со строгой отчетливостью передать с натуры на бумагу копируемый цветок так, как он есть, со всеми малейшими подробностями, принадлежащими этому цветку”. Чтобы ввести зрителя в заблуждение, Толстой использовал такие иллюзионистские приемы, как изображение капелек росы или полупрозрачная бумага, прикрывающая рисунок и помогающая обмануть зрение.

Илья Ефимофич Репин (1844-1930) также не раз обращался к такому мотиву натюрморта, как цветы. К таким произведениям можно отнести картину “Осенний букет” (1892, Третьяковская галерея, Москва), где художник с равным вниманием изображает осенний пейзаж, молодую женщину, стоящую на фоне золотистых деревьев, и скромный букет из желтых и белых цветов в ее руках.

И. Репин. Осенний букет. Портрет Веры Репиной. 1892, Третьяковская галерея

История картины “Яблоки и листья” несколько необычна. Натюрморт, сочетавший фрукты и листья, был поставлен для ученика Репина, В.А. Серова. Предметная композиция настолько понравилась учителю, что он решил сам написать такой натюрморт. Цветы и плоды привлекали многих художников, предпочитавших из других вещей именно эти, наиболее поэтично и красиво показывающие мир природы. Даже И.Н. Крамской, пренебрежительно относившийся к подобному жанру, также отдал дань натюрморту, создав эффектную картину “Букет цветов. Флоксы” (1884, Третьяковская галерея, Москва).

Валентин Александрович Серов (1865-1911) известен большинству из нас как художник, уделявший в своем творчестве внимание в области пейзажа, портрета и исторической живописи. Однако, следует заметить, что предмет в его творчестве всегда играл важную роль и нередко занимал такое же равноправное положение, как и другие элементы композиции. Чуть выше я уже упомянул его ученическую работу «Яблоки на листьях», 1879 года, выполненный под руководством Репина. Если сравнить эту работу с произведением, написанным на ту же тему Репиным, можно увидеть, что натюрморт Серова отличается большей этюдностью, чем полотно его учителя. Начинающий художник использовал низкую точку зрения, поэтому первый и второй планы совмещены, а фон уменьшен.

Известная всем с детства картина «Девочка с персиками» выходит за рамки портретного жанра и не случайно названа она “Девочка с персиками”, а не “Портрет Веры Мамонтовой”. Мы можем видеть, что здесь соединились черты портрета, интерьера и натюрморта. Художник уделяет равное внимание изображению девочки в розовой кофточке и немногочисленным, но умело сгруппированным предметам. На белой скатерти лежат нежно-желтые персики, кленовые листья и блестящий нож. Любовно выписаны и другие вещи, находящиеся на дальнем плане: стулья, большая фарфоровая тарелка, украшающая стену, фигурка игрушечного солдата, подсвечник на подоконнике. Солнечный свет, льющийся из окна и ложащийся на предметы яркими бликами, придает изображению поэтическое очарование.

Михаил Александрович Врубель (1856-1910) писал: “И опять меня обдает, нет, не обдает, а слышится мне та интимная национальная нотка, которую мне так хочется поймать на холсте и в орнаменте. Это музыка цельного человека, не расчлененного отвлечениями упорядоченного, дифференцированного и бледного Запада”.

В Академии художеств любимым преподавателем Врубеля был Павел Чистяков, учивший молодого живописца «рисовать формой» и утверждавший, что объемные формы не следует создавать в пространстве тушевкой и контурами, их следует строить линиями. Благодаря ему Врубель научился не просто показывать натуру, а словно вести с ней задушевную, почти любовную беседу. В таком духе выполнен чудесный натюрморт мастера “Шиповник” (1884).

На фоне изысканной драпировки с цветочными мотивами художник разместил изящную округлую вазочку, расписанную восточными узорами. Отчетливо выделяется нежный белый цветок шиповника, оттененный сине-зеленой тканью, а листья растения почти сливаются с тускло мерцающим черным горлышком вазы. Эта композиция исполнена невыразимой прелести и свежести, которой зритель просто не может не поддаться.

В период болезни Врубель стал больше писать с натуры, причем его рисунки отличаются не только чеканностью формы, но и совершенно особенной одухотворенностью. Кажется, что каждое движение руки художника выдает его страдания и страсти.

Особенно примечателен в этом отношении рисунок “Натюрморт. Подсвечник, графин, стакан”. Это сокрушительный триумф яростной объективности. Каждый предмет натюрморта несет в себе скрытую взрывчатую силу. Материал, из которого изготовлены вещи, будь то бронза подсвечника, стекло графина или матовый отблеск свечи, ощутимо дрожит от колоссального внутреннего напряжения. Пульсация передается художником короткими перекрещивающимися штрихами, из-за чего фактура приобретает взрывчатость и напряженность. Таким образом, предметы приобретают невероятную заостренность, в которой и заключается истинная суть вещей

.

Большого мастерства в создании натюрмортов-“обманок” достигли Г.Н. Теплов и Т. Ульянов. Чаще всего они изображали дощатую стенку, на которой были прорисованы сучки и прожилки дерева. На стенках развешаны или заткнуты за прибитые гвоздями тесемочки разнообразные предметы: ножницы, гребешки, письма, книги, нотные тетради. На узких полочках расставлены часы, чернильницы, флаконы, подсвечники, посуда и другие мелкие вещицы. Кажется, что подобный набор предметов совершенно случаен, но на самом деле это далеко не так. Глядя на такие натюрморты, можно догадаться об интересах художников, занимавшихся музицированием, чтением, увлекавшихся искусством. Мастера любовно и старательно изображали дорогие им вещи. Эти картины трогают своей искренностью и непосредственностью восприятия натуры.

Борис Михайлович Кустодиев (1878-1927) также много уделял в своем творчестве жанру натюрморта. На его жизнерадостных полотнах можно увидеть яркие атласные ткани, сверкающие медью самовары, блеск фаянса и фарфора красные ломти арбуза, виноградные грозди, яблоки, аппетитные кексы. Одной из его замечательных картин является «Купчиха за чаем», 1918 г. Невозможно не восхищаться ярким великолепием показанных на полотне предметов. Сверкающий самовар, ярко-красная мякоть арбузов, глянцевые яблоки и прозрачный виноград, стеклянная вазочка с вареньем, позолоченная сахарница и чашка, стоящие перед купчихой, — все эти вещи вносят в изображение праздничное настроение.

В жанре натюрморта большое внимание уделялось так называемым «натюрмортам-обманкам». Многие натюрморты-“обманки”, несмотря на то, что их главной задачей было введение зрителя в заблуждение, обладают несомненными художественными достоинствами, особенно заметными в музеях, где, развешанные по стенам, такие композиции, конечно же, не могут обмануть публику. Но есть здесь и исключения. Например, “Натюрморт с книгами”, выполненный П.Г. Богомоловым, вставлен в иллюзорный “книжный шкаф”, и посетители не сразу догадываются, что это всего лишь картина.

Очень хорош “Натюрморт с попугаем” (1737) Г.Н. Теплова. С помощью ясных, четких линий, переходящих в мягкие, плавные контуры, легких, прозрачных теней, тонких цветовых нюансов художник показывает разнообразные предметы, развешанные на дощатой стене. Виртуозно передана древесина, голубоватые, розовые, желтоватые оттенки которой помогают создать почти реальное ощущение свежего запаха только что выструганного дерева.

Г.Н. Теплов. “Натюрморт с попугаем”, 1737, Государственный музей керамики, усадьба Кусково

Русские натюрморты-“обманки” XVIII века свидетельствуют о том, что художники еще недостаточно умело передают пространство и объемы. Более важно для них показать фактуру предметов, словно перенесенных на холст из реальной действительности. В отличие от голландских натюрмортов, где вещи, поглощенные световой средой, изображены в единстве с ней, в картинах русских мастеров предметы, выписанные очень тщательно, даже мелочно, живут как бы сами по себе, вне зависимости от окружающего пространства.

В начале XIX века большую роль в дальнейшем развитии натюрморта сыграла школа А.Г. Венецианова, выступавшего против строгого разграничения жанров и стремившегося научить своих воспитанников целостному видению натуры.

А.Г.Венецианов. Гумно, 1821-23 г.

Венециановская школа открыла новый для русского искусства жанр — интерьер. Художники показывали различные помещения дворянского дома: гостиные, спальни, кабинеты, кухни, классные комнаты, людские и т.п. В этих произведениях важное место отводилось изображению различных предметов, хотя сам по себе натюрморт почти не интересовал представителей круга Венецианова (во всяком случае, сохранилось очень немного натюрмортов, выполненных учениками знаменитого живописца). Тем не менее, Венецианов призывал своих воспитанников тщательно прорабатывать не только лица и фигуры людей, но и окружающие их вещи.

Предмет в живописи Венецианова не является аксессуаром, он неразрывно связан с остальными деталями картины и часто является ключом к пониманию образа. Например, подобную функцию выполняют серпы в картине “Жнецы” (вторая половина 1820-х, Русский музей, Санкт-Петербург). Вещи в венециановском искусстве кажутся вовлеченными в неспешную и безмятежную жизнь персонажей.

Хотя Венецианов, по всей вероятности, не писал собственно натюрмортов, он включал этот жанр в свою обучающую систему. Художник писал: “Неодушевленные вещи не подлежат тем разнообразным изменениям, кои свойственны предметам одушевленным, они стоят, держатся перед неопытным художником смирно, неподвижно и дают ему время точнее и рассудительнее вникнуть, всмотреться в отношения одной части к другой как в линиях, так в свете и тени самим цветом, кои зависят от места, занимаемого предметами ”.

Конечно, натюрморт играл большую роль и в педагогической системе Академии художеств в XVIII-XIX столетиях (в учебных классах воспитанники делали копии с натюрмортов голландских мастеров), но именно Венецианов, призывавший молодых художников обращаться к натуре, ввел в свою программу первого года обучения натюрморт, составленный из таких вещей, как гипсовые фигуры, посуда, подсвечники, разноцветные ленты, фрукты и цветы. Предметы для учебных натюрмортов Венецианов подбирал так, чтобы они были интересны начинающим живописцам, понятны по форме, красивы по цвету.

В картинах, созданных талантливыми учениками Венецианова, вещи переданы правдиво и свежо. Таковы натюрморты К. Зеленцова, П.Е. Корнилова. В творчестве венециановцев есть и работы, которые по своей сути не являются натюрмортами, но, тем не менее, роль вещей в них огромна. Можно назвать, например, полотна “Кабинет в Островках” и “Отражение в зеркале” Г.В. Сороки, хранящиеся в собрании Русского музея в Санкт-Петербурге.

Г.В. Сорока. “Кабинет в Островках”. Фрагмент, 1844, Русский музей, Санкт-Петербург

Натюрморты в этих произведениях выступают не самостоятельно, а как своеобразно скомпонованные мастером части интерьера, соответствующие общему композиционному и эмоциональному строю картины. Главным связующим элементом здесь является свет, мягко переходящий от одного предмета к другому. Глядя на полотна, понимаешь, насколько интересен окружающий мир художнику, любовно изобразившему каждый предмет, каждую самую мелкую вещицу.

