Обработка в стиле файн арт: Обработка фотографий в стиле Fine Art

Но как бы много ни спорили на тему файн арта, все еще остается множество нерешенных вопросов: например, можно ли отнести его к вечной классике или это очередной тренд, который уйдет спустя несколько лет? Почему сейчас он так востребован? Возможно ли сделать такие снимки в реалиях русской свадьбы?

Чтобы разобраться во всех этих нюансах, давайте обратимся к мнению профессионалов, фотографов, которые постоянно и с удовольствием снимают свадебный fine art.

Что такое fine art — отдельный стиль или художественная фотография? Я думаю, здесь все просто. Достаточно открыть англоязычную «Википедию» и прочитать толкование определения: фотография, созданная в соответствии с видением художника как фотографа. В таком ключе она не ограничена средствами: это необязательно должна быть только пленка, светлая гамма, мягкий фокус и тому подобное. С другой стороны, в свадебной сфере fine art — целое направление, возникшее во многом по причине противопоставления его репортажной съемке. Таким образом файн арт и приобрел стилистические черты, как раз те, что я перечислил выше.

На мой взгляд, такой способ и стиль отображения является наиболее правильным, передающим суть и эмоции свадебного дня. Все согласятся, что свадьба — это праздник, наполненный женской энергетикой, вокруг невесты совершаются ключевые ритуалы, оформление, как правило, нежное, так сказать, женское. Стиль fine art, если все же говорить о нем как о стиле, тоже по энергетике женский. Его можно описать как «мягкий», «нежный», «воздушный», то есть эпитетами, свойственными женской сущности, в противоположность мужским, например, «контрастный», «резкий», «дерзкий». Еще можно отметить, что этот стиль идеально передает свадебный день по форме подачи. Я имею в виду то, что в нем уделяется равное внимание и деталям, и портретам, и репортажу.

Изначально термин «файн арт» ввел, так сказать, «патриарх» этого направления — калифорнийский фотограф Хосе Вийя. В Калифорнии, конечно, погода солнечней, чем у нас, поэтому так повелось, что отечественный файн арт — фото на пленэре, на закатном солнце. Но я думаю, что это ограничение существует только в головах у фотографов. Опять же, тут все упирается в профессионализм фотографа, в то, как он может работать со светом, в помещении, под дождем. Могу привести пример: одна из самых моих сильных съемок Wabi-Sabi, которую опубликовали в нескольких журналах и блогах, которая мне лично больше всего нравится, была сделана в середине ноября, в помещении, когда пошел первый снег, а небо было темным, словно перед грозой.

Как и везде, здесь важно качество работы, ведь недостаточно называться fine art-фотографом и снимать по шаблону одно и тоже. Поэтому я думаю, что стоит заботиться не о соблюдении стиля, в котором ты снимаешь, а об уровне работы в этом стиле. Хорошие фотографы всегда будут востребованы, и не имеет значения, в каком стиле они работают. Я использую пленку, потому что именно она помогает достичь нужного объема и цвета, светлой гаммы, свойственной импрессионизму. С другой стороны, цифра дает возможность поймать то, что во время съемки можно и не заметить. Комбинируя эти инструменты, я и занимаюсь своим «файн артом».

Думаю, что для каждого стиля находится свой клиент, и хорошо, когда есть разнообразие. Стиль fine art наиболее близок к живописи, в частности, к импрессионизму, то есть, можно сказать, к классике, а классика всегда востребована.

Безусловно, файн арт — это художественная фотография, занявшая свою нишу на свадебном рынке. Вокруг него всегда много споров: пленка или цифра? Живые эмоции или томность? Но и то, и другое — это и есть файн арт, просто для каждого он свой. Для меня такие снимки — классические, спокойные, не перегруженные деталями и красками, довольно простые, но очень душевные картинки, наполненные воздухом и светом.

Если свадьбу организует агентство, и стиль свадьбы выдержан во всем, начиная с утра невесты и заканчивая свадебным фейерверком, снять fine art в реалиях русской свадьбы вполне возможно. Но для этого нужна большая предварительная работа. Пары не так хорошо разбираются в определениях, им это не нужно, они смотрят портфолио, а потом заказывают то, что им нравится больше всего. 95% моих пар приходят именно за картинками в стиле fine art, сами того не понимая, то есть за светлыми и воздушными фотографиями, наполненными нежностью. Судя по тому, как часто меня просят сделать именно такие фотографии, файн арт определенно сейчас очень востребован.

На первой встрече я всегда рассказываю паре, что нужно, чтобы получить те фотографии, на которые они рассчитывают, и чем больше пара мне доверяет и прислушивается к моему мнению, тем лучший результат получается в итоге. Вместе мы выбираем места для съемки, обсуждаем оформление свадьбы, место торжества. Я подсказываю ребятам, каким площадкам отдать предпочтение, если они хотят, чтобы банкет был снят в том же светлом ключе. Все это очень важно, чтобы в итоге получить целостную картинку в одном стиле.

В своей работе на свадьбе я совмещаю разные стили, но файн арт прочно занял свои позиции во время съемки утра невесты и на свадебной прогулке. Можно сказать, что я взяла от файн арта самое лучшее, но оставила акцент на главном для меня: на эмоциях людей, с которыми и для которых я работаю. Очень важно, чтобы пара «жила» в кадре, и для этого ребятам нужно немного помочь, ведь чаще всего это их первый опыт фотосъемки. Я подбираю для них позы, подсказываю, как себя вести, но самое главное — я постоянно с ними общаюсь в процессе съемки, что очень помогает получить те самые настоящие эмоции, которые так ценятся спустя годы. А особенная теплота и легкость снимков достигается с помощью последующей обработки.

Утром очень хочется показать всю нежность девушки, тот трепет, с которым она собирается, всю ее красоту! На прогулке я также обращаюсь к файн арту, использую простые и понятные парам позы, в которых их ничего не отвлекает друг от друга. Я люблю снимать нежность, мне нравится показывать чувства людей, и файн арт для этого самый лучший выбор. С его появлением я добавила в свою обработку фотографий больше света и тепла, благодаря чему картинки стали еще более нежными, а также стала больше внимания уделять деталям, которые невесты с таким вниманием готовят для своего свадебного дня. Но бывает и так, что я снимаю утро невесты и прогулку с очень нежным настроением и в легкой светлой гамме, а банкет проходит в лофтовом пространстве с приглушенным светом и совсем другим настроением. Тут уже не место файн арту, и я снимаю очень динамичный и драйвовый репортаж.

У нас в России очень много талантливых фотографов, снимающих в стиле fine art. А вот обстоятельства работы сильно отличаются от зарубежных. В первую очередь это касается погодных условий, особенно, конечно, это актуально для этого лета. Многим парам приходится экстренно решать с организаторами вопрос переноса торжества в другую локацию. Задуманные изначально банкет или выездная церемония в идеальных для файн арта условиях — на свежем воздухе — переносятся на закрытые площадки, и далеко не всегда это площадки с естественным светом. Наша задача — сделать красивый материал при любых условиях. Поэтому я считаю, что российские фотографы отличаются своим профессионализмом, креативностью, а еще — мощнейшим желанием быть лучше и развиваться. Нам скучно просто снимать хорошо!

Что касается разновидностей файн арта, существуют разные интерпретации моих коллег на эту тему. Но это немного другое, здесь речь идет скорее о видении фотографа. В общем, в файн арте есть место и постановке, и репортажу, съемке портретов, эмоциям, декору, флористике. Пусть сама я не сразу прониклась файн артом, но теперь уже два года снимаю его с большой любовью. Думаю, картинки, снятые в этом стиле, будут актуальны спустя многие годы, настолько они получаются стильные, простые и естественные.

Я считаю, что fine art-фотография очень близка к классической фотографии и скорее является ее ответвлением. Выделять файн арт в отдельный стиль я бы не стала. Да, эти фотографии отличаются тем, что сняты в светлом ключе, с большим акцентом на деталях, чаще всего — на пленку и при определенном освещении, но принципиально большой разницы с классической фотографией нет. Фай нарт — это больше о том, на что снимать и как обрабатывать, это воздушность и нежность кадра, мягкость цвета и чувственность, эмоции, акценты на деталях и атмосфере. Этого можно добиться даже с помощью цифровых камер, а не только пленочных.

Свадебный fine art сегодня очень востребован. Мои клиенты приходят с пожеланиями получить именно светлую картинку, часто даже не опираясь на понятие «файн арт», а основываясь на своих ощущениях. Именно фотографии в такой стилистике им хочется получить со своей собственной свадьбы. Повторюсь, что, по моему мнению, файн арт-съемка — это классическая фотография, тренд, который еще долго не выйдет из моды, или же пик этого тренда будет циклично повторяться, и к нему будут возвращаться снова и снова.

Единственное, чего не хватает чистому файн арту и что может повлиять на то, сколько этот тренд будет жить — качественный репортаж. Часто на свадьбы необходимо приглашать не только файн арт-фотографа, но еще и одного репортажника. Дам совет всем невестам — если вы хотите обойтись только одним специалистом, обязательно смотрите порфолио: у файн арт-фотографов — съемку репортажа, а у репортажного — съемку постановки.

Снять красивую свадебную съемку в стиле fine art в России, конечно же, сложно, но реально, этому должна предшествовать большая кропотливая работа целой команды хороших специалистов. Все зависит от множества факторов: происходит ли организация торжества самой невестой или же с помощью агентства, от насмотренности и чувства вкуса, от тайминга дня, от тщательной проработки деталей, от подбора локаций сборов, выездной церемонии и ресторана.

Понятно, что файн арт у отечественных фотографов отличается от западных. В первую очередь тем, что в нашей широте невозможно добиться того же самого света, как, скажем, на калифорнийском закате, просто в силу того, что у нас все выглядит иначе. Очень часто клиент приходит с картинками, найденными на pinterest, например, с фотографиями пар с западного побережья Америки. А по запланированному таймингу дня на свадьбе — прогулка в солнечный полдень в Царицыно. Увы, в таком случае получится только зеленая от рефлексов от травы кожа, но никак не приятный пленочный цвет лица. И это еще один совет для невест: обязательно прислушивайтесь к тем специалистам, которым вы доверяете свой день. Если вы хотите получить именно те фотографии, которые видите в портфолио фотографа, будьте готовы подстраивать свой тайминг под свет, от которого как раз и зависит красивейшая файн арт-фотография.

Мне очень нравится снимать в светлом ключе. Нравится снимать нежное, наполненное воздухом утро невесты, прогулки на закате и всю классическую постановку. Мне кажется, что именно такая фотография останется классикой даже спустя многие десятилетия.

Мы любим снимать в этом стиле, так как он отлично передает теплоту отношений между молодоженами. Если репортажная фотография — это больше из разряда «что было на свадьбе», то файн арт — это скорее «как мы друг друга любим». У каждого фотографа свое видение, свои ракурсы и свое настроение в момент обработки. Плюс большую роль играют место съемки и световые условия. Поэтому каждая серия в любом случае чем-то отличается, от этого никуда не уйти.

Мы привыкли к тому, что мода скоротечна и капризна. Еще несколько лет назад обилие пайеток, стразов и кристаллов Сваровски считалось показателем вкуса и достатка, а сегодня, наоборот, клеймится за дурновкусие и отсутствие стиля. Но на ряду с трендами, которые меняются вместе с временами года, есть классика, которая вечна и прекрасна сегодня, завтра, всегда. Что такое классика? Это, прежде всего, вечные человеческие ценности и их воспевание в художественных жанрах. Мы видим на полотнах, например, Вермеера и других классических мастеров золотого века живописи благородство, сдержанность, скромность, доброту, — фактически те качества, которые дают человеку это неуловимое внутреннее свечение. Именно оно делает героя классического произведения красивым и харизматичным, несмотря на особенности его внешности. Скорее всего, вот в этом родстве и близости к классике, а также в способности передать подобные эфемерные нюансы, состоит успех свадебной файн арт фотографии.

Фотограф — Jose Villa

Стиль файн арт, казалось бы, совсем юн, ведь его основоположник Хосе Вийа, молодой американский фотограф, начал завоевывать прихотливое сердце мировой свадебной индустрии всего каких-то несколько лет назад. Однако максимальная близость этого стиля к классическим канонам искусства и использование в файн арте законов классической живописи, скульптуры и архитектуры делает его родным и нежно любимым внуком классики. Фотографы, причисляющие себя к файн арту, работают в основном с пленочной фотографией. Считается, что она гораздо лучше передает естественный свет, нежели фотография цифровая. Вообще, свет – это основной источник вдохновения для файн арта. Он всегда есть в кадре, он действует не просто как фон, а как настоящий участник съемочного процесса, и именно он создает этот волшебный очаровывающий эффект фотографии-картины, фотографии-маленького шедевра.

