Энди Уорхол. Последнее десятилетие | Журнал «ТРЕТЬЯКОВСКАЯ ГАЛЕРЕЯ»
Энн Манникс
Рубрика:
МЕЖДУНАРОДНАЯ ПАНОРАМА
Номер журнала:
#4 2010 (29)
Художественный музей Уолтерса в Балтиморе представляет первую в США музейную экспозицию поздних работ культового американского художника Энди Уорхола (1928–1987). Балтимор – конечная остановка в национальном туре этого нашумевшего проекта 2010 года, участниками которого стали Художественный музей Милуоки, Музей современного искусства в Форт Уорт и Бруклинский музей в Нью-Йорке.
Выставка в Балтиморе открылась 17 октября 2010 и продлится до 9 января 2011 года. В ее состав вошло более 50 работ, отражающих решительный возврат поп-арт художника к живописи и возрождение в нем экспериментаторского духа в последние 10 лет жизни. В этот период, находясь на пике своей популярности, он создавал картины в гораздо большем количестве и более крупных масштабов, чем в любой другой момент своей сорокалетней карьеры.
В числе центральных экспонатов показа – серия психологических автопортретов Уорхола в его знаменитом лохматом седом парике, три варианта «Тайной вечери», а также работы, созданные им совместно с более молодыми художниками. Некоторые из поздних произведений, хранящихся ныне в национальных и международных государственных и частных собраниях, а также в уникальной по полноте коллекции, принадлежащей Художественному музею в Балтиморе, никогда не выставлялись при жизни автора.
Абстракции
В 1965 году, будучи в зените славы, Уорхол объявил, что уходит из живописи, чтобы заняться кино. Спустя примерно 10 лет он вновь резко сменил направление и опять с энтузиазмом принялся за картины. Абстрактные работы, которые Уорхол создал в поздний период своей карьеры, представляют собой радикальный отказ от имиджа культовой персоны поп-арта, чье творчество до той поры неизменно ассоциировалось с изображениями узнаваемых товаров и знаменитых людей.
Для создания серии «Окисление» (1978) Уорхол, его помощники и гости студии мочились на холсты, заранее покрытые металлизированными красками, чтобы произошла химическая реакция, вызывающая изменение цвета. Получившиеся в результате образы, которые в зависимости от прочтения можно истолковать и как вульгарные, и как прекрасные, свойственны той двусмысленности, которую культивировал Уорхол. Работая над серией «Тени» (1978-1979), он наносил изображения на фоновый слой краски методом шелкографии. Существуют различные версии происхождения этих изображений: это могли быть тени от находившихся в студии Уорхола предметов или, например, от частей человеческого тела. Сам художник уклончиво именовал свои работы «диско-декором» — аллюзия к музыкальному сопровождению церемонии открытия первой выставки «Теней» в Нью-Йорке. Уорхол так оценивал ее роль: «Это шоу будет таким же, как и все остальные. Рецензии будут плохими — рецензии обо мне всегда плохие. Но о вечеринке отзывы будут превосходными».
Вдохновленный новыми экспериментами в области абстракций, Уорхол создает серию «Роршах» (1984). Он пишет на половине большого холста, а затем складывает его пополам и таким образом при помощи наипростейшей из печатных техник получает двойное изображение. Эти образы напоминают настоящие психологические тесты Германа Роршаха, в которых мысли тестируемых выявляют путем ассоциаций, возникающих у них при виде неопределенных симметричных форм.
Пряжа и камуфляж
Заказ итальянского производителя пряжи в 1983 году натолкнул Уорхола на идею создания серии абстракций путем шелкографирования радужно-разноцветной пряжи по всей поверхности картин. Эти чисто механические банальные переплетения линий вызывают в памяти картины знаменитого абстрактного экспрессиониста Джексона Поллока, работавшего в технике «дриппинг» (dripping). Вместе с тем они отличаются от полло-ковской неистово экспрессивной техники нанесения краски вручную.
