Необычные натюрморты: Необычный натюрморт (26 фото) » Рисунки для срисовки и не только — Главная

Содержание

Самые необычные натюрморты

24 мая 2013, История кухни

Большинство считает натюрморты картинами красивыми, но скучными. Даже само название жанра — от французского nature morte — «мертвая природа», словно доказывает: интересного здесь мало. Однако и среди натюрмортов есть картины необычные и захватывающие. Правда, далеко не всегда их необычность видна с первого взгляда: иногда нужно присмотреться, а порой узнать и историю создания картины. О самых интересных натюрмортах с едой — в нашей статье.

Большинство считает натюрморты картинами красивыми, но скучными. Даже само название жанра — от французского nature morte — «мертвая природа», словно доказывает: интересного здесь мало. Однако и среди натюрмортов есть картины необычные и захватывающие. Правда, далеко не всегда их необычность видна с первого взгляда: иногда нужно присмотреться, а порой узнать и историю создания картины. О самых интересных натюрмортах с едой — в нашей статье.

Джузеппе Арчимбольдо «Портрет императора Рудольфа II в образе Вертумна», 1590 год

Несмотря на название картины, историки искусства определяют ее жанр не иначе как «портретный натюрморт». И тут сложно с ними не согласиться: все-таки обычным портретом назвать это никак не получится. Картина принадлежит кисти итальянского художника XVI века Джузеппе Арчимбольдо, который в ХХ веке был провозглашен предтечей сюрреализма. На своих картинах Арчимбольдо изображал человеческие лица в виде композиций из овощей и фруктов, ракообразных и рыб, нередко даже с портретным сходством. Известно, что император Рудольф II был восхищен своим «съедобным» портретом и очень щедро наградил художника. Среди портретных натюрмортов у Арчимбольдо есть и совсем необыкновенные — «перевертыши»: достаточно повернуть картину на 180 градусов, чтобы увидеть совершенно новое изображение. Так, портрет «Садовник» при повороте становится натюрмортом «Овощи в миске», а портрет «Повар» превращается в натюрморт с поросятами на блюде.

Франс Снейдерс «Натюрморт с битой дичью и омаром», первая половина XVII века

Именно в творчестве голландских и фламандских художников XVII века натюрморт окончательно утвердился в качестве самостоятельного жанра живописи. Натюрморты Франса Снейдерса выполнены в стиле барокко — они динамичны, изобильны, красочны. Свешивающийся со стола иссиня-черный павлин, роскошный красный омар на голубом блюде, пестрая мелкая дичь на столе, желтые и зеленые артишоки и дыни… Несмотря на «мертвую природу», картина полна жизни и словно пронизана движением. А ссорящиеся под столом собака и кошка лишь гармонично довершают и без того живую кухонную сцену.

Поль Сезанн «Натюрморт с яблоками и апельсинами», около 1900 года

Французский художник Поль Серюзье высказывался о фруктах Сезанна так: «О яблоке обыкновенного художника скажут: «Его хочется съесть». О яблоке Сезанна: «Как это прекрасно». Его яблоко не решишься очистить, его захочешь скопировать». И действительно у Сезанна были с яблоками «особые отношения»: он считал их совершенными творениями как по форме, так и по цвету. Известно, что Сезанн даже говорил: «Я покорю Париж своими яблоками». На простейших примерах он стремился показать истинную красоту природы. Один из молодых художников посетил Сезанна, когда тот работал над одним из натюрмортов, и был поражен: «Сезанн начал раскладывать фрукты, подбирая их так, чтобы они контрастировали друг с другом, и следя за появлением дополнительных цветов: зеленого на красном и желтого на синем. Он до бесконечности передвигал и поворачивал фрукты, подкладывая под них монетки в один и два су. Все это Сезанн проделывал неторопливо и аккуратно, и было видно, что это занятие доставляет ему истинное наслаждение».

Кузьма Петров-Водкин «Утренний натюрморт», 1918 год

С первого взгляда картина «Утренний натюрморт» проста и незамысловата, однако если присмотреться, можно заметить интересные детали, например, отражающегося в чайнике рыжего кота — возможно, он лежит на коленях хозяина. Кроме кота человека на картине «выдает» и собака — она в терпеливом ожидании смотрит прямо на него. Так в натюрморте зримо ощущается присутствие человека, хотя художник и не рисовал его. Предметов на картине изображено немного, но большая часть из них наделена блеском: до блеска начищен никелированный чайник, блестит на солнце стеклянная банка с букетом полевых цветов, блестит и скорлупа яиц. Световые блики есть на столешнице, блюдце, стакане с чаем, преломившейся серебряной ложечке. Картина «Утренний натюрморт» полна яркого света, она передает ощущение утренней свежести и покоя.

Сальвадор Дали «Живой натюрморт», 1956 год

Среди натюрмортов испанского художника-сюрреалиста есть немало вполне «обычных» — «Натюрморт» 1918 года, натюрморты «Рыба» 1922 года и «Корзинка с хлебом» 1925 года, «Натюрморт с двумя лимонами» 1926 года и др. Однако самым известным из натюрмортов Дали является «Живой натюрморт» («Движущийся натюрморт»), написанный в период его увлечения физикой (преимущественно ядерной и квантовой). Сам Дали называл этот период — с 1949-го по 1962 годы — «ядерным мистицизмом». В это время Дали покончил со «статичностью» на картинах и стал представлять материю в виде частиц. Даже в натюрморте предметы потеряли свою абсолютную неподвижность и обрели безумное движение, не соответствующее нашим представлениям о реальности.

Давид Штеренберг «Селедки», 1917 год

Давида Штеренберга часто называют «художником натюрморта». Его картинам присуща экспрессивность образов, плоскостное построение пространства, четкость и обобщенность рисунка. Чаще всего внимание художника привлекают простые вещи, например, скудные продукты пайкового времени — черный хлеб и селедки. Внимание художник уделяет деталям и фактуре — в «Селедках» четко прописаны деревянная столешница, кусок хлеба, блестящая чешуя рыб. Картина символична и выразительна, она лучше всяких слов рассказывает о драматичных послереволюционных годах. Не менее интересны и другие минималистичные натюрморты Штеренберга—– «Натюрморт с конфетами», «Простокваша», «Пирожное» (см. ниже в галерее).

9фотографий

Мария Березовская

Впечатляющие натюрморты известных русских художников с названиями — «Лермонтов»

Натюрморты великих русских художников — на пути перемен
Нетипичные натюрморты самых известных русских художников

В России натюрморт долгое время не считали достойным внимания и использовали лишь при обучении для оттачивания художественных навыков. Все изменилось в начале XX века, когда меценаты стали ввозить в страну картины из Франции. Натюрморты импрессионистов вызвали живой интерес у русских художников, что привело буквально к повальному выбору этого жанра многими знаменитыми живописцами от реалистов до абстракционистов.

Натюрморты великих русских художников — на пути перемен

Наверное, было бы странно, если бы все русские живописцы взялись рисовать классические натюрморты, красиво выкладывая на столе предметы, скрупулезно обеспечивая фон и правильное освещение. Поскольку каждый мастер работал в своем направлении и манере, это привело к рождению на свет и самых необычных картин-натюрмортов. Посмотрим, как это проявилось у художников разных стилей.

Натюрморты русских импрессионистов, реалистов и модернистов

Значительный шаг вперед в русском натюрморте сделал импрессионист И. Грабарь. Хотя этот вид работ все еще оставался средством для оттачивания художественных навыков, в процессе создания натюрморта мастер ставил разнообразные живописные задачи, проводил эксперименты и всякий раз достигал чего-то нового в композиционном плане, плане форм или цветовых решений. Так появились на свет многие прекрасные картины, такие как «Сирень и незабудки», которые вдохновили многих других художников продолжить эти эксперименты.

И. Грабарь. «Сирень и незабудки». 1905 г.

Яркое наложение импрессионизма на неодушевленные предметы прослеживается и в работах А. Арапова. Размывая фон и избавляя зрителей от необходимости всматриваться в детали, художник сосредотачивается на эмоциях.

Мы не увидим на его полотнах тончайшей прорисовки цветков или предметов, но без труда наполнимся эмоцией радости и ощутим дыхание жизни в его ярких работах.

А. Арапов «Натюрморт с цветами и свечой».

Импрессионист К. Коровин и представитель модерна В. Серов буквально вдохнули в натюрморт жизнь, вписав его в пейзаж или какой-либо сюжет. Так, у Коровина рождается натюрморт с портретом В.В. Перцовой, в котором он уделил одинаковое внимание натурщице, прекрасным букетам и волшебному солнечному дню. А у Серова это соседство особенно ярко проявилось в знаменитой картине «Девочка с персиками», где можно одинаково полно любоваться очаровательной девочкой и бархатистыми персиками, подчеркивающими нежность юного создания.

К. Коровин. Натюрморт с портретом В.В. Перцовой. 1916 г.

В. Серов. «Девочка с персиками». 1887 г.

У импрессиониста К. Петрова-Водкина большинство натюрмортов имеют такую особенность: в качестве предметов к традиционным цветам или фруктам он использовал какие-то вещи трудящегося человека.

Так, на его известном полотне «Черемуха в стакане» изящная веточка черемухи окружена вполне житейскими мелочами — коробком спичек, письмами, журналом, посудой и другими вещами. Многие такие предметы повторялись в разных натюрмортах автора и использовались неспроста, так как художнику нравилось противопоставлять цвета, поверхности разной фактуры и изображать все объекты в сферической перспективе.

К. Петров-Водкин. Натюрморт «Черёмуха в стакане». 1932 г.

Художник-реалист Н. Богданов-Бельский использовал богатые композиции, в каждой из которых любой детали и цветовому решению уделяется максимум внимания, что делает натюрморт очень живописным.

Н. Богданов-Бельский. Пасхальный натюрморт. Начало XX века

У представителя модерна Н. Сапунова цветочные композиции буквально стали частью его жизни. Он создавал многочисленные композиции из ваз и букетов или одних цветов, которые могли словно узоры заполнять все полотно его картин. Отсюда и разнообразие работ, которые помогают зрителю глубоко почувствовать красоту и грандиозность момента, пережитого художником.

Его натюрморты по большей части лишены прорисовки деталей, что помогает зрителю больше погрузиться в чувства, нежели в обдумывание сюжета.

Н.Н. Сапунов. «Вазы и цветы». 1910 г.

Художник-реалист Б. Кустодиев при написании натюрмортов продолжал следовать своему живописному видению. Он любил рисовать отдельные букеты, создавал определенные композиции предметов или органично вписывал неодушевленные объекты в естественную среду. Многие его работы этого жанра очень реалистичны и детализированы.

Б. Кустодиев. Натюрморт «Финский букет». 1917 г.

Натюрморты русских абстракционистов

Не обошли вниманием натюрморт и представители абстракционизма, показав миру совсем другое видение реальности. Так, для И. Машкова натюрморт стал одним из его любимых видов работ. Будучи эксцентричным художником, он также непредсказуемо проявлял себя и в натюрмортах, работая в разных стилях от примитивизма до соцреализма. В результате на свет появились многочисленные колоритные «Хлебы», весьма реалистичная картина «Рыбы, овощи, фрукты», картина с мощными линиями «Фрукты на блюде (Синие сливы)» и многие другие. Натюрморты Машкова приковывают к себе внимание и вызывают разнообразные эмоции.

И. Машков. «Снедь московская. Хлебы». 1924 г.

Не менее многогранно к работе с натюрмортами подошел и абстракционист В. Баранов-Россине. Так, мы видим, как в обычный сюжет «Натюрморт с цветами и фруктами» вторгаются плоскости и грани, искажающие пространство. А в работе «Натюрморт со стулом» уже прослеживается характерное для кубизма дробление картины на детали.

В. Баранов-Россине. Натюрморт с цветами и фруктами. 1915 г.

В. Баранов-Россине. Натюрморт со стулом. 1911 г.

Уход от привычных форм и цвета проявился и в работе Никола де Сталя. Он использует в своих натюрмортах как характерную условность форм и цвета, так и разбиение на плоскости. Это позволяет взглянуть на представленную композицию совершенно с другой стороны. Например, в работе «Цветы» образ поверхности и букета в вазе легко узнаваем, но отказ от реалистичности заставляет воспринимать эту картину иначе. Заметим, что у художника было много натюрмортов с цветами подобного характера, в которых он экспериментировал с фоном, тонами и формами.

Никола де Сталь. «Цветы». 1952 г.

Дробление пространства и необычную для натюрморта цветовую гамму использует и В. Рохлина, которая много творила в стиле кубизма. В частности, в картине «Натюрморт с яблоками» зритель невольно вынужден отвлечься от привычных образов и погрузиться в новую атмосферу темных тонов и смещенных граней.

В. Рохлина. Натюрморт с яблоками

Натюрморты русских экспрессионистов

Экспрессионисты, как и импрессионисты, были сосредоточены на передаче чувств, причем им важен был максимальный накал этих чувств. Одним из художников, который создал в этом стиле множество натюрмортов, стал А. Явленский. Изучая его живопись, мы увидим яркие тона, часто несочетаемые друг с другом, угловатые формы, толстую черную обводку и искаженные очертания. Такие работы побуждают зрителя отойти от рассматривания, сравнения и оценивания и переключиться на переживание эмоций.

А. Явленский. «Цветы, фрукты и кувшин». 1909 г.

Наиболее сильно эмоции проявились в работах Х. Сутина. Реалистичные ужасающие туши животных или мрачные цветы в темных тонах многих заставят содрогнуться. Его работы неспроста вызывают такой эффект, так как они выстраданы всей его тяжелой жизнью. Сутин голодал настолько, что порой по ночам стучал соседям и клянчил хотя бы кусок хлеба, но когда ему что-то давали, терзаемый жутким голодом вначале рисовал натюрморт и только потом позволял себе съесть скудную еду. Но страдания в конце концов оправдали себя, так как и сегодня его натюрморты никого не оставляют равнодушным и уходят с аукционов за огромные деньги.

Х. Сутин. «Бычья туша». 1925 г.

Мы рассмотрели далеко не всех русских мастеров, которые пробовали себя в новом для них жанре натюрморта. Интересные композиции неодушевленных предметов встречаются также у М. Ларионова, П. Кузнецова, Л. Поповой, Р. Фалька, В. Шухаева и некоторых других живописцев.

Нетипичные натюрморты самых известных русских художников

Если многие русские художники занимались натюрмортами регулярно и преследовали свои изобразительные цели, то некоторые именитые мастера могут удивить переходом к неодушевленному объекту. Рассмотрим несколько всем известных имен.

Начнем с совершенно неожиданной работы И. Шишкина, написанной им в 1855 году. Сложно представить, что «поэт русского леса» вдруг взялся за изображение посуды. Однако ничего странного в этом нет, так как это как раз одна из ученических работ, выполненных художником во времена обучения в Московском училище живописи и ваяния. Работа хранится в Смоленском государственном музее-заповеднике, куда она поступила в дар вместе с коллекцией Н. Соркина. Кстати, великого художника все же куда больше волновала живая природа, так как в этом же 1855 году его ученический этюд «Сосна на скале» купил Государственный Русский музей.

И. Шишкин. Ученический натюрморт. 1855 г.

Не менее интересна работа И. Репина «Яблоки и листья». Но это вовсе не ученическая работа, так как к 1879 году маэстро уже был в звании академика и создал немало шедевров. Однако натура его была многогранной, он легко брался и за исторические, и за жанровые картины, и за пейзажи или портреты. Картина «Яблоки и листья» лишь подчеркивает эту многогранность — мастер изобразил мертвую природу в нетипичной манере. Здесь нет красивого стола, опрятных салфеток или аккуратной выкладки фруктов и цветов. Яблоки словно бы показаны в их естественной среде, о которой мы можем лишь догадываться по темному фону вдалеке. Тем не менее, художник-реалист не изменяет своим взглядам и показывает неживую природу невероятно реалистично с естественными вмятинами и увяданием.

И. Репин. Натюрморт «Яблоки и листья». 1879 г.

Любопытно, что эту работу можно перепутать с одноименной картиной В. Серова. Но и тут нет никаких случайностей. Будучи учителем Серова, Репин дал ему задание нарисовать представленную композицию из яблок, но сам так вдохновился ею, что нарисовал свой вариант. Поэтому теперь мы имеем возможность сравнить мастерство двух именитых живописцев.

В. Серов. «Яблоки и листья». 1879 г.

Нечасто брался за натюрморты и художник-реалист И. Левитан, но все они проникнуты глубокой нежностью и словно бы лучатся светом. Левитан любил после прогулки по лесу с учениками ставить перед ними цветы. Но эта процедура обычно ограничивалась лишь постановкой вазы с цветами на стол, а не длительным созданием композиции. Если присмотреться к натюрмортам живописца, то в них нет никаких отвлекающих от самого букета деталей. Зато каждому цветку и их общей композиции уделялось максимум внимания. Здесь проявлялось все мастерство художника-реалиста, который заставлял жить, играть множеством оттенков и заставлять даже с полотна источать утонченные ароматы каждый цветок, каждый лепесток и как будто случайную травинку всей композиции. От того так зачаровывают его «Одуванчики», «Васильки» или «Лесные фиалки и незабудки».

И. Левитан. «Васильки». 1894 г.

Также небольшое количество работ этого жанра встречаются и М. Врубеля, которого многие считают мастером «демонической» темы. Однако художник был неординарным и проявлял себя в самых разных темах и направлениях. Большинство его натюрмортов представляет собой цветочные композиции, в которых мы видим все то же рваное пространство, угловатые формы и мрачные тона, что и на картинах с изображением демонов.

М. Врубель. «Орхидея». 1887 г.

Не менее любопытен и натюрморт К. Малевича. Сложно представить, что основатель супрематизма предпочел потратить время на изображение фруктов и цветов, чем окунуться в очередную серию геометрических фигур. Однако работа «Натюрморт» была выполнена художником в 1911 году, то есть еще до того, как он нарисовал свой знаменитый «Черный квадрат» и основал супрематизм. Зато к этому времени он уже участвовал в выставках авангардистов «Бубнового валета» и увлекался новыми веяниями.

Если сравнить его «Натюрморт» с натюрмортами других представителей этого сообщества, например, с работой «Синие сливы» И. Машкова или картиной «Поднос и зеленка картонка» П. Кончаловского, то мы увидим сходство в густых черных контурах и контрастных цветах. Хотя у Малевича картина более динамична и разнопланова: одни фрукты вырисованы едва ли не детально, другие лишь обозначены, изображены плоскими с угловатыми формами, объемная ваза соседствует с плоскими тарелками, а яркие плоды с темной листвой.

К. Малевич. Натюрморт. 1911 г.

Если внимательно изучить коллекции самых известных русских художников, то мы найдем натюрморты у В. Сурикова, В. Васнецова, М. Шагала, В. Кандинского и ряда других авторов. Как мы видим, в руках русских мастеров самых разных стилей натюрморт заиграл новыми красками и показал зрителю новые возможности взгляда на реальность. Наверняка каждый найдет в этом многообразии творчества то, что именно его удивит и заставит долго всматриваться в картину.

Самые красивые натюрморты в мире (рейтинг картин и художников)

В мире огромное количество гениальных художников, а их творения очень многогранны и неповторимы. Каждый художник выбирает свой стиль и жанр написания картин. Мой любимый жанр изобразительного искусства — это живые, красивые, цветочные натюрморты. Вообще странная вещь — удивляться обычным и обыденным вещам, которые мы видим в жизни каждый день, и не обращаем на них никакого внимания, например, самовары, фрукты и цветы. Но как красиво все это получается на полотне. И сегодня я хочу рассказать вам о самых красивых натюрмортах современности и не только. Итак, список самых выдающихся художников и их творения…

Триша Хардвик

На фото: «Цветочная нежность»

Британская художница по имени Триша Хардвик стала известной по всему миру благодаря своему удивительному таланту — великолепно писать.