Натюрморт, представленный в “Кабинете в Островках”, хотя и занимает небольшое место в общей композиции, кажется необыкновенно значительным, выделенным благодаря тому, что автор отгородил его от остального пространства высокой спинкой дивана, а слева и справа обрезал рамой. Кажется, что Сорока настолько увлекся лежащими на столе предметами, что почти забыл об остальных деталях картины. Мастер тщательно выписал все: гусиное перо, карандашик, циркуль, транспортир, перочинный ножик, счеты, листы бумаги, свечу в подсвечнике. Точка зрения сверху позволяет рассмотреть все вещи, ни одна из них не загораживает другой. Такие атрибуты, как череп, часы, а также символы “земной суеты” (статуэтка, бумаги, счеты), позволяют некоторым исследователям причислить натюрморт к типу vanitas, хотя такое совпадение чисто случайно, скорее всего, крепостной художник воспользовался тем, что лежало на столе его хозяина.

Известным мастером предметных композиций первой половины XIX столетия был художник И.Ф. Хруцкий, написавший множество прекрасных картин в духе голландского натюрморта XVII века. Среди самых лучших его работ — “Цветы и плоды” (1836, Третьяковская галерея, Москва), “Портрет жены с цветами и фруктами” (1838, Художественный музей Белоруссии, Минск), “Натюрморт” (1839, Музей Академии художеств, Санкт-Петербург).

В первой половине XIX века в России большой популярностью пользовался “ботанический натюрморт”, пришедший к нам из Западной Европы. Во Франции в это время выходили сочинения ботаников с прекрасными иллюстрациями. Большую известность во многих европейских странах получил художник П.Ж. Редуте, который считался “самым прославленным живописцем цветов своего времени”. “Ботанический рисунок” был значительным явлением не только для науки, но и для искусства и культуры. Подобные рисунки преподносились в подарок, украшали альбомы, что таким образом ставило их в один ряд с другими произведениями живописи и графики.

Во второй половине XIX века большое внимание изображению предметов уделял П.А. Федотов. Хотя он не писал собственно натюрмортов, мир вещей, созданный им, восхищает своей красотой и правдивостью.

Предметы в произведениях Федотова неотделимы от жизни людей, они принимают самое непосредственное участие в драматических событиях, изображенных художником.

Глядя на картину “Свежий кавалер” (“Утро после пирушки”, 1846), поражаешься обилию предметов, тщательно выписанных мастером. Настоящий натюрморт, удивляющий своей немногословностью, представлен на знаменитой картине Федотова “Сватовство майора” (1848). Осязаемо реально передано стекло: фужеры на высоких ножках, бутылка, графин. Тончайшее и прозрачное, оно как будто издает нежный хрустальный звон.

Федотов П.А. Сватовство майора. 1848—1849. ГТГ

Федотов не отделяет предметы от интерьера, поэтому вещи показаны не только достоверно, но и живописно тонко. Каждый самый обычный или не слишком привлекательный предмет, занимающий свое место в общем пространстве, кажется удивительным и красивым.

Хотя Федотов не писал натюрмортов, он проявлял несомненный интерес к этому жанру. Чутье подсказывало ему, как расположить тот или иной предмет, с какой точки зрения его представить, какие вещи будут выглядеть рядом не только логически обоснованно, но и выразительно.

Мир вещей, помогающий показывать жизнь человека во всех ее проявлениях, наделяет произведения Федотова особой музыкальностью. Таковы картины “Анкор, еще анкор” (1851-1852), “Вдовушка” (1852) и многие другие.

Во второй половине XIX века жанр натюрморта практически перестал интересовать художников, хотя многие жанристы охотно включали элементы натюрморта в свои композиции. Большое значение приобретают вещи в картинах В.Г. Перова (“Чаепитие в Мытищах”, 1862, Третьяковская галерея, Москва), Л.И. Соломаткина (“Славильщики-городовые”, 1846, Государственный исторический музей, Москва).

Натюрморты представлены в жанровых сценах А.Л. Юшанова (“Проводы начальника”, 1864), М.К. Клодта (“Больной музыкант”, 1855), В.И. Якоби (“Разносчик”, 1858), А.И. Корзухина (“Перед исповедью”, 1877; “В монастырской гостинице”, 1882), К.Е. Маковского (“Алексеич”, 1882). Все эти полотна ныне хранятся в собрании Третьяковской галереи.

К.Е. Маковский. “Алексеич”, 1882, Третьяковская галерея, Москва

В 1870-1880-х годах ведущим жанром в русской живописи оставался бытовой, хотя пейзаж и портрет также занимали важное место. Огромную роль для дальнейшего развития русского искусства сыграли передвижники, стремившиеся показать в своих произведениях правду жизни. Художники стали придавать большое значение работе с натуры и потому все чаще обращались к пейзажу и натюрморту, хотя многие из них считали последний напрасной тратой времени, бессмысленным увлечением формой, лишенной внутреннего содержания. Так, И.Н. Крамской упоминал об известном французском живописце, не пренебрегавшем натюрмортами, в письме к В.М. Васнецову: “Не станет же талантливый человек тратить время на изображение, положим, тазов, рыб и пр. Это хорошо делать людям, имеющим уже все, а у нас дела непочатый угол”.

Тем не менее, многие русские художники, не писавшие натюрмортов, восхищались ими, глядя на полотна западных мастеров. Например, В.Д. Поленов, находившийся во Франции, писал И.Н. Крамскому: “Посмотришь, как тут дело идет, словно по маслу, работает каждый в своем роде, в самых различных направлениях, что кому по душе, и все это ценится и оплачивается. У нас главным образом значение имеет, что сделано, а тут — как сделано. Например, за медный таз с двумя рыбами платят по двадцати тысяч франков, да еще в придачу считают сего медных дел мастера первым живописцем, и, пожалуй, не без резону”.

Побывавший в 1883 году на выставке в Париже В.И. Суриков восторгался пейзажами, натюрмортами и картинами с изображением цветов. Он писал: “Хороши рыбы Гиберта. Рыбья склизь передана мастерски, колоритно, тон в тон замешивал”. Есть в его письме к П.М. Третьякову и такие слова: “А рыбы Жильберта — чудо что такое. Ну совсем в руки взять можно, до обмана написано”.

И Поленов, и Суриков могли бы стать прекрасными мастерами натюрморта, о чем свидетельствуют виртуозно написанные предметы в их композициях (“Больная” Поленова, “Меншиков в Березове” Сурикова).

В.Д. Поленов. “Больная”, 1886, Третьяковская галерея

Большая часть натюрмортов, созданных известными русскими художниками в 1870-1880-х годах, представляет собой произведения этюдного характера, показывающие стремление авторов передать особенности вещей. Некоторые подобные работы изображают необычные, редкие предметы (например, этюд с натюрмортом для картины И.Е. Репина “Запорожцы пишут письмо турецкому султану”, 1891). Самостоятельного значения такие произведения не имели.

Интересны натюрморты А.Д. Литовченко, выполненные как подготовительные этюды к большому полотну “Иван Грозный показывает свои сокровища послу Горсею” (1875, Русский музей, Санкт-Петербург). Художник показал роскошные ткани из парчи, оружие, инкрустированное драгоценными камнями, золотые и серебряные изделия, хранящиеся в царских сокровищницах.

Более редкими в то время были этюдные натюрморты, представляющие обычные бытовые предметы. Такие произведения создавались с целью изучения строения вещей, а также являли собой результат упражнения в живописной технике.

Важную роль натюрморт играл не только в жанровой, но и в портретной живописи. Например, в картине И.Н. Крамского “Некрасов в период „Последних песен” (1877-1878, Третьяковская галерея, Москва) предметы выполняют функцию аксессуаров. С.Н. Гольдштейн, занимавшийся исследованием творчества Крамского, пишет: “В поисках общей композиции произведения он стремится к тому, чтобы воссоздаваемый им интерьер, несмотря на его собственно бытовой характер, способствовал прежде всего осознанию духовного облика поэта, неувядаемого значения его поэзии. И действительно, отдельные аксессуары этого интерьера — тома “Современника”, беспорядочно уложенные на столике у постели больного, лист бумаги и карандаш в его ослабевших руках, бюст Белинского, висящий на стене портрет Добролюбова — приобрели в этом произведении значение отнюдь не внешних признаков ситуации, но реликвий, тесно связанных с образом человека”.

Среди немногочисленных натюрмортов передвижников главное место занимают “букеты”. Интересен “Букет” В.Д. Поленова (1880, Музей-усадьба Абрамцево), по манере исполнения немного напоминающий натюрморты И.Е. Репина. Непритязательный по своему мотиву (мелкие полевые цветы в простой стеклянной вазе), он, тем не менее, восхищает своей свободной живописью. Во второй половине 1880-х годов похожие букеты появятся в живописи И.И. Левитана.

По-иному демонстрирует зрителю цветы И.Н. Крамской. Многие исследователи полагают, что две картины — “Букет цветов. Флоксы” (1884, Третьяковская галерея, Москва) и “Розы” (1884, собрание Р.К. Викторовой, Москва) — были созданы мастером во время работы над полотном “Неутешное горе”.

Два “букета” Крамской продемонстрировал на XII Передвижной выставке. Эффектные, яркие композиции, изображающие садовые цветы на темном фоне, нашли покупателей еще до открытия выставки. Обладателями этих произведений стали барон Г.О. Гинцбург и императрица.

На IX Передвижной выставке 1881-1882 годов внимание публики привлекла картина К.Е. Маковского, названая в каталоге “Nature morte” (теперь она находится в Третьяковской галерее под названием “В мастерской художника”). На большом полотне изображены лежащая на ковре огромная собака и ребенок, тянущийся из кресла к фруктам на столе. Но эти фигуры — всего лишь детали, нужные автору для того, чтобы оживить натюрморт — множество роскошных вещей в мастерской художника. Написанная в традициях фламандского искусства, картина Маковского все же трогает душу зрителя. Художник, увлекшийся передачей красоты дорогих вещей, не сумел показать их индивидуальность и создал произведение, главная цель которого — демонстрация богатства и роскоши.

Все предметы на картине словно собраны для того, чтобы поразить зрителя своим великолепием. На столе лежит традиционный для натюрморта набор фруктов — крупные яблоки, груши и виноград на большом красивом блюде. Здесь же большая серебряная кружка, украшенная орнаментом. Рядом стоит бело-синий фаянсовый сосуд, возле которого располагается богато украшенное старинное оружие. О том, что это мастерская художника, напоминают кисти, помещенные в широкий кувшин на полу. У золоченого кресла — шпага в роскошных ножнах. Пол устилает ковер с ярким орнаментом. Украшением служат и дорогие ткани — парча, отороченная густым мехом, и бархат, из которого сшит занавес. Колорит полотна выдержан в насыщенных оттенках с преобладанием алого, голубого, золотистого.

Из всего вышесказанного ясно, что во второй половине XIX столетия натюрморт не играл существенной роли в русской живописи. Он был распространен лишь как этюд к картине или учебная штудия. Многие художники, исполнявшие натюрморты в рамках академической программы, в самостоятельном творчестве больше к этому жанру не возвращались. Натюрморты писали в основном непрофессионалы, создававшие акварели с цветами, ягодами, фруктами, грибами. Крупные мастера не считали натюрморт достойным внимания и использовали предметы только для того, чтобы убедительно показать обстановку и украсить изображение.

Первые зачатки нового натюрморта можно обнаружить в живописи художников, работавших на рубеже XIX-XX столетий: И.И. Левитана, И.Э. Грабаря, В.Э. Борисова-Мусатова, М.Ф. Ларионова, К.А. Коровина. Именно в то время в русском искусстве натюрморт появился как самостоятельный жанр.