В картинах серии «Камуфляж» (1986) Уорхол использовал готовый шаблон, а формально-декоративные свойства подчеркивал за счет избыточно ярких комбинаций и повторений отдельных элементов, характерных для функционального милитаристского дизайна.
Хотя в этой серии имеются типичные для абстрактной живописи середины XX века оконтуренные пространства, заполненные цветом, в ней также проявляются палитра и смелые образы Анри Матисса, которого Уорхол считал образцом для подражания и чьи работы также можно увидеть в Художественном музее Уолтерса в Балтиморе (коллекция сестер Кон). Если принять во внимание заложенные здесь скрытые образы, такой «камуфляж» представляется достаточно провокационным для художника, утверждавшего, что все в его творчестве и в нем самом лежит на поверхности.
Процесс фотошелкографии
На протяжении большей части своей карьеры Энди Уорхол использовал фотошелкографию для создания ярких, четких, отчетливо очерченных изображений. Возможности технологий массового производства приводили его в восторг, и многие из картин, представленных на выставке в Балтиморе, он создал в сотрудничестве с коммерческими фотостудиями и типографиями. Уорхол начинал работу над картиной с фотографии, сделанной им самим или найденной в каком-нибудь журнале, рекламном объявлении, газете или в коллекции раскадровок фильмов.
Он посылал фотографию в фотостудию, где ее превращали в контрастное черно-белое изображение на прозрачной пленке. Коммерческая мастерская шелкографии использовала эту прозрачную пленку для нанесения изображения на ткань, натянутую на раму.
Шелк обрабатывался так, чтобы типографская краска проникала только сквозь определенные участки ткани, а остальная поверхность оставалась «заблокированной».
Получив фотоформу из мастерской, Уорхол и его ассистенты могли отпечатать изображение на любом количестве полотен. На полотно предварительно уже была нанесена сплошная заливка одного или более цветов. Для воспроизведения рисунка на покрытом краской холсте на всю поверхность фотоформы наносили типографскую краску и прикатывали ее резиновым валиком. Валик продавливал типографскую краску сквозь фотоформу ровным слоем мелких точек, но только на незаблокиро-ванных участках. Используя этот многоэтапный процесс, Уорхол разработал новую технологию современной живописи, впоследствии ставшую его повсеместно узнаваемым авторским стилем.
Совместные произведения («Коллаборации»)
Пока Уорхол разрабатывал свое направление в абстрактной живописи, на нью-йоркскую художественную сцену ворвались неоэкспрессионисты с их драматичными и эмоционально насыщенными метафорическими сюжетами. В октябре 1982 года владелец художественной галереи в Швейцарии Бруно Бишофбергер познакомил Уорхола с Жан-Мишелем Баския. Тот получил признание как художник, выплеснувший на холст эмоции и страсти улиц и соединивший высокое искусство с повседневностью, что оказалось удивительно созвучно творчеству Уорхола. Его поразила легкость, с которой творил этот молодой человек (Баския был младше Уорхола на 30 лет).
Между ними установились близкие отношения, продолжавшиеся около трех лет. Дни проходили в совместной работе над картинами в студии и заканчивались развлечениями в ночных клубах.
Оценив незаурядный потенциал этого партнерства, Бишофбергер заказал серию совместных работ Уорхола, Баскии и итальянского художника Франческо Клементе, в результате чего родились такие произведения, как «Происхождение хлопка» (1984). Уорхол и Баския продолжили работать вместе, создав еще более сотни общих картин. В начале их сотрудничества Уорхол шелкографировал свои логотипы для создания фона, на котором его товарищ рисовал скалящиеся физиономии и примитивное граффити.
Со временем Баския начал добавлять в картины шелкогра-фированные изображения, а Уорхол после долгих лет использования фотографий, шелкографии и валиков заново открыл для себя живопись. По сути, «Коллаборации» ознаменовали собой не только возврат Уорхола к традиционной для живописи технике, но и его возвращение к фигуративу.
