Каждая девушка прекрасна – так гласит непреложная истина, и это утверждение ни в коем случае не может быть поставлено под сомнение. Говоря о красоте, каждый человек представляет себе образ, который соответствует его пониманию прекрасного — нечто светлое, доброе и приятное. Девичья красота достойна того, чтобы существовать вечно, восхищая наших современников и потомков. Остается лишь вопрос о том, как увековечить красоту Вашей возлюбленной, которая полноправно царит в Вашем сердце? Уникальное решение предлагает московская фирма АртФото. Пусть обаяние и красота Вашей девушки предстанут на натуральном холсте – на своеобразном пьедестале красоты и женственности своей обладательницы и на изысканном артефакте, который пронесет все это через века. Красота спасет мир, красота преображает и делает нашу жизнь лучше. Портрет для девушки – это подтверждение ее прелести и очарования, подтверждение того, что Вы восхищены как ее внешностью, так и внутренним миром. Поняв красоту, увидев ее и почувствовав, человек находит для себя главную задачу – в любом виде и любым способом передать образ красоты открывшийся ему. Портретная живопись является одним из самых важных направлений в изобразительном искусстве, поскольку центром ее внимания является человек, индивидуум, не похожий ни на кого, как внешне, так и по характеру. Если Вы желаете купить портрет для девушки, то заказывать его стоит только у лучших мастеров своего дела. Портрет с изображенной на нем девушкой, богиней, королевой и просто красавицей, всегда привлекал внимание людей, ибо он являет собой олицетворение очарования, привлекательности, женственности представительницы прекрасного пола. Портрет для девушки, подаренный Вами, станет символом Вашего восхищения ею как личностью и лучшим проявлением Вашей любви. Два века назад написать портрет на заказ, было невероятной роскошью, и позволить себе это могли лишь состоятельные представители дворянского сословия. К счастью, в наши дни развитие технологий обработки изображений сделало написание портрета доступным широким слоям населения.  Теперь написать свой портрет или портрет для девушки как никогда просто. Все что для этого нужно – связаться с компанией АртФото, отправить фотографию человека, которого хотите видеть на картине, а далее — выбрать образ, в котором Вы его представляете.
Портрет с фотографии девушки Написать портрет с фотографии девушки – это лучший способ оригинально признаться в любви. На картине, работы компании АртФото, Ваша девушка может предстать в любом образе, в любой антураже, на любом фоне. Все будет зависеть от Вашего выбора. Так, выслав нам фото Вашей любимой, Вы можете заказать портрет с нею в образе придворной дамы, охотницы, феи, ангела и так далее. Вы можете выбрать готовый образ, из имеющихся на сайте, или, связавшись с нашими дизайнерами, объяснить им придуманное Вами амплуа. Это будет поистине королевский подарок для девушки, так как мы поможем Вам создать чудо.  Девушки очень щепетильно относятся к своей внешности, а художники АртФото подойдут к созданию портрета со всей тщательностью, чтобы изображенная почувствовала себя самой обаятельной и привлекательной. У каждой девушки есть несколько фотографий, на которых она получилась особенно удачно, снимки, в которых в полной мере раскрывается очарование представительницы прекрасного пола. Используйте эти снимки для написания портрета на заказ, и тогда Вы непременно угодите той, кому предназначается картина. Закажите портрет девушке с фотографии, и эта картина станет лучшим свидетельством Ваших чувств, которые будут жить вечно, несмотря ни на что, так же, как и изображение на холсте.
Портрет — лучший подарок для девушки Портрет — лучший подарок для девушки, так как каждая представительница прекрасного пола ценит проявленное внимание и оригинальность преподносимого ей презента. Ее тонкая натура создана природой замечать Прекрасное в этом мире. Заметьте, как девушки ранимы и нежны, также нежно они относятся и к искусству. Портрет с оригинальным образом Пришлите нам несколько нравящихся Вам фотографий, и дизайнеры ArtFoto смогут создать для Вас любой портрет: строгий классический или портрет с оригинальным образом, который будет выполнен ярко, красочно, невероятно красиво, и именно так, как захотите Вы. Если пожелаете, то портрет для девушки может быть создан в виде сцены из ее любимого фильма, или эпизода из ее любимой книги. Пришлите фотографию, где вы вдвоем, и Вы получите прелестную картину с парным амплуа. Например, Вы и Ваша избранница прекрасно впишетесь в образы короля и королевы Англии, принца и принцессы фэнтезийной страны, дворян, танцующих на балу.
Павел Гузей |
Каждая девушка замирает, когда видит нечто красивое, необычное и интересное. Многие из них вздыхают, когда видят в кинофильме романтичную сцену, нежный полураспустившийся цветок, чьи лепестки наполнены сладким ароматом, заставляет представительницу прекрасного пола улыбаться украдкой, прекрасная картина, созданная со столь же прекрасного женского облика, сделает свою обладательницу чуточку счастливее. Любая девушка близка к искусству, так как сама является по своей натуре возвышенным, прекрасным и утонченным созданием, рожденным покорять Вас, дорогие мужчины. Девушки очень ценят внимание и подчеркивание их красоты. Скажите ей, что она прекрасна, и эти слова зажгут огоньки счастья в ее глазах. Подарите своей возлюбленной картину, созданную профессиональными живописцами специально для нее, и Вы докажете ей серьезность своих намерений. Сделайте даме своего сердца летний подарок, заказав портрет с образом очаровательной наездницы, скачущей верхом на белом коне среди просторных цветущих лугов.
Необычные женские портреты покажут в Нижнем Новгороде
28 февраля 2014 года, 10:17
Выставка двух известных нижегородских авторов «Две стороны Луны» откроется в Русском музее фотографии 4 марта. Об этом сообщается на сайте музея.
«Две стороны Луны» — это два разных взгляда на внутренний мир человека, выраженные через женские образы. На выставке будут представлены работы двух нижегородок Марии Климановой и Анастасии Тиминой.
Мария Климанова представит цикл новых работ — это портреты совсем юных женщин. Но в каждом выражении лица девушек чувствуется не безмятежность, а напряжение и задумчивость. При этом эмоции, запечатленные на снимке, зачастую повторены в зеркальном отражении и поэтому целая вереница женских образов существует как будто вне времени.
А серия из 30 черно-белых фотографий Анастасии Тиминой ассоциативно представляет борьбу разума с телом. Боль, отчаяние, диссонанс и саморазрушение — эти сюжеты представлены в драматических изображениях колеблющихся размытых женских фигур. Чаще всего это абстрактные композиции.
«Уникальность проекта заключается в том, что сложную философскую тему автор попыталась решить лаконичными средствами прямой чёрно-белой фотосъемки, используя шарм светописной пластики без каких бы то ни было компьютерных эффектов», — говорится в сообщении.
Выставка будет работать до 18 марта.
Открытие — в 17:00.
Справка
Мария Климанова — родилась в 1987 году в г.
Горький. Фотографией занимается в 2004 году. Является членом фотостудии «МиГ» при Русском музее фотографии. Участник и лауреат всероссийских и областных фестивалей.
Анастасия Тимина — фотохудожник, член фотостудии «МиГ» при Русском музее фотографии. Участник и лауреат международных, всероссийских и областных фестивалей.
Напомним, выставка работ участников областного фотоконкурса «Дети. Творчество. Родина» обучающихся образовательных организаций Нижегородской области открылась в Русском музее фотографии 27 февраля.
Автор: Корр. Эльвира Кутышева
Девушка с гвоздями или необычный портрет для Амирана | Акула 21 века
Все мы привыкли гвоздями прибивать картины к стене. А вот Владислава Григорьева ими картины не прибивает, а создает. Трудно поверить, но с помощью гвоздей девушке удается сотворить шедевры несколько метров в высоту и ширину. А называется всё это «String art» или в переводе на русский «искусство струн». Суть этой техники в том, что на твердую поверхность вбиваются гвозди в виде какого-либо изображения, а затем между ними натягиваются нити.
Свою первую картину Влада «набила» шесть лет назад и повесила в своей комнате. После девушка поняла, что рисунок привлекает много внимания и решила не бросать это занятие и делать картины на заказ. Теперь, спустя несколько лет у художницы есть своя студия в Москве, которая так и называется «String art». Вместе с Владиславой там трудятся еще несколько мастеров, помогающих ей в этом нелегком деле, ведь на одну работу может уйти от 20 минут до двух недель.
Особенно сложным представляется создание портретов: «Я очень долго не могла решиться на первый портрет, меня пугала сложность исполнения и я не могла найти вдохновение. А потом я посмотрела выпуск «Дневника Хача» и поняла, что первый будет Амиран. Он мне очень нравится как человек» — рассказала Владислава Григорьева. К сожалению, известный видеоблогер и автор youtube канала «Дневник Хача» так и не увидел своё изображение, но Владислава пообещала, что обязательно займется этим и вручение портрета своему хозяину состоится.
А вот вручение подарка главному ньюсмейкеру российской Hip-Hop и R’n’B сцены Тимати уже состоялось. На открытие нашумевшего «Black Star Burger» Влада принесла картину с его выбитым названием: «Тимати очень понравилось. Он тут же передал её своему заму и сказал найти для неё место в бургерной». Теперь посетители заведения могут любоваться необычным стринг артом во время поедания бургеров.
Мастер String Art’а из Челябинской области создала уже более трёхсот картин, но на этом останавливаться не собирается. У Владиславы уже есть новые планы на будущие шедевры, но раскрывать она их не собирается, говорит «это маленький секретик». Ну что ж, остается только пожелать ей удачи в этом необычном хобби. И кстати, кто сказал, что не женское это дело гвозди забивать?