Но это был весьма своеобразный натюрморт, понимаемый художниками, работавшими в импрессионистической манере, не как обычная замкнутая предметная композиция. Мастера изображали детали натюрморта в пейзаже или интерьере, и им была важна не столько жизнь вещей, сколько само пространство, световая дымка, растворяющая очертания предметов. Большой интерес представляют также графические натюрморты М.А. Врубеля, отличающиеся неповторимой самобытностью.

В начале XX века большую роль в развитии русского натюрморта сыграли такие художники, как А.Я. Головин, С.Ю. Судейкин, А.Ф. Гауш, Б.И. Анисфельд, И.С. Школьник. Новое слово в этом жанре сказал и Н.Н. Сапунов, создавший целый ряд картин-панно с букетами цветов.

В 1900-х годах к натюрморту обратилось множество художников самых разных направлений. Среди них были т.н. московские сезаннисты, символисты (П.В. Кузнецов, К.С. Петров-Водкин) и др. Важное место предметные композиции занимали в творчестве таких известных мастеров, как М.Ф. Ларионов, Н.С. Гончарова, А.В. Лентулов, Р.Р. Фальк, П.П. Кончаловский, А.В. Шевченко, Д.П. Штеренберг, сделавшие натюрморт полноправным среди других жанров в русской живописи XX века.

Одно перечисление русских художников, которые в своем творчестве использовали элементы натюрморта заняло бы немало места. Поэтому ограничимся приведенным здесь материалом. Желающие могут ознакомиться более подробно по ссылкам, приведенным в первой части этой серии постов о жанре натюрморта.

Предыдущие сообщения: Часть 1 –
Часть 2 –
Часть 3 –
Часть 4 –
Часть 5 –

И. Машков «Натюрморт» (1930)

Слово «натюрморт» с французского языка переводится как «мёртвая природа» (фр. nature morte).

О натюрморте

Всё, что уже не живёт, не дышит, что сорвано, срезано, но продолжает радовать человека своим существованием – всё это является предметом натюрморта.

Как самостоятельный жанр живописи натюрморт начинает существовать в XVII в. в творчестве голландских и фламандских художников. А раньше он был лишь украшением и выполнял утилитарную функцию.

Ранние натюрморты часто содержали скрытую аллегорию (иносказание), которая выражалась через обыденные предметы, наделённые символическим значением. Иногда в натюрмортах изображали череп, который должен был напоминать о быстротечности жизни и неизбежности смерти.

Аллегорический натюрморт назывался Ванитас

(лат. vanitas , букв.: «суета, тщеславие»). Его композиционным центром традиционно является человеческий череп.

Бартоломеус Брейн Старший (I пол. XVI в.). Ванитас

«Суета сует, – сказал Екклесиаст, – суета сует, — всё суета!».

Виллем Клас Хеда. Ванитас

Череп символизирует бренность человеческой жизни. Курительная трубка – символ быстротечных и неуловимых земных наслаждений. Стекло символизирует хрупкость жизни. Ключи – власть домашней хозяйки, управляющей запасами. Нож напоминает об уязвимости человека и о его смертности. Лист бумаги обычно с нравоучительным (часто пессимистическим) изречением. Например:

Hodie mihi cras tibi – сегодня мне, завтра тебе;

Memento mori – помни о смерти;

Aeterne pungit cito volat et occidit – слава о геройских поступках развеется точно так же, как и сон;

Omnia morte cadunt mors ultima linia rerum – всё разрушается смертью, смерть – последняя граница всех вещей;

Nil omne – всё — это ничего.

Но чаще всё-таки в натюрмортах чувствуется любование художника предметами: кухонной утварью, цветами, фруктами, предметами быта – такие картины заказчики приобретали для украшения интерьеров своих домов.

С середины XVII в. натюрморт в нидерландской живописи получил широкое распространение уже как самостоятельный жанр. И одним из самых первых выделился цветочный натюрморт, особенно в произведениях Амброзиуса Босхарта Старшего и Бальтасара ван дер Аста, а далее продолжал своё развитие в роскошных натюрмортах Яна Давидса де Хема во второй половине XVII в. Популярен цветочный натюрморт и у художников нашего времени.

Тематика натюрмортов обширна: это уже упомянутые цветочные натюрморты, изображение завтраков, сервированных столов, учёных натюрмортов, на которых изображались книги и другие предметы человеческойдеятельности, музыкальные инструменты и др.

Рассмотрим некоторые наиболее известные натюрморты.

Виллем Клас Хеда (1594-1682) «Натюрморт с ветчиной и серебряной посудой» (1649)

Виллем Клас Хеда «Натюрморт с ветчиной и серебряной посудой» (1649)

В этой картине заметно виртуозное мастерство художника в передаче обычных, повседневных предметов быта. Хеда так изображает их, что очевидно, что он сам любуется ими: создаётся ощущения осязаемости каждого из предметов.

На небольшом столе, покрытом богатой тяжёлой скатертью, мы видим лимон и любуемся его янтарной мягкостью, ощущаем аромат свежей ветчины и слышим звон сверкающего серебра. Завтрак окончен, поэтому предметы на столе – в естественном беспорядке.

Серебряная посуда означает земное богатство, ветчина – чувственные радости, лимон – внешнюю красоту, внутри которой скрывается горечь. Картина заключает размышление о том, что следует позаботиться не только о теле, но и о душе.

Натюрморт выдержан в едином коричнево-сером тоне, характерном для всей голландской живописи того времени. Полотно не только красиво, оно ещё и рассказывает о скрытой «тихой жизни» предметов, увиденной внимательным взором художника.

Натюрморт находится в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина в Москве.

Поль Сезанн (1830-1906) «Персики и груши» (1895)

Поль Сезанн «Персики и груши» (1895)

Поль Сезанн был крупнейшим французским художником конца XIX в. Испытав влияние импрессионизма, Сезанн противопоставил им свой метод. Он выступил против их стремления следовать в искусстве лишь своему зрительному впечатлению – он был за объективную передачу действительности, основанную на закономерности в природе. Он хотел видеть не изменчивые, а постоянные её качества. Сезанн говорил: «Я хочу вернуть природе вечность». Художник вёл свои творческие поиски через синтез формы и цвета, формы и пространства. Особенно этот поиск прослеживается в его натюрмортах.

Каждый из предметов в данном натюрморте изображён с разной точки зрения. Мы видим стол сверху, скатерть и фрукты – сбоку, столик – снизу, а кувшин – одновременно с разных точек зрения. Сезанн стремится максимально полно показать форму и объём, свойственные персикам и грушам. Его приём основан на оптическом законе: тёплые цвета (красный, розовый, жёлтый, золотистый) кажутся нам выступающими, а холодные (синий, голубой, зелёный) – отступающими в глубь холста.

Форма предметов в натюрмортах Сезанна не зависит от случайного освещения, а становится постоянной, присущей каждому предмету. Поэтому натюрморты Сезанна кажутся монументальными.

Картина находится в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина в Москве.

Анри Матисс (1869-1954) «Голубая скатерть» (1909)

Анри Матисс «Голубая скатерть» (1909)

Знаменитый французский художник Анри Матисс в зарубежном искусстве XX в. занимает одно из ведущих мест. Но место это особое.

В самом начале XX в. Матисс стал главой первой новой группы в европейской живописи, которое назвали фовизм (от французского «дикий»). Особенностью этого направления была свобода в использовании любого цвета, произвольно выбранного художником, стремление к декоративной красочности. В этом ощущался вызов устоявшимся нормам официального искусства.

Но через некоторое время эта группа распалась, и Матисс более уже не примыкал ни к какому направлению, но избрал свой путь. Своим ясным, жизнерадостным искусством Матиссстремился дать покой измученным душам людей в эмоциональной атмосфере XX в.

В натюрморте «Голубая скатерть» Матисс использует свой любимый композиционный приём: спускающуюся сверху ткань. Материя на переднем плане как бы замыкает пространство полотна, делает его неглубоким. Зритель любуется прихотливой игрой синего орнамента на бирюзовом фоне скатерти, линиями предметов натюрморта. Формы золотистого кофейника, зелёного графина и румяных яблок в вазе художник обобщил, они утратили свою объёмность, а маленькие предметы подчинились ритму ткани, они дополняют красочный акцент картины.

Натюрморт в русской живописи

Натюрморт как самостоятельный жанр живописи появился в России в начале XVIII в., но первоначально он рассматривался как «низший» жанр. Чаще всего он использовался как учебная постановка и допускался лишь в ограниченном понимании как живопись цветов и фруктов.

Но в начале ХХ в. натюрморт в русской живописи получил расцвет и впервые стал равноправным жанром. Художники искали новые возможности в области цвета, формы, композиции натюрморта. Среди русских натюрмористов можно назвать И.Ф. Хруцкого, И.Э. Грабаря, П.П. Кончаловского, И. Левитана, А. Осмеркина, К. Петрова-Водкина, М. Сарьяна, В. Нестеренко и др.

Самым известным натюрмортом П. Кончаловского является его «Сирень».

П. Кончаловский «Сирень» (1939)

П. Кончаловский «Сирень» (1939)

П. Кончаловский в живописи был последователем Сезанна, он стремился выразить праздничность цвета, свойственную русскому народному творчеству, при помощи конструктивности цвета Поля Сезанна. Известность художник получил именно благодаря своим натюрмортам, часто исполненным в стиле, близком кубизму и фовизму.

Его натюрморт «Сирень» полна этим праздничным цветом, радующим глаз и воображение. Кажется, что весенний аромат сирени доносится с полотна.

Гроздья сирени изображены обобщённо, но внутренняя память подсказывает нам очертания каждого цветочка в грозди и оттого живопись Кончаловского кажется реалистичной.

Не менее щедрым в изображении материальности мира, красочности палитры был и современник Кончаловского – И. Машков.

И. Машков «Ягоды на фоне красного подноса» (1910)

В этом натюрморте также буйство красок, умение радоваться каждому мгновению, которое дарит жизнь, потому что каждое мгновение – прекрасно.

Все предметы натюрморта знакомы нам, но чувствуется, что художник любуется щедростью природы, богатством окружающего мира и приглашает нас разделить с ним эту радость.

В. Нестеренко «Отец Отечества» (1997)

В. Нестеренко «Отец Отечества» (1997)

Это натюрморт современного художника В. Нестеренко. Тема картины выражена в её названии, а содержание раскрывается в изображении предметов натюрморта – символов императорской власти Петра I . Портрет императора расположен на фоне батальной сцены, которых было много в его жизни. Нет смысла пересказывать все те дела, за которые Петра I называют отцом Отечества. Можно слышать различные мнения о деятельности первого русского императора, но в данном случае художник выражает своё мнение, и это мнение выражено им очень убедительно.

Натюрморт находится в Кремле, в приемной Президента РФ.

З нойным дачным летом или в затяжную вьюгу. Не выходя из дома, можно найти вдохновение в обычных фруктах или необычных цветах. Объект не пытается повернуть голову, как на портрете, и не меняет ежесекундно тени на свет, как на пейзаже. Тем и хорош жанр натюрморта. И «мертвая природа» в переводе с французского, или «тихая жизнь вещей» в голландской версии, очень даже оживляет интерьер. Наталья Летникова представляет топ-7 натюрмортов русских художников .

«Лесные фиалки и незабудки»

Лесные фиалки и незабудки

Картина Исаака Левитана словно синее небо и белое облако — от певца русской природы. Только на полотне не родные просторы, а букет полевых цветов. Одуванчики, сирень, васильки, бессмертник, папоротник и азалия… Мастерская художника после леса превращалась «не то в оранжерею, не то в цветочный магазин». Левитан любил цветочные натюрморты и учил своих учеников видеть и цвет, и соцветия: «Надо, чтобы от них пахло не краской, а цветами».