Фотограф — Максим Колибердин

На файн арт фотографиях не так много открытых эмоций, как мы привыкли за годы тренда на яркие супер эмоциональные свадебные снимки с активными молодоженами в центре всеобщего внимания. Но сказать, что чувств на файн арт фотографии нет, было бы огромной ошибкой. Они не такие явные, да, скорее скрытые, многоуровневые, завуалированные, но от этого вовсе не менее сильные и захватывающие. Эмоции файн арта в глубине взгляда, в чувственных позах, в случайном порыве ветерка, раздувающего подол летящего платья. Их нужно рассмотреть, догадаться, включиться в эту игру и даже, может быть, разгадать какую-то загадку. Все это опять же отзвук классического искусства и игра в бисер с вечными понятиями о красоте, стиле, изяществе.

Фотограф — Марина Муравник

Файн арт, кроме пленки, света и сильного внутреннего эмоционального заряда, располагает еще одним оригинальным оружием, способным растопить практически любое сердце нечуждое прекрасному. Это детали. В файн арт съемках детали и декор занимают чуть ли не треть всего итогового материала. С помощью деталей рассказывается история, строится ее канва и демонстрируется ее уникальность. Цветы, украшения, каллиграфия, декоративные мелочи, ткани и ленты – все это становится кусочками паззла, которые декоратор складывает на съемочной площадке, тем самым создавая абсолютно оригинальную уникальную картину. Поэтому файн арт съемка – это всегда работа команды, где у каждого профессионала своя роль и свой план действий, но при этом общее четкое представление и понимание того, о чем эта конкретная история, в чем ее внутренняя прелесть и очарование, для кого она рассказывается и как будет выглядеть в финале.

Фотограф — Светлана Стрижакова

Fine art как жанр свадебной фотографии: рассказывает профессионал

Максим Колибердин, известный фотограф, который снимает в стиле fine art, рассказал Wedding о своем подходе к свадебной фотографии, гаджетах и съемке на телефон.

Здесь можно посмотреть список лучших свадебных фотографов. А здесь можно посмотреть фотографии со свадьбы, которую снимал Максим Колибердин.

Стиль

Я снимаю в стиле fine art. По большому счету fine art – это не стиль. Если изучать вопрос и вдаваться в определения, то это художественная фотография. С подачи таких фотографов, как Хосе Вийя, который в своей книге «Fine Art Wedding Photography» описал свой подход к свадебной фотографии, это определение приобрело стилистические черты, которые можно описать как светлая, в пастельных оттенках, с мягким фокусом фотография, сделанная на пленку, с вниманием к деталям. Такой подход, с одной стороны, идет свадебным кадрам, эти фотографии передают светлый, нежный, в первую очередь женский праздник с женской энергетикой. С другой стороны, само определение fine art как художественной фотографии, как искусства, не предполагает каких-либо рамок. Безусловно, художественно можно снять и в темном ключе, не на пленку или с жестким фокусом. Мне кажется, сейчас много споров идет на тему того, что важно, на что снято, в каком свете и тому подобное. Думаю, во всем этом упускается самая главная вещь, а именно то, что, во-первых, это должно быть снято художественно, а все остальное это лишь инструменты. Поэтому свой подход к фотографии я определяю с этой позиции. Мне нравится снимать на пленку, потому что она дает изображению определенную эстетику, люблю погруженность в процесс съемки, которая дает возможность уловить что-то на грани случайности. Люблю делать атмосферные портреты, люблю ловить преломление или отражение света, люблю настоящие, иногда тихие эмоции людей. Благо свадьба как событие динамичное, эмоциональное, с разным светом и локациями на протяжении всего дня дает широкие возможности запечатлеть что-то интересное в любом жанре: портрет, натюрморт, пейзаж, и художественно это обыграть каждый раз по-другому.

Жанр

В свадебной фотографии сейчас два основных подхода. Это репортажный и постановочный, куда относится и fine art. Нужно понимать, что это разделение очень условно, так как невозможно снимать свадьбу только постановочно или только репортажно. Я думаю, тут важно, что фотограф ставит в приоритет. Для кого-то важно поймать момент, для кого-то важна эстетика изображения в виде его цвета, тональности, композиции.

Обработка

Я снимаю пленку и на цифру. Пленка после оцифровки редко нуждается в обработке, а цифру я обрабатываю под пленочные цвета. На мой взгляд, есть объективно хороший цвет, и с каждым годом так называемая «авторская тонировка» все больше уходит из моды. Я стремлюсь к чистому цвету, который можно найти как эталон в живописи. Кстати, когда разрабатывали пленку, то помимо химиков и физиков в разработке участвовали и дизайнеры, которые брали отображение цвета из живописи.

Do/Don’t

Когда я только начинал фотографировать свадьбы, у меня был список, что нужно снять в день свадьбы, сейчас я его держу в голове. Это помогает не упустить мелочи и сделать материал разнообразным. Весь тот список не имеет смысла приводить здесь. Если кратко, то «do» – это естественность, а «don’t» – это не провоцировать людей на не свойственные им эмоции и не показывать грязь, которую можно, как известно, найти везде.

Гаджеты

Я не сторонник использования большого количества гаджетов на съемке, так как они сильно отвлекают. Под интересные задачи могу что-то использовать. Например, на одной из последних съемок я использовал рисующий свет от обычного фонарика.

Взгляд в будущее

Самое лучшее. Технологии развиваются, и сейчас уже на телефон можно снять круто, поэтому от фотографа все больше требуется его уникального видения, а это ведет к тому, что свадебная фотография все больше становится искусством. Кстати, в этом контексте я считаю, что сейчас искусство и заказчик сильнее всего соединяется именно в сфере свадебной индустрии. В силу многих причин, в том числе и конкуренции, в ней очень высок уровень профессионалов. Свадебная фотография – один из самых сложных жанров, потому что он, во-первых, подразумевает умение снимать все – от портрета до репортажа, во-вторых, все это происходит в очень динамичной, разной по свету, локациям, психологии среде. А с технологической точки зрения будут цениться уникальные инструменты. Поэтому, с одной стороны, фотографы будут стараться освоить новые технологии, как например 3D, а с другой – будут возрождать старые, не массовые технологии. Пленка – одна из таких технологий.

fine art стиль и fine art свадьба Что такое Fine Art фотография

Теплова Жанна — fine art фотограф в Москве и по всему миру

Я рисую светом, для меня это форма изобразительного искусства, в основе которой лежит съемка с естественным светом, светлая, воздушная фотография, художественность и гармония кадра, мягкость, определенная эстетика.
⠀
Я снимаю на цифру и на пленку. Зачем сейчас снимать на пленку? Магия самой плёнки в неповторимом цвете и глубине кадра. Почему я люблю пленку в отдельной публикации http://www.warmphoto.com/blog/warmphoto-pochemu-ja-ljublju_plenku
⠀
Живу в Москве, фотографирую по всему миру.

Конечно, свет в России сильно отличается от Калифорнии и Италии, но и при данных световых условиях можно получить прекрасные кадры. Больше света и тепла.
⠀
Как fine art фотограф я специализируюсь на свадьбах с выездной регистрацией, камерных свадьбах и свадьбах за границей. Именно таким свадьбам больше всего подходит fine art стиль.

Моя цель — раскрыть на фотографиях чувства пары, рассказать их историю любви в теплых, нежных кадрах. Fine art фотография — это управляемый репортаж, кадры, которые будут радовать вас долгие годы и никогда не выйдут из моды.

Мне близок американский свадебный стиль: уютные сборы невесты в гостинице или на улице, трогательные и красивые выездные регистрации в живописных местах или уютных залах, элегантность, простота декора, съемка прогулки на закате, много воздуха и света в кадре.

Fine art свадьба — съемка в высоком ключе,  акцент на классических кадрах вне времени. 

Я уделяю равное внимание и деталям, и портретам, и репортажу. На первой встрече я всегда рассказываю паре, что нужно, чтобы получить фотографии в стиле Fine Art, чем больше пара мне доверяет и прислушивается к моему мнению, тем лучший результат получается в итоге.

Важный совет для невест: обязательно прислушивайтесь к тем специалистам, которым вы доверяете свой день. Если вы хотите получить именно те фотографии, которые видите в портфолио фотографа, будьте готовы подстраивать свой тайминг под свет, от которого как раз и зависит красивейшая файн арт-фотография.

Пресеты в стиле Fine Art | Возмищев Павел

Сборник содержит 6 цветных пресетов в стилистике Fine Art. Источником вдохновения для меня часто служат путешествия и впечатления, которые я при этом получаю. Особенная теплота Италии и окружающая красота подтолкнули к поиску нового цвета в обработке. Поэтому новый набор отличается особыми теплыми тонами и работой с желтым/оранжевым цветом.

Я во всем стремлюсь к автоматизации процесса, и потому создаю новые пресеты под разные виды задач. 

Обработка это не только творческий, но и технически сложный процесс. Сделать обработку универсальной, при этом сохранить гармонию и сочетание оттенков задача непростая.

Как знают мои студенты, я сильно заморачиваюсь в момент съемки за свет и то что будет в кадре, и это помогает еще больше сократить время обработки, применяя только пресеты и почти не дорабатывая каждую фотографию в отдельности.

В идее обработки я все так же старался передать воздушность и глубину. Приятные холодные оттенки зелени, глубокие и ненасыщенные тона — сочетание которых так приятно видеть на пленочных фотографиях.

Все пресеты проходят долгую проверку «в поле», и после всех доработок попадают в сборник.
Конечно, стоит понимать, что не все виды съемок будут подходить к данной обработке, но в этом и не было задачи. 

Огромное количество фотографий я протестировал и могу сказать что набор отлично подходит к портретам, съемке архитектуры и природы. Так же хорошо показал себя при съемке со сложным светом при свадебном репортаже. 

Все пресеты подходят для Lightroom и Camera RAW в Photoshop. Поэтому использовать их можно в любой удобной программе.

Они совместимы как с Mac OS, так и с Windows PC компьютерами и могут быть легко настроены под ваши изображения.

Вся обработка авторская и используются мной в соответствии с условиями съемки и света (баланс белого, экспозиция, насыщенность и т. д.)

Поэтому для большей универсальности стоит придерживаться одного стиля в съемках.

Стоимость сборника всего 990р!
Приобрести можно по ссылке: http://www.pavel-vozmischev.com/shop/vol3-italy-colors

Либо напишите мне в вк: https://vk.com/pavel_vozmischev

Больше примеров применения можно увидеть в моих соцсетях, например инстаграм: @pavel_vozmischev

Обработка фотографий в стиле Fine Art

Программа Лекции
1. Получение богатого цвета и правильная настройка профилей в Lightroom.
2. Анализ пленочных артефактов.
3. Воссоздание необходимого тонального распределения на цифровой фотографии.
4. Три вещи, на которые нужно обратить внимание: свет, оттенки, разнообразие цвета.
5. Гаджеты, которые помогают в пути: iPad, iPhone, Wifi SD Card.
6. Программы, которые помогают в дороге: Lightroom mobile, VSCO, Snapster, Snapseed.
7. Демонстрация.
8. Ответы на вопросы слушателей.
О сети монобрендовых магазинов re:Store (www.re-store.ru)
re:Store – самая большая сеть монобрендовых магазинов формата Apple Premium Reseller (APR) в Европе. Входит в состав группы компаний Inventive Retail Group холдинга Ланит. Первый магазин re:Store был открыт в 2005 году в московском ТРЦ «Атриум». В сеть входят 80 магазинов re:Store формата Apple Premium Reseller в России‚ 19 – в Европе. В магазинах re:Store представлен весь модельный ряд техники и программного обеспечения Apple, официально поставляемых в Россию. Помимо продукции Apple, в магазинах re:Store можно найти продукты Bowers & Wilkins, Bose, JBL, Wacom, Jawbone и многих других брендов.
За дополнительной информацией обращайтесь к Михаилу Эленбергеру,
9939175@gmail.com, тел +7(964)365-57-19
а также к Людмиле Семушиной,
руководителю пресс-службы компании Inventive Retail Group,
semushina@inventive.ru, (495) 651-62-88, доб. 183

Окончательное руководство по фотографии изобразительного искусства dPS

Примечание : добро пожаловать в наше полное руководство по фотографии изобразительного искусства. Это одно из самых всеобъемлющих руководств, которые мы когда-либо создавали, поэтому в дополнение к статье, которую вы можете прочитать ниже, у нас есть загружаемая версия, которую можно распечатать и / или использовать позже. Введите свой адрес электронной почты ниже, и мы пришлем вам копию.

Не бойтесь отличаться

Одной из спорных тем в мире фотографии в наши дни, кажется, является фотография изобразительного искусства.В конечном счете, это то, чем фотограф считает это, но в мире искусства это гораздо больше. Если вы хотите получить признание как художник, использующий фотографии, то есть определенные ожидания относительно того, какой должна быть ваша работа и как вы ее будете выполнять.

Галереи и коллекционеры не собираются собирать работы или инвестировать в искусство, если в этой работе нет большой последовательности. Одного художественного изображения недостаточно, чтобы сделать из вас художественного фотографа.Работа должна выполняться намеренно, с направлением и согласованностью по всем изображениям. Вырабатывается стиль, узнаваемый на всех изображениях.

Важно посмотреть на других известных художников, не только на фотографов, но и на художников и скульпторов, чтобы увидеть, как развивались их работы. Посмотрите, как вы можете сделать что-то подобное со своей фотографией. Фотография ничем не отличается от этих других средств массовой информации, и те же определения, которые применяются к ним, также применимы к фотографии изобразительного искусства.

