Мультимедиа Арт Музей, Москва | Выставки | Владимир Янкилевский
Владимир Янкилевский
Героический монумент
18 сентября 2019 — 17 ноября 2019
Кураторы: Ольга Свиблова, Анна Зайцева
Соорганизатор выставки: Международный культурный фонд Breus Foundation
Мультимедиа Арт Музей, Москва представляет выставку «Героический монумент» одного из самых значительных художников советской неофициальной культуры, классика российского и мирового современного искусства Владимира Янкилевского.
Владимир Янкилевский родился 15 февраля 1938 года в семье художника Бориса Янкилевского. В 1950 поступил в Московскую среднюю художественную школу (МСХШ) при Институте им. Сурикова. В 1962 году окончил Московский полиграфический институт по специальности художник книги.
В 1962 году в Манеже состоялась печально знаменитая выставка «30 лет МОСХ», устроенная Академией художеств. Также на ней были представлены работы участников студии Белютина и других молодых художников, искавших новый художественный язык самовыражения, в том числе и 24-летнего Владимира Янкилевского. Хрущев, заранее накрученный «советниками», дал крайне резкую оценку этой выставке. Скандал в Манеже привел к тому, что несколько поколений художников на долгие годы лишились возможности публично выставлять свои работы. Выставка в Манеже запустила механизм становления феномена, который позже получит название «неофициальная культура» или «советский андеграунд».
По иронии судьбы, именно благодаря хрущевской «оттепели», слегка приподнявшей «железный занавес», Владимир Янкилевский, как и многие художники его поколения, получил возможность познакомиться с творчеством звезд мирового искусства и переосмыслить то, чему учила советская «академическая» школа живописи. Выставка Пабло Пикассо 1956 года в Пушкинском музее, выставки современного искусства в рамках Всемирного фестиваля молодежи и студентов 1957 года, знакомство с французским искусством конца XIX — начала XX века инспирировали его собственные художественные поиски. Позже, в «Попытке творческой автобиографии» Владимир Янкилевский писал: «Академическая школа консервативна и ограничена. Она считает определенный и конкретный период в искусстве высшим и незыблемым достижением и учит подражанию его образцам, игнорируя тот факт, что новая реальность рождает и новый реализм, откуда и происходит вечное обновление и развитие искусства… В определенном смысле это официальное искусство было зеркалом официальной жизни, ее лживости, выдавания желаемого за действительное, косности, демагогичности с эстетически приукрашенным фасадом. По официальному искусству можно было диагностировать болезнь общества».
В отличие от многих художников своего поколения и своего круга, Янкилевский не просто искал способ передать через искусство свое отношение к действительности, он интересовался глобальными метафизическими проблемами, традиционно пронизывавшими всю историю искусства: жизнь и смерть, божественное и дьявольское, нравственное и безнравственное, временное и вечное. Уже в работах 1962 года, представленных в Манеже: пентаптихе «Атомная станция», «Триптихе № 2» и серии «Тема и импровизация», он создает универсальную структуру картины как модели бытия. В «Триптихе № 2» Владимир Янкилевский имплантирует в живописную ткань работы открытки-репродукции его любимого художника эпохи Кватроченто Пьеро делла Франческа. Раннее Возрождение, интриговавшее Янкилевского прежде всего множественностью перспектив, соединяющихся в одном произведении, безусловно повлияло на формирование его художественного универсума.
С самого начала молодой художник стремился найти необходимые образы-формы, позволявшие выразить его личные переживания и понимание мира. Этому очень помогла встреча с выдающимся педагогом Элием Белютиным, который в 1958 году преподавал в Полиграфическом институте. Одиннадцати занятий (один академический год) оказалось достаточно, чтобы заложить базу для дальнейшего самостоятельного развития художественной вселенной и собственного уникального пластического языка Владимира Янкилевского.