Подобно работам Уорхола 1960-х и 1970-х годов, «Коллаборации» представляют собой отражение того времени, когда они создавались. Примером этому может служить и работа «Без названия (Инфаркт)», в которую художник включил заголовок «Джесси [будет] с Фрицем, а я сам по себе» — аллюзия к Джесси Джексону и Уолтеру (Фрицу) Мондейлу, кандидатам на пост президента США от Демократической партии в 1984 году.
Черно-белая реклама и физиологические диаграммы
В 1950-е годы молодой Уорхол был преуспевающим графическим дизайнером коммерческих проектов в области индустрии моды. В 1985 году он вновь обратился к рекламным образам, но теперь прообразами для его работ стали черно-белые рисунки и текст дешевой рекламы в газетах, в объявлениях на последних страницах журналов по бодибилдингу и в евангелистских религиозных брошюрах. Подобные незамысловатые ностальгические образы ранее уже появлялись в тех картинах переходного — между рекламой и живописью — периода, которые Уорхол создавал в поисках своего собственного поп-арт стиля в начале 1960-х.
Интерпретация изображений бодибилдеров в «Черно-белой рекламе» Уорхола связана с другой серией, включающей «Физиологическую диаграмму» (около 1984-1985). Создание этих изображений человеческого тела совпало с началом кризиса в сфере здравоохранения, связанного с распространением ВИЧ, а также со все более очевидным для Уорхола старением собственного тела. Демонстрировавший неизменное поклонение физической красоте объектов своего творчества, в том числе людей, которые посещали его студию «Фабрика», сам художник был весьма ослаблен увечьями, полученными во время покушения на него в 1968 году.
К 1980 Уорхол стал регулярно выполнять физические упражнения, заинтересовался альтернативными лечебными практиками Нью-Эйдж и связанными с этим графическими символами (такими, например, как схема на картине «Физиологическая диаграмма»).
Черно-белые рекламные объявления
Уорхол создал серию «Черно-белые рекламные объявления», используя свою «патентованную» технику поп-арта: он вырезал рекламные объявления, создавал их проекции, переводил проекции на бумагу и заказывал ацетатные фоторамы для последующей шелкографии.
Однако в некоторых случаях, вдохновленный «Коллабора-циями», созданными совместно с Баския, Уорхол писал рекламные объявления на бумаге, а затем заказывал фоторамы на основе этих изображений, сохраняя следы от щетины, мазков и капель краски на окончательном отпечатке. Рисунки Уорхола от руки и текучая живописная фактура оживляют поверхность этих работ, которые в основном представляют собой шелкографи-рованные репродукции его оригинальных рисунков кистью.
Более крупные картины серии «Черно-белые рекламные объявления» он писал непосредственно на холсте, следуя проекции рекламного объявления, как, например, в картине «Две пятидолларовые купюры. Тяжелоатлет» (1985-1986). В этих работах видна текучая живописная фактура и мягкая линия. Во всех «Черно-белых рекламных объявлениях» Уорхол намеренно соединяет ручные и механические процессы, в полной мере используя возможности создания зрительных иллюзий.
Автопортреты
Подобно Рембрандту или Пикассо, Уорхол был весьма плодовит по части автопортретов.
Наиболее известна выполненная в 1986 году серия изображений на фоне пустоты, в хаотично растрепанном парике наподобие узнаваемой шевелюры друга Уорхола Баскии (чью прическу создал известный стилист Раст). В отличие от картины «Автопортрет. Обои» (1978), портреты в парике представляют собой безжалостные изображения постаревшего художника, вызывающие тревожные чувства.
В то же время и контур фигуры на раннем автопортрете на обоях, и встречающаяся в более поздних картинах словно отделенная от тела голова создают призрачный образ человека, который однажды заметил: «Я уверен, что если посмотрюсь в зеркало, то не увижу ничего. Люди часто называют меня зеркалом, а если зеркало смотрит в зеркало, что можно там увидеть?»
Тайная вечеря
Написанная по заказу греческого артдилера Александра Иоласа, устроившего первую персональную выставку Уорхола в 1952 году, серия «Тайная вечеря» стала главным экспонатом на церемонии открытия новой галереи Иоласа в Милане. Она расположилась напротив монастыря Санта-Мария-делле-Грацие, в трапезной которого находится знаменитая фреска «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи.