Кто может быть фотографом изобразительного искусства?

Длинная экспозиция, которая была сделана в течение дня, но был изменен свет на изображении, чтобы оно выглядело так, как будто оно было снято в другое время.

Фотографом изобразительного искусства может стать каждый; по этому поводу нет жестких правил. Хотя это требует изрядной самоотдачи. Нет никаких правил или специальной квалификации, которой человек должен следовать или обладать, прежде чем называть себя фотографом изобразительного искусства.

Некоторые вещи, которые помогают определить фотографа изобразительного искусства

Возможно, лучший способ описать, как вы можете быть фотографом изобразительного искусства, — это посмотреть, как они работают. Это гораздо больше, чем просто создание красивых изображений. Мы все можем это делать, но художник к чему-то стремится. Их работа выполняется намеренно, и у них есть направление, в котором они следуют. Наконец, в их работе есть последовательность. Давайте рассмотрим каждый из этих моментов по отдельности.

Intention

Часто, когда вы выходите фотографировать, вы выбираете место, потому что думаете, что в этом месте можно получить хорошие снимки. Скорее всего, это никогда не будет для вас проблемой.Но если вы хотите, чтобы вас считали фотографом изобразительного искусства, вам нужно отправиться в места, которые, как вы знаете, помогут вам создавать изображения, которые будут способствовать вашей работе, и создать свое портфолио. За тем, почему вы фотографируете, должно быть какое-то намерение.

Городской пейзаж, который имеет некоторые отличия, но он довольно эффективен, и если бы мне не хватало изображений для выставки, это было бы включено.

Например, фотограф-портретист, который снимает людей в определенных сценах, например, мрачных сценах на пляже, не собирается идти и фотографировать ребенка в парке. Что ж, они могли бы для друга, но они не стали бы включать эту работу в свое портфолио.

Художники всегда стараются делать фотографии, которые работают с тем, что у них уже есть. Они выходят с намерением сфотографировать объекты, которые следуют направлению их работы.

Направление

Это очень похоже на намерение, но означает, что у фотографа есть направление. Если они где-то фотографируются, им руководит их предыдущая работа. Это помогает им получать изображения, которые и дальше будут соответствовать этому стилю.

До обработки.

После обработки, чтобы придать свой фирменный стиль.

Согласованность

По тем же причинам, что и намерение, тот же фотограф-портретист не собирается фотографировать ребенка, потому что это не придаст его рабочему процессу последовательности. Для фотографа изобразительного искусства вам нужна достаточно последовательная работа, которая выглядит так, как будто все вместе.

Это не означает, что тема всегда должна быть одной и той же, это также может быть похожий стиль обработки. Все изображения обрабатываются одинаково, поэтому они выглядят одинаково, когда галерея или инвестор просматривает портфолио.

Чем последовательнее вы будете, тем больше галерей и инвесторов заинтересуются вашей работой.

Согласованность важна, и обеспечение того, чтобы все изображения имели одинаковое ощущение и внешний вид, важно при создании объема работы.

Это точно так. Я спросил куратора Stills Gallery в Сиднее, Джозефину Скиннер, о том, насколько важно, чтобы работа была последовательной.Вот что она сказала:

Это очень важно. Если бы художник связался с нами, я бы надеялся увидеть завершенный объем работ, как концептуально, так и материально. Конечно, мы привыкли работать с художниками, когда они разрабатывают новые работы для выставки, но холодное предложение не вызовет у меня интереса, если вы не продемонстрируете свою способность работать.

Что такое работа и как ее создать?

Основная часть работы — это несколько частей, которые демонстрируют последовательность и намерение, о которых говорилось ранее. Когда у вас есть работа, она должна иметь похожий стиль и выглядеть так, как будто все это создал один человек.

Тематика должна быть одинаковой или очень похожей. В теле работы должно быть несколько изображений, чтобы у вас была выставка. Фактическая сумма будет зависеть от того, где вы выставляетесь и сколько вам нужно.

Это подборка моих работ, обратите внимание на схожий стиль обработки, тематику и настроение всех изображений.

Заявление художника

Верите вы или нет, но заявление художника очень важно.Это не обязательно должно быть эссе, но изложение того, чего вы пытаетесь достичь с помощью фотографии, на бумаге — отличный способ помочь в тех областях, которые мы только что обсудили; намерение, направление и последовательность.

При написании одного вы хотите четко объяснить, почему вы делаете то, что делаете. Что в этом важного и почему вы выбрали способ фотографии?

Вот что Жозефина сказала о высказываниях художника:

Заявление художника полезно: говорите кратко, ясно и используйте доступный язык.

Некоторые утверждения могут звучать бессмысленно и бессмысленно. Это хорошо звучать профессионально, но оно должно быть кратким и оставлять у слушателей вашей работы очень четкое представление о том, чего вы пытаетесь достичь.

Это изображение было сделано с целью изменить настроение и сделать его другим.

Финальное изображение. Многие аспекты были изменены, поэтому это изображение будет выглядеть так, как будто оно было снято ночью, при свете всего лишь одного источника света.

Посмотрите на некоторых фотографов изобразительного искусства, которые практикуют сейчас.

Говорили ли вам когда-нибудь, что если вы хотите быть хорошим писателем, вы должны изучать и читать работы тех, кто работает в той же области? То же самое можно сказать и о изобразительном искусстве.

Если вы хотите стать художником, вам следует изучить и посмотреть на работы других великих художников, в данном случае фотографов изобразительного искусства. Тем не менее, вы должны включить широкий круг художников, поскольку фотографы также могут многому научиться у художников, рисовальщиков, граверов и скульпторов.

Это изображение 12 Апостолов не входит в состав большинства произведений, но все равно остается таким же. Свет был изменен, так что он почти принадлежит. Но из-за другой тематики он, вероятно, не будет включен в выставку.

Вам действительно нужно посмотреть, чем вы занимаетесь, и найти похожих фотографов. Сейчас работает так много фотографов, что мне сложно сказать вам, кого учить. Но вот список из нескольких фотографов изобразительного искусства, который может дать вам отправную точку.

Что такое резюме художника?

Изображение городского пейзажа до обработки.

Окончательное изображение, показывающее, как свет был изменен, чтобы создать этот вид.

Это очень похоже на рабочее резюме (curriculum vitae) или резюме.Но вместо того, чтобы перечислять все ваши работы, вы перечисляете все, что галереи и другие люди в мире искусства могут захотеть узнать о вас.

Обычно они начинаются с вашего образования, где вы учились и когда. Затем вы перечисляете, какие персональные выставки у вас были, если они были. Цель состоит в том, чтобы составить огромный список из них. Затем вы следите за групповыми выставками, в которых принимали участие. Затем вы можете добавить, какие призы вы выиграли.

Наконец, идет список мест, где были опубликованы ваши работы.Например, если ваша работа была опубликована в журнале. Вы также можете включать коллекции, и в этом разделе вы укажете, продавали ли вы работы в важные места, например, в крупную публичную галерею.

Другое изображение с тем же оформлением и обработкой, но не принадлежит. Однако это больше, чем образ 12 апостолов.

Каждый раз, когда вы подходите к галерее, вас будут спрашивать CV вашего художника. Если у вас его нет, пора начать над этим работать.Обычно это одна страница.

Вот ссылка на мое резюме в качестве примера.

Вам нужно изучать изобразительное искусство на высшем уровне?

Простой ответ — нет, вам не нужно учиться на высшем уровне, чтобы стать фотографом изобразительного искусства. Но длинный ответ таков: если вы это сделаете, вы лучше поймете многие аспекты творчества художника. Действительно хорошие места также дают вам студийное пространство и заставляют работать в этом пространстве, как это сделал бы профессиональный художник.

Еще одна электростанция, которая может работать, но не будет выставлена ​​на выставке.

Есть еще очень много других вещей, которым вы научитесь, например, как развить свой стиль или свою работу. Или как создать последовательность, о которой мы говорили ранее. Вы начинаете понимать, как работает система галерей и как к ним подходить. Часто вам предоставляется возможность выставить свои работы, чтобы вы могли понять, на что они похожи. Это может помочь вам составить резюме художника.

Лекторы обычно сами художники, поэтому они могут направлять и наставлять вас. Они понимают, через что вы проходите, и их советы могут быть бесценными.

Получение степени бакалавра изящных искусств никогда не бывает плохим. Многие другие художники и галереи отнесутся к вам более серьезно, потому что вы проявили приверженность своей практике.

Этот немного отличается, но все же соответствует заявлению художника.

Где учиться, если вы так выберете

Есть места по всему миру, и где вы будете учиться, будет зависеть от того, где вы живете, от стоимости и от того, приняты ли вы.Посмотрите на других художников и посмотрите, где они учились. Изучите, что есть поблизости от вас. Узнайте, сколько выпускников этого учебного заведения сделали успешную карьеру, когда закончили.

Не все художественные школы равны. У некоторых очень хорошая репутация, в то время как другие дадут вам степень, но не обязательно престиж. Например, в Мельбурне вы можете получить степень изящных искусств во многих местах, но два из них более востребованы: Университет Мельбурна, факультет VCA и Университет RMIT.Люди обращают больше внимания на то, посещали ли вы эти школы и окончили их.

Это изображение выглядит так, как будто оно будет работать, но поскольку остальные изображения представляют собой скорее городские пейзажи, а не какие-либо крупные планы, оно не будет включено. Если бы было сделано больше похожих изображений, мне, возможно, пришлось бы пересмотреть это решение.

Имейте в виду, что эта степень не приведет к оплачиваемой работе, и вас учат на художника. Ожидается, что вы будете работать над ним полный рабочий день, когда закончите.Конечно, большинство художников в конечном итоге выполняют другую работу, чтобы пополнить свой доход, пока они не получат достаточно от своего искусства. Хотя, похоже, это случается только с некоторыми. Почти все преподают или имеют другую работу, чтобы оплачивать счета.

Однажды у меня был лектор, который сказал нам, что если бы мы по-прежнему занимались искусством и выставляли свои работы через 10 лет после выпуска, мы бы заработали на этом деньги. Неизвестно, правда ли это, но это хорошее настроение.

Посетите галереи и посмотрите, что выставляют другие.

Это было снято возле пристани для яхт, но оно слишком отличается, и я не смог сделать его похожим на другие изображения, поэтому его никогда не включили в выставку.

Чтобы лучше понять, что изобразительное искусство фотография является одним из лучших занятий, вы можете посетить художественные галереи, как общественные, так и коммерческие. Вы можете увидеть, как работает художник, посмотреть на последовательность, а также как выглядит вся работа, когда она собрана на выставке.

Поищите коммерческие галереи, в которых выставлены фотоработы, или еще лучше найдите галереи, специализирующиеся на фотографии изобразительного искусства. Если вы не можете посетить их лично, поищите в Интернете.У всех есть веб-сайты, и обычно они показывают работы художников, которых они представляют.

Изучите работу и художника. Если вы найдете тех, чьи работы вам действительно нравятся, уделите им гораздо больше внимания. Узнайте, что мотивирует художника, посмотрите его резюме художника и посмотрите, сможете ли вы найти его заявление. Это действительно поможет вам понять их намерения, направление и последовательность.

Общедоступные галереи часто размещают некоторые из своих коллекций в Интернете, но обычно от вас требуется пойти и посмотреть. Не огорчайтесь, если раздел фотографии будет очень маленьким, другие произведения искусства часто занимают больше места на стене. Вы можете поискать галереи, которые специализируются на фотографии, например, в Виктории, Австралия, есть место под названием Центр современной фотографии, и это все, что они показывают. Это отличный способ увидеть, что делают другие фотографы.

Как и изображение океана, оно выглядит так же, но сюжет не совпадает.

Вот еще несколько:

Изучите все искусство, его историю и то, что происходит сейчас.

Часть того, чтобы быть художником, — это держать себя в курсе.Как уже говорилось ранее, вам следует ходить в галереи и смотреть другие выставки. Так важно читать и изучать других художников. Это может помочь вам понять, какой была их жизнь и что побудило их создавать свое искусство.

Также хорошо быть в курсе того, что происходит в мире искусства. Кто получает награды, какие работы сейчас действительно популярны и как вы могли бы вписаться в них. Посмотрите, кто выставляется и какие галереи выставляют свои работы.

Посмотрите на художников, скульптур и других художников.

Не ограничивайте свое изучение фотографии только фотографами.Вам также следует присмотреться к художникам, скульпторам, граверам и рисовальщикам. Вы также можете многому у них научиться.

Освещение Рембрандта — это тип светового рисунка, который фотографы-портретисты стремятся создать. Он включает в себя треугольное пятно света на щеке портретируемого. Фотографы пытались воспроизвести этот стиль годами, но он исходил от художника — Рембрандта.

Изображение похоже, но, вероятно, не будет включено в выставку. Это не совсем подходит.

