Фотография как искусство
Фотография фотографии рознь.
Снимки часто делаются только для того, чтобы остановить какие-то мгновения, сохранить память о событиях или местах, где человек побывал — мы называем этот жанр «Я и пальма». Но иногда хочется снять нечто такое, что будет пробуждать эмоции независимо от воспоминаний, хочется сделать снимок, который будет висеть на стене так, как будто он открывает окно в какой-то другой мир, — туда, где мы еще не были и вряд ли уже будем. Окно в мир искусства.
Да-да, это будет именно искусство, которое вы создали сами – не Микеланджело, не Сарьян и не Малевич — именно вы. А почему нет? Это доступно каждому. Надо только захотеть.
Именно тем, кто стремится делать такую фотографию, и пригодится наша Азбука. Для фотосессий класса «Я и пальма» все эти знания абсолютно не нужны – современные цифровые камеры настолько просты в обращении и настолько сложны внутри, что позволяют снимать «хроники жизни» без малейших усилий, без духовной перегрузки — и с великолепными результатами, которыми можно под завязку набить толстенький альбомчик 10х15.
Как определить — искусство или нет?
Если при взгляде на чужую фотографию вам жаль, что не вы ее сделали – это искусство. Шутка. Но только почти.
Положим, свои шедевры мы всегда знаем — только не нужно пытаться убеждать себя в обратном. Некоторые фотографы так упорно стараются добиться абсолютного совершенства, что простыми рядовыми удачами пренебрегают. И тем самым обедняют и себя, и нас. Другие же, напротив, каждый свой снимок видят только в розовом фильтре и лишают себя роскоши критической оценки.
Если вам удастся избегнуть таких крайностей (а крайности всегда крайне вредны), то останется только прислушаться к внутреннему голосу. Своему. Он вас никогда не обманет. Ведь главное — чтобы снимок нравился вам самому. Создателю.
И если вам снимок нравится — это искусство. А настоящее искусство достойно выхода в массы — в печать и в свет.
Печать как заветный результат
Ваш замечательный снимок станет настоящим шедевром лишь после того, как Вы его представите на суд зрителя.
Хотя, уже на пороге времена, когда в галереях или на стенах квартир будут висеть плазменные панели для демонстрации картин (настольные электронные рамки уже вовсю продаются в магазинах), но самым простым способом овеществления шедевра все-таки остается печать.
После появления более-менее дешевых струйных принтеров стало возможно печатать фотографии прямо на дому, а главное — стало возможно управлять качеством и процессом печати.
Управлять процессом — это очень важно. Наверное, каждый владелец камеры хотя бы раз оказывался в такой ситуации: приходите вы в лабораторию получать фотографии, а они…
- слишком красные…
- слишком синие…
- слишком мутные!
- …да это вообще не ваши фотографии!!!
Поэтому печатать снимки дома — надежнее. Придется потратиться на бумагу (которая чем лучше – тем дороже!) и на чернила (которые бывают оригинальные — т.е. от производителя вашего принтера, а бывают дешевле — т.
е. не от производителя вашего принтера).
Сделать качественный отпечаток дома не так уж просто. Прежде всего, принтер и монитор нужно откалибровать, для чего придется воспользоваться специальным оборудованием. Понадобятся также навыки в управлении цветом (color management), изменении контраста, цвета, насыщенности и многих других характеристик изображения. Обо всем этом можно прочитать в нашей Азбуке.
Впрочем, можно и не заниматься всем этим самому — достаточно найти профессионалов, которые за разумные деньги сделают все за вас. В последнее время таких сервисов появляется все больше и больше. Здесь важно не ошибиться в выборе. И для этого вам опять-таки полезно будет дочитать до конца нашу Азбуку — ведь если даже вы будете обрабатывать и печатать свои шедевры не сами, то знакомство с этими технологиями позволит вам осознанно выбрать наиболее профессионального исполнителя ваших заказов.
Техника и искусство фотографии
Техника и искусство фотографии
Поступить
Квалификация
Сроки обучения:
Очная форма обучения:
На базе 9 классов – 2 года 10 месяцев.