03.03.2016 Женский портрет — это популярный жанр современного фотоискусства, интересный и любимый для многих фотографов (как любителей, так и профессионалов). Образ женщины с древних времен вдохновлял «художников» разных областей. Бесчисленное множество произведений посвящено женской красоте как в литературе, так в живописи, и в музыке. Женщина как главный объект фотографии — идея не новаторская, но до сих пор актуальная и столь же вечная, как и тема любви или музыки. Изображение женственности, красоты и материнства прекрасно само по себе. А если им придать романтические нотки или показать сексуальность модели, таинственность ее внутреннего мира, то это вызовет восхищение и взволнует не только мужчин, а любого человека, понимающего искусство. Недаром на протяжении многих веков скульпторы и музыканты, живописцы и поэты посвящали свои творения именно женщине. Когда появилось фотоискусство, женский портрет занял свое почетное место среди фотографических жанров как отдельный подвид художественной фотографии. Секрет такой популярности женского образа во всех проявлениях искусства очень прост. С малого возраста женщина стремится к совершенству, красоте и привлекательности, она хочет нравиться, вызывать восхищение. Не каждая женщина от природы имеет неземную красоту, но абсолютно каждой под силу стать привлекательной и соблазнительной. Каждая женщина хочет быть особенной, неповторимой, узнаваемой. И именно эти особенности женской природы должен учитывать и передавать фотограф. Фотограф: Stefan Beutler Основная задача фотографа — подчеркнуть индивидуальность женщины, ее яркость, уловить и передать все особенности и нюансы ее внешности. Больше всего женская индивидуальность видна в манере одеваться, в ее привычках, интересах и в поведении. Современная женщина стремиться к независимости, ее интересы уже не отличаются от интересов мужчин. Женщины водят автомобили, занимаются спортом, политикой, бизнесом. Она стала более сильной и способной самостоятельно решать проблемы, и это все накладывает отпечаток на ее внешность. Вместе с тем, занимаясь политикой или спортом, домашними делами или бизнесом, женщина все равно остается женщиной. Она сохраняет свою женственность и индивидуальность, красоту и изящество. Хороший фотограф всегда стремиться раскрыть эту индивидуальность, передать ее зрителям. Кроме того, он стремиться раскрыть и остальные качества, скрытые за социальной маской женщины. Фотограф: Nino Munoz Для создания своего привлекательно образа женщина использует множество различных приемов и это не только одежда или косметика. Это и прическа, и манера поведения, и мимика, и жесты. Фотограф должен уметь улавливать внутренний мир, скрытый за красивой внешностью, передавать эмоции, настроения, чувства. Не нужно делать просто красивый снимок, без внутренних качеств он будет плоским. Делая женский портрет не нужно переходить границу гламурной фотографии, в женском портрете важна естественная красота, настроение, внутренний мир. Для качественного портрета необходимо найти к своей модели индивидуальный подход, поскольку каждая женщина — уникальная, особенна. Важно учитывать и возраст женщины при расставлении акцентов в съемке. Это поможет сделать снимок еще более интересным и эффектным. Интересные публикации на сайте |
И сегодня мы решили поговорить с прекрасной девушкой фотографом Анастасией Кузнецовой о пленке, первых снимках и многом-многом другом.
А по какому принципу выбираете моделей? 
Хотя пару раз был очень удачный опыт.
Очень люблю мягкий натуральный свет, считаю, что лучше него ничего нет и быть не может. Правда, зимой иногда приходится снимать в студиях, но я это дело не люблю и стараюсь избегать.
В современном мире женщины занимают должности, которые раньше были исключительно мужскими. Появляется много женщин-руководителей.
художница создает необычные женские портреты из каракуль » BigPicture.ru
Лиз Й Ахмет (Liz Y Ahmet) — британская художница-самоучка, которая рисует портреты женщин из сотен хаотичных линий. То, что на первый взгляд выглядит полным хаосом на полотне, благодаря талантливым рукам и творческому мышлению этой современной художницы, превращается в совершенно детализированные, выразительные и динамичные портреты.
Удивительно, как просто обычные линии, которые, как кажется на первый взгляд, были нанесены совершенно случайным образом, подобно детским каракулям, могут передавать такие сильные эмоции.
Лиз работала в разных средах и с разными материалами, экспериментируя с карандашами, ручками, акриловыми красками и различными техниками, чтобы развить свой уникальный стиль, который регулярно пополняется новыми идеями.
На всех моих портретах изображены женщины, потому что я ей являюсь, некоторые же изображены в виде масок, потому что я скрывала свои проблемы/эмоции от работы/семьи. Лица — это хаос эмоций, отсюда и появились каракули. Мне нравится экспериментировать, потому что я не люблю, когда мое искусство застаивается, при этом я хочу, чтобы все было свежо и увлекательно», — рассказала художница.
Смотрите также:
Женские портреты Константина Разумова: легкость, свет и эротизм эпохи бурлеска>
А вы знали, что у нас есть Instagram и Telegram?
Подписывайтесь, если вы ценитель красивых фото и интересных историй!
портреты XVIII–XX вв.
в необычных костюмах. Картины Кустодиева, Брюллова и других.Официальный портрет — это жанр серьезный, на века. В нем люди XVIII–XX столетий показывали себя при всем параде, чтобы произвести впечатление на потомков. Но иногда хотелось и пошалить — так возникали портреты в маскарадных костюмах. Разглядываем вместе с Софьей Багдасаровой.
В образе владыки морей: Неизвестный в костюме Нептуна
Неизвестный художник. Портрет неизвестного в маскарадном костюме Нептуна. 1720-е. ГТГ
Александр Бенуа. Эскиз костюма Нептуна к балету «Амур и Психея». 1928
Неизвестный художник. Портрет Ф.И. Веригина. XVIII век. ГРМ
Картина, возможно, входила в «Преображенскую серию» — так называют цикл портретов членов «Всешутейшего, всепьянейшего и сумасброднейшего собора», хулиганов и пьяниц, друзей Петра I. Эту затею он придумал в самом начале своего правления, поэтому многие изображенные на картинах — еще с бородами (как на «Портрете Ф.И. Веригина»), ведь закон об обязательном бритье еще не вышел.
Скорее всего, на портрете — участник маскарада, который состоялся в Москве в 1722 году в честь празднования Ништадтского мира. Сани, полные ряженых соратников Петра, катались по заснеженному январскому городу и поражали москвичей. «Нептун» в короне и с трезубцем гарцевал впереди позолоченной кареты. Модель картины, возможно, шут Семен Яковлевич Тургенев, о котором точно известно, что на свадьбе князя-папы он изображал еще и бога вина Бахуса.
В образе рыцарственной дамы: Анна Шереметева в карусельном костюме
Неизвестный художник. Портрет А.П. Шереметевой. После 1766. ГЭ
Израэль Сильвестр Младший. Людовик XIV в образе римского императора на «Великой карусели». 1662
Неизвестный художник. Портрет А.П. Шереметевой. После 1766. Музей-усадьба Кусково
Другой пример ранних русских портретов Нового времени — изображение фрейлины Анны Петровны Шереметевой, дочери создателя знаменитого крепостного театра. Надетый на ней «рыцарский» костюм со шлемом, украшенным страусиными перьями, и неким подобием чешуйчатой кольчуги — образец того, как в эпоху барокко воспринимали воинов прошлого.
Очевидно, девушка участвовала в первой русской «карусели», устроенной Екатериной Великой 16 июня 1766 года. Подобные карусели — конные балеты, которые проходили на открытом воздухе, — были крайне популярны в Западной Европе XVII века. Одна из самых известных — «Великая карусель» Людовика XIV 1662 года. На сохранившихся рисунках видны экзотические костюмы участников, имевшие мало отношения к исторической правде: так, король был наряжен «римским императором».
В образе таинственной венецианки: Императрица Елизавета в домино
Георг Христоф Гроот. Портрет императрицы Елизаветы Петровны в черном маскарадном домино с маской в руке. 1748. ГТГ
Александр Головин. Маскарад. Домино. 1917. Музей им. А.А. Бахрушина
Георг Каспар фон Преннер. Портрет Елизаветы Петровны. 1760-е. ГЭ
Императрица Елизавета Петровна, которая обожала наряжаться, изображена здесь в полностью черном платье, на первый взгляд необычном для красочной эпохи рококо. Но не будем забывать: XVIII век это вдобавок и время, когда любовь к венецианским карнавалам охватывает всю Европу.
На императрице надет плащ с капюшоном — домино, в руках у нее маска. Елизавета, которая считалась одной из самых красивых женщин России (эталон красоты с той поры сильно поменялся), предстает на этой картине без короны и прочих регалий, кокетливая и загадочная. Смелый шаг для правительницы!
Читайте также:
В образе кокетливой коломбины: Графиня Самойлова, удаляющаяся с бала
Карл Брюллов. Портрет графини Юлии Павловны Самойловой, удаляющейся с бала у персидского посланника, с приемной дочерью Амацилией Пачини (Маскарад). Не позднее 1842. ГРМ
Александр Бенуа. Эскиз костюма Комомбины для балета «Щелкунчик». 1940
Карл Брюллов. Портрет Юлии Павловны Самойловой с Джованиной Пачини и арапчонком. 1832–1834. Музей Хиллвуд
К XIX веку персонажи итальянской комедии дель арте — Пьеро, Арлекин, Коломбина — заняли прочное место среди героев европейских карнавалов. В лоскутное платье Коломбины наряжена и графиня Юлия Самойлова — одна из богатейших и красивейших женщин Российской империи, любимая муза Карла Брюллова.
Впрочем, «красочные лохмотья» на ней как раз такие, какие можно ожидать от наследницы миллионов Потемкина, — отделанные горностаем.
Любопытны и другие костюмы на этом балу у персидского посланника: воспитанница графини юная итальянка Амацилия наряжена в какой-то восточный, может быть турецкий, костюм. На заднем плане можно разглядеть красный капюшон Мефистофеля, жезл кадуцей Гермеса и тюрбан восточного султана.
В образе русской царицы: Александра Федоровна в наряде Марии Милославской
Елена Самокиш-Судковская. Портрет Александры Федоровны. 1903. Фонд Принца Гессенского. Замок-музей Дармштадт
Федор Солнцев. Одежда цариц. 1869
Елена Самокиш-Судковская. Портрет Александры Федоровны. Начало ХХ века. Королевская коллекция Великобритании
В 1903 году в Петербурге состоялся один из величайших балов Российской империи — маскарад, посвященный русскому XVII веку. Несколько сотен аристократов, одетых как стрельцы, стольники, конюшие, сокольничие и даже казацкие атаманы блистали фамильными драгоценностями, мехами, парчой и атласом.
После бала был выпущен роскошный фотоальбом, полный боярышень в кокошниках и бояр в собольих шапках — разглядывать можно часами.
Император Николай II был в наряде своего предка царя Алексея Михайловича, а императрица Александра Федоровна изображала его супругу, царицу Марию Милославскую. Ее костюм был реконструкцией, основанной на парсунах (портретная живопись, основанная на приемах иконописи с реалистической трактовкой) и рисунках в рукописях. Парадные снимки императорской четы в царских одеждах приобрели огромную популярность. Их печатали в журналах, на открытках, коробках. Есть и акварельные варианты этих портретов.
В образе придворных галантного века: Дети Кустодиева в нарядах рококо
Борис Кустодиев. Дети в маскарадных костюмах. 1909. ГРМ
Шарль-Жермен Сент-Обен. Grand habit de cour. 1780-е
Борис Кустодиев. Дети художника. 1913. Витебский художественный музей
Одна из самых нетипичных работ Кустодиева — певца русского купечества. На картине изображены дети художника, наряженные по моде XVIII века.
На заднем плане — анфилада комнат квартиры Кустодиевых.
Мастер обожал своих детей и писал их неоднократно, но лишь по этой картине заметно, что она создана в эпоху Серебряного века, времени, когда живописцы с восторгом воскрешали изящную атмосферу позапрошлого века: вспомним хотя бы Александра Бенуа и его «Прогулки короля». Вот в чьем наследии подобная картина бы не удивила.