Ее красочные натюрморты словно наполнены частицами счастья, тепла, света и позитивной энергии. А еще деревенские элементы вносят в ее картины некую изюминку и вырисовывают ее собственный и необычный стиль.

Виллем Клас Хеда

Легендарный голландский художник XVI столетия Виллем Клас Хеда, известный как «мастер завтраков». Такое незаурядное прозвище мастер живописи получил благодаря тематике своих картин, которые очень похожи одна на другую.

На полотне художник изображает обычные предметы домашней утвари, много серебряной посуды и изысканной еды, например, крабы и пироги. Работы художника поражают необычной четкостью и фотографичной точностью, хотя какие фото в 16 веке? Ну вот смотрите сами…

Элоиза Гарриет Стэннард

Представительница Нориджской художественной школы Элоиза Гарриет Стэннард является дочерью знаменитого художника-портретиста Альфреда Стэннарда. Но дочь выбрала другой стиль — натюрморт и очень в нем преуспела.

В ее картинах в основном преобладают яркие, сочные и очень вкусные фрукты, которые почти всегда находятся в корзинах, вазах и ящиках. Чтобы достоверно изобразить фрукты, Элоиза их покупала, об этом свидетельствуют сохранившиеся чеки от поставщика фруктов. А что из этого получилось, посмотрите…

Сьюзан Авис Мерфи

Талантливая художница Сьюзан Авис Мерфи девушка с кулинарными возможностями и вкусами, ведь ее картины иначе как вкусными не назовешь.

Все исполнено акварелью, а такое чувство, что мы видим изображение на фотографиях. Наверное, всему виной зеркальная и немного размытая манера написания. Вот так легкими движениями руки рождаются шедевры.

Шелухин Михаил

Русский художник популярен и знаменит своей техникой выполнения, он использует нежные, легкие и некричащие оттенки и краски. Его работы немного размыты и в них нет сочности, как утверждают критики, но его незабудки, ромашки, ирисы и васильки от этого не меркнут, а скорее наоборот наполнены нежности и деревенского шарма. Вот она — настоящая красочная, светлая и цветущая Россия.

Марианна Брум (Marianne Broome)

Еще одна яркая, британская представительница художественного стиля — натюрморт. Ее знают и любят ценители пионов. Так как Марианна очень любит изображать пионы, делает она это так изыскано и прелестно. Глядя на ее шедевры, цветы кажутся живыми, а не нарисованными.

Екатерина Белокур

Простая, скромная, украинская женщина Екатерина Белокур после тяжелой работы в поле любила отдаться любимому хобби — рисованию. Художница обожала изображать полевые и домашние цветы, клумбы и особенно красочные мальвы — символ украинского села. Популярным у Белокур является и изображение сезонных овощей и фруктов.

Игорь Бузин

Мастер цветочного натюрморта русский художник Игорь Бузин писал красивейшие картины, которые оставил родине в наследство. Его букеты дарят настоящее эстетическое наслаждение, чувство нежности и весеннее настроение.

Мягкие оттенки, нежные мазки и игра теней воссоздают полный, целостный натюрморт. Цветы Бузина — словно на фото, говорят ценители прекрасного, и они правы. Смотрим и наслаждаемся.

Кристиан Гранью

Французский художник-акварелист Кристиан Гранью писал в разных стилях и натюрморты среди его шедевров тоже встречаются, и пусть их немного, но от них глаз невозможно оторвать. То ли это акварели придают яркости и прозрачности мазкам, то ли дух Прованса, то ли полевые цветы и изысканные вина на красивом столике, но его полотна наполнены искренностью, нежностью и чистотой.

Читайте также: Самые красивые полевые цветы.

Олег Тимошин

Русский мастер кисти Олег Тимошин считает, что наш мир наполнен добром и позитивом. Только вот люди часто этого не замечают. А он замечает и хорошо воссоздает на полотне, его манера писать особенная немного размытая и не четкая, но от этого его цветочные натюрморты не становятся менее прекрасными.

Заключение

Многие из нас любят картины, кто-то портреты, кто-то пейзажи, кто-то натюрморты. Рассказать обо всех гениальных художниках не представляется возможным, но мы постарались выбрать для вас самые известные натюрморты, самые яркие, красочные и нежные полотна известных мировых и талантливых художников.

Редакция most-beauty.ru ждёт ваших комментариев. Напишите какие натюрморты нравятся вам больше всего.

Необычные натюрморты в живописи. Самые красивые натюрморты современности, и не только. Происхождение слова «натюрморт»

Ну, что, еще картиночки посмотрим?
Неожиданные натюрморты — это потому, что мы ожидаем обычно совсем других сюжетов от их авторов. Традиционно эти художники работали в совершенно иных жанрах, предпочитая пейзаж, портрет или жанровую живопись. Лишь изредка им что-то взбредало в голову и они восклицали: «А рисану-ка я эту вазочку с туберозой!». Правда, случалось это крайне редко. Так редко, что мне пришлось полдня рыться в источниках, чтобы разыскать их натюрморты.

НАЧНЕМ С НАШИХ:

Марк Шагал «Белые цветы на красном фоне». 1970. У Марка всего пара-тройка натюрмортов, написанных в уже зрелом возрасте, и то он, привыкший к изображению человечески-животных фантасмагорий, ни в одном из них не удержался — хоть кусочек людской физиономии, хоть где-то с краюшку, да вставит.

Я вот, например, очень люблю натюрморты, а большинство художников — нет. Как-то не солидно это маститому творцу, все студенты изучают азы рисования с постановочных натюрмортов.

Особенно непопулярным был натюрморт во второй половине 19 века, в наибольшей степени — у импрессионистов, еще его недолюбливали наши передвижники. У некоторых из них я не нашла ни одного натюрморта. Нет таких работ и, например, у Нестерова, Куинджи, Айвазовского, Перова, Григория Мясоедова (кто найдет, подскажите, добавлю).

Виктор Васнецов «Букет» . Сказочный или былинный сюжет — пожалуйста, Киевский Владимирский собор расписать легко, а вот с натюрмортами у художника не густо. Однако они есть!

Конечно, и среди импрессионистов есть исключения — очень любил натюрморты Сезанн, хоть он и не считал себя импрессионистом. «Оторвались» на натюрмортах постимпрессионисты — Ван-Гог и Матисс (перечисленных я не буду здесь освещать — мы охотимся за редкими работами «нелюбителей» натюрморта). Но, в основном, представители этих направлений это цветочно-фруктовое дело недолюбливали — буржуазно и патриархально, без любимого пленэра — скукота! Даже Берта Моризо — единственная девчонка среди импрессионистов, и та не любила этот немного «девчоночий» жанр.

Илья Репин «Яблоки и листья» , 1879 . Натюрморт — не типично для Репина. Даже здесь композиция не похожа на классическую постановку — все это может валяться где-то на земле под деревом, никаких бокалов и драпировок.

Не всегда натюрморт переживал плохие времена. Он начал появляться в 16 веке, пока как часть жанровых живописных полотен, а в 17 веке, благодаря голландцам, перерос в самостоятельный жанр живописи. Очень популярен был в 18 и в первой половине 19 века, а потом, благодаря новаторским движениям в искусстве, популярность стала падать. Возрождение моды на натюрморт началось примерно в 20-х годах 20 века. Многие художники-представители современного искусства опять взялись за вазы и персики, но это уже были новые формы. Конечно, полностью жанр никогда не умирал, и сществовала (и сейчас существует) целая плеяда художников-натюрмортистов. Мы будем болтать об этом потом, а пока я умолкаю, только кое-что буду комментировать, а вы просто посмотрите редкие натюрморты авторов, которые писали их лишь изредка:

Валентин Серов «Сирень в вазе», 1887.
На его известных работах можно видеть только кусочек натюрморта — персики перед девочкой. Проникновеннейшему портретисту, видно, скучно было писать цветы и трупики птичек.

Исаак Левитан. «Лесные фиалки и незабудки», 1889. Гений русского пейзажа иногда писал и чудесные натюрморты. Но очень редко! Есть еще кувшин с одуванчиками — прелестный!

Василий Суриков «Букет».
Автор «Утра стрелецкой казни» любил размах и драматизм. Но сохранилось и это — немного наивные и очаровательные розочки.

Борис Кустодиев. «Натюрморт с фазанами «, 1915 . Нередко в его работах присутствуют огромные натюрморты — он рисовал купчих и румяных мужичков за столами, буквально ломящимися от яств. Да и вообще его жизнерадостные яркие полотна похожи на натюрморт, даже если это портрет, но вот отдельных изображений не купчихи, а ее завтрака, встречается немного.

Виктор Борисов-Мусатов «Сирень», 1902.
Мне очень нравятся его самобытные плотна, ни на чьи больше не похожие. Его всегда можно узнать, и в этом натюрморте — тоже .

Михаил Врубель «Цветы в синей вазе», 1886
Какой талант! Как до обидного мало успел! Цветы тоже шикарны, как и демоны.

Василий Тропинин «Дупель и снегирь», 1820-е.
Крепостной художник, похоже, относился к жанру натюрморта без особого почтения, и поэтому почти никогда его не рисовал. То, что вы видите — даже не полноценное полотно, а этюд.

Казимир Малевич. «Натюрморт» . А вы думали, и яблоки у него квадратные?

Иван Крамской «Букет цветов. Флоксы», 1884
Прямо на дачу захотелось — у меня там тоже летом были флоксы.

Василий Кандинский «Рыба на голубой тарелке». Еще не полностью все в закорючках, на картине прослеживаются глаза и даже рот, и они даже рядом!

Натан Альтман «Мимоза», 1927
Мне нравится. Что-то в этом есть.

Иван Шишкин, 1855 .
А где же мишки и лес?!

Еще хотела Петрова-Водкина вставить, но у него довольно много натюрмортов, как казалось. И у Машкова, Лентулова, Кончаловского, так что они для этого поста не подходят.

ЗАГРАНИЧНЫЕ:

Эгон Шиле «Натюрморт», 1918
А вы думали, он только голых несовершеннолетних рисовать умел?

Альфред Сислей. «Натюрморт с цаплей» . Мертвые птички — драма в быту.

Еще Сислей . Ну, люблю я его!

Гюстав Курбе. Яблоки и гранаты на блюде. 1871

Эдгар Дега «Женщина, сидящая у вазы с цветами», 1865
Не смотря на название, женщина занимает процентов 30 площади полотна, поэтому сочла это за натюрморт. А вообще, Дега намного больше цветов любил рисовать людей. Особенно балерин.

Эжен Делакруа. «Букет».
Ну, слава тебе Господи, никто никого не ест и ни в кого не стреляет!

Теодор Жерико «Натюрморт с тремя черепами»
Вообще, Жерико как-то подозрительно любил синие трупы и всяческую «расчлененку». И натюрморт у него соответствующий.

Камиль Писсарро «Натюрморт с яблоками и кувшином», 1872

Клод Моне «Натюрморт с грушами и виноградом», 1867.
Были у него натюрморты, были, но относительно немного.

Огюст Ренуар «Натюрморт с большой цветочной вазой», 1866
У него, по сравнением с остальными, здесь представленными, довольно много натюрмортов. И каких! Кто-то из его современников сказал, что у него отсутствуют грустные работы, и я его обожаю, поэтому сюда впихнула. А еще потому, что его натюрморты все-таки мало известны, намного меньше, чем все эти купальщицы и т.п.

А это знаете кто?! Пабло Пикассо! 1919 год.

Пабло был удивительно продуктивен! Огромное число картин! И среди них натюрморты занимают намного меньший процент, чем все остальное, да и то они были в основном «кубистические». Именно поэтому он попал в подборку. Чтобы вы поняли, насколько это был чокнутый (но, безусловно, талантливый!) и непостоянный человек, посмотрите на картину ниже. Это тоже он, и в тот же год!

Пабло Пикассо «Натюрморт на комоде», 1919

Поль Гоген «Окорок», 1889.
Таитянки позже пошли, он уехал на Таити через 2 года (сейчас допишу и пойду пороюсь в холодильнике).

Эдуард Мане «Гвоздики и клематис в хрустальной вазе», 1882
Есть еще чудесные работы, например «Розы в бокале шампанского», но натюрморты Мане в его наследии всегда на заднем плане. А зря, правда?

Франсуа Милле, 1860-е.
Просто обед всех его крестьян и жнецов.

Берта Моризо «Голубая ваза», 1888
Все-таки не удержалась!

Фредерик Базиль. «Натюрморт с рыбой», 1866
Просто и даже грубовато, но я, кажется, даже запах рыбы чувствую! Пойти, что ли, выбросить мусор?…

Анри «Таможенник» Руссо, «Букет цветов», 1910

Неожиданно по жанру, но неизменно по стилю. Простодушный таможенник всегда был верен себе.

Все, спасибо за внимание!
Как вам?

ПС. И все-таки Кузьма Петров-Водкин, ибо он прекрасен!:

Кузьма Петров-Водкин «Скрипка в футляре», 1916, Одесский музей Искусств
У него довольно много натюрмортов. Прекрасных, просто замечательных! Таких светлых, летних — обязательно посмотрите в Сети, отодвинте в сторону красного коня и прочую революционную атрибутику! Но, раз уж у нас пост про необычные натюрморты, я выбрала самый нетипичный для этого автора.

Еще раз спасибо за внимание!

Франс Снейдерс «Натюрморт с битой дичью и омаром», первая половина XVII века
Именно в творчестве голландских и фламандских художников XVII века натюрморт окончательно утвердился в качестве самостоятельного жанра живописи. Натюрморты Франса Снейдерса выполнены в стиле барокко — они динамичны, изобильны, красочны. Свешивающийся со стола иссиня-черный павлин, роскошный красный омар на голубом блюде, пестрая мелкая дичь на столе, желтые и зеленые артишоки и дыни… Несмотря на «мертвую природу», картина полна жизни и словно пронизана движением. А ссорящиеся под столом собака и кошка лишь гармонично довершают и без того живую кухонную сцену.

Джузеппе Арчимбольдо «Портрет императора Рудольфа II в образе Вертумна», 1590 год

Несмотря на название картины, историки искусства определяют ее жанр не иначе как «портретный натюрморт». И тут сложно с ними не согласиться: все-таки обычным портретом назвать это никак не получится. Картина принадлежит кисти итальянского художника XVI века Джузеппе Арчимбольдо, который в ХХ веке был провозглашен предтечей сюрреализма. На своих картинах Арчимбольдо изображал человеческие лица в виде композиций из овощей и фруктов, ракообразных и рыб, нередко даже с портретным сходством. Известно, что император Рудольф II был восхищен своим «съедобным» портретом и очень щедро наградил художника. Среди портретных натюрмортов у Арчимбольдо есть и совсем необыкновенные — «перевертыши»: достаточно повернуть картину на 180 градусов, чтобы увидеть совершенно новое изображение. Так, портрет «Садовник» при повороте становится натюрмортом «Овощи в миске», а портрет «Повар» превращается в натюрморт с поросятами на блюде.

Поль Сезанн «Натюрморт с яблоками и апельсинами», около 1900 года

Французский художник Поль Серюзье высказывался о фруктах Сезанна так: «О яблоке обыкновенного художника скажут: «Его хочется съесть». О яблоке Сезанна: «Как это прекрасно». Его яблоко не решишься очистить, его захочешь скопировать». И действительно у Сезанна были с яблоками «особые отношения»: он считал их совершенными творениями как по форме, так и по цвету. Известно, что Сезанн даже говорил: «Я покорю Париж своими яблоками». На простейших примерах он стремился показать истинную красоту природы. Один из молодых художников посетил Сезанна, когда тот работал над одним из натюрмортов, и был поражен: «Сезанн начал раскладывать фрукты, подбирая их так, чтобы они контрастировали друг с другом, и следя за появлением дополнительных цветов: зеленого на красном и желтого на синем. Он до бесконечности передвигал и поворачивал фрукты, подкладывая под них монетки в один и два су. Все это Сезанн проделывал неторопливо и аккуратно, и было видно, что это занятие доставляет ему истинное наслаждение».

Кузьма Петров-Водкин «Утренний натюрморт», 1918 год

С первого взгляда картина «Утренний натюрморт» проста и незамысловата, однако если присмотреться, можно заметить интересные детали, например, отражающегося в чайнике рыжего кота — возможно, он лежит на коленях хозяина. Кроме кота человека на картине «выдает» и собака — она в терпеливом ожидании смотрит прямо на него. Так в натюрморте зримо ощущается присутствие человека, хотя художник и не рисовал его. Предметов на картине изображено немного, но большая часть из них наделена блеском: до блеска начищен никелированный чайник, блестит на солнце стеклянная банка с букетом полевых цветов, блестит и скорлупа яиц. Световые блики есть на столешнице, блюдце, стакане с чаем, преломившейся серебряной ложечке. Картина «Утренний натюрморт» полна яркого света, она передает ощущение утренней свежести и покоя.

Сальвадор Дали «Живой натюрморт», 1956 год

Среди натюрмортов испанского художника-сюрреалиста есть немало вполне «обычных» — «Натюрморт» 1918 года, натюрморты «Рыба» 1922 года и «Корзинка с хлебом» 1925 года, «Натюрморт с двумя лимонами» 1926 года и др. Однако самым известным из натюрмортов Дали является «Живой натюрморт» («Движущийся натюрморт»), написанный в период его увлечения физикой (преимущественно ядерной и квантовой). Сам Дали называл этот период — с 1949-го по 1962 годы — «ядерным мистицизмом». В это время Дали покончил со «статичностью» на картинах и стал представлять материю в виде частиц. Даже в натюрморте предметы потеряли свою абсолютную неподвижность и обрели безумное движение, не соответствующее нашим представлениям о реальности.

Давид Штеренберг «Селедки», 1917 год

Давида Штеренберга часто называют «художником натюрморта». Его картинам присуща экспрессивность образов, плоскостное построение пространства, четкость и обобщенность рисунка. Чаще всего внимание художника привлекают простые вещи, например, скудные продукты пайкового времени — черный хлеб и селедки. Внимание художник уделяет деталям и фактуре — в «Селедках» четко прописаны деревянная столешница, кусок хлеба, блестящая чешуя рыб. Картина символична и выразительна, она лучше всяких слов рассказывает о драматичных послереволюционных годах.

Большинство считает натюрморты картинами красивыми, но скучными. Даже само название жанра — от французского nature morte — «мертвая природа», словно доказывает: интересного здесь мало. Однако и среди натюрмортов есть картины необычные и захватывающие. Правда, далеко не всегда их необычность видна с первого взгляда: иногда нужно присмотреться, а порой узнать и историю создания картины . О самых интересных натюрмортах с едой — в нашей статье.

Джузеппе Арчимбольдо «Портрет императора Рудольфа II в образе Вертумна», 1590 год

Именно в творчестве голландских и фламандских художников XVII века натюрморт окончательно утвердился в качестве самостоятельного жанра живописи. Натюрморты Франса Снейдерса выполнены в стиле барокко — они динамичны, изобильны, красочны. Свешивающийся со стола иссиня-черный павлин , роскошный красный омар на голубом блюде, пестрая мелкая дичь на столе, желтые и зеленые и дыни… Несмотря на «мертвую природу», картина полна жизни и словно пронизана движением. А ссорящиеся под столом собака и кошка лишь гармонично довершают и без того живую кухонную сцену.