Для этой выставки Уорхол сделал серию шелкографий, крепившихся непосредственно к стене и как бы имитировавших фрески Леонардо. Уорхол изготовил дополнительные версии, проецируя исходное изображение на полотно и очерчивая фигуры от руки. Над одной из своих выдающихся поздних серий Уорхол работал больше года. В общей сложности было сделано более сотни вариантов «Тайной вечери», включая самые масштабные картины из созданных художником за всю его карьеру.
Когда Уорхола спрашивали, имеет ли изображение «Тайной вечери» какое-либо особое значение для него самого, он уклончиво отвечал: «Нет. Это хорошая картина». Только из надгробной речи на похоронах художника большинство людей узнало о том, что он был верующим католиком. Эти картины могут воплощать как личные религиозные верования, так и непочтительное отношение к сюжету, выразившееся в ироничных вставках коммерческих логотипов и потенциально греховном повторении образа Иисуса Христа.
При ретроспективном взгляде особую остроту приобретает создание интерпретаций последней трапезы Христа и апостолов незадолго до смерти Уорхола, наступившей 22 февраля 1987 года вследствие неожиданных осложнений после операции.
Вернуться назад
Теги:
Энди Уорхолу — 90! Как работы художника повлияли на моду?
Идеологу поп-арта Энди Уорхолу сегодня бы исполнилось 90 лет. Рассказываем, как его картины перебрались на одежду, и почему на нем помешаны крупнейшие дома мод — от Versace до Calvin Klein.
Про связь Уорхола и моды говорят редко, хотя массовый «арт+фэшн» начался именно с него. Еще до того, как стать самым обсуждаемым художником мира, Энди оформлял витрины универмага Джозефа Хорна и делал иллюстрации к журналам Vogue, Glamour и Harper’s Bazaar. Его эскизы туфель задавали тренды на целый сезон, а коллажи с бьюти-продуктами рекламировали главные косметические релизы. Через пару лет искусство Уорхола будут использовать не настолько прямолинейно: «Херувим на лошади», «Банан», «Диптих Мэрилин» и другие масштабные поп-арт работы перекочуют с авторских холстов на дизайнерские костюмы.
Рекламная кампания Mars of Asheville с бумажными платьями с уорхоловскими «Банками супа»
Уорхоловскую иронию над «обществом потребления», где люди скупают все — от Кока-колы и хот-догов до автографов Мэрилин Монро и Элвиса Пресли, подхватила компания Mars of Asheville.
Показав бумажное платье с репродукциями картины «Банка с супом Кэмпбелл», она запустила масштабную рекламную акцию: продавала «чистые» наряды с комплектами акварельных красок, чтобы каждый клиент смог придумать одежде свои принты.
Инес де ля Фрессанж на показе коллекции Jean-Charles de Castelbajac, весна-лето 1984 года
Коллекция Jean-Charles de Castelbajac
В 1983-м бумажные платья с «супом» стали делать из ткани: дизайнер Жан-Шарль де Кастельбажак посвятил весенне-летнюю коллекцию Энди Уорхолу, а представляла ее муза Карла Лагерфельда (и дизайнер капсульных коллекций для UNIQLO!) Инес де ля Фрессанж. После нарядов с картинами художника Жан-Шарль выпустил платье с его портретом и даже прической — оно до сих пор считается лучшим фэшн-оммажем легенде поп-арта.
Линда Евангелиста в платье Versace в 90-е годы
Грейс Хартцель в переизданном платье Versace на весенне-летнем показе в сентябре 2017-го
В 1991-м, уже после смерти Уорхола, за де Кастельбажаком подтянулся Джанни Версаче.
Он нарядил Линду Евангелисту в платье с изображением Мэрилин Монро — точь-в-точь как на шелкографическом полотне американского художника. В руках модели была сумка с тем же принтом и с кутюрной цепочкой из бисера — в сентябре прошлого года Versace повторил тотал-лук для коллекции по архивам основателя бренда.