В образе Арлекина и Пьеро: Шухаев и Яковлев в нарядах паяцев
Василий Шухаев, Александр Яковлев. Автопортреты (Арлекин и Пьеро). 1914. ГРМ
Александр Головин. Эскиз маскарадного костюма. Головин. 1917
Александр Яковлев и Василий Шухаев с женой Верой. Фотография: lib.rus.ec
Живописцы Василий Шухаев и Александр Яковлев много лет были друзьями и соавторами. Более того, они вместе играли в театре: в начале 1910-х они вдвоем выступили в петербургском «Доме интермедий» в пантомиме Артура Шницлера «Шарф Коломбины». Огромный автопортрет, на котором Шухаев и Яковлев изображены в костюмах своих героев — персонажей комедии дель арте Арлекина и Пьеро, они тоже писали вдвоем.
Увы, в дальнейшем их пути разошлись. Яковлев остался в Париже, а Шухаев решил вернуться в Советский Союз. Год он для этого выбрал не самый удачный — 1935-й, и репрессий вскоре хлебнул с лишком, хотя и сумел выжить.
Новосибирск | Сибирячка сделала 12 причудливых портретов девушек в цветах и растениях
Фотопроект Екатерины Плотниковой — настоящее произведение искусства. Это действительно очень красиво!
Фотографии, несмотря на одинаковый ракурс, получились очень необычными
Фото: Екатерина Плотникова
Новосибирский фотограф Екатерина Плотникова решила показать красоту сибирячек и природы. Для этого она сделала серию портретов, сфотографировав девушек на фоне различных цветов и растений. Результат получился очень необычным.
— Первая съёмка была с шишками три года назад. А потом уже пришла мысль воплотить эту идею в отдельный проект.
Я хотела объединить девушек и цветы. Назвала серию: «Лик природы». Хотелось показать единение человека и природы, настоящую красоту, о которой нужно заботиться, — рассказала сибирячка.
Сейчас на счету Екатерины Поляковой уже больше 10 разных съёмок для этого проекта.
Серия началась с этого фото
Фото: Екатерина Плотникова
Очень осенний снимок, согласны?
Фото: Екатерина Плотникова
Одно из фото с пионами заняло второе место в престижном конкурсе для фотографов
Фото: Екатерина Плотникова
Цветы фотограф закупала на оптовом складе
Фото: Екатерина Плотникова
Идеи для съемок приходят к фотографу спонтанно
Фото: Екатерина Плотникова
Девушка не ограничивается только цветами. Листья, зелень — это тоже очень красиво
Фото: Екатерина Плотникова
— Человек и цветы намного ближе, чем кажется.
В основном, смотрю, что вокруг цветёт. И уже отталкиваясь от цветовой гаммы подбираю модель. Смотрю, какая девушка будет гармоничного смотреться с конкретным цветком. По типажу, колориту, цвету глаз. Девушки соглашаются с удовольствием. Материал для съёмки достать не трудно, — говорит фотограф.
В основном, цветы она покупала у садоводов или на оптовых складах. Полевые — собирала сама.
— Одуванчики собирали очень аккуратно. Оказалось, что их не так сложно сохранить. Фотография с колосками даже попала на обложку одного из журналов, а с пионами — заняла второе место в конкурсе .
В планах у сибирячки съемка в цветах — «золотой шар».
Фотография с колосками украсила обложку одного из журналов
Фото: Екатерина Плотникова
Фотограф подбирает модель под определенный цветок
Фото: Екатерина Плотникова
Девушка должна гармонировать с растением
Фото: Екатерина Плотникова
Съемка может занимать разное время — до нескольких часов
Фото: Екатерина Плотникова
Одуванчики удалось не только собрать, но и сохранить целыми до начала и окончания съемки
Фото: Екатерина Плотникова
Полевые цветы собирать легко и просто
Фото: Екатерина Плотникова
В марте Екатерина Плотникова сделала серию снимков, посвященных проблеме перепроизводства и загрязнению экологии.
На фото модели позируют с пластиком, полиэтиленом, бумагой, алюминием, стружкой и в облаке газа. Выглядит очень впечатляюще .
Еще один новосибирский фотограф — Светлана Ерыгина — провела фотосессию танцевального клуба в заброшенном здании . Коллектив сам выбрал такую необычную локацию, и в итоге получились очень эффектные снимки.
Faces of America: Portraits
Что такое портрет? Какие истины и вопросы передает портрет?
Что портрет может выразить о человеке, которого он изображает? Как это отражает сообщество, обстановку, семью или друзей ситтера? Что портрет раскрывает о художнике?
Основное увлечение захватом и изучением изображений самих себя и других — за то, что они говорят о нас, как личностях и как людях, — вот что делает портретную живопись такой неотразимой.
На протяжении веков портреты составляли важную летопись жителей Америки. Когда вы думаете о первом президенте страны, на ум приходит образ, созданный портретистом Гилбертом Стюартом, Джордж Вашингтон (портрет Вона), 1795. Гилберт запечатлел широкоплечого, румяного и серьезного президента, который смотрит прямо на нас, полный характера и честности. Мы знаем первых колонистов, лидеров, политиков, торговцев и философов Америки по их портретам.Очень сознательно эти люди вместе с художниками построили публичные мемориалы тому, как они хотели, чтобы их запомнили будущие поколения. Они продемонстрировали свои личные качества, такие как рассудительность, лидерство и сила; их достижения, будь то военные, профессиональные или интеллектуальные; и их социальная роль или положение, например матриарх, землевладелец или политик.
Доступ к портретам в колониальной Америке и в первые годы республики был ограничен. Портреты были доступны очень немногим, в основном европейским колонистам или американским иммигрантам — тем, кто мог позволить себе эту дорогостоящую роскошь (и дом для ее размещения).
Постепенно, по мере роста экономики, предпринимательский класс портретистов-самоучек начал служить растущему среднему классу, который хотел сохранить свое подобие по личным, а не по общественным причинам, например, чтобы записать свое семейное происхождение для потомков. Джошуа Джонсон, один из немногих афроамериканских художников, практикующих портретную живопись в начале 19 века, написал множество таких семейных документов, в том числе Грейс Эллисон МакКерди (миссис Хью МакКерди) и ее дочерей, Мэри Джейн и Летиция Грейс , примерно 1806.Его домашняя обстановка (испытуемые сидят на диване с высокой спинкой), а также интимность и нежность, передаваемые матерью и дочерьми, отличают его от публичных портретов Гилберта Стюарта.
Начиная с XIX века, новые технологии, расширение страны и обширные социальные и политические изменения побуждали художников использовать современные средства массовой информации, такие как фотография, а также новые подходы, основанные на изменениях во взаимоотношениях между художником и объектом.
Эта динамика изменения видна в двух портретах американских индейцев Джорджа Кэтлина: The Female Eagle — Shawano , 1830 и Boy Chief — Ojibbeway , 1843.Катлин изображал этих людей из-за своего личного интереса к тому, что он считал исчезновением местной культуры, и его стремления задокументировать это, а не из коммерческих мотивов. Между тем с появлением фотографии появились недорогие отпечатки, которые продавались и собирались в первых фотоальбомах. Они включали изображения людей из разных социальных слоев и изображения людей, которые воплощали определенные идеалы, такие как портрет аболициониста и активиста Соджорнера Трут, 1864. Она добавила подпись к своему портрету: «Я продаю тень, чтобы поддержать вещество». указывая на то, что она продвигала свой имидж с целью продвижения своих убеждений.
Женский автопортрет в Болонье раннего Нового времени на JSTOR
Абстрактный Это эссе исследует женский автопортрет в Болонье в течение шестнадцатого и семнадцатого веков, уделяя особое внимание работам Элизабетты Сирани и ее учеников во второй половине Seicento.
Рассматривая различные типы портретов, в том числе автопортреты художников и женщин, а также исторические автопортреты, статья связывает эти работы с автопортретами художников-мужчин города, а также с религиозным и социальным контекстом. современная Болонья.Утверждается, что болонское отношение к женской святости и местные традиции гравюры религиозных женщин повлияли на эволюцию исторических автопортретов болонских женщин-художников, на которые также повлияла строго марианская ориентация Seicento Bologna. Кроме того, самостоятельное создание Сирани и ее последователей связано с местным религиозным деятелем Катериной Вигри, которая была беатифицирована в 1592 году. Предполагается, что в Болонье раннего Нового времени возникла традиция женского автопортрета, которая провозгласила художественное оформление. , духовные и интеллектуальные достижения женщин, отражающие необычайно позитивное отношение к женщинам в аномальном итальянском городе.
Renaissance Studies — это многопрофильный журнал, который публикует статьи и выпуски документов по всем аспектам истории и культуры эпохи Возрождения.
Статьи охватывают историю, искусство, архитектуру, религию, литературу и языки Европы того периода. Издания важных документов выходят на языках оригинала с введением, текстовым аппаратом, примечаниями и (иногда) переводами документов и источников на английский язык.Журнал также содержит обширный раздел рецензий на книги и часто иллюстрированные обзоры крупнейших мировых выставок.
Wiley — глобальный поставщик контента и решений для рабочих процессов с поддержкой контента в областях научных, технических, медицинских и научных исследований; профессиональное развитие; и образование. Наши основные направления деятельности выпускают научные, технические, медицинские и научные журналы, справочники, книги, услуги баз данных и рекламу; профессиональные книги, продукты по подписке, услуги по сертификации и обучению и онлайн-приложения; образовательный контент и услуги, включая интегрированные онлайн-ресурсы для преподавания и обучения для студентов и аспирантов, а также для учащихся на протяжении всей жизни.
Основанная в 1807 году компания John Wiley & Sons, Inc. уже более 200 лет является ценным источником информации и понимания, помогая людям во всем мире удовлетворять свои потребности и воплощать в жизнь их чаяния. Wiley опубликовал работы более 450 лауреатов Нобелевской премии во всех категориях: литература, экономика, физиология и медицина, физика, химия и мир. Wiley поддерживает партнерские отношения со многими ведущими мировыми обществами и ежегодно издает более 1500 рецензируемых журналов и более 1500 новых книг в печатном виде и в Интернете, а также базы данных, основные справочные материалы и лабораторные протоколы по предметам STMS.Благодаря растущему предложению открытого доступа, Wiley стремится к максимально широкому распространению и доступу к публикуемому контенту, а также поддерживает все устойчивые модели доступа. Наша онлайн-платформа, Wiley Online Library (wileyonlinelibrary.com), является одной из самых обширных в мире междисциплинарных коллекций онлайн-ресурсов, охватывающих жизнь, здоровье, социальные и физические науки и гуманитарные науки.
20 лучших женщин-исполнителей всех времен
1 Элизабет Луиза Виже Лебрен (французы, 1755–1842 гг.)