Кузьма Петров-Водкин «Утренний натюрморт», 1918 год

Среди натюрмортов испанского художника-сюрреалиста есть немало вполне «обычных» — «Натюрморт» 1918 года, натюрморты «Рыба» 1922 года и «Корзинка с хлебом» 1925 года, «Натюрморт с двумя » 1926 года и др. Однако самым известным из натюрмортов Дали является «Живой натюрморт» («Движущийся натюрморт»), написанный в период его увлечения физикой (преимущественно ядерной и квантовой). Сам Дали называл этот период — с 1949-го по 1962 годы — «ядерным мистицизмом». В это время Дали покончил со «статичностью» на картинах и стал представлять материю в виде частиц. Даже в натюрморте предметы потеряли свою абсолютную неподвижность и обрели безумное движение, не соответствующее нашим представлениям о реальности.

Давид Штеренберг «Селедки», 1917 год

Давида Штеренберга часто называют «художником натюрморта». Его картинам присуща экспрессивность образов, плоскостное построение пространства, четкость и обобщенность рисунка. Чаще всего внимание художника привлекают простые вещи, например, скудные продукты пайкового времени — черный хлеб и селедки. Внимание художник уделяет деталям и фактуре — в «Селедках» четко прописаны деревянная столешница, кусок хлеба, блестящая чешуя рыб. Картина символична и выразительна, она лучше всяких слов рассказывает о драматичных послереволюционных годах. Не менее интересны и другие минималистичные натюрморты Штеренберга-– «Натюрморт с конфетами», «Простокваша », «Пирожное» (см. ниже в галерее).

Слово «натюрморт» происходит от французского словосочетания «nature morte» и означает умерщвленная или мертвая природа. Но мне кажется, что суть этого вида искусства лучше передает английское выражение «still life» — «неподвижная, застывшая жизнь». Ведь по своей сути натюрморт — ни что иное, как запечатленный кусочек жизни.

Собирая материал для этой статьи, я столкнулась с определенными трудностями. На первый взгляд снять натюрморт проще простого. Поставил на стол чашку, добавил к ней каких-нибудь деталей, установил свет и щелкай себе затвором. Фотомодели всегда под рукой, неограниченное время для съемки. Удобно и затраты минимальные. Потому так и любят этот жанр начинающие фотографы. И некоторые добиваются очень даже интересных результатов. Зайдите на любой фотографический сайт, выберите соответствующий раздел и любуйтесь действительно шикарными картинками. Но проходит время, и у многих возникают вопросы: «А зачем это снимать? Кому это нужно? Что я с этого буду иметь?» Не найдя ответов на эти вопросы, многие переключаются на свадебную, детскую или анималистическую фотографии, которые дают определенный доход. Натюрморт не пользуется особым уважением и у мастеров фотографии. Не доходное это дело. Если что-то и может принести, так это только эстетическое удовлетворение. И снимают натюрморты время от времени, так сказать, для оттачивания своего мастерства.

Но остаются единицы, которые видят в натюрморте, нечто большее, чем просто красивую картинку. Вот этим мастерам натюрморта я и посвящаю свою статью.

Признаюсь, вначале я хотела сделать подборку работ фотографов, которые мне нравятся, и которые по праву занимают первые места в рейтингах на различных фотосайтах. А потом возник вопрос: «зачем?» Все умеют пользоваться интернетом, большинство ни один раз проштудировали фотосайты, с лучшими работами знакомы, а информацию про заинтересовавшего их фотографа всегда можно найти при помощи поисковика. Я решила рассказать об Особых фотографах, — тех, чье творчество переворачивает признанные каноны с ног на голову, кто действительно внес в фотографирование натюрморта нечто новое, кто сумел увидеть в обыденных вещах что-то необыкновенное. По-разному можно относиться к их творчеству: восхищаться или, наоборот, не принимать. Но, однозначно, их работы не могут оставить равнодушным никого.

1. Кара Барер (Cara Barer)

Кара Барер (1956), фотограф из США, выбрала для съемок один предмет — книгу. Преобразовывая ее, она создает удивительные книжные скульптуры, которые и фотографирует. Рассматривать ее фотографии можно бесконечно. Ведь каждая такая книжная скульптура несет определенный смысл, причем неоднозначный.

2. Гвидо Мокафико (Guido Mocafico)

Швейцарский фотограф Гвидо Мокафико (1962) в своем творчестве не ограничивается одним предметом. Ему интересны разные объекты.

Но даже взяв какой-то единичный предмет, он получает удивительные работы. Знаменита его серия «Movement» («Движение»). Вроде бы просто взяты механизмы часов, а ведь у каждого, если вглядеться, свой характер.

В натюрмортах, как известно, снимается «неживая природа». В своей серии «Змеи» Гвидо Мокафико нарушил это правило и за объект натюрморта взял живое существо. Змеи, свернутые калачиком, создают удивительную, яркую и неповторимую картинку.

Но фотограф создает и традиционные натюрморты, снимая их в голландском стиле, и используя в качестве реквизита по-настоящему «неживые предметы».

3. Карл Клейнер (Carl Kleiner)

Шведский фотограф Карл Клейнер (1983) для своих натюрмортов использует самые обычные предметы, составляя их в причудливые картинки. Фотографии Карла Клейнера красочны, графичны и экспериментальны. Фантазия его безгранична, он использует совершенно разные материалы, от бумаги до яиц. Все, как говорится, идет в дело.

4. Чарльз Грогг (Charles Grogg)

Натюрморты американца Чарльза Грогга выполнены в черно-белом варианте. Фотограф для съемок тоже использует обычные бытовые предметы, имеющиеся в каждом доме. Но экспериментируя с их расположением и сочетая в необычных комбинациях, фотограф создает поистине фантастические картины.

5. Чема Мадоз (Chema Madoz)

Уверена, что работы Чема Мадоза (1958), фотографа из Испании знакомы многим. Его черно-белые натюрморты, выполненные в сюрреалистическом стиле, никого не оставляют равнодушными. Уникальный взгляд фотографа на обычные вещи восхищает. Работы Мадозы полны не только юмора, но и глубокого философского смысла.
Сам фотограф говорит, что его фотографии выполнены без всякой цифровой обработки.

6. Мартин Климас (Martin Klimas)

В работах Мартина Климаса (1971), фотографа из Германии, тоже никакого фотошопа. Только короткая, вернее, суперкороткая, выдержка. Его специально разработанная методика позволяет запечатлеть уникальный момент, который человеческий взгляд даже не может увидеть. Снимает Мартин Климас свои натюрморты в полной темноте. При помощи специального приспособления в момент разбивания предмета на доли секунды включается вспышка. И камера фиксирует Чудо. Вот вам и просто вазы с цветочками!

7. Джон Червински (John Chervinsky)

Американец Джон Червински (1961) — ученый, работающий в области прикладной физики. И его натюрморты представляют собой некую смесь науки и искусства. Тут и не поймешь: то ли натюрморт, то ли учебное пособие по физике. При создании своих натюрмортов Джон Червински использует законы физики, получая невероятно интересный результат.

8. Даниэль Гордон (Daniel Gordon)

Даниэль Гордон (1980), фотограф из Америки, научными проблемами не обеспокоен. При фотографировании натюрмортов он выбрал другой путь. Распечатывает на принтере цветные картинки, скачанные из интернета, мнет эти бумажки, а потом заворачивает в них разные предметы. Получается что-то наподобие бумажных скульптур. Ярко, красиво, оригинально.

9. Эндрю Майерс (Andrew B. Myers)

Натюрморты Эндрю Майерса (1987), фотографа из Канады, не спутаешь ни с какими другими — они всегда узнаваемы. Простой нежный, спокойный фон, много пустого пространства, что создает ощущение наполненности изображения светом и воздухом. Чаще всего для создания натюрмортов использует предметы 70-80-х годов. Его работы графичны, стильны и вызывают определенную ностальгию.

10. Регина ДеЛуис (Regina DeLuise)

Для создания своих работ Регина ДеЛуис (1959), фотограф из США, не использует зеркальную фототехнику. Она выбрала другой способ — отпечатывает негативы с фотопленки на специальной тряпичной бумаге. Ее поэтические образы содержат большой диапазон тонов и множество текстур. Натюрморты очень нежны и поэтичны. Изумительная игра света и теней.

11. Бохчанг Ку (Bohnchang Koo)

Бохчанг Ку (1953), фотограф из Южной Кореи, предпочитает белый цвет. Созданные им натюрморты — белое на белом — просто поразительны. Они не только красивы, но и несут определенный смысл — сохранение древней корейской культуры. Ведь фотограф специально путешествует по миру, выискивая в музеях предметы культурного наследия своей страны.

12. Чен Вей (Chen Wei)

Чен Вей (1980), фотограф из Китая, наоборот, находит вдохновение для своих работ вблизи от дома. Показывая странные пространства, сцены и объекты, он использует реквизит, выброшенный другими на свалки.

13. Алехандра Лавиада (Alejandra Laviada)

Алехандра Лавиада , фотограф из Мексики, для своих съемок использует разрушенные и заброшенные здания, создавая натюрморты из найденных там предметов. Ее натюрморты рассказывают настоящие истории о людях, что жили в этих зданиях и пользовались оставленными за ненадобностью вещами.

Известные натюрморты русских художников и зарубежных. Самые красивые натюрморты современности

Содержание:

Что такое натюрморт

Натюрмортом называют все изображения неживых объектов. Или «мертвых» объектов живой природы. Например, дичь или цветы из мертвой природы и стопка книг из классического натюрморта.

Изображение может быть нарисовано, сфотографировано или изображено любым другим способом. Хотя бы на видео. Жанр этот появился в 17 веке, когда и у художников фантазии поубавилось, и искусство стало более доступно широкой публике.

Сложно представить изображение тарелки в Древней Греции, где боготворили человеческое тело, или среди религиозных картин средневековья. Всему свое время, как говорится.

Сейчас это очень популярный жанр живописи и фотографии. Сначала все натюрморты могли быть цветочными или учеными. Цветочные дарили женщинам или вешали в родовых замках.

Ученые — с изображением книг, черепов и любой другой университетской атрибутики, дарились более искушенным мужам. Далее появились сначала картины с посудой, потом с иллюзиями.

В общем, едва появившись, этот жанр тут же стал модным и популярным. А с развитием необычных направлений живописи, например кубизм и постмодернизм, в жанр вдохнули вторую жизнь.

Так появился этот жанр. Теперь давайте посмотрим самые интересные натюрморты знаменитых художников Европы и России. Отдельно рассмотрим современное искусство. Оно тоже заслуживает внимания.

Как развивался натюрморт в искусстве

Первоначально, в 15-16 вв. изображения неодушевленных предметов были востребованы только как религиозные картины, способные обрамить цветами божественный лик. Тогда же появились работы с черепами. При этом картины «Натюрморт» художников любого уровня могли использоваться для практических целей: украшения интерьера и маскировки неблаговидных углов дома.

В 17 в. произошло становление подобных картин как обособленного и независимого жанра. Такая тенденция была связана с популярностью голландских и фламандских художников, которые не просто делали красивые картины, а могли передать в них скрытые смыслы: быстротечность жизни, неизбежность смерти, христианские заповеди. Голландцы также любили рисовать так называемую тихую и застывшую жизнь повседневного мира.

Развитие нидерландского натюрморта, оказавшего огромное влияние на весь жанр, можно представить следующим образом:

Направление	Особенности	Представители
Цветочный натюрморт (40-е гг. 17 в.)	Роскошные цветочные рисунки отражали особенности быта голландцев: традиции иметь комнатные растения и сады на виллах.	Амброзиус Босхарт Старший и Босхарт Младший, Бальтасар ван дер Аст, Ян Давидс де Хема.
«Завтраки» и «Сервированные столы» (начало 17 в.)	Изображения накрытых столов делились на праздничные банкеты и скромные ежедневные завтраки. Причина появления – частые портреты членов стрелковых гильдий во время пира в 16 в.	Николас Гиллис, Флорис Герритс ван Схотен, Флорис ван Дейк, Клара Петерс, Адриан Корте
Учёный или философский натюрморт (середина 17 в.)	Появился в университетской среде и получил наименование «суета сует». Этот интеллектуальный вид живописи чаще затрагивал Библию и базировался на иллюзионистских техниках.	Питер Стенвейк, Давид Байи, Мария ван Остервейк.

Также работы голландских мастеров создавались в жанре тонального натюрморта – монохромных изображений легкого беспорядка и интимности. Существовали также кухонные, охотничьи и рыбные натюрморты, которые положили начало других европейским и русским традициям в живописи. Во второй половине 17 в. стали пользоваться популярностью картины художников «Натюрморты с цветами и фруктами», которые отличались пышностью, светлым колоритом и декоративностью.

Распространенные сюжеты

Выбор сюжетов для написания в период становления жанра выпадает на «тихую жизнь вещей». Фламандские художники рисуют рыб, которые только что выловлены из водоемов, обезьян, растения в вазе, книги, фрукты, посуду. В произведении Яна Давидса де Хема «Цветы в вазе» сломанные растения символизирует греховность жизни, полевые цветы символизируют чистоту и непорочность.

Голландские мастера не включают в свои композиции людей. Обычно это стол, где изображается кувшин, предметы быта, чашка, как на полотне Виллема Клас Хеда «Натюрморт с трубками жаровни».

У итальянских мастеров преобладают музыкальные инструменты, их изображают в разных ракурсах: картина Эваристо Баскениса «Натюрморт с музыкальными инструментами».

Вплоть до XVIII века преобладают цветочные композиции. Они символизируют бренность существования на земле и быстротечность земных радостей. Нередко полотна дополнялись фруктами, графинами.

В работах Винсента Ван Гога летние букеты представлены в разных вариациях, но преимущественно это подсолнухи.

В современном искусстве нет никаких ограничений. На полотнах мастеров можно увидеть кофе, фрукты, книги, даже пустые пивные банки.

Стили

Несмотря на кажущуюся простоту, у натюрморта множество граней. Добиться идеальной формы у предметов удавалось при помощи светотеней, сохранения пропорций. Из-за высокой конкуренции во время взлета популярности жанра сформировались определенные стили:

цветочный, самый массовый;
цветочно-фруктовый, с пиком популярности в XVII веке;
тональный, полотна в этом случае имели много коричневых и серых оттенков;
кухонный или бытовой стиль, с включением сцен из повседневной жизни;
рыбный, выступал в качестве своеобразной дани мореплавателям;
роскошный, с отображением богатой жизни нового класса буржуазии;
охотничий, на полотнах обязательно изображалась битая дичь, оружие;
«накрытый стол», то есть с отображением деликатесов и национальных продуктов;
«обманка» или практически трехмерное изображение, которое было тяжело отличить от фотографии или реальности.

И конечно неординарный стиль «Vanitas». Картины обязательно содержали предметы, напоминающие о бренности бытия.

Направления искусства

Изобразительное искусство находится в непрерывном развитии, поэтому оно не имеет четко выраженных границ. Большинство направлений сильно переплетены. По стилю исполнения выделяют следующие направления:

Академизм. Это фактически обобщенные достижения творцов эпохи Возрождения. В эту группу включат изящное рококо, ампир. В жанре писали многие известные мастера: Исаак Левитан (1860-1900) «Лесные фиалки и незабудки» (1889), «Васильки» (1894). Советский художник А. Никич-Криличевский (1918-1994) «Этюд с медалями» (1951), «С неделей» (1966).
Кубизм — модернистское направление. Полотна мастеров изображают трехмерные объекты в двумерной плоскости. Направление сформировалось в начале XX века. Ярким представителем является Хуан Грис (1887-1927) и его «Натюрморт с бутылкой и ножом» (1912). Нельзя не упомянуть Пабло Пикассо (1881-1973) и его «Натюрморт с бутылками ликера» (1909), «Натюрморт с черепом быка» (1939).
Импрессионизм. Картины этого стиля практически полностью лишены подробностей, автор пытается передать общее впечатление от увиденного. Эдвард Мане (1832-1883) был выдающимся импрессионистом: «Натюрморт с цветами» (1880), «Сирень и розы» (1883). Камиль Писсарро (1830-1093) прославился полотнами в этом стиле: «Ваза с тюльпанами» (1900), «Букет цветов» (1873).
Абстракционизм. Основная суть направления – вызвать разнообразные ассоциации у зрителей. Стиль предполагает полный отказ от переноса действительности на картину, главное добиться гармонии в цветовых сочетаниях и формах. Самый яркий представитель направления Пабло Пикассо (1881-1973), который работал в разных направлениях. В стиле абстракционизм выделяют: «Натюрморт с грушами и кувшином» (1960), «Натюрморт с лимоном и апельсином» (1936).

Натюрморты встречаются в самом авангардном направлении – сюрреализме. Стилю присущи сочетания форм, которые в настоящей жизни совершенно не сочетаются. Понять суть направления можно по картинам Сальвадора Дали (1904-1989) «Живой натюрморт» (1956), «Явление лица и вазы с фруктами на берегу моря» (1938).

В современном искусстве жанр проник практически во все направления и стили, включая фотореализм, поп-арт и нео-поп.

Развитие в России

Несмотря на отсутствие притягательности к стилю среди российских художников, направление просматривает в полотнах, посвященных каноническим сюжетам. Первым художником, который начал развивать стиль на территории России стал Хруцкий Иван Трофимович (1810-1885). Известность к нему пришла благодаря написанию групповых портретов и натюрмортов.

Хруцкий работал в академическом стиле. В 1832 году он пишет два самых известных натюрморта: «С вазой» и «С птичкой». В XIX веке он становится самым «покупаемым» мастером в империи.

В начале XX века жанр в России получает необыкновенную популярность. Именно тогда этот стиль становится равноправным среди всех направлений. Буквально за 15 лет жанр проходит тернистый путь от импрессионизма до абстрактного формотворчества. Многие художники смогли отличиться в этом направлении:

Николай Сапунов (1880-1912): «Цветы и вазы на розовом фоне» (1910), «Вазы, цветы и фрукты» (1912). Творца постигла внезапная смерть вследствие утопления на Финском заливе.
Петр Кончаловский (1876-1956): «Поднос и зеленая картонка» (1912), «Сирень» (1951).
Кузьма Петров-Водкин (1878-199): «Черемуха в стакане» (1932), «Натюрморт с письмами» (1925).
Игорь Грабарь (1871-1960): «Хризантемы» (1950), «Неприбранный стол» (1907). Несмотря на склонность автора к импрессионизму, Грабарь старался найти новые художественные приемы и усложнить композиции и технику исполнения.
Илья Машков (1881-1944), яркий представитель постимпрессионизма. Из ярких работ можно выделить: «Клубника и белый кувшин» (1943), «Фрукты с сельскохозяйственной выставки» (1939), «Снедь московская. Хлебы» (1924).

Во второй половине XX века появляется еще несколько интересных творцов. Например, Владимир Вейсберг (1924-1985), который на своих полотнах отображает предметы обыкновенной формы, а цветовые решения доводит до минимума: «Натюрморт с двумя серыми вазами и белой бутылкой» (1970), «Натюрморт с чайником и лимоном» (1958).

Сергей Андрияка, рожденный в 1958 году творит по сегодняшний день. Является членом Российской академии искусств и пишет акварелью. У него много интересных и очень известных работ: «Восточный натюрморт» (1991), «Домашние пироги» (2001), «Чайники» (2002).

Значение в академической живописи

Для оттачивания навыков и мастерства в художественных школах часто используют натюрморт из геометрических фигур карандашом. Работа над таким рисунком всегда ведется в определенной последовательности:

построение композиции;
создание наброска;
прорисовка с натуры;
нанесение тона.

Это позволяет начинающему художнику получить сразу несколько нужных навыков и главное – создавать выразительную композицию. Ученики учатся делать промежутки между предметами. Обучение обычно начинается с прорисовки геометрических предметов, например, гипсового куба и/или цилиндра, то есть по принципу «от простого к сложному».