В некотором смысле художники были нашими первыми фотографами, поскольку они пытались нарисовать то, что видели. Очень важно смотреть на их работу. Вы можете многое узнать о предмете и, что более важно, о композиции. Для этих художников композиция была ключевой, и они потратили бы много времени, работая над этим элементом своего ремесла. Изучите, как они складывают свои картины, и учитесь.

Скульпторы создают композиции и часто работают концептуально. Если вас интересует концептуальная фотография, то изучение работы этих художников может помочь вам найти направление.Посмотрите, на что они готовы пойти, создавая свои скульптуры.

Жизнь художника и что это значит

Существует миф о том, что многие творческие люди были «страдающими художниками». Что для того, чтобы быть художником, нужно было вести какую-то борьбу. Другой миф — о том, что ты «голодающий художник», поэтому, если ты собираешься стать художником, ты тоже должен быть очень бедным.

Изображение, которое будет частью основной работы. Он следует теме остальных изображений.

Первое — это миф, чтобы стать художником, необязательно находиться в какой-то внутренней борьбе.Говорят, что вы должны пережить бедствия в своей жизни, чтобы помочь вам создавать шедевры. Конечно, это неправда. Нормальные люди создают самые удивительные произведения искусства. Это гораздо больше, чем просто эмоциональные страдания.

Раньше многие художники голодали. Даже в современном мире зарабатывать деньги как художнику невероятно сложно. Людей, желающих стать художниками, больше, чем людей, желающих купить работы. Упоминание о голоде больше связано с отсутствием зарабатывания денег и нехваткой еды.

Реальность такова, что большинство художников живут вполне нормальной жизнью. Они часто работают неполный рабочий день, чтобы выжить, и живут в обычных домах. Часто это очень нормальные люди. Есть эксцентричные художники, но они скорее исключение из правил. У многих есть студии и рабочие места, и каждую свободную минуту они работают в своей художественной практике.

Городской пейзаж, который будет работать на выставке, он вызывает то же чувство, что и другие.

Выставка ваших работ

Есть разные виды галерей, и если вы хотите выставить свои работы, вам нужно начать их изучать.Узнайте, какие из них лучше всего подходят для вас в первую очередь из нескольких различных типов (крупных публичных и частных).
Во-первых, вам нужно выяснить, что ищут галереи. И снова у Жозефины есть несколько советов для тех, кто хочет обращаться к галереям:

Первый совет, который я хотел бы дать, — это тщательно изучить, к каким галереям вы подходите, и быть избирательным по отношению к тем, которые вы делаете. Мы получаем предложения, например, от художников, которые даже не заходили на наш веб-сайт, чтобы узнать, что мы выставляем фотоматериалы и видео.В процессе сужения помните, что если в галерее делается упор на фотомедиа, это не значит, что все формы фотографии будут соответствовать их более широкой эстетике и фокусу. Кроме того, помните, что каждый художник привносит в галерею что-то уникальное, поэтому разнообразие желательно — они, вероятно, не захотят кого-то, чья практика отражает существующего представленного художника. Наконец, у каждой галереи своя политика получения работ, поэтому неплохо было бы позвонить и спросить, что они предпочитают.Не приходите и не ждите, что сядете с директором!

Городской пейзаж со смотровой площадки. Хотя это городской пейзаж, он также не будет включен. Это действительно не похоже на других.

Отличный совет и хорошая идея для всех художников. Изучите интересующие вас галереи, чтобы узнать, подходят ли они вам. Вы также можете задавать вопросы, чтобы узнать, что они говорят. Они часто будут более чем счастливы поговорить с вами о том, какую работу они ищут и как представить вашу работу.

Жозефина предоставила некоторую информацию о том, как они находят новых художников:

В центре нашего внимания находятся современные фотомедиа и видео, поэтому мы склонны смотреть на художественные призы, которые часто носят междисциплинарный характер, такие как выставка Hatched Graduate в PICA, и сохранять следите за тем, что происходит в пространствах ARI (Artist Run Initiatives). Эти платформы обеспечивают начальный фильтр, поскольку работа уже прошла процесс конкурсного отбора. Галереи с более традиционной или коммерческой эстетикой, вероятно, будут искать в другом месте.

У большинства галерей есть информация и инструкции о том, как подавать заявки на выставки; вам нужно внимательно следить за ними. Они получают много предложений, и если вы не сделаете то, что они просят, вас сразу же исключат. Сделайте все возможное, чтобы они посмотрели на ваши работы.

Подготовка вашей работы к выставке

Тематика выставки соответствует большей части того, о чем идет речь в произведении изобразительного искусства, но это неправильные цвета и послание, отличное от других.

Выставка своих работ — конечная цель большинства художников. Здесь они завоевывают имя и репутацию. Если вы тоже этого хотите, убедитесь, что ваша работа достаточно хороша, чтобы ее можно было показать.

Перед тем, как выступить, нужно принять множество решений. Вы должны решить, кто будет печатать вашу работу и как она будет печататься. Частично причина для участия в выставке — продать свою работу, и если она не выглядит хорошо, люди ее не купят.

Перед отправкой работы в печать необходимо убедиться в отсутствии дефектов на изображениях.Когда они взорваны, пятна датчиков или другие нежелательные элементы в ваших сценах также будут увеличены. Они могут так сильно выделяться, что захватят имидж. Увеличьте изображение на вашем компьютере (посмотрите в масштабе 100% или 1: 1) и внимательно посмотрите на любые ошибки или неисправности.

Работа на выставке.

Работа упакована и готова к отправке на выставку.

Найдите профессионального принтера, который будет работать с вами. Ищите того, на кого вы можете положиться и который разбирается в своем деле.Они должны быть в состоянии помочь вам найти лучший способ представить вашу работу. В наши дни существует так много вариантов фотографий. Вы можете печатать на холсте, наносить изображения на художественную бумагу и даже наносить их на металл, что сейчас очень популярно.
Тогда перед вами встает вариант обрамлять или нет. Большинство галерей ответят за вас на этот вопрос.

Прочтите мою статью «Как подготовить фотоэкспозицию ваших работ», чтобы получить дополнительную информацию по этой теме.

Редактирование вашей работы

Это не обязательно, но многие фотографы редактируют свои работы.Это означает, что они будут продавать только определенное количество изображений или ограниченный выпуск. Художник настраивает издание на то, что, по его мнению, может продать.

Городской пейзаж, который очень похож на многие из моих, но я бы не стал включать это изображение, поскольку оно не оказывает такого воздействия, как многие другие.

Для многих начинающих художников количество изданий обычно невелико, около 10 или 20. Чем более успешным становится художник, тем дороже получаются изображения, и часто номер издания увеличивается как.Некоторые сделают редакции до 200 фотографий.

Однако для большинства из нас, особенно начинающих, нет необходимости делать редакции. Вы можете продать только одну или две копии изображения. По мере того, как продажи растут, и вы начинаете делать себе имя, неплохо подумать о выпуске изданий своей работы.

Если вы умрете, ваша работа удвоится в цене

Это, вероятно, самый большой миф о фотографии и искусстве в целом. Это правда, что когда некоторые художники умирают, их работы становятся намного более ценными, но не для всех.Если у артиста была успешная карьера и его собирало много людей, то в этом есть доля правды.

Изображение схожих цветов при длительной выдержке, но это не то изображение, которое я бы включил в выставку.

Когда они умирают, их работа становится более ценной, потому что становится редкостью. Поскольку новые работы производиться не будут, все их предыдущие работы станут более ценными. Это все, что есть, конечная сумма, поэтому она будет расти в цене.

Для большинства художников наша смерть будет иметь значение только для окружающих, а сентиментальная ценность наших произведений будет только возрастать.Это печально, но ваша смерть, скорее всего, не приведет к повышению ценности вашей работы.

Быть фотографом изобразительного искусства

Есть много шагов, которые вы можете предпринять, чтобы стать фотографом изобразительного искусства. Есть много разных путей, и вам решать, какой из них вы выберете. В конце концов, быть художником — значит делать работу намеренно, иметь направление и работать последовательно.

Это определенно будет включено. Свет был изменен, и он работает с заявлением художника.

Художники обычно выставляют свои работы с целью заработать репутацию, чтобы коллекционеры купили их. Это, в свою очередь, приводит к увеличению стоимости их работы, и они могут продавать больше. Художник — благородная профессия, история которой насчитывает сотни лет. Кто не хочет принадлежать к этой группе?

Примечание : Вам понравилось это руководство по Lightroom? — получите бесплатную загружаемую копию для печати и / или использования позже, указав свой адрес электронной почты ниже, и мы отправим вам копию.

До и после постобработки туристической и художественной фотографии

Питер Стюарт — международный фотограф, специализирующийся на фотографии из путешествий и изобразительного искусства. Чтобы понять, как делать потрясающие фотографии пейзажей, вы должны знать три основных качества света: интенсивность, направление и цвет. Посмотрите, как мастер делает свою работу.

Интенсивность: Относится к силе света. Если солнце находится высоко в небе, свет может быть резким и слишком ярким.Пасмурные дни приносят мягкий рассеянный свет.

Направление: относится к размещению света. Есть три категории размещения света: переднее, заднее и боковое. Боковое освещение создает больше текстуры между светом и тенью.

Цвет: Цвет солнечного света меняется в зависимости от условий и времени суток. Если солнце светит в начале или в конце дня, цвет света будет намного теплее, что приведет к более драматичной сцене.

Хотя все три вида света имеют разные качества, все они имеют еще один важный общий фактор: время суток.Выбор правильного времени дня — это первостепенная задача при съемке сцены в лучшем виде. Интенсивность света выделяет разные цвета на пейзажном изображении. Цвета в пейзажной фотографии зависят от доступного света, а также от того, в какое время вы снимаете сцену, а также от того, где вы размещаете камеру. Помимо балансировки света, Питер снова рисует яркий цвет в Photoshop, давая ему жизнь для глаз потребителя. Посмотрите эти снимки, сфотографированные и отредактированные для публики.

Смешивание с четырьмя экспозициями: экспозиции, смешанные вручную в Photoshop.Отловил с использованием профиля объектива Adobe для Samyang 12 мм.

Смешивание с четырьмя экспозициями.

Редактирование с тремя экспозициями: брекетинг HDR, вручную смешанный в Photoshop. Nik Color Efex Pro используется для улучшения цвета после обработки.

Редактирование с тремя экспозициями: брекетинг HDR, вручную смешанный в Photoshop. Nik Color Efex Pro используется для улучшения цвета после обработки.

Редактирование с тремя экспозициями: две экспозиции, вручную смешанные в Photoshop.Перспектива исправлена ​​в Camera Raw. Корректировка цвета сделана с помощью Nik Color Efex Pro и VSCO. Замена неба на финальное изображение.

Редактирование с тремя экспозициями: брекетинг HDR, вручную смешанный в Photoshop. Nik Color Efex Pro используется для улучшения цвета после обработки.

Редактирование с тремя экспозициями: брекетинг HDR, вручную смешанный в Photoshop. Nik Color Efex Pro используется для улучшения цвета и экспозиции после обработки.

Редактирование с тремя экспозициями: брекетинг HDR, вручную смешанный в Photoshop. Предустановки пленки VSCO, используемые для улучшения цвета.

Редактирование с тремя экспозициями: брекетинг HDR, вручную смешанный в Photoshop. Nik Color Efex Pro используется для улучшения цвета после обработки.

Слой редактирования с тремя экспозициями и заменой неба: три экспозиции, вручную наложенные в Photoshop CC. Заменяющий слой с небом вручную наложен и закрашен.

Редактирование с тремя экспозициями: брекетинг HDR, скомпонованный с помощью Photoshop Merge to HDR. Nik Color Efex Pro используется для улучшения цвета после обработки. Mt. Fuji использовала более раннее и более четкое изображение.

Редактирование с одной экспозицией: одно необработанное изображение копируется дважды, затем переворачивается и вырезается по диагонали, а затем маскируется для создания бесшовного соединения. Затем изображение стало ярче, чтобы раскрыть детали. Выборочный цвет используется для выделения красного цвета стен и синего цвета окон.Добавлено композитное небо. Добавлена ​​окончательная цветовая оценка и выполнено снижение цветового шума.

Редактирование одиночной экспозиции.

Редактирование с одной экспозицией: коррекция контрастности и цветовой температуры. Улучшения цвета, сделанные с помощью VSCO и Nik Color Efex Pro.

Редактирование с одной экспозицией: регулировка цветовой температуры с помощью Adobe Camera Raw. Редактирование с одной экспозицией: Nik Color Efex Pro используется для улучшения цвета после обработки.

Редактирование с одной экспозицией: в Photoshop выполняются различные корректировки неба, затемнение и затемнение. Nik Color Efex Pro используется для улучшения цвета после обработки.

Редактирование с одной экспозицией: передержанное изображение с деталями, возвращенными с помощью Camera Raw. Nik Color Efex Pro используется для улучшения цвета и контрастности после обработки.

Редактирование с одной экспозицией: постепенный градиент оранжевого неба и корректировка цвета, выполняемая в Camera Raw.Солнечные лучи, созданные в Photoshop с добавленным свечением. Незначительные улучшения цвета и экспозиции в Color Efex Pro.

