Андреас гурский фотографии: Андреас Гурски, вроде 99 центов, а почему же такая дорогая фотография? — Главная

Содержание

Масштабные фото андреаса гурского. Масштабные фото андреаса гурского «Чистить» снимок от мешающих деталей и добавлять новые

Немецкий фотограф Андреас Гурский родился в 1955 году. Его авторский стиль узнаваем: огромные полотна фотографий с практически осязаемой текстурой, зачастую сделанные с высокой точки съемки.

На Гурский сильное влияние оказали его учителя — Хилла и Бернд Бехер, известные своим особым методом систематической «каталогизации» индустриальных видов. Такой подход ощущается и в художественном почерке Андреаса Гурский.

До середины 90-х он не обрабатывал свои снимки на компьютере, однако впоследствии стал прибегать к подобному виду работы с материалом, чтобы генерировать большее пространство, чем то, что было запечатлено камерой. Работа Гурский «99 Cent II, Diptych» была продана с аукциона «Сотбис» за рекордную сумму в 1,7 миллиона английских фунтов стерлингов (около 3,3 миллиона долларов США).

На другой фотографии, сделанной в 1995 году во время фестиваля Dance Valley под Амстердамом, изображена толпа, беснующаяся в свете мерцающих огней перед стойкой ди-джея на большой арене.

Дым, спускающийся со сцены, похож на гигантскую руку, держащую толпу. Сделав этот снимок, Гурский сказал, что из музыки он слушает только техно, чья простая, но проникающая в самое нутро симметричность перекликается с его собственными работами.

Можно сказать, что фотографии Андреас Гурский обучался трижды. Вырос он в Дюссельдорфе, его отец был успешным рекламным фотографом, так что всеми тонкостями и хитростями ремесла Андреас овладел еще до окончания школы. В конце 70-х он провел два года недалеко от Дюссельдорфа — в городе Эссене, где расположена Школа Фолькванг, знаменитое учреждение для подготовки профессиональных фотографов (и особенно фотожурналистов) в Западной Германии, основанное Отто Штайнертом. Там Гурский познакомился с традицией документальной фотографии — со сложным искусством постоянного и объективного наблюдения за действительностью, лишенной прикрас, свойственных рекламной фотографии.

Кроме того, в начале 80-х Гурский обучался в Государственной академии искусств в Дюссельдорфе, которая благодаря таким художникам, как Джозеф Бойс, Зигмар Польке и Герхард Рихтер, стала колыбелью немецкого послевоенного авангарда. Там Гурский научился видеть нити, связывающие различные сферы искусства, и именно там освоил скрупулезный метод Бернда и Хиллы Бехер, чьи фотографии снискали уважение среди приверженцев художественных направлений минимализма и концептуализма.

Когда в конце 80-х Гурский, наравне с другими учениками Бехера, стал завоевывать признание, творчество Андреаса интерпретировалось как продолжение эстетики его учителя. Однако полный спектр умений и навыков Гурский нашел отражение в зрелых его работах, позволив фотографу перерасти все три «образования» вместе взятых. Его фотографии — крупные, дерзкие, насыщенные цветом и деталями — являют собой одно из наиболее самобытных и, благодаря своеобразному стилю Гурский, одно из самых «сложносочиненных» достижений прошедших десятилетий. С 90-х годов он сконцентрировался на тех предметах, которые отражают дух времени, и нашел адекватный и современный способ их изображения.

Жизнь заводила его в разные уголки планеты: он бывал в Гонконге, Каире, Нью-Йорке, Бразилии, Токио, Стокгольме, Чикаго, Афинах, Сингапуре, Париже, Лос-Анджелесе и многих других городах. И тематика ранних работ — воскресный отдых и туристические очерки — сменилась эстетикой огромных заводов, отелей, офисных зданий и складов. Семейные вылазки уступили место Олимпийским играм, лыжным марафонам по пересеченной местности с сотнями участников, немецкому парламенту, биржевым залам, завлекающим вывескам именитых брендов и полночному неистовству сотен посетителей техно-концертов. Мир 90-х, по Гурский, огромен, дорог и всеобъемлющ. Это стремительно развивающийся мир хай-тека и глобализации, мир, где безымянный человек — всего лишь один из тысяч таких же.

Андреас Гурский, знаменитый фотограф из Германии, родился в 1955 году. Стиль этого известного мастера фотографии легко узнаваем: Работы Андреаса поражают своей практически осязаемой текстурой, чаще всего они сделаны с высокой точки, и напечатаны в огромных размерах. Именно так Гурский показывает зрителю свое видение мира, то, как он воспринимает происходящее вокруг.

Огромное влияние на становление Андреаса как мастера фотографии, на его творчество оказали Хилла и Бернд Бехер, фотографы, которые стали известными благодаря своему особому методу работы, методу своеобразной «каталогизации» индустриальных панорам. Манера своих учителей проявляет себя и в творчестве Андреаса Гурского. Она очень заметна в глубоко своеобразном художественном почерке мастера.

До середины девяностых лет прошлого века Андреас не подвергал свои снимки компьютерной обработке. Но впоследствии решил, что такая обработка необходима и стал ее активно использовать в творчестве. При помощи современных технологий он создавал на своих снимках заметно большее пространство, нежели то, которое входило в кадр непосредственно при фотографировании.

Одна из работ Андреаса такого плана — «99 Cent II, Diptych» — на знаменитом на весь мир аукционе «Сотбис» была продана за 1,7 миллиона английских фунтов стерлингов, что равноценно 3.3 миллионам долларов США. Это рекордная сумма, заплаченная за фотографическое произведение.

На снимке, который Андреас сделал в 1995 году под Амстердамом на фестивале Dance Valley, зрители видят беснующуюся в свете тысяч мигающих огней толпу людей, которые танцуют на огромной арене перед стойкой ди-джея. Дым, который спускается на людей, находящихся на арене, кажется огромной страшной рукой, тянущейся со сцены и удерживающей толпу в своей страшной могучей власти. Представляя эту свою работу публике, Андреас признался, что из всей музыки ему близка только музыка техно. Именно она, по словам фотографа, проста и легко проникает в само сознание человека. Музыка этого направления перекликается с работами самого Андреаса.

Андреас Гурский говорит, что искусству фотографии он обучался как минимум три раза. Первая его школа — это школа отца, успешного рекламного фотографа, которую он прошел еще в Дюссельдорфе, в городе, в котором родился. Можно сказать, что основы мастерства были заложены отцом в будущего мастера еще в детстве. Все премудрости, тонкости и хитрости фотографии Андреас освоил еще будучи школьником.

А в конце семидесятых будущий один из самых высокооплачиваемых фотографов мира провел в Эссене, небольшом городке вблизи своей родины, Дюссельдорфа. В Эссене Андреас Гурский прошел курс обучения в Школе Фолькванг. Эта школа — самое известное в Германии специализированное учебное заведение, в котором готовят высококлассных профессиональных фотографов и фотожурналистов. Она была основана Отто Штайнертом. В Школе Фолькванг Андреас освоил мастерство документалистики в фотоискусстве, научился наблюдать за тем, что происходит вокруг, научился видеть мир объективно, безо всяких украшательств, которые присущи рекламной фотографии.

В начале восьмидесятых годов двадцатого века Андреас Гурский прошел курс обучения в Государственной академии искусств, которая находится в Дюссельдорфе. Эту академию можно смело назвать колыбелью послевоенного художественного авангарда Германии. Это стало возможным благодаря известным немецким художникам Джозефу Бойсу, Герхарду Рихтеру и Зигмару Польке.

В этой академии Андреас научился связывать воедино различные сферы искусства. Именно там Гурский познакомился с методом Бернрда и Хиллы Бехер, работы которых считаются идеалом минимализма и концептуализма в художественной фотографии.

В самом конце восьмидесятых годов Андреас и другие ученики Бернда и Хилы стали завоевывать признание в фотографическом мире. Гурского считали, пожалуй, главным продолжателем стиля, эстетики творчества своих учителей. Тем не менее, вся полнота умений и мастерства Андреаса раскрылась в его зрелых работах. Именно работы этого периода позволили одному из самых лучших немецких фотографов последнего времени перерасти все три его образования, слить их воедино. Фотографические полотна (иначе эти работы и не назвать!) Андреаса Гурского отличаются дерзостью, насыщенностью деталями и цветами. Они глубоко самобытны и узнаваемы. Фотографии Гурского — это «сложносочиненные» достижения их автора.

С конца девяностых годов Андреас Гурский сконцентрировал свое творчество на предметах, отражающих дух современного мира, дух времени. Фотограф нашел современный, адекватный, свойственный только ему способ изображения этих предметов.

За годы своего творчества Аедреас Гурской побывал во многих точках Земли. Он снимал в Каире, Лос-Анджелесе, Гонконге, Нью-Йорке, Париже, Бразилии, Сингапуре, Афинах, Токио, Чикаго, Стокгольме и множестве других стран, городов и уголков нашей необъятной планеты. Если в ранний период своего творчества фотограф снимал воскресный отдых людей, делал туристические фотоочерки, то в более зрелые годы его стала привлекать эстетика огромных промышленных объектов: заводов, фабрик и других производств, складов, отелей, офисных зданий. Вместо уютных семейных вылазок на природу работы Андреаса стали отражать лыжные марафоны, Олимпийские игры и прочие спортивные состязания с тысячами участников. На его фотографиях появились биржевые залы, заседания парламента Германии, огромные толпы неиствовавших людей на концертах техно-музыки, панорамы городов с миллиардами огней, завлекающих вывесок… Мир, который показывает на своих масштабных фотографиях Андреас Гурский, огромен, всеобъемлющ.

Это мир хай-тека. Мир, который стремительно несется вперед в своем развитии, мир глобализации. Мир, в котором один маленький человек, лишенный даже имени, становится одним из миллиардов себе подобных пылинок во Вселенной.

Основные выставки Андреаса Гурского:

1989 — Museum Haus Lange, Krefeld; Centre Genevois de Gravure Contemporaine, Geneva, Switzerland

1992 — Kunsthalle Zürich, Switzerland
1994 — Deichtorhallen, Hamburg; De Appel Foundation, Amsterdam, Netherlands; Kunstmuseum Wolfsburg
1995 — Portikus Frankfurt; Rooseum, Malmö, Sweden; Tate Liverpool, England
1998 — Kunsthalle Düsseldorf; Kunstmuseum Wolfsburg; Fotomuseum Winterthur, Switzerland; Milwaukee Art Museum, Milwaukee, USA; Museum of Contemporary Arts, Houston, USA
1999 — Scottish National Gallery of Modern Art, Edinburgh, Scotland; Castello di Rivoli, Turin, Italy
2000 — Sprengel Museum, Hannover; Galerie für Zeitgenössische Kunst, Leipzig; Busch-Reisinger Museum, Havard University, Cambridge, USA
2001 — Museum of Modern Art, New York, USA; Museum of Contemporary Art, Chicago, USA; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain; Centre Georges Pompidou, Paris, France;
2003 — San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, U. S.
2005 — Kunstmuseum Wolfsburg; Juan March Institute, Madrid, Spain
2007 — Haus der Kunst, Munich, Germany
2007 — White Cube, London, England
2007 — Kunstmuseum Basel, Basel
2007 — Istanbul Modern, Istanbul, Turkey
2007 — Matthew Marks Gallery, New York, U.S.