Современное искусство

Таких художников можно найти в картинных галереях России, в зале русской живописи. Но ведь искусство не стоит на месте! И современные авторы тоже рисуют и ух как рисуют. Что же они могут нам предложить?

Конор Уолтон

Художник ирландского происхождения 1970 года рождения. Считается одним из лучших современных художников в области портретов и натюрмортов.

«Сокрытое», наверное, одна из самых популярных работ и самая необычная. Картина фотореалистична, современна и злободневна. А уж какие скрытые смыслы можно ей приписать…

Анна Петина

Помните, что натюрморт не только картина, но и фотография? Вот я и решил приложить победительницу фотоконкурсов в номинации натюрмортов.

«Время пить чай». Необычная фотография. С современной техникой Анна считает, что самое сложное – составить композицию, а не сделать именно фотографию.

Кевин Бест

Еще один фотограф, но уже классического направления. Новозеландец решил, что создавать новое не нужно, если можно вдохнуть жизнь чему-то существующему.

«Лесные фиалки и незабудки»

Картина Исаака Левитана словно синее небо и белое облако — от певца русской природы. Только на полотне не родные просторы, а букет полевых цветов. Одуванчики, сирень, васильки, бессмертник, папоротник и азалия… Мастерская художника после леса превращалась «не то в оранжерею, не то в цветочный магазин». Левитан любил цветочные натюрморты и учил своих учеников видеть и цвет, и соцветия: «Надо, чтобы от них пахло не краской, а цветами».

«Яблоки и листья»

Работы Ильи Репина органично оттеняют блестящую обстановку Русского музея. Художник-передвижник составил композицию для своего ученика — Валентина Серова. Вышло столь живописно, что учитель и сам взялся за кисть. Шесть яблок из обычного сада — помятые и с «бочками», и ворох листьев, подернутых осенними красками, в качестве источника для вдохновения.

«Цветы и плоды»

«Цветы и плоды», 1839 г. Государственная Третьяковская галерея (Москва), Иван Хруцкий.

«Завтрак на траве»

Картина создана под впечатлением от скандального полотна Эдуарда Мане с одноименным названием. Общего у картин мало, кроме лесного пейзажа.

Для написания леса Клод выезжал на пленэр, а будущих героев рисовал сначала в мастерской, затем еще и на природе в виде этюдов. И только после этого в мастерской художник объединил все в одно целое. В первую очередь, картина завораживает своим солнечным светом, который проникает сквозь зеленое кружево листвы.

Художник расплатился «Завтраком на траве» за квартиру. Новый хозяин потерял часть картины и только спустя шесть лет Моне смог выкупить свою работу, восстановив утерянные фрагменты и переписав какие-то заново.

«Любительница абсента»

Жизнь Пикассо началась очень необычно. По легенде, он родился слабым младенцем, и акушерка даже подумала, что он мертв. Однако дым от сигары дяди, который стоял рядом, пробудил ребенка.

Картина «Любительница абсента» – портрет души Пикассо. Художник постоянно преодолевал различные испытания: нищету, отсутствие заказов, смерть близкого друга. Именно поэтому тема одиночества и опустошенности отражена во многих его картинах. На время написания «Любительницы абсента» у художника даже не было денег на холст. Для этого Пикассо взял старую работу, закрасил ее и воспользовался обратной стороной. Цвета получились приглушенными, а героиня – зажатой и усмиренной тоской. Она настолько погружена в себя, что безразлична к происходящему. Абсент на столе – это портал в мир забвения, где нет тревог, болезней и страхов.

«Завтрак аристократа»

Федотов называл свой жанр живописи «нравственно-критическими сценами из современной жизни». В его работах были важны детали, ведь они раскрывали истинный смысл сюжета. Если хорошо присмотреться, то именно предметы на картине «Завтрак аристократа» раскрывают характер и образ жизни персонажа. Аристократ пускает пыль в глаза: он окружен модными и дорогими вещами, но завтрак его очень скудный. Он впопыхах пытается прикрыть кусок черного хлеба книгой. Кстати, сам художник назвал свою картину «Не в пору гость». А уже после его смерти появилось нынешнее название.

«Сцена на рынке»

В XVI веке, придя на смену религиозным сюжетам, в жанровую живописи Нидерланд пришла еда — на столе, на рынке, на кухне. Питер Артсен, вошедший в историю мировой живописи как один из основоположников этого жанра, стал бытописателем повседневной жизни простолюдинов, крестьян, слуг, торговцев. Из картины в картину зритель попадает то в «Мясную лавку» (1551) или на «Обильную кухню» (1570), где столы ломятся от огромных окороков и рыбин, разделанных туш, коровьих голов и колбас, монументальных сырных голов и пирамид из овощей и фруктов; то на «Крестьянский праздник» (1951), где танцуют «Яичный танец» (1552), полный скрытых символов и смыслов; то в «Блинную» (1960) или к «Кухарке» (1559), осанкой, статью и взглядом похожую на императрицу и нанизывающую на вертел туши с видом величественным и грозным.

Рынок, со всеми его персонажами — продавщицей с овощами, торговцем дичью, мясником — отдельная тема Артсена, позволяющая бесконечное количество раз обыгрывать любимые сюжеты и сцены. Во всех его лавках и рынках всевозможная снедь занимает большую часть пространства и «играет» главную партию, в то время как человеческие персонажи отходят на второй план.

Натюрморт с крабом

Есть мнение, что именно как жанр натюрморт оформился в Голландии, в 17 веке. Конечно, и до этого художники изображали букеты, фрукты, столовую утварь, но лишь как часть иной композиции. Более того, много лет натюрморт был неразрывно связан с религиозной живописью — цветы, в частности, обрамляли святые фигуры.

Мастера из Нидерландов изменили эту традицию. В 17-18 веках появилось несколько направлений голландского натюрморта и множество живописцев, прославивших жанр. Среди выдающихся имен — представитель «малых голландцев» Виллем Хеда (Willem Claesz (Claeszoon) Heda), чья картина «Натюрморт с крабом» сейчас хранится в российском музее Эрмитаж.

Пожалуй, среди вещей, на которые можно смотреть бесконечно, стоит упоминать и произведения Виллема Хеда. Хеда — «мастер завтраков»: на картинах сверкают хрустальные кубки, белеют скатерти, бликуют серебром кувшины, на тарелках разложена аппетитная (или не очень) снедь. Сюжеты неоригинальны, но мастерство исполнения, «живость» фактур поражают.

Пышные булочки золотятся будто только из печи, а бокалы хочется взять в руки. Мастерство художника выражается и в символизме каждого предмета «на сцене» — их расположение относительно друг друга выверено едва ли не с математической точностью. И каждый несет в себе собственный смысл. Так, к примеру, серебро означает богатство, лимон — красоту, в которой заключена горечь.

Натюрморт с черепом и пером

Соотечественник Хеда Питер Клас (Pieter Claesz) — еще один великий «малый голландец», работавший как в жанре «завтраков», так и в более мрачном, но весьма популярном в XVI-XVII вв.. направлении vanitas — «аллегоричный натюрморт». Термин имеет отношение к изречению Экклезиаста, писавшему, что все на свете — суета из сует. Собственно, “vanitas” и переводится с латыни как «суета».

«Натюрморт с черепом» реалистичен настолько, что вызывает экзистенциальную грусть. Картина глубоко метафорична и напоминает театральную сцену, где у каждого «актера» своё место, цель и даже действие. Так падающий бокал, лишенный зубов череп, угасшая лампа призваны напоминать зрителю о быстротечности жизни и непостоянстве мирского бытия. Каменная столешница словно вдвигается в пространство перед рамой, делая впечатление от полотна еще более ярким, создавая эффект присутствия. Как и другие полотна автора, «Натюрморт с черепом» отличается безупречным исполнением, тщательно выписанными деталями и фактурами.

Подсолнухи в желтой вазе

Импрессионисты тоже экспериментировали с vanitas и его мрачными смыслами — стоит вспомнить хоть натюрморты с черепами, которые рисовал Сезанн. Но в творчестве ван Гога (Vincent Willem van Gogh), несмотря на весь трагизм жизненных обстоятельств художника, доминируют светлые жизнерадостные оттенки и предметы. Художник часто писал натюрморты, но визитная карточка мастера — знаменитые «Подсолнухи» в золотистой вазе.

Композиция пронизана светом и словно сама излучает его — яркий, солнечный, полный радости и ожидания чуда. Ван Гог обожал подсолнухи — для него эти цветы символичны и были исполнены глубокого смысла. В общей сложности он рисовал их около десятка раз — шедевры вошли в два цикла работ. Самый знаменитый букет подсолнухов написан в Арле, в 1888 году.

Источники

https://krasivodel.ru/articles/kartiny-izvestnyh-hudozhnikov-natyurmorty.html
https://Hudognik.net/artists/Still_life/
https://art-dot.ru/natyurmort/
https://www.culture.ru/materials/120418/natyurmorty-risuem-to-chto-pod-rukoi
https://www.wm-painting.ru/Ob_iskusstve/p2_articleid/1603
https://www.gastronom.ru/text/samye-izvestnye-kartiny-c-edoj-1012066
https://zen.yandex.ru/media/tochka_art/eda-kak-na-kartinke-top10-znamenityh-natiurmortov-i-receptov-k-nim-5ed0c6cc9217f57f7c9a8a42
https://veryimportantlot. com/ru/news/obchestvo-i-lyudi/top-5-samyx-prekrasnyx-i-znamenityx-natyurmortov

[свернуть]

Самые красивые натюрморты в мире (30 ФОТО)

Натюрморт — это жанр живописи, который раскрывает необыкновенную красоту самых обычных, на первый взгляд, предметов. В переводе с французского “nature morte” означает “мертвая природа”.

Бытует мнение, что именно через натюрморты художники лучше всего показывают свое внутреннее состояние, тайные страхи, неразгаданные стороны своей души. Именно нестандартное видение художника заставляет нас любоваться цветами или фруктами, на которые мы не слишком-то обращаем внимание в обычной жизни.

Если вы все еще не являетесь поклонником этого жанра живописи, мы надеемся, что наша подборка сумеет показать вам, насколько великолепными бывают натюрморты, написанные великими художниками.

Триша Хардвик, “Цветочная нежность”

Удивительная картина, наполненная теплом, солнечным светом и ощущением легкости и беззаботности. Изысканные пастельные тона делают “Цветочную нежность” Триши Хардвик уникальным творением, способным создавать особую атмосферу.

Другие натюрморты Триши Хардвик

Поль Сезанн, “Натюрморт с фруктами”

На картине великого мастера фрукты выглядят ненастоящими — как будто Сезанн изображал не плоды, а детские игрушки. Он не стремился к естественности и реалистичности изображения, его целью было запечатлеть соединение красоты и духовного смысла, которое могло заинтересовать зрителей.

Другие натюрморты Поля Сезанна

Эдуард Мане, “Натюрморт с цветами”

Один из лучших натюрмортов знаменитого французского художника. Нежные розовые цветы выглядят очень романтично, их идеализированное изображение заставляет по-настоящему влюбиться в творчество Мане.

Иван Крамской, “Букет цветов. Флоксы”

Восхитительный натюрморт в ярких, насыщенных оттенках, наполненный торжественной, праздничной красотой. Крамской часто отказывался от фона, делая акцент на главном изображении — и это абсолютно оправданно, ведь ничто не должно затмевать помпезную жизнерадостность флоксов.

Пабло Пикассо, “Ваза с фруктами”

Даже если вы не признаете никакие жанры живописи, кроме гиперреализма, “Ваза с фруктами” руки основоположника кубизма наверняка вам понравится — невозможно не влюбиться в эти тона. Увидеть эту невероятно красивую картину Пикассо можно в государственном Эрмитаже.

Другие натюрморты Пабло Пикассо

Фернандо Ботеро, “Натюрморт с кофе”

Современного художника Фернандо Ботеро считают изысканным мастером, сочетающим в себе страсть к наивному искусству и гротеску. Удивительно, но сумев заработать на своем таланте и став знаменитым, он не примкнул к клану “художников-бизнесменов” — Ботеро по-прежнему творит “для души” и удивляет мир своей невиданной щедростью

Другие натюрморты Фернандо Ботеро

Эдуард Мане, “Ваза с пионами”

Пионы всегда восхищали художников — их насыщенный цвет, пышные цветки и непослушные лепестки неизбежно влюбляют в себя мастеров, экспериментирующих с формами и цветом. Несмотря на то, что пионы относятся к цветам, увядающим крайне быстро, Мане не делал акцент на эфемерности красоты — напротив, он стремился показать наслаждение моментом.

Казимир Малевич, “Натюрморт”

У большинства людей, не слишком увлекающихся искусством, Малевич ассоциируется только с “Черным квадратом” — вершиной супрематизма. Однако, в период своего творческого поиска, Казимир много экспериментировал со стилем и техникой, и ему удавалось создавать самобытные, неповторимые шедевры.

Анатолий Никич-Криличевский, “Этюд с медалями”

Сейчас советская эстетика у молодого поколения вызывает неподдельный интерес — а “Этюд с медалями” является подлинным ее воплощением. Этот этюд раскрывает историю советской чемпионки мира, Марии Исаковой — ее медали, за которыми стоит упорный труд и самоограничения, письма и букеты от поклонников, влюбленных в целеустремленную красавицу.

Бальтазар ван дер Аст, “Корзина цветов”

Бальтазар ван дер Аст — мастер, умеющий виртуозно работать с деталями, создавая цельный, не перегруженный образ. Он любил непривычные, блеклые и ненасыщенные, “прозрачные” тона, которые могут влюбить одних зрителей и смутить других.

Виллем Клас Хеда, “Завтрак с крабом”

Холодная, серебристо -серая гамма “Завтрака с крабом” олицетворяет изысканность утреннего приема пищи. Хаотично расположенные предметы на столе делают картину живой, позволяя зрителю придумать собственную историю.

Караваджо, “Корзина с фруктами”

Именно двадцатидвухлетний Микеланджело Караваджо, сам того не ведая, сумел изобрести прекрасный новый жанр живописи — натюрморт. Картина “Корзина с фруктами” показывает нам натуралистическую, естественную красоту плодов — со следами гниения, засохшими листьями и достаточно привычными нам неброскими тонами.

Михаил Врубель, “Цветы в синей вазе”

Удивительно изысканное и романтичное изображение гортензий, ландыша и бегоний. “Цветы в синей вазе” Врубеля — настоящее воплощение одухотворенности, душевного подъема, красоты прохладного весеннего утра.

Натан Альтман, “Мимоза”

Русский авангардист Натан Альтман считался признанным мастером портрета, и создание натюрморта для него — смелый эксперимент. Тем не менее, “Мимоза” Альтмана, на наш взгляд, является одним из лучших натюрмортов за всю историю живописи.

Анри Руссо, “Букет цветов”

Французский мастер примитивизма Анри Руссо по прозвищу “таможенник” является самоучкой. Его работы отличаются богатством цветов и нереалистичностью.

17 современных художников переосмысливают натюрморт

7 августа 2020 г. 17:41

Вещи, которыми мы владеем — одежда, которую мы носим, предметы на наших столах, мебель в наших домах — рассказывают истории о том, кто мы, что мы значение, и откуда мы пришли. Художники, создающие натюрморты, создают наводящие на размышления миры, помещая в свои композиции подсказки о своей жизни и часто выдуманных, отсутствующих персонажах.

17 современных художников исследуют материальный мир с помощью абстрактной живописи, перформанса, ремесел и цифровых медиа. Снимая предметы, начиная от бутербродов из винного погреба и заканчивая монографиями художников, они документируют, каково это — жить, потреблять и просто заниматься искусством сегодня.

Живет и работает в Лос-Анджелесе

Хилари Печис, Two Candles , 2020. Предоставлено художником.

Хилари Песис, В гостях у Мишель , 2020 г. Предоставлено художником.

Яркие натюрморты Хилари Песис наполнены историческими отсылками к искусству и самим искусством. Монографии Элис Нил, Генри Тейлора, Джорджии О’Кифф, Евы Хессе, Фрэнсиса Бэкона, Керри Джеймса Маршалла, Хильмы аф Клинт и Лари Питтман выстраиваются на столах и книжных полках ее композиций, указывая на собственных муз художницы. В ее интерьерах часто используются полотна в салонном стиле, как фигуративные, так и абстрактные. В Camellias (2018), Pecis даже воспроизводит плакат для выставки Джоан Митчелл, который висит за гигантским букетом цветов, подпертым книгами по искусству. Явный холст Эрнста Людвига Кирхнера висит за другой цветочной группой в Camellias and Leopard (2019).

Натюрморт дает Pecis возможность ссылаться на художников, живых и мертвых, которые работают (или работали) в самых разных режимах. «Я считаю, что в параметрах натюрморта много свободы», — сказала она. «Это место для начала, но есть бесконечные возможности». Она цитирует «цвет и применение» фовистского движения и исполнителей калифорнийского фанка как главные источники вдохновения. В ноябре этого года она представит свои натюрморты и пейзажи на персональной выставке в галерее «Шпоры» в Пекине.

Живет и работает в Афинах, Джорджия

Холли Кулис, Small Cup and Steam , 2019. Предоставлено художником и галереей Клауса фон Нихтссагенда.

Для Холли Кулис привлекательность натюрмортов заключается в самой неподвижности. «В других жанрах (даже в абстракции) есть пауза в движении», — сказала она. «Натюрморт был неподвижен до того, как его написали, и после. Пока кто-то или что-то не придет, чтобы переставить или нарушить его». Такие композиции кажутся ей «интимными и личными». Глядя на натюрморты Кулиса, зритель созерцает личные вещи невидимого персонажа. Однотонные лимоны, вазы, сигареты, ножи и кошки танцуют на полотнах Кулиса, весело натыкаясь друг на друга. Художник много раз обрисовывает ее формы в различных смелых оттенках, придавая им сияющую, вибрационную ауру. Поп-арт, кубизм и абстракция формируют плоский цвет, геометрию, «вне перспективы» и игривость в картинах Кулиса.

Кулис сказала, что прямо сейчас в своей студии она думает о том, как сместить линии на своих картинах и «найти способ заставить их двигаться больше». Она также экспериментирует с тем, чтобы сделать свои картины более абстрактными, приближая их к самому краю того, что она называет «натюрмортом».

Живет и работает в Балтиморе

Николь Драйер, Моя кладовая , 2018. Предоставлено художником.

Николь Дайер обновляет великую традицию поп-арта по включению в свое искусство изображений фирменных продуктов питания, а-ля Энди Уорхол и, совсем недавно, Кэтрин Бернхардт. Она создала напольные скульптуры из ящиков для газировки La Croix и Vintage, а также мультимедийную картину с упаковкой Quaker Oats в центре. Искусственные карамельные сердечки, имбирные жевательные конфеты и петли Froot Loops украшают границы ее текстурированных работ. Дайера интересует, как продукты могут «вызывать у зрителя интенсивную эмоциональную реакцию», такую как ностальгия, надежда или приверженность. Потребительство является серьезной проблемой для художницы — в ее работах рассматривается, как сельтерские бренды приобретают культовых поклонников и как «яркая матовая упаковка может сделать нездоровую пищу более здоровой».

В то время как поп-арт явно оказывает на нее непосредственное влияние, Дайер также вдохновляется гораздо более старой эстетической традицией — голландскими натюрмортами с едой. «Мне нравятся композиции, детали и драматическое освещение», — сказала она. «Меня интересует эффект подобных композиций, но составленных из современных продуктов и более ярких цветов».

Живет и работает в Окленде

Анна Вальдес, инсталляция в Hashimoto Contemporary. Фото Шона Робертса. Предоставлено художником.