«Яблоки и листья»

Яблоки и листья

Работы Ильи Репина органично оттеняют блестящую обстановку Русского музея . Художник-передвижник составил композицию для своего ученика — Валентина Серова . Вышло столь живописно, что учитель и сам взялся за кисть. Шесть яблок из обычного сада — помятые и с «бочками», и ворох листьев, подернутых осенними красками, в качестве источника для вдохновения.

«Букет цветов. Флоксы»

Букет цветов. Флоксы

Картина Ивана Крамского . «Не станет же талантливый человек тратить время на изображение, положим, тазов, рыб и пр. Это хорошо делать людям, имеющим уже всё, а у нас дела непочатый угол», — писал Крамской Васнецову . И все же жанр натюрморта в конце жизни известный портретист вниманием не обошел. Букет флоксов в стеклянной вазе был представлен на XII передвижной выставке. Картину купили еще до открытия вернисажа.

«Натюрморт»

Натюрморт

Казимир Малевич на пути к «Черному квадрату» через импрессионизм и кубизм, минуя реализм. Ваза с фруктами — плод творческих исканий, даже в рамках одной картины: густые черные линии французской техники «клуазоне», плоская посуда и объемные фрукты. Все составляющие картины объединяет только цвет. Свойственный художнику — яркий и насыщенный. Словно вызов пастельным тонам реальной жизни.

«Селедка и лимон»

Селедка и лимон

Четверо детей и живопись. Такое сочетание в жизни художника безошибочно диктует жанр. Так вышло у Зинаиды Серебряковой. Многочисленные семейные портреты и натюрморты, по которым можно составлять меню: «Корзина с фруктами», «Спаржа и земляника», «Виноград», «Рыба на зелени»… В руках настоящего мастера и «селедка и лимон» станут произведением искусства. Поэзия и простота: спиралью кожица лимона и лишенная изысков рыба.

«Натюрморт с самоваром»

Натюрморт с самоваром

Ученик Серова, Коровина и Васнецова, «Бубновый валет» — Илья Машков любил изобразить окружающий мир, да поярче. Фарфоровые фигурки и бегонии, тыквы… Мясо, дичь — в духе старых мастеров, и хлебы московские — зарисовки со Смоленского рынка столицы. И по русской традиции — куда ж без самовара. Натюрморт из области праздничного бытия с фруктами и яркой посудой дополняет череп — напоминание о бренности жизни.

«Этюд с медалями»

Этюд с медалями

Натюрморт по-советски. Художник ХХ века Анатолий Никич-Криличевский на одной картине показал целую жизнь первой советской чемпионки мира в конькобежном спорте — Марии Исаковой. С кубками, за каждым из которых — годы тренировок; медалями, которые доставались в упорной борьбе; письмами и огромными букетами. Красивая картинка для художника и художественная летопись спортивных успехов. Натюрморт-история.

Опубликовано: Январь 16, 2018 Натюрморт — это жанр, который приобрёл известность в западном искусстве к концу XVI века и с тех пор остается важным жанром. Натюрморт классифицируются по изображению обычных предметов, которые могут быть натуральными, как например, цветы, фрукты и т. д. или искусственными, как например, очки, музыкальные инструменты и т. д. Ниже представлен список 10 самых знаменитых натюрмортов известных художников включая Шардена, Поля Сезанна, Ван Гога и Джорджио Моранди. №10 Серия натюрмортов, Художник Том Вессельман Движение поп-арт возникло в 50-х годах XX века, и использует узнаваемые образы из популярной культуры. Среди самых популярных произведений поп-арта находится серия натюрмортов Тома Вессельмана. Его натюрморты изображают элементы современного мира, а не фрукты и овощи предыдущего поколения художников этого жанра. Эта работа (Натюрморт #30) представляет собой сочетание живописи, скульптуры и коллажа торговых знаков, которые Том увидел на улице. №9 Ванитас со скрипкой и стеклянным шаром Художник: Питер Клас От: , &nbsp Питер Клас- один из передовых художников-живописцев натюрморта своего времени. Его ванитас со скрипкой и стеклянным шаром, на котором изображено много предметов, в том числе и череп, но особенно привлекает внимание стеклянный шар, в котором отражается сам художник перед мольбертом. В этом чувствуется мистика. «Корзина фруктов» Караваджо очень натуральна, на фруктах даже видны червоточины. И непонятно, то ли мастер изобразил то что видел, или в испорченных плодах кроется более глубокий смысл. Безусловно хорош натюрморт с подсолнухами ван Гога. Представленный рейтинг натюрмортов прекрасно показывает, насколько разнообразны могут быть картины этого жанра. Очень «советская» (или пролетарская) работа Вессельмана, хотя не изображает атрибутов СССР, кроме красной звезды. Портрет Линкольна настолько не вписывется в натюрморт, странно смотрится между виски, фруктами, комнатным цветком, котом и снова фруктами, что непроизвольно ассоциируется с изображениями генеральных секретарей, которые в свое время были непременным атрибутом любой обстановки. Две бутылки виски кажутся пивом, производят впечатление повседневного, дежурного напитка, который не требует особой закуски. Белый дом на картине почти полностью скрыт фруктами, что намекает на то, что это просто незначительная деталь интерьера. Яркие краски придают композиции явный характер 60-х гг и облегчают восприятие красной звезды рядом с Линкольном. Ярко контрастирует Ванитас со скрипкой, который резко отличается элегантностью, изысканностью, более сдержанными цветами и набором предметов из противоположного мира, относительно картины Вессельмана. Корзина же фруктов Караваджо является примером классического натюрморта, очень стильного, лаконичного, который всегда приятно видеть. Интересна палитра, которая не отличается многообразием цветов, но укладывается в определенную гамму естественных оттенков. А работа Моранди настолько проста, эссенциальна и чиста, что невозможно устать смотреть на нее. Минимум цвета, несколько предметов, составляющих композицию, никаких узоров, разнообразия объектов, простые, за исключением вазы, формы. Тем не менее натюрморт хочется рассматривать, находить различные нюансы в кажущейся простоте. Полотна Сезанна — праздник жизни, изобилия, незатейливых радостей — свежие фрукты, домашнее вино, самодельный десерт, предназначенных для съедания, а не для создания канонической композиции. Натюрморт с лимонами очень стильный, с выгодным цветовым сочетанием черного и желтого, а тарелка, корзина и кофейная пара создают некий «видеоряд», придают динамичности. Скат на картине Шардена сразу привлекает внимание, эффектно выделяет полотно на фоне любых других, хотя по сути это достаточно классический, традиционный натюрморт. Кубическая, геометрическая работа Брака демонстрирует, что жанр натюрморта возможен и в этом стиле. Ну а подсолнухи Ван Гога — солнечная, радостная, лучезарная, теплая работа, но не уверена, что поместила бы ее на первое место.

Абстрактная композиция. Февраль

Эдуард Штейнберг — центральная фигура второй волны русского авангарда — изобрел свою версию абстрактной живописи. Он учился в художественной школе Тарусы и у своего отца, художника Аркадия Штейнберга, закончившего легендарный ВХУТЕМАС и передавшего сыну традиции «конструирования» в живописи. Как и многие художники его круга, Эдуард Штейнберг впервые увидел работы художников русского авангарда у Георгия Костаки, и они стали для него откровением. Именно поэтому многие полотна Штейнберга — это тихий диалог с Малевичем и супрематизмом. Сам он часто говорил: «Все мы вышли из квадрата Малевича». При этом Штейнберг уходит от резких цветовых контрастов и драматического напряжения, характерных для живописи 1910-х — 1920-х годов. Он совершает «выход в белое» и меняет характер супрематизма. Всё творчество Штейнберга — последовательный путь от копирования великих шедевров и натурных зарисовок через натюрморт и фигуративную живопись к геометрической абстракции. Окончательный переход к нефигуративному происходит у него в начале 1970-х годов.

Работа «Абстрактная композиция. Равновесие. Февраль» 1970 года является, таким образом, одной из первых работ, написанных с помощью нового изобразительного языка художника. «Белый метагеометрический период» Штейнберга отличается характерным высветленным колоритом и простотой форм. Он избирает нежные сдержанные цвета светло-перламутровой и серебристой палитры. Штейнберг обращается к серым, голубым и бирюзовым оттенкам. Цветовые сочетания подобраны очень тонко, даже изысканно: например, сопоставление пыльно-розового и спокойного серого. Представленная работа также обращается к традиции русского абстракционизма и, кроме того, напоминает об итальянской метафизической живописи в духе белесых натюрмортов кисти Джорджо Моранди.

Основу картины составляют простейшие геометрические фигуры: призмы и круги. Минималистичную композицию можно назвать «метафизическим натюрмортом», где главными героями являются фигуры, а белая плоскость основания визуально напоминает нам угол стола. Но несмотря на это, мир форм Штейнберга полностью абстрактен, а все ассоциации с предметным миром — не более чем воспоминание и опыт предыдущего этапа творчества. В мире первоэлементов Штейнберга нет гравитации: невесомые фигуры как бы зависли, паря в безвоздушном пространстве. Не имея четких очертаний, они будто растворяются в фоне, наполненном сиянием.

Ключевая идея работы — исследование равновесия. Холст визуально разделен на две части, между которыми пролегает разрыв. Половины уравновешивают друг друга: на каждую из них приходится по одному кубу и по два круга. Парящая призма не склоняет чашу весов ни в какую сторону, мы по-прежнему наблюдаем состояние безвременья и замершего спокойствия. Штейнберг противопоставляет темное и светлое, что придает картине определенный ритм (серый и белый куб, тяжелый и легкий круг). При этом он прибегает к обману зрения: нетрудно заметить, что кубы вовсе не покоятся на плоскости основания, а зависают над ней безо всякой опоры. Но проблемы начертательной геометрии – совсем не та тема, что волнует художника. В его мире метафизических форм возможны любые геометрические искажения, главное — передача поэтического пространства космоса, близкого и открытого человеку.

Для Штейнберга живопись сама по себе и его абстрактные композиции всегда имели глубокий мистический и религиозный смысл, были своего рода геометрической иконописью. Художник, интересовавшийся философскими идеями Владимира Соловьева, Николая Бердяева и Евгения Шифферса, пришедший во взрослом возрасте к православию, а также глубоко знавший византийское и древнерусское искусство, создал собственную символику геометрических форм. Фигуры там являлись вечными символами бытия: круг — солнце, треугольник — Троица, а равновесие — всеобщий закон существования. V

Московский музей современного искусства — Илья Табенкин

Илья Табенкин

Дата проведения: 24 января — 23 февраля, 2014 Адрес: Тверской бульвар д. 9

Московский музей современного искусства совместно с галереей «Веллум» представляет первую в Москве персональную выставку Ильи Табенкина, приуроченную к 100-летию со Дня рождения художника. В экспозиции будут представлены более 100 работ, среди которых как сделавшие его известным абстрактные натюрморты 1970-80 гг, так и более ранняя фигуративная живопись и объекты из папье-маше.

Илья Табенкин (1914–1988) родился в белорусском городке Мозырь. В семнадцать лет поступил в Московское художественное училище имени 1905 года. В 1934 году был арестован за то, что он послал заключённому в лагерь другу краски. Затем тюрьма, лагерь, ссылка. В 1943 году он, скрыв судимость, поступил в Московский художественный институт имени В.И. Сурикова, находившийся в эвакуации в Самарканде. После его окончания Табенкин работает для художественного комбината и вступает в Союз художников СССР.