Немецкий фотограф Андреас Гурски прославился тем, что создает самые дорогие в мире фотоизображения. Его огромные панорамные фотографии продаются на мировых аукционах за суммы в несколько миллионов долларов – цифры, совершенно недостижимые для многих других талантливых и известных фотохудожников. Что же такого примечательного и интересного в работах Гурски для частных коллекционеров фотографии и искусства, что последние готовы тратить миллионы долларов на их покупку? На самом деле ответить на этот вопрос не просто. Хотя масштабные полотна фотографий Андреаса Гурски, безусловно, завораживают и открывают зрителю путь в огромный, наполненный различными деталями, мир.

Талантливый фотохудожник родился в Лейпциге, но свои юношеские годы провел в Дюссельдорфе, где

его отец успешно занимался рекламной фотографией. Он-то и научил Андреаса всем тонкостям фотосъемки еще в ранние годы. Андреас начал снимать на камеру с детских лет, попутно изучая, что такое диафрагма, выдержка и экспозиция. И можно сказать, что его путь в жизни оказался предопределен. Сначала обучение искусству фотографии в школе в Эссене, где он познакомился с традициями документальной фотожурналистики, а затем учеба в дюссельдорфской Академии искусств. Последнее учебное заведение получило известность в Германии как место становления авангардного искусства.

В Академии сильное влияние на его дальнейшую творческую судьбу оказали учителя. Это была семейная пара фотографов Бехер, которые в фотографии применяли способ систематической «каталогизации» антропогенных видов. Между прочим, в 2004 году они получили престижную фотографическую премию Hasselblad Award. Возможно, влияние учителей на Гурски было настолько велико, что именно оно сформировало его собственный стиль в фотографии – огромные, масштабные фотографические полотна, которыми впоследствии он покорил весь мир.

Уже с середины 80-х годов Гурски стал участвовать в различных групповых и персональных выставках, проходивших в крупных центрах современного искусства в Германии. С самого начала своего профессионального творчества он сосредоточился на создании фотографий значительного размера, которые были наполнены мелкими деталями и цветом. Это достаточно самобытный и интересный стиль в фотографии, отличающий Гурски от других фотохудожников современности. В своих работах автор словно стремится показать масштабность и величие окружающего мира. Достаточно упомянуть о том, что на его фотографиях люди выглядят маленькими муравьями, суетящимися и увлеченными своими повседневными делами. В то время как природные ландшафты на снимках Гурски поражают своей естественной красотой, величественностью и спокойствием.

За время своей профессиональной карьеры он много времени посвятил путешествиям и знакомству с различными странами. Гурски объездил практически все крупные города мира, также побывав в девственных уголках Африки и Южной Америки. В начале своего творческого пути он снимал преимущественно туристические сюжеты, после чего переключился на более сложные темы – изображения огромных промышленных заводов и офисных центров, лыжные гонки и Олимпийские игры, современный мир высоких технологий и глобализации, в котором каждый человек чувствует себя лишь маленькой деталью. За время путешествий Андреас Гурски создал большой архив фотографий. Работы из этого архива тут же раскупаются за огромные деньги, как только попадают на аукционы.

Фотографии немецкого мастера – это большие по размерам полотна, которые на домашнем принтере можно отпечатать только по частям. Даже на выставке три – четыре его фотографии могут заполнить весь выставочный зал. О своем видении фотографии Андреас говорит следующее: «Я стремлюсь создать произведение искусства, которое должно отличаться от натуры — я же не занимаюсь реалистической фотографией». Его работы идеально структурированы и обладают невероятной детализацией. Иногда бывает трудно поверить, что вся сцена, запечатленная на фотоизображении, не является какой-то красочной, спланированной постановкой.

Самым дорогим фотоснимком современности является масштабное полотно Гурски «Рейн II». Он был сделан в 1999 году и демонстрирует панораму величественной немецкой реки. Изображение размером 185 на 363 сантиметров предлагает зрителю знакомство с одной из крупнейших рек в Европе. Примечательно, что с этой панорамы с помощью средств обработки были убраны прохожие и здания. В 2011 году фотография была продана на аукционе за рекордные 4,34 миллиона американских долларов.

Ценность этого панорамного изображения заключается не только в художественной стороне. Дело в том, что на фотографии запечатлена река и ее берега в том виде, в котором они уже не существуют. К настоящему моменту берега Рейна в этом месте уже практически полностью застроены. Сама же композиция картинки выполнена в классическом стиле, все линии в ней соотносятся друг к другу в масштабе примерно один к четырем. Это облегчает зрителю восприятие панорамного изображения. Некоторые критики объясняют такую высокую стоимость этой фотографии еще и тем, что в ней заложен некий философский подтекст – противопоставление неба и земли.

Еще одна дорогостоящая фотография Гурски – это изображение «99 центов», на котором запечатлены ряды супермаркетов, заваленных разнообразными товарами. Данная фотография поражает обилием деталей и ярких красок. Рассматривая масштабное полотно во всех подробностях, можно буквально утонуть в цветовой гамме товаров. Добавляет красочности фотографии использование метода хромогенной цветной печати и добавление отражения некоторых товаров на потолке. Каждый товар на этом трехметровом снимке можно рассматривать очень долго. Эта фотография ушла с молотка на одном из аукционов за более чем три миллиона долларов. Многие другие полотна немецкого мастера также стабильно занимают высокие места в списках самых дорогостоящих фотографий современности. Покупка таких масштабных полотен, судя по всему, стала хорошим вложением денег, поскольку фотографии Андреаса Гурски постоянно растут в цене.

«99 центов», диптих (2001). Фотограф Андреас Гурски (Andreas Gursky)

Интересным выглядит взаимоотношение автора с различными компьютерными редакторами и цифровой обработки. Как известно, многие легендарные фотографы «старой закалки» не слишком жалуют подобные средства обработки, иной раз предпочитая просто снимать на пленочные камеры. Что касается Андреаса Гурски, то вплоть до середины 90-х годов он не пользовался компьютером, чтобы обрабатывать свои произведения. Однако в дальнейшем к компьютерным средствам обработки он стал прибегать очень часто, чтобы создавать более объемные и масштабные пространства, чем те, которые способна захватить цифровая камера в одном единственном кадре. В некоторых его работах используются приемы фотоколлажа с добавлением или устранением отдельных деталей. Он зачастую соединяет несколько кадров для получения более объемных, пространственных фотоизображений. Например, в его панорамном фотоизображении о ралли в Монте-Карло совмещено сразу три различных вида.

Сама съемка осуществляется немецким фотографом на камеру большого формата (размер кадра 9 на 12 сантиметров). Однако с помощью программных средств и печатной техники фотоизображения «разгоняются» до двух — или четырехметровых полотен. Несмотря на масштабность работ, Гурски удается сделать так, чтобы все детали на фотографии получились четкими и детализированными, независимо от расстояния. Он с удовольствием «набивает» свои фотокартины огромным количеством людей, предметов и архитектурных элементов. Иногда на фотоизображениях Гурски мы видим буквально «живые муравейники», в которых каждый человек занят каким-либо своим делом. Другая интересная особенность фотографий немецкого мастера – съемка с высокой точки. Для этого он даже забирается с фотооборудованием на строительные краны и высотные сооружения, а также снимает с вертолета.

В своих полотнах Гурски демонстрирует публике современный мир потребления и огромные производственные ландшафты. Зачастую в фотоизображениях совершенно нет какой-либо сюжетной линии или подтекста. Фотографии же со скоплениями людей поражают, прежде всего, своей статичностью и монотонностью. Словно все движения и жесты людей, зафиксированные одновременно, в сумме исторического развития не дают ничего.

Собственное творчество Андреас Гурски описывает как область искусства, которую нельзя отнести к чистой фотографии. Действительно, из-за серьезной цифровой обработки работы немецкого фотохудожника нельзя назвать фотографиями в полном смысле слова. Скорее, это масштабные, псевдо реалистические фотокартины. Впрочем, автор отмечает: «Истоком всех моих работ является непосредственный визуальный опыт, на его основе я развиваю идею фотографии, пригодность которой проверяю в ателье, а затем разрабатываю ее и уточняю с помощью компьютера».

Умные и сложные монтажи Андреаса Гурски пользуются большой популярностью у публики и частных коллекционеров, интересующихся произведениями современного искусства. Спектр его фоторабот охватывает самые разные темы – от архитектуры и природных ландшафтов до музыкальных концертов с массовым скоплением людей. Но везде мы видим огромный пространственный мир с идеальной структурой и детализацией. В 2010 году Гурски вернулся к корням и стал профессором в Академии художеств в Дюссельдорфе, где он воспитывает собственных учеников.

Если вы еще не знакомы с именем «Андреас Гурски», то советую вам поскорее восполнить этот пробел, заглянув хотя бы в Википедию. Потому что это «один из величайших ныне живущих фотографов» (это устойчивое словосочетание повторяется во многих текстах) и это определение так же верно по отношению к его художественным претензиям, как и буквально, в физическом смысле: мало найдется фотографов, чьи работы занимают так много места в пространстве. И именно по ним потомки будут судить о состоянии нашего мира и нашего искусства сейчас – на рубеже тысячелетий. Кроме информации о том, что Гурски «величайший», в любом тексте о нем вы найдете также магическое число 3346456 – это сумма в долларах, за которую фотография Гурски «99 центов» была продана на аукционе «Сотбис» в 2007 году. На тот момент это была (да и сейчас остается) самая высокая цена за фотографию. Гурски не только один из самых великих, но и самый дорогой фотограф современности.

99 Cent, 1999

Что же увидит зритель, пожелавший в общих чертах ознакомиться с работами этого немецкого мастера, начинавшего свой творческий путь в восьмидесятые? Скорее всего, он увидит ровный, бесстрастный, разноцветный пейзаж, снятый с очень высокой точки зрения. В пейзаже, вероятно, обнаружатся следы человеческого присутствия – ровные дороги, геометрические пляжи, бесконечные ряды окон бесконечно протяженных блочных домов или завораживающе эпические груды мусора. Также высока вероятность увидеть много людей на стадионе, много товаров в супермаркете, много клерков в огромном офисе или много светящихся ячеек на потолке. Если дальше пытаться описать сюжеты Гурски словами, получится совсем не впечатляющая констатация скучных фактов банальной повседневности. Но, представьте себе, что любое из этих изображений имеет размер, например, 2х5 метров, потрясающую четкость во всех планах и мельчайших подробностях – в каждом квадратном сантиметре отпечатка, и, чем дольше вы рассматриваете его, тем яснее понимаете, что с этой реальностью что-то не так. Потому что она совершенна.

Stateville, Illinois, 2002

Она бесстрастна, ритмична, ровна, однородна, монотонна, неподвижна, величественна и вечна, как ровные ряды блоков в египетских пирамидах. (Фотография этих блоков у Гурски тоже есть). Она бесконечно воспроизводит сама себя и отражается сама в себе, как в поставленных друг напротив друга зеркалах. Распродажа «все по 99 центов» — это идеальная, абсолютная распродажа, где среди баночек и шоколадных батончиков, безупречно сбалансированных по цвету, нет ни одного лишнего или случайного. Толпа посетителей ночного клуба – это не хаотичное скопление индивидуумов — это подчиненное безупречной внутренней логике и высшей природной математике четко организованное сообщество муравьев, каждый из которых выполняет свою функцию. Теперь, пожалуй, это описание выглядит зловеще. Но и снова это не так. Гурски не демонизирует реальность, не критикует ее, и не стремится продемонстрировать зрителю бездушную жестокость Системы. Он просто наблюдает, констатирует и постигает законы современности. За фотографом закрепилось прозвище «око Бога».