На базе 11 классов – 1 год 10 месяцев.
Заочная форма обучения
На базе 11 классов – 2 года 10 месяцев.
Сегодня нам ничего не стоит достать из кармана мобильный телефон и сделать пару десятков снимков. Доступность этой техники ещё, конечно, не означает, что каждый, кто владеет ею — владеет искусством фотографии. Ведь настоящее искусство — это уникальное фото, а не гора дублей.
Для того чтобы снимки стали оживать и передавали атмосферу того события, которое на них запечатлено, фотограф просто обязан обладать чувством стиля, видеть то, что невидно никому из окружающих, находить нестандартные, необычные моменты в самых заурядных на первый взгляд вещах. И мало всё это заметить, важно суметь передать это зрителю. Конечно, и смартфоном можно создавать шедевры, но этому нужно учиться.
Колледж управления и экономики — единственный колледж в Поволжье, который выпускает профессиональных фототехников! Именно в нашем Колледже тебя обучат всем секретам и тонкостям профессии, помогут вырастить из зачатков твоего таланта — успешного фотохудожника!
Перечень необходимых документов
- Документ, удостоверяющий личность
- Документ об образовании
- Фотографии (4 шт, 3х4см)
- Медицинская справка 086/у
- Школьная медицинская карта
- Приписное свидетельство или военный билет (при наличии)
Требования к индивидуальным особенностям кандидата
- творческое мышление;
- художественный вкус;
- нормальная острота зрения;
- хорошая кинестетическая чувствительность;
- точный линейный и плоскостной глазомер;
- готовность к разумному риску;
- коммуникативные и организационные способности.
Медицинские противопоказания
- заболевания сердечно-сосудистой системы;
- опорно-двигательного аппарата;
- нервно-психические заболевания;
- заболевания зрения;
- заболевания, при которых противопоказано яркое искусственное освещение.
Как поступить?
Зачисление на специальность «Техника и искусство фотографии» осуществляется без вступительных испытаний на основании документа об образовании (аттестата).
Адрес приемной комиссии
г. Тольятти,
б-р Курчатова 16
Телефоны приемной комиссии
8482-36-18-18
8482-50-80-66
Время работы
ПН – ЧТ 09:00–17:00
ПТ 09:00–16:00
сб – ВС выходной
Приемная
комиссия
Навыки, которые мы поможем развить
- Работа на результат
- Лидерство
- Интеллект
- Личная ответственность
- Точность и пунктуальность
- Профессионализм и эффективность
- Работа в команде
- Активная социализация
Фотохудожник должен обладать множеством качеств.
Он должен быть психологом, понимать характер модели, уловить момент ее самораскрытия, уметь находить сокровенное в позе, мимике, выражении лица, фоне и ракурсе подачи, чтобы полнее раскрыть внутренний мир и своё отношение к нему.
Выпускники обладают креативным мышлением, владеют внушительным, арсеналом профессиональных знаний и навыков в области дизайна:
В процессе обучения студенты изучают:
- историю изобразительного искусства;
- рисунок с основами пластической анатомии;
- композицию и постановку света;
- технику и технологию фотосъемки;
- фотосъемку в различных жанрах;
- художественную фотографию;
- рекламную фотографию;
- компьютерные технологии обработки фотографии;
- экономику и управление фотоорганизацией;
- бизнес-планирование и многое другое.
Каждый семестр проводятся подготовка и смотр профессиональных портфолио, в рамках которых студенты получают экспертную оценку своих работ.
Лучшие работы отправляются на фотовыставки.
Ведущие преподаватели
По окончании обучения выпускники смогут работать в:
- фотостудиях,
- телекомпаниях,
- журналистике,
- модельном бизнесе,
- рекламных агентствах,
- издательствах,
- музеях,
- на съемочных площадках,
- учреждениях дополнительного образования и т.д.