Проект в МАММ — своеобразная реконструкция выставки Владимира Янкилевского Monument heroïque («Героический монумент»), которая состоялась в 1994 году в Париже в Центре современного искусства La Base, основанном Оливье Мораном. Эта выставка была очень важна для художника, потому что позволяла свести воедино все основные структурные элементы, циклы, серии и векторы вселенной Янкилевского. Формирование его художественного космоса происходило очень быстро и невероятно интенсивно, между 1960-ми и 1970-ми годами. Именно в этот период появляются циклы «Тема и импровизация», «Пространство переживаний», «Анатомия чувств», «Автопортреты», «Мутанты», «Люди в ящиках». Каждый из этих циклов художник будет развивать на протяжении всей своей жизни. Важнейшей формой выражения для него станут коллажи, позволяющие из отдельных элементов строить целое, бесконечно варьируя и дополняя объем художественного мира Владимира Янкилевского. Свое творчество Янкилевский описывал так: «…процесс работы похож на джазовую импровизацию или фугу — сначала задается тема, потом играется импровизация. Это мир напряженной гармонии, но в нем есть место и абсурду, и анекдоту, которые отражают иррациональную сторону жизни, выходящую за рамки уже установившихся представлений о гармонии».
Центральное место в проекте «Героический монумент» занимает скульптура, восстановленная по чертежам художника и фотографиям с выставки 1994 года в центре La Base. Эта скульптура является развитием его монументального цикла «Люди в ящиках», рисунки к которому возникают у Янкилевского уже в 70-е годы. Этот цикл появляется после знаменитой инсталляции «Дверь» (1972), где артикулируется важнейшая для него тема столкновения пространств социума и экзистенциума, когда человек выступает и как носитель, и, одновременно, как жертва идеализма и абсурда. Для художника было важно, что скульптура «Героический монумент» выставляется в зале, где экспонируются его рисунки, гуаши, офорты и коллажи из всех серий, важнейшим элементом которых являются пейзажи с горизонтами (горизонт — системообразующий элемент мира космоса Янкилевского) — вечным фоном, на котором разворачивается трагедия бытия «людей в ящиках».
В структуру проекта «Героический Монумент» заложен конфликт противоборствующих начал и форм, в итоге приводящий к поиску гармонии, уравновешивающей хаос.
Появление серии «Автопортреты», над которой художник будет работать на протяжении всей своей жизни, было неслучайным. Автопортреты Владимира Янкилевского противоположны тому, как в этом жанре работало до него все мировое искусство. Они не имеют никакого внешнего сходства с портретируемым, но метафорически «раскрывают голову» художника и эксплицируют моменты его творческой деятельности. Можно сказать, что цикл «Автопортреты» развивает серию «Пространство переживаний». «Все произведения этого цикла имеют „горизонт“, как энергетический поток жизни, делящий вещь на „небо“ и „землю“», — рассказывал Янкилевский.
Творчество Владимира Янкилевского уникально и интересно тем, что, с одной стороны, ему присуща неистовая экспрессия и максимальное эмоциональное напряжение каждого художественного жеста, независимо от того, в какой технике работает художник: живопись, коллаж, рельеф, рисунок или скульптура; с другой стороны, его художественная система выстроена предельно интеллектуально. Конфликт, напряжение и гармония между эмоциональным и интеллектуальным началами в работах Владимира Янкилевского, попытка в каждом произведении запечатлеть универсальную структуру мироздания и превращение созданных работ в собственный художественный универсум, определяют то особое место, которое творчество Янкилевского занимает как в современном российском, так и в современном мировом искусстве. Не случайно Владимир Янкилевский был первым советским художником, чьи работы были закуплены в коллекцию Центра Жоржа Помпиду уже в первый год работы музея в 1977 году.
При жизни у Владимира Янкилевского было более 40 персональных выставок. Его работы находятся в собраниях крупнейших музеев и галерей мира, в том числе Центра Жоржа Помпиду (Париж), лондонской галереи Тейт Модерн, Музея Людвига (Русский музей, Санкт-Петербург), Национальной галереи в Праге, Музея изобразительных искусств Будапешта, Третьяковской галереи и др.