Untitled XIII (Mexico), 2002

Действительно, мысль о чем-то божественном приходит сама собой, если вместе с Гурски бесстрастно посмотреть на мир из отдаления, увидеть одновременно все целиком и каждую деталь в отдельности, понимая, что у тебя не два глаза, а сотни, и что ты находишься не в одной точке пространства, а во всех сразу. Ты начинаешь ощущать присутствие невидимых принципов скрытой логики, по которой организовано все вокруг, и понимать, что всё, что ты видишь, имеет значение и находится здесь не случайно. Повседневность предстает во всем своем великолепии и грандиозности. Гурски удаляет некоторые лишние детали, а другие расставляет в нужном порядке и ясная структура реальности являет себя нашим глазам.

NHA Trang, 2009

Андреас Гурски применяет в своей работе цифровой монтаж с середины девяностых годов. Почти каждое его произведение сделано с использованием сложного оборудования, в работе часто бывают задействованы вертолеты и подъемные краны. Большие массы однородных повторяющихся объектов, к которым фотограф питает пристрастие – это натура, которая сама себя превращает в абстракцию, в оптический феномен. Гурски лишь немного помогает ей в этом, добиваясь почти живописного, а не фотографического вида своих работ. Действительно, разве это все еще фотография? Сравнение с живописью – еще одно общее место в статьях о Гурски. Он «пиксельный живописец», конструирующий собственную реальность, которая только похожа на настоящую, но, на самом деле, это ни что иное, как выстраивание картины мира, подобно тому, как это делали живописцы предшествующих эпох, выражая свою философию бытия в эпических пейзажах, где так же не было места ничему случайному, а композиция была безупречна. Отчасти это действительно так. Но все же, для Гурски это фотография. Пока в изображении существуют реальные элементы, оно является фотографией.

Montparnasse, 1993

«Я сравниваю свою работу с работой писателя. Он описывает свои воспоминания и впечатления. Так же, как писатель свободно соединяет разные мысли, так и я работаю с фотографией. Это не прямая документалистика, но детали, которые я сопоставляю друг с другом, происходят из реального мира, они существуют». Многие художники считают, что именно фотография сейчас является самым адекватным современному сознанию средством эстетического познания мира. Живопись давно утратила эту роль. Поэтому современное обобщенно-философское произведение искусства, которое говорит со зрителем о важных глобальных вещах, должно выглядеть, как фотография. Но вмещать в себя гораздо больше смыслов, чем способна передать обычная камера. «Реальность можно показать, только сконструировав ее», — говорит Гурски. Однако, «даже если изображение полностью придумано и сконструировано, зритель должен быть способен представить, что оно может существовать в реальном пространстве. Мне не нравится, если изображение выглядит полностью сюрреальным. Даже если я делаю монтаж, я не хочу, чтобы это бросалось в глаза».

Copan, 2002

Гурски действительно претендует на всеохватность и эстетическое обобщение опыта современной жизни. Современная жизнь глобальна, технологична, многолюдна, относительно комфортна, сравнительно роскошна. Она наполнена множеством отдельных интересных деталей, но мастера интересуют всеобщие законы, по которым она функционирует. В своей работе «Рейн I» Гурски стремился показать не просто реку, не конкретную реку, а современную реку. Однажды в поисках идеальной промышленной зоны он объездил несколько десятков всемирно известных промышленных компаний, но понял, что ни одна не подходит для воплощения его замысла, потому что среди них ему не встретилось того, что он искал – ни одной типичной, идеальной, лишенной примет конкретного места или ярких индивидуальных особенностей. Тогда он понял, что чистая фотография не способна удовлетворить его. Выразить свое понимание мира он может только уплотняя, мульциплицируя, изменяя реальность. Делая это, он стремится приблизиться к сущности реальности, которая не заметна простому глазу, показать организующие принципы жизни в целом.

Rhein II, 1999

Андреас Гурски принадлежит Дюссельдорфской школе концептуальной фотографии, у основания которой стоят знаменитые супруги Бехер, на протяжении десятилетий создававшие фотографический каталог забытых объектов промышленной архитектуры. Все ученики Бехеров (и Гурски в том числе) в той или иной степени занимаются сведением современной жизни к абстракции. Все они начинали, а некоторые продолжают работать с потоками однородного материала, взятого из простой повседневности и искать в нем нечто типическое – типичные интерьеры, типичные семьи, типичные улицы. И почти для каждого их этих фотографов главным предметом анализа является сама фотография и ее способность структурировать и объяснять реальность. Они стремятся выявить некую принципиальную сущность, — что-то, что всегда переходит из фотографии в фотографию, найти универсальную схему. Все ученики Бехеров стали звездами, но только Андреасу Гурски случилось стать «великим современным фотографом». Безусловно, не только потому, что он решает глобальные фотографическо-философские вопросы, но и потому, что он делает это зрелищно, создавая грандиозное шоу.

F1 Boxenstopp I, 2007

F1 Boxenstopp I, 2007 (фрагмент)

Это имеет и обратную сторону. Некоторые критики, например, бельгийский искусствовед Стефан Бейст ставят под вопрос степень художественной ценности работ Гурски. Возможно, фотограф не столько адекватно и всеохватно выражает нашу эпоху, сколько сам является ее продуктом – продуктом того мира высоких технологий, глобализации и потребления, который он пытается анализировать. Гигантский размер и высокое качество технического исполнения его фотографий завораживают критиков и автоматически внушают им мысль о своей «эпичности» и «монументальности», в то время как на самом деле являются не более чем гигантскими постерами, которые эффектно смотрятся на стене. Гурски создал бренд, занял прочное место на рынке и, возможно, сам стал заложником этого бренда. Не каждый художник имеет средства создавать такие масштабные шоу, не каждый может конкурировать с Гурски на этом поприще, но, возможно, теперь в его работе именно технология определяет содержание, а не наоборот. Будет ли Гурски восприниматься столь масштабным и глубоким автором, если перейдет на меньший формат? Будет ли он также хорошо продаваться? Останутся ли его работы столь величественно-монументальными? Впрочем, очевидно, что не все по-настоящему монументальные работы должны быть громадными и не все громадные вещи монументальны.

Они просто «маст хэв» для новой элиты искусства.

В 2011 году фотография «Рейн II» шириной 3,5 метра, сделанная ныне 62-летним немецким фотографом в 2009 году, ушла с молотка за 4,3 миллиона долларов, став самой дорогой фотографией, когда-либо проданной с аукциона. (Больше заплатили лишь за снимок «Фантом» Питера Лика , но это была частная сделка, не аукционная.) Теперь работы Гурски постоянно раскупают за крупные суммы.

«Рейн II», 1999.

Основной темой снимков фотографа часто выступает мир современной глобализированной повседневности. Сам Гурски остаётся загадкой: характерно, что он не давал интервью, даже в поддержку выставок, и предпочитал, чтобы его работы говорили сами за себя, не делая громких заявлений.

Так кто такой Андреас Гурски и о чём его работы?

Он для этого родился

Учитывая, что и его дедушка, и отец были фотографами (у отца была успешная карьера в рекламной фотографии), Андреасу Гурски, казалось, просто суждено было взяться за фотокамеру. Как-то он сказал, что изначально «отвергал всё, связанное с фотографией», но затем подумал, что сможет выразить себя через неё. На заре карьеры Гурски провёл несколько коммерческих съёмок для компаний Osram и Thomson, прежде чем продолжить в художественном русле.

Он принадлежит к Дюссельдорфской школе

Наряду с Томасом Руффом, Кандидой Хёфер, Томасом Штрутом и Акселем Хютте, Гурски принадлежит к Дюссельдорфской школе. Образование он получил в Дюссельдорфской академии художеств и учился у концептуального фотографа Бернда Бехера, который с женой Хиллой создавал прекрасные тотемические изображения промышленных зданий.

Гурски до сих пор живёт с семьёй в Дюссельдорфе, в промышленной подстанции, переделкой которой занималось швейцарское архитектурное бюро «Херцог и де Мёрон», известное разработкой проекта галереи Тейт Модерн в Лондоне (в здании и квартира, и студия). Используя яркий цвет, изменяя свои сюжеты, включая человеческие фигуры, Гурски, безусловно, отличается от Бехеров, но он во многом обязан Бернду, настаивавшему на укоренении в фотографии высокой точки съёмки.

Первая опубликованная фотография Гурски – его газовая плита

Сегодня Гурски известен как экспансивный фотограф, автор грандиозных кадров, представленных в монументальных масштабах (2х4 метра). Но начинал он скромно, с плиты в своей дюссельдорфской квартире. «Я готовил на ней, а через некоторое время увидел это как изображение», – сказал он. Сегодня его методы менее спонтанны, но уже тогда проявились намёки на особенности последующих работ: высокая точка съёмки, ровные тона, точная композиция.

«Газовая плита», 1980.

Гурски одним из первых пришёл к цифровому искусству

Гурски занялся цифровым фотомонтажем ещё в 1992 году. По-прежнему снимая на широкоформатный плёночный фотоаппарат, он переходил к сканированию кадров, а затем приступал к процессу кропотливых манипуляций. Часто единое изображение собирается из нескольких фотографий. Поэтому он создаёт всего несколько готовых работ в год. Иногда цифровая постобработка усиливает реалистичность, как в снимке «Париж, Монпарнас» (1993), где слияние двух изображений позволило отобразить широту и протяжённость модернистского блока. А в фотографии «Рейн II» Гурски удалил детали на горизонте, объяснив обработку так: «Как ни парадоксально, этот вид на Рейн не мог быть получен на месте, доработка была необходима, чтобы обеспечить точный образ современной реки».

«Париж, Монпарнас», 1993.

Его сюжеты варьируются от канатных дорог до политических митингов и Бэтмена

В молодости Гурски много путешествовал в поисках вдохновения, прежде чем останавливался на конкретном сюжете, например, когда запечатлел фуникулёр, поглощённый величием Доломитовых Альп в снимке «Доломиты, канатная дорога» (1987). Похожая атмосфера и в «Ниагарском водопаде» (1989). Упомянутые работы относятся к ранним пейзажам фотографа, которые он назвал «внеземной» перспективой. Далее в его снимках сменилась тематика, появились супергерои, в том числе Железный Человек и Бэтмен, взятые из блокбастеров. Чудом получив разрешение на съёмку, он фотографировал на фестивале «Ариранг» в Пхеньяне, Северная Корея. Гурски запечатлел невероятный масштаб этого грандиозного мероприятия.

«Доломиты, канатная дорога», 1987.

Он снимает с подъёмных кранов и вертолётов

Гурски занимает высокую позицию при съёмке и называет это «взгляд глазами Бога». Такое расположение позволяет ему правдиво, без искажений охватывать грандиозные объекты, а также отражает беспристрастность автора, что пронизывает всю его работу.

Он преодолевает любые трудности, чтобы сделать задуманные снимки; получает доступ к крышам, использует подъёмные краны и даже вертолёты, как при съёмке Бахрейнского ипподрома, когда он два часа снимал с разных ракурсов, чтобы сформировать единую композицию. Его более поздняя «Океанская» серия основана на ещё более отдалённом взгляде. Гурски использовал спутниковые снимки морей высокого разрешения, снятые с далёкого расстояния от Земли.