Наши выпускники
Документы по специальности
Как фотография стала искусством | Аарон Герцманн
Это первая часть серии постов на тему того, могут ли компьютеры создавать искусство, адаптированная из моего более длинного эссе на эту тему . Что касается уроков прошлого об искусственном интеллекте и искусстве, возможно, нет более важного изобретения, чем фотография. В этом первом эссе рассматривается вопрос: как фотография стала уважаемой формой искусства и какие уроки это дает новым художественным технологиям искусственного интеллекта?
До изобретения фотографии реалистичные изображения мира могли создавать только опытные художники.
В современном мире мы настолько завалены изображениями, что трудно представить, насколько особенным и уникальным должно быть ощущение, когда видишь хорошо выполненную реалистичную картину. И навыки профессиональных художников неуклонно улучшались на протяжении веков; к XIX веку такие художники, как прерафаэлиты и французские неоклассики, достигли ослепительного визуального реализма в своих работах.
Технические навыки реализма были неотделимы от других творческих задач при создании изображений. Ситуация изменилась, когда фотография автоматизировала задачу создания изображений реального мира.
Представьте, что вы живете в 19 веке, когда высококачественная фотография еще не получила широкого распространения. Картины, подобные этой, «Офелия» Милле 1852 года, были единственным способом увидеть реалистические образы мира, и только искусные художники могли их создать. Эта картина имеет ширину почти четыре фута и на самом деле демонстрирует прекрасные детали и виртуозность. В 1839 году были изобретены первые два коммерчески-практических фотографических процесса: дагерротип Луи-Жака-Манде Дагера и негативно-позитивный процесс Уильяма Генри Фокса Талбота.
В основном они были представлены как способы производства практических рекордов мира. Из этих двух дагерротип был более популярен в течение нескольких десятилетий, в основном потому, что процесс Талбота был ограничен патентами. Усовершенствования метода Талбота в конечном итоге сделали дагерротип устаревшим и превратились в современные кинопроцессы.
Дагерротип предложил экономичный способ создания реалистичного портрета. Оно было очень медленным и требовало фиксации головы испытуемого с помощью повязки на несколько минут, при этом испытуемый крепко сжимал свой стул, чтобы не шевелить пальцами. Тем не менее, многочисленные дагерротипные студии возникли и стали обычным явлением по мере совершенствования технологий, и многие портретисты перешли на эту новую технологию.
К 1851 году дагерротипная портретная фотография стала обычным явлением и в значительной степени вытеснила старые портретные методы. Ситтерам обычно приходилось позировать в течение нескольких минут, крепко сжимая стул и сохраняя жесткую позу, чтобы избежать любого движения. В течение нескольких десятилетий фотография в значительной степени заменила большинство старых форм портретной живописи, таких как силуэт, и сегодня, похоже, никто особенно не сожалеет об этой утрате. Как бы я ни ценил таинственность и красоту старых офортов и портретов, а также некоторых современных портретов, я обычно предпочитаю использовать камеру своего мобильного телефона, чем пытаться рисовать все вручную.
Еще одним ранним применением дагерротипа было производство сувениров для туристов: к 1850 году дагерротипы римских руин полностью заменили гравюры и литографии, которые ранее покупали туристы. По мере совершенствования технологии фотография стала незаменимым источником записей для инженерных проектов и исчезающих архитектурных руин, а также для документальных целей, таких как фотографии Мэтью Брэди об ужасах гражданской войны в США.
Художники и критики десятилетиями спорили, является ли фотография искусством. Выявились три основные позиции.
Во-первых, многие люди считали, что фотография не может быть искусством , потому что она была создана машиной, а не человеческим творчеством. С самого начала художники пренебрежительно относились к фотографии и видели в ней угрозу «настоящему искусству». Сообщается, что даже на первых презентациях 1839 года художник-классик Поль Деларош выпалил: «С сегодняшнего дня живопись мертва!» Два десятилетия спустя поэт Шарль Бодлер написал в обзоре Салона 1859 г.
:
«Если фотографии позволить дополнять искусство в некоторых его функциях, она вскоре вытеснит или испортит его полностью из-за глупости множества, которое является ее естественным союзником».