Редактирование с одной экспозицией: коррекция перспективы и удаление линии питания в Photoshop. Улучшение цвета с помощью Color Efex Pro с некоторым затемнением и затемнением в Photoshop.

Редактирование с одной экспозицией: одно необработанное изображение, обработанное в Adobe Camera Raw. Тональные корректировки выполняются с помощью Nik Color Efex Pro. Композитное небо, добавленное в кадр вручную.Окончательная цветовая оценка с использованием плагина VSCO.

Редактирование с одной экспозицией: одно изображение в формате RAW, обработанное в Adobe Camera Raw. Корректировки контрастности и цвета, чтобы уменьшить дымку и сделать изображение более теплым. Составное небо, смешанное с кадром, с добавлением солнечного свечения. Окончательная цветокоррекция с помощью VSCO.

Понимание естественного света развивает вашу способность создавать лучшие изображения. Затем вы начнете видеть красоту света и цветов по-новому и захватывающе. У вас есть изображения, которыми можно поделиться? Покажи нам в комментариях!

Все изображения использованы с разрешения Питера Стюарта.

Руководство для начинающих по созданию репродукций изобразительного искусства

Мы не можем отрицать тот факт, что новейшие камеры смартфонов сделали некоторые замечательные достижения в обеспечении достойного качества изображения пейзажной фотографии, особенно если эти изображения используются только в социальных сетях. Несмотря на то, что существует множество инновационных алгоритмов, которые создают изображения пейзажной фотографии, похожие на изображения с цифровой зеркальной камеры на экране, вы когда-нибудь пытались создать художественный принт со своего смартфона или зеркальной камеры, только чтобы разочароваться в результатах?

Фотография природы от Питера Дулиса

На качество печати изображений со смартфона или камеры влияет множество факторов.Итак, прежде чем мы перейдем к шагам по получению правильных цветов для репродукций изобразительного искусства, давайте рассмотрим несколько важных шагов, необходимых для правильного захвата изображения перед этапом печати (первые два шага ниже).

Шаг 1. Форматы файлов для репродукций изобразительного искусства

Формат файла изображения описывает, как хранятся данные, относящиеся к изображению, и, что наиболее важно, сколько данных сохраняется. Данные изображения пейзажной фотографии могут храниться в сжатом и несжатом формате. У каждого формата есть свои преимущества и недостатки.

Как пейзажный фотограф вы, вероятно, снимаете в формате Raw или Jpeg, а иногда и в обоих форматах. А затем вы обычно редактируете изображение в Photoshop, Adobe Camera Raw или Lightroom. Затем вы сохраняете свое изображение. Как его сохранить? Вы сохраняете как PSD, Тифф. или Jpeg?

Пейзажная фотография Питера Дулиса

JPEG предназначен для передачи фотографий по сети и отображения на экранах. Он теряет много (невосстановимых) исходных данных, которые были захвачены вашей камерой. В этом формате фотоаппарат обрабатывает внешний вид фотографии; Ваши возможности для дальнейшего ручного редактирования остаются, но они значительно сокращаются.При использовании JPEG я всегда использую настройку самого высокого качества для сохранения файла.

Для репродукций изобразительного искусства я использую формат файла TIFF, чтобы сохранять все свои путешествия или пейзажные фотографии. Вы также захотите сохранить свою работу в формате Photoshop PSD или TIFF, если у вас есть слои Photoshop, которые вы хотите сохранить. Эти форматы позволяют сохранять без сжатия без потери данных и предпочтительны для высококачественных репродукций изобразительного искусства, особенно больших.

Шаг 2. Разрешение для репродукций изобразительного искусства

Разрешение изображения в цифровой фотографии имеет технический показатель: пикселей на дюйм (ppi) размеров изображения. Более высокое разрешение не обязательно означает более резкие пейзажные фотографии. — это также во многом зависит от объективов камеры, датчиков камеры, настройки фокуса и других факторов.

Итак, какое разрешение для печати фотографии хорошее? Мы рекомендуем что-то в диапазоне от 300 до 360 пикселей на дюйм для отпечатков пейзажной фотографии, созданных с помощью фотопринтеров Canon, HP или Epson. Общие размеры в пикселях определяют линейные размеры изображения, которые вы можете получить при этих значениях разрешения.Имейте в виду, что вы также можете передискретизировать изображения в Photoshop, чтобы изменить линейные размеры при заданном разрешении или работать с более низким разрешением.

Репродукция картин — Прибрежный пейзаж

Итак, какого размера я могу напечатать свои фотографии? Это можно легко измерить в Photoshop или другом программном обеспечении для постобработки. Например, я снимаю полнокадровой камерой Canon 6D с разрешением 20,2 МП. Когда я снимаю в формате файла RAW, он создает файл размером 57,1 МБ. Если я создаю изображение с разрешением 300 пикселей на дюйм, я получаю отпечаток 12 × 18 дюймов с разрешением 300 пикселей на дюйм.В зависимости от изображения я могу иногда работать с размером файла 200 ppi. В этом случае я получаю от принтера отпечаток размером 18 × 27 дюймов. Обратите внимание, что если вы отправляете на принтер большее или меньшее разрешение, чем требует собственное разрешение принтера, процесс печати изменяет выборку вашего файла на лету, чтобы соответствовать этому собственному разрешению. При печати больших альбомных фотографий учитывается качество самой фотографии и размер в пикселях.

Шаг 3. Калибровка монитора

Один из наиболее важных шагов при создании репродукций изобразительного искусства — это иметь достаточно качественный монитор, который можно правильно калибровать и профилировать.Монитор — это ваш единственный способ увидеть фотографию, пока она не появится из принтера. Существует несколько программных пакетов, которые вы можете использовать для калибровки основных параметров вашего монитора (таких как точка белого, точка черного, коэффициент контрастности, яркость), а затем, имея под рукой эту калибровку, создать профиль, соответствующий параметрам калибровки. Эти пакеты включают X-Rite i1Display Pro или X-Rite ColorMunki, но есть и другие.

Калибровка монитора с использованием Xrite

Кроме того, полезно просматривать фотографии на мониторе в хорошо освещенной комнате, чтобы свести к минимуму отвлекающие факторы и появление размытых цветов из-за слишком большого количества окружающего света, попадающего на дисплей.Существует подходящий баланс между уровнями яркости монитора и окружающего освещения. Если вы обнаружите, что этот уровень управления не соответствует вашим требованиям или ожиданиям, вы можете изучить проблемы и повторно откалибровать монитор.

Шаг 4. Повышение резкости фотографий

Независимо от того, насколько тщательно фотограф-пейзажист настраивает экспозицию и композицию, фотографии часто требуют некоторых настроек. Повышение резкости — одна из наиболее важных настроек постобработки для создания профессиональных пейзажных фотографий.Некоторые пейзажные фотографы предпочитают Photoshop, а некоторые — Lightroom.

Важно помнить, что изображение, снятое цифровой зеркальной или беззеркальной камерой, проходит множество этапов перед печатью. От объектива до сенсора, посредством обработки программного обеспечения, некоторые из этих шагов могут смягчить или ухудшить ваше изображение. Таким образом, повышение резкости может улучшить вашу репродукцию изобразительного искусства, хотя, если все сделано правильно, никак не повлияет на точность цветопередачи.

Один из моих любимых наборов фильтров Photoshop для повышения резкости — Sharpener Pro от NIK.Sharpener Pro — это плагин для редактирования фотографий, предлагающий два этапа повышения резкости. Первый этап — это RAW Pre-Sharpener, инструмент для извлечения нужного уровня детализации из фотографии. Второй этап — повышение резкости на выходе, с помощью которого можно настроить изображение в соответствии с его предполагаемым назначением, будь то репродукция или экран.

Шаг 5. Настройка управления цветом с помощью профилей принтера

Canon, HP и Epson предлагают своего рода решение «под ключ», особенно при использовании их носителей. Эти принтеры имеют встроенные профили для правильной печати на собственных носителях.Они также разработали драйверы своих принтеров на протяжении многих лет для работы с носителями сторонних производителей. Используя бумагу производителя и профили принтеров, действительно обеспечивает готовое решение, позволяющее получать отпечатки хорошего качества прямо из коробки. Если вы решите пойти по этому пути, вы должны выбрать позволить принтеру управлять цветом в Photoshop или Lightroom.

Создание пользовательского профиля принтера для репродукций изобразительного искусства

Если вы чувствуете, что вам нужны еще лучшие результаты от вашего принтера, тогда вы можете позволить Photoshop управлять цветом и использовать пользовательские профили для комбинаций вашего принтера и бумаги.Большинство профессиональных пейзажных фотографов предпочитают позволять Photoshop управлять цветами и часто используют собственные профили.

В эту статью не входит подробное описание создания или использования таких профилей или пользовательских профилей, но на эту тему написано множество статей. Если вам нужно использовать настраиваемый профиль мультимедиа, существует множество компаний, которые предоставляют эту услугу в режиме онлайн. В качестве альтернативы вы можете приобрести профессиональное программное и аппаратное обеспечение для управления цветом X-Rite (или другое).

Шаг 6. Выберите медиа

Мне нравится печатать дома, потому что я могу экспериментировать с большим количеством доступных типов носителей. Не бывает одной «лучшей» статьи. На самом деле все сводится к тому, как вы думаете, что он подходит к изображению, что вам нравится, и как он выглядит и ощущается на вас. Если вы найдете хорошего поставщика носителей, он сможет предоставить образцы упаковок от таких производителей, как Canon, HP, Epson, Moab, Red River, Hahnemühle и т. Д.

Шаг 7. Выберите принтер

Сегодня на рынке представлен широкий ассортимент струйных принтеров.Некоторые принтеры офисного типа могут дать вам красивое изображение, но не все струйные принтеры созданы одинаково. Самые обычные и доступные бренды, представленные в настоящее время на рынке, — это Canon, HP и Epson. Все эти производители умеют делать прекрасные отпечатки, и у всех есть свои плюсы и минусы.

Репродукция розовых фламинго. Автор Питер Дулис

Если вы смотрите на Canon, то вам стоит рассмотреть фотопринтеры Canon imagePrograf, начиная с 17-дюймового Pro1000 и заканчивая 60-дюймовым imagePrograf 6100.Фотопринтеры Epson начинаются с 17-дюймового SureColor P800 и заканчиваются 64-дюймовым Epson SureColor P20000. Все три производителя также предлагают модели с диагональю 24 и 44 дюйма.

Таким образом, цифровая обработка изображений делает печать изобразительного искусства более доступной, чем когда-либо в истории фототехники. Однако правильная цветопередача и резкость обычно необходимы для создания выдающихся отпечатков пейзажной фотографии. Вы можете подойти к этому на разных уровнях простоты или сложности, в зависимости от ваших требований и вкуса.Суть этого очень краткого обзора обширной темы заключается в том, что у вас есть выбор, начать ли с элементарного автоматизированного уровня, на котором большая часть работы выполняется за вас под капотом, или перейти к процессам и процедурам, над которыми вы больше тренируетесь. контроль и может получить лучшие результаты, но нужно больше учиться и больше экспериментировать.

У вас есть вопросы о создании репродукций картин? Не стесняйтесь оставлять их в комментариях ниже.

Большое спасибо Марку Сигалу, который дал совет для этой статьи.Марк фотографирует последние шесть десятилетий. Он автор, педагог и коммуникатор в нескольких областях и обладает большими знаниями в создании репродукций изобразительного искусства с помощью струйных принтеров.

О гостях Автор Питер Дулис

Имея честь работать с Canon Canada в течение 14 лет, у меня была возможность встретиться и поработать с некоторыми выдающимися фотографами и экспертами в области печати. Их истории и опыт изменили мой взгляд на вещи. Фотография — это не только фотографирование; это о выборе жизни, полной любопытства, исследований, чудес и погружения в мир вокруг вас.Следите за нашими приключениями на www.photographyadventures.ca и получите БЕСПЛАТНУЮ электронную книгу сегодня — «5 поистине удивительных мест, которые стоит посетить, пока не стало слишком поздно!

Полное руководство по художественной фотографии (советы и методы)

Художественная фотография — самая творческая область захвата изображений. Здесь нужно полагаться на собственные идеи и видение.

Эти работы являются настенными. Либо для частного клиента, либо для галереи. Изображения изобразительного искусства могут иметь какое-то значение.Или они могут быть настолько абстрактными, насколько вам угодно.

Что такое художественная фотография?

Фотография изобразительного искусства контрастирует с репрезентативной фотографией, такой как фотожурналистика.

Он сочетает в себе фотографию и концептуальные идеи как процесс. Здесь художник или фотограф пытается выразить свое восприятие и эмоции. Затем они передаются другим.

Коммерческая фотография — это не фотография изобразительного искусства. Несмотря на то, что оба набора изображений продаются, фотография изобразительного искусства не заказывается, в то время как коммерческая фотография.

Это не означает, что изобразительное искусство не пересекается с документальной фотографией. Трудно провести грань между жанрами. Также сложно решить, что можно считать проектом художественной фотографии. В большинстве случаев мы говорим, что проект изобразительной фотографии имеет концептуальную основу. И это также приветствуется зрителями, практиками и миром искусства.