Гурски фотографирует глобализм

Ни один фотохудожник так блестяще не представлял крайности глобализма, как Гурски. От мусорного полигона в Мехико до обширных, бездушных производственных линий и маниакально оживлённых фондовых бирж; от бесконечных цветных полок в магазине «99 центов» до невозмутимых минималистичных витрин в Prada – его изображения являют собой визуальную хронику глобальной капиталистической машины. Он настаивает на том, что в его работах нет политических мотивов. По признанию фотографа, он стремится «изучить визуальный мир и узнать, как всё держится вместе», а зрители могут составлять собственное мнение.

Гурски – фотолетописец «человеческого вида»

Слово «вид» – ключ к его отстранённому, почти научному взгляду. В отличие от других великих фотолетописцев человеческой жизни, он признаёт, что озабочен «скорее абстрактным явлением, чем эпизодическими проблемами». В фотографии «Ниагарский водопад» (1989), люди теряются на фоне природы, кажется, лодку вот-вот поглотит каскад воды. А в «MayDay IV» (2000) подобный трепет вызывает бесконечная масса народа.

«Ниагарский водопад», 1989.

«MayDay IV», 2000.

Гурски – фанат техно-транса

Электронная музыка оказала глубокое влияние на фотографа. В 1997 году он начал работать над серией, которую снимал на огромном немецком фестивале «Mayday», улавливая растущий энтузиазм бурлящей массы танцующих людей. Он также снимал на фестивале в Нидерландах Dance Valley и в клубе Cocoon во Франкфурте, которым владеет друг фотографа, диджей Свен Фэт . Гурски достиг потрясающего эффекта, обрабатывая изображение испещрённого интерьера с помощью программы архитектурного моделирования.

«Без названия XVI», 2008. Андреас Гурски клубе Cocoon.

Он – Хичкок в фотографии

Гурски начал появляться в своих произведениях. В «May Day V» (2006) он – улыбающийся гуляка на фестивале. Ещё в одной из работ, навеянных ночным клубом Cocoon, «Без названия XVI» (2008), он присел на полу, и рассматривает кусок материала, похожего на тот, которым отделана стена. Подобно Хичкоку, с этими деталями он хочет затащить нас в самое сердце своих фотографий, а, оказавшись там, вырваться будет сложно.

Amazon, 2016.

Ле-Ме, 2016.

Media Markt, 2016.

Обозрение, 2015.

Хранилище, 2014.

V&R, 2011.

Чикагская торговая палата III, 2009.

Cocoon II, 2008.

Пальма Джумейра, 2008.

Кувейсткая фондовая биржа II, 2008.

Без названия XV, 2008.

Бахрейн II, 2007.

Собор I, 2007.

Мировые острова Дубая I, 2007.

Пит-стоп в Формуле-1, 2007.

Франкфурт, 2007.

Остров Джеймса Бонда, 2007.

Римини, 2003.

Копан, 2002.

Грили, 2002.

Парад любви, 2001.

Мадонна I, 2001.

Чикагская торговая палата II, 1999.

Библиотека, 1999.

Без названия IX, 1998.

Аямонте, 1997.

Чикагская товарная биржа, 1997.

99 центов, 1999.

Энгадин, 1995.

Остров Гонконг, 1994.

Андреас Гурски. Ретроспектива | New Style

«Я преследую только одну цель: энциклопедию жизни»

Признание известного немецкого фотографа Андреаса Гурски можно поставить эпиграфом к первой масштабной ретроспективе его работ в Лондоне. Этой выставкой после двухлетней реконструкции открылась галерея современного искусства Hayward Gallery. На первый взгляд, внешний облик знакового здания в стиле брутализма изменился мало. Но в залах верхнего этажа поневоле вырывается возглас восторга: пространство галерей залито дневным светом, струящимся сквозь 66 пирамидальных фонарей, раньше скрытых дополнительной крышей. Эту крышу, спасавшую от протечки во время регулярных лондонских дождей, при реконструкции удалили, и стены галереи значительно «подросли» в высоту.

Так что свой 50-летний юбилей галерея Hayward встречает преображённой и готовой к новым открытиям.

Выставка крупноформатных, разогнанных до абстрактной монументальности фотографий Андреаса Гурски созвучна важному моменту в жизни галереи. Стиль этого немецкого фотографа мгновенно узнаваем. Почти физически осязаемая текстура. Высокая точка съёмки: использование «демократической перспективы», позволяющей дать каждому из элементов предельно детализированных сцен равные права. Взгляд всеобъемлющий, но отстранённый и беспристрастный. Огромные размеры. Гурски отображает физическую реальность, но мир в его фотографиях наделён своей независимой знаковой системой. Скорее, их можно назвать «сложносочинёнными» фотографическими полотнами.

Гурски говорит, что на создание фотографий его толкает желание понять изнутри, как и из чего складывается мир вокруг нас. Но не менее ценна для художника и «чистая радость наблюдателя». Фотографии Гурски – не только описания мест и ситуаций; это и размышления о природе фотографии, и пределах человеческого восприятия.

На художественный почерк Гурски серьёзное влияние оказали стиль и эстетика творчества его учителей, фотографов Бернда и Хиллы Бехер, известных своим методом «каталогизации» индустриальных панорам. Особенно это ощутимо в более зрелый период, когда в фотографиях Гурски появились огромные промышленные объекты – фабрики, заводы, склады, отели, офисы. Андреаса интересуют события, привлекающие огромное количество людей – Олимпийские игры, марафоны. Путешествуя по миру, фотограф запечатлевал «человеческие муравейники» – толпы людей, танцующих на аренах фестивалей, толкущихся на рок-концертах, в залах биржи; снимал панорамы ночных городов, переливающихся многоцветными огнями вывесок и электрических линий. И если поначалу Гурски избегал компьютерной обработки, то с середины 90-х стал активно её использовать: это даёт Андреасу возможность создавать в фотографиях гораздо большее пространство, чем то, что захватывает камера при съёмке.

Несмотря на скромность названия – «99 центов» – фотография Гурски в 2007 году была продана за 3,3 млн. долларов. Рекорд продержался недолго: в 2011 его же работа «Рейн II» на Christie’s ушла за 4,4 млн. долларов, став самым дорогим снимком в истории аукционов.

Andreas Gursky

25 января – 22 апреля 2018

Hayward Gallery

Southbank Centre,

Belvedere Road,

London SE1 8XX

www.southbankcentre.co.uk/venues/hayward-gallery

Андреас Гурски — самый дорогой фотограф современности

Талантливый фотохудожник родился в Лейпциге, но свои юношеские годы провел в Дюссельдорфе, где

Гурски, Андреас (Andreas Gursky)

2. Творчество.

(Creativity)

Немецкий фотограф Андреас Гурский родился в 1955 году. фотографии прошли обучение в три этапа. В Дюссельдорфе, где он вырос, его отец, успешный рекламный фотограф, научил своего сына всем тонкостям и премудростям торговли. В конце 70-х Гурский провел два года в Эссене – в школе Фолькванг, знаменитого учебного заведения для подготовки профессиональных фотографов. кроме того, в начале 80-х Гурски учился в Государственной Академии искусств в Дюссельдорфе, который благодаря таких художников, как Йозеф Бойс, Зигмар Польке и Герхард Рихтер, стал колыбелью немецкого послевоенного авангарда. жизнь ведет его по разным уголкам планеты: он был в Гонконге, Каире, Нью-Йорке, Бразилии, Токио, Стокгольме, Чикаго, Афинах, Сингапуре, Париже, Лос-Анджелес и многие другие города. темы его ранних произведений – это в воскресенье днем и путевые очерки – был заменен эстетикой крупных заводов, гостиниц, офисных зданий и складов. до середины 90-х не обрабатывают свои снимки на компьютере, но позже пришлось прибегнуть к такого рода материал для создания большего пространства, чем то, что может запечатлеть фотоаппарат. теперь его стиль абсолютно узнаваем: огромные полотна фотографий с практически осязаемой текстурой, сделанные обычно с высокой точки съемки.

Фотографии Гурски нужно рассматривать только в натуре, т. е. в естественном большое значение, когда два или три выстрела достаточно, чтобы заполнить значительный выставочный зал.

На первый взгляд, его фотографии поражают только своими размерами: разошлись с использованием методики C-print (C-печать) для 2 х 4 метра, такие изображения считаются в порядке вещей. если они ближе, то можно увидеть, как шарики у него все планы и все фигуры независимо от их удаленности. как на картинке с водителями и зрители на трассе-серпантину «Тур де Франс», же, что у подножия горы, на вершине. это настораживает. еще более тревожным является плотность Гурский наполняет ваши снимки людских толп, товаров, отходов и архитектурные детали. казалось бы, что это должно быть, когда фотограф делает современный «человеческие муравейники», огромные толпы людей, фрезерование рок-концерты или по кольцу, летают на обмен или плотно дефилируя по спорту и военный парад на стадионе в Пхеньяне. однако все эти цифры как-то странно слишком много. это как реальность, но это не реальность, но это преувеличение, что не было ничего, но приманку не назовешь. И потом, хотя многие снимки Гурски, сделанные с высоты птичьего полета, что он действительно лезет на строительные краны и небоскребы, съемки с вертолета точки зрения неопределенный срок, как и персонал. попробуем подсчитать это на фото с ралли в Монте-Карло, где без видимой связи складываются из трех различных видов. но это не вид из космоса, и даже выше прогнозируемых уровней, которые некоторые критики интерпретируют, и говорить не буду.

Оставляя за собой различные спекуляции и мистификации, чтобы прояснить этот вопрос: точки зрения Гурский – «фотошопная». С ее помощью цифровой он сочиняет его найти квази-натуралистическое фото-рассказ. вернее, это фотографии. потому что Андреас Гурски первый художник: он окончил дюссельдорфскую Академию искусств. однако, объяснить, что преподаватели этой академии – сплошь концептуальные художники: Йозеф Бойс, Ханс Рихтер, Бернд и Хилла Бехер. Наконец, просто специализируя в концептуальной фотографии, и учился Гурский. В некотором смысле он даже превзошел, на основе современных компьютерных технологий. С их помощью и создается скученность персонала, когда из-за сложной установки сочетает в себе образы тех же местах скопления людей или события, сделанные с определенным интервалом времени. С одной стороны, этот фокус называют кино, с другой, как выясняется многофигурную композицию, это просто картинка, которую уже не раз хоронили. эта история, но довольно странно: без галстука и без кульминации, и, как выясняется, даже без авторской позиции. что вы можете сказать о толпах слуг, снующих на разных этажах офисного здания или на гигантской полки с товарами в супермаркете? Банальность. С другой стороны – и здесь своего рода политкорректность: все видно без углов и искажения, так что все равны. но умножается и изысканный в деталях банальности, к тому же разогнан до размеров монументального полотна, действительно производит завораживающее впечатление. Нет, это не красота, а нечто другое. в начале прошлого века искусствовед Павел Муратов писал: Мы просто, как правило, используют классическое определение, когда имеешь дело с современным искусством, говоря «красота» где надо было бы сказать просто «эмоция». вы можете думать, что уже рассчитали Муратов «звезду» Гурский.

Работы Гурски монументальны не только по своим размерам — монументальный мир, запечатленный на них. но мы не видим здесь ничего особенного, ничего исключительного. эти файлы чаще всего здесь вообще ничего не происходит. материал для Гурски на мир современной глобализированной повседневности — мир производства и потребления, стерильных городских ландшафтов и ландшафтный дизайн. можно выделить два вида фотографий Гурски. некоторые не показали почти ничего: их побочный сюжет минимизирован до предела. с другой, напротив, очень многое изображены: обычно, это человеческий толпе, как видно из выше посмотрите в стороне, всестороннее и беспристрастное. этот взгляд не дает предпочтения никому и ничему конкретно, но тщательно фиксирует каждую деталь.