В этот период художник работает в русле традиционной московской школы, создает пейзажи, представляющие собой созерцательные картины русской жизни. Как вспоминает сын художника Лев: «Не входил Табенкин в молодежные круги, в которых зарождалось нонконформистское искусство… Социальный бунт и главенствующее положение в культуре никогда не были его целью — одно только искусство».

В 1960-е Табенкин делает первые формалистические работы, где главным становится цвет, который служит средством передачи эмоционального переживания, близкого к мистическому видения мира. В 1968 году художник наряду с Карлом Фридманом, Виктором Попковым и Евгением Расторгуевым участвует в выставке «Группы шестнадцати». В шестидесятые Табенкин еще абсолютно фигуративен, но уже на рубеже шестидесятых—семидесятых художник радикально меняет творческую парадигму: Табенкин обращается к жанру абстрактного натюрморта. Приближаясь к шестидесятилетнему рубежу, он начинает художественный путь заново и обретает яркий и новаторский стиль.

Генезис его абстрактных натюрмортов, уникальных в отечественном искусстве, продолжает вызывать споры среди искусствоведов и художников. Сам Табенкин говорил о влиянии Ф. Сурбарана и Дж. Моранди. Работы мастера сопоставляли с творчеством П. Кузнецова, Р. Фалька, В. Вейсберга и даже с архитектурными эскизами. В то же время его работы ценил В. Попков, что неслучайно: натюрморты Табенкина можно рассматривать и как радикальные проявления «сурового стиля».

Признание пришло к художнику в 1988 — его работы были отобраны экспертами Sotheby`s для участия в знаменитом аукционе русского искусства в Москве. Вскоре после этого его не стало. Но нам, спустя четверть века, еще предстоит открыть для себя творчество этого мастера.

К выставке приурочен выход книги «Илья Табенкин. Мысли художника. Свидетельства родных. Воспоминания современников», куда войдут никогда не публиковавшиеся ранее материалы.

Картины в стиле абстракция в интерьере

Меняете ли вы интерьер своего дома кардинально или решили просто его освежить, живопись — прекрасный способ для этого.

В нашей стране все еще популярна предметная живопись — пейзажи, натюрморты, изображения животных, людей. Но у нас часто бывают запросы именно на абстрактное искусство. Уже ставшее классическим за границей, это  направление постепенно проникает и в наши дома.

Чем хороша абстракция?

Абстрактная живопись может быть холодной и интеллектуальной или, наоборот, — эмоциональной и создающей настроение. Но в любом случае, она ярко отражает характер хозяина, его или ее темперамент.

Мы предлагаем провести аналогию с пейзажем. Природный, городской, солнечный или дождливый, вечерний или утренний. Когда мы находимся внутри него (мы говорим именно про физическое присутствие, но не про изображение пейзажа), то испытываем те или иные чувства. Иногда их трудно облечь в слова, но мы точно знаем, хотим ли мы продлить эти ощущения или изменить на противоположные. Это знание, которое мы получаем от органов чувств.
И так же, как отличается наше отношение к природе, разнятся и предпочтения в живописи.

Абстрактную живопись можно воспринимать всеми органами чувств. Да, это звучит нелогично в отношении плоского объекта, но, на наш взгляд, это самая верная аналогия. Абстракция вызывает ассоциативные образы — как минимум, зрительные. За зрительными образами могут потянуться (а могут возникнуть и сами по себе) и воспоминания запахов, звуков, вкусов.

Кроме того, в живописи профессионального художника, который давно пишет абстрактные картины, большое значение играет фактура. Количество слоев, способ нанесения краски (пастозный или тонкий), используемые материалы – всё это формирует авторский стиль, который заметен зрителю.

Поэтому важно рассматривать живопись (не только абстракцию) вживую, так вы заметите детали, которые не может передать фотография. И даже если вы не прикасаетесь к холсту, вы сможете представить себе тактильные ощущения. Кроме того, в разное время дня, в разных точках помещения естественный свет будет отличаться. Будет отличаться и впечатление от работы.

А еще беспредметная живопись не требует слов. Она не обязывает давать объяснений. Да, иногда вы влюбляетесь в картину с первого взгляда, а иногда требуется время, чтобы познакомиться с ней ближе. Но вы не обязаны никому объяснять, “что на ней нарисовано”, и почему вы ее выбрали. Это же чувства!

Абстрактные картины для интерьера

В каких пространствах хороша такая живопись? По сути — в любых (исключение, пожалуй, только традиционный классический интерьер), но в особенности, в тех, где предполагается спокойное пребывание, где можно некоторое время посвятить только созерцанию произведения искусства. Это гостиные, спальни, или зоны ожидания в общественных местах — офисах, отелях.

Мы дадим несколько советов по выбору картин в жанре абстракция и покажем примеры из жизни.

Абстрактная геометрическая картина или «свободная»?

Что вам нравится больше — линии или свободные пятна? Проще всего будет определиться на примерах. На слайдах ниже мы чередуем линейную абстракцию с нелинейной.

Геометрическая абстракция, скорее, про организацию и порядок. В ней чувствуется структура, взаимосвязь элементов, работа “от ума”. Во второй есть элемент спонтанности, работа художника почти не подвергается корректировке, он работает, скорее, на ощущениях.

Это очень грубое разделение. Это больше про впечатление от конкретного полотна. Геометрическая абстракция упорядочивает пространство, спонтанная — добавляет эмоций.

Яркие абстрактные картины или черно-белые?

Своим характером и цветом живопись может поддержать пространство, а может добавить в него контраст и, тем самым, подчеркнуть его особенности.

Монохромная абстракция — беспроигрышный вариант практически в любом интерьере. Цветная — более требовательна.

Абстракция как источник палитры интерьера

Абстракция может стать не только источником используемых в пространстве цветов, но и помочь определиться с его стилем.
У нас есть статья на эту тему — “Интерьер начинается… с картины!”

Но сейчас поговорим только о цвете. Вариант, когда вы создаете интерьер, отталкиваясь от произведения искусства, на практике встречается редко. Чаще всего происходит обратная ситуация — картина подбирается в готовое пространство. Но и в этом случае, конечно,  можно найти подходящие работы.

Ниже на слайдах — подборка фотографий реальных интерьеров, в которые стилисты подобрали живопись для фотосъемок проектов.
А на коллажах — примеры того, как картины могут вдохновить на создание дизайна интерьера.

Современные абстрактные картины — примеры

Мы выбрали несколько примеров использования абстракции для интерьера (все работы на фотографиях ниже проданы).

“Танец”, художник А. Петров

Сразу бросается в глаза, что абстракция как-будто вбирает в себя цветовую палитру интерьера. Пожалуй, единственная краска, которой в ней нет, — ярко зеленая. На самом деле, такое впечатление достигается от обратного: сначала стилист выбирает в комнату картину, потом «вытягивает» из нее цветовую палитру и именно в этих цветах подбирает декор. Достигается колористическое единство и равновесие.

Кроме того, линейная сетка композиции вторит геометрии полок шкафа и мягкой мебели с подушками (посмотрите, они также составляют ячеистую структуру).

“Verti_Go”, художник Д. Стрелков

Живопись и предметы декора играют главные роли в оформлении этой спальни. Покрывало и подушки сочных цветов, букет цветов в тон и золотистая, яркая по характеру “витражная” абстракция. Она не только собирает базовые цвета этой комнаты, но и повышает градус настроения. Это точно выбор жизнерадостного и энергичного человека.

“Приоритет красного”, художник К. Инал-Ипа

Попробуйте прикрыть картину рукой, либо представьте, что ее нет. Это невозможно! Правда же?! Цвета на максимум! Драйв, харизма, сила! Да, яркая мебель в сочетании с мраморной характерной панелью на стене формируют пространство, но искусство добавляет в него жизнь, душу.

Отметим несколько контрастов, которые добавляют “яркости” интерьеру — темный графитовый и красный цвета, перпендикулярное друг к другу направление “жирных” горизонталей (диван, живописные мазки) и вертикалей (мраморная панель, шторы, формы картины).

“Тёплые отношения”, художник К. Инал-Ипа

Настроение этой спальни — умиротворяющее, правда? Такое ощущение достигается благодаря спокойным базовым цветам, мягкому пуфику, стеганому покрывалу и, конечно, же уютной абстракции с ее природной древесной палитрой.

Этому впечатлению даже “не мешает” строгость стеновых молдингов в классическом стиле и нарядность подвесных светильников.

Все эти интерьеры декорировали профессиональные стилисты. Но никто не запрещает вам испробовать эти же приемы самостоятельно на примере своей спальни или своей гостиной.

Ну, а чтобы лучше ориентироваться именно в абстрактном искусстве, рекомендуем прочесть очень полезную статью куратора нашей  галереи “Как отличить хорошую абстракцию от плохой?”.

Картина «Абстрактный Натюрморт»

Печать на ламирине

Бюджетный материал на основе ватмана и пленки ПВХ предназначенный для высококачественных отпечатков. Влагостоек, Плотность около 200 гр.метр, матовый прочный. Служит идеальным материалом для эконом-печати фоторабот.

Печать на холсте

Натуральный хлопковый холст для полиграфической печати предназначенный для отпечатков картин и рукописных работ. Влагостоек. Плотность около 350 гр. метр., матовый, прочный

Роспись художником(Жикле)

Картина сначала типографским способом переносится на холст, получается «тусклый» отпечаток низкого разрешения , затем художник расписывает ее маслом. Роспись выполняется поверх контура изображения на хлопковом холсте. Холст заполняется маслом не менее чем на 80% поверхности , при этом техника Автора может не выдерживаться, допустимы отклонения в оттенках. Срок изготовления 6-7 рабочих дней . Роспись художником это наиболее оптимальное соотношение цена/качество.

Копия маслом

Художник пишет картину с «нуля» на чистом холсте , сохраняя технику Автора, цвет оригинала, детализацию. Картина пишется на хлопковом холсте масляными красками, при желании покрывается лаком . Срок изготовления от 20 рабочих дней.

Картины художников и абстрактное искусство. Часть 7

Чистые гармонии цветов

Натюрморт. Жан Метценже. 1915 г.

В то же время, в Париже начал развиваться орфизм. Так звал это направление Гийом Аполлинер, друг художников-кубистов. Изобретенный им термин указывал на мифического певца Орфея и музыкальную гармонию в живописи. Лидером группы орфистов стал Робер Делоне. На недолгое время, к ней примкнули Франсис Пикабиа, Жан Метценже Фернан Леже. Начальный импульс движению придала выставка итальянского футуризма в галерее Бернхайм в Париже в феврале 1912 г. Динамические пространственно-временные композиции Умберто Боччони и Карло Карра примирили орфистов и французских кубистов. В новом стиле изобразительного искусства цвет стал играть особую роль, т.к., в отличие от кубистов, Делоне двигался от цвета к форме. «Пока искусство не отрывается от предмета, оно остается описанием», отмечал Делоне. По этой причине, художник избегал описательной функции живописи, отказываясь от нее в пользу чистой гармонии цветов. Основой картин художника стали цветовые контрасты. Делоне объединял цвет, свет и ритм внутри абстрактных композиций, созданных из концентрических кругов.