Кажется, что концепции приходят из разных мест, и конечный результат часто бывает разным. Даже если процессы такие же.

Что делает фотографию искусством?

В этой статье мы попытаемся определить, что делает фотографию прекрасным искусством. Мы смотрим на сообщения на фотографиях.

Изображения изобразительного искусства не всегда передают какое-то прямое сообщение зрителю, это то, что мы находим.

Мы пришли к выводу, что фотография изобразительного искусства вызывает эмоции. Эти эмоции привязывают нас к изображениям и помогают сделать их более понятными

Вывод состоит в том, что намерение играет большую роль в том, что делает фотографию изобразительным искусством.

Fine Art Vs. Коммерческая фотография

Между этими двумя концепциями есть несколько основных различий.

Художественные фотографы имеют больший контроль над своими фотографиями, чем коммерческие фотографы.

Коммерческие фотографы зависят от видения и правил своего работодателя. Они не могут быть такими гибкими, как фотографы изобразительного искусства.

Кроме того, между ними огромная разница во времени. В художественной фотографии не бывает дедлайнов и графиков.В коммерческой фотографии нужно подстраиваться под график компании.

Коммерческая фотография более надежна, когда дело касается денег. Фотографы изобразительного искусства тоже продают свои работы, но это не означает стабильного дохода.

7 советов по художественной фотографии для начала работы

Искусство субъективно по своей природе. Его значение у всех разное. Так что создать идеальные изображения изобразительного искусства будет непросто, потому что в этом жанре нет такого понятия, как идеальное.

Во-первых, вы должны принять этот факт.

Во-вторых, вам нужно избегать клише.

В-третьих, прочтите нашу статью с 7 советами о том, как начать художественную фотографию.

Вам стоит следить за работами известных фотографов. И хотя черно-белая съемка может сделать ваши изображения более художественными, поэкспериментируйте и с цветами. Вы можете использовать выдержку и уникальные стили цветокоррекции и постобработки, чтобы изменить реальность. Вы также можете попробовать использовать одну и ту же тему для всего проекта.

Следование этим советам и заявление художника — хорошее начало.

Обязательно избегайте этих 10 ошибок в художественной фотографии

Вот список из десяти ошибок, которые делают фотографы изобразительного искусства.

Например, вам не нужно сразу вкладывать средства в большое количество оборудования. Вам следует поэкспериментировать со своим снаряжением при создании, например, автопортретов. Вы можете многое узнать о том, как вы можете выразить себя, фотографируя себя.

Не стоит все время сосредотачивать внимание на объектах. Ваши изображения будут выглядеть скучно, если вы всегда будете размещать объект в центре фотографии.

Также следует избегать бездумной фотосъемки. Подумай хорошенько!

Не следует всегда снимать в автоматическом режиме и все время следует избегать съемки только по горизонтали.

Также не стоит ограничиваться одним жанром фотографии. И перестаньте ожидать, что каждая фотография будет идеальной.

Вдохновение для художественной фотографии

Вдохновение приходит из всех слоев общества.Кино, изобразительное искусство и чтение — огромные источники.

Вы не представляете, куда направится ваш разум, когда ваши мысли и воображение возьмут верх.

Когда я изучал фотографию, я смотрел книги по психологии и читал научно-фантастические романы. Они дали мне больше идей и вдохновения, чем книги о фотографии.

Я не хотел смотреть на то, что уже было там, мне это не помогло.

Это позволило моему разуму достичь тех мест, которые недоступны другим фотографам. В свою очередь, это помогло мне создать что-то оригинальное.

Психология и научная фантастика — мои увлечения. Использование этих тем означало, что я мог больше работать и дольше оставаться сосредоточенным.

21 лучших фотографов изобразительного искусства, которых вы должны знать

Нам всем нужно вдохновение, и это то, что вы получите из нашей статьи здесь. Мы просмотрели все сети, чтобы найти вам этот список.

Мы считаем этих фотохудожников лучшими в своей области. Вы найдете интересные портреты и сцены из фэнтези.Что-то для каждого.

21 вдохновляющий образец художественной фотографии

Вот список из 21 фотографии, которую вы можете использовать для вдохновения. Они охватывают такие темы, как портретная живопись, пейзаж, абстрактное и сюрреалистическое изобразительное искусство.

Посмотрите на веб-сайты обмена фотографиями, такие как Pinterest, Instagram и 500px, для получения дополнительной информации. Это отличная идея — почерпнуть вдохновение из онлайн-журналов о фотографии, таких как LensCulture или British Journal of Photography.

Как использовать 7 принципов искусства и дизайна в фотографии

Вы можете подумать, что художественная фотография не имеет структуры.Это может выглядеть повсюду. Но это не значит, что это не результат организации и исследования.

На самом деле, фотография изобразительного искусства нуждается в сильной концепции. То, что было хорошо продумано и обработано до тех пор, пока не дало результатов.

Наша статья познакомит вас с семью принципами. Это то, что фотография заимствует у других видов искусства. Такие идеи, как баланс, узор и движение.

Здесь вы не только узнаете, что это такое. Но также и то, как разместить их в своей художественной фотографии.Приятного чтения!

Какое оборудование вам нужно для художественной фотографии?

Фотографирование с минимальным оборудованием: почему вам не нужно столько, сколько вы думаете

Ваше фотооборудование зависит от того, что вы фотографируете.

Качество может отличаться от модели к модели. Если вы не создаете рекламный щит, вам не понадобится датчик на 50 МП. Здесь ваше творчество является самым важным аспектом, камера и оборудование второстепенными.

Прочтите нашу статью здесь, чтобы узнать, как сохранить минимальный объем оборудования.

10 лучших объективов для художественной фотографии

вместе с камерой позволяют запечатлеть вашу концепцию изобразительного искусства и превратить ее в изображение. Именно они определяют диафрагму и фокусное расстояние.

Объективы гораздо важнее, чем камера, которую вы используете. Это не значит, что ваш датчик не важен, поскольку он определяет разрешение изображения.

Дифференциальный фокус или малая глубина резкости лучше всего достигается с помощью быстрой или широкой диафрагмы.Объектив, который представляет это, понадобится для очень маленькой глубины резкости.

Фокусное расстояние влияет на допустимое расстояние между вами и объектом. Если объект находится близко, то хорошо подойдет широкоугольный или 50-миллиметровый объектив.

Если объект находится дальше, то лучше подойдет зум-объектив или телеобъектив. Имейте в виду, что перспектива меняется с каждой линзой.

То же самое и с расстоянием между объектом и фоном.

Как фотографировать изобразительное искусство?

10 советов по созданию захватывающих пейзажей изобразительного искусства

Когда дело касается пейзажной фотографии, в этой статье предлагается забыть о этикетке изобразительного искусства.Вместо этого сосредоточьтесь на получении лучших снимков.

Вложить в работу свое сердце, душу и страсть — это лучшее, что вы можете сделать как пейзажный фотограф.

Создавая эмоциональное воздействие в своей фотографии, вы создаете искусство.

Как сделать потрясающую уличную фотографию изобразительного искусства

Уличная фотография изобразительного искусства сочетает в себе элементы традиционного искусства, техники фотографии и пост-продакшн, а также уличные повествования.

Брассай — один из наших любимых знаменитых уличных фотографов.Он стирал границы между уличной фотографией и изобразительным искусством своими изображениями ночного Парижа.

Вот несколько советов по этой теме.

Например, вам просто нужно не торопиться, чтобы уловить решающий момент.

Будьте разборчивы и вкладывайте время в постобработку изображения только в том случае, если вам это действительно нравится. Будьте перфекционистом.

Обратите внимание на все свои чувства. Вы должны воспринимать окружающую среду, в которой фотографируете.

Также, если вы переключаетесь между цветной и черно-белой фотографией.Посмотрите на свои изображения в обоих и решите, какой из них больше подходит.

Как создать свою собственную портретную фотографию в изобразительном искусстве

Портретная фотография — самая большая область концептуального и изобразительного искусства.

В портретной фотографии изобразительного искусства иногда лучше меньше, да лучше. Конечно, вы можете украсить свою модель или все, что только можете придумать. Но в этом жанре минимализм имеет свое место.

Необязательно показывать все лицо человека, которого вы фотографируете.Безликое минималистичное изображение все еще показывает человека, но также оставляет некоторую загадку в сцене.

10 советов по созданию более художественной модной фотографии

Фэшн-фотография запечатлевает яркость прически, макияжа и одежды. Эти три вещи в сочетании с моделью и сеттингом исходят из ясного творческого видения.

Стиль мизансцены передает настроение и атмосферу модели через позы и выражения. Все вместе они создают художественную фотографию.

Вы обнаружите, что большая часть модной фотографии сосредоточена на аспектах изобразительного искусства. Это связано с тем, что дома моды не продают товар. Они продают настроение и чувства.

Они креативны и привлекают внимание, а иногда и шокируют. Это потому, что они должны выделяться и привлекать внимание.

Методы и советы изобразительной фотографии еды

Фотографии еды можно разделить на две категории. Эти изображения используются в коммерческих целях и в социальных сетях.И тех, кто следит за чем-то артистическим.

Примером последнего может быть фотография еды в виде натюрморта. Нельзя сказать, что эти два понятия не могут совпадать.

Задумчиво разместив предметы в композиции натюрморта, можно воссоздать классические картины.

Чтобы добиться этого стиля, сначала посмотрите на свет. Используйте один источник света и сохраните тени и негативное пространство. Контраст помогает придать изображению глубину.

Как использовать творческое размытие движения в фотографии

Один из способов экспериментировать с художественной фотографией — размытие движения.Эту технику можно использовать по-разному.

Вы можете фотографировать движущиеся объекты в течение определенного периода времени с большой выдержкой.

Это метод, который хорошо работает с объектами и фоном. Идеально, когда вы испытываете разные элементы. Например, что-то движется рядом с чем-то неподвижным.

Такой контраст — отличный инструмент для композиции. Вы даже можете переместить камеру. Либо двигаясь вверх, вниз или в сторону при нажатии на кнопку спуска затвора.

Даже увеличивая масштаб во время фотографирования, вы создаете движение на изображении.

Виды художественной фотографии

Что такое свадебная фотография Fine Art?

Изобразительное искусство прекрасно сочетается с свадебной фотографией. Подумайте об этом так: свадьба — это грандиозная романтическая история.

От декора до сказочного танца, художественная сторона этого и без того визуально красивого события просто работает вместе.

Свадебные фотографы изобразительного искусства делают снимки, которые должны восприниматься как искусство, а не как документация события.

7 советов по созданию потрясающих макроснимков Fine Art

Макро-фотографию и фотографию изобразительного искусства можно объединить.

Снимайте с широкой диафрагмой и при облачном освещении. Кроме того, ищите линии и кривые, чтобы привлечь внимание зрителя.

Найдите простоту для лучшей абстрактной фотографии изобразительного искусства. Минимализм может подчеркнуть красоту сцены, придав ей уникальное выражение.

Вы также можете поиграть с естественным освещением и тенями.

Даже намеренное перемещение камеры и размытие изображения выглядят хорошо.

10 советов по фотографии изобразительного искусства

Архитектурная фотография занимает очень большое место в художественной фотографии. Это область, где вы можете не торопиться, чтобы спланировать и поэкспериментировать, поскольку они представляют собой статические конструкции.

Выбранная вами перспектива может создать прецедент для областей архитектурного объекта. Здесь вы создаете ощущение и настроение обстановки.

Здание или строение должно сначала вызвать в вас эмоции. Важно то, как вы интерпретируете предмет в своем первоначальном впечатлении.

Идеи постобработки для художественной фотографии

Lightroom против Photoshop: что лучше?

Что касается постобработки ваших изображений изобразительного искусства, ваши возможности безграничны. Вы можете делать буквально все, что угодно.

Иногда изображение становится произведением искусства во время постобработки. Это означает, что при редактировании изображения вы добавляете совершенно новый смысл.

У вас может быть сюрреалистическая идея, которую нельзя сфотографировать напрямую, потому что ее не существует в реальной жизни.В таком случае смело реализуйте это с помощью программного обеспечения.

Мы рекомендуем поэкспериментировать с Lightroom и Photoshop, но вы можете попробовать любое другое программное обеспечение для редактирования фотографий.

Как редактировать черно-белую художественную фотографию

Черно-белые изображения сильно отличаются от цветной фотографии. Вклад художника гораздо важнее, чем объект съемки.

Художественная фотография начинается в вашей голове, а не во внешнем мире.

Вы должны думать в черно-белых тонах, что означает сосредоточение внимания на контрасте, свете и текстуре.

Здесь нет жестких правил и приемов. Ограничения зависят только от вашего эмоционального видения.

Как заработать на художественной фотографии?

Деловые аспекты художественной фотографии могут быть непростыми. Художники склонны сосредотачиваться на творческой стороне мира изобразительного искусства.

Многим сложно работать с деловой стороной. Заработок позволяет вам продолжать заниматься своим делом все время.