Элизабет Луиза Виже Лебрен, полностью самоучка, стала художницей, несмотря на серьезные препятствия (как и любая другая женщина в Париже конца 18 века), и была активна в самые неспокойные времена в истории Европы.С вмешательством Марии-Антуанетты она была принята во Французскую академию в юном возрасте 28 лет как одна из четырех женщин-членов. Виже Ле Брен особенно хвалили за ее симпатичные портреты аристократических женщин, которые считались более естественными, чем работы ее современников. Вынужденный бежать из Парижа во время революции, художник путешествовал по Европе, получая впечатляющие заказы во Флоренции, Неаполе, Вене, Санкт-Петербурге и Берлине, прежде чем вернуться во Францию после урегулирования конфликта.
На фото: Элизабет Луиза Виже Лебрен, Автопортрет в соломенной шляпе (1782).
2 Мэри Кассат (американка, 1844–1926)
Одна из трех женщин-художников и единственная американка, официально связанная с импрессионизмом, Мэри Кассат также была бесценным советником, помогая знакомить европейское искусство с основными коллекционерами в Соединенных Штатах.
Кассат твердо верила, что живопись должна отражать современную жизнь.Ее современная женщина мастерски передана на картине « В Логе » 1878 года, первой работе импрессионистов, которую художница выставила в Соединенных Штатах. Многие художники-мужчины изображали женщин в театральных ложах как объекты демонстрации, но главная героиня Кассат играет динамическую роль, участвуя в акте взгляда. Тем не менее мужской взгляд преобладает, так как издали седой театрал смотрит прямо на нее в свой бинокль. Как зритель и наблюдатель, мы замыкаем круг.
На фото: Мэри Кассат, In the Loge (1878 г.), Министерство иностранных дел Бостона.
3 Хильма аф Клинт (шведка, 1862-1944)
Только после того, как в Музее Гуггенхайма был проведен крупный обзор ее работ, Хильма аф Клинт наконец получила широкое признание как выдающийся пионер абстрактного искусства; ее самые ранние абстрактные композиции были выполнены за много лет до произведений Василия Кандинского, Казимира Малевича и Пита Мондриана.
Выставка « Хильма аф Клинт: картины будущего », представленная с октября 2018 по апрель 2019 года, представляла собой множество больших, ярких, несколько волшебно выглядящих абстрактных работ и остается самой посещаемой выставкой Гуггенхайма за всю историю.
Аф Клинт родилась в Стокгольме и училась в Городской Королевской академии изящных искусств, которую окончила в 1887 году и стала широко известна своими фигуративными работами и служила секретарем Ассоциации шведских женщин-художников. В это время спиритизм и теософия набирали силу, поскольку люди, в том числе Аф Клинт, искали способ примирить религию со многими недавними научными достижениями. Эти системы убеждений вдохновили ее первую большую группу нефигуративных, необъективных работ.Названный Картины для Храма, 193 картины были созданы между 1906 и 1915 годами и исследовали дуалистическое восприятие творения, эволюции и Вселенной. Аф Клинт, который планировалось установить в спиральном храме, потребовал, чтобы произведения не показывались раньше, чем через 20 лет после ее смерти.
Эти картины, наряду с некоторыми из ее более ранних работ, составили основную часть выставки в Гуггенхайме — спиральном святилище само по себе.
На фото: Хильма аф Клинт, Десять крупнейших, No.7, Adulthood (1907).
4 Джорджия О’Киф (американка, 1887-1986)
Известная фигура американского модернизма, в 1915 году Джорджия О’Киф была одним из первых американских художников, создавших чисто абстрактное произведение искусства, в отличие от доминирующего движения американского реализма. В книге « Music, Pink and Blue » 1918 года О’Киф абстрагируется от цветочного сюжета с экстремальной обрезкой, создавая арку из разноцветных лепестков, гудящих с музыкальной энергией, предполагаемой названием.Теории русского художника Василия Кандинского частично вдохновили О’Киф на исследование «идеи о том, что музыку можно переводить во что-то для глаз», чтобы достичь чистого выражения, свободного от других внешних ссылок.
На снимке: О’Киф позирует с Pelvis Series Red с желтым (1945) в Альбукерке, Нью-Мексико, в 1960 году.
5 Августа Сэвидж (американка, 1892-1962)
Новаторский скульптор, связанный с Гарлемским Возрождением, Огаста Сэвидж также была влиятельным учителем и активистом, выступавшим за равные права афроамериканцев в искусстве.Сэвидж родилась недалеко от Джексонвилля, Флорида, в 1921 году переехала в Нью-Йорк, чтобы изучать искусство в Cooper Union, обойдя 142 человека в очереди на ее место в колледже. В 1923 году Сэвидж подала заявку на участие в летней художественной программе, спонсируемой французским правительством, но в конечном итоге была отклонена из-за ее расы. Так началась ее пожизненная борьба за демократизацию и уравнивание искусств. Один из ее первых заказов, бюст В. Э. Б. Дюбуа для Гарлемской библиотеки, был хорошо принят, и Сэвидж приступила к лепке других афроамериканских лидеров, включая Маркуса Гарви и Уильяма Пикенса-старшего.
В 1929 году ее скульптура ребенка из Гарлема, Гамин, получила широкое признание и помогла ей получить стипендию для обучения в Академии Гранд Шомьер в Париже, где она выставляла свои работы и выиграла множество наград.
Сэвидж вернулась в Соединенные Штаты в 1931 году и в 1932 году открыла Savage Studio of Arts and Crafts, которая стала Центром искусств Гарлемского сообщества. Два года спустя она стала первым афроамериканским художником, избранным в Национальную ассоциацию женщин. Художники и скульпторы.Всю оставшуюся жизнь художница продолжала создавать новаторские работы — она была одной из четырех женщин, получивших заказ от Всемирной выставки 1939 года — и посвятила свое время обучению искусству окружающих.
На фото: Августа Сэвидж работает над произведением, Нью-Йорк, Нью-Йорк, 1938.
6 Фрида Кало (мексиканка, 1907-1954)
Жестокие автопортреты Фриды Кало с ее культовыми однобровными бровями и усами были однажды описаны Андре Бретоном, основателем сюрреализма, как «ленточки вокруг бомбы».«Действительно, картины Кало одновременно соблазнительны и конфронтационны. В« Две Фриды (Las dos Fridas) »1939 года, завершенной вскоре после развода Кало с мексиканским художником-монументалистом Диего Риверой, Кало изображает две ее личности — одну в традиционном костюме Техуаны со сломанной сердце, а другой — в современной одежде, независимый, с полным сердцем.
Постоянное переделывание и создание слоев собственной идентичности Кало было важным предшественником политики идентичности и продолжает вдохновлять художников сегодня.
На фото: Фрида Кало, Две Фриды (Лас-дос-Фридас) (1939), экспонируется в 2007 году.
7 Луиза Буржуа (французская, 1911-2010)
Луиза Буржуа родилась в Париже в семье, которая занималась реставрацией гобеленов. В детстве она помогала им в мастерской, заполняя недостающие части рисунков, изображенных на гобеленах. Хотя она изучала математику и геометрию в Сорбонне, в конце концов она вернулась в искусство, занимаясь гравюрой, живописью и крупномасштабной скульптурой на протяжении всей своей долгой и разнообразной карьеры.Хотя формально она не была связана с каким-либо конкретным художественным движением, она выставлялась с абстрактными экспрессионистами и исследовала темы, включая одиночество, ревность, гнев, сексуальность и бессознательное в ее работах.
В 1982 году, в возрасте 70 лет, Буржуа наконец-то получила возможность проявить себя, когда Музей современного искусства представил ретроспективу ее работ, на которой были изображены искаженные человеческие фигуры, подвешенные на проводах; тканевые творения, сделанные из ее старой одежды; и огромные скульптуры пауков, которые ей сейчас больше всего помнят.
На фото: Луиза Буржуа, Maman (1999), снято в Гамбурге, Германия в 2012 году.
8 Агнес Мартин (канадка, 1912-2004)
Агнес Мартин, часто ассоциируемая с движением минимализма, существовала в собственной лиге и не поддается простой классификации. Сугубо личная и духовная, Мартин объяснила, что ее картины пришли к ней полностью сформированными, размером с почтовую марку, которые она будет переводить на крупномасштабные холсты.Сверкающая золотая икона « Дружба » 1963 года представляет собой великолепный образец оригинальной картины художника в виде сетки. Изящно прорезанные линии Мартина, кажущиеся совершенными, но при внимательном рассмотрении проникнутые чувством человеческой руки, создают бесконечное поле с таинственным качеством — воплощение запредельного покоя. Ретроспектива работ Мартина открывается в Гуггенхайме в Нью-Йорке в октябре 2016 года.
На снимке: Агнес Мартин, Friendship (1963), на выставке в галерее Тейт Модерн в Лондоне в 2015 году.
9 Леонора Кэррингтон (англо-мексиканка, 1917-2011)
Художница и писательница, известная своими сюрреалистическими работами, Леонора Каррингтон родилась в Соединенном Королевстве и изучала живопись в Школе искусств Челси, а затем в 1936 году перешла в Академию изящных искусств Озенфант в Лондоне. В том же году она приняла участие в Международной Выставка сюрреалистов была привлечена к работам немецкого живописца Макса Эрнста. В следующем году они встретились на вечеринке и завязали короткий роман, живя вместе в Париже до начала Второй мировой войны, после чего Эрнст был арестован местными властями и вынужден был бежать от преследований.Он сбежал в Соединенные Штаты с помощью Пегги Гуггенхайм, на которой позже женился.
Вскоре после разрыва отношений Кэррингтон был госпитализирован с психическим расстройством и лечился сильнодействующими лекарствами. После освобождения она сбежала в Мексику, где ее глубоко вдохновил местный фольклор, который во многом повлиял на ее творчество.
В ее весьма автобиографических картинах есть отсылки к колдовству, метаморфозам и оккультизму, изображены фантастические существа и преследующие сцены. В 70-е годы она присоединилась к Освободительному движению женщин и в 1973 году разработала плакат под названием « Mujeres Conciencia», «».В 1986 году она выиграла Премию за выслугу на съезде женщин-художников в Нью-Йорке за свою приверженность политической работе.
На фото: Леонора Кэррингтон, Испытание Оуэна (1959).
10 Элейн Стертевант (американка, 1924-2014)
Произведения Элейн Стертевант (известной по фамилии) вызывают двоякий взгляд; то, что на первый взгляд выглядит как картина Энди Уорхола или Джаспера Джонса, на самом деле является ее собственной работой, в которой с пугающей степенью точности использованы формы и приемы оригинала.С 1964 года Стертевант использует работы своих современников-мужчин, чтобы поставить под сомнение гендерную иерархию, оригинальность и авторство, а также структуры искусства и культуры.
Фактически, Уорхол даже согласился позволить Стертеванту использовать своего создателя экрана для производства того же экрана Мэрилин, который он использовал в своей собственной работе. Как вспоминает Стертевант, когда Уорхола спрашивали о деталях его процесса, он просил людей «спросить Элейн».