Анна Вальдес рисует и раскрашивает столы и полы, заставленные книгами по искусству (с участием Дэвида Хокни, Жоржа Брака и Филипа Перлштейна), растениями, коровьими черепами (отсылка к Джорджии О’Кифф), раковинами и декоративными вазами, напоминающими керамику. традиции со всего мира. «Мои предметы могут выглядеть как компиляции обычных мирских объектов, но вместе они рассказывают мою конкретную историю исследования живописи через художественное происхождение, символику и композицию», — сказал Вальдес. Таким образом, ее натюрморты становятся перекошенными автопортретами.

Вальдес отметила свой интерес к голландской традиции живописи 17 века, когда художники рисовали символы смерти, чтобы напомнить зрителям об их собственной смертности. «Включая растения, раковины, кости и камни, а также картины, эскизы, керамические предметы и ткани, я имею в виду мир природы, время и современную жизнь», — сказал Вальдес. В начале ноября в Денверской галерее Дэвида Б. Смита будут представлены новые масштабные натюрморты художницы, основанные на инсталляциях, которые она создала в своей студии.

Живет и работает в Лос-Анджелесе

Алек Иган, Пакет с фруктами на пуфике , 2020 г. Предоставлено художником и Анат Эбги.

Алек Иган, Ванная , 2020. Предоставлено художником и Анат Эбги.

Роскошные интерьеры Алека Игана украшены обоями с цветочным принтом и тканями, которые наводят на мысль об одержимости какого-то отсутствующего домовладельца использованием природы в рукотворных проектах. Цветы распускаются на подушках, коврах, покрывалах и стульях, напоминая этому зрителю сцену из классической детской книги 9.0023 Где обитают дикие твари , в котором спальня Макс медленно превращается в неукротимый лес. Игану нравится, как его натюрморты могут вызывать в воображении повествования, а также идеи о том, кем могут быть таинственные невидимые обитатели. Своими главными эстетическими интересами он назвал «рассказывание историй, построение выставки, продолжительность и серийность».

«Я строю воображаемый дом с помощью каждой из своих выставок, — объяснил Иган. В 2017 году на своей первой выставке в Анат Эбги он начал серию картин, изображающих разные перспективы одной огромной обители — на данный момент он создал гостиную, две ванные комнаты, четыре спальни, прихожую, столовую и библиотеку. . Вплоть до 5 сентября текущая выставка Игана «Август» в пространстве Анат Эбги в Лос-Анджелесе демонстрирует самые последние дополнения к дому художника. «Следующая выставка, скорее всего, будет посвящена кухне, — сказал Иган.

Живет и работает в Саут-Хедли, штат Массачусетс

Живые и мертвые животные заполняют полотна Никки Малуф — от рыбы, устриц и лобстеров, лежащих на тарелках на клетчатой скатерти, до птицы в клетке или кота, смотрящего в окно. Какими бы яркими ни были работы, они также вызывают чувство замкнутости и беспокойства. Например, в Cry When You Need To (2018) птичья клетка выложена страницей New York Times , заголовок которой объявляет эмоциональное название произведения.

Художника вдохновляют «роскошные текстуры», «гипердраматические аранжировки» и «символизм» голландской традиции vanitas. Ее особенно привлекают моменты на полотнах 17-го века, где становится ясно, что «художники погрузились в фантазию, чтобы создать драму, которую они искали». По ее словам, чем ближе она смотрит на эти картины, тем больше они начинают «походить на сцены для опер или пьес о повседневных делах».

Малуф надеется «усилить и расширить» эти идеи в своих работах, создавая психологическую интригу, сопоставляя повседневные предметы и домашних существ. Рисуя полностью из своего воображения, она любит находить возможности для «хаоса и предчувствия», чтобы проникнуть в ее композиции. Предстоящая выставка Малуфа в галерее Nino Mier в Лос-Анджелесе в ноябре этого года наполнена работами, посвященными приготовлению пищи.

Живет и работает в Лос-Анджелесе

Педро Педро, Стол в студии с лосьоном и денатуратом , 2020. Предоставлено художником.

Любопытная, сюрреалистическая физика пронизывает натюрморты Педро Педро. Носки, банановая кожура, туфли и шляпа висят, как часы Дали. Подушки стульев и столы, которые их держат, наклонены так вертикально, что удивительно, как все эти предметы не соскользнули. Соответственно, Педро сказал, что его привлекает форма натюрморта из-за ее «банальности и загадочности» — в его картинах повседневность становится глубоко, убедительно странной.

Педро сказал, что его вдохновляют цвет и яркость натюрмортов колумбийского художника Фернандо Ботеро, а также «движение и детали» в работах итальянской художницы эпохи барокко Джованны Гарцони. Хотя он также оглядывается на композиции импрессионистов и постимпрессионистов, художник добавил, что он не пытается «нарушать или чтить» какие-либо конкретные традиции — ему просто нравится «пробовать» элементы из других картин. В данный момент он работает над композицией из помидоров на лозе, которая отсылает к рекламе продуктового магазина, которую он недавно получил по почте.

Живет и работает в Нью-Йорке

Lucia Hierro, Sufrir o Sofreír , 2019. Предоставлено художником.

Название серии цифровых печатных натюрмортов Люсии Йерро «Bodegón» (с 2015 г. по настоящее время) относится как к испанскому термину «натюрморт», так и к небольшим нью-йоркским магазинчикам на углу, которые чаще называют «винными погребами». Основные продукты Bodega — бутерброд с яйцом и сыром в рулоне из фольги с шестиугольной печатью; бутылка Фанты; ярко-желтая упаковка кофе Café Bustelo — заполните работы Йерро наряду с такими предметами, как кофейная кружка Йельского университета, картина Джорджио Моранди и кепка New York Yankees. В целом, объекты вызывают в воображении городскую жизнь, пересекающую экономические и культурные границы.

Работы также переосмысливают наследие голландских художников-натюрмортов. Легко, думает Йерро, упрекать художников XVII века за то, что они изображают предметы, добытые в результате завоеваний, например, оливки со всего Средиземноморья или китайский фарфор. Однако в эстетическом мире Йерро эти объекты и их политика становятся гораздо более сложными. «Я, доминиканско-американский потребитель, вовлекаю себя в то, как история все еще разворачивается сегодня», — сказал Йерро. Затем художница планирует курировать выставку в Gold/Scopophilia* (галерея художницы Дженнифер Вроблевски в Монклере, штат Нью-Джерси) и организовать персональную выставку в Музее современного искусства Олдрича в Коннектикуте в июне следующего года.

Живет и работает в Нью-Йорке

Джин Шин, Floating MAiZE , 2020 г. Фото Эндрю Мура. Предоставлено Брукфилд Плейс.

Жан Шин считает, что натюрморты дают зрителю возможность оценить красоту повседневных предметов. Форма, по ее словам, представляет собой «сохраненную и увековеченную» реальность, которая изображает «системы, культуру и историю художника». Шин, которая часто известна своими монументальными инсталляциями, установила десятки спортивных трофеев на длинном белом постаменте; построенные сооружения, полностью состоящие из выброшенных лотерейных билетов; и сделал уличную скульптуру из сломанных зонтов.

«Я заинтересован в привлечении участников и сообществ к процессу сбора большого количества повседневных предметов и мусора», — сказал Шин. «Я трансформирую эти материалы, чтобы вести диалог с более крупными социальными проблемами и в соответствии с контекстом сайта». Недавно она завершила масштабную инсталляцию Floating MAiZE (2020) для атриума Зимнего сада на Брукфилд-плейс в Нью-Йорке. Работа переделывает более 7000 зеленых бутылок Mountain Dew в скульптуру, напоминающую искусственное кукурузное поле. Шин сказала, что хочет связать «вредные последствия выращивания кукурузы в промышленных масштабах с нездоровым потреблением кукурузного сиропа с высоким содержанием фруктозы в обработанных пищевых продуктах и напитках» и побудить зрителей задуматься о том, как взаимосвязаны производство продуктов питания, питание и загрязнение окружающей среды.

Lives and Works в Нью -Йорке

Даниэль Гордон

Untitled Still Life , 2017

Danziger Gallery

US 7000 долларов США $ 8000

из интернета — фрукты, вазы, цветы, кувшины — затем собирает их в своей студии и фотографирует окончательные композиции. Полученные кадры получаются яркими и сложными: Глядя на двухмерные картинки, зритель должен различать реальное и цифровое пространство. Деформированные яблоки могут быть синими или пурпурными, в то время как лук выглядит одновременно плоским и похожим на коллаж трехмерных объектов.

Коварное ощущение нереальности и искажения создает интригу во всей серии Гордона. «Моя работа связана с жанрами натюрморта, портрета и пейзажа», — сказал художник. «Мне нравится работать в жанре, поэтому я надеюсь, что смогу добавить к традиции и поиграть с некоторыми из устоявшихся условностей». Во время карантина Гордон создавал натюрморты меньшего размера, в состав которых входили настоящие предметы домашнего обихода. Он называет их «Ночными картинками», так как мог работать над ними только по вечерам.

Живет и работает в Лос-Анджелесе

Арден Сурдам, Autopoiesis I , 2020. Предоставлено художником и галереей Кендры Джейн Патрик.

Arden Surdam

Колбасные изделия , 2019

ABXY

Цена по запросу

Фотографии Arden Surdam воплощают в себе мрачность. На них изображены звенья колбасы, тянущиеся по гигантскому пластиковому брезенту, окровавленные животные и испачканные простыни. Неудивительно, что она цитирует Фрэнсиса Бэкона, мастера гротеска, оказавшего на нее большое влияние. В последнее время она думает о диптихах и триптихах художника, особенно о Исследование человеческого тела (1983). По ее словам, он похож на «скользкую человеческую курицу». Работы Бэкона на нескольких холстах, которые одновременно предполагают и избегают повествовательного, линейного прочтения, сами по себе были основаны на фотографиях Эдварда Мейбриджа, который, как известно, запечатлел движения животных в серийных кадрах.

Недавно Сурдам играл с похожими последовательностями натюрмортов, предлагая зрителям посмотреть на четыре изображения с разной перспективой на одни и те же несколько объектов (например, фотографию, стеклянную поверхность и блестящий лист кремового цвета), чтобы экстраполировать большую сцену и повествование. Сурдам сейчас анонсирует свою первую монографию, Перенасыщение и будет работать над готовящейся книгой Файдона Кухонная студия: Кулинарные творения художников .

Живет и работает в Нью-Йорке

Стефани Х. Ши, Stone Dumpling House , 2018 г. Фото Роберта Бредвада. Предоставлено художником.

Стефани Х. Ши делает керамические изделия, напоминающие продукты, которые продаются в продуктовых магазинах Восточной Азии, например, соевый соус Kikkoman, рис Sriracha и рис Botan Calrose. «Моя работа посвящена разделяемой ностальгии», — сказал Ши. «Мне нравится создавать виньетки, которые достаточно двусмысленны, чтобы говорить с большой частью азиатско-американской диаспоры, и в то же время достаточно конкретны, чтобы говорить о разных воспоминаниях».

Трехмерные объекты Ши возбуждают желание зрителей, предлагая им представить, как они касаются работ и чувствуют их вес. Скульптурный аспект привлекает аудиторию Ши в ее выставочные пространства «как физически, так и психологически». Начиная с 17 августа, в смотровом салоне Perrotin будет представлена часть новейшей серии Shih, которая в общей сложности включает 30 керамических бутылок соевого соуса со всей азиатско-американской диаспоры.

Живет и работает в Чикаго

Guanyu Xu, Rooms of Convergence , 2018. Предоставлено художником и галереей Yancey Richardson.

В серии «Временно подвергнутый цензуре дом» Гуаньюй Сюй (2018–19) художник ремонтировал дом своего детства, пока его родители были на работе. Сюй, выросший замкнутым подростком-геем, размещал фотографии себя и других геев вокруг открытых шкафов, окон от пола до потолка, спальни своих родителей, семейной столовой и других мест, которые когда-то служили для подавления его сексуальности. . Затем он сфотографировал эти комнаты, задокументировав и сохранив свои подрывные действия, чтобы они могли сохранить свою силу еще долго после того, как художнику снова пришлось убрать свои картины (его родители до сих пор не знают, что он гей).

До пандемии Сюй делал подобные фотоинтервенции в домах иммигрантов. Теперь, не выходя из дома, он создает компьютерные изображения на основе городов, которые он посетил, фотографий, которые он сделал, и новостей, которые он прочитал во время изоляции. В сентябре этого года он планирует выставить свою работу в Шанхае в качестве победителя премии Photofairs Shanghai Exposure Award.

Сюй рассматривает свои отпечатки как «символические» объекты, которые «формулируют память, желание, идентичность и идеологию». Он ставит под сомнение «саму статическую форму фотографии», представляя фотографии фотографий «в контексте». Его работы также документируют его собственное исполнение. По его словам, мигание его затвора «олицетворяет краткий момент свободы, который у меня мог быть».

Живет и работает в Рио-де-Жанейро

Мария Непомучено, фрагмент Xamã I , 2017. © Мария Непомучено. Фото Джейсона Уича. Предоставлено Sikkema Jenkins & Co., Нью-Йорк.

Мария Непомучено, 3 mulheres , 2017. © Мария Непомучено. Фото Педро Агилсона. Предоставлено Sikkema Jenkins & Co., Нью-Йорк.

Вязаные скульптурные картины Марии Непомучено на первый взгляд напоминают цветочные натюрморты. Однако при ближайшем рассмотрении обнаруживается органическая природа ее форм, предполагающая, что органы, артерии и другие внутренние органы тела обращены наружу в великолепные красочные ансамбли. «Несмотря на то, что у меня есть работы, в которых природа является важным ориентиром, я не считаю их натюрмортами», — сказал Непомучено. «Они больше говорят о внутренней живой вселенной».

Сейчас Непомучено работает над инсталляцией для фестиваля Ichihara Art Mix Festival 2021 в Японии, для которого она будет сотрудничать с детьми из общины Маре в Рио-де-Жанейро. Она также создаст инсталляцию для конкретного места в библиотеке Portico в Манчестере и запустит носимый арт-проект с лондонской галереей Elisabetta Cipriani.

Все ее работы — пригодные для носки или нет — выражают искреннее чувство и любовь к ремеслу. Непомучено сказала, что хочет «порвать с циничным искусством», заставляя зрителей «испытывать удовольствие и любовь» инклюзивным и жизненно важным способом.

Живет и работает в Нью-Йорке

Тишан Хсу, Слизь , 1987. Предоставлено художником.

Художественное произведение Тишаня Хсу показывает, как люди и технологии становятся неразрывно переплетенными. Его напольные скульптуры вызывают в воображении машины и биотехнологии, которые можно разместить в фантастических футуристических комнатах. По мере того, как айфоны все больше становятся продолжением нас самих, медицинские технологии переосмысливают то, как могут функционировать наши тела, а интернет-компании сводят людей к данным, работа Хсу подразумевает, что человеческие тела могут в какой-то момент стать объектами, достойными натюрморта. «Традиционная композиция натюрморта была захвачена натюрмортом технологических объектов», — сказал Сюй, приводя в пример мониторы, экраны и портативные устройства. Его не привлекает форма натюрморта как таковая. Вместо этого его привлекает «трансформация» вещей, которые мы ценим и запечатлеваем в современном искусстве.

Сюй объяснил, как, начиная с эпохи Возрождения, западные художники ставили человечество в центр мира, а впоследствии и в центр искусства. «Это восприятие изобразительного предмета эволюционировало, чтобы включить ландшафт и предметы интерьера», — сказал Сюй. Его вдохновляет способность искусства выявлять такие изменения общественной ценности. Своими работами он надеется показать, как взаимодействие людей с объектами меняется с помощью технологий.

Наслаждаясь «спокойствием и сосредоточенностью» карантина и одновременно «усваивая стрессовый натиск ежедневных новостей» в Интернете, Сюй недавно начал новую серию рисунков карандашом на бумаге. С этими новыми работами он исследует интернет-изображения, полученные из данных и нашего «экстрактивного использования технологий».

Живет и работает в Лондоне

Исаак Жюльен, Серия исследований натюрмортов, № 5 , 2008 г. © Исаак Жюльен, предоставлено художником и Metro Pictures

идея memento mori — картин, тесно связанных с работами vanitas, которые включают символы или напоминания о смерти и смертности. В серии натюрмортов 2008 года Жюльен сфотографировал знаменитую резиденцию покойного Дерека Джармана на проспекте Коттедж и окружающие его сады в английском графстве Кент.

Жюльен включил эти работы в «Жестокую красоту», выставку, которую он курировал в 2008 году в галереях Serpentine, чтобы отпраздновать работу Джармана через 14 лет после смерти прославленного режиссера. Жюльен помог собрать средства для сохранения Prospect Cottage как культурного объекта и снял фильм Derek (2008), в котором рассказывается о жизни Джармана с помощью архивных кадров и более поздних снимков дома и сада. При этом Жюльен помог сохранить наследие Джармена, документируя и уважая то, что Джарман построил, приобрел и вырастил за свою короткую жизнь.

Жюльен описал свой последний фильм « Уроки часа » (2019) как «серию натюрмортов». Чтобы создать многоканальную работу, Жюльен снял кадры в старом доме Фредерика Дугласа в Вашингтоне, округ Колумбия, запечатлев имущество знаменитого аболициониста, чтобы рассказать большую историю о свободе и продолжающейся борьбе за расовую справедливость. По словам Жюльена, документируя многовековые артефакты, он пытается создать новый вид «эстетического активизма», который оживляет таких выдающихся исторических личностей, как Дуглас, и «порождает новые ответы на современные вызовы».

Живет и работает в Тель-Авиве

Гай Янаи считает, что люди испытывают «простое и первобытное влечение» к объектам, которые их окружают. Когда мы рисуем их, сказал он, «они становятся средством отображения нашей внутренней жизни». В домашних сценах Янаи представлены веточки растений в квадратных горшках, окна, которые отражают другие дома или смотрят на холмистый пейзаж, а внутренние стены окрашены в ярко-розовые и голубые тона. Зрители всегда могут разглядеть основные сетки Янаи, которые связывают его практику как с традиционными мозаичными работами, так и с пикселизированными экранами.

Янай кажется всеядным, когда говорит о своих влияниях, цитируя музыканта Джона Зорна; телевизионные шоу; этрусское, римское и древнегреческое искусство; Сай Твомбли, Поль Сезанн, Анри Матисс, Филип Гастон, Виллем де Кунинг и другие. Как современные, так и древние художники, по словам Янаи, разделяли увлечение превращением предметов вокруг себя в «сосуды для самых глубоких эмоций».

Несмотря на глобальную паузу из-за пандемии, Янай в настоящее время пользуется значительным вниманием со стороны мира искусства. В сентябре этого года он проведет персональную выставку в CONRADS в Дюссельдорфе, где впервые покажет портреты, а также проект с Нильсом Кантором в Беверли-Хиллз. Осенью 2021 года и Праз-Делавалладе в Лос-Анджелесе, и Майлз МакЭнери в Нью-Йорке откроют сольные презентации его работ.

Алина Коэн

Изображение в шапке: Стефани Х. Ши, «88», 2018 г. Фото Роберта Бредвада. Предоставлено художником.

Исправления: в предыдущей версии этой статьи было неправильно написано «серия Bodegón» Анат Эбги, Майлза МакЭнери и Люсии Йерро. Кроме того, Люсия Йерро открывает выставку в Музее современного искусства Олдрича в июне 2021 года, а не в феврале 2021 года. Текст был обновлен, чтобы отразить эти изменения.