Коллекция с оммажем Энди Уорхолу от его подруги Дианы фон Фюрстенберг
Коллекция с оммажем Энди Уорхолу от его подруги Дианы фон Фюрстенберг
Коллекция с оммажем Энди Уорхолу от его подруги Дианы фон Фюрстенберг
Очки Retrosuperfuture по уорхоловским эскизам
Очки Retrosuperfuture по уорхоловским эскизам
Очки Retrosuperfuture по уорхоловским эскизам
С того времени одежда с отсылками к Уорхолу стала сродни мейнстриму. Ее делали все: от подруги художника Дианы фон Фюнстерберг, поместившей на платья свои же портреты, до Retrosuperfuture, выпустившего очки по эскизам основателя «Фабрики». Кстати, платья, которые на вечеринку в студии Энди надевали его знакомые (в том числе муза и it-girl Эди Седжвик), глянец нулевых так и прозвал — «Factoristas».
Peter Jensen Resort, 2014 год
Коллекция Coverse с уорхоловскими картинами
Tom Ford, весна-лето 2016
Скейтборды от МоМА
Peter Jensen Resort, 2014 год
Коллекция Coverse с уорхоловскими картинами
Tom Ford, весна-лето 2016
Среди коллекций, переосмысливших наследие Уорхола — Tom Ford, Peter Jensen, Converse и Jeremy Scott, — лишь малая часть сделана с согласия его фонда. Чтобы использовать работы художника официально (и постоянно), Calvin Klein под руководством Рафа Симонса заключил соглашение с Andy Warhol Foundation до 2020 года. С тех пор бренд выпустил капсульные и две сезонные коллекции с картинами, фотографиями и скриншотами из документалок Энди. Его «Ножи», «Поцелуй», «Электрический стул» и портрет редактора Vanity Fair Сандры Брант теперь украшают футболки, сумки-ковши, нижнее белье и даже посуду.
Calvin Klein, весна-лето 2018
Рюкзак Calvin Klein с автопортретом Уорхола
Calvin Klein, весна-лето 2018
Посуда Calvin Klein с портретом Сандры Брант
Calvin Klein, весна-лето 2018
Сумка Calvin Klein с работой Энди Уорхола
Футболка Calvin Klein со скриншотами из экспериментального фильма Энди Уорхола «Поцелуй» 1963 года выпуска
Интересно, что почти все «уорхоловские» вещи больше напоминают мерч, а не сложноскроенный high fashion.
Это платья-футляры, однотонные кроссовки, текстильные рюкзаки и минималистичные шопперы — чистые холсты, которые получают рисунки и хорошо продаются. Таким образом, дизайнеры продолжают политику Уорхола, ориентированную на «коммерциализацию» искусства: драматичные вещи в духе Александра Маккуина купят немногие, а портреты знаменитостей или разрисованную банку — практически каждый. Уорхол умел продать даже собственную историю с покушением и последующие шрамы, сфотографированные Ричардом Аведоном и ставшие предметом поклонения фанатов. Прецедент, имевший «обратный эффект»: Энди сам превратился в поп-персонажа, в честь которых делал картины.
Фото: Shutterstock, архивы пресс-служб
Следите за нашими новостями в Telegram
Автор:
Алина Малютина,
Энди Уорхол | Биография, поп-арт, суп Кэмпбелл, произведения искусства и факты
Энди Уорхол
Смотреть все медиа
- Дата рождения:
- 6 августа 1928 г.