Владимир Янкилевский ушел из жизни незадолго до своего восьмидесятилетия. К сожалению, он не увидел своей ретроспективной выставки «Непостижимость бытия» в ММСИ, над которой он работал до последних дней. После него остался огромный объем работ, который ждет осмысления и позиционирования как в контексте российского, так и в контексте мирового современного искусства. Выставка в МАММ была бы невозможна без участия вдовы художника, его музы и соратницы — Риммы Солод. МАММ благодарит за помощь и поддержку в реализации проекта Международный культурный фонд Breus Foundation, который начал фундаментальную работу с творческим наследием Владимира Янкилевского.
2018 «Непостижимость бытия». Московский музей современного искусства
2013 Early Works. 1967–1961. Лондон, Aktis Gallery
2010 Anatomy of Feelings. Лондон, The Mall Galleries and Aktis Gallery
2009 Métamorphoses. Париж, Galerie Le Minotaure
2007 «Мгновение Вечности». Москва, Фонд культуры Екатерина и Санкт-Петербург, Русский музей
2002 Collagen. Бохум, Германия, Museum Bochum
2001 La femme à coté de la mer. Париж, Galerie Dina Vierny
1997 Pastels et Collages. Париж, Galerie Dina Vierny
1995-97 «Ретроспектива». Москва, Государственная Третьяковская галерея
1994 Monument heroïque. Париж, Centre d’Art contemporaine La Base
1992 Autoportraits. Париж, Galerie Dina Vierny
1992 Take a Train… Париж, Gallery Le Monde de l’Art
1991 Retrospective. Paris Art Center
1990 Pastels. Париж, FIAC, Galerie Dina Vierny
1990 People in Boxes. Нью-Йорк, США, Berman — E. N. Gallery
1988 Retrospective: Vladimir Jankilevskij. 1958–1988. Бохум, Германия, Museum Bochum
1988 Retrospective. Нью-Йорк, Сан-Франциско, США, Eduard Nakhamkin Fine Arts
1987 «Живопись и графика. Ретроспектива». Москва, Выставочный зал Горкома художников-графиков на Малой Грузинской
1978 «Ретроспектива». Выставочный зал Горкома художников-графиков на Малой Грузинской
1967 Однодневная выставка. Живопись. Москва, Физический институт АН СССР
1965 Однодневная выставка. Живопись. Москва, Институт биофизики АН СССР
1962 Однодневная выставка. Эрнст Неизвестный и Владимир Янкилевский. Московский государственный университет
mamm-mdf.ru
Мультимедиа Арт Музей, Москва | Выставки | Хайко Шефер
Хайко Шефер
Непрерывный контроль
25 октября 2019 — 17 ноября 2019
Куратор: Анна Зайцева
Выставка проходит в рамках программы культурного обмена между Москвой и Дюссельдорфом
Свои последние проекты Хайко Шефер создает на текстильных фабриках Франции, Германии, а теперь и России. Руководствуясь единым творческим методом — сосредотачиваясь на подробностях одного из процессов текстильного производства, — он стремится охватить множество реалий, социальных отношений и заводских технологий. Задействуя приемы реалистической и концептуальной фотографии, а также видеоарта, он сделал целый ряд коротких фотографических серий. В проекте «Работа с каретками для бобин» (Travailler avec les chariot bobines), осуществленном в 2015–2017 годах в цехах Нуайонской фабрики и фабрики Codentel в Кале (Франция), автор отобразил различные стадии проверки и подготовки к использованию высокоточных деталей станков, так называемых кареток для бобин, играющих важную роль в изготовлении известного «кружева Кале» (Dentelle de Calais).
Серия «Непрерывный контроль» началась с посещения Шефером двух ткацких фабрик в немецком городе Вупперталь. Художник запечатлел работу по контролю качества, проведению проверочных замеров и устранению дефектов продукции, которую проводит специализированный производственный отдел — Aufmachung (отдел технического контроля). Наименование этой фотосерии и дало название выставке в МАММ. В экспозицию вошли новые снимки, сделанные Шефером на производственных площадках Трехгорной мануфактуры в Москве, где художник задокументировал контроль качества текстильных полотен после их складывания и процесс изготовления текстильных образцов. В состав выставки также вошли две фотокниги — результат работы Шефера в Вуппертале и Кале.