На фото: Элейн Стертевант, Диптих Уорхола (1973), проданный Christie’s в 2015 году.
11 Бетье Саар (американка, р. 1926)
Бетье Саар, одна из самых знаменитых мастеров ассамбляжа, является настоящей иконой в сфере современного искусства. Она родилась в Лос-Анджелесе, училась в Калифорнийском университете в Лос-Анджелесе, который окончил в 1947 году по специальности дизайн, но страстно увлекался гравюрой. В 1967 году она посетила выставку скульптора найденных предметов Джозефа Корнелла, которая коренным образом повлияла на ее творческий путь.Она начала выкладывать сборочные коробки своими собственными гравюрами и рисунками и заполнять их найденными объектами, создавая части, посвященные расам и текущим событиям.
После убийства доктора Мартина Лютера Кинга-младшего в 1968 году ее деятельность стала более откровенно политической и экстремистской. В 1970-е годы Саар был членом Движения черных искусств, состоящего из поэтов, писателей, исполнителей и художников, которые объединили активизм и искусство, чтобы противостоять структурам власти белых и дать голос опыту черных.В ее самой известной работе, Освобождение тети Джемаймы (1972), изображена мамаша-кукла, вооруженная винтовкой и гранатой, готовая бороться с предрассудками, физическим насилием и пренебрежением стереотипами, навязанными чернокожим американцам. Как объяснил Саар: «Моя цель как художника — создавать работы, разоблачающие несправедливость и раскрывающие красоту. Радуга — это буквально спектр цветов, а в духовном смысле символ надежды и обещания ».
На фото: Бети Саар, Brides of Bondage , экспонируется в колледже Сэддлбэк в Мишн-Вьехо, Калифорния, в 1998 году.
12 Хелен Франкенталер (американка, 1928-2011)
Революционная «пятнистая» картина Хелен Франкенталер, Горы и море, 1952 года сыграла ключевую роль в переходе от грандиозного жеста абстрактного экспрессионизма к плоским, медитативным формам живописи цветового поля.
Франкенталер, прежде всего колорист, вылил банки с краской на необработанный холст, позволяя материалу впитаться в основу, образуя аморфные формы.Как женщина абстрактного экспрессионизма, Франкенталер прорвалась через движение, в котором преобладает мужское начало, и позволила услышать свой собственный уникальный художественный голос. В настоящее время ее работы являются частью давно назревшей выставки «Женщины абстрактного экспрессионизма», которая открылась в Денверском художественном музее в июне 2016 года и отправится в Музей монетного двора в Шарлотте и Художественный музей Палм-Спрингс.
На фото: Хелен Франкенталер ок. 1956.
13 Яёи Кусама (яп., Б.1929)
Королева горошек, Яёи Кусама была значительной силой на авангардной арт-сцене 1960-х годов и продолжает раздвигать границы искусства — даже в моде благодаря недавнему сотрудничеству с Louis Vuitton. Ее «хеппенинги» 1960-х годов были революционными, в частности, Narcissus Garden 1966 года, которые художница исполнила на мировой арене на Венецианской биеннале.
Финансируемый другим художником Лучио Фонтана, Кусама собрал 1500 серебряных шаров — трехмерных точек в горошек — на лужайке и предложил их на продажу посетителям по цене 1200 лир (два доллара) каждый в качестве критики коммерциализма мира искусства.
На фото: Яёи Кусама, Сад нарциссов (1966), экспонируется в Чатсуорт-хаусе в Чатсуорте, Англия, в 2009 году.
14 Джуди Чикаго (американка, Б. 1939)
Отдавая дань уважения выдающимся историческим женщинам, художница-феминистка, писательница и педагог Джуди Чикаго отправилась значительно дальше в прошлое, чем Париж конца 18-го века. В The Dinner Party с 1974 по 1979 год в Чикаго была создана культовая инсталляция, посвященная 1038 женщинам в истории, с вышитыми знаменами для входа, выгравированным полом и массивным треугольным банкетным столом с сервировкой для 39 женщин и гостей, начиная с Первородной Богини. Джорджии О’Киф.В настоящее время размещенная в Центре Саклера в Бруклинском музее, инсталляция является центральным элементом феминистского искусства, созданного в поворотный период 1970-х годов, когда художницы-художницы вплотную занялись гендерными проблемами.
На фото: Джуди Чикаго, Ужин (1974–1979), Бруклинский музей.
15 Марина Абрамович (сербка, р. 1946)
Самопровозглашенная бабушка исполнительского искусства, Марина Абрамович развивает свою практику более пяти десятилетий.Она родилась в Белграде, Югославия (ныне Сербия), в семье строгих и тесно связанных с коммунистическим режимом страны. Она изучала живопись в Академии изящных искусств в Белграде, а затем получила степень магистра в Академии изящных искусств в Загребе.
Она начала изучать перформанс в 70-х, отказавшись от холста и вместо этого превратив себя в медиума, чтобы более тесно общаться со своей аудиторией. Включая перформанс, звук, видео, фотографию и скульптуру, ее работа, которая состоит из длинных рутинных процедур, которые часто подвергают ее физической опасности или боли, исследует темы, включая доверие, выносливость, очищение, истощение и уход, и заставляет зрителей смотреть на поскольку она проверяет пределы своего тела.
В 1976 году Абрамович начал сотрудничать с немецким художником Улаем, и они оставались артистическими и романтическими партнерами до 1988 года, когда она обнаружила, что он изменял. В 2010 году Абрамович поставил в Музее современного искусства перформанс, основанный на выносливости, под названием « Художник присутствует ». В течение двух с половиной месяцев она сидела в одном конце стола и приглашала зрителей сесть напротив нее, чтобы ненадолго погрузиться в безмолвную встречу. Удивив Абрамович и доведя ее до слез, Улай сел с другой стороны стола, и они разделили волнующий момент после более чем 20 лет молчания.
На фото: Марина Абрамович выполняет Марина Абрамович: Художник присутствует в Музее современного искусства 9 марта 2010 года в Нью-Йорке.
16 Адриан Пайпер (американец, Б. 1948)
«Дорогой друг, я черный. Я уверен, что ты не осознавал этого, когда делал / смеялся / соглашался с этим расистским замечанием», — говорится в сообщении Адриана Пайпера « My Calling (Card) № 1 с 1986 по 1990 год». Художник-концептуалист и перформанс, Пайпер — первопроходец в решении актуальных проблем, связанных с полом и расой.В своей серии «Мифическое существо » Пайпер превратилась в чернокожего мужчину из низшего сословия и гуляла по улицам Кембриджа, обнажая абсурдность стереотипов общества.
Будучи светлокожей темнокожей художницей, ее конфронтационные работы остаются чрезвычайно дальновидными и значительными сегодня, заставляя нас подвергать сомнению социальную иерархию и восприятие идентичности. Недавно Пайпер была награждена премией «Золотой лев» как лучший художник на 56-й Венецианской биеннале в 2015 году за свою работу The Probable Trust Registry , которая состоит из киосков корпоративного типа, где посетители могут подписывать контракты, соглашаясь жить в установленном порядке. правил, поощряющих личную ответственность.
На фото: Адриан Пайпер получает награду «Золотой лев» на 56-й Венецианской биеннале в 2015 году.
17 Мэрилин Минтер (американка, р. 1948)
Размывая границы между чувственным и гротескным, фотореалистичные работы Мэрилин Минтер обращаются к современным идеалам красоты, сексуальности и человеческому телу в стиле глянцевых модных образов. Известная своими картинами на эмали и металле, у нее есть процесс, который состоит из фотографирования на пленке, обработки их в темной комнате и наложения нескольких избранных изображений для создания совершенно новой композиции, на которой будет основана ее последняя картина.
Получив степень бакалавра в Университете Флориды в 1970 году и степень магистра иностранных дел в Сиракузах в 1972 году, Минтер переехала в Нью-Йорк и начала снимать мягкие сцены, связанные с женской домашней жизнью, такие как пол на кухне и различные продукты питания. В 80-х годах она сфокусировала свой объектив на более чувственных предметах, а именно на женском теле и порнографии. Ее откровенно сексуальные работы вызвали широкую негативную реакцию, что заставило Минтер исследовать, почему страсть, желание и близость были — и остаются — окутанными общественным дискомфортом.Сочетая в себе элементы изящной фотографии моды и красоты, а также яркие рекламные образы, работа Минтера сопоставляет понятия гламура и безупречности (накрашенные губы, ослепленные туфли на шпильке и блестящие веки) с менее желанной реальностью (пот, слюна, волосы и грязь).
На фото: Мэрилин Минтер, Orange Crush (2009), на выставке в ее студии в Нью-Йорке в 2009 году.
18 Синди Шерман (американка, р. 1954)
Известная художница группы Pictures Generation, группы американских художников начала 70-х, известных своим анализом медиакультуры, Синди Шерман создает фотографические автопортреты, критикующие гендер и идентичность.Выступая в качестве режиссера, визажиста, парикмахера, стилиста, модели, сценографа и фотографа, художница превращается в сложных персонажей и снимается в одинаково сложных сценах.
После учебы в Государственном университете Нью-Йорка в Буффало, Шерман переехал в Нью-Йорк в 1976 году, чтобы продолжить карьеру фотографа. Вскоре после прибытия она начала работать над Untitled Film Stills (1977-80), ставшим культовым сериалом, в котором она появляется во множестве обличий и декораций, изображая женские стереотипы, встречающиеся в фильмах и средствах массовой информации, включая несчастную домохозяйку . , брошенный любовник и уязвимый наиф .С тех пор она продолжала превращаться в самых разных персонажей, заставляя свою аудиторию противостоять другим распространенным стереотипам и их искусственности.
На протяжении своей карьеры Шерман сотрудничала с рядом модных брендов, включая Prada, Dolce & Gabbana, Balenciaga и Marc Jacobs, а также с модными журналами, включая Interview и Harper’s BAZAAR . В 2016 году она подрабатывала звездой уличного стиля в сатирической картине в мартовском номере Bazaar за марта.
На фото: Синди Шерман, Untitled # 414 , (2003), на выставке на Национальной портретной галерее в центре Лондона в 2016 году.
19 Ширин Нешат (иранка, Б. 1957)
Ширин Нешат родилась в Казвине, Иран, в 1974 году переехала в Соединенные Штаты, чтобы учиться в Калифорнийском университете в Беркли, получив степень бакалавра и магистра в области изящных искусств в 1983 году. Вскоре после окончания учебы она переехала в Нью-Йорк, где она 10 лет проработал в Витрине искусства и архитектуры.Лишь после возвращения в Иран в 1993 году, через 14 лет после Исламской революции, она снова начала заниматься искусством.