Изобретение черного квадрата

В 1910 г. Москва предоставляла больше возможностей для ознакомления с новыми течениями в искусстве, чем многие другие европейские города. Даже в Париже, молодые художники, желая обратиться к опыту своих предшественников, могли увидеть не более чем 24 картины Сезанна и 51 работу Пикассо. В России, начиная с 1905 года, двое московских купцов (Сергей Щукин и Иван Морозов) числились сре­ди наиболее крупных собирателей современного французского ис­кусства. Помимо работ Сезанна и Пикассо, в это время в России появилось много картин Анри Матисса, Поля Гогена и Клода Моне. Более того, оба коллекционера открыли свои огромные особняки для художников, желающих учиться. Ряд журналов, посвященных искусству, регулярно информировали чита­телей о том, что происходит в художественной жизни Парижа.

Казимир Малевич охотно пользовался всеми этими возмож­ностями. Он обращался к западным образцам, чтобы усовершен­ствовать и дополнить свое искусство. В 1904 году, когда Малевич только приехал в столицу, его художественный стиль был целиком зависим от русской фольклорной традиции. Однако, после 1911 го­да, картины художника начали быстро развиваться в сторону бес­предметности. Образцом для него стало творчество Сезанна, Пикассо и итальянских футуристов. Он также лично познакомился с итальянским поэтом и теоретиком Филиппо Томмазо Маринетти, когда тот приезжал в Москву в 1914 году. С тех пор, Малевич, вдох­новленный новыми течениями, начал развивать свой собст­венный кубо-футуристический стиль.

Следуя афоризму Сезанна, который воспринимал все предметы окружающего мира как сферы, цилиндры и конусы, Малевич также сводил все изображаемые им предметы к простым и контрастным пластическим формам. Однако, в отличие от Брака и Пикассо, Малевич не сосредотачивался на серых и коричневых гаммах, вместо этого используя в своих композициях яркие контрасты цветов. Таким образом, он нашел свой собствен­ный путь к уникальному языку кубизма, подобно тому, как сделал это французский художник Фернан Леже посредством своих контраст­ных композиций.

Руководство по работе с натюрмортами — Ресурсы для студентов

Натюрморты могут включать в себя все виды искусственных или природных объектов. Они могут быть реалистичными или абстрактными, знакомыми или неожиданными или иметь символическое значение, связанное с празднованием или смертью.

Форма, узор, структура

Простые аранжировки натюрморта используются художниками издавна.Кубисты использовали их для экспериментов с формой, точкой зрения и материалом. Художники часто выбирают визуально интересные объекты — по форме, цвету или фактуре. Например, простая форма бутылки. Сложный узор на лоскутке ткани. Структура разрезанного пополам плода. Поп-артисты были вдохновлены смелой упаковкой повседневных предметов в своих работах.

Символы

Натюрморты также могут использоваться как символы.Изображая определенные объекты, художники предлагают другие темы или идеи. Художники часто включают черепа в свои работы, чтобы изобразить смерть. Такой натюрморт называется vanitas.

Вы придаете работе дополнительный смысл, когда включаете в нее вещи, имеющие личное значение. Это может быть фотография или сувенир. Многие художники двадцатого века изображают предметы культурного значения. Энди Уорхол использовал реальные предметы повседневного обихода, чтобы символизировать современную культуру и потребительство.

Новые интерпретации

Представляя повседневные предметы по-новому, художники создают новые интерпретации.Они заставляют нас думать об объектах по-другому. Сара Лукас отлила унитаз из прозрачной смолы. Это создало красивый объект из чего-то простого и функционального. То, что мы думаем об объекте, меняется, потому что теперь он выглядит драматично и детально. Обрезанные и увеличенные детали черепов Генри Мура напоминают интерьеры футуристических зданий.

натюрмортов и рефератов | B&H Explora

В доме можно найти множество предметов для абстрактной фотографии и натюрморта.Чтобы запечатлеть их, нам понадобится только базовое фотографическое оборудование и воображение.

Натюрморт обычно определяется как композиция неодушевленных предметов. В наших домах их полно. Мы можем найти уже существующее расположение предметов, которое нам нравится, например, эту вазу с цветами.

Примечание редактора: это гостевой блог от Дона Петерса

Также мы можем выбрать объекты для изображения и расположить их по своему желанию. Не так давно я сделал серию фотографий, пытаясь изобразить день воображаемого человека, показывая предметы, которые характеризовали разные периоды его дня.На этом кадре показано, как он проводил вечера.

Выбрать и расположить объекты для такого изображения может быть намного сложнее, чем мы думаем. Я перепробовал множество предметов и множество аранжировок, пока не нашел тот, который мне понравился.

С помощью предметов повседневного обихода мы можем рассказать причудливую историю. Однажды я решил устроить битву между обтяжкой и топом.

Это глупое изображение, но я все равно улыбаюсь, когда вижу его.

Предметы домашнего обихода также предлагают много возможностей для абстрактных изображений.Слово «абстрактный» может означать многое. В фотографии это часто относится к изображениям, на которых трудно узнать объект. Начальное изображение, например, представляет собой фотографию теней, отбрасываемых декоративной стеклянной чашей и призмой. На самом деле это так же представительно, как портрет или фотография из кружки. Однако, поскольку зритель не знает, что изображено, мы считаем такие изображения абстрактными.

Полупрозрачные объекты предлагают безграничные возможности для таких изображений. Чтобы получить их, нам нужен сильный направленный свет — в данном случае утренний солнечный свет, льющийся через окно.Я расположил чашу и призму так, чтобы их тени появлялись на листе фотобумаги. Я использовал камеру на штативе и тросик.

Съемка неузнаваемого объекта имеет свои преимущества и недостатки. Одним из недостатков является то, что у нас редко возникают эмоциональные реакции на незнакомые темы. Тезисы обычно предлагают не что иное, как интересную или красивую поверхность. Мы должны стараться доставить больше.

Преимущество использования неузнаваемого объекта в том, что у зрителей не будет никаких ожиданий относительно того, как должен выглядеть результат.Если мы сфотографируем Гранд-Каньон, у зрителей будут определенные ожидания относительно того, как он выглядит. Если мы бросим вызов этим ожиданиям или разочаруем их, мы столкнемся с сопротивлением зрителей. Это одна из нескольких причин, по которым я очень консервативен при обработке пейзажных изображений. Однако с неузнаваемым предметом мы можем обработать результат настолько агрессивно, насколько захотим.

Это изображение объединяет две фотографии струи дыма. Я заметил, что один клубок дыма напоминал голову змеи.Я добавил черты лица, в первую очередь, с помощью слоев кривых. Результат — то, что мы можем увидеть во сне.

Для фотографирования предметов домашнего обихода не требуется сложное оборудование. Все это было сделано при естественном освещении, в основном из окна. Во всех, кроме одного, я использовал пенопласт или фотобумагу в качестве фона. Штатив необходим, потому что, по крайней мере, при естественном освещении экспозиция будет медленной. Зум-объектив необходим, чтобы вы могли плотно кадрировать маленькие объекты и избегать обрезки.Вы быстро обнаружите, что вам нужно заранее тщательно очистить объекты. Каждый отпечаток пальца или немного грязи улавливается камерой

.

Однако в большинстве случаев для получения таких изображений нужно просто осмотреться, увидеть то, что интересно, и проявить изобретательность.

Изображения Дона Петерса можно увидеть на http://cornflakeaz.smugmug.com/

Отказ от ответственности: мнения, выраженные в этом материале, не обязательно отражают точку зрения B&H Photo, Video, Pro Audio

10 известных художников-натюрмортов ХХ века

Изображение обыденных предметов, таких как чаши, цветы, продукты питания и другие предметы, найденные в обычном домашнем хозяйстве, было и остается основной заботой художников-натюрмортов .Однако средства, стили и средства, в которых может быть представлено искусство натюрморта, значительно различаются.

В начале 17 века натюрморт стал самостоятельным жанром в искусстве , но считался менее важным, чем исторические и аллегорические изображения того периода. Появившись как независимый жанр в Европе в те же годы, невозможно определить, кто первым разработал и практиковал натюрморт в живописи. Истоки жанра натюрморта прослеживаются в живописных традициях Европы , включая фламандские картины Марии, созданные в пятнадцатом веке, итальянские изображения мясных прилавков и испанские винные погреба.Жан-Батист Шарден в 18 веке продолжал развивать натюрморт после успеха фламандских натюрмортов. Он использовал либо реализм в голландском стиле, либо более мягкую гармонию в своих творениях и создал одни из самых известных натюрмортов. С развитием художественных академий по всей Европе, которые пропагандировали иерархию жанров, натюрморты постепенно отставали и практиковались меньше, чем другие жанровые формы. Однако, когда неоклассицизм начал исчезать с ростом романтизма и реализма, натюрморт снова стал важной темой среди художников, таких как Франсиско Гойя, Гюстав Курбе и Эжен Делакруа.Следующим этапом развития натюрморта стали импрессионизм и постимпрессионизм, преобладание цвета и света над темой.

В 20 веке натюрморт считался художественной темой наравне с другими. Развитие натюрморта внимательно следило за стилистическими изменениями того периода: от фовизма, экспрессионизма, кубизма до поп-арта и фотореализма. Предметы натюрморта даже вышли за рамки традиционного средства живописи и вошли в арт-сцену как арт-объекты через ready-mades и инсталляции, где вместо того, чтобы быть представленными, они сами стали произведениями искусства, как в работах Армана и Джуди Чикаго.

В следующем списке приведены примеры некоторых из известных художников-натюрмортов 20-го века вместе с их картинами.

Совет редакции : Nature Morte: современные художники возрождают традиции натюрморта

Ведущие художники современности возрождают натюрморт — жанр, который когда-то больше ассоциировался со старыми мастерами шестнадцатого и семнадцатого веков, чем с современным искусством. Смелые натюрморты, прославленные здесь, бросают вызов этому историческому превосходству и по-новому определяют, что значит быть произведением природы (что буквально переводится с французского: «мертвая природа»).Будь то живопись, рисунок, скульптура, видео или другие средства массовой информации, современные художники опираются на многовековую традицию для создания концептуальной живости, красоты и эмоциональной остроты в настоящее время. Структурированная в соответствии с классическими категориями традиции натюрморта — Флора, Еда, Дом и дом, Фауна и Смерть, каждая глава в книге Майкла Петри исследует, как вечный символический резонанс memento mori был заново открыт для нового тысячелетия. .

Поль Сезанн — Аналитический подход к натюрморту

Поль Сезанн считается предшественником кубизма и модернизма в целом.Его аналитический подход к форме, линиям и цвету часто заставлял его создавать свои изображения из фрагментарных мазков, которые в дальнейшем будут использоваться кубистами. В его натюрмортах фрукты, кувшины и бутылки лежат на гофрированных скатертях и часто расположены так, чтобы походить друг на друга. Вместо создания реалистичного эффекта за счет иллюзии глубины, Сезанн экспериментировал с живописными элементами . Поэтому неудивительно, что многие модернисты называли его «отцом всех нас».

Изображение: Поль Сезанн — Натюрморт с черепом, 1895–1900. Изображение с www.ibiblio.org

Анри Матисс — Натюрморт Модернизм

Больше, чем просто лидер фовистского движения с Андре Дереном, Анри Матисс считается одной из ключевых фигур модернизма 20-го века. Натюрморт с оловянным кувшином и розовой статуэткой относится к периоду его фовизма, когда яркие цвета и линейный стиль создают динамичную композицию с одной из скульптур художника.Картина, созданная в арендованном доме в Исси-ле-Мулино недалеко от Парижа, изображает стену его мастерской, которая будет присутствовать на многочисленных картинах этого периода. Фовизм отдавал предпочтение экспрессии и цвету над реалистичным изображением мира, и в натюрмортах Матисса такая тенденция очевидна. Цвета обычно не соответствуют реальной ситуации, что делает его натюрморты одними из первых модернистских картин 20 века.