Иногда эти работы буквально до краев заполнены фигурками людей. но в этих картинах окончательный эффект проходимости особенно сильны. кажется, что все движения, все жесты захваченного в то же время, их сумма ноль. ноль развития, ноль историчности: статике, но не в виде мира, а в форме непрерывного движения, монотонность — но бесконечно дробной и разнообразной. учредительный фотографии умение поймать момент, на лету, заморозить его приобретает в работах Гурски имеет особый смысл: такое ощущение, что всю жизнь ловил на лету и на этом стоп, раскрывает ее истинную Парменида суть которого состоит в иллюзорности всякого движения, всякого развития.

Этот эффект связан, по-видимому, с пространственным расстоянием, которое находится фотограф по отношению к «жизни», что позволяет ему показывать это «жизнь» как целостном контексте, что превосходит суммарную разницу. художник смотрит на мир с высоты птичьего полета — и с поистине птичье бдительность, чтобы не упустить из виду ни одной детали. внешний вид и позволяет Гурский показать «жизнь» в целом. даже если это на одном пространственном уровне с ее сюжетом, фундаментальные остается возможность полного охвата всей структуры в целом контексте, возможность объединять отдельные темы, демонстрируя преобладание личности над разницей и порядка над хаосом.

Визитной карточкой Гурски являются панорамные фотографии большого формата, сделанные, как правило, с высокой точки. В 2007 году работа Гурски «99 центов» 1999 г. была продана за $3 340 456, установив новый рекорд цены за фотографию. покупатель — украинский бизнесмен Виктор Пинчук. И в 2011 году работа А. Гурский «Рейн II» была куплена анонимным покупателем Christies Impressionist and modern (Кристи импрессионистов и современного) art для справки 4.4 миллионов долларов, став таким образом самым дорогим снимком за всю историю аукционов.

Андреас Гурски и множественная перспектива — Агентство городских новостей «Москва»

Андреас Гурски и множественная перспектива

28. 04 — 28.04 19:00

В апреле в галерее «Открытый клуб» пройдет мини-курс лекций искусствоведа Елены Якимович «Современные фотографы. 1960-1990-е»

Наши герои — три современных фотографа: основатель «современного взгляда» Уильям Эгглстон, художница, использующая фотографию как средство — Синди Шерман, и концептуальный фотограф Андреас Гурски. Все трое – ныне действующие участники художественной сцены, и вместе с тем устоявшиеся «классики современности», о значимости которых уже можно делать выводы.
Разговор пойдет о важных для современной фотографии вопросах: Как искусство становится фотографией? Почему новая фотография поглощает или отрицает классическую? Как меняется роль смотрящего? Что такое арт-инженер? Как художник может описывать человека и его место в мире? Почему появился новый фотоязык, где порой нет места образу и настроению?

В заключительной лекции мини-курса речь пойдет об Андреасе Гурски. Фотограф продолжает традиции фотографической Дюссельдорфской школы, заложенные ещё Берндом и Хиллой Бехер в 1960-е годы. Немецкий фотограф исследует индустриальную реальность, при этом безупречная точность и детализация изображения соседствуют с «холодным», имперсональным взглядом концептуалиста. Гурски с помощью высоких точек съемки и фотомонтажа создает эпические образы современного мира, где люди лишаются личного и становятся почти абстрактным узором, а взгляд зрителя оказывается раздроблен.

Елена Якимович — кандидат искусствоведения, член Ассоциации искусствоведов Специализация: история фотографии 19-20 веков в Западной Европе и Северной Америке; взаимные влияния живописи и фотографии; живопись Франции второй половины 19 века. Преподаватель Института дополнительного образования РГГУ.

Начало в 19:00

Адрес: ул. Спиридоновка, д. 9/2

Коллекция Джулии Стошек / Андреас Гурски / PinchukArtCentre

Рейн на Днепре: Коллекция Джулии Стошек / Андреас Гурски

Выставка, которой PinchukArtCentre начал третий год работы, беспрецедентна своей масштабностью, ансамблем имен и самой медийной коллизией — движущийся экранный образ и, плотно спрессовавшая пространства и времена, статика фотографии, разместится на трех этажах арт-центра. Первая крупная выставка известного немецкого фотографа Андреаса —Гурски (Andreas Gursky) в Украине представил 24 мега-фотографии, созданные в период с 1987 по 2008 год. Также посетители увидели 18 видеоинсталляций, демонстрирующих избранные работы из Коллекции Джулии Стошек (Julia Stoschek Collection). Третьей составляющей уникального международного культурного проекта стал концерт пионеров электронной музыки — легендарной группы Kraftwerk на открытии выставки 27 сентября.

Гурски не случайно называют «оком Бога». Ему присуще мета-видение, которое чрезвычайно актуализируется в дигитальную эпоху. Фотоколлажи Гурски, которые запечатлели фасады анонимных небоскребов, огромные офисные пространства, скопления биржевых маклеров, мега-ландшафты, трассы и болиды Формулы-1, интерьеры галерей или клубов, поражают своей двойственностью: несмотря на их гиперреалистичность, зритель не верит своим глазам, что перед ним настоящее, а не фикция, фантом… В коллекции Джулии Стошек показаны работы как представителей классических позиций периода становления видеоарта конца 60х, таких, например, как Брюс Нойман (Bruce Nauman), так и работы современных адептов видеоарта — Янковского (Christian Jankowski) и Роберта Бойда (Robert Boyd) — в которых прослеживаются разные подходы, раскрывающие тему разрушения/созидания, внутреннего/внешнего.

27 февраля 2021 — 15 августа 2021

PinchukArtCentre представляет «Хвостохранилище» – персональную выставку Даниила Ревковского и Андрея Рачинского в рамках PAC UA, программы PinchukArtCentre, целью которой является инвестирование в создание новых работ и обеспечение кураторской и институциональной поддержки украинским художникам.

27 февраля 2021 — 15 августа 2021

PinchukArtCentre представляет «Вспомнить день прошедший» – групповую выставку украинских художников. Это первый проект в рамках новой серии выставок, которые будут объединять работы украинского искусства из коллекции PinchukArtCentre, в основном сосредоточенной на 90-х и начале 2000-х годов, с новыми специально созданными или предоставленными для выставок недавними работами.

27 февраля 2021 — 15 августа 2021

PinchukArtCentre представляет «Камень бьет камень» – выставку Никиты Кадана, организованную в контексте деятельности Исследовательской платформы PinchukArtCentre. Его первая персональная выставка в Украине демонстрирует как новые, так и существующие работы, которые являются рефлексией на темы украинской истории, политического насилия, национального исторического наследия, авангарда и советской утопии. Эта выставка исследует вызовы настоящего времени в неразрывной связи с прошлым, используя историю, чтобы осветить настоящее и представить будущее.

пространство не должно быть живописным, оно просто должно работать – Газета Коммерсантъ № 60 (3877) от 10.04.2008

Биеннале фото

Сегодня в фонде «Екатерина» при поддержке «Билайна» открывается одна из главных выставок Московской фотобиеннале — ретроспектива немецкого фотографа Андреаса Гурски. Его многометровые снимки-картины выставляли крупнейшие музеи современного искусства. АНДРЕАСУ ГУРСКИ принадлежит и мировой аукционный рекорд на фотографию — $3 млн 340 тыс. 456 (на Sotheby`s в 2007) году. Автор самой дорогой в мире фотографии ответил на вопросы ИРИНЫ Ъ-КУЛИК.

— Что изменилось после того, как ваша работа «99 центов» ушла на торгах за три с лишним миллиона долларов?

— Мне все время задают этот вопрос. Я не думаю, что это сильно влияет на мое творчество, но к тому, что работы становятся все дороже и дороже, постепенно привыкаешь. А почему так происходит — это должны мне объяснить вы, критики.

— Как вы находите такие поразительные точки съемки, так что в кадр помещаются обитатели целых бирж, супермаркетов и стадионов?

— Раньше я просто делал снимок, увеличивал его и наклеивал на плексиглас. А в последние годы я стал использовать «Фотошоп». Я делаю множество снимков, отбираю необходимые, делаю эскиз, по которому специально обученный человек уже делает компьютерную обработку. Я могу совместить в одной работе несколько снимков, сделанных в одном и том же месте, но в разные моменты времени. Или же, как на одной из представленных в Москве фотографий, сделать витражи готического собора не цветными, но черно-белыми — чтобы они воспринимались как некий текст. А для того чтобы добиться нужного ракурса, я снимаю с высотных зданий, с кранов, с вертолета.

— С чьей точки зрения вы стараетесь показать мир?

— Нет, это не взгляд бога — если вы это имели в виду. Но и не взгляд обычного человека, находящегося в гуще повседневной жизни. Скорее, это точка зрения некоего исследователя, который наблюдает мир на расстоянии, изучает его и пытается понять его конструкцию, логику его развития.

— Вашими учителями были классики концептуальной фотографии — чета Бехеров, прославившихся черно-белыми снимками водонапорных башен. Чему вы у них научились?

— Моим первым учителем был мой отец-фотограф, именно у него я получил технические навыки. А у Бернда и Хиллы Бехер я учился, в основном просто глядя на их работы. Хотя не менее значимым был и сам их образ жизни, который мы, студенты, могли наблюдать, потому что они часто работали с нами у себя дома.

— На московской выставке есть фотографии, сделанные в Северной Корее. Как вам удалось получить разрешение на съемки в такой закрытой стране?

— Эти снимки были сделаны во времена Ким Ир Сена. У меня не было специального разрешения на съемку, я просто нашел в Кельне маленькую туристическую компанию, которая вывозила в Северную Корею небольшие группы — благодаря связям, сохранившимся еще со времен ГДР. Требовалось заявить, что ты ни в коем случае не осуждаешь северокорейский политический строй и направляешься туда с визитом доброй воли. Меня совершенно потрясло хореографическое представление на стадионе. Чтобы получить нужные снимки, мне пришлось смотреть и снимать его семь дней подряд.

— Каким образом вы выбираете места для съемок, что вас интересует в тех или иных городах и странах?

— На всех моих снимках представлены образы, связанные с человеческой деятельностью. У меня нет каких-то идеологических предпочтений в выборе стран — это может быть Европа, Россия, США. Я не могу сказать, что я люблю одну страну больше, чем другую. Меня интересует не место, но пространство. Оно не должно быть живописным или экзотическим, оно просто должно работать — как исправная батарейка, от которой можно подзарядиться энергией. И мне бы хотелось, чтобы этот заряд передавался зрителям, чтобы, выходя с выставки на улицу, они узнавали какие-то мои образы в том, что их окружает…

— Чтобы мир казался им более упорядоченным?

— Не совсем так. Моя цель — познание мира. Обычно, когда мы идем по улице, мы с головой погружены в повседневные заботы, в наши собственные мысли, шум машин, движение толпы. Камера на штативе — это своего рода перископ, позволяющий нам подняться над этим потоком и взглянуть на мир более аналитически.

Андреас Гурски | Гагосян

Вы никогда не замечаете произвольных деталей в моей работе. На формальном уровне бесчисленные взаимосвязанные микро- и макроструктуры сплетены вместе, что определяется общим организационным принципом.
— Андреас Гурски

От изображений природы до фотографий городов, толп и коммерческих товаров, Андреас Гурски изобретает новые миры из существующих элементов, создавая картины на основе своих методических наблюдений. На своих широкоформатных фотографиях с высоким разрешением он представляет гиперфокусированные сцены, которые не отдают предпочтение ни переднему, ни фоновому плану.