10 лучших современных натюрмортов | Культура

1665
Шэрон Кор, 2011 г. Традиционные цветочные картины, похожие на фотографию Кора, говорили о красоте и смерти. Срезанные цветы были изображены в самом расцвете, и каждый зритель знал, что они сигнализируют о неминуемом увядании и смерти, и призывал зрителей вести хорошую жизнь, если они хотят загробной жизни. Фотографии Коре максимально точно копируют работы художников XVII века (Амброзиус Босхарт, Ян Брейгель Старший), и, стремясь к достоверности, она выращивала давно утерянные или вышедшие из моды образцы. Затем она сочинила и правильно осветила их, чтобы они выглядели как картины, и назвала их датой более ранних работ (например, 1665) 9.0003
Фотография предоставлена художником и галереей Янси Ричардсон
Time After Time: Blow up No 3
Ори Гершт, 2007 г. Ори Гершт — израильский художник, автор серии фотографий и видеороликов под названием Blow Up. Используя очень быстрые камеры, он смог запечатлеть момент, когда цветочная композиция (основанная на 19Натюрморт 19-го века Анри Фантен-Латура) взрывается. Цифровая фотография позволила ему запечатлеть этот момент с выдержкой 1/6000 секунды. Гершт противопоставляет буйство взрыва спокойствию традиционного натюрморта. Все это время непрекращающийся (и чрезвычайно затянувшийся) конфликт на его родине несколько выпадает из концептуального поля зрения
Фото: Предоставлено художником и Mammery+Schnelle
Олли Обезьяна
Питер Джонс, 2007 г. В искусстве всегда изображались животные, показывающие богатство владельца – лошади и охотничьи собаки для богатых, а также кучи мертвых кроликов. Лисы считались хитрыми, похотливая коза заменяла дьявола, а ягненок — Христа. А Питер Джонс часто рисует ягнят и кроликов, но больше всего его увлекают обезьяны; не настоящие, а винтажные мягкие игрушки, которые вот-вот развалятся. Обезьян традиционно рисовали, чтобы намекнуть на зверя внутри каждого мужчины или женщины, нашу связь с дикой природой и сексуальную опасность внутри нас. Олли Джонса и все его родственники приближаются к концу своей жизни, измученные любовью (или пренебрежением), и их уязвимость удваивается, потому что, будучи объектами натюрморта, они готовы к осмотру. Фото: предоставлено художником
Черные коршуны
Габриэль Ороско, 1997 г. Человеческий череп появлялся в произведениях искусства как напоминание о смерти со времен Римской империи и использовался в 16-м и 17-м веках как моральное предписание вести хорошую (христианскую) жизнь. Смерть всегда была за углом. Современные художники также использовали его мощные образы — Дэмиен Херст взял настоящий человеческий череп и отлил его из платины с 8601 бриллиантом в своей работе «Ради любви к Богу». Он утверждает, что это олицетворяет победу над смертью, но попытки победить смерть только раскрывают ее высшую силу, как это видно в «Черных коршунах» мексиканского художника Габриэля Ороско. Более спокойная и, возможно, более мощная работа, художник использовал карандаш, чтобы отметить карту потерянной жизни. Безупречность напоминает нам, что под плотью и кровью спрятаны наши собственные черепа — пока
Фотография предоставлена галереей Marian Goodman, Нью-Йорк, и White Cube, Лондон
.
Идеальная хозяйка
Ребекка Скотт, 2006 г. В своей серии «Идеальная жизнь » (включающей картины «О, это идеальный день» и «Идеальный рождественский ужин») работы Ребекки Скотт пронизывают «идеальные» жизни, найденные на страницах женские журналы и каталоги. Скотт подвергает сомнению выдуманное представление о том, что, купив новую посуду, она может или должна сделать свой дом идеальным. Скотт признает, что эти иллюстрации семейного счастья нацелены на нее, а не на ее партнера-мужчину. Ее работа как женщины, идеальной хозяйки, заключается в том, чтобы обеспечить этот недостижимый идеал. Она рисует эти готовые изображения, которые надеются побудить ее и других женщин покупать такие изделия, тем самым разрушая то, что в противном случае было бы традиционным натюрмортом 9.0003
Фотография предоставлена автором
Время и место
Даррен Джонс, 2011 Как и в обычном натюрморте, «Время и место» Даррена Джонса отображает группу «личных предметов, которые человек накапливает в коротких поездках вдали от дома», по словам художника. «Они существуют вместе только на мгновение в гостиничном номере или квартире друга, рассредоточены, выброшены или оставлены, когда мы уходим», но они красноречиво говорят о своем невидимом владельце. Картинка Джонса содержит странную смесь ингалятора от астмы, попперса, энергетического напитка, дезодоранта, смазки Gun Oil на основе силикона и билета на Огненный остров, что намекает на повествование 21-го века.0003
Фотография предоставлена автором
Последняя трапеза в камере смертников, Техас (Мартин Вегас)
Мэт Коллишоу, 2011Мэт Коллишоу, похоже, воссоздает голландский натюрморт 17-го века, но как современную фотографию. Стол накрыт сытной едой из стейка и креветок, а полный стакан уходит в темноту заднего плана. Мартин Вегас из его сериала «Последняя трапеза в камере смертников, штат Техас», где Коллишоу устроил щедрые раздачи (а иногда и всего лишь скудный стакан воды), изображающие последние приемы пищи, запрошенные заключенными, приговоренными к смертной казни в Америке. Каждая работа названа в честь заключенного, который запросил рекомендуемое блюдо перед тем, как его убило государство. В 2012 году Америка заняла пятое место среди стран, убивающих своих граждан
Фото: предоставлено художником
Автопортрет
Марк Куинн, 2006 г. Самый известный современный натюрморт — «Я» Марка Куинна. В 1991 году он сделал первый из серии слепков своей головы в натуральную величину, каждый из которых был сделан из его собственной крови. Каждые пять лет Куинн делает новую версию, потихоньку собирая свою кровь, чтобы не навредить своему здоровью. Каждая замороженная скульптура немного отличается от предыдущей по мере того, как он стареет и его черты меняются. Они похожи на серию эволюционирующих посмертных масок. Время оставляет следы на его лице, но застывшая версия этого «я» будет жить вечно (пока есть электричество). Каждая версия напоминает зрителям о скорой смерти артиста (и их собственной)
Фотография предоставлена автором
Джаллина
Хоана Васконселос, 2008 г. Змея долгое время была символом зла на Западе, напоминанием о падении Евы (она всегда виновата), но в культуре коренных американцев она олицетворяет жизнь, смерть и возрождение (как показано в сбрасывание кожи). Джоана Васконселос обращается к своим португальским корням в таких работах, как Giallina, в которых используются национальные ремесла. Сначала она выбирает несколько хлопчатобумажных салфеток, купленных у местных мастериц, затем разбирает и снова собирает их на поверхности глазурованной змейки. Она использует керамику традиционной фабрики Rafael Bordallo Pinheiro, а ее «вторую кожу» сшивает команда специалистов. Работа Васконселоса объединяет способ Дюшана не делать что-либо с привычкой делать вручную, чтобы поставить под сомнение то, что мы считаем естественным
Фотография предоставлена Galerie Nathalie Obadia и Atelier Joana Vasconcelos/DMF
Nature Morte 2
Синди Райт, 2010 г. На картине Синди Райт «Nature Morte 2» окровавленная выпотрошенная рыба свернута кольцами в домашней обстановке детского аквариума с золотыми рыбками. Он тяжело лежит на изящной белой салфетке, которую, возможно, сделала ее бабушка, и мы видим отражение комнаты на поверхности чаши. Глаз мертвой рыбы смотрит из кадра в обвинительной манере, показывая зрителям настоящую природу продуктов, которые мы едим. Ее образы напоминают нам о том, что поедание мяса и рыбы имеет реальную цену, смерть когда-то живых существ
Фотография предоставлена автором

Темы

Excentricities – The Eclectic Light Company

Винсент Ван Гог (1853–1890), Пара туфель (цифровая реконструкция исходных цветов) (начало 1887 г. ), холст, масло, 34 x 41,5 см, Художественный музей Балтимора, Балтимор , доктор медицинских наук. Викисклад.

До сих пор эти сквозные статьи, посвященные темам натюрморта, были довольно популярными: например, места за столом и яблоки. У многих преданных художников-натюрмортов тоже были свои фавориты: для Уильяма Мерритта Чейза это была свежая рыба, а Винсент Ван Гог, конечно же, всемирно известен своими подсолнухами.

Натюрморт также привлекает более необычные, эклектичные коллекции предметов, которые можно назвать только эксцентричными. В этой статье собраны некоторые из моих любимых работ, начиная с самых эксцентричных натюрмортов во всей Европе, натюрмортов Джузеппе Арчимбольдо. Кто еще превращал свои натюрморты в портреты? Это, пожалуй, наиболее ярко выражено в аллегорическом натюрморте Лето ниже. Он даже нанес свою подпись и год на куртку, сотканную из стеблей пшеницы.

Джузеппе Арчимбольдо (1526/7–1593), Лето (1572 г.), холст, масло, 92 x 71 см, Художественный музей Денвера, Денвер, Колорадо.

Wikimedia Commons.

Арчимбольдо был единственным в своем роде, у него не было последователей, и, похоже, он не побудил других последовать его примеру.

Питер Боэль (–1674), Натюрморт с глобусом и попугаем (ок. 1658), холст, масло, 313 x 168 см, Akademie der bildenden Künste Wien, Австрия. Викисклад.

В то время как Питер Боэль Натюрморт с глобусом и попугаем примерно 1658 года продолжает традицию отображения поверхностей с контрастными оптическими свойствами, с выдающимися трехмерными эффектами в тарелке и кубке на переднем плане, это еще не все.

На земном шаре изображены Тихий океан и северо-западное побережье Америки с «голландской» Ост-Индией на левом краю. На барельефной плите изображена сцена из мифологии, в которой мужские и женские божества едут в колеснице. Бог, кажется, держит трезубец, предполагая, что он Нептун. Две фарфоровые чаши в дальнем правом кажутся китайскими, а в левом нижнем углу два живых существа — белый попугай (или, может быть, петух) и маленькая собачка. Они, в сочетании с рисунком на ковре, кажется, обеспечивают многодневную работу, чтобы объединить их ассоциации в чтении, возможно, сосредоточенном на торговле Голландского Золотого века с этой Ост-Индией.

Некоторые из самых эксцентричных натюрмортов выражают чувство vanitas и усталость от мира, охватившую некоторые районы Нидерландов во время того, что должно было быть Золотым веком, а не периодом одержимости смертью.

Карстиан Люикс (1623–после 1657), Аллегория Карла I Английского и Генриетты Французской в натюрморте Ванитас (дата неизвестна), холст, масло, размеры неизвестны, Бирмингемский художественный музей, Бирмингем, Алабама. Изображение Шона Патазема, с Викисклада.

Карстиан Люйкс включает широкий спектр символических объектов в свою недатированную Аллегорию Карла I Английского и Генриетты Французской в натюрморте Vanitas. К ним относятся еще один глобус, представляющий физический мир, желчь с дерева, потушенная свеча, морские ракушки и кораллы. Он использует другой распространенный прием, найденный на картине vanitas : открытую книгу, на которой изображены король Карл I, казненный в 1649 году, и его жена Генриетта Мария Французская, которая была свергнута с поста королевы Англии в результате гражданских войн, вынудивших ее бежать во Францию в 1644 г.

Жан-Батист-Симеон Шарден (1699–1779), Атрибуты искусств и награды, которые им присваиваются (1766), холст, масло, 113 x 145 см, Институт искусств Миннеаполиса, Миннеаполис, Миннесота. Викисклад.

Великий мастер натюрморта Жан-Батист-Симеон Шарден известен своим выбором необычных предметов. В конце своей карьеры, в 1766 году, он написал картину «Атрибуты искусств и награды, которые им присваиваются», , в которой каждый предмет имеет четкую ассоциацию.

Живопись представлена кистями и палитрой в верхней части коробки с красками. Архитектурные чертежи и инструменты рисования представляют собой архитектуру. Бронзовый кувшин справа относится к работе ювелира. Красный портфель, перевязанный ленточками, представляет рисунок. Гипсовая модель фигуры Меркурия в центре является копией скульптуры Ж. Б. Пигаля, друга Шардена, который был первым скульптором, удостоенным высшей французской награды для художников — Ордена Святого Михаила, чей крест и лента показаны слева.

Анн Валлайе-Костер (1744–1818), Натюрморт с пучком морских растений, раковин и кораллов (1769), холст, масло, 130 x 97 см, Лувр, Париж. Викисклад.

Гораздо менее известная преемница Шардена Энн Валлайер-Костер сделала необычный выбор предметов в своем Натюрморте с пучком морских растений, раковин и кораллов 1769 года.

Элиу Веддер (1836–1923), Японский натюрморт (1879) ), холст, масло, 54,5 x 88,4 см, Художественный музей округа Лос-Анджелес, Лос-Анджелес, Калифорния. Викисклад.

Как и многие его современники, Элиу Веддер увлекся предметами искусства с Дальнего Востока, которые он собрал в этом японском натюрморте в 1879 году, который выглядит так, как будто Уистлер мог позаимствовать их для одного из своих портреты.

Поль Сезанн (1839–1906), Пирамида черепов (1898–1900), холст, масло, 39 × 46,5 см, частное собрание. Викисклад.

Сезанн нарисовал серию черепов, здесь в его Пирамида черепов (1898-1900), например. Похоже, что это развитие картины vanitas , поскольку его мысли обратились к концу его жизни. Эти черепа хранятся в его мастерской в пригороде Экс-ан-Прованса.

До того, как Винсент Ван Гог взялся за свои фирменные подсолнухи, он тоже нарисовал эклектичную коллекцию предметов и, возможно, стал первым крупным художником, нарисовавшим поношенные сапоги.

Винсент Ван Гог (1853–1890), Пара туфель (цифровая реконструкция исходных цветов) (начало 1887 г.), холст, масло, 34 x 41,5 см, Художественный музей Балтимора, Балтимор, Мэриленд. Викисклад.

Это изображение его пары обуви начала 1887 года было реконструировано в цифровом виде, чтобы лучше воспроизвести исходные цвета. Ван Гог, видимо, покупал сапоги на блошиных рынках, выбирая их по признакам износа. На этой паре видны многочисленные гвозди на подошве и заметный износ на носке и пятке.

Ван Гог, кажется, также использовал натюрморты, чтобы обозначить свой любимый выбор книги.

Винсент Ван Гог (1853–1890), Натюрморт с гипсовой статуэткой, розой и двумя романами (декабрь 1887 г.), холст, масло, 55 x 46,5 см, Музей Креллер-Мюллер, Оттерло, Нидерланды. Викисклад.

В декабре того же года он написал этот Натюрморт с гипсовой статуэткой, розой и двумя романами, , который предвосхищает использование Сезанна гипсового херувима в его натюрмортах около 1895 года. Две книги представляют собой интересный выбор: Ги де Мопассана Bel-Ami («Дорогой друг»), его второй роман, опубликованный в 1885 году, и « Germinie Lacerteux, » Эдмона и Жюля де Гонкуров, опубликованный в 1865 году, в котором рассказывается о крестьянской девушке, которая поддается нимфомании. Действительно колоритное чтение.

Джейлина Эвер (?1960-), Ванитас, символизирующий детские болезни, культуру, течение времени и смерть (2009), холст, акрил, 42 см X 26 см, местонахождение неизвестно.

Викисклад.

Совсем недавно картина Золотого века vanitas была эффективно возрождена в актуальной картине Джейлины Эвер Vanitas, символизирующей детские болезни, культуру, течение времени и смерть 2009 года, более чем за десять лет до нынешней пандемии, и более актуальной, чем когда-либо. Но я почему-то сомневаюсь, что такие пионеры натюрморта, как Клара Петерс, когда-либо представляли себе эту конкретную коллекцию предметов.

Нравится:

Нравится Загрузка…

Лучший современный натюрморт: полный обзор

Введение: Возрождение недооцененного жанра

Натюрморт исторически является одним из ключевых жанров западной живописи. Он состоит в изображении всего, что не живет (больше) или не может двигаться. Также известный как Nature Morte , натюрморт обычно представляет собой композицию из цветов, растений, продуктов питания или декоративных предметов, таких как сосуды или ткани. Актуален ли этот жанр сегодня? Или современный натюрморт — образцовый пример ностальгии и устарелой славы?

Правда в том, что одно из многих заблуждений относительно натюрморта — натюрморт по-прежнему очень жив. На самом деле, можно утверждать, что он никогда не уходил. Хотя этот жанр часто считается низшим жанром после исторической живописи, портретной живописи, жанровой живописи (бытовой жизни) и пейзажной живописи, он может быть наполнен самыми качественными знаниями или живописным мастерством.

Вспомните Яна Брейгеля Старшего (1568-1625), который нарисовал натюрморт с набором очень редких и экзотических цветов с разным периодом цветения, все они цветут в одно и то же время в одной и той же вазе, не только демонстрируя свое уникальное мастерство, но и также его экстраординарные знания как раннего современного естествоиспытателя. Кроме того, Nature Morte часто является прославлением изобилия и богатства жизни, но также и напоминанием о ее эфемерном характере и преходящести вещей.

Интерпретация и замысел натюрморта могут сильно различаться. В любом случае, это ценнейший и тонкий жанр, берущий на вооружение науку, моральные вопросы, философию или раздвигающий границы живописи – будь то в манере мимесиса в 16-м и 17-м веках, или исследуя визуальные возможности живописи в 20 веке.

Натюрморт был излюбленным сюжетом многих выдающихся художников современного искусства, например, Поля Сезанна (1839–1906) или Джорджио Моранди (1890–1964), и остается им по сей день. Конечно, натюрморт сильно изменился из-за радикального и гениального влияния постмодернистских художественных движений, таких как минимализм или концептуальное искусство. Может быть, поэтому можно подумать, что жанр умер, не случайно, в то время как художественная критика объявила о смерти живописи[2].

Однако картина уцелела, как и натюрморт. Из года в год мы сталкиваемся с признанными и начинающими современными художниками, продвигающими жанр — и живописную среду — с заставляющими задуматься и визуально ослепительными работами. В этой статье мы представим вам полный обзор самых лучших современных натюрмортов, обсудим наиболее актуальные образцы жанра и то, что делает их современными и актуальными.

Кто сегодня лучший художник-натюрмортист?

Мы рады представить Вам очень обширную и аргументированную подборку работ художников и натюрмортов. Мы создали подборку самых известных художников, занимающихся натюрмортом, в результате чего в общей сложности 45 мастеров среднего звена и хорошо зарекомендовавших себя художников представляют собой самый обширный на сегодняшний день онлайн-ресурс по рисованию натюрмортов.

Топ-11 состоит из наиболее влиятельных художников, включая краткую вступительную биографию и дополнительный контекст — поскольку мы можем лишь кратко коснуться каждого художника, мы включили ссылки на лучшую монографическую публикацию о рассматриваемом художнике — а затем визуальную антологию. высокопоставленных артистов в середине карьеры и признанных художников в алфавитном порядке. Итак, давайте ответим на большой вопрос, кто сегодня является самым важным художником-натюрмортом?

Самыми известными художниками-натюрмортами сегодня являются Микаэль Борреманс, Фернандо Ботеро, Дэмиен Херст, Дэвид Хокни, Алекс Кац, Яёи Кусама, Рой Лихтенштейн, Ян Пей-Минг, Герхард Рихтер, Люк Туйманс и Энди Уорхол.

Давайте без лишних слов познакомимся с рассматриваемыми пейзажами и художниками, которые их создали.

1. Михаэль Борреманс Михаэль Борреманс, Цветные конусы, 2019. Холст, масло – 88 x 120 см. Предоставлено галереей Zeno X, Антверпен.