Здесь у нас есть несколько статей, которые помогут вам оценить ваше изобразительное искусство.Вы также найдете информацию о том, как продавать свои изображения и как продвигать себя.

Создание выставки — это также отличный способ показать людям, чем вы занимаетесь, и вызвать интерес.

Вы можете стремиться достичь высокого уровня вовлеченности в Интернете, а затем начать продавать свои отпечатки. Вы можете быть самим себе арт-менеджером. Кроме того, вы можете заключить договор с галереями о продаже ваших изображений.

Как оценивать фотопринты

Теперь, когда вы создали несколько фотографий изобразительного искусства, как вы узнаете, как вы их оцениваете? Один из способов — посмотреть, что продают ваши конкуренты и по какой цене.

Глядя на Etsy, вы можете увидеть работы многих фотографов, размер которых будет аналогичен размерам ваших собственных репродукций.

Это даст вам конкурентоспособную цену, но это может быть нереально. Другой способ — посмотреть, сколько времени вам потребовалось, чтобы сфотографировать это изображение.

Необходимо учитывать время планирования, поездки и редактирования. Вдобавок ко всему, время, затраченное на фотографирование изображения, даст вам число.

Решите, сколько вы хотите за час, и у вас будет цена.Прочтите нашу статью, чтобы получить более подробное представление о том, как оценивать свою работу.

15 простых маркетинговых идей для фотографии

В процессе продажи вашей художественной фотографии онлайн-маркетинг играет неотъемлемую часть.

Как люди узнают о вас и увидят вашу работу без какого-либо присутствия в Интернете?

Если у вас нет чего-либо в Интернете, например веб-сайта или торговой платформы, вас не существует.

Одна из самых важных вещей, которую следует учитывать, — продавать качество, а не количество.Сосредоточьте свое внимание на нескольких частях, а не на большом количестве.

Не продавайте себя слишком низко. Убедитесь, что вы регулярно повышаете цены.

15 лучших мест для продажи фотографий в Интернете

Заработок на фотографии позволяет нам заниматься своей страстью и превращать ее в карьеру.

Но каков самый простой способ заработать на фотографии? Ответ кроется в веб-сайтах стоковой фотографии и онлайн-платформах.

Снимать портреты людей или проводить свадьбы — это весело.Но если они вам не нравятся, вы можете зарабатывать деньги, продавая свои работы в Интернете.

Мы собрали 15 мест, которые мы можем вам порекомендовать.

Как начать фотографический бизнес

Когда дело доходит до фотографического бизнеса, нужно начинать с малого. Вам нужно составить полный бизнес-план, прежде чем отправиться в мир.

Выберите имя, которое идеально подходит для вашего бизнеса. Это может показаться трудным, но стоит потратить время и подумать.

У вас должен быть план для целевого рынка, финансов и базовой структуры вашего бизнеса. Также определите долгосрочное видение.

Ознакомьтесь с нашими советами, чтобы узнать, на что следует обратить внимание.

Заключение

Как видите, художественная фотография — это бесконечное творчество.

Речь идет о самовыражении с помощью изображений без необходимости подстраиваться под требования клиентов и сроки.

Хотя это означает большую свободу, вам все же нужно помнить о некоторых правилах и идеях.Вам нужно узнать, что такое изобразительная фотография.

Это путь к свободе, предел которой может быть ограничен только вашим воображением.

7 советов по художественной фотографии, которые помогут вам начать создавать уникальные работы

Искусство субъективно по своей природе. Его определение может варьироваться от человека к человеку. То, что для одного кажется искусством, для другого — мусор. После уличной фотографии самым спорным термином является изобразительная фотография.
В Интернете вы найдете множество споров по поводу его определения.Все это делает начало занятия художественной фотографией сложным, поэтому в этой статье вы узнаете все, что вам нужно, от советов, которым нужно следовать, до клише, которых следует избегать.

Что такое художественная фотография?

Самым важным аспектом художественной фотографии является видение фотографа. Это не о реальности или о том, что находится перед камерой. Все дело в сообщении или эмоциях, которые фотограф хочет вызвать, когда кто-то становится свидетелем этого изображения.
Художественная фотография временами может сильно отличаться от реальности. Но вы по-прежнему можете снимать реалистичные изображения в документальном стиле, делая художественную фотографию.
Давайте рассмотрим кучу советов и идей, которые вы можете использовать, чтобы начать заниматься художественной фотографией.

1. Создайте единое целое

Работа означает набор изображений, в некоторой степени связанных друг с другом. Это может быть один и тот же предмет или деятельность или даже стиль обработки.Иногда одного изображения недостаточно, чтобы передать реальные ощущения или видение фотографа.
Например, я создал небольшую часть работ под названием Bustle. Я собрал 15 своих изображений, на которых изображена повседневная жизнь людей, спешащих к месту назначения.
Некоторые изображения из этой коллекции выше. Обратите внимание на каждую картинку, как ноги людей находятся в движении. Это общая черта для всех изображений и один и тот же стиль обработки. И вот как они связаны.
Для получения приличного объема работы соберите как минимум 10-15 изображений, которые сильно связаны друг с другом каким-либо образом, что зритель может легко идентифицировать.

2. Следите за работами известных фотографов

Я знаю, что этот совет слишком очевиден. Я тоже сначала ненавидел это. Но это реальность, с которой нам всем приходится сталкиваться.
Художественная фотография — очень сложная ниша, и никакая книга, статья или семинар не научат вас лучше, чем изучение работ самих известных фотографов изобразительного искусства.
Возьмем, к примеру, Анни Лейбовиц, известного фотографа-портретиста. Она использует уникальный стиль освещения, смелые цвета и позы. Йозеф Судек и Филип-Лорка Дикорча — еще несколько фотографов, чьи работы вам стоит проверить.
Выберите одного понравившегося фотографа и изучите его работы. Проанализируйте, как их изображения связаны друг с другом. Посмотрите, что делает их особенными.

3. Не фотографируйте только в черно-белом режиме

Я знаю, что первое, что приходит на ум в художественной фотографии, — это черно-белое изображение.Я включил список клише, которые люди используют в художественной фотографии позже в этой статье, но, поскольку использование монохромного является худшим из всех, я подробно обсуждаю его здесь.
Большая часть профессиональной фотографии изобразительного искусства — это черно-белая фотография. Но это только потому, что Ч / Б снижает отвлекающие факторы и позволяет больше сосредоточиться на содержании фотографии.
Но вы все равно можете добиться того же с более чистыми и лаконичными композициями. Посмотрите эти два изображения из моего проекта Standing Tall.Оба эти изображения сняты в совершенно разных условиях, то есть одно в городе, а другое в сельской местности.
Из-за простых композиций цветные версии намного лучше и мощнее, чем черно-белые.
Главное — концепция. Преобразуйте свои изображения в монохромные только в том случае, если это действительно повышает ценность.

4. Сделайте заявление художника

Очень полезно написать заявление художника перед началом проекта. Это проясняет вам суть вашего проекта.Когда ваше утверждение будет готово, вам будет легко искать темы и свести к минимуму отвлекающие факторы на ваших изображениях.
Заявление художника не обязательно должно содержать технический жаргон или длинные абзацы. Делайте это коротко и мило.
Для начала напишите два или три предложения, дающих обзор вашего проекта. Затем объясните, как эти идеи представлены в вашей работе. Это оно.
Вот пример, который я использовал для моего вышеупомянутого проекта Bustle.
Рынки и автобусные остановки — это места, куда всегда спешат люди.Они мчатся к месту назначения. У них нет времени остановиться и подумать о том, что происходит вокруг них.
Я люблю захватывать людей, когда их охрана не работает. Моя работа состоит из фотографий, на которых мои объекты — это люди, спешащие к месту назначения. Все изображения здесь сняты в чисто откровенной форме.
Для галерей и других профессиональных пространств вам может потребоваться полный BIO художника или полное заявление художника, но это выходит за рамки данной статьи.

5. Используйте выдержку, чтобы изменить реальность

Поскольку фотография изобразительного искусства отражает видение художника, вы можете использовать различные методы, чтобы подчеркнуть свое послание. Это может быть особый тип техники постобработки, трюк с камерой или композиция.
На изображении выше я хотел подчеркнуть одинокую, но агрессивную природу океана. Короткая выдержка вроде 1/200 секунды может заморозить движение. Слишком медленно, и это может добавить спокойствия.
Я использовал 1/15 секунды, что добавляет примерно нужное количество движения.
Вы можете использовать эту технику для перемещения людей, автомобилей и т. Д., Чтобы изменить сцены и придать им определенное значение. Попробуйте показать то, что наши глаза не привыкли видеть в реальной жизни.

6. Используйте уникальные стили цветокоррекции и обработки

Черно-белое — это слишком часто. Все этим пользуются. Для фотографа изобразительного искусства очень важно иметь уникальный стиль обработки или цветовую градацию.Это помогает людям узнавать вашу работу.
Возьмите художника Винсента Ван Гога. У него очень самобытный стиль в своих картинах. Если вы его знаете, то наверняка узнаете его картины среди сотен других картин. В этом сила фирменного стиля.
Вы не можете создать объем работы только на основе стиля обработки, но наличие последовательного и уникального стиля поможет вашим изображениям стать более связными и связными.

7. Используйте одну тему для всего проекта

Вы можете использовать одну конкретную тему для всей вашей работы или мини-проекта, если хотите.Это хорошее начало для начинающего проекта по художественной фотографии.
Легко спланировать и выполнить. Результаты более стабильны. И вы изучите основы, сосредоточившись только на одном предмете.
Кристиан Рихтер — немецкий фотограф, снявший полную серию фотографий о заброшенных местах по всей Европе.
Я живу в стране Ближнего Востока, Омане, которая полна старой исламской архитектуры. Так что я сделал проект под названием Arches of Oman и сфотографировал арки в различных зданиях и мечетях.
Вы можете выбрать любое конкретное мероприятие, место или тему, чтобы начать свой первый проект.

Избегайте этих штампов в художественной фотографии

Я объяснил основные советы и рекомендации для начала работы в художественной фотографии. Но поскольку это очень субъективно, очень важно объяснять клише.
Я устал видеть расплывчатые и невежественные изображения, выставленные как фотографии изобразительного искусства. Итак, вот краткий список клише, которые вам нужно понять перед тем, как начать. И тогда вам следует избегать их.

1. Чрезвычайно расплывчатые изображения

Художественная фотография — это не загадка, которую нужно разгадывать. Если ваша концепция немного расплывчата, представьте полную работу, чтобы людям было легко ее понять.

2. Шумные и зернистые изображения

Иногда вы снимаете при очень слабом освещении, и это приводит к появлению шума. Это понятно.
Однако добавлять зернистость в пост просто для того, чтобы скрыть плохую экспозицию или чтобы все выглядело так, как будто она была снята на пленку, — это не нормально.

3.Крепкие виньетки

Виньетки помогают сосредоточить внимание зрителя на объекте. Мне лично нравится использовать их в изобразительном искусстве или в любой другой фотографии. Я использую это как стилистический выбор и настоятельно рекомендую вам попробовать.
Но не добавляйте сильную виньетку только для того, чтобы изображение выглядело так, как будто оно снято на пленку. Или попытаться скрыть плохую композицию.

Заключение

Фотография изобразительного искусства выходит за рамки того, что на самом деле находится перед камерой.Это очень личная интерпретация художником ситуации, которая может сильно отличаться от реальности.
Суть художественной фотографии — передать через фотографию определенное чувство или послание. Камера просто средняя.
Вы делаете все возможное, чтобы донести свое сообщение. Независимо от того, нужно ли вам использовать камеру или методы постобработки. Представление ваших изображений как сплоченной работы вместе с заявлением художника — это не только профессионально, но и более четко передает ваше сообщение.
Вам для этого нужна степень изящных искусств? На мой взгляд, нет. Полезно понять историю и то, как развивалась фотография изобразительного искусства. Но это не обязательно.
Самое главное — тренировать свое зрение и использовать воображение, чтобы выделять что-то уникальное из обычных ситуаций.

Полное руководство по созданию потрясающих фотографий изобразительного искусства

Вы хотите сделать потрясающие фотографии изобразительного искусства?

В этой статье раскройте секреты великолепных фотографий изобразительного искусства, чтобы вы могли делать потрясающие снимки, где бы вы ни находились!

Что такое художественная фотография?

Fine Art Photography — это фотография, в которой фотограф делится своим личным видением.

То есть: изобразительное искусство — это не представление того, что мы видим. Вместо этого он основан на выражении нашего творческого видения как фотографа.

Простой способ думать об этом?

Большинство фотографов делают снимки; фотохудожник делает фото.

В настоящее время фотография изобразительного искусства по-прежнему основывается на основных аспектах фотографии (таких как свет, цвет и композиция).

Но вы, как фотограф, должны добавить к фотографии свое художественное видение.

Имеет смысл?

Давайте поговорим о том, как можно делать невероятные фотографии изобразительного искусства, начнем с…

1. Планируйте свою изобразительную фотографию заранее для получения великолепных снимков

Если вы хотите делать невероятные фотографии изобразительного искусства…

… вам нужно начать с некоторого планирования.