Известная своими работами в области фотографии, видео и кино, проекты Нешат часто исследуют различные оппозиции, от ислама и Запада до мужчин и женщин. Как она объяснила на выставке, организованной инициативой по сбору средств Art 19: «Я всегда считала, что художники должны быть политически сознательными, и в моем личном случае родиться из Ирана, страны, которая подрывает основные права человека, особенно со времен ислама. революции, я бесконтрольно тяготел к созданию искусства, занимающегося проблемами тирании, диктатуры, угнетения и политической несправедливости.Хотя я не считаю себя активистом, я считаю, что мое искусство, независимо от его природы, является выражением протеста и призывом к человечеству ».
Ее первые видеоинсталляции — Turbulent (1998), Rapture (1999) и Fervor (2000) — исследовали гендер и общество, в частности ограниченность исламских законов в отношении женщин; ее первый полнометражный фильм, Mahdokht (2004), снят по роману Шахрнуш Парсипур « Женщины без мужчин, », тоже по теме.Нешат была удостоена впечатляющего количества наград за свои работы, в том числе Международной премии Венецианской биеннале 1999 года и Серебряного льва за лучшую режиссуру на Венецианском кинофестивале 2009 года.
На фото: Ширин Нешат позирует в своей студии в Сохо, Нью-Йорк, 2011 год.
20 Микален Томас (американец, Б. 1971)
Наиболее известная своими картинами, похожими на коллаж, Микален Томас создает яркие портреты и детализированные интерьеры, которые затрагивают такие темы, как сексуальность, расу, красоту и пол, и исследуют, как представление женщин в популярной культуре влияет на наше определение женственности.Используя стразы, которые служат аналогом женственности, Томас привлекает внимание к отдельным компонентам своих вещей (волосы, обувь и т. Д.) И просит зрителей подумать о том, что обычно характеризует женственность.
Вдохновленная множеством движений, в том числе импрессионизмом, кубизмом и дадаизмом, художница часто ссылается на образные работы ранних модернистов, таких как Пабло Пикассо, Анри Матисс и Эдуард Мане, в своих портретах, изображая своих женских персонажей в позах, популяризированных ею. предшественников-мужчин в попытке ниспровергнуть представление женщин как объектов.
Член Движения пост-черного искусства, категории современного афроамериканского искусства, Томас имеет степень бакалавра искусств Института Пратта и степень магистра искусств Йельской школы искусств, а также работает в области фотографии, видео, скульптуры и инсталляций.
На фото: Микален Томас позирует в Artists ‘Studios в Нью-Йорке в 2008 году.
Этот контент создается и поддерживается третьей стороной и импортируется на эту страницу, чтобы помочь пользователям указать свои адреса электронной почты.Вы можете найти больше информации об этом и подобном контенте на сайте piano.io.
Искусство, которое смотрит на то, что видят женщины
Есть ли такое понятие, как «женский взгляд»?
В течение многих лет между учеными-искусствоведами велись споры о «мужском взгляде» или о том, как мужчины рассматривали женские тела как объект, когда они изображали их обнаженными и одетыми на протяжении всей истории.
Что же тогда происходит, когда женщины создают портреты? По-разному смотрят ли они на свои предметы?
Этот вопрос очень много думал куратор Теодора Фишер из Фонда Бейелера, когда она собирала работы для своей нынешней выставки «Крупный план», которая открылась 11 сентября.19 в Beyeler в Базеле, Швейцария.
Выставка включает около 100 произведений искусства и представляет портреты (включая автопортреты) девяти женщин с 1870 года по сегодняшний день, в том числе Мэри Кассат, Фриду Кало, Синди Шерман и Марлен Дюма.
На первый взгляд может показаться, что работы этих художников не связаны между собой: какое отношение маленькие девочки Мэри Кассат, играющие в пятнах солнечного света в саду XIX века, имеют к угрожающему портрету Марлен Дюма 1994 года «Художник», изображающему ее дочь рисует пальцами, на которых руки ребенка кажутся залитыми кровью?
Для г-жиФишера, они представляют собой точки на линии, которая начинается с того момента, когда женщинам «разрешили» рисовать, и заканчивается настоящим, временем, когда их работы получают все большее признание и признание в пантеоне истории искусства.
«Выставка позволяет вам принять участие в альтернативной форме истории искусства», — сказал Донатьен Грау, французский писатель, искусствовед и куратор Музея Орсе в Париже, написавший одно из эссе каталога. По его словам, это история искусства глазами женщин-художников.
За 150 лет, период, который охватывает «Крупный план», женщины в целом и художницы в частности смогли расширить сферу своего влияния за пределы дома и в общество в целом. Этот сдвиг отразился в эволюции портретной живописи от домашней, интимной тематики к изображениям, отражающим социальные проблемы в более широком смысле.
«Идея портрета претерпела коренные изменения в начале периода, актуального для нашей выставки», — сказала г-жа Ф.Вишер пишет в каталоге выставки. Это движение «связано с фундаментальной переоценкой концепции индивидуальности».
Художники-импрессионисты, такие как Берта Моризо, чьи работы также представлены на выставке, и Мэри Кассат сделали первые радикальные шаги в конце 19 века, сказала г-жа Вишер, осмелившись изобразить людей из их ближайшего окружения — женщин, мужчин и других людей. дети, а также они сами.
«Сегодня это может показаться не таким уж особенным, но тогда в те времена это было невероятно важно», — сказала она.«Они создали сдвиг, изменение перспективы, превратившись из модели, человека, на которого смотрит художник, в роль самого художника».
Из 294 портретов Берты Моризо, например, только около 10 изображают мужчин. Остальные — женщины и дети. Отчасти это было связано с тем, что женщинам было запрещено использовать живых моделей до середины 19 века, а отчасти потому, что, по ее словам, «я слишком нервничаю, чтобы заставить кого-либо сесть за меня». Ее моделями были ее мать и сестры, поэтому в определенном смысле она создавала образ мира, в котором жила.
«Крупный план» расположен в хронологическом порядке, каждому художнику предоставляется отдельная комната, на которой выставлено около дюжины работ, — сказала г-жа Вишер. Среди других представленных художников — Паула Модерсон-Беккер, Лотте Лазерштейн, Элизабет Пейтон и Элис Нил.
«На самом деле важно просто представить художников с их портретами, а затем позволить посетителям самому делать сравнения», — сказала г-жа Вишер. «Я уверен, что, например, выйдя из комнаты Алисы Нил и войдя в работы Марлен Дюма, будет очевидно, что существует связь.Или когда кто-то находится в комнате Элизабет Пейтон, он вспоминает Берту Моризо в начале выставки ».
Г-жа Нил, недавно ставшая предметом большой ретроспективы «Элис Нил: люди превыше всего» в Метрополитен-музее в Нью-Йорке, может служить связующим звеном между девятью художниками, сказала г-жа Вишер. Она «важна, потому что ее творчество охватывает этот период с 1930-х до начала 1980-х годов, поэтому она действительно дает некую панораму работ прошлого века.
Как подчеркнула выставка Метрополитена, портреты г-жи Нил были одновременно интимными и публичными; на ее картинах изображены активисты, художники, ее соседи в Восточном Гарлеме, беременные женщины и матери, часто обнаженные. По словам г-на Грау, тема была и остается по своей сути спорной, отчасти потому, что она отражает «предмет, который не должен быть изображен».
По мнению г-на Грау, этих художников часто явно интересуют отношения между художником и его натурщиком, и они изображают эту динамику на холсте.
Их работа «фиксирует эти взаимодействия как часть создания альтернативного мира», — сказал он. «Это не обязательно должен быть так называемый« главный »исторический мир, это может быть мир вокруг вас, который является его собственным политическим ландшафтом».
Другими словами, г-н Грау замечает в своем эссе-каталоге о мисс Пейтон: «Портрет не обязательно должен быть изображением индивидуальности, задуманного как остров, доступ к которому не имеет никто, кроме портретиста. Портрет может стать способом окунуться в море жизни.
Так есть ли «женский взгляд»? Г-жа Вишер сказала, что в конечном итоге она пришла к выводу, что, вероятно, не существует единого способа определить, как женщины-художники воспринимают свои предметы. Но она признала: «Взгляд художников-женщин формируется их жизненным опытом, который у мужчин и женщин различен».
С точки зрения мистера Грау, женский взгляд можно определить как простую тренировку глаз по разным предметам и по-новому. «Взгляд — это способ создания мира, — сказал он, — и он политический.»
Неожиданные истории из женских портретов
В нашем подкасте от 20 августа я рассказываю о нашей новой выставке, открытие которой запланировано на декабрь 2021 года, Sitting Still: Girl Portraits . В частности, мы обсудим портрет двух девочек, Дидо Элизабет Белль и леди Элизабет Мюррей, с увлекательными и неожиданными историями, которые демонстрируют, как жизнь девочек была необычной, одновременно сложной и поддерживающей социальные нормы на протяжении всей истории.
Прежде чем начать, я хочу поблагодарить Эмбер Барнс за ее работу в качестве сокуратора этой выставки и ее исследования для этого подкаста.Выставка Sitting Still — первая из трилогии выставок изобразительного искусства, которую Girl Museum собирается провести в ближайшие годы. Эта первая выставка посвящена девушкам в рисованной портретной живописи. Вторая выставка, Standing Still , посвящена девушкам в скульптуре, а Staying Still — девушкам в фотографических портретах. Как по отдельности, так и в серии, эти выставки исследуют эволюцию женского портрета от эпохи Возрождения до середины 20 века. Каждый из них рассмотрит историю и функции женского портрета и изучит различные способы, которыми художники, натурщики и зрители представляли девичество.
Попутно наши экспонаты задают несколько вопросов. Кто были первыми девушками, появившимися на портретах? Как менялась их тематика со временем? Как это способствовало сохранению или ниспровержению расы, класса и пола и какова была роль портретной живописи в колониальном обществе?
Мы постарались включить в эту выставку как можно больше разнообразных изображений девушек, признавая, что портретная живопись в первую очередь была западной художественной традицией, и поэтому существуют ограничения в отношении того, кто и где делает портреты.
На этой выставке Sitting Still мы представим нарисованные портреты женщин в возрасте до 21 года. Большинство их имен неизвестны, как и многие подробности их жизни, поэтому в некоторых случаях мы делаем обоснованные предположения. Как и во многих других исследованиях, связанных с девушками, сложно понять, с чего начать. Я думаю, что сегодня лучше всего понять, кто изображен на картинке, прежде чем описывать само изображение. И, как это иногда бывает, чтобы добраться до девушки, лежащей в основе истории, мы должны преодолеть патриархат всего этого.
Портрет Дидоны Элизабет Белль Линдси (1761–1804) и ее двоюродной сестры леди Элизабет Мюррей (1760–1825), написанныйДэвидом Мартином (1737–1797), около 1778 года. Оригинал находится во дворце Скоун, Пертшир, Шотландия.