Посмотрите другие работы Анри Матисса на Widewalls Marketplace!

Лучшее изображение: Анри Матисс — Натюрморт с оловянным кувшином и розовой статуэткой, 1910 год.Изображение предоставлено art-matisse.com

Жорж Брак — Раздробление предметов

Продолжая и углубляя эксперименты Сезанна с элементами живописи, Жорж Брак создал некоторые из своих знаменитых натюрмортов в стиле кубизма, фрагментируя объекты на картинах и одновременно представляя их разные ракурсы. Хотя он начинал как фовист, после встречи с Пабло Пикассо он вскоре изменил свой стиль и принял кубизм в качестве основного способа выражения.За свою карьеру он создал множество картин, изображающих повседневные предметы, и часто использовал технику коллажа в своих творениях.

Показанное изображение: Жорж Брак — Натюрморт с гроздью винограда, 1912 г. Изображение взято с wikiart.org

Джорджио Моранди — Метафизические и минималистичные кадры

Возможно, самый известный художник-натюрморт 20 века, Джорджио Моранди , в первую очередь сосредоточился на изображениях ваз, цветов, чаш и бутылок.Его стиль перешел от более метафсиальных визуализаций к очень тонкому использованию цвета, которое часто сводилось к нескольким градациям оттенка и тона. Из-за его ограниченной палитры и минималистского выражения он считается провидцем минимального искусства.

Показанное изображение: Джорджио Моранди — Натюрморт, 1955 год. Изображение предоставлено arthistoryproject.com

Рой Лихтенштейн — Поп-объективность

Поп-арт — определенно направление высокого искусства, где мирские вещи получили беспрецедентную известность.Один из представителей движения, Roy Lichtenstein , создал одни из самых ярких образцов этого типа. Известный тем, что он использовал точки и отрывки из комиксов, Лихтенштейн применил тот же подход в своих натюрмортах.

Посмотрите другие работы Роя Лихтенштейна!

Featured image: Рой Лихтенштейн — Натюрморт. Изображение с сайта keyword-suggestions.com

Арман — Накопление предметов

Арман Фернандес, или просто Арман , — французский художник, который начинал как художник, используя следы чернил и краски, оставленные различными объектами на его работах, чтобы позже перенести свой интерес с живописных эффектов на сами объекты.Член Nouveau réalisme , Арман наиболее известен своими Accumulations — отливками из полиэстера, заполненными различными находками, от столовых приборов, обуви и часов до флаконов для духов и даже противогазов. Накопления напоминают традиционные натюрморты с той разницей, что найденных здесь вещей не представлены, а литературно представлены в пластиковой клетке.

Показанное изображение: Arman -Athérosclérose, 1961. Изображение предоставлено italy24.ilsole24ore.com

Джорджия О’Киф — Монументальность натюрморта

Считается матерью американского модернизма, Джорджия О’Киф известна своими картинами цветов и пейзажей.Сюжеты, мотивы и формы живописи О’Киф изменились под влиянием европейского модернизма. Хотя многие связывали ее изображения цветка ириса с вульвой, она отвергла такие фрейдистские интерпретации. Однако это не помешало другим художникам-феминисткам называть ее своим влиянием, и даже Джуди Чикаго посвятила ее место в своем произведении Dinner Party . Помимо цветов, Джорджия О’Киф также нарисовала различные предметы, такие как черепа, фрукты и мертвого кролика, в своих знаменитых натюрмортах.

Показанное изображение: Джорджия О’Киф — Восточные маки, 1927 год. Изображение предоставлено theredlist.com

Майя Копыцева — Раскрашивая каждый день

Одна из представительниц Ленинградской школы живописи и Заслуженная художница Советского Союза, Майя Копыцева известна своим натюрмортным искусством, в котором ее вдохновляли цвета и фактура фруктов, посуды и других предметов, найденных на кухне. Как один из самых известных художников-натюрмортов, она создавала выразительные цветовые изображения этих предметов, в которых игра с дополнительными и контрастными цветами дает доминирование над предметом.

Показанное изображение: Майя Копицева — Натюрморт с бананами, 1975 г. Изображение предоставлено commons.wikimedia.org

Джуди Чикаго — ужин

Джуди Чикаго ’s Обед считается одним из самых значительных произведений искусства 20-го века. Хотя она не выполнена в традиционной для жанра технике, эта инсталляция относится как к традиции натюрморта, так и, что более важно, к исторической маргинализации женщин.Стол накрыт для 39 известных женщин, и каждая сервировка украшена уникальной фарфоровой тарелкой, расписанной вручную на основе форм вульвы и бабочки, вышитыми полозьями, золотой чашей и посудой. Цель этой исключительной инсталляции натюрморта, по словам Чикаго, — «положить конец продолжающемуся циклу упущений, в котором женщины были исключены из исторических записей».

Показанное изображение: Джуди Чикаго — ужин, 1979. Изображение предоставлено nyclovesnyc.blogspot.rs

Одри Флэк — Преодоление женственности и феминизма

Родившаяся в 1931 году в Нью-Йорке, Одри Флэк, , была определена Движением за гражданские права и феминизмом Второй волны.Ее живописные работы отражают эти социальные условия. В ее натюрмортах изображены украшения, флаконы для духов, тюбики для губной помады и другие атрибуты женственности. Выполненные в стиле фотореализма, эти картины до сих пор вызывают споры о том, олицетворяет ли она женственность, демонстрируют ли эти работы феминистскую позицию или и то, и другое одновременно.

Показанное изображение: Андрей Флэк — Мадам Джоли, 1973 г. Изображение взято с bookslut.com

Натюрморт и как он пережил тысячи лет

Эдуард Мане однажды назвал натюрморт «пробным камнем живописи».Этот жанр искусства, характеризующийся интересом к неодушевленному, был популярен в разных движениях, культурах и периодах, и такие крупные фигуры, как Поль Сезанн и Пабло Пикассо, разделяли взгляды художников-импрессионистов.

Здесь мы исследуем вековой жанр, прослеживая его историю и смотрим на известные работы, чтобы ответить на вопросы: что такое натюрморты и как они развивались с течением времени?

Натюрморт Определение

Натюрморт (также известный под французским названием « nature morte ») — это произведение, в котором в качестве сюжета используются неодушевленные предметы.Обычно эти предметы устанавливаются на стол и часто включают в себя органические предметы, такие как фрукты и цветы, а также предметы домашнего обихода, такие как стеклянная посуда и текстиль.

Термин «натюрморт» происходит от голландского слова s tilleven , получившего известность в 16 веке. Хотя именно в это время натюрморт получил признание как жанр, его корни уходят в глубь веков.

История

Древнее искусство

Самые ранние известные натюрморты были созданы египтянами в 15 веке до нашей эры.В древних захоронениях были обнаружены погребальные рисунки с изображением еды, в том числе сельскохозяйственных культур, рыбы и мяса. Самый известный древнеегипетский натюрморт был обнаружен в гробнице Менны , стены которой были украшены исключительно подробными сценами повседневной жизни.

Натюрморт, найденный в гробнице Менны (Фото: Проект Йорка через Wikimedia Commons Public Domain)

Древние греки и римляне также создавали похожие изображения неодушевленных предметов. Хотя они в основном использовали натюрморты для мозаик, они также использовали его для фресок , таких как «Натюрморт со стеклянной чашей с фруктами и вазами» , настенная живопись 1-го века из Помпеи.

«Натюрморт со стеклянной чашей с фруктами и вазами» (63–79 гг. Н.э.) (Фото: Проект Йорка через Wikimedia Commons Public Domain)

Средние века

В средние века художники приспособили натюрморт для религиозных целей. Помимо включения символических композиций в изображения библейских сцен, они также использовали их для украшения иллюминированных манускриптов. В границах этих книг можно найти такие предметы, как монеты, ракушки и бушели фруктов, в том числе искусно украшенный « Часы Екатерины Клевской » 15 века.

«Часы Екатерины Клевской» (1440)

Ренессанс

Художники Северного Возрождения популяризировали натюрмортную иконографию, выпустив цветочных картин . Эти произведения обычно демонстрируют красочную флору «из разных стран и даже с разных континентов в одной вазе и в один момент цветения» (Музей искусств Метрополитен) и часто не содержат других сюжетов. Эти картины приобрели известность в начале 17 века, когда художники Северного Возрождения все больше интересовались созданием реалистичных этюдов повседневных предметов.

Ян Брейгель Старший, «Цветы в деревянном сосуде» (1606–1607) (Фото: Google Art Project через Wikimedia Commons Public Domain)

Голландский золотой век художников сделали еще один шаг вперед в этом интересе к детальному цветочному искусству, создав свои картины vanitas . Картины Vanitas вдохновлены memento mori , жанром живописи, латинское название которого переводится как «помни, что ты должен умереть». Подобно memento mori , изображает , , эти части часто сочетают срезанные цветы с такими объектами, как человеческие черепа, тусклые свечи и перевернутые песочные часы, чтобы прокомментировать мимолетную природу жизни.

В отличие от memento mori art, картины vanitas «также включают другие символы, такие как музыкальные инструменты, вино и книги, чтобы явно напомнить нам о тщеславии мирских удовольствий и благ» (Тейт).

Питер Клас, «Ванитас — Натюрморт» (1625 г.) (Фото: Память о Нидерландах через Wikimedia CommonsPublic Domain)

Современное искусство

Натюрморт оставался популярным элементом во многих направлениях современного искусства. В то время как художники-импрессионисты, такие как Пьер-Огюст Ренуар, баловались этим жанром, он дебютировал в современном стиле в период постимпрессионизма, когда Винсент Ван Гог использовал вазы для цветов в качестве своего предмета, а Сезанн написал знаменитую серию натюрмортов с яблоками и винными бутылками. , и кувшины с водой, покоящиеся на перевернутых столешницах.

Винсент Ван Гог, «Подсолнухи» (1889 г.) (Фото: Национальная галерея через Wikimedia Commons (общественное достояние)

Поль Сезанн, Корзина яблок (ок. 1895 г.) (Фото через Wikimedia Commons Public Domain)

Некоторые изображения Сезанна даже отдают дань уважения жанру vanitas , включая черепа.

Поль Сезанн, «Натюрморт с черепом» (ок. 1895-1900) (Фото: Иллюстрация только через Wikimedia Commons Public Domain)

Помимо постимпрессионистов, мастера кубизма Пабло Пикассо и Жорж Брак и пионер поп-арта Рой Лихтенштейн также отдавали предпочтение повседневным предметам, от мисок с фруктами до технологических изобретений.

Жорж Брак, «Натюрморт с метрономом» (1909)
Фотография: Музей искусств Метрополитен через Wikimedia Commons

Современное искусство

Сегодня многие художники вносят современный поворот в вечную традицию, рисуя натюрморты с современной едой и предметами в гиперреалистичном стиле. Как и предметы, которые их вдохновляют, эти картины высокого разрешения доказывают, что даже самые приземленные предметы можно превратить в шедевры.