Гурски изучал визуальную коммуникацию в Folkwang Universität der Künste в Эссене, Германия, с 1977 по 1980 год. Затем он продолжил учебу в Kunstakademie Düsseldorf, где он был учеником мастер-класса Бернд и Хиллы Бехер, известного дуэта художников. за серию фотографий избранных типов промышленных сооружений или «типологий». В то время как Бехеры использовали стандартизированный документальный стиль, чтобы подчеркнуть общность, присущую вариациям, исследования Гурски подтолкнули его к расширению идеи фотографического документа, используя цифровые манипуляции и монтаж для записи определенных сцен, моментов и событий.Его работы начала 1990-х годов изображают фабрики, фондовые биржи, аэропорты, поля для гольфа, шоссе и здания, часто с высоты птичьего полета, которые раскрывают структуру толпы и инфраструктуры. В 1996 году он отошел от этой перспективы в пользу невозмутимого вида спереди, как в серии Prada (1996–1998), изображающей минималистские алтари роскошной моды, или, как в Prada II (1997), демонстрируя пустые полки, освещенные люминесцентными лампами.

В начале 2000-х Гурски начал оформлять свои фотомонтажи по классическим образцам репрезентации.В частности, фотографии Pyongyang (2007 г.), на которых запечатлены красочные калейдоскопические толпы исполнителей в Северной Корее, напоминают композиционные методы, использовавшиеся в эпоху Возрождения. Гурски последовал за этой серией фотографиями более неформальных толп, например, в Cocoon, известном немецком ночном клубе, спроектированном его другом ди-джеем Свеном Вэтом. Клуб с перфорированными металлическими стенами напоминает футуристический улей, и Гурски использовал его пещерный масштаб для создания гипнотических сцен, которые окутывают зрителя повторяющимися узорами.

В дополнение к своей работе, посвященной социальным явлениям, развлечениям и городскому планированию, Гурски интересуется реалиями планеты, часто сужаясь к водоемам, от Рейна в Германии до Чао Прайя в Таиланде. Серия Bangkok (2011 г.) изображает мерцающую, часто замусоренную поверхность этой быстро текущей реки с близкого расстояния. Для работ Ocean (2010 г.) Гурски использовал спутниковые фотографии высокой четкости, чтобы создать свою собственную интерпретацию моря и суши, создав сцены океанических просторов с береговой линией, видимой на самых внешних краях изображений.Фотографии Гурски — от экологических угроз до растущих толп и развития инфраструктуры — запечатлевают крайности настоящего момента.

Пейзажи Андреаса Гурски

Андреас Гурски наиболее известен своими широкоформатными фотографиями, которые он начал делать в 1980-х годах. Они часто напоминают детские книги из-за их широкоформатной и широкоугольной перспективы вместе с неожиданными объектами в кадре. Мотивы природы и разнообразные формы пейзажей — неотъемлемая часть творчества Гурски.С 1990-х годов он использовал электронную обработку изображений, чтобы усилить композицию своих картин. Иногда эти манипуляции с изображениями очевидны на первый взгляд, но иногда последующая обработка дает более тонкий эффект, о котором вы можете заметить только со второго взгляда. Пейзажи Андреаса Гурски отмечены тем, что в них всегда есть след человека. Он тематизирует природные явления, искусственную и инструментальную природу.

Доломиты, гондольный подъемник , 1987

Клаузенпасс , 1984
Энгадин I , 1995

Человек на природе

Некоторые из пейзажных картин Андреаса Гурски показывают мотивы, излучающие величие, такие как массивные скальные образования ( Klausenpass , 1984, Доломиты, канатная дорога, 1987 или Энгадин I , 1995 и Энгадин II , 2006) и стремительные водопады. ( Ниагарский водопад, , 1989 г.).Эти изображения огромных природных явлений рассыпаны или выстроены одно за другим, как муравьи, заставляя зрителя увидеть крохотные размеры человечества в перспективе. На некоторых картинах можно было почти не заметить присутствие человека; в Доломитовых Альпах , гондольный подъемник (1987), например, есть небольшое место, которое оказывается гондольным подъемником. Как только зритель осознает присутствие человека, возникает соблазн интерпретировать его как центр внимания в произведении, даже в этом обширном пейзаже, скрытом туманом.Благодаря выбранному формату люди кажутся крошечными, вписываются в пейзаж, как игрушечные фигурки. Помимо того, что на фотографиях изображена ничтожность крошечных людей по сравнению с огромной природой, они показывают, прежде всего, одно: покорение природы человеком. Фотографии заставляют нас осознать, что на Земле нет места, которое не осталось бы нетронутым, исследованным или деградировавшим из-за присутствия человека. Эти фотографии также показывают, что возвышенная природа стала фоном для фотографий из отпуска; он стал потребительским продуктом.

Beelitz , 2007
Ohne Titel XVIII , 2015
Bahrain II , 2007

Искусственная природа

В дополнение к этим пейзажным фотографиям, здесь есть несколько фотографий, которые на первый взгляд кажутся почти абстрактными и которые также затрагивают наши отношения с природой. В известном смысле это тоже «пейзажные» картины. Они представляют собой абстрактное изображение природы, искусственно преобразованное человеком.Примеры этих изображений: Rhine II (1999), Beelitz (2007), поля тюльпанов и гиацинтов ( Untitled XVIII-XXI , 2015-2016), а также Bahrain I (2005) и Bahrain. II (2007 г.) и фотографии групп искусственных островов в Дубае ( Dubai World I , 2007 г. и Dubai World II , 2008 г.). Фотография Beelitz 2007 года, обработанная цифровым способом, кажется абстрактной, но при ближайшем рассмотрении мы видим, что это поле спаржи.Абстрактная линейная конструкция, образованная черным пластиковым покрытием и серо-коричневой песчаной почвой, прерывается в тех местах, где мы видим отдельные комбайны. Фотографии поля тюльпанов (например, Untitled XVIII , 2015) имеют аналогичную композицию, но Гурски здесь не включает людей на снимке, что делает абстракцию еще более удивительной. Высокая степень абстракции делает фотографии более похожими на живопись. Здесь акцент на вертикальные линии и выбор цвета напоминают картину Марка Ротко, цветовое поле .То же самое и с фотографиями Бахрейна ( Bahrain II , 2007), где границы улиц и рекламные места несколько скрывают тот факт, что они представляют собой асфальт и песок пустыни. Даже изображения Рейна, обработанные впоследствии цифровым способом ( Rhine II , 1999), которые на самом деле состоят только из вертикальных линий и чередующихся зеленых и серых поверхностей, напоминают произведения живописи с твердыми краями. Здесь проявляются искусственность якобы «естественных» ландшафтов и жестокость, с которой человек вмешивается в течение природы (например, в выпрямление рек).Эти «пейзажи» больше не имеют ничего общего с нашим повседневным представлением о красивой природе или ландшафте. Они кажутся совершенно искусственными, но в них есть что-то эстетически привлекательное. В пейзажных картинах Андреаса Гурски довольно тонко используется абстракция, чтобы зритель осознал наше полное отчуждение от природы.

Les Mées , 2006

Инструментализация природы

Гурски поразительным образом исследует взаимоотношения человечества с природой. Greeley (2002) и Fukuyama (2004) касаются огромных потерь, которые промышленное сельское хозяйство наносит на землю; Такие работы, как Untitled XIII (2002) и El Ejido (2017), осуждают загрязнение окружающей среды. Инструментализация и присвоение природных пространств также очевидны в работе Les Mées 2016 года, которая показывает холмистый пейзаж на юге Франции, на котором мы видим почти заполненную рамку фотоэлектрических панелей. Только горный хребет на заднем плане напоминает, казалось бы, идиллическую ушедшую эпоху.Фотография может опровергнуть ожидания — будь то создание этой инсталляции как вредного воздействия на природу или необходимого и долгожданного шага на пути к чистым источникам энергии. На этих изображениях мы являемся свидетелями усилий человечества, которые преследовали природу. Несмотря на очевидное обвинение, даже эти изображения соответствуют эстетике, типичной для Гурски. Их четкая композиция, формат, заимствованный из пейзажных фотографий, гармоничная цветовая концепция и богатство деталей делают даже эти мотивы интересными и приятными для просмотра.

Ohne Titel XIII , 2002
Fukuyama , 2004

Взаимодействие людей в природе

В пейзажных картинах Андреаса Гурски имманентно тематизируется его собственная среда. Его фотографии, некоторые из которых явно обработаны цифровым способом, ставят под сомнение правдивость фотографии. В то же время мотивы, которые он выбирает, обращаются к отношениям человека с природой. Его картины, кажется, запечатлевают мрачное и индустриализированное ориентированное на потребителя общество, которое из-за характера поиска предметов или абстрактной красоты фотографий окутано особой жизнерадостностью.То, что мы видим, — это инструментальная, в высшей степени искусственная природа, напоминающая поразительные острова Дубая, или, скорее, жестокое обращение.

Андреас Гурски — немецкий фотограф, известный своей камерой Linhof.

Андреас Гурски — большое искусство, большие деньги

Андреас Гурски родился в 1955 году, немецкий фотограф и профессор Художественной академии Дюссельдорфа, Германия. Он известен своими широкоформатными архитектурными фотографиями и цветными пейзажными фотографиями, часто использующими высокую точку зрения.Гурски делит студию с Лоренц Бергес, Томас Руфф и Акселем Хютте на Ганзейской аллее в Дюссельдорфе. Здание бывшей электростанции было преобразовано в студию художников и жилые помещения в 2001 году архитекторами Herzog & de Meuron, известными в галерее Tate Modern. В 2010-11 годах архитекторы снова работали над зданием, спроектировав галерею в подвале.

Но то, что его изображения привлекают цены, в большом или небольшом масштабе, впечатляет даже самого стойкого критика фотографии, который все еще сомневается в способности фотографии быть признанным «искусством» ».

Андреас Гурски — Художественная фотография на миллион долларов?

Гурски родился в Лейпциге, бывшая Восточная Германия, в 1955 году. Его семья переехала в Западную Германию, переехав в Эссен, а затем в Дюссельдорф к концу 1957 года. С 1978 по 1981 год он посещал Folkwangschule в Эссене, где он, как говорят, посещал учились у Отто Штайнерта. Однако оспаривается, что на самом деле это не так, так как Штайнерт умер в 1978 году. В период с 1981 по 1987 год в Kunstakademie Düsseldorf Гурски получил сильную подготовку и влияние со стороны своих учителей Хиллы и Бернд Бехер, фотографической группы, известной благодаря их отличительный, беспристрастный метод систематической каталогизации промышленного оборудования и архитектуры.Гурски демонстрирует такой же методический подход в своей крупномасштабной фотографии. Другие заметные влияния оказали британский фотограф-пейзажист Джон Дэвис, чьи детализированные изображения с высокой точки обзора оказали сильное влияние на фотографии уличного уровня, которые Гурски делал тогда, и в меньшей степени американский фотограф Джоэл Стернфельд.