Начнем наш список художников с настоящего живописца-живописца Микаэля Борреманса. Бельгийский художник родился в 1963 году в Герардсбергене, живет и работает в Генте, Бельгия. Он наиболее известен своими концептуальными и нео-сюрреалистическими картинами, выполненными в традиционной манере, напоминающей старых мастеров, создавая анахронизм в живописи, когда дело касается формы и содержания.

История искусства всегда присутствует в работах Борреманса. В результате он много раз рисовал натюрморты на протяжении всей своей карьеры. Но его натюрморты во многом коварны. У Борреманса живопись — красивая ложь. Он изображает искусственные растения, абсурдные механизмы, мертвые растения и даже — в своей последней серии работ — цветные конусы. Бельгийский художник устанавливает и расставляет эти конусы в разных местах в традициях натюрморта. Однако конусы выходят за пределы своего метафизического состояния от объектов к субъектам.

Для дальнейшего ознакомления с Майклом Борремансом мы настоятельно рекомендуем «Михаэль Борреманс: Как ни крути» или его более позднюю, но только иллюстративную монографию «Михаэль Борреманс: Песня барсука» .

2. Фернандо Ботеро Фернандо Ботеро, Натюрморт с бананами, 2003. Холст, масло – 38 × 41 см. Предоставлено La Maison de la Petite Sara.

Фернандо Ботеро, родившийся в 1932 году в Медельине, Колумбия, является одним из самых знаменитых художников своего поколения и мастером натюрморта. Ботеро наиболее известен своим фирменным визуальным языком, в котором он, кажется, раздувает свои фигуры до пухлых и «круглых» предметов.

Художник-самоучка, гравер и скульптор воплощает эту «округлость» предметов в предметы в своих натюрмортах. Яркие цвета и определенная «наполненность» декораций приводят к натуралистически написанным, но современным картинам.

Для дальнейшего чтения о Фернандо Ботеро мы настоятельно рекомендуем Ботеро: Картины 1959-2015.

3. Дэмиен Херст Дэмиен Херст, Череп с таблетками, 2008. Холст, масло – 45,7 × 61 см. Courtesy Галерея Гэри Татинцяна.

Далее у нас не кто иной, как мальчик с плаката YBA Дэмиен Херст. Херст родился в 1965 году в Бристоле, Англия, работает и проживает в Лондоне. Известный как один из самых важных современных художников в мире, Дэмиен Херст прославился своими провокационными и раздвигающими границы произведениями искусства, исследующими смертность и наши изначально человеческие структуры и побуждения, такие как религия и желание. Его инсталляции состоят из мертвых коров, акулы в натуральную величину, свиней, овец или бабочек.

Помимо инсталляций британский художник также занимается рисунком и живописью. С нового тысячелетия он также занимается натюрмортом. При этом Херст наполняет свои полотна фруктами, цветами, черепами и даже плодами, продолжая свое постмодернистское исследование смертности в современную эпоху, используя историческую традицию натюрморта и его иконографию.

Для дальнейшего чтения о Дэмиене Херсте мы настоятельно рекомендуем Дэмиен Херст: Конец века.

4. Дэвид Хокни Дэвид Хокни, Растение на желтой ткани, 1995. Холст, масло – 66 × 45,7 см. Фото: Sotheby’s/David Hockney Foundation (c)

Один из, несомненно, самых известных художников современности, Дэвид Хокни — современный художник, родившийся в 1937 году в Брэдфорде, Великобритания, в настоящее время живущий и работающий в Нормандии, Франция. Его фигуративные произведения охватывают семь десятилетий и отмечены влиянием его непосредственного окружения. Подумайте о культовых бассейнах Лос-Анджелеса, о его друзьях и семье на портретах и двойных портретах, о его собаках, о полях Йоркшира или о цветах в пейзажах Нормандии.

При этом он также изобразил бытовые предметы в своем окружении, взяв натюрморт в характерной для британского виртуоза манере. Особенно в 1990-е годы Хокни активно занимается натюрмортом, исследуя этот жанр в его самой чистой форме.

Для дальнейшего чтения о Дэвиде Хокни мы настоятельно рекомендуем Дэвид Хокни , опубликованный Тейт в 2017 году. . Предоставлено Тимоти Тейлором.

Родившийся в 1927 году в Бруклине, в настоящее время живущий и работающий в Нью-Йорке, Соединенные Штаты Америки, Алекс Кац — современный художник, который сегодня является одним из самых влиятельных художников. Его характерный отчетливо образный визуальный язык, отмеченный большими и четкими цветовыми плоскостями, вдохновленными абстрактным экспрессионизмом и поп-артом, доминирует на художественной сцене с 1950-х годов и по сей день.

Кац черпает вдохновение из современной жизни, включая своих друзей, фильмы, рекламу или предметы из своего непосредственного окружения. Поступая таким образом, американский художник рисует натюрморты так же, как и свои портреты. Он использует фотографические стратегии, такие как кадрирование или декупаж, стремясь получить идеальный фрагмент для рисования.

Для дальнейшего чтения об Алексе Каце мы настоятельно рекомендуем Alex Katz из серии современного искусства Phaidon.

6. Яёи Кусама Яёи Кусама, Тыква, 1992. Холст, акрил – 60,7 × 72,9 см. Courtesy Seoul Auction

Следующей у нас будет японская суперзвезда Яёи Кусама. Родившийся в 1929 году в Мацумото, Нагано, Япония, Кусама является одним из самых влиятельных современных художников в мире, в настоящее время живет и работает в Токио, Япония. Ее фирменные мотивы, такие как горошек, тыквы и понятие бесконечности, функционируют как континуум на протяжении всего ее творчества, охватывая различные средства массовой информации, включая живопись.

В натюрмортах кроме тыквы встречаются изображения цветов, ваз, пепельниц и многое другое. Яёи Кусама берется за натюрморт так, как могла только она. Ее визуальный язык является результатом ее психического заболевания, при котором она дезориентирована галлюцинациями, пятнами и ослепительным ощущением переживания бесконечности. При этом она изображает повседневные предметы такими, какими она их видит, почти одержимо. Натюрморт — результат бессознательных процессов, которые японская художница стремится уловить и запечатлеть на своем холсте.

Для дальнейшего чтения о Яёи Кусаме мы настоятельно рекомендуем Яёи Кусама: ретроспектива.

7. Рой Лихтенштейн Рой Лихтенштейн, Натюрморт с палитрой, 1972. Холст, масло, магна – 152,4 × 243,8 см. С уважением Гагосян.

Как и в случае с номером 11 в этом списке, в настоящее время мы балансируем между современным натюрмортом и современным натюрмортом. Рой Лихтенштейн родился в 1923 году и скончался в 1997 году в Нью-Йорке. Американский художник стал пионером поп-арта в современную эпоху.

Лихтенштейн наиболее известен своим характерным использованием иллюстративного и коммерческого стилей живописи. Он рисовал работы так, как будто они были созданы механически, имитируя эстетику шелкографии и мультфильмов, смешивая низкое искусство с высоким искусством. При этом Лихтенштейн создал десятки натюрмортов, в результате чего в 2010 году состоялась ретроспективная персональная выставка в этом поджанре в ведущей художественной галерее Гагосян.0023 Lichtenstein , опубликовано Taschen в 2016 году.

8. Yan Pei-Ming Yan Pei-Ming, Инсталляция, treize cranes et une bougie, 2020. Холст, масло – 180 × 150 × 6 см. Предоставлено Таддеусом Ропаком.

Ян Пей-Мин родился в 1960 году в Шанхае, Китай. Современный художник живет и работает в Дижоне, Франция. Творчество Пей-Мина построено на европейских живописных традициях. Подумайте о его современных портретах политиков, актеров, его самого или папы.

Монохромные картины с виртуозным импасто также берут начало в европейской традиции натюрморта. Очарованный мотивом черепа Vanitus , а также кунсткамерой или фруктами, Ян Пей-Мин продолжает создавать потрясающие натюрморты в своем собственном стиле, балансируя между реальностью и воображением.

Для получения дополнительной информации о Yan Pei-Ming мы настоятельно рекомендуем Yan Pei-Ming: Tigres & Vautours .

9. Герхард Рихтер Герхард Рихтер, Две свечи, 1982. Холст, масло – 80 x 100 см. Предоставлено художником.

Возможно, самый известный художник современности, Герхард Рихтер родился в 1932 году в Дрездене, в настоящее время живет и работает в Кельне, Германия. Рихтер наиболее известен своими чистыми абстрактными картинами, с одной стороны, и, с другой, тщательно написанными фотокартинами.

Своими фотокартинами Рихтер охватывает множество жанров, включая пейзажную живопись, портретную живопись, интерьерную живопись, обнаженную натуру и, конечно же, натюрморт. Рихтер написал огромное количество натюрмортов, подумайте о его огромном количестве картин, изображающих свечи, яблоки, цветы или предметы повседневного обихода.

Для дальнейшего чтения о Герхарде Рихтере мы настоятельно рекомендуем Герхард Рихтер: Панорама по случаю его одноименной ретроспективы в галерее Тейт Модерн в Лондоне.

10. Люк Туйманс Люк Туйманс, Без названия (Натюрморт), 2002. Холст, масло – 347 x 500 см. Courtesy Zeno X Gallery / Фото: Коллекция Пино

Люк Туйманс, родившийся в 1958 году в Мортселе, Бельгия, в настоящее время проживающий и работающий в Антверпене, является одним из самых влиятельных современных художников и пионером так называемой Новой европейской живописи. Его картины часто приглушены по цвету, исполнены нервными мазками и несут определенный сюжет, создавая скрытое течение внутри изображения.

Тюйманс подходит к любому жанру со своим особым стилем. С его натюрмортами видно, что вместо простого изображения выбранных предметов происходит нечто иное. Например, с Untitled (Still Life) 2002 года он создал монументальный натюрморт как реакцию на травму 11 сентября. Тюйманс бежит к Идиллии как противодействию, но картина наполнена исторической травмой, которая, кажется, живет в картине.

Для дальнейшего чтения о Люке Тюймансе мы настоятельно рекомендуем многотомный аргументированный обзор Люк Тюйманс: Каталог-резоне.

11. Энди Уорхол Энди Уорхол, Банки с супом Кэмпбелл, 1962. Синтетическая полимерная краска на тридцати двух холстах. Размер каждого холста 20 x 16 дюймов (50,8 x 40,6 см). Общая установка с 3″ между каждой панелью составляет 97″ в высоту x 163″ в ширину. Коллекция МоМА.

Мы завершаем наш топ-11 художником, настолько культовым, насколько это возможно, Энди Уорхолом. Родившийся в 1928 году в Питтсбурге, штат Пенсильвания, Энди Уорхол — американский поп-исполнитель с австро-венгерскими корнями, безвременно скончавшийся в Нью-Йорке в возрасте всего 58 лет в возрасте 19 лет. 87.

Человек со многими талантами, Энди Уорхол был кинорежиссером, очень успешным коммерческим иллюстратором, продюсером и, конечно же, одним из самых важных художников, основоположников поп-арта в 1960-х годах. Неотъемлемо связанный с близостью поп-арта к предметам повседневного обихода, Уорхол создал новаторские натюрморты, такие как банки с супом Кэмпбелл, бананы, духи, долларовые банкноты, бутылки из-под кока-колы и многое другое.

Для дальнейшего чтения об Энди Уорхоле мы настоятельно рекомендуем Уорхола из серии Basic Art от Taschen.

12. William Bailey William Bailey, Septet III, 2015. Холст, масло – 45,7 x 61 см. Courtesy Betty Cuningham Gallery

13. Claudio Bravo Claudio Bravo, Stretchers, 2008. Холст, масло – 114 × 146,4 см. Предоставлено галереей Форума.

14. Manuele Cerutti Manuele Cerutti, La folla, personaggio secondo, 2015.

Холст, масло – 35 x 29,5 см. С уважением Артюнер.

15. Holly Coulis Holly Coulis, Loops, Lemon, 2020. Бумага Arches, гуашь — 45,7 × 61 см.

16. Николь Дайер Николь Дайер, «За столом моего отца», 2018. Холст, акрил – 116,8 × 101,6 см. Предоставлено художественной галереей ZQ.

17. Алек Иган Алекс Иган, Носки на бельевой веревке, 2021. Холст, масло, блик — 76,2 × 61 см. С уважением МАКИ.

18. Инка Эссенхай Инка Эссенхай, Полноцветие, 2020 Холст, эмаль – 152,4 × 111,8 см. Предоставлено галереей Майлза МакЭнери.

19. Скотт Фрейзер Скотт Фрейзер, Applied Reflections, 2014. Масло, панель – 71,1 × 96,5 см. Предоставлено компанией Quidley & Company.

20. Раймонд Хан Раймонд Хан, Три стула, 1982. Холст, масло – 121,9 × 137,2 см. Предоставлено галереей Джейсона Маккоя.

21. Ян Цзечан Ян Цзечан, Это натюрморты 1913-2013 № 3, 2013.

Тушь и минеральные пигменты на шелке, наклеено на холст – 88 × 70 см. Предоставлено Ink Studio.

22. Йоханнес Карс Йоханнес Карс, Без названия (грязные плоды), 2019. Холст, масло – 41,3 × 53,5 см. Предоставлено МАССИМОДЕКАРЛО.

23. Хулио Ларрас Хулио Ларрас, Улов из Зеркальной бухты, 2020. Холст, масло – 76 × 102 см. Предоставлено Galeria Duque Arango.

24. Алан Маги Алан Маги, Камни, 1981. Картина на холсте – 116,8 × 172,7 см. Предоставлено галереей Форума.

25. Никки Малуф Никки Малуф, Ужин подан, 2020. Холст, масло – 137,2 × 177,8 см. Предоставлено галереей Нино Миер.

26. Джастин Мортимер Джастин Мортимер, Порода 1, 2018. Холст, масло, акрил — 240 x 178 см. С уважением Парафин.

27. Лука Панкрацци Лука Панкрацци, Без названия (Fuori Registro), 2005.

Холст, акрил – 215 × 325 см. Предоставлено галереей Андреа Карач.

28. Хилари Песис Хилари Песис, Outdoor Table, 2019. Холст, акрил – 152,4 × 121,9 см. Предоставлено галереей Холзи МакКей.

29. Тимоти Шелстрате Тимоти Шелстрате, 20097, 2020. Холст, акрил, тонер – 70 x 50 см.

30. Ben Schonzeit Ben Schonzeit, Lake Placid Bouquet, 2011. Холст, акрил – 182,9 × 243,8 см. Предоставлено галереей Plus One.

31. Майкл Симпсон Майкл Симпсон, Косоглазие 67, 2019. Холст, масло – 230 × 115 × 9 см. Предоставлено Носбаумом Редингом.

32. Mircea Suciu Mircea Suciu, Натюрморт с лимоном, 2019. Масло, акрил, монопринт на холсте — 13 4/5 × 13 4/5 дюйма / 35 × 35 см. Предоставлено галереей Zeno X.

33. Ким Чан-Юль Ким Чан-Юль, «Капли воды», 1977 г. Холст, масло – 150 × 150 см. Предоставлено галереей метафизического искусства.

34. Гэвин Тёрк Гэвин Тёрк, Керзе II, 2021. Холст, масло – 318,8 × 243,3 см. Предоставлено изобразительным искусством Бена Брауна.

35. Анна Вальдес Анна Вальдес, Кунсткамера, 2020. Холст, масло – 177,8 × 203,2 см. Предоставлено галереей Дэвида Б. Смита.

36. Лучано Вентроне Лучано Вентроне, Раджи ди Люче, 2014-2019. Холст, смешанная техника, масло – 80 × 100 см. Предоставлено галереей Albemarle.

37. Корнелиус Фёлькер Корнелиус Фёлькер, «Лепестки», 2017. Холст, масло – 260 × 200 см. Предоставлено галереей Хосфельт.

39. Элисон Уотт Элисон Уотт, Картеллино, 2017. Холст, масло – 152 × 152 см. С уважением Парафин.

40. Matthias Weischer Matthias Weischer, Monstera, 2019. Холст, масло – 285 × 300 × 4 см. Предоставлено KÖNIG GALERIE.

41. Джеймс Уайт Джеймс Уайт, «Фольга», 2015. Масло и лак на акриловом листе в рамке из плексигласа – 124,1 × 149,5 см.

Предоставлено галереей Шона Келли.

42. Клэр Вудс Клэр Вудс, Slowness, 2020. Алюминий, масло — 100 × 100 см. Предоставлено галереей Мартина Асбека.

43. Гай Янаи Гай Янаи, завод в немецком офисе I, 2020 г. Холст, масло – 157 × 127 см. Предоставлено Конрадс.

44. Кристоф Иворе Кристоф Иворе, Без названия, 2013. Бумага, акрил – 10 × 15,2 см. Предоставлено галереей Zeno X.

45. Ян Чжэньцзун Ян Чжэньцзун, Наблюдение и панорама № 33, 2018 г. Холст, масло – 200 × 196 см. Предоставлено современным искусством Тан.

Примечания:

[1] Тейт, Натюрморт на https://www.tate.org.uk/art/art-terms/s/still-life, консультация 17/01/2022.
[2] Д. Кримп, «Конец живописи» в Октябрь (1981): с. 69-86 (консультации через https://doi.org/10.2307/778375).

Натюрморт | Тейт

Художественный термин

Один из основных жанров (типов сюжетов) западного искусства – по существу, предмет натюрморта или скульптуры – это все, что не движется или мертво

Натюрморт включает в себя всевозможные искусственные или природные объекты, срезанные цветы, фрукты, овощи, рыбу, дичь, вино и так далее. Натюрморт может быть прославлением материальных удовольствий, таких как еда и вино, или часто предупреждением об эфемерности этих удовольствий и краткости человеческой жизни (см. memento mori).

В иерархии жанров (или типов сюжетов) искусства, установленной в XVII веке Французской академией, натюрморт занимал самое последнее место – пятое место после исторической живописи, портретной живописи, жанровой живописи (сцены быта) и пейзажа. Натюрморт и пейзаж считались непритязательными, потому что они не включали человеческий сюжет.

В современном искусстве простые аранжировки натюрмортов часто использовались в качестве относительно нейтральной основы для формальных экспериментов, например, Полем Сезанном, художниками-кубистами, а позднее в двадцатом веке Патриком Колфилдом.

Содержит ли этот текст неточную информацию или язык, который, по вашему мнению, нам следует улучшить или изменить? Мы бы хотели получить от Вас отзывы.

Оставил Верно

Кубизм был революционным новым подходом к изображению реальности, изобретенным примерно в 1907-08 годах художниками Пабло Пикассо и Жоржем Браком. …
Memento mori — произведение искусства, призванное напомнить зрителю об их смертности, краткости и хрупкости …
Извините, изображения нет
Найденный предмет — природный или искусственный предмет, либо фрагмент предмета, найденный (или иногда купленный) …
Жанры – это виды живописи. Они были кодифицированы в семнадцатом веке как (в порядке убывания важности) история, портрет, …

Исследуйте этот термин

Оставил Верно

ИЗБРАННЫЕ ХУДОЖНИКИ В КОЛЛЕКЦИИ

Оставил Верно

1790–1830 гг.
1890–1964
1915–2012
1936–2005
1893–1981
1879–1959
1881–1955

Избранные произведения из коллекции

Оставил Верно

ок. 1760–1770
c.1938–43
c.1910–12

Натюрморт в Тейт

Натюрморт и не только — Художественный музей УБЯ

«Я рисую цветы, чтобы они не умерли».
– Художник Фрида Кало (1907 – 1954)

Свежесрезанные цветы. Кусочки разноцветных фруктов. Блестящие вазы. Художники изображали их веками; произведения искусства, на которых изображены неодушевленные предметы (например, еда, цветы, ракушки, камни, монеты и книги), называются натюрмортами. Натюрморт, долгое время считавшийся малой формой искусства, особенно привлекал женщин-художников. Женщинам было отказано в доступе в официальные художественные академии, они не могли учиться у живых моделей и, следовательно, не обучались создавать более крупные монументальные картины. Кроме того, для многих женщин-художников требования дома и семьи мешали им серьезно заниматься искусством. Не испугавшись, женщины преуспели в рисовании цветочных композиций и натюрмортов. Это сильное отношение к натюрморту продолжалось и в двадцатом веке. В коллекции Музея УБЯ большинство работ женщин представляют собой натюрморты, фотографии и гравюры. Это подтверждает идею о том, что натюрморт часто был наиболее доступным для женщин-художников, а также наиболее социально приемлемым. Поскольку мы восхищаемся этими работами в этой галерее, давайте приветствовать их преданность искусству, несмотря на значительные препятствия, и особенно искать способы, которыми они ловко подтолкнули жанр натюрморта в новых направлениях.