Питтсбург
Пенсильвания
Питтсбург
Пенсильвания- Умер:
- 22 февраля 1987 г. (58 лет) Нью-Йорк Нью-Йорк
- Известные работы:
- «Голубой фильм» «Девочки из Челси» «Лупе» «Мой хастлер» «Бедная маленькая богатая девочка»
- Механизм/стиль:
- Поп-арт готовый
Посмотреть весь связанный контент →
Энди Уорхол , настоящее имя Эндрю Уорхола , (родился 6 августа 1928, Питтсбург, Пенсильвания, США — умер 22 февраля 1987, Нью-Йорк, Нью-Йорк), американский художник и кинорежиссер. инициатор и ведущий представитель движения поп-арт 1960-х годов, чье массовое искусство олицетворяло предполагаемую банальность коммерческой культуры Соединенных Штатов. Умелый публицист, он создал представление о художнике как о безличной, даже бессодержательной фигуре, которая, тем не менее, является успешной знаменитостью, бизнесменом и карьеристом.
Сын русинов (русинов) иммигрантов из современной восточной Словакии, Уорхол в 1949 году окончил Технологический институт Карнеги (ныне Университет Карнеги-Меллона) в Питтсбурге по специальности живописный дизайн.
Затем он отправился в Нью-Йорк, где около десяти лет работал коммерческим иллюстратором.
Уорхол начал рисовать в конце 1950-х годов и получил внезапную известность в 1962 году, когда выставил картины с изображением банок супа Кэмпбелл, бутылок кока-колы и деревянных копий коробок для мыла Brillo. К 1963 он массово производил эти преднамеренно банальные изображения потребительских товаров с помощью фотографической шелкографии, а затем начал печатать бесконечные вариации портретов знаменитостей в ярких цветах. Техника шелкографии идеально подошла Уорхолу, поскольку повторяющееся изображение сводилось к безвкусной и бесчеловечной культурной иконе, отражавшей как предполагаемую пустоту американской материальной культуры, так и эмоциональную невовлеченность художника в практику своего искусства. Работы Уорхола поставили его в авангарде зарождающегося движения поп-арта в Америке.
По мере развития 1960-х Уорхол все больше сил посвящал кинопроизводству. Такие его фильмы, как Chelsea Girls (1966), Eat (1963), My Hustler (1965) и Blue Movie (1969), обычно классифицируются как андеграундные фильмы, известны своим изобретательным эротизмом.
бессюжетная скука и непомерная продолжительность (до 25 часов). Другие фильмы включают Бедная маленькая богатая девочка (1965) и Лупе (1966), в обоих из которых снялась Эди Седжвик.
В 1968 году Уорхол был застрелен и чуть не убит Валери Соланас, одной из множества звезд андеграундного кино и рок-музыки, различных прихлебателей и светских диковин, которые часто посещали его студию, известную как Фабрика. (Этот инцидент описан в фильме 1996 года «Я застрелил Энди Уорхола ».) К этому времени Уорхол стал известным участником модной и авангардной арт-сцены и сам по себе был влиятельной знаменитостью. На протяжении 1970-х годов и до самой смерти он продолжал выпускать репродукции с изображением политических и голливудских знаменитостей, в частности Мэрилин Монро. Он также участвовал в широком спектре рекламных иллюстраций и других коммерческих арт-проектов. Его 9За 0043 «Философия Энди Уорхола» (1975) последовали «Портреты семидесятых» и «Экспозиция Энди Уорхола» (оба 1979).
Работа Уорхола представлена в Музее Энди Уорхола в Питтсбурге. В своем завещании художник указал, что все его имущество должно быть использовано для создания фонда «развития изобразительного искусства». Фонд визуальных искусств Энди Уорхола был основан в 1987 году.
Оформите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас
Редакторы Британской энциклопедии Эта статья была недавно отредактирована и обновлена Эми Тикканен.
5 самых известных произведений Энди Уорхола | Путеводитель
Тони Клейтон, специалист по американской поп-музыке
Заинтересованы в покупке или продаже
Энди Уорхола?
Просмотрите произведения искусства
Когда дело доходит до выбора самых известных произведений Энди Уорхола, выбрать всего 5 — непростая задача.
За свою долгую карьеру, охватившую 50-е, 60-е, 70-е и 80-е годы, король поп-арта создал бесчисленное количество произведений искусства, которые навсегда изменили ход истории искусства.
От его культовой банки с супом до определяющего эпоху автопортрета, сделанного за год до его смерти, в этой статье мы подробно рассмотрим 5 самых известных произведений Энди Уорхола.