Выставка Андреаса Гурски

В то время как в 1990-е годы Гурски не обрабатывал свои изображения в цифровом виде. С тех пор Гурски откровенно заявлял, что полагается на компьютеры при редактировании и улучшении своих изображений, создавая искусство пространств, больших, чем сфотографированные объекты.В статье для журнала The New Yorker критик Питер Шельдаль назвал эти фотографии «огромными», «яркими», «развлекательными» и «буквально невероятными». В той же публикации критик Кальвин Томкинс охарактеризовал Гурски как одного из «двух мастеров» «дюссельдорфской» школы. В 2001 году Томкинс описал опыт столкновения с одной из больших работ Гурски,…

Большой, как большой может быть

«Когда я впервые увидел фотографии Андреаса Гурски… У меня появилось дезориентирующее ощущение, что со мной что-то происходит, я полагаю. , хотя это казалось более обобщенным, чем это.Огромные панорамные цветные гравюры Гурски… некоторые из них высотой до шести футов на десять футов в длину… обладали присутствием, формальной силой и, в некоторых случаях, величественной аурой пейзажных картин девятнадцатого века, не теряя при этом ни одной из них. их тщательно проработанная непосредственность, как на фотографиях. Их предметом был современный мир, увиденный беспристрастно и издалека ».

В ретроспективе 2001 года Нью-Йоркский музей современного искусства описал работы художника как «изощренное искусство неприукрашенного наблюдения.Именно благодаря искусству выдумок Гурски мы признаем его мир своим собственным ». Стиль Гурски загадочен и невозмутим. Работы практически не имеют объяснений или манипуляций. Его фотография проста.

Фотография фестиваля Dance Valley Гурски, сделанная недалеко от Амстердама в 1995 году, изображает посетителей перед ди-джеем на большой арене под эффектами стробоскопического освещения. Падающий дым напоминает человеческую руку, удерживающую толпу в стазисе. Завершив печать, Гурски объяснил, что единственная музыка, которую он сейчас слушает, — это анонимный, насыщенный битами стиль, известный как Trance, поскольку его симметрия и простота перекликаются с его собственной работой — при этом играя в направлении более глубоких и интуитивных эмоций.

99 Cent

Фотография 99 Cent (1999) была сделана в магазине 99 Cents Only на бульваре Сансет в Лос-Анджелесе и изображает его интерьер в виде вытянутой горизонтальной композиции параллельных полок, пересекаемых вертикальными белыми колоннами, на которых обилие «аккуратно маркированных пакетов превращается в цветные поля, создаваемые бесконечными массивами идентичных продуктов, отражающихся от блестящего потолка» (Уайатт Мейсон). На картине «Рейн II» (1999 г.) изображен участок реки Рейн за пределами Дюссельдорфа, сразу читаемый как прямой участок воды, а также как абстрактная конфигурация горизонтальных полос разной ширины.В своей серии из шести частей Ocean I-VI (2009-2010) Гурски использовал спутниковые фотографии высокой четкости, которые он дополнял из различных источников изображений в Интернете.

Linhofs большого формата

Гурски снимает на широкоформатные камеры 5 x 7 и 4 x 5 дюймов, прежде чем сканировать свои негативы для цифровой обработки. Гурски использует пленку 100 ASA Fuji в двух широкоформатных камерах Linhof , которые расположены рядом, одна с небольшим широкоугольным объективом, а другая со стандартным.Время выдержки: 1/8 секунды, диафрагма от 5,6 до 8. Это ему нужно для глубины резкости, а для разрешения — относительно низкочувствительная пленка. В то время как любое случайное размытое движение отбрасывается позже в процессе. Он набирает скорость за счет недоэкспонирования пленки на одну диафрагму и проявляет ее с помощью обработки толчков.

Но пейзаж, настолько плоский, яркий и минималистичный, что на первый взгляд кажется абстрактным, теперь является рекордсменом для самой дорогой фотографии.(4,3 миллиона долларов)
Хромогенная цветная печать, нанесенная на акриловое стекло, намного превысила оценку продаж в 2,5–3,5 миллиона долларов.
Rhine II, 1999 — одна из шести фотографий Гурски, четыре из которых находятся в крупных музеях, в том числе в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

Рекордные цены

Таким образом, предыдущий рекорд был установлен в мае этого года американской художницей Синди Шерман Без названия № 96 (1981), также на Christie’s в Нью-Йорке. Гравюра, на которой изображен художник в костюме влюбленного подростка, снятая в 1981 году, стоила 3 доллара.89м.

Но конец 1980-х, когда Гурски привлек внимание, был временем, когда фотография впервые вошла в пространство галерей, а фотографии заняли свое место рядом с историческими картинами. Однако масштаб и внимание к цвету и форме в изображениях Гурски можно рассматривать как преднамеренный вызов статусу живописи как «высшего» вида искусства.

Но Гурски обращает свой взор на обезличенные, созданные руками человека или повторяющиеся пространства — то, что он называет «антисептическими промышленными зонами».Он классно фотографировал финансовых торговцев с высоты и заводских рабочих у конвейерных лент.
Художник откровенно говорит о том, что гиперреалистичные эффекты, наблюдаемые в Rhine II — серебристая вода, ухоженное совершенство геометрических линий и цветовые контрасты — являются результатом цифровой коррекции. Но он по-прежнему пользуется пленкой.

Он выставлялся на международных выставках. Linhof 5 × 7 и Linhof 4 × 5

Artnet

Веб-сайт

Андреас Гурски на фотографии, которая изменила все: «Это была чистая интуиция. Фотография

Это был 1990 год, я ехал с семьей на машине, осматривая достопримечательности Неаполя и его окрестностей.Поздно вечером мы увидели этот вид на гавань Салерно. Солнце садилось над городом, поэтому пришлось спешить. Я установил штатив и камеру 4×5 дюймов, затем сделал четыре кадра. Некогда было взвесить, стоит оно того или нет.

Визуально все полностью расходилось с тем, чему меня учили. Мои учителя, художники-концептуалисты Бернд и Хилла Бехер, говорили мне избегать фотографирования при солнечном свете, голубом небе или сильных тенях. Но я думал, что теплый солнечный свет здесь создал нечто весьма китчевое.Кроме того, до этого момента в центре моей работы были люди, но здесь никого не было видно. И все же меня поразило то, что я увидел: сложность изображения, скопление товаров, машин, контейнеров. Я не был уверен, что фотография подойдет. Я просто чувствовал себя обязанным. Это была чистая интуиция.

Только когда я вернулся домой и составил первый контактный лист, я понял, что у меня есть. Я сразу увидел этот узор, эту изобразительную плотность, эту индустриальную эстетику.Этот образ стал для меня важной частью, поворотным моментом. Это открыло новое ощущение возможности стилистически и тематически. Я попытался сфотографировать другие порты, но понял, что это не то, что заставило изображение Салерно работать. Это был баланс между большим масштабом и огромным количеством резких деталей.

Снято с вертолета… Без названия XVIII, 2015, Андреас Гурски. Фотография: Андреас Гурски / DACS, 2017, любезно предоставлено Sprüth Magers

. Я продолжил разработку этих вещей. В том же году я сделал почти монохромное изображение бесчисленных мужчин в черных костюмах и белых рубашках в торговом зале Токийской фондовой биржи. За этим последовало такое же крупномасштабное изображение завода Siemens в Карлсруэ, Германия, с рабочими, скрытыми бесчисленными кабелями, ящиками и прочим. Салерно с его уплощенной композицией и повторениями сделал возможным оба этих образа.

После этого я сосредоточился на аэропортах и супермаркетах, океанах и реках, таких как Рейн [объект Рейна II, который был продан за рекордные 4,3 миллиона долларов в 2011 году]. В начале 1990-х я начал работать в цифровом формате, комбинируя кадры, вырезая одни детали, повторяя другие.Заключительные работы больше не были простыми, прямолинейными кадрами, как Салерно, а построены изображениями. Я сосредоточен на пространстве, а не на деталях. Критики говорят, что я всегда снимаю сцены с приподнятого ракурса, но мои изображения потолка были сделаны снизу, а моя Формула 1 работает прямо.

Расстояние также является важным фактором, что я унаследовал от Бехеров. Если бы фотожурналисту поручили запечатлеть сцену, они бы подошли намного ближе. Но, всегда соблюдая дистанцию, я позволяю зрителю высказывать собственное мнение.Хотя все мои изображения состоят из множества деталей — которые вы можете подробно изучить из-за высокого разрешения, — они не о них. Каждый из них всегда является собственным миром, созданным.

Рекордсмен… Rhine II, 1999 г. (обновлен в 2015 г.), проданный за 4,3 миллиона долларов. Фотография: © Андреас Гурски / DACS, 2017; Предоставлено: Sprüth Magers

. В наши дни я больше не хожу в места без плана в надежде просто открыть для себя что-то. Мой процесс гораздо более концептуален и основан на исследованиях. Вы не поедете в Северную Корею — как я сделал в 2007 году для своей серии о Пхеньяне — без предварительной разработки идей.Точно так же моя серия тюльпанов 2015 года, снятая с вертолета, началась с изображений, которые я видел в журнале.

Тем не менее, я до сих пор натыкаюсь на вещи случайно. Как я всегда говорю своим ученикам: сидя за столом и думая, вы никуда не денетесь. Вы учитесь на практике. Вот как вы продвигаетесь вперед. И даже если вы сделаете что-то не так, результат может быть намного интереснее того, что вы искали.

В последнее время работаю с нерезкостью. Я ехал с женой в поездку в Юту.Как и любой турист, меня впечатлил пейзаж. Однажды я сфотографировал на свой iPhone, пока мы ехали. Я любил их. Когда мы приехали в отель, я сказал жене: «Хорошо, завтра ты будешь водить машину, и я постараюсь получить похожие изображения в более высоком разрешении с помощью своего профессионального оборудования». Полученное изображение — плоский, сухой пейзаж с горами вдалеке — в основном не в фокусе, хотя разрешение высокое. У него совершенно другая перспектива по сравнению с моими более ранними работами, остающимися во всем.

«Старый мир на заднем плане, современный впереди»… Les Mées, 2016, Андреас Гурски. Фотография: DACS, 2017, любезно предоставлено Sprüth Magers

. Я решил попробовать то же самое в Токио, снимая с высокоскоростного поезда Синкансэн. Я провел там три дня в одиночестве и сделал около 2000 снимков. С поднятого ракурса поезда я запечатлел миниатюрную архитектуру, плотность и неравномерность зданий.

Я всегда восхищался жилыми районами Токио.В Германии, моей родной стране, все стандартизовано: оконные проемы, размеры дверей, они всегда одни и те же. Но в Токио так много вариаций, что в конечном итоге вы думаете, что что-то пошло не так с реальной сценой. Такого рода «ошибка» в строгой структуре — вот что делает картину интересной. В полях моей серии «Тюльпан» отсутствуют биты и цвета. Это похоже на неисправность принтера.

Les Mées — это недавняя работа, которую я связываю с Салерно. Я слышал об этой фотоэлектрической установке недалеко от Марселя во Франции.Часто такие места не очень интересны, потому что все такое прямоугольное. Но здесь панно становятся частью ландшафта. Мне также понравилось то, что вы могли видеть старый мир на заднем плане, горы — и современный мир, растения, впереди.

Все мои пейзажи созданы руками человека. Меня интересуют люди, цивилизация, человеческое присутствие и деятельность. Я не мог себе представить, чтобы сфотографировать гору в одиночестве, хотя это, конечно, возможно. Однажды я смогу.

CV Андреаса Гурски

Андреас Гурски. Фотография: Том Лемке

Родился: Лейпциг, Германия, 1955.

Обучался: Kunstakademie Düsseldorf.

Реальный аналог: Хилла и Бернд Бехер, Зигмар Польке и Герхард Рихтер.