Наша картина представляет собой двойной портрет двух девочек позднего подросткового возраста: Дидоне 17 лет, а Элизабет 18 лет. На нем Элизабет — стереотипная белая английская роза, а Дидона — нет. У нее смешанное наследие, и это делает портрет таким необычным. Как эти две девушки вместе оказались на портрете? Какая у них связь? Вкратце ответ заключается в том, что Дидо Белль (1761–1804) была британской аристократкой смешанной расы, которая была порабощена при рождении и умерла богатой наследницей, а леди Элизабет Мюррей — ее кузина, с которой она росла.
Как и многие истории -х годов века, они начинаются с общего плохого поведения человека. Этот человек — сэр Джон Линдси. Он присоединился к британскому королевскому флоту во время Семилетней войны (1756-1763), которая была битвой между Великобританией, Францией и их союзниками за владение колониями в Америке и Карибском бассейне. Поскольку она имела глобальные интересы, война велась в Европе и по всему миру в различных колониальных регионах, таких как Карибский бассейн, Северная Америка и Индия.В начале 1757 года Линдсей был назначен капитаном HMS Trent , где он служил до конца войны в 1763 году. HMS Trent дислоцировался в Вест-Индии и принимал участие в захвате испанского порта Гавана на острове Куба в августе 1762 года. После войны Линдсей вернулся в Англию, где получил рыцарское звание. Он вернулся в Вест-Индию, командуя кораблем, а затем, наконец, вернулся в Шотландию, где в 1768 году женился на своей жене Мэри. У пары не было общих детей.Однако до женитьбы Джон был плодовитым отцом. Недавние исследования обновили количество детей, которых Линдси родила по крайней мере пяти детям от пяти разных матерей, четверо из которых, как известно, имели африканское происхождение. Дети записаны в записях о крещении в Порт-Рояле, недалеко от Кингстона, Ямайка. В этих записях матери описываются либо по их полному имени, либо как «свободная негритянка» или «свободная женщина-мулатка».
Это наводит на мысль, что, хотя он не женился на этих женщинах, Линдси, возможно, но не обязательно использовал порабощенных женщин.Однако это не проясняет, использовал ли он в своих интересах свободных женщин — просто отсутствует часть порабощения. Известно или считается, что по крайней мере двое из этих пяти детей умерли в возрасте до двух лет. Дидона была старшей из внебрачных детей Линдси. И под незаконнорожденными — термин, который мне очень не нравится, это означает, что их родители не были женаты, когда родились, — социальная традиция, которая диктовала, может ли человек унаследовать отцовское имущество или претендовать на него. Хотя социальные обычаи могут привести к тому, что многие незаконнорожденные дети будут рассматриваться как незаконнорожденные люди (часто из-за очень плохого обращения, принудительного труда или просто игнорирования), на самом деле не означает, что означают, что дети были незаконными или в какой-то мере менее человеческими существами.Это просто означало, что юридически Дидона и ее сводные братья и сестры не были юридически признаны детьми Линдси с правами наследования или содержания.
Дидона родилась в 1761 году на Ямайке. Ее матерью была африканка по имени Мария Белл, рабыня, которую Линдси либо спасла, либо похитила с испанского невольничьего корабля. После спасения / похищения будет обсуждаться статус рабыни Марии. Также кажется, что Линдси взяла Марию Белл как своего рода жену в рамках системы гражданского союза под названием placage, внелегальной системы во французских и испанских рабских колониях в Северной Америке и Карибском бассейне, где европейские мужчины вступали в гражданские союзы с африканскими индейцами. и другие неевропейцы.
Линдси находился в Пенсаколе в испанской Флориде с 1764 по 1765 год, и Дидона жила там с ним. Когда ей было четыре года, Линдсей привез Дидону в Англию, чтобы жить со своим дядей Уильямом Мюрреем, первым графом Мэнсфилд, и женой Мюррея. Пара была бездетной, уже воспитывала Элизабет Мюррей, свою внучатую племянницу, и взяла Дидон в свой дом, предположительно в качестве компаньона для Элизабет.
Дидона мало контактировала со своим отцом из-за того, что он долгое время находился в море.Она крестилась в церкви Святого Георгия, приходской церкви дома лорда Мэнсфилда на Блумсбери-сквер в Лондоне 20 ноября 1766 года в возрасте пяти лет. Сэр Джон Линдси не упоминается как отец Дидоны. Где Мария Белл — мать Дидоны — была в это время, неизвестно, но он, вероятно, поддерживал ее мать Марию или, по крайней мере, поддерживал контакт. Следующее упоминание о ней происходит в 1773 году, когда Линдсей начал процесс передачи части собственности, которой он владел в Пенсаколе, Флорида, Марии с требованием, чтобы она построила там дом.В то время в документах указано, что Мария жила в Лондоне, но год спустя, когда сделка была заключена, она уехала в Америку. В документе она упоминается как «негритянка из Пенсаколы, ранее из Пенсаколы, а затем проживающая в Лондоне». Возможно, Линдси пытался заботиться о ней, а возможно, он хотел переманить ее обратно в Америку. Его намерения остаются неуловимыми.
Дидона выросла в аристократической среде вместе со своей кузиной леди Элизабет Мюррей в Кенвуд-хаусе в Хэмпстед-Хит, Лондон.Жизнь Дидоны в Kenwood House была сложной. Для ребенка смешанной расы было крайне необычно воспитываться не как прислуга, а как часть аристократической британской семьи. Точное положение Дидоны в доме лорда Мэнсфилда неизвестно, но было высказано предположение, что она воспитывалась как леди, а не как служанка. Она руководила молочным и птицеводческим двором Kenwood, обычным хобби для благородных дам 18 века. Она получала годовое пособие в размере 30 фунтов по сравнению со 100 фунтами Элизабет.Однако ее научили читать, писать, играть на музыку и практиковать другие социальные навыки.
В 1784 году скончалась жена лорда Мэнсфилда, а в 1785 году Элизабет вышла замуж за Джорджа Финч-Хаттона, пятого сына седьмого графа Винчелси, и переехала в Иствелл-парк недалеко от Эшфорда в графстве Кент. Дидона осталась в Кенвуде без своего близкого спутника. Когда Джон Линдсей скончался в 1788 году, он не смог передать свое наследство Дидоне, вместо этого оставив его двум другим незаконнорожденным детям. В течение следующих 8 лет она служила секретарем по правовым вопросам лорда Мэнсфилда, помогала ему с его корреспонденцией (необычное занятие для женщин 18 века) и ухаживала за ним, когда его здоровье ухудшалось.
Дидона, однако, оставалась собственностью лорда Мэнсфилда по английским законам того времени. 20 марта 1793 года лорд Мэнсфилд умер в Кенвуд-хаусе. В своем завещании лорд Мэнсфилд заверил Дайдо в свободе, буквально заявив: «Я подтверждаю Дидоне Элизабет Белль ее свободу». Лорд Мэнсфилд дал Дидоне ренту в размере 100 фунтов в год и единовременную выплату в размере 500 фунтов. Лорд Мэнсфилд оставил Дидоне значительно меньше в своем завещании, чем Элизабет, которая получила 10 000 фунтов стерлингов. Однако Элизабет уже получила бы часть своего наследства в качестве приданого, а все имущество Элизабет принадлежало ее мужу по английскому законодательству.Африканское наследие Дидоны, возможно, сыграло свою роль в этом неравенстве, однако незаконнорожденные дети нередко получали меньшее финансовое признание. Примечательно то, что Дидона полностью владела своим состоянием, без законного опекуна или мужа.
Однако вскоре все изменилось. 5 декабря 1793 года Дидона вышла замуж за Джона Давинье, управляющего джентльменом. Они жили комфортной жизнью среднего класса в Пимлико, Лондон. У них было трое мальчиков. К сожалению, Дидона умерла в июле 1804 года в возрасте сорока трех лет, когда ее младшему ребенку было всего 4 года.Она была похоронена на кладбище церкви Святого Георгия в Тайберне. И, к сожалению, ее могилу перенесли, когда в конце 60-х годов прошлого века этот район перестраивали под жилье.
Портрет Дидоны Элизабет Белль и леди Элизабет Мюррей , заказанный семьей Мюррей в 1778 году, когда Дидоне было 17 лет, свидетельствует о сложности взаимоотношений и двойственности грузинского периода с точки зрения расы, класса и семьи. На картине изображена Дидона, стоящая рядом со своей кузиной Элизабет на террасе Кенвуд-хауса.Этот портрет — один из первых, на котором черно-белое изображение изображено почти на равных, на уровне глаз и с прямыми, уверенными взглядами. Дидона — активный участник картины, а не просто аксессуар или раболепная фигура. Обе девушки выглядят с выражениями лиц и улыбками, которые указывают на приятные отношения, и Элизабет также касается руки Дидоны, чтобы показать их сестринскую связь / связь. Аристократическое воспитание Дидоны проявляется в ее роскошном шелковом платье и дорогом жемчужном ожерелье.Тюрбан и корзина с фруктами, которую она несет, наводят на мысль об экзотической разнице между ней и ее более традиционно одетым кузеном, который сидит и читает книгу. Эти детали могут указывать на различия в характере или статусе. Тропические фрукты были очень распространенным аксессуаром для африканских слуг на картинах, принадлежащих аристократии. Эта картина передает двойственность ее статуса в то время: тюрбан указывает на ее экзотическое или неевропейское наследие, а ее платье и украшения демонстрируют ее аристократическое английское происхождение.В картине, благодаря цвету ее кожи, указывается ее непохожесть. Тем не менее, в доме Кенвуд жизнь Дидоны, возможно, не отличалась особой двойственностью, она могла быть просто членом семьи, но прежний рабский статус ее матери никогда не был далек от умы некоторых людей или общества в целом. Хотя этот портрет является важным артефактом, изображающим двух людей в определенный момент истории, мы не можем знать нюансы и сложности их отношений или более широкое значение того, что было необычной ситуацией в то время.
Чтобы узнать больше об этой и других картинах девочек, посетите Sitting Still , когда он выйдет в конце 2021 года.
— Эшли Э. Ремер
Head Girl
Girl Museum Inc.
Девушка у окна | Картинная галерея Далвич
Написанная в 1645 году, когда Рембрандту было 39 лет, эта картина находится где-то между жанром и портретом. Личность девушки остается неясной; в прошлом ее описывали как куртизанку, еврейскую невесту или историческую или библейскую фигуру.Более широко распространено мнение, что она служанка; ее розовая загорелая кожа и смуглые руки подразумевают, что она работала на открытом воздухе. Опираясь на выступ, она смотрит прямо с картины, возясь со своим ожерельем, золотой цепочкой или шнурком, как это видно на манжетах и по швам ее свободной сорочки. Еще она носит небольшой головной убор, возможно, такой, который носят в Северной Голландии, а волосы завязаны красной нитью.