1
.
Банки с супом Кэмпбелл (1961-2)
Одно из первых произведений искусства Энди Уорхола, получившее международное признание. Тема здесь проста: скромная банка супа Кэмпбелл .
Серия «Суп Кэмпбелла», состоящая из 32 отдельных полотен, каждое из которых посвящено разным вкусам, предлагаемым компанией, по сути ответственна за катапультирование Уорхола и движения поп-арт, которое он основал, к славе. Изображенные вкусы супа включали помидоры, сыр чеддер, говядину, похлебку из моллюсков, перечный горшок и тушеное мясо устриц.
Почему консервная банка? Как гласит история, Уорхол решил создать серию работ вокруг скромной банки супа Кэмпбелла из-за ее силы как всеамериканского «бренда», а брендинг является важным компонентом творчества Уорхола .
Художник исследовал брендинг во многих других работах, а именно в своих зеленых бутылках Coca-Cola (1962) и коробках Brillo (1964), , а также в более позднем сотрудничестве с Жаном-Мишелем Баския. В этих работах Уорхол повторно использовал логотипы американских корпораций 9.0043 Рукоятка и молоток и General Electric .
Являясь символом капитализма, потребительства и американского рабочего класса, банка супа также является данью скромному воспитанию Уорхола в Питтсбурге, который когда-то был центром сталелитейной промышленности США.
Суп Кэмпбелл 1, Куриная лапша (F & S 11.45) © Энди Уорхол 1971
‘Мои первые эксперименты с экранами были головы Троя Донахью и Уоррена Битти, а затем, когда в том же месяце умерла Мэрилин Монро, мне пришла в голову идея сделать экраны ее прекрасного лица — первых Мэрилин».0003
2
.
Мэрилин Монро (1964)
Работы Уорхола Мэрилин Монро Вдохновленные произведения впервые появились сразу после трагической смерти актрисы в августе 1962 года. карьера — эти первые изображения являются одними из самых узнаваемых в мире.
Подобно другим образцам работ Уорхола, таким как его серия «Реклама» 1985 года, эти гравюры отсылают к давней одержимости художника иконографией западного потребительства.
Эти яркие искрометные принты, основанные на культовом лице Монро — она была одной из самых известных актрис в мире в то время — являются гимном славе и богатству, а также юношеской энергии актрисы, трагически погибшей в молодости. Исходным изображением для сериала является рекламная фотография, сделанная для рекламы фильма Монро 1953 года « Ниагара ».
Описанный как визуальное воплощение «американской мечты», изображение Мэрилин позже было включено в одну полноразмерную работу под названием Диптих Мэрилин (1962). Это очень напоминает картины Элвиса Уорхола, созданные в следующем году.
К 1964 году Уорхол вернулся к мотиву Мэрилин Монро для серии Shot Marilyns. Он состоит из четырех полотен, на каждом из которых изображена звезда экрана в исполнении Уорхола.
Однако Shot Marilyns были немного другими: каждое полотно было снято одной пулей художником-перформансистом Дороти Подбер.
В мае 2022 года один из Shot Marilyn работы, Shot Sage Blue Marilyn были проданы за 195 миллионов долларов США (158 миллионов фунтов стерлингов) на Christie’s в Нью-Йорке, что сделало его самым дорогим произведением искусства 20-го века, когда-либо проданным, и рекордной ценой для художника.
Мэрилин Монро (F & S 11.28) © Andy Warhol 1967
3
.
Banana (1966)
Еще одна мгновенно узнаваемая работа Уорхола œuvre , Banana (1966) стала всемирно известной как обложка оригинального экспериментального рок-альбома The Velvet Underground, The Velvet Underground и Нико (1967).
Ранние релизы альбома содержали версию банана с кожурой и палочкой, которая при удалении открывала под собой ярко-розовый неочищенный банан.