Целью его художественного исследования является критическое переосмысление ряда идей, изложенных еще в тексте Фридриха Энгельса «Положение рабочего класса в Англии. По собственным наблюдениям и достоверным источникам» (1845), которые нашли продолжение в труде Луи Альтюссера «За Маркса» (1965), а в наши дни — у Гаятри Чакраворти Спивак.
Оперируя такими дискурсивными понятиями, как «историческая темпоральность диалектической формы образа» или «темпорализованная атемпоральность», актуализированными Питером Осборном, автор хочет создать пространство для их коллективного переосмысления, сочетая теоретический поиск с практической поездкой на «Трехгорку», предпринятой им вместе с другом.
Фотографии из серии «Непрерывный контроль», снятые в Германии, были показаны в этом году в Galerie der Gegenwart (Вестфальский кунстферайн) в Мюнстере.
Автор благодарит Трехгорную мануфактуру (Москва) за открытость к сотрудничеству и поддержку, позволившие расширить проект «Непрерывный контроль» за счет новых съемок.
mamm-mdf.ru
Мультимедиа Арт Музей, Москва | Выставки | Себастьян Викерот
Себастьян Викерот
Опыт восприятия
25 октября 2019 — 17 ноября 2019
Куратор: Анна Зайцева
Выставка проходит в рамках программы культурного обмена между Москвой и Дюссельдорфом
Работы из серии «Опыт восприятия» были созданы в 2019 году, в ходе двухмесячного сотрудничества с Мультимедиа Арт Музеем, Москва. Все фотографии были сделаны с помощью смартфона в переходах метро Москвы и Санкт-Петербурга.
Главное выразительное качество данных работ обусловлено изменениями в регулировке яркости, которая не была продиктована общей пространственной композицией, как это происходит обычно. Фокус съемки смещен в сторону неоновых ламп. Это попытка сфотографировать источники света в хорошей четкости, избегая чрезмерной экспозиции. В результате все, что находится вокруг, оказывается недоэкспонировано, а свет самих ламп приобретает причудливые оттенки.
Лампы уже не освещают окружающее пространство, а словно погружают его во тьму.
Люди на этих фотографиях становятся невидимыми — вследствие функциональных особенностей камеры. Такая ситуация подчеркивает несовершенство техники в сравнении с человеческим аппаратом восприятия, который легко справляется с сильными перепадами яркости благодаря высокой вычислительной скорости и другим возможностям человеческого мозга.
Эта человеческая способность в совокупности с особенностями визуального восприятия поднимает вопрос о его функционировании, его механизмах и его связи с реальностью. Кроме того, следует отметить, что «реальность» была и остается чрезвычайно дискуссионной и необъясненной концепцией.
Поэтому название серии отсылает к дискурсу философии восприятия, центральным термином которой является понятие квалиа, обозначающее индивидуальные проявления субъективного, сознательного опыта. Эти ощущения по определению невозможно передать вербально, а также использовать в качестве однозначного аргумента. Никто не знает, как формируются эти субъективные чувственные переживания, однако они ощущаются как действительно существующие. Несмотря на их откровенно субъективную природу, для нас, возможно, нет ничего более реального.
mamm-mdf.ru
Мультимедиа Арт Музей, Москва | Выставки | Александр Родченко
МАММ представляет выставку Александра Родченко «Опыты для будущего» приуроченную к 125-летию со дня рождения и 60-летию со дня смерти одного из главных лидеров русского художественного авангарда начала ХХ века.
В 2016 году также исполняется 20 лет Мультимедиа Арт Музею, Москва который гордится самой крупной коллекцией фотографий Александра Родченко.
Наш музей сделал более 50-ти выставок этого великого мастера в России и за рубежом, но эта выставка особенная. Она отражает все этапы и логику развития творчества Александра Родченко. Впервые на выставке «Опыты для будущего» (название одноименной книги художника) собраны не только картины, графика, линогравюры, трехмерные объекты, фотомонтажи, архитектурные опыты, но и уникальные материалы, включающие эскизы декораций и костюмов к театральным и кинопостановкам, а также фрагменты фильмов, в работе над которыми Александр Родченко принимал непосредственное участие. И конечно, его фотографии.