Считайте готовый образ. Как ты хочешь, чтобы это выглядело?

Попробуйте вообразить это. Вы даже можете набросать черновую версию для справки.

Размышляя, ответьте на следующие вопросы:

Вы увлечены созданием изображения? Изображение изобразительного искусства — это личное.Это должно быть то, с чем вы связаны.

И о послании, которым вы хотите поделиться с наблюдателем через вашу работу. Как вы хотите, чтобы они чувствовали себя, когда смотрели на это? Как вы можете создать это чувство?

2. Найдите вдохновение в других формах искусства

Если вы изо всех сил пытаетесь придумать идеи для своей художественной фотографии, не волнуйтесь.

Потому что есть много способов вдохновиться.

Моя любимая?

Черпайте вдохновение в других видах искусства!

В частности, посмотрите на некоторых из ваших любимых художников, художников-зарисовщиков или даже скульпторов.Обратите внимание на то, что вам нравится в их работе.

А затем…

Включите его аспекты в свою работу!

Конечно, нельзя просто копировать их искусство. Но обратите внимание, как они воплощают в жизнь свое видение — как они выражают себя через свое искусство.

И попробуйте использовать их работы для руководства своей собственной художественной фотографией.

3. Тщательно подготовьтесь к фотосессии изобразительного искусства

Если у вас есть идея для художественной фотографии…

… пора его выполнять.

А расстрел? Это требует некоторой подготовки.

В зависимости от вашего конкретного видения вам, возможно, придется проделать много подготовительной работы — или совсем немного.

Но учтите, чего требует ваша фотосессия. Вам понадобится реквизит? Одежда? Визажисты? Фары?

Вы также должны учитывать оборудование и настройки, которые потребуются вашим фотографиям. Подумайте о лучшей диафрагме, лучшей скорости затвора и идеальных объективах. Таким образом, вы можете быть очень подготовлены, когда начнется съемка.

4. Обратите внимание на детали изображения

Одна из причин неудач изобразительного искусства?

Отсутствие внимания к деталям.

Даже самые маленькие предметы имеют значение. Морщинки на одежде, грязь на одеяле — все это может испортить снимок.

Итог?

Вы хотите, чтобы все аспекты вашей работы были гармоничными. Ничего не должно казаться неуместным.

Я всегда думаю о периоде моих образов. Современный ли он, действие которого происходит в определенный исторический период? Или это «вне времени»?

Важно решить это заранее.Таким образом, вы можете использовать реквизит и одежду, которые будут выглядеть правильно.

5. Найдите дешевый реквизит и костюмы для фотосессии

Потому что художественная фотография предполагает создание фотографии…

… в большинстве съемок изобразительного искусства используется реквизит.

Но не волнуйтесь — они не должны быть дорогими. Вместо того, чтобы ходить в магазин, подумайте, какие вещи можно использовать в доме или позаимствовать у друзей.

Будьте изобретательны! Используйте дешевую ткань и старую одежду. Для более роскошного ощущения покрасьте пластмассовые предметы.

Комиссионные, благотворительные, местные и интернет-магазины — отличные места, где можно недорого купить вещи.

Просто ищите полезный реквизит, куда бы вы ни пошли, и вы найдете то, что стоит использовать.

Я гарантирую это.

6. Тщательно выбирайте освещение для получения лучших изображений изобразительного искусства

Освещение — ключ к созданию потрясающих фотографий изобразительного искусства.

Итак, вы должны подумать о вариантах освещения.

Если вы собираетесь использовать естественный свет, то какое время дня будет лучшим для съемки? Вы хотите снимать рано утром, чтобы получить красивую золотую сцену? Или вы хотите снимать, используя резкий полуденный солнечный свет, для более драматичного и контрастного изображения?

Если вы используете вспышку…

Как вы настроите свет? Вы создадите эффектный боковой свет? Или вы будете освещать объект равномерно? Вам нужно проверить освещение или приехать к вам?

Вы должны задать себе все эти вопросы и многое другое.

Потому что освещение может создать или испортить фотографию изобразительного искусства!

Статья по теме: Полное руководство по съемке со вспышкой

7. Экспериментируйте с разными ракурсами для получения лучшей художественной фотографии

Съемка началась. Вы пытаетесь сделать фото, которое вы себе представляли.

Чем вы занимаетесь?

Вот что я предлагаю:

Даже если вы точно знаете, какое фото хотите сделать…

… попробуйте сделать множество разных снимков.

Как и при любой съемке, постарайтесь получить множество разных снимков.

Например, измените угол. Спускайтесь низко на землю — а затем поднимайтесь высоко.

И варьируйте фокусное расстояние и глубину резкости. Снимайте плотный снимок с большим количеством боке. Затем уменьшите масштаб, чтобы получить более широкое и экологичное фото.

Много фото не получится.

Но некоторые из них будут! А если вы проявите настойчивость и сделаете достаточно фотографий, вы сделаете именно тот снимок, который изначально задумывал!

8.Используйте постобработку, чтобы добавить завершающие штрихи на свою Fine Art Photo

Художественные фотографии не требуют обработки.

Но немного поработать с редактированием?

Это может иметь большое значение.

Начните с обдумывания предмета фотографии. Это выделяется? Это понятно и очевидно?

Лучшие фотографии, как правило, имеют четкий предмет, который легко определить.

Если объект не выделяется, вы можете использовать кисти, чтобы осветлить объект и затемнить фон.

Вы также должны спросить себя:

Соответствуют ли цвета объекту и видению? Можете ли вы манипулировать ими, чтобы сделать их еще более связными?

Наконец, подумайте, есть ли у вашего изображения ощущение глубины и текстуры. Как вы могли бы добавить к этому?

9. Создайте единое целое из произведений изобразительного искусства

Вот факт:

Успешные фотографы и другие художники часто обладают особенным чутьем в своей работе.

Посмотрите на двух великих фотографов изобразительного искусства: Брук Шейден и Кирсти Митчелл.

У них обоих очень сильные стили — стили, которые пронизывают всю их работу.

Анализировать наш собственный стиль фотографии может быть непросто. Если вы испытываете трудности, я предлагаю вам спросить кого-нибудь из ваших близких, что отличает вашу работу от других.

А потом…

… положитесь на это. Постарайтесь подчеркнуть эту уникальность в будущих фотосессиях.

Кроме того, знание того, что отличает вашу работу от других, может быть полезно для развития видения новой работы.

И это сохранит целостность вашего портфолио!

. Теперь, когда вы усвоили эти советы по созданию потрясающих фотографий, вы лучший фотограф.

Гарантированно.

Но дело в том, что путешествие на этом не заканчивается. Есть еще несколько советов, приемов и секретов — все они помогут вам делать великолепные фотографии.

И если вы хотите узнать все эти секреты, я рекомендую вам подписаться на информационный бюллетень PhotoBlog. Мы отправляем нашим подписчикам всевозможные полезные материалы, в том числе советы, рекомендации и секреты, прямо от экспертов. Все для того, чтобы помочь вам делать фотографии мирового класса.

Я уже упоминал, что все это совершенно БЕСПЛАТНО?

(О, и мы пришлем вам памятку о естественном освещении, которая поможет вам использовать свет способами, о которых вы никогда не задумывались.)

Итак, чтобы начать делать потрясающие фотографии, введите свой адрес электронной почты:

Скачать БЕСПЛАТНУЮ шпаргалку по освещению фотографии

Подпишитесь и получите бесплатно загружаемую шпаргалку по освещению фотографии

Спасибо за подписку.

Что-то пошло не так.

принципов высокого уровня для обработки изобразительного искусства | BWVISION

НЕСКОЛЬКО ПОЯСНИТЕЛЬНЫХ ЗАМЕЧАНИЙ

Прежде, чем мы применим эти принципы к изображению, нам необходимо принять к сведению несколько основных концепций создания изображений и добавить некоторые пояснения к упомянутым принципам.

Определение фигуры и основания

Возможно, самый высокий уровень анализа изображения — это разбить изображение на 2 простых элемента: фигуру и фон.Этот принцип очень хорошо описал автор Марк Гетляйн в своей книге «Жизнь с искусством». Это сводится к определению того, что является вашим самым важным объектом, фигурой, и вашим вспомогательным фоном — землей. Землей может быть что угодно, не относящееся к вашей фигуре. Передний план может быть землей, а также небо или любой другой фон. Если вы хотите узнать больше, я тоже написал об этом в этом посте.

Изоляция фигуры и эффектное рисование глаз

Так что же делать после того, как вы определились со своей фигурой и ростом? Чтобы привлечь внимание, фигура и область земли, которая близко пересекается с фигурой, должны иметь самый высокий контраст, самый яркий свет и больше всего деталей.В идеале все остальное должно быть менее контрастным и более темным, чтобы привлекать внимание. В идеале, что не означает, всегда. Если вы понимаете эту концепцию, вы можете поиграть с «напряжением» в других частях изображения и нарушить это правило. Или, возможно, на вашем изображении более одной фигуры. Давайте остановимся на простейшем варианте — всего 1 фигура и фон.

Вы обнаружите, что даже если вы точно знаете свою фигуру и фигуру и имели это в виду, когда делал снимок в поле, количество и распределение контраста, светов и теней не такие, какими они должны быть. эффективный.В этом случае это нужно будет исправить на этапе пост-обработки. И чтобы сделать это эффективно и с максимальным контролем, вам нужно будет изолировать фигуру от земли. И здесь на помощь приходит маскировка. По крайней мере, вам нужно иметь жесткую маску от фигуры и от земли. Эти две маски называются критическими масками. Отсюда можно получить внутренние маски, которые особенно необходимы, когда у вас есть геометрические или искусственные объекты. И они почти всегда представляют собой жесткую маску, поскольку они должны изолировать фигуру от земли, а не мягкую маску или маску яркости.Маски яркости изолируют свет, а не фигуру, если распределение интенсивности света не совпадает в точности с фигурой и фоном, что обычно не так.

Маскирование и, часто полностью игнорируемое, Хороший анализ масок — это отдельный набор навыков Photoshop и полевых работ, который, если все сделано правильно, требует большего, чем просто изучение техники или трюков Photoshop. Я объяснил все о маскировке и правильных методах, анализе и рабочем процессе в моем 5-часовом видео о расширенном маскировании, и он слишком подробный, чтобы здесь рассказывать.Я также написал сообщение в блоге под названием Photoshop Masks and Selections Guide, которое вы можете использовать в качестве отправной точки.

ПРИМЕНЕНИЕ ПРИНЦИПОВ ВЫСОКОГО УРОВНЯ К ИЗОБРАЖЕНИЯМ

Теперь мы описали и объяснили высокоуровневые принципы, как мы можем применить это на практике при постобработке, независимо от того, какую технику обработки или программное обеспечение мы используем? Для этого я создал последовательность шагов, представленную ниже.

Обратите внимание, что все шаги после шага 2 сгруппированы в шаги «Рисунок» и «Земля», и я сначала начинаю с «Основания», но это только личные предпочтения.Если вы предпочитаете начать с рисунка, вам следует. Также обратите внимание, что шаги с 3 по 10 можно повторять сколько угодно раз. В моем личном рабочем процессе есть особое место для шага 10, так как это шаг, который я бы часто вставлял после каждого шага после шага 2.

ПРАКТИЧЕСКАЯ ПОСЛЕДОВАТЕЛЬНОСТЬ ШАГОВ — РУКОВОДСТВО

1. Определите число (а) и массу (а) . См. Мой пост о том, как это сделать.
2. Изолировать фигуру от земли путем создания критических масок (жестких масок) .Вы можете пропустить этот шаг, но тогда у вас будет меньше контроля над контрастом, интенсивностью света и восприятием глубины как на фигуре, так и на фоне. Обработка становится более сложной и менее точной. При этом фигуру можно разбить на отдельные плоскости с производными масками. Особенно геометрические объекты, в которых отдельные плоскости ограничены краями, всегда нуждаются в отдельно созданных масках.
3. Более низкая контрастность земли. Затем затемните, если ваша Земля должна быть более темной и сдержанной, или светлее, если она должна быть более светлой и высокой.Но сначала необходимо понизить контраст, прежде чем затемнять или осветлить, иначе вы получите более высокий контраст на земле, независимо от того, светлее она или затемнена. Это шаг, о котором многие забывают.
4. Затемнить или осветлить землю — см. Шаг 3.
5. Более низкий контраст на рисунке выборочно . Тот же принцип, что и при уменьшении контраста в Ground. Идея состоит в том, что, сначала уменьшив контраст, легче увидеть, что должно быть светлее / темнее / менее или более контрастным.Также будет легче контролировать тональность и контрасты.
6. Затемнение или светлее Рисунок в зависимости от того, как должен падать свет. По сути то же, что и в шаге 3 для Земли, но теперь более избирательно
7. Увеличить контраст внутри и вокруг фигуры
8. Возвращайте детали на рисунке выборочно — часто с использованием жестких масок с пересекающимися масками яркости в изолированных областях.
9. Верните некоторые детали на Земле выборочно и более тонко, чем детали на Рисунке.
   Обработка в стиле файн арт: Обработка фотографий в стиле Fine Art