Главный совет: «Иногда человек неосознанно принимает правильное решение».

Произведения искусства и известные фотографии Андреаса Гурски

1999

Чикаго, Торговая палата, II

Это большой цветной хромогенный принт, изображающий здание Чикагской торговой палаты.Фотография сделана с высоты птичьего полета, сделанной Гурски, и дает возможность с высоты птичьего полета увидеть хаос и безумие обычного дня в торговом зале. В лабиринте перил, столов, телевизоров и компьютерных мониторов суетятся набитые до отказа фигуры, а пол усеян белыми клочками бумаги. Выбор художником перспективы, расстояния, двойной экспозиции и его наслоения некоторых областей визуально сглаживает сцену, заставляя фигуры сливаться вместе в кластеры желтого, оранжевого и синего цветов.В целом эта сцена напоминает безумные капли цвета на картине Джексона Поллока.

Chicago, Board of Trade, II является частью серии связанных изображений международных фондовых бирж, включая Сингапурскую Simex и Гонконгскую фондовую биржу. Чикагская торговая палата — одна из старейших бирж опционов и фьючерсов в мире. Тем не менее, зритель находится на расстоянии, которое скрывает детали места, деятельности и последующих участников. Вместо того, чтобы исследовать мельчайшие детали, связанные с этим конкретным делом, композиция ведет взгляд по всему полу в поисках узора, формы и цвета.Таким образом, изображение завораживает — это толчок / тяга между осознанием всплеска активности, связанной с торговлей и валютой, и отстраненным эстетическим переживанием, которое человек получает от визуального восприятия сцены.

Хотя фактическое физическое пространство, несомненно, важно для Гурски, в этой статье он пытается представить его более абстрактно, пытаясь понять, «не только то, что мы живем в определенном здании или в определенном месте, но и чтобы осознают, что мы живем на планете, которая с огромной скоростью движется через вселенную.Я больше читал о том, что происходит в нашем мире в целом ». Имея это в виду, эта фотография является не просто наблюдением за местом, а скорее исследованием двух основных тем oeuvre художника: это микрокосм современной коммерции в эпицентре глобализма.

Хромогенная печать — Музей современного искусства Чикаго

Андреас Гурски — 14 работ

Андреас Гурски (родился 15 января 1955 г.) — немецкий фотограф и профессор Художественной академии Дюссельдорфа, Германия.

Он известен своими широкоформатными архитектурными фотографиями и цветными пейзажными фотографиями, часто использующими высокую точку зрения.

Гурски делит студию с Лоренц Бергес, Томас Руфф и Аксель Хютте на Ганзейской аллее в Дюссельдорфе. Здание бывшей электростанции было преобразовано в студию художников и жилые помещения в 2001 году архитекторами Herzog & de Meuron, известными в галерее Tate Modern. В 2010-11 годах архитекторы снова работали над зданием, спроектировав галерею в подвале.

Гурски родился в Лейпциге, Восточная Германия, в 1955 году. Его семья переехала в Западную Германию, переехав в Эссен, а затем в Дюссельдорф к концу 1957 года. С 1978 по 1981 год он учился в Университете искусств Фолькванг в Эссене, где он Говорят, что учился у Отто Штайнерта. Однако оспаривается, что на самом деле это не так, поскольку Штайнерт умер в 1978 году. В период с 1981 по 1987 год в Дюссельдорфской художественной академии Гурски получил критическую подготовку и влияние от своих учителей Хиллы и Бернд Бехер, фотографической группы, известной как за их отличительный, беспристрастный метод систематической каталогизации промышленного оборудования и архитектуры. Гурски демонстрирует такой же методический подход в своей крупномасштабной фотографии. Другие заметные влияния оказали британский фотограф-пейзажист Джон Дэвис, чьи детализированные изображения с высокой точки обзора оказали сильное влияние на фотографии уличного уровня, которые Гурски делал тогда, и в меньшей степени американский фотограф Джоэл Стернфельд.

До 1990-х годов Гурски не обрабатывал свои изображения в цифровом виде. С тех пор Гурски откровенно заявлял, что полагается на компьютеры при редактировании и улучшении своих изображений, создавая искусство пространств, больших, чем сфотографированные объекты.В статье для журнала The New Yorker критик Питер Шельдаль назвал эти фотографии «огромными», «яркими», «развлекательными» и «буквально невероятными». В той же публикации критик Кальвин Томкинс охарактеризовал Гурски как одного из «двух мастеров» «дюссельдорфской» школы. В 2001 году Томкинс описал опыт столкновения с одной из больших работ Гурски:

Перспектива на многих фотографиях Гурски нарисована с возвышенности. Это положение позволяет зрителю встречаться со сценами, охватывающими как центр, так и периферию, которые обычно недоступны.Эта широкая перспектива была связана с вовлечением в глобализацию. Визуально Гурски привлекают большие, анонимные, искусственные пространства — высотные фасады в ночное время, вестибюли офисов, фондовые биржи, интерьеры крупных розничных торговцев коробками (см. Его принт 99 Cent II Diptychon). В ретроспективе 2001 года нью-йоркский музей современного искусства описал работу художника как «сложное искусство неприукрашенного наблюдения. Именно благодаря искусности художественных произведений Гурски мы признаем его мир своим собственным.«Стиль Гурски загадочен и невозмутим. Работы практически не требуют объяснений или манипуляций. Его фотографии просты.

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с непортированной лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →

Подробнее …

Лейпциг | История, население и факты

Лейпциг , город, западная Саксония Земля (штат), восточно-центральная Германия.Он расположен чуть выше слияния рек Плейсе, Парте и Вайсе Эльстер, примерно в 115 милях (185 км) к юго-западу от Берлина. Лейпциг расположен в плодородной низменной Лейпцигской котловине с обширными залежами лигнита (бурого угля). Несмотря на то, что он окружен полосой парков и садов, город является крупным промышленным центром и транспортным узлом, и он находится в центре агломерации города Галле-Лейпциг. Сельская местность вокруг города представляет собой равнину, на которой интенсивно возделывается сельское хозяйство.

Лейпциг вошел в историю в 1015 году нашей эры как город-крепость Урбс Либци и получил муниципальный статус к 1170 году. Его выгодное положение посреди равнины, пересекаемой основными торговыми путями Центральной Европы, стимулировало коммерческое развитие города. Две его ежегодные ярмарки, на Пасху и на Михайловский праздник (29 сентября), в 1497 году были возведены в ранг императорских ярмарок. Дополнительные экономические привилегии позволили Лейпцигу стать ведущим торговым центром Германии примерно к 1700 году, что, в свою очередь, способствовало росту сети дорог, сходящихся к городу.Центральное географическое положение Лейпцига имело еще одно, менее удачное последствие — несколько важных сражений произошло в городе или рядом с ним. К ним относятся два в Брайтенфельде (ныне пригород) в 1631 и 1642 годах, один в Лютцене в 1632 году во время Тридцатилетней войны и, в частности, битва при Лейпциге (или Битва Наций) в октябре 1813 года во время наполеоновских войн.

Завидный экономический статус города стимулировал заметную культурную жизнь, основанную, в частности, на раннем развитии полиграфической промышленности, а также на музыкальных расцветах, связанных с Иоганном Себастьяном Бахом.Торговля по-прежнему оставалась важнейшим видом экономической деятельности в городе, а книги, меха, пряжа и текстиль были основными товарами. В 1839 году была открыта первая немецкая железная дорога между Лейпцигом и Дрезденом, и сопутствующий рост банков обеспечил капитал для растущей текстильной и металлургической промышленности города.

Четверть Лейпцига была разрушена в последние годы Второй мировой войны. После разрушительной войны восстановление и реконструкция города проводились в соответствии с коммунистической политикой Восточной Германии. С повышенным вниманием к Лейпцигской ярмарке и другим выставкам, проводимым в городе, Лейпциг продолжал играть важную роль среди европейских городов. Мирные, но массовые демонстрации граждан Лейпцига в конце 1989 года сыграли значительную роль в прекращении коммунистического режима в Восточной Германии.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

Традиционное книгоиздание и меховая промышленность Лейпцига все еще хорошо известны.Современные отрасли промышленности включают тяжелое машиностроение и производство машин и запчастей для автомобилей. Услуги также важны с экономической точки зрения. Ежегодная Лейпцигская ярмарка, проводимая весной, является одним из важнейших форумов международной торговли между Восточной и Западной Европой. Лейпциг является центром многих железнодорожных линий, а его главный железнодорожный вокзал является одним из самых важных пассажирских вокзалов в Центральной Европе и крупнейшей тупиковой железнодорожной станцией в мире. В Лейпциге также находится Байеришер-Банхоф, старейший действующий железнодорожный вокзал Европы.Лейпциг является центром нескольких крупных дорог, и два аэропорта обслуживают город.

Исторические достопримечательности были восстановлены после Второй мировой войны и воссоединения Германии. К ним относятся Старая ратуша, Старая торговая биржа, старые жилые и рыночные площади, погреб Ауэрбаха и Томаскирхе 13-го века. На горизонте современного города теперь есть университетская башня, новые отели, коммерческие и жилые здания. В городе бывшие лесные массивы на берегах рек были частично преобразованы в парки и выполняют важную рекреационную функцию.

Лейпциг — крупный интеллектуальный и культурный центр. Лейпцигский университет основан в 1409 году. В Лейпциге много музеев, а его академии драматического искусства, истории музыки, графики и букмекерства известны во всем мире. Среди городских библиотек — Немецкая национальная библиотека и Библиотека Коменского, крупнейшая в Европе библиотека, специализирующаяся на образовании.

Андреас гурский фотографии: Андреас Гурски, вроде 99 центов, а почему же такая дорогая фотография?

Масштабные фото андреаса гурского. Масштабные фото андреаса гурского «Чистить» снимок от мешающих деталей и добавлять новые

Он для этого родился

Он принадлежит к Дюссельдорфской школе

Первая опубликованная фотография Гурски – его газовая плита

Гурски одним из первых пришёл к цифровому искусству

Его сюжеты варьируются от канатных дорог до политических митингов и Бэтмена

Он снимает с подъёмных кранов и вертолётов

Гурски фотографирует глобализм

Гурски – фотолетописец «человеческого вида»

Гурски – фанат техно-транса

Он – Хичкок в фотографии

Андреас Гурски. Ретроспектива | New Style

Андреас Гурски — самый дорогой фотограф современности

Гурски, Андреас (Andreas Gursky)

2. Творчество.

Андреас Гурски и множественная перспектива — Агентство городских новостей «Москва»

Андреас Гурски и множественная перспектива

Коллекция Джулии Стошек / Андреас Гурски / PinchukArtCentre

пространство не должно быть живописным, оно просто должно работать – Газета Коммерсантъ № 60 (3877) от 10.04.2008

Андреас Гурски | Гагосян

Пейзажи Андреаса Гурски

Человек на природе

Искусственная природа

Инструментализация природы

Взаимодействие людей в природе

Андреас Гурски — немецкий фотограф, известный своей камерой Linhof.

Андреас Гурски — большое искусство, большие деньги

Большой, как большой может быть

99 Cent

Linhofs большого формата

Рекордные цены

Веб-сайт

Андреас Гурски на фотографии, которая изменила все: «Это была чистая интуиция. Фотография

CV Андреаса Гурски

Произведения искусства и известные фотографии Андреаса Гурски

Чикаго, Торговая палата, II

Андреас Гурски — 14 работ

Лейпциг | История, население и факты

Добавить комментарий Отменить ответ