A Вторая точка зрения заключалась в том, что фотография может быть полезна настоящим художникам, например, для справки, но не должна рассматриваться как равная рисунку и живописи. Например, несмотря на его публичное осуждение фотографии, более поздние картины Энгра демонстрируют веские доказательства того, что он работал с фотографическими референсами.
Наконец, третья группа , связывающая фотографию с устоявшимися формами, такими как офорт и литография, считает, что фотография может в конечном итоге стать такой же значимой формой искусства, как и живопись. Эта группа, включающая любителей и мастеров, жадно исследовала его потенциал.
Фотография в конечном счете оказала глубокое и неожиданное влияние на живопись .
Миметические способности художников совершенствовались на протяжении веков.
Многие художники 19-го века, такие как прерафаэлиты, такие как Джон Эверетт Милле, и неоклассики, такие как Энгр, рисовали изображения мира с ослепительным реализмом, более, чем когда-либо прежде. Однако камеры стали дешевле, легче и проще в использовании и получили широкое распространение как среди любителей, так и среди профессионалов. Реалистичные фотографии стали обычным явлением к концу 19 века.век. Если фотореализм можно свести к механическому процессу, то какова роль художника?
Этот вопрос уводил художников от визуального реализма к различным формам абстракции. Тоналистское движение Джеймса Макнейла Уистлера создавало атмосферные, мрачные сцены; он писал: «Подражатель — существо бедное. Если бы человек, рисующий только дерево, или цветок, или другую поверхность, которую он видит перед собой, был бы художником, то королем среди художников был бы фотограф.
Художник должен сделать что-то большее». Импрессионисты, стремившиеся запечатлеть восприятие сцен, вероятно, находились под влиянием вызывающих воспоминания «несовершенств» ранних фотографий, таких как Boulevard du Temple, показан выше.
Напротив, художники-символисты и постимпрессионисты вообще отошли от перцептивного реализма. Эдвард Мунк писал: «Я не боюсь фотографии, пока ее нельзя использовать ни в раю, ни в аду. …Я буду рисовать людей, которые дышат, чувствуют, любят и страдают». Винсент Ван Гог, описывая свои художественные прорывы около 1888 года, писал своему брату:
Ван Гог отказался от точного визуального изображения, поскольку это всего лишь фотография.Вы должны смело преувеличивать эффекты гармонии или диссонанса, которые производят цвета. То же самое и в рисовании — точный рисунок, точный цвет, пожалуй, не главное, к чему нужно стремиться, потому что отражение действительности в зеркале, если бы его можно было уловить, цвет и все такое, вовсе не было бы картиной.
, не более чем фотография.Другими словами, Мунк, Ван Гог и многие другие художники их поколения рассматривали реализм как работу фотографии и цель настоящий художник должен был найти способ выйти за рамки реализма — сделать то, что камеры сделать не могли.
В 1920 году, много десятилетий спустя, Андре Бретон, основатель дадаизма и сюрреализма, предварил заявление о дадаизме словами: «Изобретение фотографии нанесло смертельный удар старым способам выражения как в живописи, так и в поэзии. … Поскольку слепой инструмент теперь гарантировал художникам достижение цели, которую они себе поставили… они теперь стремились… избавиться от подражания видимости».
На самом деле кажется вероятным, что фотография была одним из главных катализаторов движения «Современное искусство»: ее влияние привело к десятилетиям жизни в мире живописи, поскольку художники вдохновлялись фотографическими изображениями и выходили за рамки реализма. Без фотографии, возможно, не было бы современного искусства.
Тем временем фотографы пытались развивать и отстаивать свое собственное искусство. В Соединенных Штатах эти фотографы называли себя фото-сецессионистами, поскольку они «откололись» от обычаев и традиционных форм искусства. Они утверждали, что значительный контроль художника над созданием изображения, чтобы выразить свое видение, сделал его формой искусства.