«И в жизни мы, человечество, есть опыты для будущего», — писал Александр Родченко. Великий русский поэт начала ХХ века Велимир Хлебников ввел в русский язык слово «будетлянин». Александр Родченко работал над оформлением книг Велимира Хлебникова, в том числе книги «Заумники» (1922), обложка которой будет показана на выставке. Термин «будетлянин», наверное, можно отнести и к личности Александра Родченко.
Художник никогда не делал различий между разными жанрами визуального искусства. Если использовать современную терминологию, Александр Родченко был мультимедиа художником. Создавая картины, графические работы, фотомонтажи, плакаты, работая над созданием нового шрифта, сегодня известного во всем мире как «шрифт Родченко», подходя к созданию титров для кино, как к важнейшей и интереснейшей творческой задаче, проектируя рабочий клуб, создавая архитектурные фантазии для города будущего, мечтая, чтобы искусство вышло на улицы, Родченко видел главную задачу в творческом преображении настоящего во имя будущего.
Он писал: «Я создал сегодня затем, чтобы завтра искать новое, хотя оно окажется ничто в сравнении со вчерашним, но зато послезавтра я превзойду сегодняшнее». Его творчество оказалось одним из важнейших факторов, повлиявших на изменение, как искусства, так и среды обитания в ХХ веке. Его жизненные установки, сформулированные в теоретических трудах, заданный им вектор движения и умение мечтать о будущем важны для нас и сегодня.
В 20-е годы Родченко работал над созданием музея нового типа, где стирались бы границы между видами и жанрами искусства. Эти принципы были заложены в фундамент создания и развития нашего музея, частью которого 10 лет назад стала Школа фотографии и мультимедиа им. Александра Родченко.
Благодаря коллегам и партнерам Мультимедиа Арт Музея, Москва, предоставившим уникальные работы для этой выставки: Государственной Третьяковской галерее, Государственному Русскому музею, Государственному музею изобразительных искусств им. А.С. Пушкина, Государственному центральному театральному музею им. А.А. Бахрушина, Московскому музею современного искусства, Астраханской картинной галерее им. П.М. Догадина, Вятскому областному художественному музею им. В.М. и А.М. Васнецовых, Нижегородскому государственному художественному музею, Пермской государственной художественной галерее, и частным коллекционерам, мы имеем возможность максимально полно продемонстрировать многогранность таланта великого мастера. У художника не было случайных работ или брошенных идей. Он писал: «Если просмотреть всю мою работу за все время, то это будет огромное и совершенно новое произведение». Мы надеемся, что выставка «Опыты для будущего» поможет проявить уникальную целостность творчества Александра Родченко.
mamm-mdf.ru
Мультимедиа Арт Музей, Москва | Выставки
Предновогодняя суета заставляет нас подумать о подарках друзьям, близким, и себе любимым. Женская мечта о парфюмерии, мужская о машинах, общая о новой квартире; пылесосы, продукты — это то, о чем мы, прежде всего, думаем перед праздником.
«Отоваренная мечта» — экскурс и исследование взаимоотношений дефицита и рекламы в нашей стране с начала 1920-х до середины 1990-х годов.
Октябрьский переворот, Первая мировая война и Гражданская война уже к 1918 году привели к тому, что страна, лежавшая в разрухе, столкнулась с проблемой тотального дефицита: продуктов питания, одежды, предметов первой необходимости.
Новая экономическая политика — НЭП, немного и ненадолго помогла справиться с проблемой дефицита, покончить с которой удалось только в Новой России к середине 90-х годов. С возникновением дефицита в Стране Советов появилась и советская реклама. Эта реклама не просто демонстрировала книги и зубную пасту, галоши и майонез, соки, шампанское и черную икру, пылесосы и полотёры, телевизоры, автомобили и, конечно, советскую парфюмерию, но и в каждом рекламном плакате создавала имидж счастливого общества изобилия, который должен был подкреплять главный советский лозунг: «Жить стало лучше, жить стало веселее!».