Роуз Хартвелл (1861-1917),

Натюрморт , без даты, холст, масло, 15 x 19 15/16 дюймов. Музей искусств Университета Бригама Янга.

«В Париже и Флоренции я чувствую себя как дома больше, чем в Солт-Лейк-Сити. Мне путешествия кажутся столь же необходимыми для образования, как и книги».

Будучи одной из первых женщин-художниц из штата Юта, которые учились в Париже, Хартвелл была источником вдохновения для ее друзей, семьи и коллег из штата Юта, которые очень интересовались ее опытом за границей. Ее письма домой были опубликованы в «Журнале молодой женщины» и подробно описывали строгие требования жизни студента-искусствоведа. Первые два года она работала в основном над рисованием, проводя каждый день в студии с восьми утра до пяти вечера, а в субботу после обеда брала выходной для посещения музеев и галерей. В результате ее усердных усилий она преуспела в своих натюрмортах, таких как эта яркая работа со спелыми апельсинами и коричневыми бананами.

Находясь в Европе, Хартвелл много путешествовал и разработал сильную колористическую технику. Она вернулась в Соединенные Штаты в 1913 году, всего за несколько лет до своей смерти в 1917 году.

Флора Д. Фишер (1891–1984),

Букет , без даты, масонит, масло, 24 x 30 дюймов. Музей искусств Университета Бригама Янга.

Флора Дэвис Фишер из Прово изучала искусство в Университете Бригама Янга, уделяя особое внимание акварели и масляной живописи. Фишер стала известна своими цветными пейзажами и цветочными картинами, такими как «Букет». 9№ 0003

Коричневая корзина с шевронным узором и тканый материал под ней придают этому натюрморту ощущение уюта и домашнего уюта. Красные цветы заполняют композицию, а яркий сине-зеленый фон создает энергичную и манящую атмосферу. Неограниченный, букет органично выливается из корзины, образуя естественную композицию.

Лоррейн Дженнингс,

Натюрморт , 1942, акварель, 13 3/16 x 11 9/16 дюймов. Музей искусств Университета имени Бригама Янга, 1942 г.

Джорджия О’Киф однажды пожаловалась: «На самом деле никто не видит цветок; он такой маленький. У нас нет времени, а чтобы увидеть, нужно время — как, чтобы завести друга, нужно время. Натюрморты приглашают нас замедлиться и взглянуть на цветы, вазы, фрукты и другие повседневные предметы новыми глазами. В этом произведении Дженнингс использует две контрастные керамические вазы разных размеров и цветов, два плода и распускающиеся ветки, чтобы предложить нам исследовать свет, цвета, формы и отражения. На обороте очень светлым графитом она нарисовала предварительный набросок этой акварели.

Дороти Вейр Янг (1890-1947),

Ваза с полевыми цветами , без даты, акварель, 11 9/16 x 9 дюймов. Музей искусств Университета имени Бригама Янга, покупка/подарок поместья Махонри М. Янга, 1959 г.

Выросший в семье, где занимались искусством, Янг подавал надежды на творчество с самого раннего возраста. Ее семья сообщила, что она начала свою творческую деятельность, когда ей было всего два года. Юная Дороти училась у своего отца-художника и вела альбомы для рисования, которые имитировали его наблюдения за миром. Повзрослев, Янг стала более независимой и получила формальное образование в Лиге студентов-художников и Национальной академии дизайна. На этом недатированном акварельном натюрморте изображены ваза с цветами и стопка книг. Ярко-желтые и белые полевые цветы оживляют темный фон, а отражения в вазе напоминают окна и свет ее студийного пространства.

Жанна Лейтон-Лундберг Кларк (1925-2014),

Trifloria , 1981, холст, масло, 54 x 48 1/2 дюйма. Музей искусств Университета Бригама Янга, 1981.

Пурпурные ирисы, желтые нарциссы, зеленый виноград и красная вишня — это только начало списка фруктов, цветов и узоров, каждый из которых соревнуется за наше внимание на этой веселой, но сложной картине. Головокружительная сложность объектов почти полностью затмевает трех женщин, сидящих за столом. Художник как бы тонко спрашивает нас: отвлекаем ли мы периодически предметы, пусть даже прекрасные и наполненные, от людей на периферии?

Яркая женщина с острым умом и живым чувством юмора, Кларк посвятила свою жизнь искусству, создавая красочные символические картины. Глубоко религиозная, Кларк изучала различные христианские вероисповедания и в конце концов переехала со своей семьей в Прово после того, как стала членом Церкви Иисуса Христа Святых последних дней. Снова погрузившись в учебу через 30 лет, она поступила в УБЯ в возрасте 49 лет, получив степень бакалавра и магистра изящных искусств. Преподавала акварель и масляную живопись в УБЯ и УВУ.

См. дополнительный контент, связанный с этой статьей.

Дороти Вейр Янг (1890-1947),

Цветочный натюрморт , 1930, холст, масло, 61 x 18 1/4 дюйма. Музей искусств Университета Бригама Янга, покупка/подарок поместья Махонри М. Янга, 1959 г.

В 1917 г. Янг поступил в колледж Сторрс, чтобы изучать садоводство. Хотя она обнаружила, что садоводство не так ее интересует, как рисование, и она ушла через неделю, тема цветов была бесконечно интересна ей как художнице. Она создала сотни цветочных натюрмортов, обращая пристальное внимание на детали, цвет и композицию. Техническое мастерство Янга проявляется здесь в прозрачной стеклянной вазе, отражениях света, разнообразной текстуре цветов и складках на белой ткани под цветочной композицией.

Ее работы выставлялись в Национальной академии дизайна, Пенсильванской академии и Бруклинском музее.

Элла Пикок (1905-1999),

Ромашки в оловянном кувшине , c.1986, холст, масло, 19 1/4 x 16 1/8 дюймов. Музей искусств Университета имени Бригама Янга, приобретение/подарок поместья Махонри М. Янга, 1959 г.

Эта простая картина с изображением цветов в кувшине характерна для фирменного художественного стиля Пикока. И цветовая палитра, и тематика отражают ее интересы. Ромашки, несовершенные и асимметричные, демонстрируют ее предпочтение дикой, дикой природе, в то время как теплые тона лепестков цветов и кирпича уравновешивают мягкие серо-голубые тона металлического кувшина и теней. Эта картина в приглушенных тонах отражает пейзажи пустыни, которые Пикок изображала на протяжении всей своей жизни. Густые, живописные мазки придают неподвижной композиции ощущение непосредственности и небрежности. По краям холста и за кувшином линии Павлина становятся менее четкими, а цвета гармонично сливаются.

Жаннет Клют (1918-2009),

Green Grasses-Blue , c.1955, цветная фотография с переводом красителя, 18 7/8 x 15 1/16 дюйма. Музей искусств Университета имени Бригама Янга, подарок ЛеГранда П. Белнапа, 2002 г.

Пионер в области развития цветной фотографии Жанетт Клют протестировала и разработала процесс переноса красителя в исследовательских лабораториях Eastman Kodak. Клют специализировался на подробных изображениях природы, начиная от пышных пейзажей и заканчивая интимными «портретами» цветов, папоротников и деревьев. Эта группа фотографий показывает три крупных плана мира природы, которые приглашают нас еще раз взглянуть на элегантные линии прудовых трав, нетронутые белые лепестки цветов лапчатки и молодого олененка, почти замаскированного на фоне осенних листьев.

См. дополнительный контент, связанный с этой статьей.

Жанетт Клют (1918-2009),

Bloodroot , 1950-1960, цветная фотография с переносом красителя, 14 3/4 x 18 1/2 дюйма. Музей искусств Университета имени Бригама Янга, подарок Майкла и Джоани Кэннон, 2003 г.

Пионер в разработке цветной фотографии Жанетт Клют протестировала и разработала процесс переноса красителя в исследовательских лабораториях Eastman Kodak. Клют специализировался на подробных изображениях природы, начиная от пышных пейзажей и заканчивая интимными «портретами» цветов, папоротников и деревьев. Эта группа фотографий показывает три крупных плана мира природы, которые приглашают нас еще раз взглянуть на элегантные линии прудовых трав, нетронутые белые лепестки цветов лапчатки и молодого олененка, почти замаскированного на фоне осенних листьев.

Жаннет Клют (1918-2009),

Олененок (крупный план) , c.1955, цветная фотография с переводом красителя, 15 1/8 x 18 15/16 дюймов.

Музей искусств Университета имени Бригама Янга, подарок ЛеГранда П. Белнапа, 2002 г.

Жаннет Клют (1918-2009),

Черноглазая Сьюзан , ок. 1955 г., цветная фотография с переводом красителя, 19 7/8 x 15 1/2 дюйма. Музей искусств Университета имени Бригама Янга, подарок ЛеГранда П. Белнапа, 2002 г.

Клют открыла женщинам путь к работе в фотоиндустрии. Работая руководителем студии фототехнологий Kodak, она в основном нанимала женщин для работы в качестве фотографов-исследователей и техников. Она защищала свое решение, говоря, что «…хорошо помочь доказать миру, что у женщин действительно есть мозги».

Всегда тяготевший к природе, Клют специализировался на детальных изображениях природы, начиная от пышных пейзажей и заканчивая интимными «портретами» цветов, папоротников и деревьев. Ее новаторский подход к использованию цвета сделал ее важным игроком в развитии творческой фотографии.

Жаннет Клют (1918–2009),

Красные листья , 1950–1960, цветная фотография с переводом красителя, 14 1/2 x 18 1/2 дюйма. Музей искусств Университета Бригама Янга, подарок Майкла и Джоани Кэннон, 2003 г.

Жанетт Клют (1918-2009),

Лесные портреты, пластина 50 , 1950-1960, цветная фотография с переводом красителя, 9 7/8 x 12 дюймов. Музей искусств Университета имени Бригама Янга, подарок Майкла и Джоани Кэннон, 2003 г.

Клют проложила путь женщинам к работе в фотоиндустрии. Работая руководителем студии фототехнологий Kodak, она в основном нанимала женщин для работы в качестве фотографов-исследователей и техников. Она защищала свое решение, говоря, что «…хорошо помочь доказать миру, что у женщин действительно есть мозги».

Жанна Лейтон-Лундберг Кларк (1925-2014),

Гармония в синем , 1990, холст, масло, 39 3/4 x 47 1/2 дюйма.

Музей искусств Университета Бригама Янга, подарок Барбары Дж. Уизероу, 2000 г.

Жанна Лейтон-Лундберг Кларк считала себя «максималисткой», заполняя каждый дюйм холста. Для Кларк тенденция к минимализму не могла отразить беспорядочный и часто занятый опыт женщины. Богато украшенный узором и центральным цветочным элементом в качестве фокуса, стол включает в себя несколько сидящих фигур, которые могут быть изначально скрыты или не замечены среди насыщенного холста. Обилие фруктов и цветов служит напоминанием о изобилии хороших вещей, которые нас окружают.

Джудит Мер (1951 г. р.), «Багровые груши», ок. 1985 г., холст, масло, 26 1/2 x 34 9/16 дюймов. Музей искусств Университета Бригама Янга.

Шесть груш, от темно-малинового до легкого красного цвета, расположены рядом с блестящей золотой чашей. Прорисованная с четкими деталями, эта простая композиция имеет почти фотографическое качество, характерное для многих натюрмортов Джудит Мер этого периода. Мягкость света, тонкие тени и отражения, отражающиеся от поверхности фруктов и стенок чаши, требуют более пристального изучения. Столешница легко сливается с задней стеной, создавая пространственную двусмысленность, более сложную, чем можно было предположить изначально.

Мехр выросла в Сан-Франциско, штат Калифорния, в районе залива, и начала развивать свои художественные таланты в раннем возрасте. Получив стипендию в области искусства в Университете Бригама Янга, Мехр получила степень бакалавра искусств в 1974 году. После окончания учебы Мехр заработала репутацию своими портретами и жанровыми сценами. Она получила многочисленные портретные заказы от церкви СПД и других корпоративных и частных клиентов в Юте.

См. дополнительный контент, связанный с этой статьей.

Луиза Розенталь,

Без названия , без даты, холст, масло, 49 15/16 x 41 5/8 дюйма. Музей искусств Университета Бригама Янга, 1974 г. яркие мазки и формы ложатся на холст, создавая сильное визуальное волнение».

Находясь под сильным влиянием абстрактного экспрессионизма, толстые мазки Розенталя оставляют широкие жесты на холсте. его работа не направлена на изображение конкретного предмета или повествования, а скорее сосредоточена на выразительном или эмоциональном воздействии цветов, аранжировки и самого процесса рисования. Спонтанность композиции видна там, где краска начинает стекать, оставляя на холсте следы от щетины, как будто картина написана быстро, в момент вдохновения.

Ли Деффебах (1928-2005),

Без названия (44/45) , 1993, литография, 30 x 22 1/16 дюйма. Художественный музей Университета Бригама Янга, приобретенный на средства, предоставленные Художественным отделом УБЯ, 1994 г.

«Мои картины не решают никаких проблем, они не делают никаких заявлений, они не навязывают зрителя. Я работаю с цветом, формой и линией до тех пор, пока не нахожу картину удобной для размышлений…»50-х и 60-х годов с такими, как Клайн и Де Кунинг. В это время художники в центре Нью-Йорка отвергли элитарность арт-сцены в пригороде, создав вместо этого серию кооперативных галерей, которые принадлежали самим художникам и управлялись ими. Все вместе они стали известны как Галереи 10-й улицы, центр творчества и экспериментальных форм искусства. Это придает значительный вес похвале, которую один критик дал работе Деффебаха как «лучшему, что происходит на 10-й улице».

Деффебах окончила Университет штата Юта в 1949 году, а позже вернулась преподавать в свою альма-матер в 1960-х годах. Один из ведущих художников-абстракционистов Юты, Деффебах создавал красочные, часто большие работы, многие из которых можно найти во многих галереях и музеях Юты, особенно в районе Солт-Лейк-Сити.

Мари Кратке,

Натюрморт с розами и эвкалиптом , c.1930, холст, масло, 28 7/8 x 20 дюймов. Художественный музей Университета Бригама Янга, подарок коллекции А. Мерлина Стида и Элис В. Стид.
На простом светло-коричневом фоне бледные розы с розовыми оттенками сочетаются с ветвями эвкалипта в сине-белой вазе. Розы уже не в полном цвету, и тяжелые цветы поникают. Увядающие цветы могут быть отсылкой к картинам Ванитас, которые предупреждают о мимолетности жизни и непостоянстве объектов. Сильная вертикальная линия вазы и листья эвкалипта, тянущиеся вверх, уравновешивают нисходящее притяжение от поникших цветов. Ваза стоит на полированной коричневой столешнице, в которой отражаются опавшие лепестки и листья, разбросанные по ней.
Элла Пикок (1905–1999),
Letter Press , c.1950, холст, масло, 20 1/4 x 24 1/2 дюйма. Музей искусств Университета имени Бригама Янга, 1987 г.
Массивная тяжелая пресса, банка с кистями и раскручиватель чернил представляют собой инструменты, которые Пикок ежедневно использовала для создания своих произведений искусства. Как гравер и художник Пикок полагался на эти материалы, а также находил их достаточно вдохновляющими для рисования. Таким образом, это произведение является одновременно и необычным натюрмортом, и автопортретом художника. Небольшой деревянный блок, лежащий на столе, выглядит вырезанным и, возможно, готовым к печати.
Дороти Вейр Янг (1890-1947),
Подсолнухи Дезерета , c.1934, холст, масло, 24 1/4 x 18 1/4 дюйма.
Необычные натюрморты: Необычный натюрморт (26 фото) » Рисунки для срисовки и не только

Самые необычные натюрморты

Впечатляющие натюрморты известных русских художников с названиями — «Лермонтов»

Натюрморты великих русских художников — на пути перемен

Натюрморты русских импрессионистов, реалистов и модернистов

Натюрморты русских абстракционистов

Натюрморты русских экспрессионистов

Нетипичные натюрморты самых известных русских художников

Самые красивые натюрморты в мире (рейтинг картин и художников)

Триша Хардвик

Виллем Клас Хеда

Элоиза Гарриет Стэннард

Сьюзан Авис Мерфи

Шелухин Михаил

Марианна Брум (Marianne Broome)

Екатерина Белокур

Игорь Бузин

Кристиан Гранью

Олег Тимошин

Заключение

Необычные натюрморты в живописи. Самые красивые натюрморты современности, и не только. Происхождение слова «натюрморт»

Известные натюрморты русских художников и зарубежных. Самые красивые натюрморты современности

Что такое натюрморт

Как развивался натюрморт в искусстве

Распространенные сюжеты

Стили

Направления искусства

Развитие в России

Значение в академической живописи

Современное искусство

Конор Уолтон

Анна Петина

Кевин Бест

«Лесные фиалки и незабудки»

«Яблоки и листья»

«Цветы и плоды»

«Завтрак на траве»

«Любительница абсента»

«Завтрак аристократа»

«Сцена на рынке»

Натюрморт с крабом

Натюрморт с черепом и пером

Подсолнухи в желтой вазе

Самые красивые натюрморты в мире (30 ФОТО)

Триша Хардвик, “Цветочная нежность”

Поль Сезанн, “Натюрморт с фруктами”

Эдуард Мане, “Натюрморт с цветами”

Иван Крамской, “Букет цветов. Флоксы”

Пабло Пикассо, “Ваза с фруктами”

Фернандо Ботеро, “Натюрморт с кофе”

Эдуард Мане, “Ваза с пионами”

Казимир Малевич, “Натюрморт”

Анатолий Никич-Криличевский, “Этюд с медалями”

Бальтазар ван дер Аст, “Корзина цветов”

Виллем Клас Хеда, “Завтрак с крабом”

Караваджо, “Корзина с фруктами”

Михаил Врубель, “Цветы в синей вазе”

Натан Альтман, “Мимоза”

Анри Руссо, “Букет цветов”

17 современных художников переосмысливают натюрморт

Живет и работает в Лос-Анджелесе

Живет и работает в Афинах, Джорджия

Живет и работает в Балтиморе

Живет и работает в Окленде

Живет и работает в Лос-Анджелесе

Живет и работает в Саут-Хедли, штат Массачусетс

Живет и работает в Лос-Анджелесе

Живет и работает в Нью-Йорке

Живет и работает в Нью-Йорке

Lives and Works в Нью -Йорке

Живет и работает в Лос-Анджелесе

Живет и работает в Нью-Йорке

Живет и работает в Чикаго

Живет и работает в Рио-де-Жанейро

Живет и работает в Нью-Йорке

Живет и работает в Лондоне

Живет и работает в Тель-Авиве

10 лучших современных натюрмортов | Культура

1665

Time After Time: Blow up No 3

Олли Обезьяна