Движение пикториалистов, зародившееся примерно в 1885 году, преследовало особую визуальную эстетику в создании фотографий как формы искусства. Пикториалисты осуществляли значительный художественный контроль над своими фотографиями. Некоторые использовали высоко поставленные предметы, как в классической живописи, и тщательно обрабатывали их изображения в темной комнате, чтобы создать очень формальные композиции. Многие из их работ имели туманный, атмосферный вид, похожий на тонализм Уистлера, смягчающий реализм высококачественной фотографии. Казалось, что они намеренно имитируют качества изобразительного искусства того времени, и сегодня большая часть их работ кажется несколько испорченной.
Фото-сецессионисты использовали различные стратегии для легитимации своей работы как искусства, такие как организация фотографических обществ, периодических изданий и фотовыставок с участием жюри. Их работы и достижения заставляли все труднее и труднее отрицать художественный вклад фотографии; кульминацией которой стала «Шоу Буффало», организованная Альфредом Штиглицем в галерее Олбрайт в Буффало, штат Нью-Йорк, первая фотовыставка в американском художественном музее в 1910. Фотография прочно утвердилась как искусство.
Последующие движения модернистской фотографии избавились от искусственных стилей пикториализма.
Среди них были такие фотографы, как группа F/64 из Сан-Франциско, которые исследовали сочетание резких, натуралистичных изображений с абстрактными композициями.
Эта история содержит несколько уроков, которые имеют прямое отношение к ИИ как художественному инструменту.
Когда впервые была изобретена камера, она выглядела как машина, автоматизирующая создание произведений искусства. Никаких навыков не требовалось. Многие художники боялись и осуждали его. Они предсказывали, что это уничтожит высокое искусство и лишит работы лучших художников.
Что на самом деле произошло?
- Создан новый вид искусства: фотография. Эта форма имеет свои уникальные стили и творения.
- Возрождение старых форм искусства. Возможно, современного искусства вообще не существовало бы, если бы фотография не ставила под сомнение роль художника в реализме.
- Старые технологии портретной съемки во многом устарели. На практике это означало, что портретным студиям нужно было изучить и внедрить новую технологию.
- Фотография стала доступна любителям; имиджмейкинг был «демократизирован». В наше время сфотографировать может любой, у кого есть мобильный телефон.
Этот шаблон повторился с изобретением компьютерной графики. На заре компьютерной графики Эд Кэтмелл и Элви Рэй Смит (который позже основал Pixar) пытались заинтересовать аниматоров Диснея новой технологией. Позже Смит сказал: «Аниматоры боялись компьютера. Они чувствовали, что это лишит их работы. Мы потратили много времени, говоря людям: «Нет, это всего лишь инструмент — он не способствует творчеству!» Это заблуждение было повсюду». Сегодня компьютерная анимация — чрезвычайно успешная новая форма искусства, опирающаяся на таланты огромного числа аниматоров и других творческих и технических специалистов.
Я считаю, что та же картина повторяется с новыми художественными инструментами искусственного интеллекта.
Наивные зрители, не разбирающиеся в современных технологиях или искусстве ИИ (или в том и другом), опасаются, что ИИ сделает художников устаревшими. Не верьте рекламе. На самом деле эти новые инструменты открывают огромные творческие возможности для искусства и культуры; они не заменяют художников, а наоборот, расширяют их возможности.
Подробнее я объясню в следующей части этой серии.
Историческая информация в этом эссе в основном взята из двух книг: Всемирная история фотографии Наоми Розенблюм для всеобщей истории и Искусство и фотография, Аарона Шарфа для взаимодействия живописи и фотографии. Цитата Элви Рэя Смита взята из «Истории Pixar» Карен Пайк.
Это эссе адаптировано из более длинного эссе, которое я опубликовал в журнале Arts .
Фотография: это искусство? | Фотография
Вот уже 180 лет люди задаются вопросом: является ли фотография искусством? На первом собрании Лондонского фотографического общества, основанного в 1853 году, один из членов пожаловался, что новая техника «слишком буквальна, чтобы конкурировать с произведениями искусства», потому что она не может «возвышать воображение».