На выставке представлены фотографии, отражающие то, как менялось время в СССР с начала и до конца XX века. Их авторы — классики российской фотографии, такие как Александр Родченко, Аркадий Шайхет, Борис Игнатович, Всеволод Тарасевич, Дмитрий Бальтерманц, Виктор Ахломов и многие другие. Для того, чтобы добыть предмет мечты, было недостаточно работать и зарабатывать деньги. Для достижения «мечты» приходилось менять галоши на ткани, ткани на пылесос… Дальше все это менялось на дефицитные книги, потом на билеты в театр, дефицитный холодильник или дефицитную машину…
В рамках проекта представлены отрывки из классики советского кино, где тема «Отоваренной мечты» всплывала регулярно. Это легендарные фильмы Бориса Барнета, Георгия Александрова, Константина Юдина, Эльдара Рязанова, Киры Муратовой и других.
На выставке, как и когда-то в Советском Союзе, мечта побеждает реальность, а в ее заключительной главе, посвященной 90-м, видно, как дефицит начинает сходить на нет, а мечту затмевает открывшийся рынок.
mamm-mdf.ru
Мультимедиа Арт Музей, Москва | Выставки | Жан-Батист Уин
Жан-Батист Уин
Beauty
5 июня 2019 — 21 июля 2019
Стратегический партнер: Mastercard
При поддержке: Посольство Франции в РФ, Французский институт
В рамках XI Московской международной биеннале «Мода и стиль в фотографии-2019» Мультимедиа Арт Музей, Москва представляет выставку звезды французской фотографии Жана-Батиста Уина.
Музей уже знакомил российскую публику с творчеством фотографа: его проект «Портреты и натюрморты» стал одним из самых ярких открытий «Фотобиеннале-2004».
Жан-Батист Уин — ученик Ирвина Пена и Ричарда Аведона. Мировое признание пришло к нему в 1996 году, с первым крупным проектом «Бессмертные» (Immortels) — уже в этой серии он продемонстрировал блестящие способности портретиста, запечатлев мэтров Французской академии. В том же году Уин стал лауреатом премии фонда Неwlett Расkard France за серию работ о Вьетнаме. В 1997 году Уин был награжден премией Villa Medicis Hors les Murs и был особо отмечен жюри Prix Kodak de la critique photographique.
Проект «Глаза» (Yeux), созданный Жаном-Батистом Уином в 2002 году, утвердил его в статусе одного из лучших портретистов мира. Выставка была представлена Европейским домом фотографии в Париже и включала 100 портретов величайших фотографов и художников XX века, таких как Анри-Картье Брессон, Уильям Кляйн, Жан-Лу Сьефф, Ирвин Пен, Ричард Аведон и др.
В выставку Beauty вошли самые известные серии фотографа: «Природа» (Nature), «Монохром» (Monochrome), «Животные» (Animaux), «Насекомые» (Insectes), «Япония» (Japon), «Женщина» (Woman). Фотографии Уина — это гимн универсальной, вневременной красоте. Его работы отличает уникальное сочетание лаконичности средств выражения и предельной эмоциональной наполненности. Он показывает красоту без «красивости» и добивается успеха без эпатажа.
«Я — визуальный художник, фотограф, и вполне естественно, что я объясняю реальность, направляя на нее свет. Свет питал мою работу изначально и по сей день остается главной темой моего фотографического исследования. Как возвысить то, что красиво? Как возвысить то, что не обладает красотой? Зачем? Существуют ли красота и уродство сами по себе? — рассказывает Жан-Батист Уин о проекте. — Параллельно я работал над фильмом Beauty, для которого записал ряд интервью с самыми разными знаменитостями: актрисой, ученым-нейрологом, поэтом, музыкантом, кутюрье, архитектором, галеристом, известным коллекционером, моделью… и каждому я задавал вопрос о том, что такое красота и что такое красота, изображенная художником».
Жан-Батист Уин живет и работает в Париже, выставляется в крупнейших музеях и галереях мира. Работы Уина находятся в собраниях Европейского дома фотографии (Париж), Национального фонда современного искусства — FNAC (Париж), Национальной библиотеки Франции (Париж), Национального центра пластических искусств — CNAP (Париж), Центра искусств Королевы Софии (Мадрид), Мультимедиа Арт Музея, Москва, Музея изящных искусств (Монреаль), Итальянского фонда фотографии (Турин), знаменитых частных и корпоративных коллекциях.