Часто цитируемый отчет французского теоретика искусства и одного из первых владельцев работы Роджера де Пильса (1635–1709) утверждал, что Рембрандт поместил эту картину в свое окно, и прохожие приняли ее за настоящую девушку.Хотя эта история не была строго правдой, она послужила общим комментарием к способности Рембрандта создавать реалистичные портреты, которые могли соблазнить его зрителей. Такие картины trompe l’oeil, где объект, казалось, выступал из рамы картины, стали популярными в 17, и годах, и Рембрандт продолжал использовать и адаптировать эту позу на протяжении всей своей карьеры.
Уверенные мазки и краска импасто типичны для стиля Рембрандта 1640-х годов. Во время недавней консервации этой картины обесцвеченный лак был осторожно удален, обнажив смелую смесь цветов на лице модели.Рембрандт часто наносил краски не только пальцами, но и мастихином.
Работы по теме
Статьи по теме
Различия между портретами Алисы Нил
Ей не было бизнеса переезжать в пригороды.Как правило, милые белые художницы, такие как Элис Нил, жили среди себе подобных, в Деревне, или они ходили туда, куда шли художники-мужчины, и помогали рассказывать истории этих парней первыми. Но Нил всегда хотела иного образа жизни, поэтому в 1938 году в возрасте тридцати восьми лет она решила покинуть то, что она пренебрежительно назвала «хонки-тонк» атмосферой Деревни, и переехать в испанский Гарлем, где жили европейские иммигранты. уступая место доминиканским и пуэрториканским иммигрантам. Она узнала это место, наблюдая, а затем раскрашивая то, что она видела и хотела понять: «новую» разнообразную Америку, населенную цветными мужчинами, одинокими матерями, сидящими на ступеньках, и отдыхающими детьми.Как и в рассказах Чехова, в ее несатирической, демонстративно политической работе «другого» нет — только мы, без слез. Сообщество — это семья, которую вы выбираете. Нил выбрал Гарлем и сказал об этом в стихотворении без названия:
Я люблю тебя Гарлем
Твоя жизнь, твоя беременная
Женщины, твои линии помощи
За пределами банка. . .
Какое сокровище добра
И жизнь рушится. . .
Нил переехала в испанский Гарлем вместе с Хосе Сантьяго Негроном, пуэрториканским музыкантом из рабочего класса, у которого в следующем году родился ее третий ребенок, Ричард.(Первым и единственным мужем Нил был художник Карлос Энрикес Гомес, от которого у нее было двое детей: Сантильяна, 1927 года рождения, умершая от дифтерии в младенчестве, и Изабетта, родившаяся в 1928 году, которую Гомес увезла на Кубу, когда ей было два года. На протяжении более двадцати лет квартира Нила в Гарлеме, железнодорожная квартира, наполненная жизненными вещами, была ее студией и промежуточной станцией, домом, где она воспитывала двоих детей на пособие — своего четвертого ребенка. Хартли, сын нестабильного режиссера Сэма Броуди, родился в 1941 году. Он изо всех сил пытался отправить их в хорошие школы и делал работы, которые практически игнорировались, пока она не стала своего рода феминисткой в начале семидесятых.(Она умерла в 1984 году.) То, что ей удалось сделать что-либо из этого, — лишь одна из волнующих повествовательных нитей, которые проходят через захватывающую ретроспективу «Элис Нил: люди первыми» в Метрополитене до 1 августа. Другая — ее вера не только в силу других людей, но и в силу и необходимость формулировать глубочайший язык, который создает «я». «Вы знаете, что нужно, чтобы стать художником?» Нил говорит в биографии Фиби Хобан 2010 года «Элис Нил: искусство не сидеть красиво». «Гиперчувствительность и воля дьявола.Никогда не сдаваться ».
Нил родился в 1900 году и вырос в Колвине, штат Пенсильвания, примерно в десяти милях от Филадельфии. Колвин был достаточно хорошей версией «старой» или устоявшейся Америки, которую Нил почти никогда не рисовал. (Не каждому художнику нужно оглядываться назад, чтобы смотреть вперед.) Ее отец работал на Пенсильванской железной дороге, а ее мать, как говорят, была потомком Ричарда Стоктона, одного из подписавших Декларацию независимости. Почти с самого начала Нил, чувствительная девушка, склонная к тревоге, почувствовала, что акт визуализации мира успокаивает; живопись вскоре стала воротами в жизнь и оплотом против людей, которые говорили, что она не имеет права на ее получение.По словам Хобана, когда Нил сказала бабушке, что хочет стать художницей, пожилая женщина сказала: «Я не знаю, что ты собираешься делать в этом мире, Алиса. Ты всего лишь девочка. Сопротивление порождает стойкость. Талант необходимо защищать, особенно если он рассматривается как угроза. И что может больше угрожать статус-кво, чем провидец?
В 1921 году Нил поступила в Филадельфийскую школу дизайна для женщин. Одним из ее ранних влияний были работы Роберта Анри, основателя школы Ашкан — движения, которое бросило вызов буржуазной привлекательности работ американских импрессионистов.Школа Ашкана фокусировалась на том, что импрессионисты упускали из виду — бедности, заброшенности, уродстве. Реализм Нила пошёл дальше. Она была не Ашканом, а эмоциональным ублюдком, добытчиком сложных истин.
«Джеки Кертис и Ритта Редд» 1970 года. Художественная работа © Estate of Alice NeelПокойный историк искусства Линда Ночлин — герой поразительно яркого портрета 1973 года на выставке Met — описывает в своем основополагающем эссе 1971 года «Почему? Не было ли великих женщин-художников? »- настаивание девятнадцатого века» на скромном, профессиональном, унизительном уровне дилетантства как «подходящем достижении» для хорошо воспитанной молодой женщины.«Женщина-художник могла занять место в мире искусства только в том случае, если она знала, как оставаться на своем месте. Нил, родившийся в начале нового века, ничего из этого не испытывал. И вы можете почувствовать ее ярость и отвращение, когда она описывает некоторых из своих одноклассников. «Были все эти богатые девушки, которые учились в школе, — говорит она в книге Хобана. «Я понял, что пришел не для этого. . . . Три года я так усердно работал, потому что совесть собиралась пойти в художественную школу ». Эта совесть дала ей понять, что она может ходить в школу, в то время как многие другие не могут.«Когда я приходила в школу, уборщицы возвращались после того, как всю ночь мыли полы в офисе», — сказала она. «Меня убило то, что этим старым седовласым женщинам приходилось мыть полы, а я собирался туда рисовать греческие статуи».
Вы можете увидеть глубокое переживание Нил всего того, что ее нет в некоторых из самых ранних работ в шоу Met, включая замечательную «Купание в меблированной комнате» (1927). Картина кажется почти нарисованной из-под поверхности объективного взгляда, то есть взятой откуда-то — из подсознания? сердце? — которое прекрасно настроено на изоляцию.
Обычное наблюдение о великих портретистах состоит в том, что они всегда каким-то образом рисуют себя. Гений Нил заключался в том, чтобы заставить нас понять не только ее интерес к предметам, но и то, почему мы интересуемся друг другом. «Элис Нил: Люди превыше всего», были совместно подготовлены Келли Баум и Рэндаллом Гриффи с ясностью и строгостью. Они организовали галереи по восьми основным темам в жизни Нила как женщины и художника, включая дом, материнство и обнаженную натуру.В рамках этих категорий картины в основном развешаны в хронологическом порядке, чтобы мы могли видеть, как Нил развивался и менялся по каждой теме. Сначала это показалось мне слишком строгим, но после второго визита я увидел в этом логику: у Нила слишком много художественных слоев для прямого хронологического шоу. В работе есть глубокая духовная составляющая; ее напряженные и повседневные поверхности кажутся стеной, через которую она хочет, чтобы души ее подданных встретились с нашими. Время от времени ее сосредоточенность, ее желание понять, кто ее предметы и, соответственно, кем вы могли бы быть, может заставить вас выскочить из галерей, чтобы подышать воздухом.
Картины Нила никогда не дают отдохнуть, а почему они должны? Она никогда не отдыхала. Казалось, она тянулась к чему-то всю свою жизнь. Может быть, любовь, но никогда не была безопасностью или безопасностью, которые были для нее анафемой. После смерти Сантильяны Нил сломался. Было несколько попыток самоубийства, и были мужчины, то беспомощные, то контролирующие, некоторые из которых оставили ее, и по крайней мере один из них — Кеннет Дулиттл, моряк и опийный наркоман — разрушил часть ее работ. Конфликт, отсутствие, потеря, юмор, драма и непростое временное разрешение характеризовали ее отношения, и возникает ощущение, что Нил был привлечен к неприятностям, чтобы проверить свои силы, ее гордость за то, что она последним стоит среди обломков и обломков. азарт жизни.
Все это особенно подчеркивает одна картина. Когда дочери Нила Изабетте было почти шесть лет, она навестила свою мать — они впервые увидели друг друга с тех пор, как девочка была совсем маленькой. Чтобы отметить это событие, Нил нарисовал Изабетту. После того, как Дулитл разрезал картину, Нил перекрасил ее. В «Изабетте» (1934-35) ее дочь, которую Нил знает и не знает, стоит перед ней обнаженной, положив руки на бедра и глядя прямо перед собой; она элегантна, чужеродна и холодна, как номинальная фигура на большом старинном автомобиле или ребенок в фильме ужасов.Кажется, что ее не смягчает материнская любовь; действительно, его отсутствие могло закрыть ей путь. Картина как раз о неповиновении Изабетты — Кто может любить меня ? Вы осмеливаетесь ? — поскольку дело в воле Нила быть художником, чтобы видеть объективно, даже если это означает видеть расстояние от нее ребенка. На эту картину сложно смотреть, и так должно быть; трудные жизненные моменты пошли на его создание.
«Девятая авеню Эль», 1935 г. Художественное произведение © Поместье Алисы НилПосле более чем двадцати лет в испанском Гарлеме Нил переехал в квартиру в Верхнем Вест-Сайде.Там ее судьба начала меняться; молодые искусствоведы, в том числе Гарольд Розенберг из этого журнала, открыли для себя ее работы, хвалили и поддерживали их. В начале семидесятых, когда она продолжала рисовать нью-йоркцев, которые носили свою инаковость как форму маскарада и рану — «Джеки Кертис и Ритта Редд» и «Энди Уорхол» 1970 года были шедеврами такого рода — ее Картины набирали силу, отчасти из-за своей простоты. Она не показывала комнату, в которой сидела ее испытуемая, даже не жестикулировала в ее сторону.(Голубое пятно на многих пост-гарлемских фотографиях указывает на свет от голой лампочки, которую Нил использовал для освещения своих натурщиков.) Это было не столько вопросом времени, которое смягчило взгляд Нил, сколько ее авторитет, расслабляющийся сам по себе.
Эти великие, почти невыносимые поздние произведения свидетельствуют о бравурности без тени самосознания. Вы можете увидеть это в «Кармен и Джуди» (1972), портрете уборщицы Нила, ухаживающей за своим ребенком-инвалидом.