Эта концепция фотографии как механического носителя записи так и не исчезла полностью. Даже к 19Художественная фотография 60-х и 70-х годов — идея о том, что фотографии могут запечатлеть нечто большее, чем просто внешний вид — была, по словам фотографа Джеффа Уолла, «фотогетто» нишевых галерей, поклонников и публикаций.
Но за последние несколько десятилетий этот вопрос звучит все реже. Когда в прошлом году фотография серой реки Рейн под таким же бесцветным небом, сделанная Андреасом Гурски, была продана за рекордную для мира цену в 2,7 миллиона фунтов стерлингов, дебаты фактически прекратились. Словно для того, чтобы дать свой патрицианский знак одобрения, Национальная галерея сейчас проводит свою первую крупную фотовыставку, Соблазненные искусством: фотография прошлого и настоящего .
Выставка представляет собой не обзор, а скорее исследование того, как первые практикующие фотографы относились к картинам, когда они впервые исследовали потенциал своей технологии, и как их современные потомки смотрят как на этих старых мастеров фотографии, так и на картины старых мастеров.
Картины представляли собой каталог переносимых сюжетов, от портретов до обнаженных тел, от натюрмортов до пейзажей, которые фотографы могли имитировать и адаптировать. Из-за длительной выдержки, необходимой для первых камер, движущиеся объекты было невозможно запечатлеть. Самая ранняя известная фотография человека была случайно сделана Луи Дагером вместе с Генри Фоксом Талботом, одним из двух великих пионеров фотографии, когда он установил свою камеру высоко над бульваром Тампль в Париже в 1838 году. Его 10-минутная выдержка означала, что проезжающий транспорт и пешеходы двигались слишком быстро, чтобы их можно было зафиксировать на табличке, но бульвар простоял достаточно долго, чтобы и он, и чистивший его ботинки чистильщик сапог попали в плен навсегда.
Когда Дагер направил камеру на людей, а не на места, результаты оказались откровенными. Элизабет Барретт Браунинг была настолько поражена дагерротипами, что восхваляла «саму тень лежащего там человека, фиксированную навсегда».
Точность запечатленных черт означала, что она «предпочла бы такой памятник тому, кого я очень любил, чем самое благородное произведение Художника, когда-либо созданное» не «в уважении (или неуважении) к Искусству, а ради Любви». Однако если бы ее фотограф последовал совету Эжена Дисдери, который писал в 1863 году: «Именно в работах великих мастеров мы должны изучать простой, но величественный метод создания портрета», она могла бы удовлетворить любовь. как с физиогномикой, так и с искусством.
Некоторые фотографы-новаторы сразу поняли, что фотографии, как и картины, представляют собой искусственно сконструированные изображения: их тоже нужно тщательно скомпоновать, осветить и произвести. Джулия Маргарет Кэмерон ясно выразила это в своем переосмыслении картин эпохи Возрождения. Например, на ее «Свет и любовь » 1865 года женщина в головном уборе Марии склонилась над своим младенцем, спящим на соломенной кровати.
Это часть серии вертепов, которая такая же длинная, как христианское искусство, и была провозглашена одним критиком фотографическим эквивалентом «метода рисования, используемого великими итальянскими мастерами». I Wait , 1872, изображает ребенка с ангельскими крыльями, опирающегося подбородком на сложенные руки, со скучающим выражением лица, которое напоминает подавленных херувимов в Сикстинской Мадонне Рафаэля . Такие фотографии не были прямыми цитатами из картин, но вызывали в сознании зрителя ряд ассоциаций, придававших фотографии историческую глубинку.
Если бы Кэмерон и его современники, такие как Оскар Рейландер и Роджер Фентон (сделавший множество фотографий натюрмортов из фруктов и цветов, а также свои более известные картины Крымской войны) стремились к тому, чтобы их фотографии отражали их собственные знания art, ссылки шли в обе стороны. В 1873 году Леонида Кальдеси опубликовала книгу своих фотографий из 320 картин в Национальной галерее, и ее целевой аудиторией была не только публика, но и сами художники, для которых фотографии были более точными и более доступными, чем гравированные репродукции.