Уорхол, в то время владелец и творческий гений манхэттенской арт-студии-ночного клуба The Factory, сыграл важную роль в маркетинге The Velvet Underground, в которую входили певцы Лу Рид и Нико, валлийский музыкант Джон Кейл, гитарист Стерлинг Моррисон и барабанщик Мо. Такер.
Они выступили на Exploding Plastic Inevitable (EPI), серии мероприятий, организованных Уорхолом в 1966-1967 годах, на которых были показаны его фильмы, а также музыкальные и танцевальные представления. Но, несмотря на свой сегодня легендарный статус, поначалу альбом не имел коммерческого успеха.
Описывая влияние The Velvet Underground и Нико , художник и музыкант Брайан Ино однажды сказал: «Первый альбом Velvet Underground был продан тиражом всего 10 000 копий. Но все, кто купил его, сформировали группу».
Идя рука об руку с новаторским, экспериментальным подходом Velvet Underground к созданию музыки, сегодня Banana Уорхола является синонимом процветающей культурной жизни Нью-Йорка конца 1960-х годов.
The Velvet Underground и Нико © The Velvet Underground 1966 / The Velvet Underground © Andy Warhol 1966
4
.
Мао (1972)
Созданная после культовой серии «Цветок», серия «Мао» знаменует собой возвращение Уорхола к портретной живописи и является одной из его самых известных.
Продукт интенсивного интереса Уорхола к славе, сериал вдохновлен как историческим визитом Ричарда Никсона в Китай в 1972 году, так и статьей, опубликованной в журнале Life в том же году. В этой статье утверждалось, что лидер китайских коммунистов Мао Цзэдун был «самым известным» человеком на земле в то время.
Размышляя о политике, воспроизводимости и имидже, Уорхол решил основывать свою серию фотографий на фотографии из Маленькой красной книги Мао — сборника эссе и афоризмов, приписываемых вождю, который распространялся по всему Китаю во время кровавой культурной войны.
Революция 1960-х и 70-х годов. На сегодняшний день выпущено более миллиарда экземпляров «книги».
В версии Уорхола «прочерченный» портрет Мао «залит» множеством ярких цветов, от зеленого и оранжевого до синего и желтого.
В основе этих работ лежит технология. В конце 1960-х Уорхол познакомился с машиной Photostat во время посещения Нью-Йоркской школы визуальных искусств. Это был момент, изменивший карьеру Уорхола, позволивший ему на месте делать фотопечати изображений, которые он мог затем использовать в качестве основы для своих ярких поп-творений.
К 1973 году в широкую продажу поступил первый цветной ксерокс, более известный как копировальный аппарат. Уорхол быстро купил один и использовал его, чтобы сделать сотни копий своего изображения. Механическое воспроизведение произведений искусства теперь было таким же простым, как нажатие кнопки.
Серия «Мао» была представлена на знаковой выставке Уорхола в Музее Гальера в Париже в 1974 году. Стены выставочного пространства были оклеены повторяющимися мотивами Мао, которые Уорхол называл «обоями Мао».
[Чтобы посмотреть нашу статью о том, где можно увидеть самые известные работы Уорхола, нажмите здесь.]
Мао (F & S 11.97) © Andy Warhol 1972
5
.
Автопортрет (Парик испуга) (1986)
Ни в коем случае не первый из автопортретов Уорхола, Автопортрет (Парик страха) (1986) — еще одна из самых известных работ Уорхола.
Произведение, выпущенное за год до его смерти, представляет собой фирменный платиновый парик создателя, помешанного на внешнем виде, или его «Парик страха», как он его назвал.
Глядя глубоко в глаза зрителю, Уорхол обращает наше внимание как на свое иссохшее лицо, так и на копну седых волос, что в конечном итоге является выражением неповиновения; за его решительным взглядом скрывается желание излучать юношескую энергию и декаданс, несмотря на старость, плохое здоровье и угасающую славу.
Насыщенная ощущением осознания Уорхолом смертности, эта работа имеет сходство с его более ранней серией «Черепа»: memento mori для современной эпохи, многие описывают эту работу как призрачного предвестника смерти — и непреходящей славы.