Жан-Батист Уин — автор пятнадцати книг, среди которых: «Бессмертные» (Immortels, 1996), «Интимное бесконечное» (Intime Infini, 1998), «Глаза» (Yeux, 2001), «Вселенная» (Univers, 2002), «Япония» (Japon, 2003), «Мали» (Mali, 2003), «Индия» (Inde, 2004), «Свет» (Lumière, 2012), «Природа» (Nature, 2016), «Руки» (Mains, 2017), «Бесконечность Азии» (Infinis d’Asie, 2019).
mamm-mdf.ru
Мультимедиа Арт Музей, Москва | Выставки
В рамках московской международной биеннале «Мода и стиль в фотографии 2015» МАММ представляет выставку «Как рождается мода: 100 лет фотографии из архива «Condé Nast». Фотография моды — прекрасная, эффектная, провокационная, изысканная, волшебная — ассоциируется с рядом громких имен в истории фотографии, таких как Эдвард Штайхен, Хорст П. Хорст, Эрвин Блюменфельд, Ирвин Пенн, Ги Бурден, Уильям Кляйн, Хельмут Ньютон, Херб Ритц и др.
Фотографии моды стали частью нашей культуры. Каждый образ рассказывает ту или иную историю или предлагает пережить некий волнующий опыт — в тоже время воплощает вкус, устремления и мечты своей эпохи. В разные времена понятия красоты, элегантности и сексуальности получали новые трактовки. Так, в 1990-х годах они шли рука об руку со своими противоположностями — неприглядным, шокирующим, отталкивающим. Это нашло отражение и в дизайне одежды, и в фотографии. «Фотографии моды неизбежно оказываются комментарием к идее модности», — писала Сьюзен Зонтаг. Сама «идея» моды меняется в зависимости от эпохи, средства коммуникации и зрителя. От этих факторов зависит, становится ли более важным отношение к одежде или сама одежда, склоняется ли чаша весов в пользу мейнстрима или субкультуры, привлекательности или откровенной сексуальности. Фотография моды парадоксальна: это одновременно творческий и коммерческий жанр: снимки создаются на заказ, но при этом порождают новаторские, экспериментальные художественные образы.
Фотографы моды первых поколений в значительной степени сохраняли контроль над своей продукцией. Постепенно принятие решений перешло к другим людям — редакторам, рекламщикам, продвигающим бренды. Фотограф часто ограничен жесткими рамками: сюжет задан, модель и место съемки определены заранее. Финансовые соображения играют большую роль. Наиболее важные выпуски журналов готовятся с пристальным вниманием. Сегодня редакторы глянцевых журналов с большой осторожностью идут на риск. Новичкам-фотографам нелегко пробиться.
Фотография моды связана с тем, что теоретик и кинематографист Ги Дебор назвал «зрелищем». Но и в наше время, несмотря на усиливающийся диктат индустрии моды и ее экономики, фотографы находят возможность проявить свой творческий потенциал и индивидуальный стиль.
Фотограф моды на протяжении своей карьеры создает огромное количество снимков. Часто ему трудно избежать самоповторов. Сесил Битон считал, что существует два типа фотографов моды: те, кто живут моментом, и те, кто помнят о будущем. Фотографы, чьи работы представлены на этой выставке, бесспорно, принадлежат ко второй категории.
Легендарный издатель Конде Наст, чье имя носит сегодня издательский дом, купил журнал Vogue в 1909 году. Именно он, уже в начале 1910-х годов, привлек к сотрудничеству фотографов и превратил редакции в творческие лаборатории.
Эта выставка включает более 160 винтажных отпечатков, а также оригинальных журналов из архивов издательского дома Condé Nast в Нью-Йорке, Париже, Лондоне и Милане. Она дает возможность познакомиться с творчеством более 80 выдающихся фотографов, создавших и продолжающих развивать историю фотографии моды.
Натали Хершдорфер
mamm-mdf.ru