Тьялф Спарнай, «Здоровый бутерброд» (2013)

Статьи по теме:

Причудливые диеты знаменитостей, воссозданные как классические натюрморты

Изысканные композиции из цветов и блюд напоминают изящную красоту натюрмортов

Красочные натюрморты, вышивки причудливых комнатных растений и современный дизайн интерьера

Художник дает старым кистям новую жизнь и индивидуальность в образе персонажей в стиле барокко

Абстрактные натюрморты Пейдж Паттерсон Уилсон освещают архитектурный фонд Галерея | Искусство и развлечения

Размещено 5 сентября 2019 г.
| 12:35 с.м.

Художница Пейдж Паттерсон Уилсон играет яркими красками в своих абстрактных работах. (Пейдж Паттерсон Уилсон)

Архитектурный фонд Санта-Барбары объявляет об открытии Abstract Trompe L’oeil, выставки масляных картин Пейдж Паттерсон Уилсон, с приемом, 5-7 стр.м. Пятница, 20 сентября, в галерее фундамента, ул. Е. Виктория, 229. Выставка продлится до 14 ноября.

Abstract Trompe L’oeil подчеркивает глубокий интерес Уилсона к игре цветных поверхностей. Ее предыдущие картины были обычными натюрмортами, изображающими узнаваемые объекты с отражающими прозрачными поверхностями, которые выглядят как небольшие абстракции.

Создание этих картин привело ее к идее создания чисто абстрактных натюрмортов. На первый взгляд ее новая работа кажется плоской, четкой, геометрической и абстрактной.При ближайшем рассмотрении зрителей привлекает иллюзия глубины.

Для создания своих необычных картин Уилсон сначала конструирует абстрактный натюрморт — трехмерную композицию из непрозрачной, полупрозрачной и прозрачной бумаги и цветных гелей.

Расставив освещение выше, чтобы создать калейдоскоп отражений, она рисует натюрморт на основе прямого наблюдения, пытаясь создать иллюзию трехмерности и прозрачности, используя только непрозрачные пигменты.

Хотя картины представляют собой формальные композиции, они вызывают ассоциации с футуристическими городами, космосом и научной фантастикой. Плоскостность поверхности и иллюзия глубины сосуществуют одновременно, создавая пространства, в которых волшебным образом сосуществуют взаимодействие и слияние насыщенных цветов, абстрактных форм и воображения.

Уилсон получила степень бакалавра в 1979 году в Государственном университете Сан-Франциско, где она училась у Роберта Бехтла, художника-фотореалиста. Она получила степень магистра иностранных дел в 1982 году в UCSB, где училась у Сиэля Бергмана и Уильяма Доула.

Она содержала студию и резиденцию в Санта-Барбаре в течение 40 лет и участвовала во многих групповых выставках и нескольких персональных выставках. В настоящее время она преподает искусство в школе расширенного обучения SBCC.

Мастер-класс по демонстрации процесса создания абстрактного натюрморта и его преобразования в картину будет проходить с 13:00 до 13:00. Суббота, 26 октября, в галерее AFSB. Стоимость участия 30 долларов. Чтобы купить билет, посетите сайт Архитектурного фонда.

Архитектурный фонд находится в историческом здании Acheson House, на углу улиц Гарден и Ист-Виктория. Обычные часы работы галереи — с 13 до 16. По субботам и по предварительной записи.

— Росио Ирибе для архитектурного фонда Санта-Барбары.

натюрмортных композиций: живопись натюрморты

Натюрморт дает художнику полный контроль по его теме.Предоставлены натюрморты. были правильно настроены с постоянным источником света — окно, выходящее на север, или искусственное освещение и отражатели — тогда художник волен сконцентрируйтесь на воспроизведении того, что он видит.

в первую очередь нужно убедиться, что состав действительно, как вы этого хотите.Чтобы быть уверенным вдвойне, вы может пожелать нарисовать аккуратные наброски, так как эффект картины сильно отличается от простого взгляда в источнике темы. Тогда тебе наверняка захочется проанализировать тональные значения и убедиться, что у вас есть приятный узор темного и светлого. Потом цветовые схемы, в которых вы будете разрабатывать палитру заранее, сделав эскизы маслом или хотя бы раскладка основных цветов в грубом приближении их расположению в финальной картине.

Теперь вам нужно будет доработать композицию и проверьте правильность освещения. Многие художники будут не хотят расписывать именно то, что видят — в на самом деле, вероятно, не сможет, если не нацелен на фотореализм — но очень сложно нарисуйте все, что не видно должным образом. Проводить хорошее время для создания ваших натюрмортных композиций, следовательно: это очень важно.

Как вы будете действовать сейчас, зависит от ваших целей и нефти техники живописи. Подход старого мастера повторные слои краски и глазури отнимают много времени, но обеспечивает отличный контроль и разнообразие эффектов. Вы увидите, как красиво у Сурбарана нарисовал апельсины в плетеной корзине («Еще Жизнь: лимоны, апельсины и роза ».1633. Нортон Музей Саймона. Калифорния). Они имеют значение что такие предметы обычно не имеют в действительности жизни, возможно, потому, что так много Сурбарана работа велась для религиозных орденов.

Совершенно другая деталь от Шардена натюрморт («Серебряный кубок». ок. 1759. Musée дю Лувр.Париж). для которого, возможно, поэзия является слово, которое приходит на ум. Опять же, это осторожно и давно продуманная живопись, в полной мере использующая слои и глазури. Третья деталь — крохотный отрезок от работа художника, много сделавшего неприятностей: Эдуард Мане: его «Бар в Фоли-Бержер» (1882 г.Галерея Курто. Лондон). Это бравура живопись, только грубо смоделированная, но сделанная с большим щегольство. Это был способ Мане, провокационный для респектабельной буржуазии и Академии, которая предусмотрена высокая отделка.

10 самых известных натюрмортов известных художников

Натюрморт — жанр, который приобрел известность в западном искусстве к концу 16 века и с тех пор остается важным жанром.Натюрморты классифицируются по изображению обычных предметов, которые могут быть естественными, например цветы, фрукты и т. Д., Или искусственными, например, очки, музыкальные инструменты и т. Д. Вот список из 10 самых известных натюрмортов известных художников жанр, включая Шардена, Поля Сезанна, Ван Гога и Джорджо Моранди.

---

# 10 Натюрморт серии

Автор: Том Вессельманн

Год: 1962

Одна из картин «Натюрморт» Тома Вессельмана

Pop Art Movement появилась в 1950-х годах и использовала узнаваемые образы из популярной культуры.Среди самых популярных произведений поп-арта — серия «Натюрморт» Тома Вессельмана. Его натюрморты изображают элементы современного мира, а не фрукты и овощи предыдущих поколений художников этого жанра. Эта работа (Натюрморт № 30) представляет собой сочетание живописи, скульптуры и коллажа коммерческих этикеток, найденных Томом на улице.

---

# 9 Vanitas со скрипкой и стеклянным шаром

Автор: Питер Клас

Год: 1628

Ванитас со скрипкой и стеклянным шаром (1628 г.) — Питер Клас

Питер Клас, работавший в течение г. Золотого века Голландии г., был одним из выдающихся художников-натюрмортов своего времени.Он известен vanitas или натюрмортами, которые содержат символы смерти или перемены как напоминание об их неизбежности. Это его самая известная картина. На нем изображено множество объектов, наиболее интересно — стеклянная сфера на заднем плане, на которой Клас сидит за мольбертом, выступая в роли автопортрета.

---

# 8 Корзина фруктов

Автор: Караваджо

Год: г. 1599

Корзина с фруктами (1599) — Караваджо

Караваджо был пионером реалистичного изображения и драматического использования освещения в картинах.Он применил свой натурализм к натюрмортам, и поэтому «Корзина фруктов» отличается от предыдущих картин этого жанра. Помимо явно фотографического изображения, картина примечательна испорченными фруктами, , которые, по-видимому, были съедены насекомыми. Спорный вопрос, писал ли мастер то, что было доступно, или он пытался передать более глубокий смысл.

---

---

# 7 Natura Morta (Натюрморт)

Автор: Джорджио Моранди

Год: 1956

Natura Morta (1951) — Джорджио Моранди

Джорджо Моранди был ведущим натюрмортами двадцатого века и одним из величайших итальянских художников своей эпохи.Его натюрморты известны своей бесхитростностью сюжета, приглушенными красками и простотой исполнения. Маранди использовал одно и то же название « Natura Morta », итальянское название «натюрморт», для всех своих работ в этом жанре. Вышеупомянутая картина — одна из его многих известных работ, известных своей поэтичностью и яркостью.

---

# 6 Корзина яблок

Автор: Поль Сезанн

Год: 1895

Корзина яблок (1895) — Поль Сезанн

За исключением короткого периода в Северной Европе 17-го века, натюрморт был забытым жанром, несмотря на усилия Жана-Батиста Шардена.Именно Поль Сезанн почти в одиночку поднял его до такой высоты, что он стал популярным предметом для будущих художников, включая Пикассо, Матисса, Моранди и Брака. Эта картина является ярким примером его работ, в которых он использовал такие техники, как две точки зрения, которые должны были изменить направление искусства. Картина также известна своими несбалансированными частями, такими как названная бутылка, наклонная корзина и фрукты, которые вот-вот упадут.

---

# 5 Натюрморт с лимонами, апельсинами и розой

Автор: Франсиско де Сурбаран

Год: 1633

Натюрморт с лимонами, апельсинами и розой (1633) — Франсиско де Сурбаран

Франсиско де Сурбаран более известен своими религиозными картинами, но он также был одним из самых влиятельных художников-натюрмортов.Эта картина считается шедевром жанра и является единственным полотном, когда-либо подписанным и датированным испанским мастером. Три объекта на картине аккуратно расставлены и светятся на темном фоне. Принято считать, что в картине присутствует религиозный символизм.

---

# 4 Луч (La raie)

Автор: Жан-Батист-Симеон Шарден

Год: 1728

Луч (1728) — Жан-Батист-Симеон Шарден

Жан-Батист-Шарден считается величайшим художником в натюрмортах. Жан-Батисту Шардену приписывают продвижение натюрморта, который бросил вызов другим устоявшимся жанрам.Луч был его шедевром, с помощью которого он привлек будущие поколения художников к натюрмортам. Картина содержит несколько новых элементов, среди которых наиболее заметно изображение живого существа в форме кошки . Его широко изучали, восхищались и копировали будущие художники, включая Анри Матисса.

---

---

# 3 Скрипка и подсвечник

Автор: Жорж Брак

Год: 1910

Скрипка и подсвечник (1910 г.) — Жорж Брак

Жорж Брак вместе с Пикассо стал соучредителем доминирующего художественного стиля двадцатого века, Кубизм .Хотя он начинал с пейзажей, позже он перешел к натюрмортам. Этот шедевр является примером аналитического кубизма , первой фазы кубизма, которая была короткой, но влиятельной. Элементы на картине изображены в простых формах с использованием нескольких точечных перспектив, и она написана в монохроматическом стиле, то есть используются разные тона одного цвета.

---

# 2 Rideau, Cruchon et Compotier

Автор: Поль Сезанн

Год: 1894

Rideau, Cruchon et Compotier (Кувшин, занавес и ваза с фруктами) (1894) — Поль Сезанн

Поль Сезанн считается величайшим мастером натюрморта, и эта работа является его самой знаменитой картиной в жанре.Технически он отличается двойной перспективой, которую создает Сезанн, а визуально очаровывает зрителя красиво нарисованными несбалансированными частями.

Абстрактные натюрморты: Абстрактный натюрморт с цветами в вазе и фруктами акрилом