К 1856 году благодаря фотографиям Фентона художники могли изучать классические статуи в своих собственных студиях.
. Возможно, именно изображением обнаженной натуры — например, бестселлером Фентона с изображением дискобола «Дискобол» — фотография смогла возместить свой долг перед искусством. Нанимать живую модель было дорого, а гравюры были плохой заменой. Делакруа был одним из художников, который «испытывал чувство отвращения, почти отвращения к их неправильности, манерности и неестественности». Вместо этого он хвалил живописную помощь, оказанную академиями (книгами фотографий обнаженной натуры), поскольку они показали ему реальность: «эти фотографии обнаженных мужчин — это человеческое тело, это замечательное стихотворение, по которому я учусь читать». Он даже помогал фотографу Эжену Дюрье позировать и освещать его модели. А в 19В Британии и Франции 19-го века, когда порнография была запрещена, фотографии обнаженной натуры пользовались спросом у покупателей, не имевших художественных интересов.
Когда дело дошло до пейзажной фотографии, новая среда появилась как раз тогда, когда импрессионисты начали работать на пленэре. Некоторые комментаторы видели реальную проблему фотографии перед живописью в ее способности запечатлеть то, что фотограф и журналист Уильям Стиллман назвал в 1872 году «свидетельствами природы о фактах, на которых основано искусство» — случайные «естественные сочетания пейзажей, изысканные градации , и эффекты солнца и тени». Другой практик, Линдон Смит, пошел еще дальше, объявив пейзажную фотографию ответом на «изнеженные и взрывоопасные системы «высокого искусства» и «классики» сэра Джошуа Рейнольдса» и «холодные, бессердечные, неверные работы языческой Греции и Рима». .
Однако быть новым было трудоемким делом. Эдверд Мейбридж, фотограф британского происхождения, который первым запечатлел животных в движении и в результате положил конец старой живописной традиции изображать лошадей, бегущих на всех четырех ногах от земли, в первую очередь был фотографом-пейзажистом.
Его фотографии дикой природы Йосемити, например, включали перенос увесистых камер, коробок со стеклянными негативами, а также палаток и химикатов для импровизированной фотолаборатории, в горы и через леса. Напротив, живописные экспедиции Моне требовали только краски и холста.
Если бы у первых фотографов не было другого выбора, кроме как договориться о своем участии в живописи, их современные потомки могли бы обратиться к почти двухвековой истории фотографии. . Выставка делает это, сочетая старое и новое. Поэтому, когда современный фотограф, такой как Ричард Биллингем, фотографирует пустое пространство моря и неба в Ротко, стирающем грифельно-голубые и серые тона (9).0003 Storm at Sea ) он имеет в виду наследие, которое охватывает как монохромную тональность атмосферных фотографических морских пейзажей Гюстава Ле Грея 1850-х годов, так и такую картину, как Пароход на Женевском озере, Вечерний эффект , 1863, швейцарского художника Франсуа Боцион.
Об этом говорится в различных средствах массовой информации. Хрупкий портрет супружеской пары из пригорода из фильма Мартина Парра «19 лет».91 альбом Signs of the Times , например, противопоставляется Гейнсборо «Мистер и миссис Эндрюс » 1750 года. их станция, бывшая пара чопорно позирует в своей гостиной.
Ори Гершта Blow-Up- Untitled 5 , (2007) Фото: Bigbang Ii/Courtesy of the Artist and Mummery + Schnelle, London Тем временем 19Цветочная картина Анри Фантен-Латура 19-го века является отправной точкой для фрагментарных цветов Ори Гершта, Blow Up . Гершт заморозил свои цветы жидким азотом, прежде чем взорвать их небольшим зарядом и сфотографировать лепестки, превратившиеся в летящие осколки. Среди обнаженных тел картина Ричарда Лиройда «Человек с татуировкой осьминога» , 2011, помещена рядом с картиной галереи 1819–1839 годов « Анжелика, спасенная Руджеро » знатока телесных изгибов Энгра.